Fabenport #1 by Roberto Bautista

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FAbenport 10 Intense Proximity: 10 La Trienal de París 12 2012: Gabriel Kuri en kurimanzutto 16 Vox Populi 16 David Miranda 20 Lo más destacado de Object Rotterdam 21 T-Stool 22 Monster TrucK!!! 24 Extravagante y ecléctico: 24 Groninger Museum en Holanda 26 Xico 26 el personaje de Cristina Pineda en 26 Casa Palacio 28 de Frieze 32 Nick Wooster: 32 cazador de talentos 37 Urbanauts: 37 experimentar Viena como local 39 Demetria 39 hotel boutique en Guadalajara 42 Tubohotel 44 La nueva Perestroika: Skolkovo 47 RGB Wallpapers 50 Maarten Baas 51 Diseño en balance: 51 Inga Sempé en Estocolmo 56 Un elogio del dibujo: 56 Ronan & Erwan Bouroullec en el Vitra Design Museum 58 Destination: Mexico. 60 Top 5: 60 Red Dot Design Award 63 Fábrica mexicana, en el MAM 64 O’clock. time design, design time

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Directorio Director General / Editor en Jefe José Roberto Bautista Altamirano

Editora Heidi América Sánchez Calderón

Editor Grafico Anaid Galicia García

Diseñador Grafico Angel Galicia Guel

Directora Comercial Ana Luisa Becerril Martínez

Redacción Luis Roberto Galvan Guerra

Fabenport 1 Abril- Mayo 2012

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es una publicación semestral esitada y distribuida por Ecole Cua S.A. de C.V. Reserva de derechos de uso exclusivo de titulo No. 1123581321345589144 Luptat quidisquo doloruptatem quas quiat quatectibero omnisquati nis restrum re quiatquatur seque pelendanda nonsequi temoluptatem et eos rendeli quidit magnis doluptatinit volo consendis aliquam quo int fugit odit as at eos venit, in con estrum aut plab int.Otassum eum quat as aut alibus.Officia dolores quistio nsequassum quamQuid catus eti ia et iliussi in te ti si con tum oculinu vo, nossupi ortem, parem eterum tera atebem ete resus in ta, quo hiciem macestredo, primum ad iaet ocurem tus, qui pore omporatum in Itare, deo trae publict uiditertus, denat, Catatrebat.

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Intense Proximity: La Trienal de París por Ximena Flores

El arte tiene la capacidad de reducir las distancias y crear conexiones entre lo uno y lo otro. Este año, la Trienal de París explora el diálogo establecido entre el arte y la etnografía, recordando el trabajo de Claude Lévi-Strauss, Marcel Mauss, Michel Leiris y Marcel Griaule. Es sabido que la vida cultural de París aporta muchas de sus energías al arte decimonónico y moderno, dejando de lado la escena contemporánea. Sin embargo, y desde el 2009, el Ministerio de Cultura Francesa promovió el proyecto de una muestra nacional de arte contemporáneo producido en el país. Aquel año, la Trienal corrió a cargo de Nicholas Bourriad, teórico del arte. Desde la primera semana, la exhibición se consolidó en el ámbito internacional, colocando a París de nuevo en el mapa. Este año, la Trienal abrirá sus puertas en el Palacio de Tokio, del 20 de abril al 26 de agosto en siete sedes alternas, entre las que destacan el Museo del Louvre, el Grand Palais y los Laboratorios de Aubervilliers. Con la Trienal se re-inaugura el Palacio de Tokio, edificio creado en 1937 en el marco de la Exposición Universal. En la década de 1990, la institución se denominó como “antimuseo” y albergó múltiples exposiciones de arte contemporáneo. En 2011 cerró sus puertas para ser restaurado y ampliado por los arquitectos Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal. El proyecto arquitectónico tuvo como principal objetivo el cambio constante. De ahí que el espacio parezca inconcluso, cualidad que hace posible la flexibilidad en las exposiciones, así como su incesante re-interpretación. Para esta edición, el director artístico Okwui Enwezor enfocó el proyecto a la reflexión en torno a los artistas inmersos en la problemática de la globalización, a partir de las conexiones entre la creación artística y las investigaciones teóricas, específicamente las etnográficas. “La idea del proyecto parte de un espacio nacional constituido por una posición psicológica que constantemente se dirige a un espacio fronterizo, asumiendo nuevas formas y modelos de categorización (local, nacional, transnacional, geo-político, etcétera). El arte contemporáneo se convierte en un fenómeno global, que fomenta una red de relaciones que superan distancias”, sostiene Enwezor.

