Revista festival sitges 2014 by carlos

SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantástico de Catalunya Es el primer festival de cine fantástico del mundo y constituye, al mismo tiempo, la manifestación cultural con más impacto mediático de Catalunya. Con una sólida trayectoria, el Festival de Sitges constituye un estimulante universo de encuentro, exhibición, presentación y proyección del cine fantástico de todo el mundo. Nacido en 1968 como 1ª Semana Internacional de Cine Fantástico y de Terror, el Festival es hoy una cita obligada para los amantes del cine y para el público deseoso de entrar en contacto con las nuevas tendencias y tecnologías aplicadas al cine y al mundo audiovisual. La condición de Sitges como el primer festival de cine fantástico del mundo le permite recibir la visita de intérpretes, directores y productores del nivel de Quentin Tarantino, Sir Anthony Hopkins, Jodie Foster, Paul Verhoeven, Ralph Fiennes, George A. Romero, Cameron Diaz, Viggo Mortensen, Terry Gilliam, Rutger Hauer, Sarah Michelle Gellar, John Landis, Joe Dante, Zoë Bell, Dino de Laurentii, Takashi Miike, Wim Wenders, Tony Curtis, David Cronenberg, Vanessa Redgrave, Darren Aronofsky, Brad Dourif, John McNaughton, Peter Greenaway, John

Woo, Park Chan-Wook, Johnnie To, Paul Naschy, Ray Liotta, Jon Voight, Sam Raimi, Robert Englund, Tarsem Singh, Roger Corman, Mira Sorvino, Santiago Segura, Narciso Ibáñez Serrador, Guillermo del Toro, Kim Ki Duk, Álex de la Iglesia, Aitana Sánchez Gijón, entre una larga lista que, año tras año, constituye un reclamo para los medios de comunicación. El Festival está regido por una Fundación, integrada por representantes del Ajuntament de Sitges, la Generalitat de Catalunya y otras instituciones, asociaciones y empresas públicas y privadas. La mayor parte de sus recursos proceden de los patrocinadores, compañías e instituciones colaboradoras, que entienden su alianza con el Festival como una excelente plataforma de proyección y branding. Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya forma parte de la E.F.F.F.F, además de ser la sede elegida año tras año para la entrega del premio Méliès d’Argent que otorga la Federación.

Índice Palmarés sitges 47

Zak Hilditch

Mike Cahill

The Signal

Orígenes

Rec 4

The babadook

Jaume Balagueró

Jennifer kent

Jim Mickle

Cub

A Girl Walks Home Alone at Night

Maps to the Stars

Han Gong-Ju

Jonas Govaerts

Ana Lily Amirpour

These Final Hours

Veronika Franz

The world of Kanako

Goodnight Mommy

Julianne Moore

Hyena

Young Ones

Programación

Jamie Marks Is Dead

Palmarés sitges 47

Sección Oficial Fantástico Sitges 47 Premio a la mejor película, Orígenes Mike Cahill. Premio especial del jurado, The Babadook Jennifer Kent. Premio a la mejor dirección, Cub Jonas Govaerts. Premio a la mejor actriz, The Babadook Essie Davis.

Maps to the Stars Julianne Moore. Premio al mejor actor, These Final Hours Nathan Phillips. The World of Kanako Koji Yakusho. Premio al mejor guión, Young Ones Jake Paltrow. Premio a la mejor fotografía, Jamie Marks is Dead Carter Smith. Premio a los mejores efectos especiales, The Signal William Eubank.

Premio al mejor cortometraje,

Óscar desafinado Mikel Alvariños. Mención especial, Pos eso Sam. What We Do in the Shadows, Taika Waititi y Jemaine Clemente. A Girl Walks Home Alone at Night Ana Lily Amirpour. Spring Justin Benson y Aaron Moorhead. Gran Premio del Público, What We Do in the Shadows Taika Waititi y Jemaine Clemente.

Sección Oficial Fantástico Órbita Premio a la mejor película, Hyena Gerard Johnson. Premio al mejor director, Cold in July Jim Mickle.

Mención especial, ‘71 Yann Demange.

Sección Oficial Fantástico Panorama Nuevas Visiones Premio a la mejor película, The Treatment Hans Herbots. Mención especial, Creep Patrick Brice. Premio al mejor largometraje, Goodnight Mommy Veronika Franz y Severin Fiala. Premio al mejor cortometraje, Autumm Harvest Fredrik S. Hana.

Premio a la mejor película de ficción, Han Gong-ju Lee Su-jin.

Premio mejor película no ficción, Non Fiction Diary Jung Yoon-suk. Mención especial The Duke of Burgundy de Peter Strickland.

Premios de la Crítica Focus Asia Premio José Luis Guarner, Réalité Quentin Dupieux. Mención especial Goodnight Mommy Veronika Franz y Severin Fiala. Citizen Kane Premio al mejor director novel, A Girl Walks Home Alone at Night Ana Lily Amirpour. Mención especial, When Animales Dream Jonas Alexander.

Premio a la mejor película, Mad Sad Bad Han Ji-seung, Kim Tae-yong y Ryoo Seung-wan. Mención especial, Hwayi: A Monster Boy Jang Joon-hwan.

Premio Brigadoon Paul Naschy

Phonetastic Sitges Mobile Film Festival

Premio al mejor cortometraje, Line Up Àlex Julián.

Premio al mejor cortometraje, Sector Zero 4 Alfonso García López.

Carnet Joven

Premio del Público, Intrusos Iván Mourin.

Premio a la mejor película, Sección Oficial Fantàstic, A Girl Walks Home Alone at Night Ana Lily Amirpour. Cub Jonas Govaerts. Premio a la mejor película de Midnight X-Treme, The Houses October Built Bobby Roe. Premio Emergetes, Amor Eterno Marçal Forés. Premio Experimenta, The Tribe Myroslav Slaboshpytskiy.

Anímate

Blood Window

Premio al mejor largometraje, The Satellite Girl and Milk Cow de Chang Hyungyun.

The Stranger Guillermo Amoedo.

SGAE Nueva Autoría Premio a la mejor realización, Puño y metal, Víctor Alonso Berbal Universidad Pompeu Fabra. Premio al mejor guión, Dinosaurios Joaquín Barceló y Amanda Gómez Universidad Ramon Llull Blanquerna. Premio mejor música original, Pilato, Pilato Alain Gómez Reglá y Luis Daniel González Escuela de Cine Bande à parte.

Premio al mejor cortometratge Pineapple calamari Kasia Nalewajka. Mención especial, Dinner for Few Nassos Vakalis.

Cuanto más realista sea una película, más creíbles serán los elementos fantásticos. Hoy en día, hay muchos festivales de cine por todo el mundo, así que si la película es interesante, la gente la acabarán viendo. Sin embargo, la distribución comercial es un juego muy complejo. No soy ingenuo, sé que el hecho de que Fox haya distribuido mis dos películas y que se hayan visto en Sundance han sido dos factores claves en la vida comercial de los dos filmes. En este sentido, me siento muy afortunado. Orígenes plantea un futuro inmediato en un contexto realista. ¿Hay un trabajo previo de documentación científica? Toda la ciencia que sale en la película está basada en hechos reales. La modificación de ratas ciegas para que puedan ver es real. también lo es el trabajo con gusanos cuanto más realista sea una película, más creíbles serán los elementos fantásticos.

MIKE CAHILL En un contexto en el que el cine low cost se ha normalizado. ¿Cree que el fin justifica los medios? Estudié economía, y lo que aprende allí es que no sólo el dinero tienen valor. El tiempo también tiene, y la dedicación, la investigación y este tipo de procesos que en principio son tan difíciles de cuantificar económicamente. Siempre hay que poner de relieve este trabajo previo, que consiste en pensar. Hoy en día, resulta más fácil acceder a según qué herramientas de producción. ¿La distribución y la exhibición siguen siendo las partes más delicadas para el éxito de una película? 6

La película también habla sobre la capacidad de la ciencia para manipular nuestra genética. ¿Cree que algún día llegarán a cruzar límites éticos imperdonables? Estos límites se han traspasado, y de manera ilegal quizás todavía no somos conscientes, sin embargo, en algunos laboratorios del planeta, la ética ya se ha perdido, ya somos capaces de clonar y manipular el ADN. Viendo Gattaca uno se da cuenta que la película expone cosas que ya son completamente posibles hoy en día. Estamos a punto de abrir la caja de Pandora en cuanto a la manipulación genética de nuestra propia identidad. Hoy en día, los elementos fantásticos se están introduciendo cada vez más en todo tipo de géneros. ¿A qué cree que es debido? No sé, pero creo que el público está igual de abierto al género fantástico hoy en día que en la época del estreno de El viaje a la luna deMéliès. Orígenes tiene un presupuesto mayor que “Otra tierra”. ¿Se pierde control cuando se sube el peldaño en la escalera de producción? En esta película, no, porque sigue teniendo un presupuesto pequeño, de 20 millones de dólares. Si algún día hago una de 100 millones, también intentaré tener el control absoluto, aunque cuando este día llegue quizás tendré 200 años.

