Dossier TCS

Teatro Clásico de Sevilla es una compañía que trae consigo el bagaje y experiencia de muchos profesionales de las artes escénicas.

Procedemos de diferentes ámbitos, como la Compañía Nacional de Teatro Clásico, “La Jácara”, “Esperpento”, el Instituto del Teatro, la Real Escuela de Arte Dramático, el Centro Andaluz de Teatro o el mundo del cine y la televisión…

Es una iniciativa creada con el fin de cubrir lo que creemos un hueco dentro del panorama actual: el Teatro Clásico.

Nuestro primer objetivo es acercar piezas clásicas a un público cada vez menos acostumbrado a ellas. Nos interesan por su valor artístico y literario, porque conectan con el imaginario colectivo autóctono y con el de más allá de nuestras fronteras. Porque con el paso del tiempo, se introducen nuevos y ricos matices en ellas.

Pero además, Teatro Clásico de Sevilla pretende aglutinar a profesionales en el mundo del teatro clásico. Somos una compañía abierta, que acoge a actores y directores de diferentes ámbitos artísticos, y los implica en el arte de la dramaturgia clásica.

Nos interesa cubrir el vacío relativo que existe en este sentido. Presentamos un repertorio de obras clásicas para dar a conocer la rica producción nacional y contribuir a crear una oferta cultural de calidad.

Fundamentalmente podemos expresar que nuestra compañía tiene dos características diferenciadoras: la intención de mantener un grupo numeroso de trabajadores no habitual en compañías privadas, lo que nos lleva a tomar como salida fundamental la creación de una compañía de REPERTORIO; y la realización de las representaciones en un espacio determinado con cierta continuidad (TEMPORADAS)

LA COMPAÑÍA

JUAN MOTILLA Y NOELIA DIEZ Juan Motilla y Noelia Diez son los socios directivos de Teatro Clásico de Sevilla, y se encargan de la producción de todos los espectáculos.

Son también organizadores y productores de los siguientes programas culturales: Programación en las Reales Atarazanas, Temporada de Don Juan en la iglesia de San Luis de los Franceses, Visitas nocturnas teatralizadas en el Real Alcázar de Sevilla, Noches del Mar en Punta Umbría…y algunos proyectos más de similares características.

La vocación como actor de Juan Motilla se despierta a una temprana edad. Como fruto de esto, participa formando parte de diferentes proyectos teatrales desde su adolescencia Poco después se formará en el Instituto del Teatro de Sevilla como actor. En cuanto a su experiencia profesional, el área que más ha trabajado ha sido el teatro, donde ha participado en unos treinta montajes teatrales de la mano de compañías como Esperpento, Los Ulen, La Fundición, Producciones Imperdibles, Digo Digo, Gaspar Cano, Collares, Zacatín, diversos montajes dirigidos por el Centro Andaluz de Teatro, y por supuesto, Teatro Clásico de Sevilla, en la que es productor.

Su experiencia profesional no se limita únicamente al teatro, sino que también ha trabajado otros formatos como son el cine y la televisión. En cine ha actuado tanto en tv movies como en largometrajes. Ha participado en más de veinte de estos últimos dirigidas por directores del más alto nivel. Lo más destacado: TEATRO: 1984 Flash –Flash. Cía Esperpento.

1985 Don Juan Cía Esperpento 1986 La Marquesa Rosalinda. Cía Esperpento 1989 La Reina Andaluza. CAT 1991 Don Alvaro o la fuerza del sino. CAT 1992 El gran Inquisidor. CAT 1993 Don Juan Tenorio el disoluto CAT 1996 Julio Cesar. CAT 1997 Madre Caballo. CAT 1998 Pedro de Urdemalas Cía. Gaspar Cano 1999 Las personas decentes” Cía. La Fundición 2000 Edipo” Cía. La Fundición 2001 Elle”. Producciones Zacatín 2004 La mujer y el pelele”. Cía. Collares 2005 Quijotadas”.Cía. Digo Digo Teatro 2005 Don Juan Tenorio”. Cía. Teatro Clásico de Sevilla 2007 La Vida es Sueño. Teatro clásico de Sevilla.

2010 Carmen. Teatro Clásico de Sevilla 2012 El Buscón. Teatro Clásico de Sevilla 2015 Hamlet. Teatro Clásico de Sevilla

CINE: El Lute . Director Vicente Aranda Juncal. Director Jaime de Armiñan 1492. Director. Ridley Scott La gran Vida .Director. Antonio Cuadri Una pasión singular. Director. Antonio Gonzalo El Traje . Director . Alberto Gutiérrez Astronautas. Director. Santi Amodeo Déjate Caer . Director . Chus Ponce El Corazón de la tierra. Director. Antonio Cuadri 3 Días. Director. Javier Gutiérrez Campo Cerezo. Directora. Patricia Martínez Yo también. Director. Álvaro Pastor y Antonio Naharro Héctor y Bruno. Directora. Ana rosa Diego El vuelo del tren .Director. Paco Torres La balada del estrecho. Director. Jaime Botella Mapas. Director. Miguel Ángel Buttini Atraco. Dirección. Eduard Cortés El Niño. Dirección. Daniel Monzón Thomas Live. Dirección. Antonio Cuadri Lejos del mar. Dirección. Imano Uribe

Noelia Diez es licenciada en Psicología en la Universidad de Salamanca, y Humanidades (especialización en Gestión Cultural) en la Universidad de Navarra, Máster en Gestión Cultural, y Máster Europeo en Gestión de Bienes Culturales.

Se dedica a la gestión cultural desde el año 2.000, centrándose sobre todo en las artes escénicas.

Responsable de la producción, comunicación y distribución de Teatro Clásico de Sevilla Ellos son el motor de la compañía Teatro Clásico de Sevilla

PROFESIONALES COLABORADORES

ALFONSO ZURRO Alfonso Zurro es un colaborador habitual de la compañía. Es el dramaturgo y director escénico de casi todos nuestros espectáculos. Autor y director de reconocido prestigio tanto dentro como fuera de nuestro país

Este conocido autor y director, ha sido aclamado en numerosas ocasiones tanto por la crítica especializada como por el público, Y prueba de ello son los numerosos premios que atesora Premio Asociación de Directores de Escena de España, de Dirección, por Pasodoble.

Premio Ercilla al "Mejor Espectáculo", por Los borrachos.

Premio Baco al "Mejor Espectáculo Andaluz", por La casa de Bernarda Alba.

Premio al mejor texto en el FETEN (Feria Europea de Teatro para Niños y Jóvenes), por Farsas Maravillosas.

Premio a la “Mejor Dirección” por Mascarada Canalla, en el Festival de Palma del Río.

Premio Andaluz de Teatro Breve por méritos en su obra.

Premio Creador por En el monte del olvido de Escenarios de Sevilla.

Premio Diputación Provincial de Sevilla, por méritos de su obra.

Premio Unión de Actores e intérpretes de Andalucía por su contribución profesional en la mejora del sector andaluz.

Premio al mejor espectáculo por El Buscón de Escenarios de Sevilla Premio a la mejor adaptación por El Buscón de Premios Teatro Andaluz-SGAE Premio a la mejor dirección y adaptación por La Estrella de Sevilla de Premios Teatro Andaluz-SGAE Premio ADE a la mejor dirección por LA ESTRELLA DE SEVILLA

Ha realizado dramaturgias sobre textos de Ghelderode, Weiss, Handke, Baroja, Lorca... Como autor, de sus obras destacar: Pasos Largos, Farsas Maravillosas, Carnicerito, torero, Por narices, Retablo de comediantes, Quién mal anda, A solas con Marilyn, Las Bragas, En el monte del olvido... Algunas de las cuales han sido traducidas y representadas en francés, rumano, inglés, catalán..., así como en diversos países de Sudamérica. Siendo más de cuarenta las puestas en escena de teatro, ópera y zarzuela, las que ha dirigido, cabrían destacar: GENTE A LA QUE LE CAMBIA LA VIDA de Daniel Blanco. Para la Universidad de Sevilla y ESAD Sevilla. Estreno en el CICUS de Sevilla. 15 de Febrero de 2013. Universidad de Sevilla.

EL ALCÁZAR. Historias para una visita nocturna al Alcázar de Sevilla. Dramaturgia de Alfonso Zurro. Estreno en Sevilla, el 1 de Febrero de 2013. Real Alcázar de Sevilla. Compañía Teatro Clásico de Sevilla.

EL BUSCÓN. Andanzas, ingenios y otras historias. Versión libre a partir del texto de Quevedo. Estreno en Granada, 8 de Junio de 2012.

Teatro Alhambra. Compañía Teatro Clásico de Sevilla.

EL HOMBRE EN LLAMAS de Paco Gámez. Para la Universidad de Sevilla y ESAD Sevilla. Estreno en el CICUS de Sevilla. 4 de Marzo de 2012. Universidad de Sevilla.

CARMEN de Merimé / Antonio Álamo. Para la compañía Teatro Clásico de Sevilla. Estreno en el Teatro Lope de Vega de Sevilla. 18 de Noviembre de 2010.

UNA PALABRA a partir de una idea de Paloma Díaz. Danza contemporánea. Para compañía La Permanente. Centro de Arte de Sevilla. 20 de Mayo de 2010.

HOTEL “Día Mundial del Teatro” 25 obras de 25 autores andaluces en 25 habitaciones del Hotel Casa Romana, Sevilla. 25 de Marzo de 2010.

EN EL MONTE DEL OLVIDO de Alfonso Zurro. Para Caín Club Teatro. Estreno en el Teatro Central, Sevilla. 5 Febrero 2009.

LAS BRAGAS de Alfonso Zurro. Para Caín Club Teatro de Sevilla. Estreno en la Sala Imperdible, Sevilla. 11 Octubre 2007.

60 OBRAS DE UN MINUTO de 60 autores andaluces. Conmemoración Día Mundial del Teatro 2006. En Sevilla. En la Escuela Superior de Arte Dramático. 27. Marzo. 2006.

RETABLO DE LA AVARICIA LA LUJURIA Y LA MUERTE de Valle Inclán. Para TNT (Territorio Nuevos Tiempos) de Sevilla. Estreno en el Festival de Palma del Río, Córdoba. (Julio 2005).

PARA LAS SEIS CUERDAS (Un encuentro con José Cala “El Poeta”) Espectáculo flamenco. Compañía Charo Cala. Estreno en la Bienal de Flamenco de Sevilla. (Septiembre 2004).

LOS SIETE PECADOS CAPITALES de Antonio Álamo, Jesús Domínguez, Antonio Estrada, Juan García Larrondo, Fernando Mansilla, Antonio Onetti, y Alfonso Zurro. Para el Centro Andaluz de Teatro. (Estreno en Sevilla. Enero 2004.)

CASA CON DOS PUERTAS MALA ES DE GUARDAR de Pedro Calderón de la Barca. Adaptación de Adolfo Marsillach. Para Rosas de Otoño - Seoane de Madrid. (Estreno en Orense. Septiembre, 2002) LOS CLAVELES de Serrano y AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE de Chueca. Programa doble de zarzuela. Para el Teatro Nacional de la Zarzuela. (Estreno en Madrid. Abril, 2002.)

DON JUAN TENORIO de José Zorrilla; para Centro Dramático Nacional. (Estreno en Burgos. Noviembre, 2001.)

EL EXTRAORDINARIO VUELO DE LOS ÁNGELES de Alfonso Zurro; para Axioma Teatro de Almería. (Estreno en Adra (Almería). Junio, 2001.)

DULCE PÁJARO DE JUVENTUD de Tennessee Williams, 2001; para Pretuska - Producciones Seoane de Madrid. (Estreno en Orense.

Marzo,01.)

MASCARADA CANALLA de Alfonso Zurro, 2000; para Teatro de la Jácara de Sevilla. (Estreno en Bonares -Huelva-. Marzo,00.)

DIABLURAS y BARCO A LA VISTA de Alfonso Zurro. Dos entremeses par el Corral de Comedias de isla Mágica de Sevilla. Estreno Marzo de 1999.

EL RAPTO EN EL SERRALLO ópera de W. A. Mozart. Producción del Teatro Villamarta (Jerez) a partir de Glynderbourne. Juan Luís Pérez, Director musical y Orquesta Transsylvanica (Rumanía). 18 Feb. 1999.

LAS MUJERES SABIAS de Molière - Adolfo Marsillach, 1999; para Producciones Seoane. (Estreno en Santander. Enero,99.)

TARTUFO de Molière - Fernando Fernán-Gómez, 1998; para Producciones Seoane. Madrid. (Estreno en Málaga. Enero,98.)

JORGE DANDIN de Molière, 1997; para el Teatro de la Jácara de Sevilla. (Estreno en Palma del Río. Córdoba.)

RIÑAS SON AMORES de Alfonso Zurro, 1997; para el Corral de Comedias de "Isla Mágica". Sevilla.UN MARIDO IDEAL de Oscar Wilde, 1996; para Producciones Timoneda - Seoane. Madrid. (Estreno en Madrid) LOS BORRACHOS de Antonio Alamo, 1996; Centro Andaluz de Teatro. Sevilla. (Estreno en Granada).

EMIGRACION 1 de Benardo Atxaga, 1995; para el espectáculo POR MIS MUERTOS de Geroa-Jácara, País Vasco. (Estreno en Valladolid).

RETABLILLO DE DON CRISTOBAL de Federico García Lorca, 1995; Teatro de la Jácara de Sevilla. (Estreno en Granada, para el proyecto "Lorca en Granada".).

RELOJ de Rodrigo García, 1994; Teatro del Tiempo. Cádiz. (Estreno en Puerto Real. Cádiz.).

RETABLO DE COMEDIANTES de Alfonso Zurro, 1994; Teatro de la Jácara de Sevilla. (Estreno en Palma del Río. Córdoba.).

PASODOBLE de Miguel Romero Esteo, 1993; Centro Andaluz de Teatro. Sevilla. (Estreno en Málaga).

