nueva directora de la comedia musical rosarina que inspira su obra en el «Negro» Fontanarrosa. TEATRO, 02
copia original de la emblemática fotografía de Yousuf Karsh se descurbió en Italia. ARTE, 03
música que nace de la percepción de la realidad, inlcuye la sociedad y la naturaleza.. MÚSICA, 06
El teatro de hoy
La nueva obra de la Comedia Municipal Norberto Campos ya tiene directora
Se trata de Miranda Postiglione. El estreno del proyecto teatral está previsto para noviembre de 2024, en el marco del 80° aniversario del natalicio de Roberto Fontanarrosa.
La Municipalidad de Rosario, a través del Teatro Municipal La Comedia, comunica que finalizó el concurso de proyecto teatral de la 10° edición del Programa Comedia Municipal de Teatro Norberto Campos. La propuesta ganadora fue la presentada por la actriz, directora y docente Miranda Postiglione. La misma se desarrolló en base a la obra Por arte de sueños de Miguel Kot, una adaptación del cuento Sueño de barrio de Roberto Fontanarrosa, que fue seleccionada durante el concurso nacional de dramaturgia desarrollado en la primera etapa del programa.
El jurado estuvo integrado por Lucas De La Torre, de la Secretaría de Cultura y Educación; Carolina Garralda del Teatro Municipal La Comedia; Leandro Arteaga, periodista cultural y crítico de teatro; Mercedes Laura
Nuñez, referente del quehacer teatral local, e Irene Sara Rosa Almus, representante del quehacer teatral nacional. El proceso constó de dos instancias: en primer lugar, una evaluación general de los proyectos teatrales y, luego, una entrevista personal en que cada postulante hizo una defensa de su propuesta. Resultaron cuatro los proyectos teatrales presentados a la convocatoria. Además de Postiglione, desarrollaron propuestas Nicolás Cefarelli, Jésica Blanco y Jordi Méndez. Cabe destacar que todas las propuestas eran de gran calidad creativa y presentaban rasgos innovadores en relación a la puesta teatral. El proyecto elegido y seleccionado se destacó por ajustarse con claridad y contundencia a la convocatoria realizada, y por ofrecer una buena articulación con el texto de la dramaturgia detallando aspectos relativos a los aspectos dramáticos, actorales
y estéticos de la obra. Además, propone elementos que facilitan la adaptación de la puesta a espacios diferentes que permiten la circulación de la obra por la ciudad. Otro aspecto que fue decisivo fue la amplia experiencia de Miranda Postiglione en la docencia. Su experiencia cercana a las y los jóvenes de escuela secundaria aporta fundamento a su propuesta, explicó el jurado y destacó, además, que estableció claramente cómo la obra sostendrá su vínculo con el universo Fontanarrosa, eje de todo el proyecto de la décima edición del Programa Comedia Municipal Norberto Campos.
Sobre Miranda Postiglione
Miranda Postiglione (Rosario, 1994) es actriz, directora, docente y productora. Estudió la Tecnicatura Superior con Itinerario en Actuación y el Profesorado de Teatro en la Escuela Provincial Teatro y Títeres N° 5029. Además, se formó con diversos maestros, tales como Alejando Gigena, Javier Daulte, Alejandro Catalán, Pompeyo Audivert, Thelma Biral, Mauricio Kartun, Oscar Medina, Matías Martínez, Alejandro Fiuore, Cristian Marchessi y Laura Copello. En teatro participó como actriz de las obras Vestuario de mujeres, dirigida por Romina Tamburello, y La clase Merdra, bajo la dirección de Pablo Tendela.
Como directora, la actriz, hizo su trabajo en la dirección actoral de la obra Pasaje a la Comedia; fue asistente de dirección y estuvo a cargo de la adaptación de Proyecto Vestuarios, dirigida por Romina Tamburello, y dirigió numerosas producciones del Elenco estable Dr. Francisco de Gurruchaga de la escuela homónima: Mi padre era un hombre excepcional (2023), Seis personajes en busca de un autor (2022), Estado de sitio (2021), Rosaura a las diez (2020), Enemiga del pueblo (2019), Noche de paz (2018) y D.N.I, tres obras de teatro x la identidad (2017). En todas esas obras también se asumió otros roles, tales como dramaturgia o adaptación, arte y vestuario. En el campo audiovisual actuó en largometrajes, cortos y spots publicitarios, destacándose Vera de Romina Tamburello, la obra Romeo y Ofelia, dirigida por Gustavo Postiglione, Perros del Viento, del realizador audiovisual Hugo Grosso, y Vergara, del director Sergio Mazza.
