Giotto y lo real en el arte by susana morales

Universidad Autónoma de Cuidad Juárez

Instituto de Ciencias Sociales y de Administración

Programa Licenciatura en Historia Susana Pierce

Giotto y lo real en el arte Susana Jaqueline Morales Pérez

Noviembre 2006. Primer semestre de licenciatura

La vida del pintor

Fig. 1.1 Giotto di Bondone

n Vespignano, cerca de Florencia, nace Giotto di Bondone alrededor del año 12671. Su madre y padre eran de origen campesino. Bondone, su padre, le dio un rebaño de ovejas para que las llevara a

comer y las cuidara, debido a la experiencia en el campo aprendió a observar su entorno manifestando su gusto por la naturaleza, por el dibujo. Según la biografía hecha por Vasari, Giotto hacia trazos en el piso, en la tierra, en las rocas de aquello que le llamase la atención. Un día, como era su costumbre, mientras estaba en el campo al frente de las ovejas, dibujaba sobre una roca a una de ellas. Cimabue 2 estaba de paso por Florencia a Vespignano, se encontró a Giotto y al ver su obra se entusiasmó tanto que lo invitó a ir con él. Lo destacable en su dibujo es que contenía una carga de lo real,

el joven tenía mucho talento y "sin haber

aprendido la manera de hacerlo

con ningún maestro que no fuera la

naturaleza"3. Luego que Cimabue pidió permiso al padre de Giotto, se trasladaron a Florencia, donde el joven se convirtió en aprendiz. Mejorando su observación y con la ayuda de su maestro, logro alcanzar unos dibujos casi 1

En algunas fuentes aparece que nace en 1266 y en otras en 1276 Pintor florentino -Florencia (1240) - (1302 h.)3 Giorgio, Vasari. Vidas De Los Más Excelentes Pintores, Escultores Y Arquitectos. USA, W.m. Jackson, 1972. p.4 2

perfectos siendo un muy buen imitador de la naturaleza, hasta se dice que supero al propio Cimabue rápidamente. Y es así como comienza su vida como pintor. En el taller pasaba mucho tiempo dedicándole a sus dibujos y hasta existen anécdotas de sus días ahí. Una de ellas es que mientras Cimabue estaba haciendo un cuadro, se distrajo, entonces Giotto pintó sobre el dibujo una mosca, pero era tanta tu perfección y realismo que hasta el maestro creyendo que era real, le tiró un manotazo al dibujo. La ideología que maneja en sus frescos y demás obras, es de tema religioso. Vive con la tradición de Santo Tomás "que considera la tradición basada en la doctrina de una idea: la idea de la creación divina." 4. Fue el primer creador italiano en superar las tendencias bizantinas de la pintura de su tiempo y explorar unas orientaciones que acabaron por desembocar en la gran revolución artística del Renacimiento 5. Aún los temas son de pasajes o de inclinación religiosa, incluso su relación es precisamente con figuras importantes del clero. Su maestro el pintor Cimabue también considerado uno de los fundadores del arte moderno.

Las novedades de su arte.

Paul Westheim. Mundo y vida de los grandes artistas. tr. Mariana Frenk. 1ed. México, Era, 1973. p.10 S.A. En http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/giotto.htm (consultada el 10 de octubre de 2006)