LA LECCION de Eugène Ionesco, 1993; Teatro de la Jácara de Sevilla. (Estreno en Sevilla). ... DE COMICOS de Alfonso Zurro, 1992, encargo de Expo, 92 con el Teatro de la Jácara de Sevilla. (Estreno en Sevilla.)

POR NARICES de Alfonso Zurro, 1990; Teatro de la Jácara de Sevilla. (Estreno en San Sebastián.)

LA SERVA PADRONA ópera de G. B. Pergolesi, 1989; Camerata de Sevilla y Teatro de la Jácara. (Estreno en Huelva.)

ESPERANDO A GODOT de Samuel Beckett, 1989; Teatro de la Jácara de Sevilla. (Estreno en Sanlucar de Barrameda. Cádiz).

MALFARIO de Antonio Onetti, 1988; Teatro Almasul de Sevilla. (Estreno en Puerto Real. Cádiz.).

CARNICERITO TORERO de Alfonso Zurro, 1987; Teatro de la Jácara de Sevilla. (Estreno en Mairena del Alcor. Sevilla.)

LA CASA DE BERNARDA ALBA de F. G. Lorca, 1986; Teatro de la Jácara de Sevilla. (Estreno en Algeciras. Cádiz) FARSAS MARAVILLOSAS de Alfonso Zurro, 1985. Teatro de la Jácara de Sevilla. (Estreno en Algámitas. Sevilla.).

LA LECCION de Eugène Ionesco; Teatro de la Jácara de Sevilla. (Estreno en Sevilla.)

PASOS LARGOS de Alfonso Zurro, 1983; Teatro de la Jácara de Sevilla. (Estreno en Estepa. Sevilla.)

EL SEÑOR DE MOCKINPOTT de Peter Weiss, 1982; Teatro Burlesco de Sevilla. (Estreno en Sevilla.)

EL CANTO DEL GORRION de Alfonso Zurro, 1982; Teatro de la Jácara de Sevilla. (Estreno en Ecija. Sevilla.).

EL HORROROSO CRIMEN DE PEÑARANDA DEL CAMPO de Pio Baroja, 1981. Teatro Almadraba de Sevilla. (Estreno en Sevilla.)

EL CUADRO de Eugène Ionesco, 1981; Teatro de la Jácara de Sevilla. (Estreno en Sevilla.)

LA BALADA DEL GRAN MACABRO de Michel de Ghelderode, 1980; Teatro de la Jácara de Sevilla. (Estreno en Sevilla.)

Para Teatro Clásico de Sevilla ha escrito y/o dirigido: La Celestina, Carmen, Julia un viaje teatrástico, La Estrella de Sevilla, Hamlet, y Don Quijote en la patera

CURT ALLEN WILMER El escenógrafo Curt Allen Wilmer, es un profesional consagrado a la escena y de un más que notable prestigio internacional avalado por su incesante actividad. Es el encargado del diseño y escenografía de casi todos nuestros espectáculos.

Durante sus estudios trabaja como ayudante de escenografía en las óperas de Sydney, Zurich, Munich, Bogotá y Ausburgo, junto a maestros como Filippo San Just (El Gato Pardo, Visconti), Reinhardt Heinrich y Peer Boysen entre otros. A la vez emprende su camino como escenógrafo y figurinista en diferentes teatros y óperas de Alemania y participa como director artístico en el cine para varias producciones alemanas.

En 1991 se traslada a Madrid, donde empieza colaborando con en el teatro alternativo, la televisión y la Formación Profesional como profesor de “Montaje de escenografías” para la Comunidad de Madrid.

En 1994 pasa a ser Escenógrafo y Director Técnico del nuevo proyecto Fundación Teatro de la Abadía de Madrid, junto a su director José Luis Gómez. A este proyecto se le concede el Premio Nacional de Teatro del Ministerio de Cultura 1995. En el Teatro de la Abadía trabaja con José Luís Gómez (El retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte), Rosario Ruíz (El señor Puntila y su criado Matti) y Gerardo Vera (La noche XII). A la vez trabaja como escenógrafo y figurinista con directores como Ernesto Caballero, Andrés Lima, Alfonso Zurro o Pepe Ortega.

En 1998 es Docente de Escenografía en la Universidad de Kent en Torrelodones.

En 1999 se traslada a Sevilla asumiendo la Dirección Artística del Departamento de Proyectos de Tematización y Espectáculos de General de Producciones y Diseño (G.P.D.s.a.) participando en el diseño y desarrollo de proyectos en varios parques temáticos, como la Warner Bros. de Alemania y Madrid, Terra Mítica o Isla Mágica, y llevando a cabo proyectos de espectáculos multimedia (Xacobeo 99), centros de interpretación (Monasterio de San Juan de la Peña), pabellones para exposiciones internacionales (Suiza02,Aichí05, Zaragoza08), stand ,zoológicos, e interiorismo para hoteles y centros comerciales.

En 2008 crea el estudio deDos de arquitectura y escenografía junto a Leticia Gañán Calvo, en la actualidad ubicado en Madrid.

En 2010 vuelve a diseñar escenografías y vestuario para teatro con directores como Ernesto Caballero, Alfonso Zurro, Antonio Álamo y Fernando Romo ESCENOGRAFÍA Y FIGURINISMO PARA TEATRO Y CINE En 2015 ha diseñado la escenografía de Carmen para la Compañía Nacional de Danza estrenada en la Zarzuela de Madrid, y la escenografía y el vestuario para una versión de Hamlet dirigida por Alfonso Zurro para Teatro Clásico de Sevilla. Espectáculos de Teatro Clásico de Sevilla en los que ha diseñado escenografía y vestuario: Carmen, El Buscón, Julia un viaje teatrástico, La Estrella de Sevilla, Hamlet, Don Quijote en la patera Diseño de escenografía y vestuario para obra de teatro: “Estrellado” de Javier Rodríguez Fonseca. Estreno: Sala Zascandil, Madrid Dirección: Carlos Vides. Año 2011.

Diseño de escenografía para la obra de teatro: “Carmen ”de Prospero Merimé, adaptación de Antonio Álamo Compañía de Teatro Clásico de Sevilla. Estreno: Lope de Vega, Sevilla. Dirección: Alfonso Zurro Año 2010 Diseño de escenografía para la obra de teatro: “La colmena científica o el café de Negrín” de José Ramón Fernández. Centenario de la Residencia de Estudiantes Estreno: Centro Dramático Nacional. Dirección: Ernesto Caballero Año 2010 Diseño de escenografía y vestuario de la obra de teatro: “Tartufo” de Molière. Adaptación de Fernando Romo Compañía Fuegos Fatuos.

Estreno: Corral de Almagro Festival de teatro internaciona. Dirección: Fernando Romo Año 2010 Diseño de escenografía de la obra de clown: “Triálogos Clownescos” de Oriol Boixader para Oriolo Extress. Estreno: Sala Alameda, Sevilla Dirección: Antonio Campos (Premio a mejor espectáculo infantil de Sevilla ) Año 2010 Diseño de escenografía y vestuario de la obra de teatro “La Fiesta de los Jueces”, adaptación de Ernesto Caballero de “El cántaro roto” de Heinrich von Kleist. Compañía Teatro El Cruce. Estreno: Festival internacional de Teatro Las Palmas de Gran Canarias. Dirección: Ernesto Caballero Año 2010 Diseño de escenografía de la obra de teatro: “Tartufo” de Molière. Estreno: Torrelodones ( T.V.2, Lo tuyo es puro teatro) Dirección: Jesús Salgado. Año 1998.

Diseño de escenografía e iluminación de la obra de teatro infantil: “Las cuatro estaciones de Vivaldi”, Estreno: Teatro sala Tyl-Tyl Dirección: Daniel Lovecchio Año 1998.

Diseño de escenografía de la obra de teatro: “A solas con Marilyn “de Alfonso Zurro Estreno: Sala Cuarta Pared, Madrid Dirección: Andrés Lima Año 1998.

Diseño de espacio escénico para Noche de flamenco: “Un rato, un minuto, un siglo…“Con Carmen Linares y Lola Herrera ” Teatro Alcázar, Madrid Dirección: José Sámano Año 1998.

Diseño de escenografía de la obra de teatro: “El señor Puntilla y su criado Matti” de B. Brecht Estreno: Teatro de la Abadía. Dirección: Rosario Ruiz Rodgers Año 1998.

Diseño de escenografía para la obra de teatro: “La noche XII” de W. Shakespeare. Estreno: Teatro de la Abadía Dirección: Gerardo Vera Año 1997.

Diseño de escenografía para la obra de teatro: “Tiempo muerto”, de Pepe Ortega Estreno: Teatro Rojas, Toledo Dirección: Pepe Ortega Año 1997 Diseño de escenografía y vestuario para la obra de teatro: “Mirandolina” de C. Goldoni Teatro Bellas Artes, Madrid Dirección: Ernesto Caballero Año 1996 Diseño de escenografía para 5 obras de teatro en una : “Por mis muertos” Producción de Teatro Geroa y La Jácara Teatro: “Emigración 1” de Bernardo Atxaga y dirección de Alfonso Zurro, “Kampillo” de Pepe Ortega y dirección Ramón Barea, “La boca cerrada” de Sergi Belbel y dirección de Pepe Ortega, y dirección Ramón Barea, “La boca cerrada” de Sergi Belbel y dirección de Pepe Ortega, “Quien mal anda” de Alfonso Zurro y dirección de Ernesto Caballero,y “A bordo” de Ernesto Caballero y dirección de Andrés Lima. Estreno: Muestra de teatro español de autores contemporáneos Año 1995 Diseño de la escenografía para la obra de teatro: “El retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte” de Ramón del Valle- Inclán. Teatro de la Abadía, Madrid Dirección: José Luis Gómez Año 1995 Propuesta de espacio escénico y vestuario para la obra de teatro: “Mercedes” de T. Brasch Granada. Dirección Friedhelm Roth Año 1994.

Diseño del vestuario para la obra de teatro: “Woyzeck” de G. Büchner. Dirección: Zywila Pietrzak. Sala Galileo de Madrid. Año 1993.

Diseño de escenografía e iluminación para la obra de teatro: “La verdadera historia de AHQ” de Cristoph Hein. Sala La Cuarta Pared, Madrid.

Dirección: Ignacio Calvache Año 1993.

Dirección de arte para la película de 35 mm producida por NDR, ORF (Alemana, Austria) y Nico Hoffman “Durst” Dirección: Martin Weinhart( Premio en el Festival de cine de Saarbrücken a la mejor película novel) Año 1992.

Diseño de escenografía y vestuario para la obra de teatro: “La Amante” de Rosario Ruiz. Sala Mirador, Madrid. Dirección: Rosario Ruiz Rodgers Año 1991.

Diseño de escenografía para 15 capítulos de la serie para niños “El club de la buhardilla”, para R.T.V.E. Dirección: Guillermo de la Cueva. Año 1991(quedó sin producir) Diseño de escenografía e iluminación de la obra de teatro: “Tío Vanía” de A. Tchejov. Dirección: Henri Hohenemser, para C.T, Augsburgo, Alemania. Año 1990 Dirección de arte para la película de 35mm “Un tiempo en el infierno” basada en la relación de A. Rimbaud y Verlaine, guión de Martin Weinhart, producida por cadena WDR, ORF, SF (Alemania, Austria, Suiza). Dirección: Martin Weinhart Año 1990.

Diseño de escenografía, vestuario e iluminación para el Ballet “Diaghilev, Dios de los payasos”. Coreografía: Istvan Nemeth, para el Ballet de Augsburgo, Alemania. Año 1988.

Dirección de arte y vestuario para la película “Ruf der Sirenen” de 16mm producida por Cadena BR3 Alemania. Dirección: Martin Weinhart Año 1988.

Diseño de escenografía, vestuario e iluminación del Ballet “Snegorutschka” Coreografía: Carlos Reyes, Bamberg, Alemania Año 1988.

Ayudante de Rainer Sinell para escenografía y vestuario del musical: “Gigi” de Loewe en la Opera de Augsburgo, Alemania. Año 1988.

Ayudante de Rainer Sinell para escenografía, vestuario e iluminación de la obra de teatro “Leoncio y Lena” de G. Büchner en la C.T. Augsburgo, Alemania. Año 1988.

Ayudante de Peer Boysen para escenografía, vestuario e iluminación de la obra de teatro: “Los Ladrones” de F.Schiller en la C.T. Augsburgo, Alemania. Año 1988.

Ayudante de Reinhard Heinrich para la ópera: “La Novia vendida” de Friedrich Smetana. Ópera de Zürich. Año 1988.

Ayudante de Reinhard Heinrich para la ópera : ”El Barbero de Sevilla” en la Opera de Dresden, Alemania. Año 1988. Ayudante de Reinhard Heinrich para la ópera “Las Bodas de Figaro” de Mozart en la Opera de Berlín, Alemania. Año 1988 Ayudante de Reinhard Heinrich para la ópera: “La Cenerentola” de Rossini en la Opera de Sydney, Australia. Año 1987. Ayudante de Reinhard Heinrich para la ópera: “Los Cantores de Nüremberg” de Richard Wagner en la Opera de Augsburgo, Alemania. Año 1987.

Ayudante de Reinhard Heinrich para escenografía, figurines e iluminación de la ópera: “La Cenerentola” de Rossini en la Opera de Bogotá, Colombia . Año 1987.

Ayudante de Filipo San Just (El Gatopardo Visconti) para la escenografía, figurines e iluminación del ballet: “Ludwig de Baviera” en la Opera de Augsburgo, Alemania. Año 1987 “Quien mal anda” de Alfonso Zurro y dirección de Ernesto Caballero,y “A bordo” de Ernesto Caballero y dirección de Andrés Lima. Estreno: Muestra de teatro español de autores contemporáneos Año 1995 Diseño de la escenografía para la obra de teatro: “El retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte” de Ramón del Valle- Inclán. Teatro de la Abadía, Madrid Dirección: José Luis Gómez Año 1995.