Como docente, Postiglione se desempeña desde hace años en escuelas primarias y secundarias artísticas de la ciudad: Escuela Dr. Francisco de Gurruchaga, Escuela Provincial de Danza Nigelia Soria y E.E.S.O N° 434 Gral. Las Heras. Brinda talleres de entrenamiento actoral en distintos espacios culturale s de la ciudad.
Etapa de casting
Al igual que en ediciones anteriores, las actrices y los actores que serán parte del elenco de este proyecto se seleccionarán a través de una audición abierta que se desarrollará durante los días martes 24 y miércoles 25 de septiembre.
Para quienes deseen participar podrán inscribirse del lunes 16 al jueves 19 de septiembre a las 24.00, mediante un formulario disponible en la web del teatro. La selección estará a cargo de Miranda Postiglione, directora de la obra; también con un representante de la Secretaría de Cultura y Educación; una persona referente de la crítica teatral; un docente de las carreras de teatro; un representante del ámbito teatral.
Teatro Norberto Campos
El trabajo con la escuela secundaria fue fundamental para la propuesta.
Lucas De La Torre “
Se constituyó La Comedia Municipal de Teatro Norberto Campos como una instancia de producción que abarca las facetas creativas, de gestión y de realización de las artes escénicas locales.
Está ligada a aspectos educativos relacionados a los contenidos temáticos y al conocimiento del oficio teatral vinculado a la cultura general de niñas y niños, jóvenes y públicos más amplios.
El programa, en sus orígenes, fue una petición largamente requerida por el sector teatral y luego fue impulsado por la gestión municipal, convirtiéndose en un recurso multifacético para la ciudad•
Miranda Postiglione. La nueva directora de la comedia musical rosarina. Everett Collection
por Pepe Cibrián Campoy
El arte por venir
David Hockney, Piero della Francesca y la mirada atenta
La National Gallery propone un diálogo en torno al Bautismo de Cristo de Piero della Francesca.
por Gabriela Picasso
En su último libro, Mira lo que te pierdes. El mundo visto a través del arte, Will Gompertz charlaba con David Hockney en torno a su constante exploración de formas de ver una naturaleza que es su permanente fuente de inspiración (es sabido que se ha valido de fotografías, escenografías, collages, filmaciones de caminos rurales, iPads…) y reflexionaba sobre su habitual mirada hacia maestros del pasado: Matisse, Gainsborough, Fra Angelico, Hopper… y también Piero della Francesca. Se acordaba del de Sansepolcro al contemplar Retrato de un artista (Piscina con dos figuras), que en 2018 se convirtió en la obra más cara de un autor vivo vendida en subasta, aunque eso ahora no importe: su división del espacio y del tiempo podrían emparentarse con los de La flagelación de Cristo del italiano, datada hacia 1455. Pero no es la única composición de este pintor por la que el británico se ha sentido atraído: la National Gallery de Londres exhibe, en el marco del programa de su segundo centenario, dos pinturas suyas que incorporan reproducciones de El Bautismo de Cristo, precisamente parte de los fondos del museo ahora comandado por Gabriele Finaldi y pieza que Hockney ha confesado querer poseer solo para contemplarla todos los días durante una hora. Una de ellas es My Parents (1977), cuya elaboración resultó ardua para el artista y llegó tras dos intentos anteriores de llevar a cabo un doble retrato de sus padres, Kenneth y Laura Hockney; tras ellos, una versión del Bautismo se refleja en un espejo, sobre un carrito, y la otra es Looking at Pictures on a Screen, fechada el mismo año, en la que Henry Geldzahler, amigo íntimo del inglés y conservador de arte del siglo XX en el Metropolitan neoyorquino, observa fijamente un biombo en el propio estudio de Hockney en el que vemos colgadas cuatro imágenes de composiciones que atesora la National Gallery, entre ellas ese Della Francesca. Más allá de establecer comparaciones, y de reflexionar sobre la evolución de la historia de la pintura, el propósito de esta exhibición es invitar al público a apropiarse
de la actitud de Hockney cuando visita este y otros museos: una mirada lenta que para ese artista resulta vital a la hora de descubrir la belleza en casi cualquier entorno, por cotidiano que resulte. Como explicaba Gompertz, todo en relación con sus creaciones en pandemia, donde usted o yo no veríamos más que un ramo de flores de temporada, él descubre la naturaleza en su pleno apogeo, llena de vida incontenible y de colores resplandecientes. Se ha tomado el tiempo necesario para mirar de verdad, para no conformarse con un vistazo superficial, y su inversión se ve recompensada con crecer por la revelación de una belleza trascendental. No se necesita más para saber lo mucho que se gana si se sigue su consejo de mirar con detenimiento.