Orígenes Orígenes se despliega en muchas y distintas direcciones

Las alarmas saltan cuando en 2011 una cinta rosada con cuatro duros se llevó el Méliès d’Or a la mejor película fantástica del año justo después de conquistar Sundance. Otra tierra ponía sobre el mapa a Mike Cahill y a toda su panda de amigos, los mismos con los que levantaría otros proyectos, como Sound of my Voice. Sin embargo, resulta difícil evitar la comparación de Cahill con la carrera de Shane Carruth (Primer, Upstream Color), cuyas películas mantienen el mismo tono fantástico que el cine de Cahill. Ambos cineastas ejercen de auténticos hombres orquesta, escribiendo, montando y produciendo sus propias películas. En esta tesitura, las expectativas por ver lo nuevo de Cahill eran más que altas. El director americano no ha defraudado. Con la estupenda Brit Marling (mejor actriz en la edición de Sitges de 2011 por Otra tierra) al frente de un reparto que completan Michael Pitt y la catalana Astrid Bergès-Frisbey, la película arranca en el momento en el que un chico conoce a una chica cuyo iris ocular tiene la capacidad de cambiar de color. Orígenes se despliega en muchas y distintas direcciones, tanto desde el punto de vista del contenido (una historia de amor que combina con audacia conceptos científicos y metafísicos) como en sus imágenes, cuyo magnetismo y singularidad visual convierten su visionado en una experiencia poderosa y envolvente.

The babadook Elegante hasta decir basta y con un insultante dominio de la atmósfera

Pocos hubieran podido imaginar que sería una cinta australiana la que descorcharía con todos los honores la botella del terror clásico en la sección oficial de este año. Elegante hasta decir basta y con un insultante dominio de la atmósfera, The Babadook se ha convertido por derecho propio en una de las películas más importantes del año. Jennifer Kent parece no despeinarse a la hora de jugar a su antojo con un buen puñado de lugares comunes que pondrían nervioso hasta al más veterano. La directora es capaz de proponer como nuevos algunos elementos aparentemente agotados a través de un planteamiento formal exquisito: un montaje que no da tregua, un ambiente sonoro expresivo, el trabajo sobre el sonido es excelente, y un descaro en el manejo del fuera de campo más propio de un maestro que de una debutante esta es la primera película de Kent, que empezó como actriz en series de televisión. Como colofón, Kent se permite el lujo de incluir toda una retahíla de referentes que acaban con un majestuoso homenaje al cine mudo en general y a nuestro querido Méliès en particular.

Que sea algo sobrenatural o psicológico depende realmente del espectador Sobre cómo empezó a trabajar con la productora Kristina Ceyton… Sabía por experiencia lo importante que es un productor. Es fundamental no sólo para asegurar la financiación de la película, sino también para la protección creativa de la misma. Así que, en este caso, que tiene un concepto un tanto peculiar, me interesaba mucho contar con alguien que fuera un igual y que estuviera muy centrado en el aspecto creativo; alguien que pudiera pasar tiempo queriendo entender mis ideas y queriendo protegerlas. Me encanta Kristina. Era una amiga de un amigo, alguien a quien conocía socialmente, y ha estado asombrosa. Ha protegido de verdad la película. Gracias a ella, ha podido mantenerse pura desde el primer momento. ¿Cuáles son los temas de Babadook que te interesa contar? Me fascina lo que le sucede a la gente cuando no afrontan las cosas y reprimen los problemas que tienen. ¿Adónde va todo eso? De modo que, si una persona sufre una experiencia trágica y no la afronta.

JENNIFER KENT ¿Cómo se te ocurrió la historia de Babadook? La idea de Babadook no fue realmente algo consciente, no se me encendió de pronto ninguna lucecita y pensé: “¿Qué tal esta idea?”. Empezó más bien con una sensación y un germen de una idea que fue creciendo con el tiempo. Pero supongo que el cortometraje que hice llamado “Monster” sirvió como base, luego empecé a soñar qué más podía ofrecer esta historia y fue desarrollándose a partir de eso.

¿cómo afecta eso a su vida? Supongo que Babadook es una exploración de esa idea, contada de una forma muy exagerada.En el caso de Babadook, Amelia reprime tanto esos terribles sentimientos que generan una energía que se transforma en algo y se escinde de ella. Se convierte en algo aparte de ella y empieza a controlarla. ¿Y qué es esa cosa? Tengo mi opinión sobre lo que es. Pero depende del público interpretar lo que es. Que sea algo sobrenatural o psicológico depende realmente del espectador. Pero esa es la idea básica para mí. Ese es el meollo de la película. ¿Qué piensas que sacarán los espectadores de la película? ¿Con qué conectarán? Espero que los espectadores puedan decidir por sí mismos lo que es eso del Babadook. Y espero que los espectadores capten las razones más profundas por las que escribí este guión, de modo que no sea simplemente una película que los asuste, sino quetambién los emocione de otra manera.

Cub Govaerts, que ganó el Méliès de Oro en Sitges en 2008, regresa al festival con su primer largo

En un momento de La piel que brilla, la película de culto de Philip Ridley, el personaje interpretado por Viggo Mortensen se encontraba a un niño y le preguntaba por qué no estaba jugando con sus amigos. El niño, lacónico, le contestaba: “Todos mis amigos están muertos”. Y esto es lo que podría ocurrirle a Sam, el protagonista del debut de Jonas Govaerts, con el agravante de que sus compañeros del campamento ni siquiera son sus amigos, sino que se burlan cruelmente de él cuando intenta avisarles de que hay algo oculto en el bosque. Govaerts, que ganó el Méliès de Oro en Sitges en 2008, regresa al festival con su primer largo, en el que demuestra no sólo una gran fuerza visual sino también un profundo amor y conocimiento del género. Cub es de esas películas que no esconde su intención de asustar y divertir, pero no a costa de la originalidad y del carácter. Imaginad un cruce entre La presa de Walter Hill, Viernes 13 y la reivindicación de una infancia despierta e insolente presente en los libros de Mark Twain. Imaginad, para hacerlo más sencillo, un slasher juvenil retorcido y aterrador que desafía sin rubor toda convención habida y por haber. O, mejor, dejad de imaginar, dejad de leer. Venid a verla y luego nos contáis. El baño de sangre final merece la pena.

Maps to the Stars El humor siempre ha estado latente en el universo del director de una historia de violencia

Para aquellos que vivimos una existencia gris y sin glamour, y levantándonos cada mañana para hacer frente a la aglomeración de vidas desperdiciadas que nos espera en el transporte público, escuchar los chismorreos que rebajan a los famosos a la altura del betún nos llena de un placer indescriptible. Más aún si estas historias (auténticas o no, ¡qué más da!) tienen lugar en Hollywood, y convierten la meca del cine en un nido de víboras. Bruce Wagner sabe un rato de estos asuntos, ya que sus guiones y sus novelas están repletos de dardos envenenados que radiografían sin compasión el desolador panorama de la industria del cine y sus alrededores. El humor siempre ha estado latente en el universo del director de una historia de violencia, pero nunca hasta ahora se había acercado de forma tan clara a la satirización de unos personajes que, en este caso se muestran perdidos en el laberinto de sus propias neurosis. A este juego se suma un Robert Pattinson sin miedo a parecer alelado y ridículo, y que ha pasado de ocupar el asiento trasero de la lujosa limusina de Cosmópolis a ponerse al volante del coche que conduce a Agatha (Mia Wasikowska) por el bulevar de los sueños rotos. Como Naomi Watts en Mulholland Drive, Agatha llega a Hollywood con una inocencia desarmante, solo para comprobar que el pasado con el que pretendía reconciliarse es una herida que sigue doliendo, como las quemaduras que recorren su cuerpo. Su anomalía física hace de ella la mutante de Maps to the Stars; el único personaje que ha exteriorizado su deformidad (su “nueva carne”), a diferencia de los monstruos que la rodean: actrices descarriadas y mezquinas, que vuelven una y otra vez sobre una infancia de abusos; estrellas infantiles con una superdotada noción del cinismo; fisioterapeutas que venden el lema de mente sana in corpore sano mientras se comportan como mafiosos extorsionadores.

En la infancia a menudo vives estas situaciones de aislamiento Fue una idea del productor que, finalmente, terminó siendo una gran ventaja para la película. El crowdfunding aún era un método inédito en Bélgica, y el hecho que nosotros decidiéramos utilizar este recurso atrajo mucho la atención de los medios de comunicación y ayudó a llevar el proyecto a buen puerto. ¿Es Cub, de alguna manera, una película sobre el bullying? Yo la veo más bien como una película sobre la soledad, sobre el hecho de encontrar tu lugar y tu gente. En la infancia a menudo vives estas situaciones de aislamiento, en el que parece que nadie te hace caso. El bullying podría llegar a degenerar en una situación como la de la película, pero en principio se trataba de retratar esta soledad. ¿Iba de campamento cuando era pequeño? Sí, claro, fuí escolta y monitor, pero solía estar más al bando de los bullies que en los maltratados. Recuerdo que el tótem de mi agrupación era un tucán con el pico muy grande, y que a mí me decían precisamente el tucán fantasioso.

JONAS GOVAERTS ¿Después de haber dirigido varios cortos, que sintio respecto a lanzarse a hacer el primer largo? Lo que me daba más miedo era escribir el guión desde cero. Todos mis cortos son adaptaciones, en cambio, este era como un salto al vacío. Cuando, en Toronto, la película se enseñó al público por primera vez y vi que la gente se lo pasaba bien y que los diversos elementos funcionaban, me sentí un poco más seguro. ¿Como fue la experiencia de buscar financiación mediante el crowdfunding? La experiencia fue muy buena. 14

¿Un elemento de las colonias es la presencia de una monitora bonita, como la que vemos en la película, en la que todos los niños se fijan? Totalmente. Todos los elementos de la vida en el campamento que aparecen en Cub son autobiográficos. Sin duda, la historia de la chica en la que uno quiere ayudar porque es bonita se había repetido con frecuencia en los años en que fuí de colonias. El personaje de la película es una mezcla de varias chicas que conocí; de hecho, había una, a los 12 años, de la que estaba perdidamente enamorado. En uno de sus cortos, Of Cats And Women, vemos como la protagonista mata salvajemente un gato. En Cub, en una escena algo similar, un perro es golpeado hasta morir. ¿Qué le pasa con los animales? No tengo nada contra los animales, sino que, sencillamente, la escena del perro de Cub está inspirada en la del gato de aquel cortometraje. Cuando hice el corto aquello no estaba el guión, fue algo que surgió sobre la marcha. Aquello me gusto y recuperé esta idea en el largometraje. ¿Como es su relación con Richard Christian Matheson, de quien ha adaptado dos relatos y quién es uno los productores de Cub? Esta vez, la película no se basa en nada suyo, pero ha sido una gran fuente de inspiración.