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Terry Adkins, Ululuk, 2011.

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2012: Gabriel Kuri en kurimanzutto por Ximena Apisdorf

Gabriel Kuri La obra de Gabriel Kuri (México, 1970) se enfoca en el consumo del arte contemporáneo y la circulación del dinero, la información y la energía, tanto a nivel global como en el día a día. Descrito como un “contador único” o un “activista poético”, Kuri explora preguntas sobre el orden social actual a través de una práctica escultórica basada en objetos encontrados, artefactos y ensamblajes.

Después de cinco años de no exponer en México, lo hace en forma de una oficina burocrática, en la que sobre largas mesas y archiveros son presentadas pequeñas esculturas que hacen referencia al tránsito desde lo escultórico al espacio inaccesible —producto del encubrimiento de la información— o a los intersticios generados entre diferentes espacios. Hay una relación directa entre los materiales duros y los suaves; Kuri refleja su potencial a través de lo abstracto, lo simbólico y lo utilitario. Gabriel Kuri ha explorado las posibilidades de la obra escultórica con un dejo de sarcasmo al trabajar con materiales inesperados en presentaciones igualmente excepcionales. Egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, también estudió en Goldsmiths University en Londres. Fue parte del taller de

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los viernes de Gabriel Orozco, enfocado en la creación a partir de objetos tradicionalmente ignorados en la vida cotidiana. En esta muestra, la escala humana y la interacción entre las piezas y el espectador es importante, ya que abre la posibilidad de hacer cuestionamientos y negociaciones entre el espectador y la obra, entre la vida y el tiempo de trabajo. A través de actividades propias de la administración —como ordenar, apilar, insertar, doblar, amontonar, encubrir y señalar—, la atmósfera burocrática invade a la galería, pero al mismo tiempo a la práctica artística al ser recurrentes en la producción de Kuri: “Me gusta coleccionar especificidad; aunque espero que no se me perciba como un acumulador obsesivo o indistinto porque, al contrario, lo que me gusta es señalar lo específico,

no lo acumulado. Eso tiene que ver con los fragmentos, con la posibilidad de aislar una palabra, un gesto”. La pieza más llamativa de esta muestra es un gran lienzo con un impreso que sólo puede ser visto a través de la tela al final del espacio. Es una representación iconográfica de la práctica burocrática como problema epistemológico: debido a un pliegue interno y a una colocación precisa, es casi imposible leer lo que dice. La exposición es un equilibrio entre la práctica conceptual y el mundo concreto, entre lo cotidiano y lo efímero; es, a final de cuentas, como la mayor parte de la producción artística de Kuri, un detalle paródico y satírico de las tendencias homogenizadoras de la cultura.

Entre sus proyectos más importantes se encuentran su presentación en la exposición UN-Monumental en el New Museum en 2007, la participación como artista invitado a realizar intervenciones especiales en las ferias de Frieze en 2010, en el Armory Show en 2011 y su participación en la Bienal de Venecia, ILLUMINations; así como su primera exposición individual Nobody Needs to Know the Price of Your Saab en Estados Unidos en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston.

Imágenes: Cortesía del artista y de la galería Kurimanzutto.

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México-Gran Bretaña:

un encuentro de artistas latinoamericanos El problema de entender quiénes somos

Ya sea de forma personal, comunitaria, nacional o continental— sigue vigente. Quizá cuestionarnos sea lo más importante, pues a partir de la pregunta se diseminan las respuestas, las opciones y las posibilidades. El arte no es inmune a esta inquietud; más bien, la alberga en su seno, ya que en conformar mundo se juega gran parte de su naturaleza. En el ámbito intelectual posmoderno, la nación ya no es el epítome de la identidad. Gracias al místico mundo del internet, estamos más allá de nuestras fronteras. Por esta razón, el desplazamiento se vuelve una consigna necesaria para trazar coordenadas que permitan comunicarnos y expresar quiénes somos, dónde estamos, qué padecemos y cómo lo resolvemos. La Tate Modern tomó el timón como institución del mundo del arte y propuso a Iria Candela, su curadora asistente, organizar y cohesionar piezas de diferentes artistas latinoamericanos para mostrarlos en la galería Level 2, la cual se encarga de exponer obra de artistas de otras latitudes tanto en Inglaterra como en su lugar de origen.