Hockney, nacido en Bradford, no visitó Londres hasta sus dieciocho; en esa época, la National Gallery no organizaba exposiciones temporales, pero él comenzó a acudir a menudo mientras estudiaba. Sus puntos de atracción ya eran Fra Angelico, Piero, Vermeer y Van Gogh y El bautismo de Cristo lo impresionó desde el principio; anteriormente conocía sus reproducciones, pero situarse frente a los originales le aportaba una experiencia del todo diferente. Esa devoción hacia el museo de Trafalgar Square le es ahora recompensada con esta conversación visual entre siglos que viene a recordar los placeres y beneficios que se derivan de la citada mirada atenta.
El bautismo de Cristo, por cierto, es la primera pintura que se conserva de Della Francesca, que utilizó principios matemáticos para ordenar su diseño, generando una imagen visualmente armoniosa y atemporal. Sin embargo, está ambientada en un paisaje familiar para sus espectadores primeros en el centro de Italia, que quedaban así personalmente ligados con este episodio trascendental del Nuevo Testamento, en el que la tierra y el cielo se unen en el sacramento y la naturaleza divina de Jesús se anuncia desde las alturas. En estos trabajos de Hockney, también, cada detalle y cada elemento se nos presenta cuidadosamente equilibrado y compensado; importa la simetría y la geometría.
Churchill y el «emblemático» retrato robado
Una copia original de un retrato emblemático se descubrió en Italia.
por Jonny Walfisz
The Roaring Lion (El león rugiente) el retrato de Winston Churchill tomado en 1941 por el fotógrafo Yousuf Karsh, es una de las fotografías más perdurables del primer ministro británico durante la Segunda Guerra Mundial. Durante años se ha echado en falta una copia original de la fotografía de Karsh, tomada después de que Churchill pronunciara un discurso ante el Parlamento canadiense.
Ahora, la Policía de Ottawa ha confirmado que el retrato ha sido encontrado en Italia. Una persona de Génova había comprado el retrato en una subasta de Sotheby's, sin saber que fue robado. La Policía canadiense ha detenido a un hombre de Powassan (Ontario) en relación con el robo y la venta del retrato el 25 de abril de este año. El hombre, de 43 años, compareció ante el tribunal el 26 de abril y se enfrenta a cargos de falsificación, robo, tráfico y daños a la propiedad.
Cambiaron el retrato por una copia
En el año de 1998 se regaló un grabado original firmado al hotel Fairmont Château Laurier de Ottawa, donde Karsh había vivido con su esposa Estrellita.
El 19 de agosto de 2022, un empleado del hotel se dio cuenta de que habían cambiado el grabado por una copia. La Policía descubrió que el robo había sucedido entre las Navidades de 2021 y el 6 de enero de 2022, durante los cierres de Covid en Canadá.
Después de todo esto, la foto se subastó en la ciudad de Londres a un comprador privado italiano. Ambos desconocían que la pieza era robada, dijo la Policía.
Aquellos investigadores canadienses identificaron al comprador a través de una investigación de fuentes abiertas y de chivatazos públicos. Este mes, el comprador no identificado devolverá el grabado a la Policía canadiense en Roma.
La imagen de El león rugiente, lanzó la carrera de Karsh y se define por el inconfundible ceño fruncido de Churchill, resultado de que el fotógrafo le arrebatara el puro de las manos al primer ministro segundos antes de la toma.