These Final Hours Los seres humanos, enfrentados a sus últimas horas, comienzan a sacar las bestias que llevan dentro

Las ficciones pueden ser muchas cosas, pero hay preguntas que la mera formulación de las cuales es capaz de ponernos la piel de gallina. ¿Qué harías y cuáles serían tus prioridades si el mundo estuviera a punto de acabarse? En los últimos años, Sitges ha proyectado un buen número de películas que se hacían eco de esta cuestión, ofreciendo todo tipo de visiones. Después de que en Australia se haya hablado mucho y bien, ahora nos llega These Final Hours, la emocionante ópera prima de Zak Hilditch, una película que nos introduce en la vida de James, un hombre que ya no puede soportar el hecho de perder a su novia embarazada para siempre, y marcha a emborracharse a una fiesta salvaje; probablemente, la última fiesta salvaje de Australia. Por el camino, sin embargo, salvará a una chica joven que le hará replantearse sus planes mientras, a su alrededor, todo se está hundiendo y los seres humanos, enfrentados a sus últimas horas, comienzan a sacar las bestias que llevan dentro.

The World of Kanako El último film de Nakashima nos fuerza a compartir el viaje de Akikazu Fujishima, un ex policía alcohólico que investiga la desaparición de su hija Kanako

Una de esas películas que polarizan el público, que encienden las discusiones hasta el extremo de que dos amigos de el alma lleguen a las manos. Afortunadamente para los amantes de la polémica, ya tenemos entre nosotros la última obra de Tetsuya Nakashima, veterano realizador japonés que se abrió un agujero en el panorama internacional gracias a títulos como Kamikaze Girls y Memories of Matsuko. En el Festival, nos llevó Confesiones, un oscuro cuento de venganza que emanaba una violencia moral difícil de soportar. Ahora podemos leer aquella película como un hermano y a la vez un contrapunto a The World of Kanako. En Confesiones, encontrábamos una madre que elaboraba un retorcido esquema para ajustar cuentas con los responsables de la muerte de su hija. El último film de Nakashima nos fuerza a compartir el viaje de Akikazu Fujishima, un ex policía alcohólico que investiga la desaparición de su hija Kanako. A medida que Fujishima descubre detalles sobre la auténtica personalidad del fruto de sus extrañas, del impenetrable monstruo que se escondía bajo la apariencia de una joven inocente, su propósito se convierte en el de encontrar a Kanako para corregir el mal que él mismo ha traído al mundo (un elemento que, curiosamente, vincula la película con Cold in July). Así como la violenta personalidad de Fujishima (un extraordinario y repugnante Kôji Yakusho) hace de él uno de los protagonistas más desagradables del cine reciente, la forma en que Nakashima cuenta esta historia convierte el film en una experiencia de choque, que no cesa de agredir a los sentidos en sus dos horas de metraje: las imágenes se suceden a una velocidad mareando, creando una serie de rimas internas y repeticiones de comportamientos nocivos que llevan al extremo las técnicas de montaje que Harmony Korine aplicó a Spring Breakers. Es probable que durante el Festival vemos títulos más sangrientos que The World of Kanako, pero os aseguramos que ninguna le dejará tan mal cuerpo como este. 17

Me gusta encontrar buenas historias que contar, historias que nos hagan reflexionar a ser tan famosa como su madre. Lo que quiere es una madre. Dentro de esta mujer tan desagradable hay mucha humanidad; es una tirana, pero al tiempo es muy infantil. Havana es como cualquiera de nosotros cuando tenemos un mal día. Todo el mundo, en el fondo, quiere conectar con los demás y ser reconocido. Havana busca el reconocimiento de su madre y, a falta de ello, busca el de los demás. No trato de justificarla, pero creo que ella es una manifestación de ese genuino deseo de conectar que tenemos todos. ¿Se identifica con ella en algo? Creo que todos los actores nos podemos sentir identificados en ese deseo de conectar con el público y también en lo devastador que es que te rechacen para un papel. Después de 30 años de carrera, todavía me afecta cuando mi agente me llama y me dice «lo siento, pero se han decidido por otra actriz, no te preocupes, ya saldrán más cosas...». Eso es algo que te deja completamente hundida.

‘Maps to the stars’ es el plano que compran los turistas cuando llegan a Los Ángeles y quieren saber dónde viven los famosos. ¿Lo hizo usted la primera vez que visitó la ciudad?

Julianne moore ¿Qué le inspiró a la hora de interpretar a Havana Segrand? He tenido la suerte de contar con un gran director como David Cronenberg y un guión con un lenguaje bellísimo, casi poético, escrito por Bruce Wagner. Creo que la yuxtaposición de la inteligencia y el rigor artístico de David y la emoción que hay en el lenguaje de Bruce son los que me inspiraron a la hora de construir el personaje. ¿Cómo explica que acabe uno por sentir empatía por alguien tan odioso como ella? Porque Havana lo único que busca en la vida es llegar 18

La primera vez que visité Los Ángeles fui con mi hermana y sí recuerdo haber paseado por el bulevar de Hollywood para ver las estrellas en las aceras. Alquilamos un coche y recorrimos Beverly Hills, pero no para ver ninguna casa en particular. Para mí fue un poco como estar en ‘Superdetective en Hollywood’, la película de Eddie Murphy. El filme habla de la soledad y el aislamiento que viven sus personajes, algo que le ocurre a muchos actores, sobre todo en Hollywood. ¿Cómo lo evita usted? Me encanta mi trabajo, sí. Me gusta encontrar buenas historias que contar, historias que nos hagan reflexionar o cuenten cómo somos los seres humanos, pero todo eso no deja de ser trabajo. Mi vida es mi familia, mi esposo y mis hijos, nuestra casa y nuestro perro. Lo que más quiero es que sean felices, que les vaya bien en los estudios, que tengan buenos amigos. Mi marido está trabajando y todo eso hace que mis cimientos sean solidos. Pero como decía Freud, para estar equilibrado uno necesita un trabajo que le motive y alguien a quien amar.

Young Ones La melancolía de un mundo verde ya desaparecido es la única esperanza.

En la columna de hoy dedicada a Lawless hablamos del neoclasicismo americano construido a partir de la reescritura de los géneros cinematográficos tradicionales. A Young Ones, de Jake Paltrow, reencontrarás estos planteamientos a partir de la revisión del western en clave de ciencia ficción. La atmósfera, de entrada, es la de aquellos futuros postapocalíptico donde la escasez de algún bien primario, en este caso el agua, devuelve a la población a un estado de vida salvaje. Bajo este enunciado, el desierto y su aridez son el escenario adecuado para desplegar toda la poética y mística del western más trágico. De hecho, el triángulo de protagonistas, formado por el patriarca de la familia Holm y sus dos hijos, tiene resonancias de tragedia griega: el hijo es un seguidor fiel de la palabra del padre y la hija, por el contrario, está en conflicto. Pasión, mentira y traición estánservidas. Más allá de la disputa familiar, el otra gran tema de Young Ones es la defensa a cualquier precio de la granja de los Holm, acosada permanentemente por ladrones u otros usurpadores; entre ellos, la pareja de la joven Holm. El conflicto, pues, estallará tanto desde del interior del hogar como desde el exterior. Este sentimiento trágico se refuerza de manera excelente, tanto por un grupo de actores en el que destaca Michael Shannon (Nelson Van Alden a Boardwalk Empire e icono de Take Shelter y de Bug), como por la fotografía hipnótica de este futuro indeterminado, en que la melancolía de un mundo verde ya desaparecido es la única esperanza. Permítasenos terminar esta crónica recordando las palabras, muy apropiadas, que pronunciaba un viejo y admirado profesor de cine en sus clases: “Blade Runner es un western y Sin perdón, un film de ciencia ficción “. 20

Jamie Marks Is Dead Detrás de la América rural, se esconde un entorno de violencia y de hostilidad

El paisaje donde se desarrolla Jamie Marks Is Dead recuerda a Twin Peaks. Además, el punto de partida de ambas películas es el mismo: un cadáver aparece en un paraje (aparentemente) idílico. Detrás de la América rural, se esconde un entorno de violencia y de hostilidad. En Jamie Marks is Dead, la imagen de un ciervo muerto colgando de una canasta de baloncesto es prueba de ello. Jamie Marks, el chico que da título a la película, es víctima de este entorno feroz. En su instituto, sufre las vejaciones de sus compañeros. Un día, su cuerpo aparece sin vida. Para la mayoría de los compañeros de su instituto, Jamie era un chico invisible. En cambio, Adam y Gracie (Dana Brody, en Homeland) son acechados por un remordimiento que surge del sentimiento de culpabilidad por haber sido cómplices indirectos del bullying. Para Adam, la visita al lugar donde se encontró el cuerpo de Jamie se convierte en un ritual de exorcismo pero no sabe, que con ello, comenzará a encontrarse cara a cara con él. A partir de este momento, Adam y Jamie establecen una relación de amistad que no habían mantenido cuando este último vivía. Así pues, con un pie en un mundo y otro en el otro, Adam inicia un proceso de aprendizaje. El director, Carter Smith construye un drama, gélido y fantasmagórico, en el que el refrán “dime con quién andas y te diré quién eres” adquiere nuevos significados.

