Fotografía y su comunicación en el diseño editorial

SU COMUNICACIÓN EN

NARRATIVA VISUAL ORGANIZACIÓN VISUAL

1.1 Tipos de fotografía

1.2 Espacio negativo y equilibrio

1.3 Simetría y asimetría

1.4 Ritmo y secuencia

1.5 Rejillas y lineas guías

1.6 Organización espacial

2.1 Composición y enmarcado

2.2 Contraste y contexto

2.3 Narrativa visual emocional

COMPLEMENTO DE TEXTO

IMPACTO EMOCIONAL ESTILO Y ATMÓSFERA

3.1 Ilustración visual de conceptos

3.2 Ambientación y contextualización

3.3 Narrativa viaul paralela

4.1 Selección de estilos fotográficos

4.2 Enfoque en detalles e iluminación

4.3 Adaptación al contenido y audiencia

5.1 Expresiones faciales y lenguaje corporal

5.2 Composición y enfoque selectivo

5.3 Elementos simbólicos

5.4 Perspectiva y punto de vista

CRÉDITOS

BOCETOS

Hazel Cruz

MAQUETACIÓN

Sugey Parra

PORTADA

Diana Jimenez - Sugey Parra

BRIEF

Ginger Naranjo - Ashley Perea

CONTENIDO

Diana Jimenez - Ashley Perea - Ginger Naranjo -

Hazel Cruz - Sugey Parra

INTRODUCCIÓN

El folleto abarca en como la fotografía desempeña un papel fundamental en la comunicación visual del diseño editorial. Es un medio poderoso que permite transmitir mensajes, contar historias y evocar emociones de manera efectiva. La combinación de fotografía y diseño editorial crea una sinergia única, en la cual la imagen fotográfica se fusiona con el diseño gráfico y el texto para generar una experiencia visual impactante y cohesiva.

Abarca temas como la organización visual, Narrativa Visual, Complemento de texto, Estilo y atmósfera e Impacto emocional. En el diseño editorial, la fotografía se utiliza para capturar la atención del lector, establecer el tono y el estilo de una publicación, así como transmitir información de manera visual y memorable. La selección cuidadosa de las imágenes, su composición, el uso del color y la iluminación, entre otros aspectos, son elementos esenciales que influyen en cómo se percibe y se entiende el contenido, no solo debe ser estéticamente atractiva, sino también relevante y coherente con el mensaje y la temática de la publicación. Las imágenes deben complementar y reforzar la información textual, añadiendo profundidad, emoción y contexto visual.

Además, la fotografía en el diseño editorial permite capturar la atención de los lectores en un mundo saturado de información visual. Una imagen bien ejecutada puede despertar curiosidad, generar interés y motivar al lector a explorar más a fondo el contenido. También puede transmitir el carácter distintivo de una publicación, estableciendo su identidad visual y diferenciándola de otras. En resumen, es una herramienta para comunicar, cautivar y conectar con los lectores a través de la cuidadosa selección y el uso estratégico de imágenes fotográficas.

ORGANIZACIÓN VISUAL

1.1 Tipos de fotografía

1.2 Espacio negativo y equilibrio

1.3 Simetría y asimetría

1.4 Ritmo y secuencia

1.5 Rejillas y lineas guías

1.6 Organización espacial

TIPOS DE FOTOGRAFÍAS

En el diseño editorial hay varios tipos de fotografía que se utilizan para comunicar visualmente el contenido.

Fotografías ilustrativas, se utilizan para ilustrar o representar visualmente un concepto, tema o idea espesífica. Pueden ser imágenes de archivo, fotografías tomadas justamente para el proyecto o ilustraciones fotográficas.

Fotografías informativas, se utilizan para transmitir información de manera clara y concisa. Pueden ser gráficos, diagramas o imágenes con elementos textuales que ayudan a explicar o apoyar el contenido editorial.

Fotografías de apoyo narrativo, se emplean para contar una historia o narrativa en el diseño editorial. Pueden capturar momentos, acciones o eventos que respalden o complementen el texto

Gu Kssn, Nur-Sultan, Kazakhstan, 2022

«Las fotos son lo primero que se ve cuando se llega a una página. Son rápidas, emocionales, instintivas, y provocan la curiosidad.»

Jan V. White, Editing by design.

y ayuden a transmitir la historia de manera visual.

ESPACIO NEGATIVO Y EQUILIBRIO

Fotografías atmosféricas, se centran en capturae el estado de ánimo o la sensación de un lugar, evento o situación, transmiten emociones y crear conexión emocional con la audiencia estableciendo una ambientación específica para el contenido editorial.

El equilibrio utiliza algunos criterios de organización, como la ley de la balanza, que es un criterio compositivo, se asemeja a una balanza de dos platillos. Consiste en colocar dos formas semejantes en tamaño, color, configuración y significación a la misma distancia del centro. Donde la zona de máxima atención está situada en el centro del espacio compositivo.

Fotografías de retrato, se enfocan en personas y sus características faciales y expresiones. Se utilizan para resaltar a individuos específicos, entrevistados, expertos o personajes relevantes para el contenido editorial.

Otro criterio es la ley de compensación de masas, este equilibra una composición semejante a las balanzas romanas que tienen un solo platillo, compensado con unas pesas en el otro extremo.

Fotografías de producto, se manejan para presentar y destacar productos o servicios en el diseño editorial. Pueden mostrar los detalles, características y beneficios de un producto, así como su uso en contextos relevantes.

Este criterio busca el equilibrio mediante el contrapeso, relaciona formas de diferente tamaño, color o significación.

Fotografías de archivo, son fotografías preexistentes que se obtienen de bancos de imágenes o archivos de fotografía. Se utilizan cuando no es posible tomar nuevas fotografías{ estas se ajustan muy bien al contenido y al estilo del proyecto editorial.