Nos vamos a encontrar con algunos autores que menciona que Giotto no tenían ninguna base teórica. Por ejemplo Paúl Westheim menciona "Giotto no conoce las reglas de la perspectiva científica; no conoce del ilusionismo espacial; no sabe matizar los colores con luces y sombras, lo que narra se desarrolla siempre en un mismo plano. Únicamente mediante la agrupación de las grandes superficies cromáticas lograr crear un orden espacial de claridad perfecta, una estructura tectónica, que es y seguirá siendo la base de todo muralismo. Conserva una tradición que sujeta a la pintura a los requerimientos de la arquitectura6. Difiero con la opinión del autor porque al decir que no tiene ninguna base técnica entonces como puede lograr marcar diferencia. Además los estudios que se han hecho sobre algunos de los frescos de Giotto reflejan que, tal vez no manejaba un nombre para las cosas, es decir, tal vez no era aún nombrado como técnica, pero sí fue el principio de ella. Sin duda Giotto sabia aprovechar la arquitectura sobre la cual pintaba ya que por el tiempo en el que se desarrolló (gótico) una de las características de los templos era las paredes por ser grandes se busca decorarlas. Para explicar las formas de pintar de Giotto no precisamente vamos a encontrar una base rígida o determinada, pero si podemos llegar a una aproximación de esas técnicas mediante la observación de los frescos. Sin duda seguía las reglas del momento, lo distinto es la aportación a esas metodologías. Por ejemplo, existía una manera para pintar los frescos, ésta era "realizado según el método de las "jornadas", esto es, sirviéndose de zonas de enlucido mucho menos expensas, no mayores de cuanto se pensaba poder realizar en el transcurso de una jornada de trabajo. De este modo el enlucido que había de recibir la pintura permanecía húmedo y fresco y el color líquido podía penetrar profundamente. Los retoques en seco resultaban con este procedimiento muy secundarios7. Utiliza también la propia arquitectura de los templos, para integrarlos como marco del fresco. Crea un espacio para diferenciar lo que está de frente y lo que está al fondo, las figuras que coloca en él con consistencia al objeto, de volumen, establecida por una serie de alucines a la realidad corpórea 8 6

Westeim Op. Cit. 4 p 14. Bellosi, Luciano. Giotto: la obra completa. tr. María José Molina. Italy, Scala/Riverside, 1992. p 4. 7

Ídem 7.

presencia de esto da una marca especial para la pintura occidental, por su idioma plástico nuevo y fresco. Devuelve la realidad al dar efectos de ilusión. En la Edad Media no era importante que en las pinturas se retratara la esencia del ser humano, más bien una pintura tenía sus fines en crear imágenes con las que las personas se comunicaran con Dios, dejando a tras la semejanza o la distinción de las personas. La nueva pintura, la del renacimiento, propone la presencia del humano, estableciendo cierta relación más real con el Dios y el hombre. "Las figuras planas y simbólicas del Bizantino dieron lugar a las modeladas e individuales en perspectiva. Giotto adoptó el lenguaje visual de la escultura al darles volumen y peso" 9. Además de personalidad propia e incluso podemos diferenciar entre personaje y personaje por sus características físicas. Cada uno de los frescos de Giotto nos mueve a una naturalidad y a la representación del ser humano en los temas relacionados con Dios, adoptando lo terrenal, creando una imagen con sentido y con idea narrativa. Haciendo que lo que las personas veía se hiciera personal, que interiorizara en ellas. En cada obra se pueden identificar dos divisiones principales y evidentes que en su mayoría se encuentran diferenciados por unas rocas (parecen ser montañas), en posición inclinada. Esto es recurrente en Giotto para marcar dos escenarios, uno en el que la escena está ocurriendo (el momento principal, regularmente, y el fondo) esta idea de representar lo más inmediato a la visita nos da una sensación de un contenido completo y no sólo unas cuantas figuras que parecieran estar en el aire. Hablando un poco del bizantino, podemos encontrar una clara diferencia en la nueva propuesta hecha por los pintores de los finales del medioevo. Es precisamente de mostrar no sólo una imagen, sino darle un contexto, para que la persona que la vea, se sienta integrada al la misma. Por mencionar algunas obras de Giotto se encuentra El milagro de la fuente10 (Antes del año 1300; fig. 1.2) en la que claramente logramos detectar que utiliza las rocas para marcar la división entre el escenario principal y el fondo. Tal vez es difícil detectar en esta obra esta división, pero basémonos en la roca que se encuentra descendiente desde la parte derecha hacia la 9