Propuesta de espacio escénico y vestuario para la obra de teatro: “Mercedes” de T. Brasch Granada. Dirección Friedhelm Roth Año 1994.

Diseño del vestuario para la obra de teatro: “Woyzeck” de G. Büchner. Dirección: Zywila Pietrzak. Sala Galileo de Madrid. Año 1993.

Diseño de escenografía e iluminación para la obra de teatro: “La verdadera historia de AHQ” de Cristoph Hein. Sala La Cuarta Pared, Madrid.

Dirección: Ignacio Calvache Año 1993.

Dirección de arte para la película de 35 mm producida por NDR, ORF (Alemana, Austria) y Nico Hoffman “Durst” Dirección: Martin Weinhart( Premio en el Festival de cine de Saarbrücken a la mejor película novel) Año 1992.

Diseño de escenografía y vestuario para la obra de teatro: “La Amante” de Rosario Ruiz. Sala Mirador, Madrid. Dirección: Rosario Ruiz Rodgers Año 1991.

Diseño de escenografía para 15 capítulos de la serie para niños “El club de la buhardilla”, para R.T.V.E. Dirección: Guillermo de la Cueva. Año 1991(quedó sin producir) Diseño de escenografía e iluminación de la obra de teatro: “Tío Vanía” de A. Tchejov. Dirección: Henri Hohenemser, para C.T, Augsburgo, Alemania. Año 1990.

Dirección de arte para la película de 35mm “Un tiempo en el infierno” basada en la relación de A. Rimbaud y Verlaine, guión de Martin Weinhart, producida por cadena WDR, ORF, SF (Alemania, Austria, Suiza). Dirección: Martin Weinhart Año 1990.

Diseño de escenografía, vestuario e iluminación para el Ballet “Diaghilev, Dios de los payasos”. Coreografía: Istvan Nemeth, para el Ballet de Augsburgo, Alemania. Año 1988.

Dirección de arte y vestuario para la película “Ruf der Sirenen” de 16mm producida por Cadena BR3 Alemania. Dirección: Martin Weinhart Año 1988.

Diseño de escenografía, vestuario e iluminación del Ballet “Snegorutschka” Coreografía: Carlos Reyes, Bamberg, Alemania Año 1988.

Ayudante de Rainer Sinell para escenografía y vestuario del musical: “Gigi” de Loewe en la Opera de Augsburgo, Alemania. Año 1988.

Ayudante de Rainer Sinell para escenografía, vestuario e iluminación de la obra de teatro “Leoncio y Lena” de G. Büchner en la C.T. Augsburgo, Alemania. Año 1988.

Ayudante de Peer Boysen para escenografía, vestuario e iluminación de la obra de teatro: “Los Ladrones” de F.Schiller en la C.T. Augsburgo, Alemania. Año 1988.

Ayudante de Reinhard Heinrich para la ópera: “La Novia vendida” de Friedrich Smetana. Ópera de Zürich. Año 1988.

Ayudante de Reinhard Heinrich para la ópera : ”El Barbero de Sevilla” en la Opera de Dresden, Alemania. Año 1988. Ayudante de Reinhard Heinrich para la ópera “Las Bodas de Figaro” de Mozart en la Opera de Berlín, Alemania. Año 1988.

Ayudante de Reinhard Heinrich para la ópera: “La Cenerentola” de Rossini en la Opera de Sydney, Australia. Año 1987. Ayudante de Reinhard Heinrich para la ópera: “Los Cantores de Nüremberg” de Richard Wagner en la Opera de Augsburgo, Alemania. Año 1987.

Ayudante de Reinhard Heinrich para escenografía, figurines e iluminación de la ópera: “La Cenerentola” de Rossini en la Opera de Bogotá, Colombia . Año 1987.

Ayudante de Filipo San Just (El Gatopardo Visconti) para la escenografía, figurines e iluminación del ballet: “Ludwig de Baviera” en la Opera de Augsburgo, Alemania. Año 1987.

Espectáculos de Teatro Clásico de Sevilla en los que ha participado: Carmen, El Buscón, Julia un viaje teatrástico, La Estrella de Sevilla, Hamlet, Don Quijote en la patera.

FLORENCIO ORTIZ Su experiencia profesional es dilatada y ha ocupado cargos de tanta relevancia como la dirección técnica del Teatro Municipal de Aracena, dirección técnica de la Compañía andaluza de Danza, construcción de decorados para el Centro Andaluz de Teatro, técnico en el Teatro Central y Teatro Alameda de Sevilla, y diseñador de iluminación de multitud de espectáculos relacionados con el mundo de la danza

Es el responsable de los diseños de iluminación de los siguientes espectáculos de Teatro Clásico de Sevilla: Carmen, Julia un viaje teatrástico, El Buscón, La Estrella de Sevilla, Hamlet y Don Quijote en la patera

ANTONIO CAMPOS

Antonio Campos es un gran profesional tanto en su faceta de actor, como en la de director. Ha dirigido varios espectáculos que han sido galardonado con premios. En esta ocasión, dirige para Teatro Clásico de Sevilla el espectáculo infantil El Quijote en la patera.

Graduado en la primera promoción del Instituto del Teatro de Sevilla Experiencia como Director de escena: Cofundador y director de la Cía. BASTARDA ESPAÑOLA .

Carmen, confía. Premio narrativa Martín Vivaldi (Instituto de la Mujer) Estrella Sublime.

Capote de Valentía.

Dirección para la Cía. de teatro musical NIÑOS PERDIDOS

Peter Pan ya no vive aquí (musical) Premio del Público en la Mostra de Teatro de Barcelona Vagón de Cola (musical) (Premio a la mejor dirección en el festival Teatro en el Sur 2006 y finalista como espectáculo revelación a los premios MAX 2007).

PULP. Un musical con doble identidad (musical) Dirección escénica para la Cía.de flamenco MARCO VARGAS & CHLOÉ BRULÉ TI-ME-TA-BLE o el Tiempo inevitable. Premio al espectáculo más innovador en la XV Bienal de Flamenco 2008.

TRIPOLAR Dirección para la Cía MANUEL MONTEAGUDO Así que pasen cinco años de Federico García Lorca Premio mejor actriz Escenarios de Sevilla 2010 Director invitado en la Cía. ORIOLO & EXTRÉS, Triálogos clownescos Premio mejor espectáculo infantil Escenarios de Sevilla Dirección para la Cía. ORIOLO FUN, FUN, FUN. Dirección, texto y dramaturgia para la Cía. DESGUACE TEATRO La Princesa Pianoforte Dirección para la Cía. LOS HERS La vida de los muertos. (musical) Dirección para la Cía. ESCARMENTADOS LA VOZ HUMANA, de Jean Cocteau, con Antonio Dechent.

Premio mejor actor Escenarios de Sevilla 2013 Dirección para la Cía. MALAJE SOLO Mucho Shakespeare.

Dirección para la Cía. SPARRING SON La Balada del Sr. Campano (musical)

REPERTORIO

Teatro Clásico de Sevilla comenzó su andadura con la recuperación de un texto asequible entroncado a la tradición: Don Juan Tenorio. Pieza clave del romanticismo español, esta obra de Zorrilla sigue viva gracias, entre muchos factores, a la universalidad de su protagonista, al poder de atracción de un personaje imperecedero, vigente, que parece recobrar fuerza en la actualidad.

Estrenamos Don Juan Tenorio en la Noche de Difuntos de 2005. Desde entonces, la compañía no ha parado de cosechar éxitos. Desde entonces y gracias al gran éxito obtenido, sumado a la petición del público de realizarlo año tras año, hemos decidido incorporarlo como un espectáculo permanente en el repertorio de Teatro Clásico de Sevilla.

El mito de don Juan forma parte de la cultura universal. El Burlador de Sevilla de Tirso de Molina, el Don Juan de Molière o el Don Giovanni de Mozart son algunos pocos ejemplos de la continua reinterpretación que esta leyenda ha ido experimentando a lo largo del tiempo. Pero el Tenorio es a la vez una obra totalmente conectada a una ciudad, Sevilla, como parte de una leyenda local que ha conseguido convertirse en una historia universal. Apuestas en los bares del barrio Santa Cruz, escapadas por el Guadalquivir, encuentros en el cementerio, asaltos a conventos, son algunas de las pintorescas escenas que nos evoca Zorrilla, con la Catedral, como testigo, marcando las horas de interminables noches de correrías. Seductor, pendenciero y excesivo en su forma de vivir, nos demostrará, sin embargo, que el amor puede salvarnos de las llamas del infierno.

CRÍTICA ABC- Julio Martínez Velasco "MAGNÍFICO TENORIO La notable compañía de Teatro Clásico de Sevilla, recordada por millares de sevillanos en las temporadas otoñales que brindó del sevillanísimo "Don Juan Tenorio" de Zorrilla, en el templo de San Luis de los franceses, ha realizado un nuevo montaje de dicho drama, adaptado al especio escénico convencional, imprimiéndole un estilo esquemático, con renuncia a todo elemento visual o sonoro que pueda distraer la atención del espectador, centrando su interés en la fuerza dramática que contiene el gran drama romántico y aligerando el texto de versos que nada aportaban a la acción pero que los necesitaba el autor para redondear sus estrofas.

Así, la dirección ha logrado un discurso intachable, así como reducir la representación a unos ciento doce minutos.

La dirección, cuidadísima, se esmera en detalles tan inusuales, como precisos, de que los actores porten por la calle, de noche, sus faroles de cuatro luces, y por casa, sus candiles de aceite, como era usual en el siglo XVI. Imprime a la representación el ritmo óptimo y logra un rendimiento ejemplar a todo el elenco, que es profesional y demostrador de su competencia. El nutrido reparto me exime de análisis individual.

El conjunto es tan homogéneo como brillante"

FICHA ARTISTICA Y TÉCNICA DON JUAN TENORIO: Moncho Sánchez Diezma DON LUÍS MEJÍAS: Juan Luis Corrientes DON GONZALO DE ULLOA Juan Motilla/ Roberto Quintana/ Antonio Campos DON DIEGO TENORIO/ ESCULTOR: Antonio Campos DOÑA INÉS DE ULLOA: Rebeca Torres DOÑA ANA DE PANTOJA: Montse Rueda BUTARELLI: Juanfra Júarez ABADESA/ LUCÍA: Gina Escánez/ Amparo Marín MARCOS CIUTTI: Serafín Zapico BRÍGIDA: Paqui Montoya CAPITÁN CENTELLAS: Néstor Barea DON RAFAEL DE AVELLANEDA: Nacho Bravo DIRECCIÓN: Teatro Clásico de Sevilla PRODUCCIÓN: Juan Motilla y Noelia Diez DISEÑO ILUMINACIÓN: Jesús Perales DISEÑO VESTUARIO Y ESCENOGRAFÍA: Antonio Zannoni MÚSICA: Jasio Velasco Duración: 1 hora 45 min Público recomendado: Todos los públicos

LA VIDA ES SUEﾃ前

La Vida es Sueño, es un hito del teatro clásico español. Representado y versionado por diferentes dramaturgos, poetas y cineastas a través de la historia, se nos presenta como la oportunidad de ir afianzando el repertorio de Teatro Clásico de Sevilla.

Hemos querido mantener en nuestra propuesta las diferentes lecturas contenidas en la obra de Calderón (política, filosófico-moral, etc.). Sin querer traicionar el espíritu que el autor insufló a su texto, ni su carácter de acto complejo en el que se combinan episodios épicos, comedia de enredo, pasajes moralizantes, monólogos metafísicos... Nuestro deseo ha sido transmitir estos valores implícitos a espectadores de hoy, teniendo en cuenta el valor universal de las ideas de Calderón y permitiéndonos introducir pequeñas variaciones formales en las diferentes tramas argumentales, recreando así este reino ilusorio de Polonia.

Como viene siendo habitual, nos sentimos atraídos por espacios no convencionales, y aunque el espectáculo está concebido como teatro a la italiana, hemos representado esta obra en otros espacios aprovechando la disposición espacial de las Reales Atarazanas y del Palacio de la Buhaira para crear líneas de fuga, entradas y salidas de personajes, recrear los diferentes espacios en los que se desarrolla la acción dramática.

La vida es sueño, estuvo en cartel en las Reales Atarazanas de Sevilla desde Julio hasta Septiembre de 2006 con una acogida también inimaginable para un espectáculo veraniego en la árida ciudad de Sevilla. 6.900 espectadores y numerosas peticiones de prórroga por parte del público son testigo de este triunfo. Posteriormente, y haciendo caso de la demanda popular, esta obra se repuso formando parte de la programación de las Reales Atarazanas de Sevilla durante el verano del 2007, así como de las “I Noches de verano en el Palacio de la Buhaira” en verano del 2009, con una acogida espectacular por parte del público sevillano y “II Noches de verano en el Palacio de la Buhaira” en verano del 2010.

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA SEGISMUNDO: Juanfra Juárez ROSAURA: Gina Escánez BASILIO: Nacho Bravo ASTOLFO: Nestor Barea ESTRELLA: Montse Rueda CLOTALDO: Moncho Sánchez Diezma/ Antonio Campos CLARÍN: Joserra Leza/ Julián Manzano SOLDADO: Isaías Saldaña DAMA: Paqui Montoya CRIADOS: Miguel Angel López/ Serafín Zapico DIRECCIÓN: Teatro Clásico de Sevilla ILUMINACIÓN: Jesús Perales ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO: Antonio Zannoni FOTOGRAFÍA: Luis Castilla

LA DAMA DUENDE

La dama duende pertenece al género de las comedias de capa y espada que Pedro Calderón de la Barca cultivó, sobre todo, durante su juventud. De hecho, esta obra fue escrita en 1629, cuando el dramaturgo aún no había cumplido los 30 años. En ella, y como era costumbre en el género, Calderón crea una divertida trama, dónde no faltan la broma, la burla y el enredo.