Cuando oía hablar de “Melancolía” o de “Buscando un amigo para el fin del mundo” maldecía mi suerte Cuando empieza la película, el protagonista no quiere enfrentarse a lo que va a suceder. Se podría decir que rechaza sentir cualquier emoción. ¿Cree que esta reacción es algo común en los seres humanos? Pienso que sí. Cuando las preocupaciones nos asaltan y se apilan a nuestro alrededor, a veces insensibilizarse y no dejar pasar ningún sentimiento que pueda afectarnos parece una opción válida. Eso es lo que hace el personaje de la película, aunque poco a poco irá cambiando. Sin embargo, creo que esta es una forma de actuar que surge cuando nos enfrentamos a cualquier tipo de situación límite. En los últimos años, películas como Melancolía o 4:44 End of the World han abordado el tema del apocalipsis desde una perspectiva emocional. ¿Le ha inspirado algún título reciente?

Zak Hilditch These Final Hours tiene lugar en el último día de vida en la Tierra. ¿Qué le atraía del escenario apocalíptico? Quería hacer el tipo de película de ciencia ficción que me gusta, en la que enfrentamos a un personaje con un escenario grande y peligroso que está por encima de él. James, el protagonista, tiene sus propios problemas, pero estos de algún modo cobran una gravedad especial al encontrarnos en el último día en la tierra. Cuando arranca la historia, él está frustrado y quiere consumirse yendo a la fiesta. Quería mostrar dónde está él como ser humano en ese momento, y el recorrido que hace a lo largo de la película.

Mientras estaba trabajando en la financiación de la película, a cada momento se hablaba de nuevos filmes de temática similar. Cuando oía hablar de “Melancolía” o de “Buscando un amigo para el fin del mundo” maldecía mi suerte. Afortunadamente, ninguna de estas películas se parece mucho a la mía, ni tampoco entre ellas. Melancolía me hizo mella, me gustó mucho, y creo que mi película se acerca al escenario que plantea. Pero si tuviera que definir These Final Hours, te diría que es como mezclar 28 días después de Danny Boyle y Luna de papel de Peter Bogdanovich, y ver lo que ocurre. These Final Hours es su primera película. Incorpora elementos del fantástico. ¿Tiene pensado volver al género? Quiero seguir contando historias sobre la condición humana. Más allá de esto, no me preocupa demasiado tener que escoger un género concreto. Si bien es cierto que me gusta mucho un tipo de películas de ciencia ficción y que encuentro atractivas las posibilidades que ofrece el género. ¿Qué haría en caso de tener que afrontar el fin del mundo? Podría quedarme tirado en un rincón, bebiendo y lamentándome, pero tengo claro que lo que haría sería buscar a todos los familiares y amigos que pudiera, rodearme de ellos, y esperar todos juntos a que llegue el momento final.

The Signal The Signal, reforzando la idea de que el relato orwelliano puede tener un lado todavía más oscuro

The Signal comienza con la apertura de ojo de uno de los tres jóvenes protagonistas. Esta imagen, tan significativa en el imaginario de Perdidos, es sinónimo del adentrarse en otro mundo. Los chicos todavía no son conscientes de ello y emprenden un viaje por carretera en búsqueda de un renombrado maestro hacker. En este juego geek, en el que el hacker les demuestra a los protagonistas que es capaz de observarlos desde cualquier lugar, ya sea a través de la cámara del portátil o de una cámara de tráfico, llegamos a una casa perdida en medio de la nada. Parece que los chicos han encontrado su objetivo pero no se dan cuenta que desde el inicio han sido las piezas de un plan trazado previamente. La entrada en la casa será un punto sin retorno para ellos hasta el punto que la imagen corta a negro y volvemos a ver un ojo que se abre. El mundo que os encontraréis os dejará tan descolocados como a los propios protagonistas. Después de su debut con Love, William Eubank vuelve a acercarse al terreno de la ciencia ficción con The Signal, reforzando la idea de que el relato orwelliano puede tener un lado todavía más oscuro.

Rec 4 Destacar su potencia visual, consecuencia del trabajo de dirección de Balagueró y, de la fotografía de Pablo Rosso

‘Rec 4’ es la primera entrega de la franquicia dirigida en solitario por Jaume Balagueró y la verdad es que esperaba mucho de su trabajo, ya que venía de sorprendernos con la notable ‘Mientras duermes’ (2011), cinta en la que apostaba por una puesta en escena sobria puesta al servicio de la excelente actuación de Luis Tosar. Estaba claro que aquí iba a tener que apostar por un trabajo de dirección más excesivo y director, pero lo que no esperaba era que en su intento por huir de lo repetitivo cayera de lleno en ello. Conviene destacar su potencia visual, consecuencia tanto del trabajo de dirección de Balagueró como, sobre todo, de la fotografía de Pablo Rosso, pero es que incluso eso está a años luz de conseguir el clima claustrofóbico de la primera entrega. Siendo directos, ‘Rec 4’ es la que más parece una película de Hollywood sin sacrificar por ello su visceralidad -e integrando por lo general con bastante acierto ideas de las tres anteriores películas-, pero las ventajas técnicas que eso conlleva no encuentran un contenido que haga que puedan lucir como dios manda. Tampoco hay ningún pero que poner el trabajo de maquillaje y efectos visuales, aunque, teniendo en cuenta todo lo demás, uno sí echa en falta más novedades, algo inevitable en una cuarta entrega que se está vendiendo como el episodio final de la franquicia. Quedan varios detalles por resolver y hay un final abierto a caballo entre el mero homenaje a cierto cine de terror y el dejar abierta la posibilidad a seguir avanzando ya sin Balagueró y Plaza. Aunque no haya quedado muy satisfecho con ‘Rec 4’, espero que eso no suceda, pues considero que los infectados de ‘Rec’ ya están más que agotados.

Siempre hay unos signos de identidad que se mantienen. Uno de ellos implica situar la acción en un espacio único y cercado de grabar con cámaras de visión nocturna en el siguiente pase, que fue en Sitges. ¿Cuando decidió que había que poner fin a la saga? Bien es verdad que en el rodaje de la primera parte no imaginábamos que aquello pudiera dar más de sí. Después, haciendo [REC]2 estábamos convencidos que aquella sería la definitiva. Finalmente, surgió la idea de que en Paco y yo hiciéramos la tercera y cuarta entrega cada cual por separado, porque ni él ni yo queríamos pasar 7 años dedicados en exclusiva a la franquicia. Ahora sí que puedo confirmar que nuestra decisión de cerrar este capítulo es inamovible. ¿Qué cree que han aportado las secuelas a la idea original de [REC]?

Jaume Balagueró Usted y Paco Plaza siempre han declarado que [REC] fue una idea muy pequeña que se les fue de las manos. ¿Cuando se dieron cuenta de esto? Siempre tuvimos la sensación de estar realizando un experimento, algo cosa muy loca y sin demasiadas pretensiones. Pero a medida que avanzábamos en el rodaje y en la postproducción, vimos que la película era algo más de lo que habíamos planeado. Lo confirmamos en la primera proyección con público, en el festival de Venecia, estábamos sentados en una lonja, y teníamos una visión global de lo que ocurría en la platea. Esto nos permitía ver la reacción física de la gente: como gritaban y chillaban. De ahí surgió la idea 26

Desde nuestro punto de vista, es cómo si en cada secuela el universo de [REC] se viera invadido por un género diferente, que lo transforma y crea una experiencia nueva. Evidentemente, siempre hay unos signos de identidad que se mantienen. Uno de ellos implica situar la acción en un espacio único y cercado. En esta ocasión he querido salir del edificio de las dos primeras partes y traer la narración a otro escenario: un barco. ¿Por qué eligió este espacio? De entrada, narrativamente, el hecho que los personajes fueran trasladados allí para mantenerlos en cuadragésima resultaba lógico. El barco también transmite una sensación de claustrofobia única. Estás en medio del océano, un espacio abierto del cual, paradójicamente, no te puedes escapar. Rodamos en un barco pesquero industrial, gigantesco y realmente aterrador. Fue un reto meter un equipo de rodaje allí, sobre todo para hacer una película tan loca cómo [REC]4. Algunos pasillos resultaban excesivamente estrechos y tenían el techo muy bajo, así que los replicamos en plató, pero prácticamente todo lo que vemos sucede en el barco real. ¿Tenía algún referente a la hora de concebir la puesta en escena? Pensaba mucho en “El submarino”, de Wolfgang Petersen, a pesar de que no la revisé. Se puede decir que mi inspiración era abstracta, puesto que se basaba en el recuerdo de la sensación de claustrofobia que me dejó en su momento.

Jugamos con el hecho que el libro lo escribieronhace más de 25 años y que ahora no miramos los 80 como lo hacían entonces. Lleva tiempo trabajando con Nick Damic. ¿Cómo ha sido el proceso de adaptación de la novela en que se basa Cold in July? Ha sido muy largo. Los derechos los adquirimos el 2007 y, de hecho, mi idea era realizar esta película justo después de Mulberry, St. Nick no había adaptado nunca ninguna novela, así que tuvimos que aprender sobre la marcha. We Are What We Are está basada en otra película. Cold in July adapta una novela. ¿Cómo lo hace para traer un material ajeno a su terreno?