David Zink Yi, Untitled (Architeuthis), 2010.

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Teresa Margolles, Muro baleado (Shot Wall), 2009.

“

la presencia de una sola persona no está permitida

Entre los artistas y las piezas escogidas se encuentra Teresa Margolles (México, 1963), quien muestra Score Settling (2008), un conjunto de joyas cuyas piedras preciosas han sido sustituidas por cristales obtenidos de balaceras en la frontera norte mexicana. La otra obra expuesta es Flag I (2009) que, como su nombre lo indica, es una bandera, con la peculiaridad de estar impregnada de sangre obtenida de enfrentamientos fronterizos. Ambas piezas son metonimias de lugares de choque entre carteles de la droga y el gobierno mexicano. Ante la costumbre de ver cuerpos transgredidos, la artista opta por generar objetos que evoquen esos cuerpos que habitaron espacios en donde el conflicto sigue presente. David Zink Yi (Perú, 1973) presenta Untitled (Architeuthis) (2010) en la cual el visitante encuentra el cuerpo pálido, viscoso y desinflado de un calamar de arcilla con una longitud de 5m sobre una mancha de tinta negra en el piso de la galería. Los Architeuthis son calamares gigantes que se ven pocas veces, generalmente se encuentran varados en las playas, lo cual genera una metáfora de la imposibilidad de comunicarse y ayudar al otro. Huayno and Fugue Behind (2005) es un video grabado en el Mercado de Huancayo en Perú que muestra a un hombre tocando el arpa, mientras al fondo un grupo

de indígenas lo observa. Así, se formula una triangulación donde el espectador mira a otro espectador que igualmente mira y escucha una pieza musical. Colectivo Tercerunquinto (México) presenta fotografías de Escultura pública en la periferia urbana de Monterrey (2003-2006). La pieza consistió en la construcción de una plataforma de concreto de 50 m2 que fue habitada por la comunidad para reuniones religiosas, políticas y festivas. Durante tres años se documentó cómo la plataforma se iba convirtiendo en un espacio de convivencia. Esta escultura pública permite que a partir de la intervención artística se genere un lugar que forja identidades. Cinthia Marcelle expone Leitmotiv (2011), un video conceptual que muestra el esfuerzo colectivo de un grupo de individuos que barren el agua para impedir a la marea desaparecer. Lo absurdo de la situación y la contemplación generada invitan a pensar en el significado de nuestras acciones cotidianas.

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David Miranda por Mabel Téllez

Vox Populi

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Dentro de los programas que ofrece Casa Vecina, se encuentra Estudio Extendido, proyecto que genera espacios de investigación y experimentación, así como brindar la infraestructura necesaria y el financiamiento para los artistas invitados a participar. En esta ocasión, presenta Vox Populi, de David Miranda, proyecto de arte multidisciplinario que promueve la creación artística, teórica y literaria como una acción colectiva que entrelaza diversas expresiones humanas. La obra consta de varias etapas: Miranda preguntó a los habitantes y transeúntes del Centro Histórico: si pudieras enviarle un mensaje al mundo, cuál sería? Todas las respuestas fueron registradas

en video y 20 colaboradores reinterpretaron las frases que desembocaron en diversos procesos creativos: sociólogos, antropólogos e historiadores escribieron textos; jóvenes poetas escribieron composiciones literarias, y artistas visuales hicieron obras ex profeso. Cada etapa del proceso fue documentada y será presentada a manera de lecturas, mesas redondas o propuestas de montaje. El proyecto alude al poder que encierra el encuentro entre la obra de arte y el espectador, una interacción donde se conjugan distintas prácticas para formar un lenguaje común. La presentación final del proyecto será el miércoles 3 de agosto a las 19:30 h.