La protagonista, Doña Ángela, es una joven que acaba de enviudar tras la muerte de su anciano marido, y que vive vigilada por sus hermanos, guardas y custodios de su honra. Cuando llega a la casa don Manuel, todo un galán, la protagonista se enamora perdidamente de él. Doña Ángela urdirá un mágico plan para poder acercarse a su amado, ayudada de una alacena giratoria con la que puede entrar y salir del dormitorio de don Manuel a su antojo. Se hará pasar por duende para seducirlo y así poder escapar también del férreo control de sus hermanos.

Entre el artificio y la jocosidad, se alza una lectura más dura y profunda: la absoluta falta de libertad de la protagonista, como cualquier otra mujer en su época y en sus circunstancias, privada de la felicidad y aislada completamente del mundo. Pero la desgarradora vitalidad de Ángela será la fuerza que consiga salvarla de una muerte en vida.

El veterano actor y director Juan Carlos Sánchez, reconocido profesional de la escena andaluza, está a cargo de la dirección de esta obra, como director invitado de la compañía.

Con este espectáculo realizamos 29 funciones dentro del programa de Teatro desarrollado por Teatro Clásico de Sevilla en las Reales Atarazanas de Sevilla en el programa de verano de 2007 y participado en la I Muestra de Teatro Andaluz en Octubre de 2007 en El Puerto de Santa María Esta obra también ha formado parte del programa cultural “Noches de verano en el Palacio de la Buhaira” en el 2009, 2010 y 2011.

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA DON MANUEL: Moncho Sánchez.Diezma COSME: Sebastián Haro DOÑA ÁNGELA: Ana Ruiz ISABEL: Paqui Montoya DON LUIS: Néstor Barea DON JUAN: Nacho Bravo DOÑA BEATRIZ: Amparo Marín CLARA: Gina Escánez DIRECCIÓN: Juan Carlos Sánchez ILUMINACIÓN: Jesús Perales ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO: Antonio Zannoni DISEÑO GRÁFICO: Antonio Hermán FOTOGRAFÍA: Luis Castilla

SOBRE LA VERSION DE LA CELESTINA “Es la Celestina, sin lugar a dudas, el texto más importante después del Quijote en Lengua Castellana. Aunque no es propiamente un texto dramático, escrito para ser representado, la mayoría de estudiosos la definen como novela dialogada, tan amplia y compleja que es imposible llevarla al escenario en su integridad.

Así que cada vez que se acomete una versión escénica es necesario hacer una amplia intervención sobre un texto tan extraordinario, y prácticamente inabarcable, desde los modos propios de escenario y la representación teatral.

Se presenta la obra como una gran cordillera y la versión es sólo uno de los muchos caminos por los que ayudar a cruzar a los espectadores tan hermosos parajes. Éste es un encargo de la Compañía de Teatro Clásico de Sevilla, y el fin de dicha compañía es acercar los clásicos al público actual.

Llevarles su belleza. Su grandiosidad. Su contemporaneidad o modernidad. Pero sobre todo observando el clasicismo con respeto y como base fundamental de nuestra cultura y teatro actual.

Como decía, los diferentes caminos a tomar para afrontar la versión pueden ser muy variados. Me ha preocupado centrarme en la claridad de la narración y la trama. Que la historia, al igual que el lenguaje lleguen limpios al espectador actual.

Dentro de la complejidad dramática he buscado anclar el desarrollo sobre el aliento de la tragedia. La distancia que se puede establecer desde los conceptos trágicos sirve para ayudarnos a dibujar con más precisión, sucesos, caracteres y conflictos.

La tragedia siempre sobrevuela por encima de la comedia. Una tragicomedia, definición de género híbrida, pero que arrastra desde los inicios un destino que arrojará a los personajes a redescubrirse en ese fin hacia donde van abocados”.

Alfonso Zurro

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA CELESTINA CALIXTO MELIBEA PLEBERIO ALISA SEMPRONIO AREÚSA PÁRMENO ELICIA TRISTÁN/CENTURIO

Roberto Quintana Nacho Bravo Alicia Moruno Moncho Sánchez-Diezma Montse Rueda Julián Manzano/Nestor Barea Gina Escánez Carmelo Crespo Paqui Montoya Serafín Zapico

DISEÑO DE ILUMINACIÓN ASESOR MUSICAL DISEÑO DE VESTUARIO Y ESCENOGRAFÍA REALIZACIÓN VESTUARIO REALIZACIÓN ESCENOGRAFÍA PRODUCCIÓN

Tito Tenorio Rafael Garcia

VERSIÓN TEXTO DIRECCIÓN

Antonio Zannoni Pepe Vázquez Atelier Camaranegra Juan Motilla Noelia Díez Alfonso Zurro Ramón Bocanegra

La Compañía Teatro Clásico de Sevilla propone una versión actualizada del mito de “Carmen” basado en el obra de Merimèe. Este espectáculo se estrenó en el Teatro Lope de Vega de Sevilla el día 18 de noviembre de 2010.

Esta obra ha formado parte del programa del Ayuntamiento de Sevilla-ICAS “Carmen. Mitos de Sevilla 2010-2012” La novela de Prosper Merimée y el impulso que le dio la ópera de George Bizet lanzaron el personaje de Carmen a ser uno de los mitos contemporáneos y femeninos que más influencia han tenido en la creación artística del siglo XX. Novela, poesía, cine, teatro, música, artes plásticas, por todos ellos ha circulado y lo sigue haciendo la cigarrera universal.

Una Carmen que desde sus muy variadas caras se nos presenta como: mujer instintiva que tiene por bandera su propia libertad y autonomía, mujer que se rebela ante una sociedad machista para tomar sus propias decisiones, mujer con plena independencia sexual, mujer fatal que es perdición de hombres, mujer carnal, dionisiaca, apasionada, demoníaca, transgresora, libre, medio bruja… Una Carmen que abría puertas a un tiempo donde la llamada liberación femenina entraba en un camino sin retorno. Los artistas creadores y estudiosos que se han acercado al mito lo han hecho desde muy variadas perspectivas pues el mito, poliédrico, admite muchas visiones.

En la versión que presenta Teatro Clásico de Sevilla, el autor Antonio Álamo nos coloca ante una Carmen que se mueve en terrenos bastante fieles a las líneas argumentales de la ópera y la novela, para no traicionar los ejes fundacionales del mito, pero que ahonda en las relaciones humanas de los personajes protagonistas de la tragedia para reescribirlos desde una visión actual y más realista. Juega el autor con los tópicos propios del mito y de los textos de referencia para tensar los contrastes y redefinirlos con la complicidad de la visión de un espectador actual. Carmen es una mujer y no solo una imagen icónica rodeada de tópicos: toreros, bandoleros, guitarristas, juergas aflamencadas, navajazos, soldados, contrabandistas, etc.

Desde un espacio alusivo y poético que abre sensaciones y sugerencias, el director de escena Alfonso Zurro nos presenta una lectura límpida de la historia, pero cargada de intención, para que el espectador cree otros planos de significación más allá del inmediato.

Unos personajes que se abren en el tiempo, y nos dan muestras de su propio desarrollo y posibilidades míticas alejados de aquel romanticismo generador donde nacieron.

Teatro Clásico de Sevilla busca con esta propuesta acercarse a los mitos sevillanos, llegar hasta ellos a través de una mirada clásica pero también buscando su lectura desde el hoy.

CRÍTICA ABC (20/11/2010) Julio Martínez Velasco: “Las obras de teatro que, como esta que nos ocupa, han adquirido la categoría de obras universales, suelen ser un valor seguro. No obstante, al haber sido representadas hasta la saciedad, no resulta fácil ofrecer una nueva visión que, además del goce del reconocimiento, nos ofrezca el pellizco de la sorpresa.

En ese sentido se podría decir que esta joven compañía sevillana, que nació con la voluntad de darnos a conocer los textos clásicos, ha asumido un reto considerable, aunque no es el único. Porque, con la que está cayendo, que una producción privada se atreva a subir a escena nada más y nada menos que a diez intérpretes, y que haya puesto a su disposición el talento de las coreógrafas Pilar Pérez y Manuela Reyes, el toque certero del guitarrista flamenco José Torres, la sabiduría de Alfonso Zurro y la erudición de Antonio Álamo, supone toda una deliciosa aventura cuyo resultado es una de las versiones del mito más fresca y comprometida.

Y es que, a estas alturas, no tiene mucho sentido volver a retomar el papel de la mujer fatal, por muy romántico que sea pero, sin saberlo muy bien, Merimée, dada su atracción romántica por el espíritu indómito de la etnia gitana, apuntó un rasgo que define la situación las mujeres de nuestra época, esto es, la rebeldía contra la posesión machista que, por desgracia, lleva a más de una mujer a ser asesinada. Éste es uno de los valores de esta nueva versión pero no es el único porque, en su afán por llevar a cabo este valiente alegato, tanto la dramaturgia como la puesta en escena lleva a cabo un curioso juego con el tiempo. Y es que, aunque la obra comienza situando la acción en el siglo que la vio nacer, una vez superada la fase da conquista da un salto en el tiempo para trasladar el mito a nuestra época.

Para ello, Alfonso Zurro ha contado con el vistoso vestuario de Antonio Zanonni; con la escenografía de Curt Allen, capaz de recrear un sinfín de ambientes; con la cálida y hermosa música de Jasio Velasco y la riqueza de matices del diseño de luces de Florencio Ortiz. Todos estos elementos registran una singular evolución temporal, incluida la iluminación, que va ganando en complejidad a lo largo del relato.

Cabe destacar el dominio escénico, la versatilidad y maestría con la que los actores secundarios abordan varios papeles cada uno y la frescura de los protagonistas”

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA CARMEN: Maria José Castañeda JOSÉ: Jorge Lora TENIENTE,BANDOLERO: Moncho Sánchez-Diezma GARCÍA EL TUERTO: Juan Motilla MERCEDES: Montse Rueda FRASQUITA: Paqui Montoya ESCAMILLO, SOLDADO: Sergio Domínguez DANCAIRE: Néstor Barea LILLAS PASTIA, SOLDADO: Nacho Bravo TOCAOR: José Torres DIRECCIÓN: Alfonso Zurro DRAMATURGIA: Antonio Álamo PRODUCCIÓN: Juan Motilla y Noelia Diez DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA: Curt Allen Wilmer DISEÑO DE VESTUARIO: Antonio Zannoni DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Florencio Ortiz MÚSICA: Jasio Velasco FOTOGRAFÍA: Luis Castilla COREOGRAFÍA: Pilar Pérez Calvete, Manuela Reyes REALIZACIÓN DE VESTUARIO: Carmen Montaraz y Pepe Vázquez

En nuestra compañía, Teatro Clásico de Sevilla, hemos decidido que nuestro espectáculo “Julia. Un viaje teatrástico”, esté destinado mayoritariamente al público infantil y familiar. Ésta ha sido una decisión muy meditada, y nos hemos enfrentado a este nuevo proyecto con mucha ilusión y ganas de poder llegar a este sector del público tan especial.

Después de esta experiencia, estábamos deseando emprender un proyecto dedicado a ellos, ya que son un público ávido de experiencias y la mayoría nunca han visto en escena una obra clásica.

Creemos que es la mejor manera de acercarles a las obras clásicas, ya que de este modo comprenden mejor el contexto histórico y cultural y, sobre todo los contenidos, que muchas veces les resultan arduos al leerlos en verso y en castellano antiguo. Y sobre todo, hemos comprobado que si tienen una experiencia positiva con el teatro a esta temprana edad, conseguiremos un público potencial de teatro.

Pero no nos olvidamos de los padres, queremos que esta sea una obra que pueda ser disfrutada por mayores y pequeños, y puedan compartir experiencias.

EN PALABRAS DE ALFONSO ZURRO: “Después de mi colaboración como dramaturgo en la versión de La Celestina para la compañía Teatro Clásico de Sevilla, me plantearon su interés por acercar el teatro clásico al mundo infantil y que le gustaría que yo les prepara un texto. Surgieron charlas y reflexiones: Los problemas que tiene el teatro clásico para los niños. El teatro del Siglo de Oro y sus posibilidades de ser versionado. Las obras más significativas. Las experiencias en España y en el extranjero. Los casos que conocíamos. Lo que rastreamos por internet. Lo que leímos...

La dificultad estaba servida. Y el primer envite lo tenía que decidir, y era: ¿Adaptar un clásico o jugar con los clásicos?

Entrar en una versión de alguna obra fundamental de nuestro canon teatral consistiría en desmontarla para dejar el esqueleto de un cuento.

Quizá no más. Dependería de ese “cuento” la fuerza y posibilidades del espectáculo infantil, pero que probablemente quedaría desmejorado. Y que los niños no verían como lo que llamamos clásico.

Me decidí por ir hacia el juego, por juguetear directamente con el teatro y no ocultar que es teatro antiguo, de capa y espada, de desmesuras, de canciones, de aventura... sobre todo de aventuras.

Así que me planteé cómo acercarnos desde el mundo de hoy, de un niño, al teatro de ayer. Busqué la aventura. El salto en el tiempo.

El recurso, tantas veces utilizado en la literatura infantil, de cruzar o travesar al otro lado y que aparezca lo maravilloso y extraordinario. Que el teatro para el niño-espectador sea primero un divertimento, o una especie de sueño donde puedan pasar las cosas más insospechadas y sorprendentes. Eso es el teatro.

Pero que todo parta desde hoy, desde su ahora, desde sus juegos con tecnologías digitales, teléfonos móviles... y que de pronto desciendan sobre el teatro clásico. Teatro que se hace y ensaya antes sus ojos, como un juego más, una fiesta, un desmadre...