S.A. Giotto en http://es.wikipedia.org/wiki/Giotto Esta obra presenta a San Francisco de Asís

izquierda. Esta nos sugiere que san Francisco se encuentra en un lugar (por decir algo en una montaña) y que los demás personajes están a parte. La escena es la misma, sólo que con diferentes momentos. De la misma manera en la obra de El llanto sobre el Cristo muerto11 (año 1302-1305; fig. 1.3) encontramos una roca muy parecida e incluso en la misma orientación. Nos marca perfectamente al evento que está ocurriendo, y al fondo que en esta ocasión presenta personajes, algunos ángeles y que queda muy claro que están detrás no en la escena principal. Otro elemento que muestra un avance en el arte hacia las personas que quieren ver algo distinto a lo que se venía haciendo con los rostros. En las pinturas bizantinas se muestra el intento de una expresividad, auxiliándose de las manos para demostrar alguna emoción. La mayoría de las pinturas se utilizaban como figuras representativas generales para la fe y adornos de las iglesias. Se necesitaba crear imágenes sencillas y de claridad con las que las personas identificaran rápidamente quienes eran los que se presentaban en la imagen. Por mencionar una ejemplo, las vírgenes siempre eran plasmadas a con el niño (fig.4) por lo tanto no cabía la posibilidad de que te confundieras ya que identificabas completamente a los personajes. Al artista de la Época Medieval de cierta manera se restringía su libre expresión.

Fig. 1.4 La Virgen de Vladimir (bizantino) 11

El episodio que se narra en esta obra es el momento en el que, según el pasaje bíblico, Cristo es bajado de la cruz.

Ahora las obras de Giotto lo que buscan es que la persona que observe, se meta al cuadro, se sienta en conjunto con lo que sus ojos ven.

Fig. 1.2 El milagro de la Fuente. Antes de 1300. Fresco. 270 x 200 cm. Basílica Superior. San Francisco de Asís. Asís. Italia.

En la fig. 1.2 se encuentran dos personajes hacia la parte inferior izquierda, por su expresión del rostro nos da la sensación de que están esperando a San Francisco. El mismo San Francisco refleja en su rostro devoción, esperanza, fe; sus manos en posición de oración dejan claro que existe una comunicación con Dios.

Fig. 1.3 El llanto sobre el Cristo muerto. 1302-1305. Fresco. 200 x 185 cm. Capilla de los Scrovegni. Padua. Italia

En la fig. 1.3 ya con más personajes y un notable avance en la manera de caracterizar a cada uno de ellos. Muestra una serie de interrelaciones entre los rostros y el lenguaje corporal. Obsérvese a uno de los personajes que se encuentra en la parte central izquierda que es una mujer y lo sabemos por el manto que tiene puesto. Su mirada agachada, la posición de su cabeza, sus manos deja una sensación de tristeza y desesperación. En cada uno de los personajes Giotto logra plasmar un dolor, si se observa detenidamente a cada uno de ellos podremos descubrir que sus manos son parte importantísima dentro de esta pintura. Algunas manos muestran sorpresa, en otras preocupación, en otras amor. Giotto pinta vestiduras con pliegues y sombras dando el efecto de profundidad y volumen, como si las telas se moldearan al cuerpo de cada personaje, se comienza a dejar la rigidez. Existe cierta libertad en las telas, ya se ven más reales, no como tablones aunque aún no tiene la soltura completamente desarrollada. Otro de los aspectos atractivos del final del medieval y que dieron la entrada al renacimiento fueron el empleo de los colores. Giotto busca una

iluminación en todo el cuadro, ya no son esos colores oscuros, púrpuras, blancos, negros, dorados; son ahora colores más vivos, colores que encontramos en la naturaleza, muy claros. Por ejemplo en El retiro de Joaquín entre los pastores (año 1302-1305; fig. 1.5) en la que los colores son muy pálidos.

Fig. 1.5 El retiro de Joaquín entre los pastores. 1302-1305. Fresco. 200 x 185 cm. Capilla de los Scrovegni. Padua. Italia

Comienza a mezclar colores para darle significación al momento que se representa, en la obra La Resurrección de Lázaro (año 1302-1305; fig. 1.6):

1302-1305. Fresco. 200 x 185 cm. Capilla de los Scrovegni. Padua. Italia.