Tomado de (Graw, 2015, p. 71).

Jugar con el espacio negativo y aprovecharlo en beneficio del diseño, es una excelente manera de atraer atención.

C. Andrés Ordoñez Santiago, 2005. FORMATOS DE IMAGEN DIGITAL. Revista Digital Universitaria.

SIMETRÍA Y ASIMETRÍA

Es la disposición de diferentes partes de un sujeto de una forma ordenada y correspondiente donde supone equilibrio y da correspondencia a forma, tamaño y posición de las partes de un todo. Se refiere primariamente a las cosas que se captan por imágenes visuales. Por la vista se perciben simultáneamente las partes diversas y se advierte entre ellas una cierta relación matemática o no.

impredecibles y tiene más libertad de expresión con la asimetría que con la simetría.

RITMO Y SECUENCIA

La Asimétrica carece el balance, aunque pueden balancear asimétricamente una composición entera. La asimetría es más común en formas naturales y crea relaciones complejas entre elementos, y tiende ser más interesante que la simetría. Ya que es más interesante, la asimetría puede ser usada para llamar la atención. Para este estilo de composición se crean patrones

El principio del ritmo o de movimiento es la cualidad por la que podemos controlar al ojo alrededor de un elemento o espacio, podemos dirigir el ojo de los espectadores dentro de nuestra composición y es ahí donde el ritmo es la secuencia con que aparecen los elementos que componen el diseño como el orden, la repetición y la forma de organizarlos. La secuencia narrativa explora cómo una secuencia de imágenes puede contar una historia o transmitir una narrativa de manera efectiva. Utiliza una serie de fotografías que se complementen entre sí y se presenten en un orden lógico para guiar al lector a través de una historia visual. El ritmo visual se crea mediante la alternancia de diferentes tipos de imágenes, como primeros planos y tomas de cuerpo completo, o mediante la variación de la composición y el encuadre. El ritmo visual ayuda a mantener el interés del lector y evita la monotonía visual en el diseño editorial.

Inga Seliverstova, Rusia, 2020 Harrison Haines, 2022

REJILLAS Y LÍNEAS GUÍAS

Las rejillas y las líneas guías son herramientas fundamentales en el diseño editorial y la composición fotográfica. Se debe tener en cuenta los siguientes puntos para crear un diseño visual agradable y entendible a la vista.

Organización visual: Las rejillas y las líneas guías ayudan a organizar los elementos visuales de una página o una fotografía. Puedes utilizar una rejilla de tercios, una rejilla áurea o una rejilla de cuadrícula para dividir el espacio de manera equilibrada y colocar los elementos de forma armónica.

Composición equilibrada: Las líneas guías son utilizadas para crear una composición equilibrada y armoniosa en una fotografía o un diseño editorial. Alinear elementos claves, como horizontes o elementos verticales para generar un efecto visualmente agradable.

Jerarquía visual: Las rejillas y las líneas guías pueden ayudar a establecer una jerarquía visual clara en un diseño editorial. Puedes utilizar líneas guías para alinear elementos importantes y resaltarlos, creando así un enfoque visual y una estructura coherente.

Flujo visual: Las líneas guías pueden guiar el flujo visual del lector a través de una página o una serie de fotografías. Puedes utilizar líneas diagonales o curvas para crear un movimiento visual y dirigir la atención hacia áreas específicas del diseño.

Cut Collective, 2019

Estructura y alineación: Son útiles para asegurarse de que los elementos del diseño editorial estén correctamente alineados y estructurados. Podr{as alinear elementos de texto, imágenes o bloques de contenido, lo que proporciona una apariencia ordenada y profesional.

ORGANIZACIÓN ESPACIAL

Experimentación y creatividad: Aunque las rejillas y las líneas guías se utilizan comúnmente para lograr una composición equilibrada, también se pueden utilizar de manera creativa para romper con la simetría y crear diseños más dinámicos para explorar nuevas posibilidades y agregar interés visual.

Un espacio equilibrado proporciona consideración a la colocación de objetos según su peso visual. Los elementos de línea, la forma, el color y la textura ayudan en el peso visual de un objeto, donde se delimita la cantidad de espacio se ocupa. Es importante que exista un balance simétrico donde pueda crearse un efecto de imagen espejada. Por otro lado el balance informal emplea objetos diferentes del mismo peso visual para crear equilibrio en un espacio. Es más sutil y espontáneo y da un sentimiento más cálido y casual.

Al utilizar rejillas y líneas guías en el diseño editorial y la composición fotográfica, puedes crear diseños más equilibrados, atractivos y estructurados. Estas herramientas te permiten organizar visualmente el espa cio, establecer jerarquías, dirigir el flujo visual y lograr una composición efectiva y agradable a la vista.

Orden

y equilibrio a la composición de la página son la base para la diagramación.

Masha Raymers, 2021

Tomado de: M. Torres Acemel, 2014. Canales sectoriales. Interempresas

NARRATIVA VISUAL

2.1 Composición y enmarcado

2.2 Contraste y contexto

2.3 Narrativa visual emocional

«Diseñar es pensar en hacerlo visual.»

COMPOSICIÓN Y ENMARCADO

La composición de una foto es importante para la comunicación porque facilita construcciones relacionadas con la división, como la regla de los tercios. Una buena composición atrae la atención del espectador hacia un elemento importante y después condúcela por los demás.

Se debe de realizar con anterioridad de tomar la foto para plantear que se quiere transmitir, qué elementos son los más importantes, enmarcar la toma, explorar diferentes opciones, diseñar la foto con lente y finalmente hacer la toma.

Saul Bass

Tomado de: Fernando R. Chacón, 2017 La fotografía en el diseño editorial como medio de comunicación gráfica.