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Object

Rotterdam Durante la segunda semana de febrero se llevó a cabo la feria de diseño contemporáneo Object Rotterdam 2012, en la que se presentaron los avances del diseño holandés e internacional. Esta edición contó con un formato renovado a cargo de su directora, Anne van der Zwaag, en el que la innovación jugó uno de los papeles principales. Una de las peculiaridades de Object Rotterdam es que incluye no sólo a galerías, sino a diseñadores y academias en su comité de recomendación. Otro punto a destacar es su enfoque en la interacción entre el la artesanía, la moda, la arquitectura, el arte y el diseño de vanguardia.Te presentamos una selección de objetos exhibidos en la feria que innovan en su forma, en su función y en su proceso de manufactura:

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Light forest Ontwerpduo, un estudio de diseño conformado por Nathan Wierink y Tineke Beunders, realizó este proyecto bajo la premisa de “posibilidades ilimitadas”. Light forest es un sistema de iluminación de techo y pared que, literalmente, forma un bosque de luz. El diseño busca innovar en la experiencia de uso al permitir que el usuario interactúe con el espacio iluminado de forma poética y dinámica.

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Lo más destacado de Object Rotterdam por Victor Méndez

Muller Van Severen Furniture Collection Fien Muller y Hannes Van Severen se unieron para crear una colección de muebles que recuerdan a la Bauhaus. Mesas, sillas, accesorios y estanterías muestran un diseño puro, pensado para solucionar una necesidad específica. A pesar de prescindir de los recursos tecnológicos actuales, la colección ofrece una propuesta multifuncional. El uso de materiales básicos y una amplia gama de colores da a estos muebles una apariencia fresca y única.

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Jug + Cup La galería Particles presenta un diseño que innova en forma y concepto: Jug + Cup, un juego de jarra y taza fabricado en porcelana en cinco colores diferentes. Realizado por Aldo Bakker, el diseño muestra la transición entre lo funcional y lo decorativo. Su forma orgánica y su gran colorido hacen que esta pieza luzca elegante y cautivadora. Cuando la jarra esta llena, ésta se balancea sobre la mesa, lista para verter el liquido que contiene; cuando está vacía, cubre la taza, sirviéndole como refugio.

T-Stool Presentado por la galería Sunday Morning @EKWC (European Ceramic Work Center), este taburete refleja un interesante proceso de fabricación con cerámica en el que participaron diseñadores, artistas y arquitectos. Diseñado por Katrin MüllerRusso en colaboración con Rhett Russo, el taburete está construido mediante pliegues hechos con dispositivos digitales. Pese a que el proceso de fabricación es industrial, incluye variables que hacen que cada pieza sea única, de modo que el mueble conjuga diseño y artesanía.

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Monster TrucK!!! por Viviana Kuri

¿Cómo surge el personaje católico, caótico y rockero de Patrick Mallow? ¿Son verdad los rumores de su muerte? PM surgió como vehículo para evidenciar ciertos estereotipos y clichés del arte contemporáneo y del mercado que lo consume. Esta simulación necesitaba un artista plástico con un ego enorme, estúpido e inmediato. ¿Qué hay del personaje de Monster TrucK!!!? Es una declaración de principios, algo así como un manifiesto. Los monster trucks están creados ex profeso para destruir y ser destruidos en un espectáculo. Destrucción lúdica, estúpida y gratuita. Creo que mi quehacer artístico es precisamente el de inmolarse destruyendo, creando un espectáculo con esto. ¿En qué se inspira tu trabajo? En los estereotipos y clichés del arte y los medios masivos de comunicación, en mi vida cotidiana, la música y mis recuerdos. Monster TrucK!!! a.k.a. Patrick Mallow a.k.a. Javier Pulido Gándara (México, D.F., 1980) (Mallow, Cork, República de Irlanda, 1974), vive y trabaja en Guadalajara, Ciudad de México, Nashville, Tennessee, Londres y Dublín. Mediante proyectos extensos y complejos, su obra consiste en mentir y denotar la mentira en la sociedad de consumo, los medios masivos y el mercado del arte a través de la radicalización de sus estereotipos y clichés. Formalmente, su obra es un show mágico-cómico-musical que se vale de performance, pintura o video e instalación-ambiente. Su trabajo ha sido expuesto en Europa, México y Estados Unidos, en espacios como la Central de Abastos, Museo de Arte Carrillo Gil y Ex-Teresa Arte Actual en México, Saatchi Gallery de Londres y, en Guada-