Jim Mickle En sus anteriores películes, proponía diferentes aproximaciones al terror. A Cold in July, mezcla el thriller con la comedia. ¿Qué visión tiene del género? Las tres primeras películes eran abiertamente de terror. Queríamos que no parecieran mías: con Mulberry St, intentamos hacer una película de barrio de los 70 en Nueva York; Steak Land es una película de vampiros; y We Are What We Are es un melodrama familiar, pero a todas ellas el terror es el trasfondo. En el caso de Cold in July, una de las gracias del libro es que se trata de una celebración del género: empieza como una historia del hombre del saco y acaba siendo una historia de conspiración y de venganza y un western.

En los dos casos, los procesos fueron muy diferentes. Somos lo que hay era una película muy personal, y limitarse a traducirla al inglés hubiera sido un error. We Are What We Are supuso un reto. Se trataba de coger el film original y acercarlo a nosotros. Nick definió aquel ejercicio como si se tratara de hacer una versión de una de nuestras canciones preferidas. En el caso de Cold in July, queríamos que la experiencia fílmica fuera igual que la literaria. No se trataba de hacer una adaptación literal, sino de cambiar muchos elementos de la novela para que la película se asemejara en términos de energía. Jugamos con el hecho que el libro lo escribieron hace más de 25 años y que ahora no miramos los 80 como lo hacían entonces. Estamos viendo muchas películas que, si no se sitúan en los 80, imitan la estética de aquella época. ¿A que se debe de esta nostalgia? No sé por qué hay tantas películas de aquel periodo en estos momentos, pero me parece un hecho curioso. De hecho, hace poco vi The Guest y me sorprendió observar como comparte ciertos elementos con Cold in July. Quizás fue Drive la película que abrió el camino hacia esta estética. También es importante tener en cuenta que ahora está habiendo una transición del cine al vídeo a la carta, y que esto comporta una nostalgia hacia aquella época en que la gente iba a los videoclubes. Esto está haciendo que muchos directores vuelvan a aquellos años. Acostumbramos a pensar que el cine de género es comercial. ¿Se considera un director independiente? Sí, me considero muy independiente. Las dos primeras películas fueron producidas de manera independiente y la tercera, por una productora francesa. De forma que incluso se podría decir que es una producción internacional. Quizás doy esta sensación porque me gusta tener una experiencia más directa con mi público, pero sí que me siento un director plenamente independiente.

A Girl Walks Home Alone at Night Bajo la claustrofóbica atmósfera producida por la densa bruma, la sombra de un James Dean aljamiado que pasea errático

En las dilatadas calles de una ciudad iraní se recorta, bajo la claustrofóbica atmósfera producida por la densa bruma, la sombra de un James Dean aljamiado que pasea errático entre las gigantescas excavadoras que rompen la quietud de la escena mientras crean remolinos de niebla a su alrededor. La música de un jubiloso acordeón contrasta con la melancólica estampa y acompaña al joven mientras se aleja entre la espesura conduciendo un flamante coche rojo metalizado. Aunque también podría ser azul, o verde, o como la intuición individual de cada espectador tenga a bien imaginarlo pues, en la fotografía monocromática compuesta por Lyle Vincent, no hay sitio para más tonalidades que las que cada individuo quiera dibujar en este onírico poema de terror. La imagen ultra contrastada en blanco y negro de sutiles destellos en sepia se apoya, al mismo tiempo, en los contraluces que componen potentes focos de iluminación, mayoritariamente artificiales, sobre los cuerpos de los protagonistas, ofreciendo un baile de sombras cuyas siluetas juegan a ocultarse y reaparecer aprovechando la amplísima profundidad de campo que desdibuja sus facciones en un abismo tridimensional. Sin embargo, el sonido metálico de una guitarra eléctrica presagiosa nos hace despertar del ensimismamiento producido por la serenidad narrativa, al tiempo que nos descubre una espantosa imagen compuesta por una alegórica rambla llena de cadáveres amontonados que nos dan la bienvenida a la siniestra Bad City. Así es como la joven directora y guionista Ana Lily Amirpour contextualiza el lugar en el que transcurrirá su western vampírico, A Girl Walks Home Alone at Night, para pasar posteriormente a la tradicional presentación de sus escasos personajes. Los habitantes de este pequeño pueblo sin taberna, sin depósito de agua, y sin iglesia, coinciden conceptualmente con los estereotipos del western clásico, aunque se les haya aplicado una evidente modificación superficial que justifica la hibridación genérica de la que presume su argumento.

Han Gong-Ju Una enérgica denuncia social bajo un tenebroso relato de terror a la vuelta de la esquina

La primera película de Lee Su-jin, habla también de identidades rotas que viven en un cuerpo en tránsito. A diferencia de la propuesta de Kiyoshi Kurosawa, el cuerpo de la Han Gong-Ju que da nombre al título de la película, es un cuerpo en obligado movimiento porque ha sido expulsado de su propio núcleo familiar. El de una madre que se desentiende, un padre borracho y una sociedad que le ha dado la espalda a raíz de un trágico suceso. Pero aunque existe una explicación que, finalmente, da forma a las razones de la ruptura, bastaría con señalar, de forma simple, el egoísmo de un mundo adulto que solo actúa por interés propio, abandonando a su suerte a los propios relevos generacionales cuando estos amenazan con promover el qué dirán de una sociedad pacata y cruel. Las dos Gong-ju que parecen convivir dentro del relato, la alegre y su reverso surgido del trauma, recorren un camino que al final terminará encontrándose en un oscuro callejón. El de ese misterioso suceso, agazapado entre flashbacks, y ese mismo pasado que amenaza con regresar para hipotecar cualquier posibilidad de futuro. Por esa misma razón no será simple pose estética la apuesta de Lee Su-jin por una estructura narrativa que, sin rubor, mira a los guiones que Guillermo Arriaga firmó para las primeras películas de Alejandro González Iñárritu. La resolución del rompecabezas narrativo es la crónica decadente de una sociedad podrida hasta la médula. Porque al final, camuflado bajo las formas del drama (a veces decantado hacia cierto tremendismo), lo que en realidad esconde Han Gong-Ju es una enérgica denuncia social bajo un tenebroso relato de terror a la vuelta de la esquina.

Una película es como construir un bonito avión, pero si no le pones gasolina, nunca va a despegar En los últimos años, hemos visto películas como Only Lovers Left Alive o como la suya, en las que se puede ver un acercamiento distinto a la figura del vampiro. ¿Por qué este cambio estético en este género? Hicimos las dos películas a la vez y se parecen mucho. En ambas hay vampiros que escuchan música y que están aburridos. La sensación es la misma. Los hobbies de los vampiros se amplifican, porque es todo lo que tienen durante siglos y siglos. Básicamente, un vampiro es una persona que está observando la existencia humana durante mucho tiempo, entonces se convierte en alguien extremadamente existencial. Son voyeurs. La atmósfera de A Girl Walks Home Alone at Night es irreal, casi onírica. En este sentido, se puede apreciar la influencia de Lynch, por ejemplo.

Ana Lily Amirpour A Girl Walks Home Alone at Night es una película de vampiros, ¿qué le interesa de la figura del vampiro? Me encantan los vampiros desde que tenía unos 9 años y leía los libros de Anne Rice. Si me dieran la opción de ser un vampiro, lo sería. Un vampiro es todo: un historiador, un romántico, un drogadicto, un asesino en serie… Son solitarios, pero la soledad es sabrosa. En última instancia, estar vivo es estar solo. Cada uno habita en su mente, la existencia es muy subjetiva.

Para mí, hacer una película supone trabajar un sueño. Se trata de reunir elementos para crear una experiencia. La apariencia del mundo y de la gente, su vestuario, el diseño de sonido, de la música son muy importantes. De hecho, rodé la película en blanco y negro para alejarme más del mundo real. No tengo ninguna lealtad hacia el mundo real; no me interesa. Me gustan películas como La Historia Interminable o Regreso al Futuro. En un cuento de hadas, todo es posible, y, a la vez, todo funciona y tiene sentido. En los sueños, las cosas más raras pueden ocurrir. El de la película es un mundo iraní con personajes iraníes, pero es un Irán que únicamente existe en mi mente. ¿Por qué? Porque la vida real es jodidamente rara. La vida real es el mayor cuento de hadas. La música en la película tiene un peso importantísimo. En mi proceso creativo, la música siempre es lo primero. Cuando rodamos, ponía las canciones en el set. La música es poderosa, puedes poner una canción y todo el mundo estará unido dentro de ese capullo de sensaciones. Una película es como construir un bonito avión, pero si no le pones gasolina, nunca va a despegar. La música es esa gasolina. Es una de esas cosas que pueden salvarte en cualquier momento de tristeza o de soledad. Es como una isla en la que escapar de todo. En el fondo, la película solo es una excusa para poner canciones.

Nos interesa mucho un tipo de cine muy físico, un tipo de cine que primero atrapa físicamente El peso de la película lo llevan los dos niños. ¿Fue difícil encontrar a los dos gemelos que los interpretan? Pensábamos que sería muy difícil encontrar gemelos de 8 a 12 años en Austria. Sin embargo, nuestra directora de cásting nos dijo que era muy fácil, porque se trata de algo muy específico. Es tan simple como llamar a colegios y preguntar al director si tiene gemelos en su escuela. De repente, teníamos a todos esos gemelos juntos en un mismo espacio. El título original de la película es Ich seh Ich seh [en español, veo veo], así que les pedimos a los niños que jugasen al veo veo. Fue impresionante. El juego no funcionaba, porque constantemente sabían en qué estaba pensando el otro. ¿Cómo fue el rodaje? No les dimos ningún tipo de guión, sino que les íbamos revelando la información día a día. Rodamos casi de manera cronológica, así que ellos se hacían las mismas preguntas que los personajes. Los padres tampoco habían leído ningún guión, pero confiaron mucho en nosotros. ¿Es difícil ver Goodnight Mommy y no pensar en películas como Los ojos sin rostro o La piel que habito?