El enmarcado es una técnica que consiste en cerrar el punto de interés utilizando un elemento que haya en la escena de forma natural o superficial. En diseño editorial es muy utilizado para destacar elementos con mayor afectividad, creando un encierre como centro de atención.

Puede ser vinculado a diferentes mecanismos de externalización de lo crítico, la conectividad y los desvíos incentivados por el montaje imaginativo, también una técnica cognitiva y persuasiva lo que aproximan el ensayo editorial a las operaciones de rescate de lo olvidado y de lo excluido propias de la crítica cultural..

Cottonbro studio, 2021

Cottonbro studio, 2021

CONTRASTE Y CONTEXTO

El contraste se refiere a una diferencia visible en las propiedades de los objetos. En teoría, cualquier diferencia puede verse como contraste, pero la realidad dicta que la diferencia debe ser de un grado lo suficientemente significativo como para diferenciar claramente entre los objetos. Puede ocurrir en cualquiera de los elementos básicos del diseño, que son línea, color, forma, textura, forma, espacio y tipografía.

El contraste atrae la atención del espectador, creando interés y una composición dinámica, cuando se usa bien, todos los elementos que el artista desea resaltar se destacarán, es esa diferencia observable entre dos objetos o áreas de una composición con respecto a una o más propiedades, es una de las herramientas más poderosas que puede usar un diseñador gráfico, pero debe usarla con cuidado. Si bien cualquier grado de diferencia es técnicamente un contraste, queremos usar suficiente diferencia para que los dos objetos o áreas se destaquen claramente cuando se colocan uno al lado del otro.

Al hablar de contraste y contexto nos damos cuenta que van agradados de la mano, ambos cumplen roles muy importes a la hora de realizar

un proyecto de diseño editorial. El contextualizar es crear una historia o contenido alrededor de una marca, servicio o producto que previamente no lo tenía definido. Se trata de contextualiar para hacer más cercano el producto o servicio a las circustancias actuales para de esa manera aportar sinergía y actualidad a la propuesta gráfica.

Al utilizar contexto , la relación entre los objetos en una composición, podemos crear contrastes con significado adicional. En última instancia, cuando se usa el contraste, un diseñador debe resaltar la información importante de una manera que llame la atención sin estresar los ojos del espectador.

Brands&People, 2021

NARRATIVA VISUAL EMOCIONAL

Lo que convierte la fotografía en algo fascinante es la sutileza con que nos atrapa y nos sumerge en la emoción y en la historia que nos intenta transmitir. Una película puede necesitar 90 minutos, o 15 minutos, aunque sea (si es cortometraje) para llevarte a un punto emocional. Una foto viene a ser un concentradísimo chute emocional, una microhistoria contada, de principio a fin, con todo lujo de detalle, en lo que tarda uno en pestañear.

atardecer, o que llevan algún tipo de referencia horaria, año, etc., suelen transmitir mayor carga narrativa que una foto en la que, por mucho que mires, no encuentras ninguna indicación temporal.

ELEMENTOS IMPRESCINDIBLES EN UNA

FOTOGRAFÍA NARRATIVA

Un contexto físico: Una localización, el lugar donde sucede la foto, donde ocurre la pequeña historia que estamos contando. Puede ser una ciudad, una calle, el salón de una casa, o el interior del pétalo de una flor si lo que cuentas es la historia de una mariquita. Tiene que ser relativamente fácil deducir de tu foto la naturaleza del lugar en el que ha sido tomada.

Un contexto temporal: ¿Puedes, de manera visual, transmitir una referencia del momento en el que se tomó la fotografía? Las fotografías que expresan un momento del día como el amanecer,

Juliano Astc, Paraguay, 2022

Cuidado: Si bien tienes que indicar el momento en que se desarrolla la foto, tú eliges si lo quieres indicar de manera explícita o implícita. Que no sea demasiado implícita porque no todo el mundo lo va a «sentir», pero por ejemplo un chico repartiendo periódicos en bici es una clara indicación temporal de la mañana.

Un contexto emocional: En tu foto, asegúrate de tener bien definida una emoción predominante. Puede haber varias emociones en una misma foto, pero una tiene que dominar y quedarse plasmada en la retina del espectador.

La dirección visual que hayas escogido para tu foto tiene que acompañar esta emoción dominante. Sería difícil reflejar sentimientos como el miedo o la soledad con una foto de colores cálidos y vívidos, de la misma manera que una foto de color predominante gris, con una composición llena de espacios negativos, es difícil que cuente historias de alegría (imposible en fotografía no hay nada, digo difícil).

convertirse en un buen protagonista de una foto, pero define contigo mismo un protagonista. Di «la persona o cosa protagonista de mi foto es ésta, o aquella». No lo dejes al azar, no dispares por disparar, a ver qué sale.

Un elemento protagonista: Y digo «elemento» porque puede ser persona, puede ser objeto, paisaje, animal, cualquier cosa es susceptible de

Pequeño truco: los humanos, por naturaleza, somos más empáticos con otros humanos que con un objeto. En consecuencia, te resultará mucho más fácil contar historias protagonizadas por una persona que por una pelota de beisbol. No quiere decir esto que no se pueda contar una historia mediante una foto sin que aparezcan personas.

Tomado de: Mario Pérez 202. Fotografía narrativa: la guía completa para contar historias mediante una fotografía

COMPLEMENTO DE TEXTO

3.1 Ilustración visual de conceptos

3.2 Ambientación y contextualización

3.3 Narrativa visul paralela

ILUSTRACIÓN VISUAL DE CONCEPTOS

La fotografía que acompaña al texto debe transmitir lo que quiso comunicar el escritor, ya que su objetivo es que mediante las imágenes se pueda comunicar al receptor, generando algún tipo de interés y creando ciertas expectativas atrayéndolo para que sea más sencillo llegar a él. El uso apropiado de la imagen produce en el estudiantado mensajes de fácil recordación frente a aquellos que son emitidos verbalmente; la fotografía, el cine, la televisión y el computador, entre otros, utilizan la imagen como medio

para mensajes que, aplicados bajo estrategias pedagógicas apropiadas en el aula, posibilitan la enseñanza y el aprendizaje de una manera más agradable y significativa.