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lajara, en la Galería Arena México Arte Contemporáneo, uno de los pocos espacios que en la actualidad apuestan por propuestas originales y arriesgadas. Sobre Patrick Mallow se dice que es un irlandés católico y caótico, rockero y metalero. Es protagonista, exhibicionista, grandilocuente, escandaloso y artificial, como todo buen rockstar. Su pasado es incierto y su presente borroso, intermitente. Es, sobre todo, un pintor virtuoso, detallista, que conjuga en su obra la iconografía religiosa con la rockera: sus dos grandes obsesiones. El quehacer artístico de Monster Truck!!! es reciente, su primer y único proyecto hasta ahora es EAT DIVINESS, integrado a su vez por muchos proyectos que van desde hacer carnitas y corrales de cerdos, hasta pasarelas de alta moda.

¿Qué música escuchas cuando trabajas? La música es básica en mi trabajo; todos mis proyectos tienen que ver directamente con la música. Disfruto desde Sonido La Changa y Chico Ché hasta Klaus Nomi. Me gusta mucho el heavy metal, High Energy, rock clásico y cumbia. Escucho muy frecuentemente a Roy Orbison, Black Sabbath, David Bowie y la Sonora Dinamita. ¿ Por qué decidiste dedicarte al arte? En realidad nunca lo decidí. Es algo que ha sucedido en mi vida desde que tengo memoria. Desde muy chico ya tenía una habilidad especial para dibujar y era muy fantasioso. A los tres años ya lo hacía con soltura.

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Extravagante y ecléctico: Groninger Museum en Holanda por Daniel Herranz

Foto de Peter Tahl. Cortesía del Museo Groninger

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Groninger, además de ser el nombre de una ciudad al norte de Holanda, es uno de los mejores museos de arte moderno y contemporáneo de ese país. Fundado en 1894, el lugar fue renovado 100 años después por Alessandro Mendini. Ahora su estructura está conformada por un edificio cilíndrico de plata diseñado por Philippe Starck, un espacio deconstructivista color azul creado por el colectivo austriaco Coop Himmelb(l)au y una torre amarilla de Mendini. La extravagancia del edificio no termina en el exterior. El museo resguarda en sus salas piezas de arte que datan desde el siglo xvii hasta el xxi. El espacio fue reabierto al público tras una interesante intervención a finales de 2010. Jaime Hayón, Maarten Baas y Studio Job fueron invitados a redecorar tres áreas disintas en el interior. El encargado de modificar el centro de información fue Jaime Hayón. La nueva sala está iluminada por lámparas de su colección Copacabana; las mesas en curva se extienden y alzan como olas para darle cabida a las computadoras. Un pequeño teatro donde se proyectan películas y documentales sobre las exposiciones completa la habitación.

Foto de Ralph Richter. Cortesía del Museo Groninger

Maarten Baas amuebló el restaurante Mendini con piezas de su serie Clay. Los muebles son artesanales y están hechos en metal recubierto por arcilla industrial. El lobby de entrada fue rediseñado por Studio Job. Los miembros de esta firma holandesa se inspiraron en los típicos clubes privados para caballeros del siglo xix. Buscaron recrear la atmósfera de entonces, cuando los hombres se juntaban a fumar y usaban sombrero de copa. La desconcertante selección de piezas escultóricas y motivos decorativos dio como resultado una atmósfera surrealista. Lámparas de araña, vitrales emplomados y sillas palaciegas reciben ahora al visitante de este museo.

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Xico el personaje de Cristina Pineda en Casa Palacio

La diseñadora Cristina Pineda creó en 2008 a Xico, un personaje inspirado en el perro Xoloitzcuintle que, de acuerdo a la tradición mexica, era el encargado de guiar a las almas al momento de morir. El nombre de la mascota también alude a México, de donde obtiene los vocablos xi (fuego) y co (corazón).