Veronika Franz ¿De dónde surge la idea de Goodnight Mommy? Esta idea nos llevó a plantearnos qué pasaría si una mujer regresase a casa tras una operación y sus hijos no la reconociesen. Los niños suelen dar mucha importancia a lo que ven. ¿La casa donde viven los protagonistasjuega un papel importante? Queríamos presentar primero a los niños en la naturaleza, libres, para mostrar cómo luego la madre convierte la casa en una suerte de prisión.

Nos interesa mucho un tipo de cine muy físico, un tipo de cine que primero atrapa físicamente y luego, cuando la película ha terminado, conduce a la reflexión. ¿Goodnight Mommy es una película sobre la identidad? Creo que la identidad es algo cambiante. Si no, cómo explicar el hecho de que esposos amables puedan ir a la guerra y convertirse en sádicos violadores. Creo que tenemos varias identidades y que las circunstancias pueden sacar a relucir una de estas identidades. Es algo que se puede contemplar en las relaciones: hay parejas que sacan lo mejor de nosotros, y otras que, en cambio, nos empujan hacia lo peor. En ambos casos, lo bueno y lo malo sigue estando en nosotros mismos. Con Goodnight Mommy, nos interesaba trasladar esta idea a la relación madre e hijo. ¿Se plantearon hasta dónde podían llegar a la hora de explicitar la violencia? La película está bastante ligada a la realidad. No queríamos retratar a los niños como unos sádicos, queríamos mostrar que, como la madre, los niños también se enfrentan a un conflicto interno, que los lleva a situaciones que no desean. De la misma manera que hacen daño, tienen cuidado.

Goodnight Mommy La traducción al español de su magnético título germánico es “veo, veo”

Titulada Ich seh, Ich seh en versión original, esta peculiar Goodnight Mommy firmada por Severin Fiala y Veronika Franz, ya despierta desde sus comienzos una quemazón en el espectador, un revoltijo de tripas sostenido en un realismo sórdido y una plasticidad abrumadora en el plano estético. No es un filme de miedo al uso, ni su pretensión es dejar buen cuerpo, sino despertar la repulsión y valerse de su tono retorcido y su trama extraña y provocativa para que no salgamos de la sala con exceso de hambre ni tranquilidad. La traducción al español de su magnético título germánico es “veo, veo”, el clásico juego de niños que aquí funciona como un recurso de la imaginación infantil ante la perplejidad, la desgracia y la desintegración familiar. El detonante se sitúa al principio: una madre soltera (Susanne Wuest) que trabaja como presentadora de programas de televisión local regresa al hogar con el rostro envuelto en un mar de vendas, puesto que acaba de someterse a una renovadora operación de cirugía estética. Sus hijos gemelos Elias y Lukas (nombre auténtico de la pareja de actores, que a pesar de su juventud encarnan fantásticas interpretaciones), ansiosos por el cariño habitual de su progenitora, desconfían de la irritabilidad y el cambio de personalidad de esa mujer con el rostro vendado a la que no reconocen como madre. Obsesionados en exceso con los insectos (que guardan en frascos o queman con lupas), y atrapados por la claustrofobia de su lujosa vivienda desierta, los niños comienzan a espiar a su mamá, de la que prácticamente sólo podemos ver ojos y boca al estar envuelta en su espeluznante máscara vendada. Y esto es el principio de una acusada ambivalencia planteada al espectador, pues mientras la figura femenina intenta demostrar su cuestionada identidad entre arrebatos de ira, los niños refuerzan sus dudas derivando el juego inicial en sanguinarias consecuencias.

Hyena La corrupción está asumida desde todos los ámbitos, nadie se escapa de ella

El festival de Sitges de este año está proyectando varias películas que tratan la corrupción, sobre todo en el terreno policíaco. Ejemplos como la coreana The target, o las británicas Filth y la propia Hyena. Cada una de ellas encara el mundo corrupto desde una perspectiva diferente. Hyena parte de un único protagonista que deambula. La acción que más se repite durante la película es el deambular. A simple vista es algo que no se ve, ya que los personajes principales siguen unos casos, tienen unas preocupaciones y unos objetivos. Pero a través de estrategias de pura dirección se realza el concepto de nomadismo. Sobre todo a través de las largas secuencias en coche, o incluso en los momentos más tensos, cuando la película se vale de la cámara lenta para dilatar el tiempo y realzar el vagar de los personajes y de la propia trama. Los intereses del protagonista no se basan en ocultar su corrupción, de hecho en muchos casos farda de ella para conseguir lo que quiere. La corrupción está asumida desde todos los ámbitos, nadie se escapa de ella. Y por esa razón no deja de ser un elemento en segundo término que remarca la trama. La lucha del personaje principal con sus antagonistas (psicológicos y físicos) es lo que realmente importa. Si algo hace fallar al film es el abuso de la dilatación de la trama, que puede resultar aburrida en algunos momentos. Pero Hyena es un film que muestra la corrupción desde un punto de vista diferente y con una voluntad estética clara.

Programación Viernes 3 09:00 RETIRO Creep 10:00 PRADO Child of God 10:45 RETIRO The Stranger 11:15 AUDITORIO [REC]4

16:45 RETIRO Predestination Space Station 76 17:15 AUDITORIO The Target 18:15 PRADO The Pinkie Seventh Code

12:00 PRADO ANIMATE CORTOMETRAJES 12:45 RETIRO Cub 13:15 AUDITORIO The Babadook 14:15 PRADO The Afterglow 14:30 RETIRO Under the Skin 15:15 AUDITORIO The Quiet Ones 16:15 PRADO Tante Hilda!

19:45 AUDITORIO GALA INAUGURACIÓN [REC]4 20:30 RETIRO The Stranger 20:45 PRADO Han Gong-Ju 22:30 RETIRO [REC]4 22:45 AUDITORIO Under the Skin 23:00 PRADO Child of God

00:30 RETIRO LA NOCHE + FREAKE Nightsatan and the Loops Of Doom WolfCop Nymph Premature Knights of Badassdom 01:00 AUDITORIO Cub Home

16:00 CICLO DICK MILLER Evil Toons

01:00 PRADO JAPAN MADNESS Live Gun Woman Torture Club

22:00 CINEASIA Nightmare Detective

BRIGADOON 14:00 HOMENAJE A GRAIG HILL Consigna: Matar al comandante en jefe

18:00 ESTRENO BRIGADOON Los olvidados 2

0:00 ESTRENO BRIGADOON Starve

00:00 ESTRENO BRIGADOON Megamuerte SALA TRAMUNTANA 22:30 SERIAL SITGES The Big Bang Theory

Sábado 4 08:30 AUDITORIO Young Ones 08:30 RETIRO In Order of Disappearance 08:30 PRADO Aberdeen 10:30 AUDITORIO Musarañas 10:30 PRADO ANIMATE CORTOMETRAJES II 10:45 RETIRO Minuscule - La vallée des fourmis perdues 3D 12:30 AUDITORIO Kiki’s Delivery Service 12:30 RETIRO Under the Skin 12:45 PRADO Amor eterno

14:15 PRADO OFICIAL NUEVAS VISIONES SGAE NOVA AUTORIA 14:30 RETIRO Young Detective Dee: Rise Of the Sea Dragon 14:45 AUDITORIO Pos eso 16:30 AUDITORIO Dead Snow 2: Red vs. Dead 17:00 RETIRO Creep 17:00 PRADO Doc of the Dead 18:30 AUDITORIO Zombeavers 18:45 RETIRO In Order of Disappearance 18:45 PRADO Summer of Blood 20:30 AUDITORIO Young Ones

20:45 PRADO Lawless 21:00 RETIRO The Babadook 22:45 AUDITORIO Musarañas 23:00 PRADO Aberdeen 23:00 RETIRO Cub 01:00 AUDITORIO LA NIT + ZOMBI The Best of Hollybrut Goal of the Dead Wyrmwood Life after Beth 01:00 RETIRO LA NOCHE + KILLER Killers Stage Fright The Houses October Built

01:00 PRADO Pierrot Lunaire Der Samurai Remington and the Curse of the Zombadings BRIGADOON 11:00 ESTRENO DOCUMENTAL Yellow Fever: The Rise and Fall of the Giallo 13:00 SESSIÓ ESPECIAL Gli incubi di Dario Argento

15:30 LOS OTROS FANTÁSTICOS Los ojos siniestros del doctor Orloff Diario íntimo de una actriz

DISTRIBUCIONES 17:30 Sessió de firmes dels llibres Cara de muerto i El puente del diablo