Esta facilidad que aporta el uso de la imagen en el proceso educativo se debe a los hábitos de consumo que las nuevas generaciones han adoptado mediante el uso de las TIC. Las aulas se enfrentan a estudiantes acostumbrados a información digitalizada, música, animaciones e imágenes en movimiento quienes se sienten cómodos disipando nformación no lineal.

Cottonbro studio, 2021

Tomado de: Sánchez, H. (2009). Una imagen enseña más que mil palabras ¿ver o mirar? Zona Próxima 10. 198-209. UNESCO. (2013). Enfoques estratégicos sobre las TICS en educación en América Latina y el Caribe.

Cottonbro studio, 2021

Indistintamente de la técnica de construcción de imágenes, en el libro álbum la persona lectora para interpretar la obra necesita de la lectura de imágenes y textos para poder aprehender lo que realmente se está contando. A diferencias de otro tipo de libros donde la imagen solamente acompaña el contenido textual, en el libro álbum la imagen necesita del texto y viceversa.

Esta característica reconfigura la obra de forma tal que su construcción debe asegurar esa participación equitativa, la cual no se basa en la simple presentación gráfica (si contiene más texto que imágenes o al contrario), sino que lo hace basándose en el peso de comunicación que aportan los dos.

Puede considerarse que la ilustración que alberga el libro álbum es también texto, y que su lectura va de la mano con todos los elementos de diseño que se hayan seleccionado para el mismo: el tamaño de la letra, los colores y la diagramación del documento en general.

Para ilustrar el concepto de exposición en la fotografía, puedes crear una ilustración visual que represente los elementos clave de la exposición: la cantidad de luz que ingresa a la cámara y cómo afecta a la imagen resultante.

Con las siguientes ideas podr{as hacerlo: Representación de una cámara: Comienza por dibujar una cámara fotográfica reconocible en tu estilo preferido. Puede ser una cámara analógica clásica o una cámara digital moderna, según tus preferencias.

Medidor de luz: En la parte superior de la cámara, dibuja un medidor de luz. Puedes representarlo como una barra o un indicador circular que muestra diferentes niveles de luz, desde la oscuridad hasta la claridad.

Escala de exposición: Junto al medidor de luz, dibuja una escala que indique diferentes valores de exposición, como “subexpuesto”, “correctamente expuesto” y “sobreexpuesto”. Esto ayudará a visualizar los diferentes niveles de exposición y cómo se relacionan con el medidor de luz.

Elementos visuales de luz: Para resaltar la importancia de la luz en la exposición, puedes agregar elementos visuales que representen la luz. Por ejemplo, puedes dibujar rayos de luz que ingresan a la cámara o una fuente de luz, como el sol o un reflector, iluminando la escena.

Unidad de Currículum y Evaluación. (2007). Ver para leer. Acercándonos al libro álbum. Santiago de Chile: Ministerio de Educación.

Tomado de: Colomer, T. (2005). Las funciones de la literatura infantil y el contexto actual. En Lectura y literatura infantil y juvenil. España: Aljibe.

Efectos de exposición: Para mostrar los efectos de diferentes niveles de exposición, puedes representar una escena o un sujeto con diferentes variaciones de luz. Por ejemplo, puedes mostrar una imagen subexpuesta con sombras intensas, una imagen correctamente expuesta con un equilibrio adecuado de luces y sombras, y una imagen sobreexpuesta con áreas destacadas y falta de detalle en las sombras.

La ilustración visual de conceptos en la fotografía ofrece varias ventajas que pueden ser beneficiosas tanto para los fotógrafos como para los espectadores. Aquí hay algunas ventajas

clave:

Claridad visual: La ilustración visual permite representar conceptos abstractos de manera más clara y accesible. A través de elementos gráficos y visuales, se pueden simplificar y resaltar los aspectos clave de un concepto fotográfico, lo que facilita su comprensión tanto para principiantes como para personas con conocimientos avanzados en fotografía.

la esencia del concepto y a evitar confusiones o ambigüedades que a veces pueden surgir en una fotografía real.

Personalización creativa: Al utilizar la ilustración visual, los fotógrafos tienen la libertad de representar los conceptos fotográficos de manera creativa y personalizada. Pueden utilizar estilos artísticos distintos, colores y formas que se adapten a su visión y estilo individual, lo que les permite transmitir su propia interpretación de los conceptos.

Mayor control y simplificación: La ilustración visual permite controlar y simplificar los elementos visuales y técnicos de un concepto fotográfico. Es posible destacar las características clave, eliminar detalles innecesarios o complicados, y presentar el concepto de una manera más clara y directa. Esto puede facilitar el aprendizaje y la comprensión de los conceptos, especialmente para principiantes.

Enfoque selectivo: Al crear una ilustración visual, se puede enfocar en aspectos específicos de un concepto fotográfico y eliminar elementos distractivos o innecesarios. Esto ayuda a resaltar

Flexibilidad y adaptabilidad: La ilustración visual puede adaptarse a diferentes formatos y medios, como libros, revistas, sitios web y presentaciones.

Esto proporciona flexibilidad para utilizar las ilustraciones en diferentes contextos educativos,

Tomado de: Denise Tampone, Composición y exposición de fotografía.

informativos o promocionales relacionados con la fotografía.

Estímulo creativo: Tanto para los espectadores como para los propios fotógrafos, las ilustraciones visuales pueden ser una fuente de inspiración creativa. Pueden despertar ideas nuevas, enfoques innovadores y formas de experimentar con los conceptos fotográficos, fomentando así el desarrollo y la expansión de habilidades artísticas.

aparecer dentro de la composición.