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Con el objetivo de que Xico integrara tradición y contemporaneidad, fue concebido como un art toy que ha sido intervenido por la española Agatha Ruiz de la Prada, los artesanos Leticia Gutiérrez y Juventino Díaz, el postgrafitero Saner y Cristina Pineda. Recientemente se presentó en Casa Palacio una colección de figuras de Xico intervenidas por ilustradores mexicanos, curada por Vinyles Chiles, un grupo de promotores del art toy. A través de estas identidades diversas, Xico ofrece un recorrido por la cultura mexicana que va desde el ámbito artesanal hasta el street art. Xico ha funcionado también como promotor cultural en distintos lugares del mundo. Además de las esculturas que están ubicadas en distintas

plazas públicas del país, figuras de Xico de más de dos metros de alto han sido donadas a La Habana, Santiago de Chile, Bruselas y a la escuela de música Juilliard de Nueva York. En 2010, recibía a los visitantes del Pabellón de México en la Exposición Universal de Shangai y narraba la historia del país desde la época prehispánica hasta la contemporánea. El personaje también se ha incluido en un cuento en el que baja al inframundo con el Hijo del Santo, en cuadernos, mochilas, joyería y próximamente en estampados de Pineda Covalín. Puedes encontrar figuras de Xico en Casa Palacio. www.casapalacio.com.mx

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El pabellón

de Frieze

por Elizabeth G. Frías

Conocido por la flexibilidad de su trabajo y el rigor estético e intelectual con el que lleva a cabo sus proyectos, SO–IL es uno de los estudios de diseño y arquitectura más prometedores del momento.El nombre del despacho —creado en 2008— es una acotación de Solid Objectives e Idenburg Liu, los apellidos de sus fundadores. Antes de iniciar su propia firma, Idenburg trabajó durante ocho años con los ganadores del premio Pritzker Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa, de SANAA, y estuvo a cargo de la construcción del New Museum en Nueva York. Ha sido catedrático en Harvard, Columbia y Princeton.

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Recientemente, SO–IL fue seleccionado para diseñar el pabellón de Frieze en la primera edición de esta feria en Nueva York en el mes de mayo. Uno de los factores que ha colocado a la versión londinense de Frieze como una de las ferias con mayor renombre es que el diseño del espacio suele encargarse a reconocidas firmas de arquitectos. Fabenport

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La estructura diseñada por SO–IL, en forma de serpiente, estará ubicada en la isla Randall, a orillas del East River. “El primer reto fue hacer que la estructura fuera un icono, que fuera más que una carpa grande. Con la ambición de relajar y abrir lo que de otro modo sería un sistema riguroso, pensamos en una carpa en forma triangular ligeramente modificada e insertamos cuñas en cinco puntos. Desde el exterior, las cuñas permiten plegar la carpa, que de otro modo sería recta, para crear una forma serpenteante y flexible”, dicen los arquitectos. Con su diseño, Idenburg y Liu buscaron transformar la experiencia de la feria y no únicamente crear una forma visualmente atractiva. El perímetro de la carpa deja pasar la luz natural y ofrece una vista del río sin afectar la luz difusa de las galerías interiores. En los extremos del pabellón, la tela de la carpa se divide en tiras delgadas que se clavan en el suelo más adelante, formando un juego de luces y sombras que delimitan el patio frontal.

Otros proyectos de SO–IL incluyen el pabellón del festival Flockr en Beijing, una construcción temporal en forma de cúpula cubierta de paneles que reflejan el entorno urbano y se agitan con el viento; los displays para piezas de porcelana de la marca alemana Meissen —conocida como “high-class kitsch”, fabricados en acrílico de formas geométricas que resaltan las cualidades técnicas y artísticas de las esculturas y les dan un aspecto contemporáneo; y Pole Dance, una instalación en el patio del PS1 en Nueva York, con la que ganaron la convocatoria Young Architecture Program que realiza este recinto. Esta última instalación es una red de postes flexibles unidos por una malla elástica en la que rebotan pelotas de colores brillantes. El sitio hace referencia a un sistema interconectado cuyo equilibrio es afectado por la acción humana y por el ambiente a través de una serie de detonadores, como hamacas o recipientes para la lluvia. Los visitantes pueden interactuar con él, probar sus límites o contemplar su movimiento. Entre los premios que ha recibido el estudio destacan el MoMA PS1 Young Architects Program y el AIA Young Practices Award. Su trabajo ha sido exhibido en el Guggenheim, el MoMA, Studio-X en Beijing y Kunsthal KAdE en los Países Bajos.