Y todo esto tomando como base teatral los Pasos de Lope de Rueda. Por su frescura, inmediatez de conflicto, posibilidades de juego escénico, y ser una de las joyas del teatro hispano. También intento acercarme a esa interrelación generacional que muchas veces no se quiere ver, o negar. Por eso tracé en el abuelo el personaje que ayuda a descubrir, porque sabe cosas que los pequeños desconocen. Esos abuelos que no son mundos alejados e imposibles para los niños. Ellos te ayudan a mirar al pasado. Aunque a veces se les abandone como islas deshabitadas.”

Este espectáculo se estrenó el 15 de marzo de 2012 y ha participado en el I Certamen Barroco Infantil del Festival de Almagro, Festival de Teatro Clásico de Cáceres, Festival de Teatro Clásico de Olmedo, Feria de Castilla y León…

PREMIO AL MEJOR ESPECTÁCULO INFANTIL (Premios Escenarios) Y MEJOR MÚSICA (Premios del Teatro Andaluz-SGAE)

LA CRÍTICA HA DICHO: “Cumplido con creces el objetivo del entretenimiento para grandes y pequeños en estas fechas de ocio familiar, Julia. Un viaje teatrástico puede y debe servir como una verdadera iniciación al teatro como arte y misterio, como representación, doble, espejo de la realidad. Y es que hay una idea de esencialidad y pureza que sobrevuela todo el asunto y que parece haber ocupado la mente de Fraga y Zurro a la hora de plantear el espectáculo; hablamos de la noción de creación ex nihilo a partir de las potencias de la imaginación. Es decir, que lo impresionante del punto de partida es la pequeñez de ese cubo del que pronto emergerán los mundos mágicos y los personajes sorprendentes, y, en flagrante contraposición, la amplitud de la escena del Teatro Central por la que comienza a pulular Julia (Alicia Moruno en estado de gracia, modulando su difícil papel desde la risa) y luego su escueta familia, frágiles atracciones en el espacio casi desnudo que dan comienzo a la hipnosis.

El resto lo ocupa una estupenda sesión de espiritismo, y los ilustres espectros que acuden a la llamada responden a los nombres de Lope de Rueda y Lewis Carroll, el primero para dar el sustento dramatúrgico al viaje inmóvil -pues son sus breves farsas, los pasos, las elegidas para convencer a la audiencia más joven de los tesoros que los libros y las tablas esconden para los atrevidos-, y el segundo como fuente de inspiración para el ritual de iniciación de la protagonista, la niña a la que la dejadez de sus padres introduce en los placeres (y responsabilidades heredadas) de la creación y la imaginación.” (Diario de Sevilla)

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Alicia Moruno: Julia Gina Escánez: Madre, Aqueda, Efrosina di Tornatore, Vendedora de Mocos Sergio Domínguez: Padre, Tinaja, Salcedo, Chin 2 y Cabeza de Mocomoco Joserra Muñoz: Abuelo, Matasiete y Cabeza Jose Chaves: Cascarrón, Alameda, Toruvio, Estepa, Chin 1 Jasio Velasco: Simplón Producción: Dirección: Dramaturgia: Diseño escenografía: Diseño vestuario y atrezzo: Diseño Iluminación: Espacio sonoro: Ayudante de dirección: Fotografía y diseño gráfico: Realización de vestuario: Realización de escenografía: Proyecciones: Técnicos: Distribución y comunicación:

Juan Motilla y Noelia Diez Julio Fraga Alfonso Zurro Curt Allen Wilmer Antonio Zannoni Florencio Ortiz Jasio Velasco Verónica Rodríguez Luis Castilla Andrés González Pablo Gozálbez Mercedes Cantero Tito Tenorio y Manuel Jiménez Noelia Diez

El Buscón de Teatro Clásico de Sevilla es una versión de la obra más importante de Quevedo Se estrenó el día 8 de junio en el Teatro Alhambra (Granada) y ha formado parte de la programación oficial del Festival de Teatro Clásico de Almagro, Festival de Teatro Clásico de Cáceres, Clásicos en Alcalá, Feria de Teatro de Palma del Río, Noches de Fonseca, Festival de Niebla...

Este espectáculo está recomendado por la Comisión de Teatro de la Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública Hemos sido galardonados con dos premios en los PREMIOS ESCENARIOS 2012: MEJOR ESPECTÁCULO Y MEJOR ACTOR (PABLO GÓMEZ-PANDO),y nominación a Mejor Actriz (Mª Paz Sayago). MEJOR DRAMATURGIA Y MEJOR VESTUARIO en los PREMIOS DEL TEATRO ANDALUZ-SGAE Es una coproducción con la Junta de Andalucía El Buscón, es una de las novelas fundamentales de la picaresca española. Su autor Francisco de Quevedo retrata las andanzas, gracias y, sobre todo, desgracias de un joven llamado Pablos que intenta subir desde su mísera escala social y alcanzar el rango de caballero.

En ella el lector se adentra en un mundo divertido. Donde los infortunios del protagonista, narrados por él mismo, es lo que le mueve a la risa; encontrándose con un cúmulo de situaciones, personajes, incidentes, espacios…

Dentro de la complejidad propia que presenta la composición de esta novela, resulta una apasionante aventura dramatúrgica acercarla, aunque sólo sea tangencialmente, al universo cerrado de un escenario. ¿Pero cómo?

Somos un país de pícaros, se sigue oyendo cotidianamente. Y lo damos por válido sin entrar en el fondo del asunto. Desde esta premisa también se puede trabajar sobre el texto como un pícaro más: arramplar, construir, refundir, deconstruir, romper, enlazar, pegar, inventar, recopilar…

Todo clásico siempre se ve desde los ojos de la época del espectador que lo lee o contempla. Es su experiencia vital la que le hará observarlo de una u otra forma. Pero siempre desde su tiempo. Es imposible para un espectador actual entrar en la miserable realidad del siglo de oro.

El espectador de nuestra propuesta quizá considere prestar atención desde el ayer al hoy, y tal vez se haga algunas preguntas del estilo: ¿Qué queda de la picaresca en nuestra contemporaneidad? ¿Qué paralelismos o divergencias encontramos? Y así disfrutar de un clásico titulado Historia de la vida del Buscón, llamado Don Pablos

LA CRITICA HA DICHO: "Ritmo preciso, agilizado por los títulos en pantalla, de una sola palabra, como destellos de un diccionario del tunar y el andorreo. Color desvaído, cuidado hasta el máximo en esas entretelas que van perfilando la grisura de los personajes, la estameña de su devoción, el andrajo de su gayola. Superior la interpretación masculina en mil registros a cual mejor. Estilo Zurro hasta en las entretelas y recuerdos de aquella Jácara inolvidable. Por supuesto, la de Pablo Gómez, que se deshace en las mil caricaturas paulinas. Y soberbios, inigualables: Manuel Monteagudo y Juan Motilla, con instantes geniales de Paqui Montoya" (El Ideal) "Ojalá todos los comienzos de temporada fueran como éste. El mejor de nuestros dramaturgos, Alfonso Zurro, se mide con una de las cimas de la literatura hispana, El Buscón de Francisco Quevedo, novela picaresca deudora de El lazarillo de Tormes y catálogo insigne de bellaquería, busconería, truhanes, pedigüeños, estafadores, rufianes, marrulleros y bribones. La versión de Zurro es certera en su lenguaje, divertida en su puesta en escena, agudísima en sus críticas, moderna en sus planteamientos y feroz y demoledora en su conclusión.

A la habilidad de Zurro, que se sirve del humor para hacernos tragar estas píldoras de maldad humana, hay que sumarle el estupendo trabajo de sus siete intérpretes encabezados por Pablo Gómez-Pando al que hay que nombrar en justicia porque permanece en escena el 98 por ciento de la función dando una lección de versatilidad interpretativa.

Llenos de matices, con increíble rapidez para cambiar de registros sus compañeros merecen la misma ovación en pie por su compacto y exquisito trabajo. (El diario de Sevilla) "Clamoroso éxito" (El periódico de Extremadura) "Texto y dramaturgia brillantes" (El País) "Lo mejor de El Buscón son sin duda los actores, actores excelentes, divertidos, capaces de encarnar las más diversas máscaras del crimen, el vicio, la indefensión o del pecado de ayer y hoy". (Granada Hoy) "Teatro vivo, teatro de la vida, de la herida, la llaga que no cierra de una sociedad de la que todos formamos parte y vestimos los trajes de la comedia." (Julio G. Alonso)

* Espectáculo recomendado por la Comisión de Teatro de la Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Pablo Gómez-Pando Manuel Monteagudo Manuel Rodríguez Antonio Campos Juan Motilla Mª Paz Sayago Paqui Montoya Dirección y versión libre: Producción: Diseño escenografía y vestuario: Diseño Iluminación: Espacio sonoro: Ayudante de dirección: Fotografía y diseño gráfico: Realización de escenografía: Realización vestuario: Coordinación: Ayudante escenografía y vestuario: Proyecciones vídeo: Técnicos: Distribución y comunicación:

Alfonso Zurro Juan Motilla y Noelia Diez Curt Allen Wilmer Florencio Ortiz Jasio Velasco Verónica Rodríguez Luis Castilla Pablo Gozálbes Andrés González Antonio Zannoni Eva Moreno La Buena Estrella Carmen Mori, Tito Tenorio Noelia Diez

Enlace a vídeo promocional: https://vimeo.com/72485374

Con esta obra, pretendemos recuperar a unos de nuestros autores clásicos más importantes: Lope de Vega. Es una de las tragedias referenciales de nuestro teatro del Siglo de Oro. La realidad es que estamos ante una obra dramática contundente que narra unos supuestos sucesos históricos acaecidos en Sevilla, continúa la línea lopesca de los dramas históricos sobre conflictos de abuso de poder, además de ser una obra paradigmática, en cuanto a su construcción, sobre los preceptos que dicta el Arte nuevo de hacer comedias.

El vasallo frente al rey, los límites de la lealtad, del honor y del amor: una obra que cuestiona la legitimidad del poder cuando deja de ser justo. Nos situamos en el siglo XIII. El Rey Sancho el Bravo llega por primera vez a esta ciudad y queda prendado por la belleza de Estrella Tavera. La desea y todo su fin es conseguirla cuanto antes pasando por encima de quien se tercie.

Es interesante observar, que aunque la acción se sitúa en el siglo XIII, tiene un claro reflejo en la época en la que se escribió, en torno a 1630. El Rey Felipe IV y su valido Olivares visitaron Sevilla en 1624. En la obra, también Sancho el Bravo llega a Sevilla y es siempre aconsejado por Don Arias, su privado. Por lo que La Estrella de Sevilla sí tiene una clara intencionalidad política para su momento. Es evidente que traslada una serie de consejos sobre los problemas de una monarquía absolutista y caprichosa.

El principal tema sobre la que se asienta la obra es el abuso del poder real, que se presenta como un poder injusto. Una injusticia ante la que los súbditos no se rebelan, no es un comendador como en Fuenteovejuna, ahora es el todopoderoso monarca. Aunque ciertamente la mayoría no sabe la implicación del rey. Ni los deseos que motivan sus acciones. Los personajes se encuentran como perdidos. Intuitivamente el camino que toman los vasallos, con sus actitudes y opiniones, será ir dando lecciones al Rey. De tal manera, que cuando termina la obra es el Rey quién ha sido moralmente vencido por el pueblo sevillano.

Los súbditos han resistido sin enfrentarse directamente con el Rey. Aunque la obra sea muy crítica con el soberano, no escondiendo esta posición en subterfugios ni barroquismos. Es directa, clara, sin ambigüedades. Estamos ante un planteamiento donde frente al poder absoluto medieval aparece la concepción moderna del ciudadano. Porque los súbditos empiezan a exigir sus derechos ante las arbitrariedades despóticas de sus monarcas.

Pero en la Estrella no sólo está el abuso del poder, éste da pie a otros conflictos donde el amor, el honor, la ética individual, la palabra dada, la venganza... toman las riendas de las situaciones.

La Estrella de Sevilla es una tragedia barroca que puede ser vista desde planteamientos comunes a los de una tragedia clásica y exponerla desde el esquema griego. Con su phatos, anagnórisis y peripecia. Por lo que los espacios dramáticos, y la relación entre los personajes adquieren otras perspectivas y dimensiones. Así, la obra se hace más universal, y podemos saltar de la injusticia real a sentir el abuso en su concepción más general. Percibir cómo cualquier atropello del poder repercute en el individuo y en el grupo social. Perturbando el orden y generando confusión, caos y por último muerte. Estrella es la luz, de ahí su nombre, que ha permanecido ciega y oscura sin intuir la verdad durante buena parte de la obra. Pero en el último tramo, brilla incandescente y nos ilumina para que gracias a su luminosidad lleguemos a la anagnórisis (reconocimiento) y a la peripecia final. Pasos necesarios para que esta tragedia nos purifique como individuos y nos prevenga ante sucesos parejos con aquellos a los que hemos asistido.