(Pilar, 2013) también nos da algunos TIPS muy eficaces para que la atención se centre en el sujeto y solo en él, ya que si se pretende contar algo es importante jugar con todos los elementos que rodean a este, y enmarcar la acción.

En resumen, la ilustración visual de conceptos en la fotografía ofrece claridad, personalización, control, flexibilidad y estímulo creativo. Estas ventajas pueden ser valiosas tanto para los que aprenden fotografía como para los profesionales que desean explorar y transmitir ideas fotográficas de manera efectiva.

AMBIENTACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN

En su blog Pensando en alto (Pilar, 2013) nos comenta que para que la foto nos redacte una historia debería capturarse o desarrollarse en un ambiente determinado, donde el sujeto debe

Para recoger el contexto de la foto o lograr esa ambientación hay diferentes tendencias la primera es de Robert Capa quien dice que debes acercarte lo más que se pueda “si tu foto no es lo suficientemente buena es que no te has acercado lo suficiente”

Muy diferente a lo que dice Cartier-Bresson sus fotos buscan las líneas, simetrías, para él en la composición el entorno es tan importante como el sujeto.

Es importante destacar e papel que juega la fotografía en el siseño editorial y comprender su contextualización ya que sus característivcas proporsionan varacidad, autenticidad y mayor cercaría a la realidad.

NARRATIVA VISUAL PARALELA

La narrativa visual está estrechamente relacionada con la imagen; a lo largo de la historia ha sido una parte muy fundamental en la identidad de los pueblos y las sociedades, porque a través de las fotos podemos transmitir sus costumbres, tradiciones y culturas.

La narrativa visual es un apoyo visual a las palabras,

además se puede entender como la confrontación estética ya que lo simbólico y sus formas se configuran como modo de expresión, provocando emociones que inciten a la acción. La narrativa visual paralela permite al espectador explotar diferentes aspectos de la historia, aquí unos puntos claves a connsiderar.

Viñetas en paralelo se ven en una historieta o novela gráfica, se divide la página en varias viñetas que muestren diferentes eventos que ocurren al mismo tiempo donde cada viñeta representa una línea narrativa distinta pero todas están conectadas entre sí y el espectador puede seguir diferentes trayectorias visuales.

Collage narrativo, representa diferentes momentos o perspectivas de una serie de elementos visuales que en conjunto forman una imagen completa, y brinda la oportunidad de dar al espectador la libertad de interpretar la historia de diferentes maneras.

Fotografía secuencial, se utiliza una serie de imágenes que reprenten diferentes momentos o acciones relacionada entre sí, estas imágenes se presentan en secuencia pero el espectador

23 Tomado de: Guerrero Reyes, L. (2016). El Diseño Editorial (Guia para la realización de libros y revistas). Madrid: Universidad Complutense de Madrid.

Pilar, G. (10 de Abril de 2013). Ambientacion de la fotografía. Obtenido de Pensando en alto.

puede verlas todas al mismo tiempo permitiendo captuara mùltiples perspectivas y momentos claves en una sola iamgen, creando una narrativa visual paralela.

Según Mi-Young indica que las narrativas visuales deben tener ciertas características:

-Originalidad: Capacidad del artista en aportar una visión nueva en el orden establecido.

-Voluntad artística: Decisión de iniciar un acto creativo en un modo consciente.

-Espacial intención comunicativa: Tener la voluntad de transmitir el mensaje.

-Desviación: Concepto es idea, imagen mental.

-Lo connotativo: El mensaje que no se ve a simple vista, es lo oculto y subjetivo.

-Mundo propio: Una realidad paralela.

-Función estética: La apariencia y el orden de los elementos de la obra artística.

Tomado de: Mi-Young, S. (2010). De la Narración Literararia a la Narración Visual. Valencia: Universidad Politécnica de Valencia. Solano Paredes, J. (2022). La narrativa visual de la fotografia y su impacto persuasivo en la publicidad. Santiago de Cali: Universidad Autonoma del Occidente.

Cottonbro studio, 2021

ESTILO Y ATMÓSFERA

4.1 Selección de estilos fotográficos

4.2 Enfoque en detalles e iluminación

4.3 Adaptación al contenido y audiencia

SELECCIÓN DE ESTILOS FOTOGRÁFICOS

Explora cómo la elección de un estilo fotográfico específico puede transmitir una sensación distintiva en una publicación. Por ejemplo, el uso de fotografías en blanco y negro puede evocar nostalgia o elegancia, mientras que el uso de colores vivos puede generar energía y vitalidad. Para tener una aproximación a los estilos fotográficos que se aplican en las imágenes de esta investigación, se realiza una breve descripción de los estilos aplicados en el estudio. En cambio, el estilo descriptivo no posee demasiados elementos concretos en relación al estilo romántico, lo más destacable de este tipo de fotografía de paisaje es la composición y el detalle. En el que destaca la labor del fotógrafo estadounidense Edward Weston, que se caracterizó por emplear el primer plano en temas naturales para obtener formas poco usuales. Por otra parte, tenemos el estilo gráfico - abstracto que intenta reducir el paisaje a algo simple, llegando incluso en ocasiones al minimalismo que consiste en extraer la esencia gráfica de una escena de la mejor forma posible, precisa de cierta habilidad visual para conseguir buenas fotografías paisajísticas gráfico - abstractas.

El estilo de fotografía representa cómo el fotógrafo percibe la realidad en un entorno determinado y, desde muchas perspectivas, el fotógrafo define su propio estilo. Hay géneros de fotografía que son de alguna manera la inspiración o base del estilo que adopta un fotógrafo. El estilo de la

Cottonbro studio, 2021

Tomado de: Jesús Marinetto, 2011. Fotografía paisajistica. Jorge Hernandez, J., 2016. Estilos fotograficos.

fotografía se refleja en muchos aspectos. Por lo tanto, podemos encontrar muchas cosas en las que podemos fijarnos cuando tratamos de encontrar el estilo de fotografía.