17:00 #LITTLE SECRET FILMS:NEUROWORLD, CÍRCULO INTERNO

16:00 PRESENTACIÓN DEL LIBRO MANUAL DE SUPERVIVENCIA PARA CINÉFAGOS

SALA TRAMUNTANA 12:00 MASTER CLASS: ROLAND EMMERICH

22:00 #CINEBASURA CON CANAL + EXTRA: ZOMBIE 3

17:00 MESA REDONA: SUBCULTURA ZOMBIE

22:30 ESTRENO BRIGADOON Dark Awakening

15:00 SERIAL SITGES: ROBOT CHICKEN. ESPECIAL STAR WARS

18:00 PRESENTACIÓN DEL LIBRO SUBWAY PLACEBO

00:30 ESTRENO BRIGADOON Bombshell Bloodbath ESTAND DE SD

15:45 SERIAL SITGES: RICK AND MORTY

Espai FNAC 11:00 PRESENTACIÓN DEL LIBRO [REC] EL LIBRO OFICIAL 13:00 ENCUENTRO CON EL EQUIPO DEL FILM THE STRANGER

19:00 SITGES FÒRUM: COLECIONANDO EL SÉPTIMO ARTE

15:00 SESSIÓN ESPECIAL The Black Cat

12:00 PRESENTACIÓN DEL CÓMIC LA SOMBRA DE DON QUIJOTE

17:30 PREMIO NOSFERATU: MARÍA KOSTY La casa de las chivas 19:30 PREMIO BRIGADOON PAUL NASCHY CORTOMETRAJES I

Domingo 5 08:30 AUDITORI La distancia 08:30 RETIRO Housebound 08:30 PRADO How I Live Now 10:15 AUDITORIO I Origins Zombeavers 10:45 PRADO Invisible Friend 5’ Apokalipstik - workin title 12:15 AUDITORIO The Guest 12:30 RETIRO CORTOS FANTÁSTICOS Y COMPETICIÓN I 12:45 PRADO Taller Capuchoc 14:15 AUDITORIO The Midnight After 14:30 PRADO The Satellite Girl and Milk Cow 14:45 RETIRO Hwayi: A Monster Boy Jang Joon-hwan 16:15 PRADO Electric Boogaloo: The Wild, Untold Story Of Cannon Films 16:30 AUDITORIO The Boxtrolls 3D 17:00 RETIRO Dead Snow 2: Red v Dead

18:15 PRADO Magical Girl 18:30 AUDITORIO I Origins 19:00 RETIRO Montana 20:45 AUDITORIO La distancia 20:45 PRADO The Go-Go Boys: The Inside Story of Cannon Films 21:15 RETIRO Home 22:30 PRADO Night Flight 22:45 AUDITORIO The Guest 23:15 RETIRO Housebound 01:00 AUDITORIO The Mole Song Undercover Agent Reiji 01:00 PRADO Summer of Blood Show Pieces 01:15 RETIRO The Editor Starry Eyes Julia BRIGADOON 11:00 SESSIÓ ESPECIAL Turno di notte

17:00 ESTRENO DOCUMENTAL La sonrisa del lobo

14:00 MASTER CLASS: POS ESO

18:30 HOMENAJE A ÁLEX ANGULO Acción mutante

16:00 PRESENTACIÓN DEL FANZINE 2000 MANÍACOS

20:30 PREMIO BRIGADOON PAUL NASCHY CORTOMETRAJES II

17:00 PRESENTACIÓN DE NOVEDADES DE TYRANNOSAURUS BOOKS

23:30 PHONETASTIC SITGES MOBILE FILM FESTIVAL CORTOMETRAJES

18:00 PRESENTACIÓN DEL ANUARIO CINEASIA

SALA TRAMUNTANA 11:00 PRESENTACIÓN DEL LIBRO PANTALLA RASGADA

19:00 ENCUENTRO CON TILL KLEINERT I BRUCE LABRUCE

13:00 SITGES FÓRUM: MERCADOFANTÁSTICO: ESTADO DE LA QUESTIÓN 18:00 MASTER CLASS: JAIRO ALVARADO 20:00 SERIAL SITGES: Juego de Tronos ESPACIO FNAC

Programación Lunes 6 08:30 AUDITORIO ’71 08:30 RETIRO Starred Up 08:30 PRADO One on One 10:30 AUDITORIO The World of Kanako 10:30 RETIRO The Voices 11:00 PRADO The Midnight After 12:30 RETIRO That Demon Within 12:45 AUDITORIO Stereo 13:15 PRADO Manshin: Ten Thousand Spirits 14:45 AUDITORIO Réalité 15:00 RETIRO Thermae Romae II

15:30 PRADO Der Samurai 16:45 AUDITORIO A Girl Walks Home Alone at Night 17:15 RETIRO Honeymoon 17:15 PRADO 2030 18:45 AUDITORIO Cold in July 19:00 RETIRO Starred Up 19:15 PRADO Redentor 21:00 AUDITORIO ’71 21:00 RETIRO The Canal 21:00 PRADO Backwater 22:45 RETIRO That Demon Within 23:00 AUDITORIO

The Voices 23:15 PRADO The Infinite Man 01:00 AUDITORIO Spring 01:00 RETIRO The Mole Song Undercover Agent Reiji

19:00 PRESENTACIÓN DEL PROJECTO HIDDEN DEVIL

01:00 PRADO Electric Boogaloo: The Wild, Untold Story of Cannon Films

21:30 MONDO MACABRO La furia de Satán

BRIGADOON 15:00 HOMENAJE A CRAIG HILL Lo quiero muerto

23:30 JAPAN MADNESS Gun caliber

14:45 AUDITORIO Goodnight Mommy 14:45 RETIRO The Fives 15:45 PRADO Non Fiction Diary 16:45 AUDITORIO These Final Hours 17:00 RETIRO Horsehead 17:45 PRADO Naturaleza muerta 18:45 AUDITORIO How I Live Now 18:45 RETIRO No Tears for the Dead 19:45 PRADO Hard to Be a God 20:45 AUDITORIO Oculus 21:00 RETIRO The World of Kanako 22:45 AUDITORIO Maps to the Stars

23:00 PRADO Mould One on One Godsend 23:15 RETIRO Spring 01:00 AUDITORIO Lothar The Last Days on Mars Space Station 76 Predestination 01:15 RETIRO 3D Naked Ambition The Four 2 3D Thermae Romae

20:00 ESTRENO DOCUMENTAL I Tarantiniani

17:00 SESINÓ ESPECIAL DARIO ARGENTO Il vicino di casa Il tram La porta sul buio

Martes 7 08:30 AUDITORIO L’altra frontera 08:30 RETIRO Hyena 08:30 PRADO Norway 10:15 PRADO Stereo 10:30 AUDITORIO Maps to the Stars 10:45 RETIRO CORTOS FANTÁSTICOS A COMPETICIÓN II 12:15 PRADO Mr. leos caraX 12:45 AUDITORIO Jamie Marks Is Dead 12:45 RETIRO A Girl Walks Home Alone at Night 14:00 PRADO Last Hijack

BRIGADOON 15:00 SESSIÓN ESPECIAL Con el corazón en la garganta 17:00 ESTRENO DOCUMENTAL Istintobrass

19:00 ESTRENO DE LA WEBSERIE The waiter - el camarero 20:00 ESTRENO BRIGADOON Yokai 21:30 ESTRENO DOCUMENTAL Eurociné 33 Champs Élysées 23:00 SESSIÓN ESPECIAL La Porta sul buio: Testimone oculare La Bambola SALA TRAMUNTANA 16:00 PRESENTACIÓN DEL LIBRO EL MONTAJE CINEMATOGRÁFICO. DEL GUIÓN A LA PANTALLA

18:00 PRESENTACIÓN DE LOS LIBROS PROSA INMORTAL #2: CRIMEN Y CASTIGO I MATARÉ A VUESTROS MUERTOS

20:30 PRESENTACIÓ DEL LIBRO EL HUERTO DEL ESPANTAPÁJAROS

17:15 AUDITORIO Asmodexia 18:45 PRADO Truth Has Fallen 19:00 AUDITORIO Aux yeux des vivants 19:15 RETIRO Cold in July 20:00 PRADO El incidente 21:00 AUDITORIO Adieu au langage 3D 21:15 RETIRO Colt 45 22:00 PRADO El día trajo la oscuridad 22:45 AUDITORIO Annabelle 23:00 RETIRO Hyena 23:45 PRADO Figures Norway Ruin Cody Der Samurai 00:45 AUDITORIO R100 01:15 RETIRO V/H/S Viral ABCs Of Death 2 México bárbaro

BRIGADOON 15:00 HOMENAJGE A CRAIG HILL Solamente nero

17:00 SITGES FÓRUM: CINE I EMPRESAS CREATIVES

17:00 ESTRENO BRIGADOON Salem: Sed de vida

19:00 SITGES FÓRUM: BLOOD WINDOW. VENTANA AL FANTÁSTICO LATINO-AMERICANO I

SALA TRAMUNTANA 12:00 PRESENTACIÓN DE LOS GANADORES DEL II CONCURSO DE GUIÓN TRANSMEDIA

20:00 PRESENTACIÓN DE LA ANTOLOGÍA CRIMINAL TODOS SON SOSPECHOSOS

10:30 RETIRO A Hard Day 11:30 AUDITORIO Over Your Dead Body 12:15 PRADO Réalité 12:45 RETIRO Aux yeux des vivants

13:30 AUDITORIO El ardor 14:00 PRADO For No Good Reason 14:45 RETIRO Kundo: Age of the Rampant 16:00 PRADO The Darkside

16:45 AUDITORIO Alleluia 17:30 RETIRO Late Phases 18:00 PRADO Dios local 18:45 AUDITORIO L’altra frontera 19:30 RETIRO Faults