Este espectáculo es una coproducción con el Festival de Teatro y Danza de Niebla, en el que se ha estrenado el 27 de julio de 2013, y ha recorrido los principales teatros de España con gran éxito PREMIOS ADE 2015: Mejor dirección (Alfonso Zurro), Mejor escenografía (Curt Allen Wilmer) 2 NOMINACIONES A LOS PREMIOS MAX 2015: Mejor Escenografía y Mejor Vestuario 4 PREMIOS TEATRO ANDALUZ-SGAE 2015: Mejor Dirección, Mejor Adaptación, Mejor Escenografía, Mejor Iluminación 5 PREMIOS ESCENARIOS 2015: Mejor Espectáculo, Mejor Dirección, Mejor Adaptación, Mejor Escenografía, Mejor Vestuario

LA CRÍTICA HA DICHO: "Apuesta decidida por la calidad: Cuatro premios del Teatro andaluz -Alfonso Zurro (adaptación y dirección), Curt Allen Wilmer (vestuario), Florencio Ortiz (iluminación), y Jasio Velasco (música)- participan en esta producción liderada por Juan Motilla y Noelia Díez. La producción es soberbia. Vayamos por partes: En la interpretación todos brillan, como la estrella que da título a la pieza. Curt Allen Wilmer ha ideado un espectacular juego de varas que estratégicamente posicionadas va conformando palacios, puertas, pasillos y cárceles creando una escenografía viva y cambiante. El vestuario, también de Allen, es una fusión perfecta de modernidad y traje de época resultando hermosamente provocativo y sensual. La iluminación de Florencio Ortiz acaba por redondear esta puesta en escena que resulta, ante

todo, bellísima de ver y oír (la música de Velasco). Un impresionante trabajo de producción digno de una inexistente compañía de teatro andaluz (moribundo el CAT) y que bien podría ocupar su lugar como ejemplo de lo que debe ser una propuesta desde Andalucía de un nuevo teatro que combina calidad e interés por el público." JAVIER PAISANO (EL DIARIO DE SEVILLA) “En estas Jornadas del Siglo de Oro de Almería hemos visto dos maneras a las que juzgamos desde lo teatral y con el soporte de nuestra idea general: una excelente, La estrella de Sevilla de Lope de Vega con versión y dirección de Alfonso Zurro, excelente propuesta actual presentada por la compañía Teatro Clásico de Sevilla” CARLOS GIL ZAMORA (ARTEZBLAI) “Lleno absoluto en el Apolo y profunda y acertada representación de una de las obras culmen de Lope de Vega La Estrella de Sevilla: Con lleno absoluto en este espacio escénico municipal de la capital, la compañía Teatro Clásico de Sevilla, bajo la dirección de Alfonso Zurro, representó una versión de la obra de Lope en la que las pasiones, los sentimientos y las capacidades interpretativas quedaban por encima de todo, con una escenografía sencilla y un torrente de acontecimientos que se iban sucediendo a velocidad de vértigo.

Es una historia de ira y de traiciones; traiciones entre amigos, traiciones entre amantes y, sobre todo, traiciones tejidas por un rey impregnado por un espíritu absolutista, déspota, narcisista, hipócrita y con ciertos tintes de psicopatía, magníficamente puestos en escena por Manuel Monteagudo.

La Compañía de Teatro Clásico de Sevilla puso sobre las tablas con maestría esa tela de araña de sentimientos y sensaciones, con una escenografía en la que los actores cambian de personaje en alguna que otra ocasión, en la que los narradores se convierten en personajes y viceversa y en la que el decorado salta de escena simplemente con el movimiento de unas sencillas varas que se clavan sobre el suelo. Una forma de llevar a la puesta en escena la sencillez y la geometría de líneas del clasicismo”. TELE ALMERÍA “LA (BUENA) ESTRELLA DE SEVILLA: Debo reconocer que iba bien predispuesto. Alfonso Zurro es una de mis debilidades. He visto muchas representaciones de sus obras, de sus adaptaciones y de sus direcciones. Creo que es un valor seguro. Así que el otro día fui al Teatro Barakaldo convencido de que iba a ver una buena representación de La estrella de Sevilla de Lope de Vega. Además, en el proyecto ‘Teatro clásico de Sevilla’, se ha juntado un grupo de gente con las ideas claras.

Yo destacaría la limpieza de la representación. La eliminación de lo superfluo. Ir directamente al asunto.

Habría que añadir la fuerza, la comunicación clara de emociones.

No nos podemos olvidar del domino de los elementos técnicos”. DAVID BARBERO

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA: ESTRELLA TAVERA: REY DON SANCHO: BUSTO TAVERA: DON SANCHO ORTIZ: DON ARIAS: CORIFEO/ ALCALDE: CRIADA:

REBECA TORRES MANUEL MONTEAGUDO MONCHO SÁNCHEZ-DIEZMA PABLO GÓMEZ-PANDO ANTONIO CAMPOS MANUEL RODRÍGUEZ ALICIA MORUNO

Dirección y versión: Alfonso Zurro Producción: Juan Motilla y Noelia Diez Diseño vestuario y escenografía: Curt Allen Wilmer Diseño de iluminación: Florencio Ortiz Diseño de música: Jasio Velasco Diseño gráfico y fotografía: Luis Castilla Ayudante vestuario y escenografía: Eva Moreno Ayudante dirección y regiduría: Pepa Delgado Técnicos: Carmen Mori, Tito Tenorio, Dani Abad Distribución y comunicación: Noelia Diez Enlace a vídeo promocional: https://vimeo.com/72354467

Nuestro Hamlet es atemporal y con una verdad escénica apabullante. Sus dudas, sus interrogantes, saltan a través del tiempo y nos llegan hasta el día de hoy, con esa capacidad para mostrar el alma humana y dar luz a las sombras más inquietantes. Esto lo hace único.

Algo huele a podrido en Dinamarca. Esto no lo dice Hamlet, ni ninguno de los protagonistas, ni los que pelean por el poder…Ellos no huelen la podredumbre. Lo dice un soldado raso. Son ellos, el pueblo llano, los que lo notan en la pituitaria. ¿En qué niveles olfativos de descomposición están los reinos que habitamos? ¿Dónde está Hamlet? ¿En qué tiempo y lugar habita el personaje shakesperiano? ¿Cómo nos llegan las palabras del príncipe de Dinamarca en un mundo donde se observa, se vigila, se espía, y nada pasa desapercibido? La privacidad se ha evaporado. ¿Somos reales o imágenes reflejadas caminando por una superficie inestable, y variable? Lo que debería ser sólido es mudable, las raíces son imposibles, no hay materia que las sustente.

Y por encima, la ambición del poder. El poder, como manipulador, corruptor, vengativo, asesino... Una ambición que mueve a los personajes y los aboca a la confrontación y a la destrucción. Algo huele a podrido cuando alguien se lanza a conseguir el poder a toda costa.

Ser o no ser. Existir o no existir. Siempre la misma cantinela. Y la duda, la imposibilidad de tomar una decisión. El miedo a caer en el vacío de la nada o en el tumulto de la eternidad. Pero si uno no actúa, otros lo harán...

Un microcosmos para mostrarnos el cosmos de la humanidad. Las relaciones, las conciencias, los miedos, las aspiraciones... Tan pequeño y condensado como en una cáscara de nuez. Un universo. Como los personajes de nuestro Hamlet. Imposibilitados para escapar de un espacio, de un mundo donde siguen con su ser o no ser.

Este espectáculo es una coproducción con el Festival de Teatro Clásico de Almagro y el Festival de Niebla, y se estrenó los días 17, 18 y 19 de julio de 2015 en la Antigua Universidad Renacentista de Almagro dentro del Festival de Almagro.

Espectáculo CANDIDATO A LOS PREMIOS MAX 2015-16 EN 6 CATEGORÍAS: Mejor Espectáculo, Mejor Dirección, Mejor Escenografía, Mejor Vestuario, Mejor Actor Protagonista, Mejor Actor de Reparto

LA CRÍTICA HA DICHO Ambición, calidad, excelencia “Qué grande es ser grande y medirse con los grandes. Teatro Clásico de Sevilla, con Juan Motilla y Noelia Diez al frente, demostró anoche con Hamlet que el tener un proyecto claro: la calidad y la búsqueda del público y el fomento de la excelencia entre sus colaboradores son las mejores armas para conseguir este fabuloso trabajo que impresionó al público que ayer asistió al estreno en Sevilla.

Alfonso Zurro vuelve a firmar esta propuesta creando un Hamlet alejado de la concepción grandilocuente que tenemos de este personaje. Zurro convierte al príncipe de Dinamarca en un joven de nuestro siglo que se muestra desposeído de la gravedad acostumbrada encontrando en el actor Pablo Gómez-Pando el vehículo perfecto para mostrarlo. Gómez-Pando está sencillamente insuperable, su aspecto tierno crea una empatía con el espectador difícil de superar e igualar.

Es injusto el poco espacio de esta crónica que me impide reseñar el trabajo de todos y cada uno de sus compañeros y los magníficos aciertos de sus interpretaciones. A la misma altura está la prodigiosa escenografía y el preciosismo del vestuario de Curt Allen Wilmer, el exhaustivo y expresionista trabajo de iluminación de Florentino Ortiz, sin olvidar el cuidado trabajo de maquillaje y peluquería de Cortés.

Sin pretenderlo, Motilla, Diez, y Zurro han creado el verdadero Centro Andaluz de Teatro”.

DIARIO DE SEVILLA. JAVIER PAISANO Zurriagazo va, zurriagazo viene “Willliam Shakespeare es, quizás, el escultor de caracteres humanos más destacado de la literatura dramática mundial. Los protagonistas de sus dramas y tragedias alcanzan dimensiones humanas portentosas. “Hamlet, Prince of Denmark” es el paradigma de las obras de protagonismo avasallador, hasta el punto que la creatividad de su complejidad psicológica sólo la veo comparable a la de otro príncipe, el Segismundo calderoniano, pues el bardo inglés acertó al escribir la tragedia de un hombre-símbolo, una criatura de ficción, atormentada por los fantasmas dubitativos tan impresionante que parece exceder a la de su creador. Pero un hombre-símbolo, pues los demás personajes forman coro.

Alfonso Zurro, sin duda, uno de los directores y dramaturgos más notables del actual panorama escénico español, así lo ha debido entender, ya que la puesta en escena gira en derredor de la figura central. Un montaje pletórico de creatividad, en el que la sensibilidad del público es gratamente lacerada por los afortunados zurriagazos de Zurro; tales como la impresionante escenografía, tan bella como funcional, el tempo brioso, el ritmo adecuado a cada situación y el dominio del movimiento de masas. Zurriagazos visuales en el manejo de luces o en el juego de espejos, unidos a los zurriagazos sonoros tan precisos para potenciar la tensión dramática. Y el más sorpresivo es recurrir a la poco conocida traducción moratiniana.

La Compañía de Teatro Clásico de Sevilla, hecha una piña, ha alcanzado uno de sus logros más altos, con una interpretación conjunta disciplinadísima. Mi aplauso al elenco y , en especial al actor Pablo Gómez-Pando, por su arrojo al asumir el papel de Hamlet y salir vivo y airoso de tal “miura”.

ABC. JULIO MARTÍNEZ VELASCO

Hamlet: Espectáculo de Matrícula de Honor “La Compañía Teatro Clásico de Sevilla ha escrito una nueva página de oro con el montaje que ha realizado de Hamlet de William Shakespeare. Cuando se ve algo que rebosa calidad es difícil empezar por algún lado pero, en primer lugar, hay que quitarse el sombrero ante la versión y la dirección de Alfonso Zurro. La forma en la que ha limpiado el texto original es modélica, quitando escenas innecesarias, incluyendo algunas otras que no están en el texto aunque se mencionen de palabra, y aportando comicidad a varios momentos que suponen un soplo de aire fresco ante la gran tragedia final, y Zurro tiene la virtud de saber a qué escenas darles ese toque cómico, alejándose de las tradicionales puestas en escena y composiciones del personaje de Hamlet.

Zurro dota además de un ritmo a la función que hace que no aburra en ningún momento.

El trabajo de los actores es otra de las bazas de este montaje: el nivel interpretativo es excelencia hecha palabra y movimiento. Lo que hace Pablo Gómez-Pando dando vida a Hamlet es tan impresionante que uno piensa “si con la edad que tiene actúa de una manera tan maravillosa, dentro de unos años este hombre ¿dónde va a llegar?”.

Su interpretación es completísima, cambiando de registro, de lo cómico a lo trágico y viceversa en un suspiro y transmitiendo en todo momento la montaña rusa emocional por la que Hamlet pasa. Gómez-Pando demuestra una vez más su enorme potencial interpretativo que un servidor ya había constatado en El Buscón y en La Estrella de Sevilla y que en Hamlet reafirma su gran calidad.

A esta calidad interpretativa hay que sumarle la imaginación desbordante de Curt Allen Wilmer con el diseño de la escenografía (esos espejos rodeando al escenario y el suelo inestable y desmontable es todo un hallazgo) y el vestuario, que va cambiando, así como el espacio sonoro de Jasio Velasco de una gran fuerza o el preciso diseño de luces de Florencio Ortiz, así como la ejemplar lucha escénica que se ve en escena, obra de Juan Motilla.

Sólo queda decir una palabra más y la pondré en mayúsculas porque el montaje y Teatro Clásico de Sevilla se lo merecen: BRAVO”.

PERIÓDICO CRÍTICO XYZ Un Hamlet brillante “Hay textos que de por sí, por su condición de mito, han llegado a parecer inasumibles. Y más aún si los firma Shakespeare. A priori, podríamos aventurarnos a pensar que montar un Hamlet sólo admite dos destinos: el fracaso rotundo, por su complejidad y el historial de innumerables montajes que han ido elevando el listón, o el éxito. Y en este caso, el de Teatro Clásico de Sevilla, podemos hablar de éxito rotundo.

Su versión del Hamlet es brillante. Alfonso Zurro respeta, ordena y hasta mima el texto. Dota a la obra de un ritmo verdaderamente sorprendente a pesar de sus dos horas y media. Su montaje es hermoso, vibrante y virtuoso. Un montaje a la altura del texto y que además viene a confirmar, consolidar y celebrar el proyecto de Teatro Clásico de Sevilla.

Su gran mérito es ofrecer un nuevo retrato del protagonista. Este príncipe de Dinamarca pierde parte de su ingenio sobrehumano, sus dudas sobrecogedoras y su desolador existencialismo. Todo ello sigue apuntado en el personaje, pero en menor medida. Más bien, está implementado en un muchacho, un joven de hoy. El mismo ansia de protagonizar su propia historia y la misma falta de constancia, por momentos fuelle y por momentos apoyo.