El sujeto, siempre son retratos, paisajes o edificios, también es importante ver si un objeto está asociado o aislado de su entorno y si puede interactuar con otros objetos.

La composición, existen fotógrafos que desarrollan a la fotografía más minimalista y fotógrafos que sobrecargan sus imágenes. Algunos son muy perfeccionistas en términos de composición, otros necesitan estar completamente afinados para verse bien, mientras que otros tienden a ser descuidados. (en cierto modo) la composición de sus imágenes porque se preocupan más de poder captar aquello que desean.

La edición, depende totalmente de lo que el fotógrafo busca comunicar, o sienta que debe cambiar para que se pueda comunicar lo que el desea.

también es posible precisamente lo que le diferencia es siempre anda probando cosas nuevas.

La luz, dentro de la costumbre que tipo de luz es común que utilice un fotógrafo: natural, con flashes, de estudio. Utiliza la iluminación de una manera concreta o 28 de manera incorrecta siendo esto totalmente a propósito. La variedad Marcelo Chagas, 2020

ENFOQUES EN DETALLE E ILUMINACIÓN

La iluminación es una herramienta que transmiten significado en dos niveles. El primer nivel está relacionado con el tipo de iluminación que elige el creador por el contenido único del propio objeto y se utiliza en representaciones 2D tanto estáticas como en movimiento, y en el segundo caso el tipo de luz. Se utilizó para iluminar objetos desde el exterior, como productos 3D. En cualquier caso, los criterios de selección del tipo de iluminación se pueden reducir a cuatro.

tierra. Una ventaja de la luz natural es que permite hacer tomas fotográficas en exteriores y puede ser complemento a la luz artificial.

CRITERIOS DE SELECCIÓN DE ILUMINACIÓN

Tipo de Fuente: Natural o Artificial.

Cantidad: clave alta o clave baja.

Temperatura: Alta o baja temperatura.

Orientación: Para lectura, contra lectura, picado o contrapicado.

La luz artificial es aquella que proviene de lámparas, spots, flashes y otros objetos luminosos controlados por el fotógrafo, teniendo como ventaja el poder manipular la dirección, color e intensidad de éstas. Sin embargo, el uso de luz artificial tiene un coste más caro de producción y requiere de conocimientos técnicos para manejarla adecuadamente; dependiendo de la cantidad de luces que se utilicen puede haber un límite de la extensión de la superficie iluminable, por lo que la luz artificial suele ser complemento de la natural y viceversa.

La luz natural es aquella que proviene del mismo sol y es influida en su paso por la atmósfera terrestre, además dependiendo de la hora del día puede dar diferentes matices en intensidad, dirección, dureza y color, lo que significa que una luz apta para determinado trabajo pueda tener una corta duración debido a la rotación de la

Yuri Manei, 2019

Tomado de: Alfonso, B. (2011). Iluminacion-Profesional-El-Estudio. Madrid.

ADAPTACIÓN AL CONTENIDO Y AUDIENCIA

Relevancia del contenido donde se examina la elección de elementos visuales en una fotografía, como sujetos, colores, composición y estilo, debe estar estrechamente alineada con el contenido del diseño editorial. Analiza cómo la fotografía puede transmitir el mensaje central del contenido y complementar la narrativa o la temática abordada.

Consideraciones culturales y sociales donde se analiza cómo la fotografía debe adaptarse a las consideraciones culturales y sociales del público al que se dirige. Reconoce que diferentes culturas pueden tener percepciones y normas visuales distintas, y adapta la fotografía para ser inclusiva y respetuosa en términos de género, raza, religión y otros aspectos culturales.

Tono y estilo apropiados, considera cómo el tono y el estilo de la fotografía deben adaptarse a la naturaleza del contenido y a la audiencia objetivo. Por ejemplo, una revista dirigida a un público juvenil puede requerir una fotografía con un estilo más moderno y dinámico, mientras que una publicación seria y profesional puede necesitar un enfoque más sobrio y formal.

Niveles de conocimiento y experiencia, considera el nivel de conocimiento y experiencia de la audiencia en relación con el contenido presentado. Ajusta la complejidad de la fotografía para que sea accesible y comprensible para el público objetivo. Evita imágenes demasiado técnicas o abstractas si no están alineadas con la comprensión y experiencia de la audiencia.

Identificación con la audiencia, la fotografía puede ayudar a establecer una conexión emocional con la audiencia objetivo. Examina cómo seleccionar imágenes que resuenen con los intereses, valores y experiencias de la audiencia puede fortalecer la comunicación y el impacto de la fotografía en el diseño editorial.

Personalización y segmentación, explora cómo adaptar la fotografía a diferentes segmentos de audiencia o grupos demográficos. Considera la posibilidad de personalizar imágenes o utilizar diferentes enfoques visuales para llegar de manera efectiva a grupos específicos dentro de tu audiencia más amplia.