Es una imagen que tiene que ser un poco más seria por el momento que representa, el pintor utiliza un fondo más oscuro y

las tonalidades de los

demás colores asilan en los oscuros; al contrario de la obra La Última Cena (año 1303-1306; fig. 1.7)

Fig. 1.7 La ultima cena. 1304-1306. Fresco. Capilla Arena. Padua. Italia.

En la que se ve un momento más tranquilo y lo colores que utiliza son claros. La forma en que Giotto presenta a los personajes llama mucho la

atención porque va colocándolos de manera que vemos planos y nos deja entender lo que está sucediendo.

Fig. 1.8 Mosaicos de Rabena

En los mosaicos de Ravena: Justiniano y su Corte (fig. 1.8) que son del bizantino vemos cómo los pintores de la época dejan todo en un plano, se ve sólo la parte frontal. En cambio se nota que la fig.1.5 entre cada personaje hay una distinción en cuanto a la posición se refiere, nos da la sensación del que está más próximo, y posteriormente los que están detrás, deja los espacios entre personaje y personaje. Por otra parte, los colores y la luminosidad comienza a verse ya, al colocar esos pigmentos un poco más claros y utilizar la luz como medio para que se observe toda la obra completa. Dejando atrás los colores oscuros, o por lo menos tratando de darle una gama más iluminada. Además, parece ser que comienza a tomar en cuenta de lo que hay a su alrededor, aquellos paisajes (aunque aún no trabajados y utilizado como fondo) pero ya se hace consiente de el mundo exterior. Al poner montañas, rocas, el cielo, e incluso edificios. Ya para concluir el ensayo que se ha expuesto, es preciso mencionar que cada una de las cuestiones planteadas se han tratado de dar respuesta a lo largo de la investigación y del trabajo por eso tenemos que decir que Giotto sin duda comenzó, junto a interés contemporáneos, una revolución artística

nueva y fresca, que propuso mucho para el renacimiento, la pintura ortodoxa y mecánica se transforma en una que "alcanza con ella un nivel de dignidad social que no lleva a ser un mero interprete sino más bien un defensor convencido de aquel espíritu de racionalidad y de eficiencia que caracteriza a las clases altas florentinas de esas décadas en que la economía sobre la que se asienta la riqueza de la ciudad las coloca en posición de vanguardia en Europa"12. Mostrando de nuevo el arte que se había ya olvidado, ese arte presente 200 años atrás. Aprendió gracias a su visión de las cosas, no hay otra cosa con la que él pudo haber desarrollado la a agudeza de dibujar del natural. Giotto tenía su don natural de crear y de pintar; al irse con su maestro, potencializó su dibujo, estudio al recibir una enseñanza. Con él desarrolla el principio del renacimiento y ese arte pictórico que toma la imagen del ser humano como principal exposición dentro del mismo. Debido a su trabajo, disfruta en vida de muchos triunfos, recorre ciudades de Italia acudiendo a llamados para hacer su trabajo. "El reconocimiento de que gozaba era tan grande que fue enterrado con honores de noble y dignatario político, algo impensable para un artista, a los que en aquel tiempo se consideraba meros artesanos" 13. Muere hacia el año de 1377. Giotto di Bondone propuso mucho para la nueva visión pictórica del ser humano, ese nuevo buscar en el arte de interpretar no solo pintura sino cualquier expresión que el ser reproduce. No significa que él fuera el único, pero si uno de los que logro ser reconocido en vida. “Crea un espacio delimitado claramente, donde intervienen numerosos recursos para lo que está delante y lo que está detrás” 14 muestra lo nuevo, ese cuadro lleno de planos y de escenarios distinto en los que el espectador que lo observe se sentirá parte de lo que ve. Lo distinto, sus frescos son ideados con un concepto narrativo y humano. Se empieza a traspasar el arte, más allá de las ciudades o de ciertos pueblos; por la misma técnica que parece renovada de una manera radical, la pintura es, para él, algo más que la palabra escrita. Después de el continua su método y es común que muchos de los artitas posteriores recurrieran a las maneras pictóricas de Giotto.

Bellosi, Op. Cit. 7. p. 1. Ídem 6 14 Bellosi, Op cit.7, p. 4 13