Este Hamlet-hipster quiere vengar la muerte de su padre, pero encuentra en su locura -de nuevo: ¿fingida o autoinducida?- un refugio antes que un puñal. Y cuando se manche las manos de sangre, llegará a escandalizarse. Porque sabe que tiene un destino, pero le falta la vida necesaria, la experiencia y tal vez la frialdad que dan los años para asumirlo. Por tanto, mantiene las salidas de tono de Hamlet, pero quedan más como fogonazos de implacable lucidez y, a la vez, los simples desplantes del adolescente que se sabe un aprendiz de genio.

Este gran mérito es, aparte de Alfonso Zurro y la producción, de Pablo Gómez-Pando. Encarna con brillantez a este Hamlet que acaba de cerrar las puertas de la pubertad, consigue empatizar con el espectador desde el primer momento y juega las locuras de su personaje para ofrecer grandes momentos de humor. Sus carreras, sus desmanes y sus repentinos cambios de actitud le quedan al personaje como un guante, y su intachable interpretación sobresale por encima de un conjunto ya de por sí majestuoso.

A Gómez-Pando le rodea un magnífico elenco, grandes actores que completan esta verdadera muestra de calidad escénica sobre el promontorio que simboliza un reino dividido y disputado. La escenografía, las luces y el espacio sonoro terminan de marcar una referencia de brillantez para el teatro. Un montaje más que digno para cargar con el apellido de Shakespeare, y en andaluz”.

EL CLUB EXPRESS “Este montaje sobre una de las más conocidas obras de William Shakespeare es espectacular e inabarcable por la proyección ambivalente que dan los espejos dispuestos en círculos y que valoran el hermetismo cortesano o potencian las ansias de libertad de unos personajes atrapados en un círculo perverso.

El escenógrafo Curt Allen Wilmer ha dotado al montaje de una versatilidad admirable, estructurando un suelo que cambia en función de la intensidad del drama y dentro de un juego actoral completo. Una maravillosa conjunción.

El director aprovecha el talento de los intérpretes, con un coro, con la gran voz de una desquiciada Ofelia (una estupenda Rebeca Torres) o la habilidad entrenada del príncipe protagonista (Pablo Gómez-Pando) y su antagonista (Jose Luis Verguizas en el papel de Laertes).

Toda la trama está bien medida con la ayuda de las luces (buen diseño de Florencio Ortiz), y del ritmo escénico, con puntales como Manuel Monteagudo (en los papeles de Polonio y enterrador), y una soberbia Amparo Marín en el papel de Gertrudis.

Un meritorio Hamlet que seguro tendrá mucho recorrido en los escenarios de toda España.

El último espectáculo de Teatro Clásico de Sevilla fue recibido en Almagro con una calurosa ovación, tanto por las altísimas temperaturas como por el público que quiso reconocer el trabajo de los andaluces” LANZA. CIUDAD REAL “El Hamlet de la compañía Teatro Clásico de Sevilla hacía su presentación el pasado fin de semana en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, en el Aurea, con una propuesta dirigida por Alfonso Zurro, que destaca, sobre todo, por una escenografía brillante, que habla de la libertad del hombre, en general, y de la ambición de Hamlet y su deseo de poder, en particular.

A medio camino entre lo clásico y lo atemporal, así es este Hamlet con banda sonora metal coproducido por el Festival de Almagro y el de Niebla. Un Shakespeare protagonizado por un joven Pablo Gómez-Pando que opta por componer un Hamlet histriónico, casi bipolar. Acierta en los momentos de locura contenida y en el uso de la ironía. Pando consigue destacar.

Rebeca Torres, Ofelia, se crece justo en el momento en el que su personaje cae víctima de la locura, un registro en el que la actriz pone toda la fuerza.

Increíble, sin duda, Manuel Monteagudo, en su doble papel, como Polonio, padre de Ofelia y Laertes; y, especialmente, como sepulturero, un cambio de registro que hace casi imposible reconocer al mismo actor en ambos personajes.

Zurro orquesta, con todos ellos, un montaje que se ajusta a la perfección a una escenografía cargada de belleza que embelesa al público desde el

primer cambio, cuando la primera capa del suelo desaparece para imprimir al escenario un tono cada vez más lúgubre y triste.

El espacio, firmado por Curt Allen, destaca por su colorido y por su sencillez, pero también porque es el reflejo de la simbología del texto.

A él también le debe este montaje el diseño del vestuario a través del que la compañía Teatro Clásico de Sevilla hace el guiño a la atemporalidad de los clásicos. Ese guiño lo consigue con una transformación gradual de los personajes que a medida que avanza la historia se irán desprendiendo de los ropajes clásicos.”

LA TRIBUNA. CIUDAD REAL “La compañía sevillana nos regaló en Almagro el estreno de un Hamlet versionado por su director, Alfonso Zurro con una libertad encomiable. ¿Otro Hamlet? Se preguntarán los más escépticos. No se amilana Zurro frente al texto shakesperiano y, utilizando la versión de Leandro Fernández de Moratín, convierte al príncipe de Dinamarca en un joven decidido, menos atormentado que dispuesto a la acción y a la venganza.

El Hamlet de Zurro duda poco, actúa. Mantiene la rabia contra las mujeres, la rabia contra Gertrudis, su madre, que desplaza a la cándida Ofelia, porque las considera rijosas, y finge estar loco sin que el espectador dude nunca de su fingimiento y su capacidad de raciocinio.

En realidad, asistí a otro Hamlet, y esto es lo que se agradece, que la propuesta te capture y te lleve por el camino que ha pretendido seguir, que abandones tus resistencias originales (hemos visto muchos Hamlet), y te convenza.

A esta percepción contribuyen varios factores. En primer lugar, no por importancia sino porque es el primero en aparecer, una escenografía soberbia.

Si Curt Allen Wilmer, el también escenógrafo de La estrella de Sevilla y El Buscón, ya nos sorprendió entonces, ahora su propuesta es parte sustantiva de la obra, que sin ella sería, claramente, otra. Una escena minimalista, austera, estática, rodeada de ocho espejos que replican las imágenes de los personajes; el suelo cubierto por una tela blanca que nos invita a pensar en el frío, en el invierno, tanto como el vestuario poderoso nos conduce al lujo de los esponsales de Gertrudis y Claudio, apenas dos meses después de la muerte del rey Hamlet. Desvelar las transmutaciones de esta superficie, el juego estético que evoca sus transformaciones, los sucesivos sentimientos que nos quiere sugerir el director a través de ellas, sería privarles de una sorpresa que forma parte, hasta el final (cuando ya parecía que todo era estable), del placer del espectador de este Hamlet. Tampoco desvelaré cómo se resuelve la siempre difícil aparición del fantasma del rey, pero sí diré que la solución, a mi juicio, está lograda.

En segundo lugar, sus actores. Empezando por el joven Pablo Gómez-Pando, excepcionalmente realista y natural en su interpretación, que no da respiro a los matices de este príncipe de Shakespeare-Zurro, aportando una gama de registros que parecen surgir de su interior sin esfuerzo alguno. Un actor que ya admiré en El Buscón, y que aquí resulta de nuevo excelente. Gestos, voz, inflexiones, movimiento, naturalidad, todo juegan a favor de la recreación de Pablo Gómez-Pando.

La locura de Ofelia es una sorpresa que se agradece, y Rebeca Torres le da vida de un modo convincente y adecuado a la personalidad previa del personaje. Polonio y el sepulturero, interpretados por Manuel Monteagudo, son un lujo. Un actor enorme que nunca defrauda, y cuyo oficio ilumina todo lo que interpreta.

En fin, la obra no redunda en el dramatismo, como sucede en otras versiones, sino que es trepidante en su desarrollo, y al finalizar, los espectadores de Almagro, puestos en pie, homenajearon el buen hacer de la compañía.”

LA OPINIÓN DE MURCIA

“Ocurre con la tragedia del príncipe de Dinamarca que igual te atrapa que te aburre. Es quizás lo repetido de este trasunto, la familiaridad con que la vemos, lo que nos lleva a verla desde los extremos, evitando precisamente la complejidad que Alfonso Zurro ha logrado dar a su lograda versión, ofreciendo al espectador un auténtico espectáculo, y para todos los sentidos además. Excelente la versión de Zurro, que ayuda a que este Hamlet sea algo distinto, algo nuevo en sus planteamientos, destacando por encima de todo el culto a la duda que ha colocado Zurro en un primerísimo plano, hasta el punto de que en ocasiones el espectador pueda estar tentado de creer que el príncipe no anda muy bien de la cabeza y que toda esa tragedia la produce más su locura que la ambición de su tío, del implacable asesino Claudio. Mas una vez que la duda está planteada, reflejada en una magnífica escenografía de espejos -a los que habremos de volver-, la palabra de Shakespeare se impone y la cordura vuelve al espectador. Fue la mano asesina de Claudio la que vertió la ponzoña en el oído de su propio hermano. Historia trágica ésta. Guillermo el grande en estado puro.

Gracias al modo en que Zurro ha planteado la obra, hemos podido disfrutar del clásico en toda su complejidad y, por lo tanto, admirarlo en toda su riqueza. Ayudan y de qué manera los actores, todos, aunque me van a permitir que ponga el acento en el príncipe Pablo Gómez-Pando, que no entendemos la razón por la que no anda protagonizando películas y series de televisión a porrillo -como el resto de sus compañeros, cierto-, aunque la razón puede que haya que buscarla en que las series al uso hoy en día son demasiado tontas y el cine español no anda atravesando sus mejores tiempos. En este Hamlet, desde luego, los actores están soberbios, actuando con intensidad, seguridad y firmeza en todos y cada uno de los ciento veintitantos minutos que dura la representación. Ayuda también la genial, sencilla en apariencia pero como la obra muy compleja, escenografía. El partido que le sacan, el inaudito rendimiento de los ocho espejos y de una suerte de capas que envuelven un suelo de tierra que igual recibe el cuerpo de la desdichada Ofelia como tanta sangre vertida por la pluma del genial inglés. Este espacio escénico tan certero es algo que habría que tener en cuenta a la hora de estudiar la moderna y minimalista escenografía española actual. Desde luego esta que nos ocupa no podría ser más afortunada y más a propósito para una lección de la disciplina. Espejos que reflejan el alma pero también las dudas de los personajes, espejos en los que el espectador ve como se multiplican los puntos de vista, esos diversos ángulos tan necesarios para admirar y entender el planteamiento excepcional que de la obra de Shakespeare, de la versión de Zurro, el Teatro Clásico de Sevilla ha traído a Niebla. De la escenografía nos quedamos con todo. Con los espejos, con el suelo mil veces cubierto y descubierto, con la multiplicidad del color y de los movimientos, también con la oportunidad de facilitar tanta bambalina abierta en derredor. Magnífica.

Dignos de mención también el vestuario, los cambios de tiempos que reflejan lo universal de la tragedia del príncipe de Dinamarca, la atemporalidad, de la mano de los muy cuidados indumentos. Y la luz, soberbia sobre los actores, pero también efectiva y hermosa cuando juega en los espejos y también sobre un piso cubierto en cada momento del frío, de la sangre o de la tierra que al fin y al cabo ha de recogernos a todos”.

HUELVA INFORMACIÓN

VĂ­deo promocional: https://vimeo.com/134642540

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Dirección y dramaturgia: Alfonso Zurro Producción: Juan Motilla y Noelia Diez Diseño de escenografía y vestuario: Curt Allen Wilmer (AAPEE) Diseño de iluminación: Florencio Ortiz (AAI) Espacio sonoro: Jasio Velasco Lucha escénica: Juan Motilla Realización vestuario: Rosalía Lago Construcción escenografía: Mambo, TCS Ayudante de dirección y regiduría: Pepa Delgado Ayudante de vestuario: Eva Moreno Ayudantes de escenografía: Eva Moreno y Mar Aguilar Diseño gráfico: Manolo Cuervo Fotografía: Luis Castilla Maquillaje y peluquería: Manolo Cortés Equipo técnico: Antonio VIllar, Tito Tenorio, Enrique Galera Distribución y comunicación: Noelia Diez Pablo Gómez- Pando: Juan Motilla: Amparo Marín: Rebeca Torres: Antonio Campos: Manuel Monteagudo: Manuel Rodríguez: José Luis Bustillo: José Luis Verguizas:

HAMLET CLAUDIO GERTRUDIS OFELIA HORACIO POLONIO/ SEPULTURERO OSRIC/ SOMBRA REY/ CÓMICO ROSENCRANTZ/ MARCELO/ CÓMICO LAERTES/ GUILDENSTERN/ CÓMICO

Nuestro espectáculo “DON QUIJOTE EN LA PATERA”, está destinado a público de todas las edades (A partir de 5 años). Ésta ha sido una decisión muy meditada, y nos hemos enfrentado a este nuevo proyecto con mucha ilusión y ganas de llegar a este sector tan especial.

Anteriormente, habíamos experimentado con el público infantil y familiar gracias a nuestro espectáculo “Julia, un viaje teatrástico”. Ésta fue una gran experiencia, ya que nos permitió acercar las obras de un gran autor como Lope de Rueda a un público, que de otra manera, no las hubieran conocido. Además, fue galardonado con los premios a Mejor Espectáculo Infantil, y Mejor Música Original (Jasio Velasco).

En esta ocasión, proponemos un espectáculo inspirado en la gran obra DON QUIJOTE DE LA MANCHA de Miguel de Cervantes. Debemos considerar la novela de Cervantes como la más trascendente de la historia de la literatura. Ingenio y mito se funden en una obra que inaugura la producción novelesca en occidente tal y como conocemos a día de hoy. Nos gustaría que este espectáculo formase parte de una iniciación al teatro como arte y misterio, como representación, espejo de la realidad. Y es que hay una idea de esencialidad y pureza que sobrevuela a partir de las potencias de la imaginación.