IMPACTO EMOCIONAL

5.1 Expresiones faciales y lenguaje

corporal

5.2 Composición y enfoque selectivo

5.3 Elementos simbólicos

5.4 Perspectiva y punto de vista

En ese sentido, se considera oportuno examinar el poder simbólico contenido en la propuesta fotográfica, no solo como reflejo de la realidad sino como una forma de construcción de la misma, así como de expresión emocional, siendo un poderoso instrumento que conlleva a diversas construcciones de sentido, al facilitar el encuentro con las expresiones derivadas de cada imagen fotográfica, que entendida como texto visual, se desplegará como una narración contada con cierta intencionalidad a alguien. En efecto, las imágenes tienen largo tiempo de convivir con el ser humano, de acuerdo con las diversas formas artesanales, artísticas y técnicas de crearlas han tenido diferentes significados y funciones según el periodo, la latitud y las diversas culturas que las han producido e interactuado con ellas

EXPRESIONES FACIALES Y LENGUAJE CORPORAL

En el contexto de expresiones faciales y lenguaje corporal dentro de la fotografía es importante el trabajo en conjunto, ya que no sólo depende de lo bien que lo haga el fotógrafo, sino que debe haber una complicidad modelo-fotógrafo en el que ambos se sientan totalmente confiados y puedan realizar cualquier tipo de escena sin pudor alguno. De esta manera se logra llamar la atención del público objetivo , a traves de expresiones que logran ser diferentes a lo habitual.

Martin Auge, 2021

Tomado de: Laiton Cortes , A., & Quinche Castaño , M. (2016). La Fotografía como Detonador Emocional. Un Lenguaje para el Reconocimiento del Territorio como Elemento Identitario. La Fotografía como Detonador Emocional. Un Lenguaje para el Reconocimiento del Territorio como Elemento Identitario. Bogotá, Colombia.

Cuando alguien nos va a hacer una foto, siempre solemos tener una pose preferida o dos como mucho, para salir bien en las fotos. Suele ser una pose automática, que sale espontáneamente sin casi haberlo pensado. El control del cuerpo hasta cierto punto puede ser controlado por el fotógrafo, puede colocar a la modelo en la posición deseada, dependiendo en buena parte de la disposición de esta, su soltura, relajación, etc. Pero hay una parte del cuerpo que no es tan fácil de corregir y en muchos casos es la perdición de algunos de mis trabajos. Estoy hablando de la expresión facial.

De esta forma podemos tener a detalle cada facción de su rostro para saber que tipo de foto podemos trabajar.

2. Elegir un buen perfil.

3. Llevar toda la atención a puntos clave del rostro, que logre transmitir la expresión que queramos.

4. Tener en cuenta varios ángulos, enfocados en el rostro.

Estos pasos nos serán útil para mostrar la expresión que vayamos a proyectar a través de la fotografía según el contexto que la desenvuelve.

El rostro es una de las áreas con mayor complejidad al momento de captar en fotografía las expresiones, por eso es importante que la modelo u objeto a ser fotografiado este correctamente guiado. Se debe tener en cuenta toda la parcialidad del rostro y cada movimiento de la musculatura de la cara para lograr ser convincentes con las expresiones. Para conseguir destacar las expresiones y obtener una buena fotografía se debe tomar en cuenta los siguientes puntos:

1. Poner en práctica las expresiones más habituales, reírse, enfadarse, tristeza.

El cuerpo habla, comunica, expresa, y mucho más de lo que pensamos, es una herramienta que puedes utilizar en tus retratos para imprimirles la emoción, sentimiento o estado que desees transmitir.

Según el tipo de perfil que se utilice la imagen o fotografía nos contará distintas cosas: Perfil delantero: una mirada dirigida al infinito que transmite paz, evasión, tranquilidad. Tres cuartos delanteros: se expresa un punto de agresividad.

Frontal: retrato simple que no aporta nada especial a no ser que lo acompañe con gestos o posición de las manos.

Tomado de: Alfonso, V. (21 de Diciembre de 2009). fotoaprendiz.com. Obtenido de fotoaprendiz.com

COMPOSICIÓN Y ENFOQUE SELECTIVO

En el contexto de expresiones faciales y lenguaje corporal dentro de la fotografía es importante el trabajo en conjunto, ya que no sólo depende de lo bien que lo haga el fotógrafo, sino que debe haber una complicidad modelo-fotógrafo en el que ambos se sientan totalmente confiados y puedan realizar cualquier tipo de escena sin pudor alguno. De esta manera se logra llamar la atención del público objetivo , a traves de expresiones que logran ser diferentes a lo habitual.

La fotografía tiene que diseñarse antes de la toma fotográfica, en otras palabras, debe pensarse y editarse antes de colocar el ojo en el lente de la cámara. Se debe analizar desde su ubicación hasta su función. Es conveniente que la fotografía comunique de manera directa o complemente la nota, para que el lector amplíe la información de lo que se le está comunicando. El uso de este recurso gráfico es necesario estudiarlo y considerar ¿qué va a comunicar? y ¿cómo va a comunicar el mensaje? no se trata de “poner” una fotografía para llenar un espacio en el formato a diseñar, a nivel de composición, es importante ubicar dicho elemento de una manera que cumpla

con el espacio apropiado para que tenga una buena legibilidad y se relacione directamente con los otros elementos gráficos a diseñar. Es conveniente y necesario ajustar las fotografías a la retícula; se debe recordar que estos elementos interactúan uno con el otro para que sean eficaces en la comunicación gráfica; es aquí donde la retícula logra su objetivo de ordenar los diversos elementos y ubicar el lugar a cada elemento en la composición y que no quede la fotografía “puesta” o compitiendo con otros elementos gráficos. La elección de una fotografía es sumamente necesaria para ajustar su contenido visual, su calidad, la técnica y la ubicación en el formato a diseñar. Una página debería contener sólo unos pocos elementos gráficos fuertes. Con frecuencia basta un titular grande y la fotografía correspondiente para conseguir la atención del lector. Demasiados elementos visuales avasallan y confunden el lector. Si se utiliza, por ejemplo, una fotografía grande, el titular puede ser más pequeño y a la inversa. Por otra parte, una falta de contraste puede hacer el diseño aburrido y monótono.