Looking at Pictures on a Screen (1977) Colección privada
El último adiós de Roger Corman
Roger Corman: murió el hombre que conquistó su propio mundo
por Hernán Ceccato
La muerte de Corman ocurrió el pasado jueves pero se confirmó durante este fin de semana. El director, productor, guionista y actor era conocido en la industria como «El Papa del Cine Pop» y «El Padrino Espiritual del Nuevo Hollywood». Legendario hombre de negocios, pionero del cine independiente norteamericano e impulsor de la carrera de decenas de jóvenes cineastas. A los 98 años dejó detrás una extensa filmografía.
Durante este fin de semana se confirmó la muerte del cineasta y productor Roger Corman en su casa de Santa Monica (California), ocurrida el pasado jueves 9 de mayo a la edad de 98 años. La noticia impactó notablemente en la industria cinematográfica norteamericana dada la extensión y la naturaleza de la carrera de Corman, quien además de ser una figura prominente durante más de cuatro décadas, también fue el padrino de destacados realizadores como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Ron Howard, Jack Nicholson, Peter Bogdanovich o Joe Dante, entre otros. Director, productor, guionista, actor y distribuidor, Corman era conocido en el mundo del cine bajo muchos apodos y títulos no oficiales. «El Papa del Cine Pop», «El Padrino Espiritual del Nuevo Hollywood» o «El Rey del Cine de Culto» eran tan solo algunos de ellos. Se destacó durante décadas por entender al cine como un negocio, navegando los turbulentos cambios sociales de Estados Unidos para ofrecer una permanente variedad de películas vinculadas con las tendencias y las inquietudes del momento. Además, sus producciones lo convirtieron en un verdadero pionero del cine independiente, y su ya icónica forma de realizar filmes de bajo presupuesto le aseguraron un lugar en la historia reciente del cine. Si bien su último crédito como director data de la década de los 90, continuó trabajando como productor hasta 2018 aproximadamente. La distinción natural entre el Corman director y el Corman productor permite evidenciar un profesional del medio no muy preocupado por la estética o las formas. Su máxima pareció ser producir en el menor tiempo posible, con rodajes de pocos días y guiones escritos la noche anterior, lo que le permitió convertirse en un nombre siempre presente en una industria cinematográfica que buscaba «llenar los huecos» de una oferta en crisis. Corman entendió que el cine, principalmente, es un negocio, y lo hizo en una época en la que las cinematografías europeas ocupaban cada vez más espacio en las carteleras norteamericanas, con cineastas y obras comprometidas con problemáticas sociales e ideológicas. Allí donde otros veían obras de arte, Corman
Dirigiendo a Bruce Dern y Peter Fonda en famosa película del año 1966 «The Wild Angels».
vislumbraba una forma de mantener a los espectadores en la butaca y, quizás más importante, hacerlos regresar con frecuencia a las salas de cine. Como director no poseía un estilo propio como para poder llamarlo «autor»; quizás sus únicas películas con características de marcada similitud fueran sus «adaptaciones» de famosos cuentos de Edgar Allan Poe, películas de terror que posicionaron a actores como Vincent Price y Peter Lorre como rostros emblemáticos de su filmografía.
Corman fue un empresario voraz, un productor visionario que no temía en explotar los recursos de cada época para potenciar la llegada al público, como los autocines, el boom de las cintas VHS y el video hogareño. Trabajó como artista destacado en American International Pictures, productora y distribuidora cinematográfica independiente conocida por producir y estrenar películas desde 1955 hasta 1980; y posteriormente llegó a fundar su propia empresa, New Concorde/New Horizon Films, una distribuidora con sede en Los Ángeles (California) en 1983, destacada por ser una de las primeras productoras en desarrollar y aprovechar el vídeo como herramienta de distribución. A tal punto Corman se alzaba como un hábil productor, que su biografía lleva el nombre «How I Made a Hundred Movies in Hollywood and Never Lost a Dime», en español, «Cómo hice centenares de películas en Hollywood y nunca perdí un centavo».