18:00 MÀSTER CLASS: CHARLES DE LAUZIRIKA

22:00 SERIAL SITGES: The Knick

20:00 SERIAL SITGES: Gotham

ESPAI FNAC 17:00 PRESENTACIÓN DE NOVEDADES DE LA EDITORIAL MEMENTO MORI

21:00 SERIAL SITGES: True Detective

Miércoles 8 08:30 AUDITORIO La French 08:30 RETIRO These Final Hours 08:30 PRADO Wetlands 10:30 RETIRO Oculus 10:30 PRADO Dear Dictator 11:00 AUDITORI Annabelle 12:30 RETIRO CORTOS FANTÁSTICOS A COMPETICIÓN III 12:30 PRADO Goodnight Mommy 13:00 AUDITORIO The Double 14:30 RETIRO Mad Sad Bad 3D 14:30 PRADO Is the Man Who Is Tall Happy? 15:00 AUDITORIO A Hard Day 16:15 PRADO Fish & Cat 16:45 RETIRO The Treatment

19:00 PRESENTACIÓN CORTOS UNDERCUTS FASCURTS 21:00 ESTRENO BRIGADOON I Survived a Zombie Holocaust 23:00 MONDO MACABRO La venganza de Satán 01:00 FREAKWAVES SHOW BY MAREMOSTRA Immersion the Movie

20:00 MÀSTER CLASS SERGIO CABALLERO: LA BELLEZA DEL ERROR. PROYECCIÓN DEL CORTO ANCHA ES CASTILLA / N’IMPORTE QUOI ESPAI FNAC 17:00 ENCUENTRO CON GERARD JOHNSON 18:00 PRESENTACIÓN DEL LIBRO DIARIO DE UN ZOMBI

Jueves 9 08:30 RETIRO Filth 08:30 PRADO The Curse of Downers Grove 09:00 AUDITORIO Relatos Salvajes 10:15 PRADO Jamie Marks Is Dead

Programación Jueves 9 20:00 PRADO Wake in Fright 20:45 AUDITORIO Autómata 21:15 RETIRO The Double 22:15 PRADO Tenerife Wetlands Marionette The Curse of Downers Grove 23:15 AUDITORIO Filth

23:15 RETIRO R100 01:00 AUDITORIO Sword of Vengeance 01:15 RETIRO Eat Gravy American Burger BRIGADOON 15:00 IMÁGEN D.E.A.T.H. EFX. MAQUILLAJE

16:00 IMÁGEN D.E.A.T.H. ESPECIAL AGÉNCIAS. SESIÓN DE CORTOMETRAJES

20:45 IMÁGEN D.E.A.T.H. MENÚ DEGUSTACIÓN. SESIÓN DE CORTOMETRAJES.

19:00 IMÁGEN D.E.A.T.H. TRIBUTO PAUL NASCHY The Vampyre Latidos de pánico

23:00 IMÁGEN D.E.A.T.H. Plano detalle 00:00 IMÁGEN D.E.A.T.H. El hombre que susurraba a las barriguitas

Viernes 10 08:00 PRADO The Duke of Burgundy 08:15 AUDITORIO It Follows 08:45 RETIRO Lupin The Third 10:00 PRADO Luna 10:15 AUDITORIO The Rover 11:30 RETIRO Tusk 12:00 PRADO That Guy Dick Miller Tales from the Crypt: The Demon’s Knight 12:15 AUDITORIO The Signal 13:30 RETIRO Giovanni’s Island 14:15 AUDITORIO When Animals Dream 15:30 RETIRO Firestorm 15:30 PRADO Saint Seiya: Legeng of Sanctuary Bayonetta: Bloody Fate 16:00 AUDITORIO What We Do in the Shadows 17:45 RETIRO Over Your Dead Body 42

18:00 AUDITORIO It Follows 19:00 PRADO El ardor 19:45 RETIRO Alleluia 20:00 AUDITORIO Relatos salvajes 21:00 PRADO Fango 21:45 RETIRO Sword of Vengeance 22:30 AUDITORIO La French 23:00 PRADO The Duke of Burgundy 23:30 RETIRO Let Us Prey 01:00 AUDITORIO MARATÓN BLOOD WINDOW Película sorpresa Dios local El día trajo la oscuridad El más buscado 01:15 RETIRO White Settlers Preservation Backcountry

01:00 PRADO México bárbaro ABCs of Death 2 V/H/S Viral BRIGADOON 14:00 ESTRENO DOCUMENTAL Super 8 Madness! 16:00 FREAKWAVES SHOW BY MAREMOSTRA Surf Nazis Must Die!

ESPAI FNAC 18:00 PRESENTACIÓN DEL CÒMIC BATMAN: ESPECIAL DETECTIVE COMICS 27 - 75 AÑOS DE BATMAN 19:00 ENCUENTRO CON JOE DANTE I DICK MILLER

18:00 ESTRENAO DOCUMENTAL Queridos monstruos

SALA TRAMUNTANA 10:00 PITCHING FOUR CORNERS ESCAC

20:00 ESTRENO DOCUMENAL Why Horror?

16:00 MÀSTER CLASS: GABE IBÁÑEZ I USER T38

22:00 CICLO DICK MILLER La tienda de los horrores

18:00 CINE 365: PURGATORIO

00:00 ESTRENO BRIGADOON The Redwood Massacre

22:00 SERIAL SITGES: FARGO ESTAND DE SD DISTRIBUCIONES 18:30 Sesión de firmas del libro. Silencios de pánico. Historia del cine fantástico y de terror español, 1987-2010

Sábado 11 08:00 AUDITORIO CLAUSURA Burying the Ex 08:30 RETIRO El más buscado 09:30 PRADO The Kingdom of Dreams and Madness 10:00 AUDITORIO Sorcerer 10:45 RETIRO What We Do in the Shadows 11:45 PRADO La maniobra de Heimlich 12:30 AUDITORIO Gremlins 12:30 RETIRO ESPECIAL RUROUNI KENSHIN 2-3 Rurouni Kenshin: Kyoto Inferno The Legend Ends 13:30 PRADO Luna 14:45 AUDITORIO Monsters: Dark Continent 15:30 PRADO The Tale of the Princess Kaguya 17:00 AUDITORIO Lupin the Third

17:30 RETIRO The Rover 18:30 PRADO The Tribe 19:30 RETIRO The Signal 20:00 AUDITORIO GALA DE CLAUSURA Burying the Ex 21:15 PRADO P’tit Quinquin 21:30 RETIRO When Animals Dream 23:00 AUDITORIO Tusk 23:15 RETIRO It Follows

BRIGADOON 11:00 ESTRENO DOCUMENTAL Cròniques de misteris (2ª temporada)

ESPAI FNAC 11:00 RELATOS DE LITERATURA FANTÀSTICA

14:00 PRESENTACIÓN DEL FANZINE EXHUMED MOVIES

14:00 ENCUENTRO CON PETER STRICKLAND

15:00 ESTRENO DOCUMENTAL Vicente Aranda 50 años de cine

16:00 ENCUENTRO CON CARLOS VERMUT

17:00 LOS OTROS FANTÁSTICOS El refugio del miedo

01:00 AUDITORIO MARATÓN SORPRESA Tokyo Tribe The Raid 2: Berandal Let Us Prey

19:00 ESTRENO BRIGADOON Maldito amor

17:00 TALLER INFANTIL FÁBRICA DE OJOS. MANUALIDADES FANTÁSTICOS PARA NIÑOS Y NIÑAS DE 4 A 11 AÑOS.

01:00 PRADO LA NOCHE + KILLER Killers The Houses October Built Stage Fright

21:00 ESTRENO BRIGADOON Difuminado 23:00 ESTRENO BRIGADOON Villorrio del Caudillo Paletos y cuchillos

18:00 SESIÓN DE MAQUILLAJE ZOMBIE A CARGO DE LOS ALUMNOS INSTITUTO SALVADOR SEGUÍ

01:15 RETIRO LA NOCHE + ZOMBIE Waterborne Zero Wyrmwood Goal of the Dead Life after Beth

01:00 JAPAN MADNESS Zombie TV

SALA TRAMUNTANA 11:00 SITGES FÒRUM: BLOOD WINDOW. VENTANA AL FANTÁSTICO LATINO-AMERICANO II

AUDITORIO 09:45 MARATÓN MAÑANA I Origins Hyena A Girl Walks Home Alone at Night

RETIRO 09:45 MARATÓN MAÑANA Aux yeux des vivants Réalité Pos eso

BRIGADOON 12:00 CINEASIA Dream

15:30 MARATÓN TARDE Maps to the Stars The Guest The Tale of the Princess Kaguya Cold in July

15:30 MARATÓN TARDE These Final Hours The Stranger Alleluia Monsters: Dark Continent The Babadook

PRADO 10:30 MARATÓN FAMILY Giovanni’s Island Saint Seiya: Legend of Sanctuary The Satellite Girl and Milk Cow 15:30 MARATÓN TARDE The Voices Goodnight Mommy The World of Kanako Burying the Ex What We Do in the Shadows

Domingo 12

14:00 FREAKWEAVES SHOW BY MAREMOSTRA Raw the Movie 16:00 HOMENEAJE A GRAIG HILL Estigma

Ubicación

Información transportes Tren fantástico! Del 3 al 12 de octubre (ambos incluidos) Tren directo Sitges – Barcelona Sants Salida desde Sitges: 1.30h de la mañana Són válidos los billetes i abonos de Renfe i ATM, adequado al número de zonas del trajecto realizado. El Tren Fantástico saldrá puntualmente a la 1.30h, sin excepciones. En caso de retraso en les projecciones nocturnas, la salida de tren no se modificará.

Consulteu tots els horaris, parades i preus a www20.gencat.cat/portal/site/ rodalies o bé al 900 41 00 41 Bus diürn i nocturn Monbús Consulteu horaris i parades 93 893 70 60 / www.monbus.cat Bus urbà de sitges Consulteu horaris i parades a: www.visitsitges.com