Por esta razón, la disposición de la fotografía se debe analizar a partir de su formato, ya que

una fotografía horizontal tiene una connotación diferente a una vertical, va a comunicar mayor pasividad y tranquilidad en su lectura horizontal, ya que estos elementos van a ampliar y enriquecer su contenido visual, es ir más lejos por medio de la fotografía. No es quedarse solo en lo gráfico, sino que la fotografía comunique más de lo que el texto informa.

ELEMENTOS SIMBÓLICOS

La fotografía debe ser clara en su compromiso de comunicación; desde el mismo momento en que la toma el fotógrafo, debe conocer el contenido textual saber qué se debe fotografiar para que comunique el contenido textual mediante la fotografía. Es importante que cumpla un espacio apropiado en la composición del formato, ya que, este elemento va a comunicar directamente al lector y va a complementar la información planteada en el texto.

Aclarar que la imagen es el concepto que más se utiliza como sinónimo de representación social, debido a que tanto la primera como la segunda hacen referencia a contenidos mentales fenomenológicos que se asocian con determinados objetos. El tratado teórico de la imagen remite a autores como Peirce y Saussure, que realizan y exponen sus teorías de manera exhaustiva, sin embargo esta reflexión traslada el estudio de la imagen a la teoría de la representación social intentando explicar desde la fenomenología cómo las imágenes entendidas como representación de la realidad. El simbolismo en la fotografía segun es más de lo que parecen ser a la vista. Representan un significado más profundo detrás de la imagen; algo, por ejemplo, que un artista quiere que las personas que ven dicha imagen verán sin que se mencione.

La fotografía funciona como un símbolo o representación de lo real perceptualmente codificada.

Tomado de: Olmedo, L. (8 de abril de 2022). blog.foto24.com. Obtenido de blog.foto24.com

Villar García, M. G., & Ramírez Torres, J. L. (16 de Diciembre de 2014). EL VALOR SIMBÓLICO DE LA IMAGEN REPRESENTADA. Toluca, México.

Ellison, M. (1 de febrero de 2018). geniolandia.com. Obtenido de geniolandia.com

Revista DISPLAYER, 2022

PERSPECTIVA Y PUNTO DE VISTA los objetos cercanos.

El mundo real es tridimensional y nuestros ojos lo ven así porque, al estar situados en posiciones diferentes, recogen cada uno en sus retinas una imagen ligeramente distinta de la realidad que tienen delante. La fotografía, a diferencia del mundo real, es un arte de sólo dos dimensiones. Aún así, percibimos profundidad en las imágenes. ¿Por qué ocurre esto? Pues sucede gracias a la perspectiva, o lo que es lo mismo, la ilusión visual percibida por el observador y que le ayuda a determinar la profundidad y situación de los objetos a distintas distancias. Si aprendes a dominar esta técnica, tendrás una potente herramienta de composición fotográfica que te ayudará a lograr unas imágenes realmente atractivas.

La perspectiva es fundamental para transmitir la sensación de profundidad y distancia, sobretodo en paisajes, ya sean naturales o urbanos, y en espacios interiores. La cámara fotográfica tiene un funcionamiento similar al ojo humano. Para representar la tridimensionalidad en fotografía, es decir, la perspectiva, tenemos tres recursos:

•La convergencia de líneas hacia uno, dos o tres puntos de fuga.

•La escala, de manera que percibimos más grandes

•El tono y el color, ya que los objetos lejanos se perciben más claros.

El punto de vista de la fotografía deben ser definidos correctamente para que el punto de fuga de la imagen no varie. Una de las principales limitaciones de la fotografía es su pretensión de representar una escena tridimensional en un soporte plano. Ser capaz de sugerir la profundidad de una escena es, por tanto, uno de los principales retos para el fotógrafo y uno de los trucos que más afectan al éxito de la toma. La forma en que nuestros ojos perciben la realidad que nos rodea es muy compleja. Como sabemos, los objetos lejanos parecen más pequeños que los cercanos (que es también el principio básico de la perspectiva en fotografía).

La forma en que percibimos la perspectiva en la fotografía no difiere de la forma en que interpretamos el espacio que nos rodea, teniendo en cuenta estos puntos claves de perspectivas:

-La perspectiva Lineal

-La Perspectiva aérea o atmosféricaL

-La Perspectiva cromática en la fotografía

Tomado de: Beatriz, D. (2014). daniabeatrizfotografiasypinturas.com. Obtenido de daniabeatrizfotografiasypinturas.

CONCLUSIÓN

En conclusión, la fotografía desempeña un papel fundamental en la comunicación visual del diseño editorial. Su poder para transmitir mensajes, contar historias y evocar emociones la convierte en una herramienta invaluable en el campo del diseño editorial. Al combinarse con el diseño gráfico y el texto, la fotografía crea una experiencia visual impactante y cohesiva que capta la atención del lector y enriquece la narrativa visual.

La selección cuidadosa de imágenes, su composición, el uso del color y la iluminación son elementos clave que influyen en cómo se percibe y se comprende el contenido editorial. La fotografía no solo debe ser estéticamente atractiva, sino también relevante y coherente con el mensaje y la temática de la publicación. Debe complementar y reforzar la información textual, añadiendo profundidad, emoción y contexto visual.

La fotografía en el diseño editorial tiene el poder de captar la atención en un mundo saturado de información visual. Una imagen impactante y bien ejecutada puede despertar curiosidad, generar interés y motivar al lector a explorar más a fondo el contenido. Además, la fotografía establece la identidad visual de una publicación, diferenciándola y transmitiendo su carácter distintivo donde la fotografía en el diseño editorial no solo cumpla una función estética, sino que también es una herramienta comunicativa efectiva. Su capacidad para transmitir mensajes, cautivar a los lectores y enriquecer la experiencia de lectura la convierte en un elemento esencial en la creación de publicaciones impactantes y memorables. El diseño editorial y la fotografía se complementan mutuamente, creando una sinergia que eleva la calidad y el impacto de la comunicación visual en este campo.

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