Roger Corman invade Argentina En el 2020, el periodista Andrés Fevrier publicó «Hollywood en Don Torcuato – Las aventuras de Roger Corman y Héctor Olivera», un libro único en Argentina, donde se documenta la peculiar asociación gestada entre Aries Cinematografía Argentina y Corman. La mencionada productora argentina fue fundada por Fernando Ayala y Héctor Olivera en la ciudad de Buenos Aires y coprodujeron, entre 1982 y 1990, junto al estadounidense diez películas de bajo presupuesto, de las cuales sólo una se estrenó comercialmente en los cines porteños. En su eterna búsqueda del rédito económico, Corman «encargó» una serie de películas para ser producidas en territorio argentino, aprovechando
la moda del género de «espadas y brujerías», desencadenado por «Conan el Bárbaro» (John Milius, 1982). La regla de producción, era siempre la misma: el rodaje ocurría en Buenos Aires y alrededores («muchos de los decorados se armaban en los Estudios Baires y los exteriores se filmaban en los bosques de Ezeiza»); los roles protagónicos quedaban siempre en manos de actores estadounidenses y los argentinos quedaban relegados a los papeles secundarios; con excepción de los puestos clave, la mayoría de los técnicos eran argentinos, aunque casi ninguno utilizaba su nombre real en los créditos. Cinco de estas películas estuvieron dirigidas
Empresario voraz, productor visionario, no temía en explotar los recursos de cada época.
por el propio Olivera, mientras que un par estuvieron a cargo de otro argentino, Alejandro Sessa. La estrategia de Corman era trabajar en lugares que luego serían explotados comercialmente en Estados Unidos, primero en cines y luego en VHS, que ya contaba con un notable mercado.
En 2002, en vísperas del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata que contó con la presencia de Corman como invitado especial comentó al respecto: «Ahora que la situación cambiaria es ventajosa y teniendo en cuenta la excelente calidad de los técnicos argentinos es posible que retomemos ese esquema de coproducciones. Las cinco que hicimos juntos durante los años ochenta y comienzos de los noventa tuvieron mucho éxito en Estados Unidos, algo imposible en el contexto actual en el que este tipo de films se hacen directamente para televisión y el video hogareño. Una de esas películas que rodamos aquí con Héctor, Deathstalker Stoker, se convirtió en un film venerado por algunos cinéfilos y hace poco figuró entre los 50 mejores exponentes del cine de clase B en una importante encuesta realizada en internet»•
COLUMNA DE OPINIÓN
SOTOMAYOR Periodista
El futuro del arte
Volverá a ser personal e íntimo, algo que se esconde y escapa de los intereses del mercado.
El otro día, en la presentación de mi segundo libro, un joven alzó la mano para preguntarme cómo pensaba yo que se escribirían libros en el futuro, ahora que existen IA, y si temía que fueran a remplazarme como artista en algún momento, como ya estaba sucediendo con los artistas gráficos. En ese momento respondí algo rápido, pero merecía una reflexión más ardua sobre el futuro del arte que nos espera a los jóvenes. Como he mencionado en otras columnas, el mundo del trabajo está sufriendo una transformación rápida debido a la integración de las nuevas tecnologías, lo que hará que se pierdan empleos, pero a su vez que tengamos más tiempo libre. La reforma laboral, de este mundo de la tecnología, pero no habla nada, pero no quiero ahondar en eso por ahora. El mundo del arte no escapa de las IA; de hecho, están haciendo que cualquier arte sea democratizado y de fácil acceso. Podemos pedirle a un computador que nos muestre qué hay más allá de los bordes de cualquier pintura de Dalí o Van Gogh, sin necesidad de revivirlos y con precios que, en la gran mayoría de casos, llegan a ser ínfimos frente a la obra original.
Los empresarios están alegres con estos avances porque hacen más económicos los procesos de creación que dependían de la contratación de un ser humano, de un joven diseñador o artista que necesita el sustento para vivir.
Me gustaría ser profético y apocalíptico, pero sin el temor con el que algunos lanzan esta misma afirmación: las IA remplazarán todo. Lo mismo que ahora expongo en las artes aplica para otras áreas. El trabajo será remplazado, pero no significa que dejaremos de trabajar; como menciona Hannah Arendt, nuestro sentido de vida se basa en la utilidad de nuestras acciones, por lo que trabajaremos para nuestro propio beneficio. Ya no el de un jefe, de una compañía, de un burgués, sino para nosotros mismos.
Sin duda, este cambio profundo en la relación con el trabajo abrirá más la puerta a que se desarrollen problemas de salud mental, pues no nos enfrentaremos a que no tengamos que trabajar para subsanar las necesidades básicas y ese vacío angustiará a algunos, sobre todo a los mayores, pues los jóvenes en realidad nunca hemos querido trabajar al mismo nivel que lo querían nuestros abuelos o padres.