De este espectáculo emergen mundos mágicos y personajes sorprendentes, pretendemos convencer así a la audiencia más joven, de los tesoros que los libros y las tablas esconden para los atrevidos. Esto esperamos conseguirlo gracias al maravilloso texto que ha escrito Alfonso Zurro, la cuidada dirección escénica de Antonio Campos, junto con la ingeniosa escenografía de Curt Allen Wilmer, una sugerente iluminación, proyecciones, música y coreografías en directo.

Pedagogía y atrevimiento. Divertimento y plasticidad. Y todo transitando por una concepción mágica y minimalista de la puesta en escena, de los personajes y de los objetos que nos acercan a la sensación de espacios abiertos. La planicie de la Mancha como punto de partida, convertida ahora en un desierto de agua, soledad y exilio. Mundo onírico pero real, en el sueño de nuestro héroe donde todo es posible. Sueño dentro del relato o relato dentro del sueño.

En definitiva, una comedia divertida y juguetona, con alta dosis de encuentros y aventuras mágicas, como si un nuevo Don Quijote contemporáneo estuviera enfrentando los desmanes de nuestros días.

LA CRÍTICA HA DICHO “Cuando aún siguen saboreando las mieles del éxito con sus tres últimas producciones (El Buscón, La Estrella de Sevilla y Hamlet), los responsables de la Compañia Teatro Clásico de Sevilla con Noelia Díez y Juan Motilla al frente, sigue dando nuevas alegrías a los espectadores, en esta ocasión a los más pequeños de la casa. Con Don Quijote en la patera, la Compañía afronta su segundo espectáculo infantil tras Julia. Un viaje teatrástico. Si en aquella ocasión Alfonso Zurro se sirvió de los Pasos de Lope de Rueda, ahora coge a dos de los personajes más importantes de la literatura universal para crear una obra que produce risas pero que contiene también unos cuantos mensajes para la reflexión.

Para esta nueva aventura teatral se ha contado con el habitual equipo de la Compañía: Curt Allen Wilmer es el encargado de la escenografía, Jasio Velasco hace lo propio con el espacio sonoro y Florencio Ortiz es el responsable de la iluminación. Por su parte el vestuario y el atrezzo es de Eva Moreno.

La obra la dirige Antonio Campos, solidísimo actor presente en los tres montajes mencionados anteriormente, y con una amplia trayectoria también en la dirección, con Pepa Delgado como ayudante de dirección, y está interpretada por Javier Berger, quien da vida al Caballero de la Triste Figura, Juanfra Juárez como su inseparable escudero Sancho Panza y Javier Centeno, quien interpreta a varios personajes.

Dramatúrgicamente Don Quijote en la patera tiene un atractivo punto de partida: La desubicación espacial y temporal de los dos personajes creados por Miguel de Cervantes. Don Quijote y Sancho Panza viven unas inesperadas aventuras en alta mar porque ellos no son conscientes de que están en pleno siglo XXI, sino que tienen la mente puesta en el lugar y tiempo en el que transcurrían sus vidas. A partir de aquí las risas de los niños son un sonido constante a lo largo de la representación debido a la interpretación que tan ilustres personajes hacen de modernidades actuales, que el propio Don Quijote interpreta a su manera. La interpretación de los tres actores está muy centrada en el público potencial de este espectáculo y ofrece los resultados esperados, con una parte física y gestual acentuada para incrementar la comicidad.

El montaje se beneficia de una escenografía multifuncional que representa, entre otras cosas, el mar, algo que se logra también a través de la iluminación junto con las proyecciones de Fernando Brea. Las aventuras se suceden, y las buenas acciones de Don Quijote demuestran su bondad, su ternura hacia los niños y su capacidad, con la ayuda de Sancho, de solucionar entuertos luchando contra malvados enemigos, una de sus máximas como caballero andante. Las risas enmudecen cuando Zurro toca muy sabia y sensiblemente el tema de la inmigración, dejando un poso para pensar en el drama de todas esas personas que emprenden arriesgados viajes de ida y que en muchas ocasiones son de vuelta hacia su país de origen o hacia ninguna parte. El conjunto hace a Don Quijote en la patera un espectáculo para toda la familia muy adecuado en estos tiempos que corren. Un servidor puede atestiguar todo lo dicho porque fue invitado a un preestreno de esta nueva producción y pudo comprobar la muy positiva reacción de niños y mayores”. Periódico XYZ. Alejandro Reche

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Javier Berger : Don Quijote de la Mancha Juanfra Juárez : Sancho Panza Javier Centeno: Relator, Salustiano, Mohamed, Sombra, Cabeza Parlante Dirección: Antonio Campos Texto: Alfonso Zurro Producción: Juan Motilla y Noelia Diez Diseño de escenografía: Curt Allen Wilmer (AAPEE) Diseño de iluminación: Florencio Ortiz (AAI) Diseño de vestuario y atrezzo: Eva Moreno Música: Jasio Velasco Ayudante de dirección: Pepa Delgado Ayudante de vestuario y atrezzo: Laura Membrives Proyecciones: Fernando Brea Coreografía y asesoría musical: Isa Ramírez Asesor de lucha: Juan Motilla Realización escenografía: Mambo, TCS Realización vestuario: Rosalía Lago Maquillaje y peluquería: Manolo Cortés Diseño gráfico: Manolo Cuervo Fotografía: Luis Castilla Vídeo: La Buena Estrella Audiovisuales Equipo técnico: Tito Tenorio y Fernando Brea Distribución y comunicación: Noelia Diez Vídeo promocional: https://vimeo.com/15658248

Teatro Clásico de Sevilla propone una serie de acciones escénicas nocturnas dentro de los Reales Alcázares de Sevilla con una doble finalidad: poner en valor el monumento artístico y a su vez, ilustrar y entretener a los visitantes mediante la escenificación de posibles historias entre diferentes personajes ilustres vinculados a este espacio a través de una experiencia única.

El objetivo último es crear una actividad que se pueda insertar en la agenda cultural de la ciudad, no sólo para visitantes, sino que los propios sevillanos lo consideren tan atractivo que se sumen a estas visitas, para disfrutar de una noche diferente y de unos Reales Alcázares distintos a los que hasta ahora habían podido gozar.

Este proyecto también nos parece muy interesante porque nos permite abordar diferentes situaciones que pudieron ocurrir en la vida cotidiana dentro de los Reales Alcázares. Son multitud de fascinantes historias las que allí se dieron, y ésta es una excelente ocasión para imaginarnos y formar parte de las tramas urdidas, lances y amoríos de unos complejos personajes que de una u otra manera forman parte de la leyenda de este enclave patrimonial y por tanto, de Sevilla.

Nuestro objetivo es conseguir que los espectadores se encuentren con una serie de acciones artísticas que les amplíen y les lleven más allá del mero recorrido del espacio arquitectónico. Buscando activar otras sensaciones y emociones aparte de las meramente contemplativas del Palacio. Para ello utilizamos el teatro (donde personajes propios o imaginarios toman cuerpo histórico), músicas antiguas, canciones, danza, iluminación específica...que hacen que nos traslademos por unos momentos a otros mundos en los que seremos cómplices y partícipes de los sentimientos e historias que allí se pudieron vivir.

Es un modo único y singular de contemplar este palacio imbuyéndose de la poesía, historias, olores y colores que emanan de los Reales Alcázares, dejándose llevar por la nostalgia de otras épocas.

Este es un proyecto que engloba todas las disciplinas artísticas, llevadas a cabo por profesionales de cada género.

FICHA ARTÍSTICA y TÉCNICA Producción: Juan Motilla y Noelia Diez Textos y dirección artística: Alfonso Zurro Diseño vestuario y atrezzo: Antonio Zannoni Diseño iluminación: Florencio Ortiz Moncho Sánchez Diezma/ Jose Chaves: Caballero del Siglo de Oro Nacho Bravo: Al- Mutamid Montse Rueda: Isabel la Católica Gina Escánez: Ana de Valdivia Carlos V: Jose Luis Bustillo Néstor Barea: Pedro I Mª José Castañeda: María de Padilla Isabel Lozano: Isabel II Leticia Gude/ Violeta Casal: Iyamina, Náyade Chiqui García/ Daniel Parejo: Músico Técnico: María Viñuela/ Manuel Jiménez

PARTICIPANTES EN LOS SIGUIENTES PROGRAMAS CULTURALES: DON JUAN TENORIO EN LA IGLESIA DE SAN LUIS DE LOS FRANCESES DE SEVILLA (2005-2009) (Producción propia) PARTICIPANTE EN EL PROGRAMA SEVILLA Y SUS MITOS (ICAS, Ayuntamiento de Sevilla) REALES ATARAZANAS DE SEVILLA 2006: (Producción propia) La vida es sueño REALES ATARAZANAS DE SEVILLA 2007: (Producción propia) La vida es sueño La dama duende CIRCUITO ANDALUZ DE TEATRO (Junta de Andalucía) Don Juan Tenorio La vida es sueño La Dama duende La Celestina Carmen El Buscón Julia, un viaje teatrástico La Estrella de Sevilla Hamlet Don Quijote en la Patera

I MUESTRA DE TEATRO ANDALUZ PUERTO DE SANTA MARÍA 2007 La dama duende ASÓMATE AL PATIO 2008 (Diputación de Sevilla) La dama duende I NOCHES DE VERANO EN EL PALACIO DE LA BUHAIRA DE SEVILLA (de junio a septiembre 2009) (Producción propia) La Celestina La dama duende La vida es sueño II NOCHES DE VERANO EN EL PALACIO DE LA BUHAIRA DE SEVILLA (de junio a septiembre 2010) (Producción propia) La vida es sueño La dama duende La Celestina FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE ALCÁNTARA 2010 (7 de septiembre de 2010) La Celestina PARTICIPANTE EN EL PROGRAMA “SEVILLA Y SUS MITOS “ 2010 (ICAS, AYUNTAMIENTO DE SEVILLA) Carmen FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE ALCÁNTARA 2011: Carmen SEMANA DEL TEATRO DE CARAVACA DE LA CRUZ 2011: Carmen

FERIA DE ARTES ESCÉNICAS DE CASTILLA Y LEÓN 2011: Carmen III NOCHES DE VERANO EN EL PALACIO DE LA BUHAIRA 2011: (producción propia) Carmen La dama duende FESTIVAL DE OTOÑO DE CARTAYA 2011 Don Juan Tenorio FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE CÁCERES 2012: El Buscón Julia. Un viaje teatrástico CLÁSICOS EN ALCALÁ 2012 El Buscón FERIA DE TEATRO PALMA DEL RÍO 2012 El Buscón NOCHES DE FONSECA 2012 (SALAMANCA) El Buscón FESTIVAL DE NIEBLA 2012 El Buscón FESTIVAL DE TORRALBA 2012 Carmen

FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CLÁSICO DE ALMAGRO 2012 Julia, un viaje teatrástico El Buscón IV NOCHES EN EL PALACIO DE LA BUHAIRA (producción propia) Carmen VISITAS NOCTURNAS TEATRALIZADAS EN EL REAL ALCÁZAR DE SEVILLA (DESDE FEBRERO DE 2013) COLABORACIÓN CON LA UNIR EN LAS PRODUCCIONES AUDIOVISUALES “THOMAS LIVE” Y “CATALINA Y HENRY” FESTIVAL DE NIEBLA 2013 La Estrella de Sevilla FESTIVAL DE COMEDIAS DEL PUERTO DE SANTA MARÍA 2013 El Buscón FESTIVAL OLMEDO CLÁSICO 2013 Julia, un viaje teatrástico FESTIVAL DE COMEDIAS DEL PUERTO DE SANTA MARÍA 2013 El Buscón FESTIVAL INTERNACIONAL DE TORRALBA 2013: La Estrella de Sevilla FERIA DE TEATRO DE CASTILLA Y LEÓN 2013 Julia, un viaje teatrástico

JORNADAS SIGLO DE ORO DE ALMERÍA 2014 La Estrella de Sevilla FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE CHINCHILLA 2014 Julia, un viaje teatrástico

FESTIVAL LUNA NUEVA MOGUER 2014 La Estrella de Sevilla FESTIVAL DE OLMEDO 2014 La Estrella de Sevilla FESTIVAL ALCÁNTARA 2014 La Estrella de Sevilla FERIA CASTILLA Y LEÓN 2014 La Estrella de Sevilla FESTIVAL DE GETAFE 2014 La Estrella de Sevilla FERIA DE PALMA DEL RÍO La Estrella de Sevilla NOCHES DE SEVILLA El Buscón en Santa Clara La Estrella de Sevilla en la Torre de Don Fadrique NOCHES DEL MAR EN PUNTA UMBRÍA La Estrella de Sevilla, El Buscón y Julia, un viaje teatrástico

CONCIERTOS DE NOCHES DE LA BUHAIRA Producción técnica TEMPORADA FERNÁN GOMEZ DE MADRID: El Buscón del 3 de marzo al 5 de abril de 2015 La Estrella de Sevilla del 6 al 25 de octubre Hamlet del 6 de abril al 1 de mayo FESTIVAL DE LAS ARTES DE CASTILLA LEÓN 2015 El Buscón FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CLÁSICO DE ALMAGRO 2015 Hamlet FESTIVAL DE NIEBLA 2015 Hamlet FESTIVAL TEATRO CLÁSICO DISTRITO TETUÁN 2015 La Estrella de Sevilla FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DE TÁNGER La Estrella de Sevilla MOSTRA TEATRO CLÁSICO DE LUGO Hamlet JORNADAS SIGLO DE ORO DE ALMERÍA Hamlet Don Quijote en la patera

FESTIVAL DE TEATRO DE EL EJIDO Hamlet FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE CHINCHILLA Hamlet FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE PEÑÍSCOLA Hamlet

Teatro Clásico de Sevilla S.C.A C/Marqués del Nervión 45, 3ºB. 41005. Sevilla teatroclasicodesevilla@gmail.com distribucion@clasicodesevilla.com www.clasicodesevilla.com 954 257 427 CIF: F91513705