Aunque los jóvenes ahora creemos que vale la pena volver a nuestros orígenes, volver a lo natural, volver al arte primigenio, volver a la idea de un mundo pretecnificación. No vamos a poder andar y esperar competir con las nuevas tecnologías. Siempre que un nuevo artista quiera exponer su arte al mundo, veremos cómo esto es copiado, comercializado e industrializado hasta perderse su autoría. No podremos afirmar que lo que hace valioso a ese arte es nuestra mirada particular del mundo, porque será difícil (o imposible) reconocer si un arte es humano o producto digital. Sin embargo, como afirmé, esta situación no me preocupa y no debería preocuparles a los artistas y jóvenes que estamos viendo de cerca todos estos cambios. Pues, aunque no trabajemos o hagamos arte para subsistir, sí haremos arte para nosotros mismos. El arte volverá a ser una expresión personal e íntima, algo que se esconde y escapa de los intereses del mercado. El arte volverá a tener aura, como mencionaba Walter Benjamin, porque ya no buscará ser comercial o rápido como lo exige el mercado. El arte no será expuesto, ni tampoco valioso. Descubriremos y nos enfrentaremos a un nuevo sentido del arte para nosotros mismos. Por eso considero que no debemos acercarnos a esta nueva edición de la FILBo con ojos consumistas, sino con un afán de conectar con el espíritu de las obras de arte, es decir, con los autores
ALEJANDRO HIGUERA
Roger Corman. El reconocido productor, director y actor de vastas obras tenía 98 años.
Willy Bronca: la música como grito de protesta
El próximo sábado, desde las 18, el artista presentará «El tour de la bronca» en la segunda edición del ciclo Terraza siempre Terraza en Lavardén.
Rpor Sofía Estanga Burgos
apero, compositor, multiinstrumentista y productor. Willy Bronca fusiona el jazz, el trap e incluso el folclore. Sus composiciones tienen un fuerte compromiso con las causas y luchas sociales. Sus letras, que llevan consigo un dejo de combatividad, son una herramienta para expresar su sentir. La historia de su interés por la música se remonta a su infancia. «En casa había un piano de pared que era de mi vieja y siempre me llamó la atención. Una prima de ella tocaba la guitarra en una iglesia y también me llamaba ese instrumento», cuenta Willy. En la primaria aprendió batería y cuando tenía 7 años, la pareja de su mamá —de origen cubano— le mostró un CD de rap cubano underground que le llamó mucho la atención, a tal punto que se convirtió en una especie de inspiración para el rapero. «Apenas aprendí a escribir empecé a escribir mini raps», confiesa.
Sus composiciones son, según el artista, una interpretación personal del reflejo de la sociedad. «Mi música es una obra artística que nace de mi percepción de la realidad. Que incluye a la sociedad pero también a la naturaleza. Introspección en narrativa autorreferencial e inclusive ficción con guiños a historias reales», explica Bronca. Sus referentes musicales son aquellos que le llaman la atención por su autenticidad y por expresar lo que piensan sin temor a represalias. Entre la interminable lista destaca a Divididos, La Renga, Pipi Piazzolla, Leon Gieco y Susana Baca.
Asegura que la industria está armada para que tenga un lugar relevante lo que el público, mayoritariamente, consume. Probablemente por moda. Aun así, sostiene que «hay músicos para todos los gustos» y que aunque «los músicos siempre hablen de lo que le pasa a los argentinos, de sus amores y desamores, de su filosofía, de su estilo de vida, de sus formas de divertirse y de sus ideas políticas, algunas temáticas se consumen más que otras». Sobre el compromiso de los artistas con los conflictos que atraviesa la sociedad es categórico: «Veo que hay artistas comprometidos, de lo que no estoy seguro es qué
tan productivo es hoy en día que un artista se posicione, ni de qué manera hay que hacerlo». Y hace una importante distinción: «Si un artista under manifiesta sus ideales políticos es raro que alguien le preste atención, pero si un artista que ya está consagrado expresa sus ideales, genera todo tipo de reacciones».
En un presente que define como «lleno de opinólogos, desinformación y fake news» asegura que «es casi imposible elaborar una opinión objetiva y que esa opinión sirva de algo». «Hoy en día si te manifestás a favor del gobierno sos un facho. Si te manifestás en contra sos un ensobrado o un zurdo que no sirve para nada. Y si no te manifestás entonces sos una marioneta que no tiene nada para decir», sentencia.
Con respecto a la juventud, Willy Bonca sostiene que «está completamente polarizada y cada vez hay menos grises». Le preocupan el crecimiento y la viralización de las ideas ligadas a la individualidad, el éxito personal, la meritocracia y el fortalecimiento de lo apolítico. «Se llega muy rápido a la conclusión de que la política no sirve y cuesta cada vez más que la gente piense en la política como una herramienta para mejorar las condiciones de vida del pueblo».
Sus letras nunca pasan desapercibidas. Muchas veces generan aceptación y rechazo. Amor y odio. Pero esto no es algo que le preocupe. «A quienes critican el género que represento o las líneas que escribo, los invito a escuchar otra cosa», expresa.
Para el artista, «la música está en el aire, en la idea, y con eso ya es suficiente para decir que existe porque lo demás es bajarla a la tierra y reproducirla». Y eso es exactamente lo que sucederá este sábado en Lavardén (Mendoza 1085, Rosario) cuando un cuarteto de músicos que mezclan el rap con el funk, neo soul, rock y tintes de jazz en compañía de letras explícitas, combativas y relatos de barrio hagan suya la Terraza, en una presentación que dará comienzo a las 18, con entrada gratuita.
Así lo anticipa Willy: «Rosario disfrutará de un rapero que toca la batería mientras recita los versos y muchas sonrisas a pesar de todo lo que nos atormenta»•
ESTRENOS Y NOVEDADES
Para maratonear sin culpa: series, películas y biopics recomendadas.
Heartstopper
Serie. Charlie quiere declararle su amor a Nick mientras que él también lo busca para decirle algo importante. Las amistades empiezan a darse cuenta de que el curso escolar traerá tanto alegrías como desafíos. A medida que aprenden más sobre sus vidas y de sus relaciones, planean eventos sociales y fiestas y empiezan a pensar en las opciones universitarias, deberán apoyarse en sus seres queridos cuando las cosas no salgan como esperaban. Una amistad poco convencional podría ser algo más interesante.
La mente del poder
Serie. Un impactante y voraz thriller psicológico expondrá cómo una mente frágil puede derrumbar hasta al más poderoso. Cuenta historia de Marcos Dorrego, un psicólogo que atraviesa una gran crisis personal: viudo, autodestructivo y solitario, con problemas de adicciones y una mala relación con su hija. Ante su necesidad de salir de esta oscuridad, decide dejar de analizar a un paciente muy importante, Víctor Noriega, quién acaba de asumir como presidente de la nación y lo necesita incondicionalmente.
Los Horrores de Caddo Lake
Película. La historia es sobre una niña de ocho años que desaparece misteriosamente. Una serie de muertes y desapariciones pasadas comienzan a conectarse, alterando para siempre la historia de una familia rota.
Accidente
Serie. Las consecuencias de una fiesta de cumpleaños que acaba en tragedia crean profundas grietas en una unida comunidad, y destrozan familias, amistades y corazones. Protagonizada por Ana Claudia Talancón, Mark Lewis, Sebastián Martínez, Macarena García Romero y Alberto Guerra, entre otros.
The Couple Next Door
Serie. Drama psicológico en la que nada es lo que parece. Los protagonistas sufren algunas traiciones por sus deseos prohibidos que los conducen a cometer actos impensados.
Produce, Alice Oseman Dirije, Euros Lyn con Kit Connor y Joe Locker 3 de octubre por Netflix
Produce, Night Shyamalan Dirije, Held y George con Dylan O’Brien y Eliza Scanlen 10 de octubre por Max
Dirije, Hugo Chávez con Mike Amigorena, Diego Velazquez y Elena Roger 6 de octubre por Flow
Dirije, Leonardo Padrón con Ana Talancón, Sebastián Martínez y Regina Blandón. 12 de octubre por Netflix
Dirije y escribe, David Allison con S. Heughan, E. Tomlinson y Jessica de Gouw 20 de octubre por Universal
Willy Bronca «Todo es político no hay nada que escape a la política».