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Nick Wooster:

cazador de talentos

Tras finalizar la segunda edición de PROJECT Wooster — un espectáculo comercial sin precedentes en donde se exponen las mejores marcas masculinas, seleccionadas por su alto nivel propositivo y conceptual— su co-fundador e ícono en el ámbito del menswear, Nick Wooster, compartió de manera exclusiva con Código su opinión sobre la escena actual de la moda, la industria, sus afinidades y lo que espera descubrir como cazador de tendencias y líder de opinión. Nick Wooster es un consultor de moda masculina asentando en Manhattan. Originario de una pequeña provincia en Kansas, la pasión por la moda y el estilo masculino siempre fueron afinidades latentes. Décadas ejerciendo en el ámbito como coordinador y espectador le otorgaron un refinado sentido crítico y aguda visión, virtudes ideales para perfeccionar su trabajo como consultor. En 2001 fundó Wooster Consultancy, organización dedicada a encaminar a firmas consagradas durante sus procesos creativos y sistemas de comercialización. Entre sus clientes destacan Thom Browne, MAC Cosmetics, Calvin Klein y Ralph Lauren. La imagen de Nick es un referente inmediato de sofisticación presente en las principales plataformas digitales enfocadas a la moda y tendencias. Actualmente es el director de las áreas masculinas en Neiman Marcus y Bergdorf Goodman, tiendas departamentales de élite.

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Con una gran trayectoria y experiencia en el nicho de la moda masculina, en donde has sido testigo de múltiples propuestas —tanto de marcas consagradas como de diseñadores emergentes— ¿qué te sigue sorprendiendo de un concepto? Lo impredecible. Por lo general es algo emocional o que evoca algún sentimiento en mi. Esa sorpresa llega cuando una colección o marca presentan algo verdaderamente fresco e innovador. Es ese elemento o detalle inesperado que busco y deseo recibir. Es muy difícil cautivarse ahora, pero cuando pasa es gratificante y admirable. Como consultor, ¿en qué criterios te basas para determinar si una prenda o artículo determinado tendrá el impacto y éxito esperado? Todo gira alrededor de los detalles; cuando un diseñador ha creado algo hermoso en una manera nunca antes vista. Nuevamente, la sorpresa es un elemento muy importante, pues ya se ha hecho todo: encuentras el mismo artículo o concepto en múltiples contextos y en rangos variables de precio. Creo que cuando se implementan .

Tu estilo es único. ¿Cómo logras en tus atuendos esa fusión tan natural entre streetwear y alta moda? No lo sé. Creo que la clave es alcanzar un balance adecuado entre los estilos mencionados. No comprometerse con ninguno y adoptar lo mejor de ambos nichos: de la moda urbana y algo salido directamente de la pasarela para encontrar un equilibrio entre elementos diferentes y que por su naturaleza no vayan juntos, combinarlos y hacer que funcionen bien como un conjunto. ¿Crees que la crisis económica ha comprometido los procesos creativos y de producción en las firmas? Es decir: optan por materiales y conceptos convencionales, sin correr riesgos, conservando el consumismo… Sí. El daño a la industria es evidente pero también considero que la crisis ha llevado a los diseñadores y firmas a ser más creativos; probablemente tienen que hacer “más con menos”: menos dinero, menos recursos y menos prendas, pero conservar la esencia y mantener el nivel y posicionamiento. Las difíciles circunstancias los han obligado a buscar nuevos procesos e innovar, y a fin de cuentas puede que esta búsqueda de mecanismos preventivos sea el único lado positivo de la lamentable situación actual. La moda es un ciclo en constante cambio y transición, ¿qué opinas de la trayectoria y evolución del menswear en las últimas décadas? ¡Creo que es sorprendente! Ha sufrido una transformación radical principalmente gracias a la rápida propagación de eventualidades y tendencias que ofrecen las plataformas digitales como blogs y redes sociales. La moda masculina ya no es una extensión de la femenina; lo veo simplemente en las parejas con las que convivo y trabajo: el novio o el esposo presta la misma atención a la moda que su compañera. El hombre moderno y citadino está honestamente interesado en la moda, y esto ha sido muy benéfico para el nicho y la industria. Para ti, ¿qué elementos debe incluir un conjunto masculino perfecto? Un gran reloj y zapatos increíbles son el primer paso y la dirección correcta para lograr un atuendo sobresaliente. ¿Qué prendas son un básico indispensable en tu guardarropa? Jeans de mezclilla oscura, una playera blanca, chinos, un saco navy a la medida... Cosas blancas y azules principalmente. Fabenport

Como ícono en miles de medios digitales enfocados a la moda ¿sientes alguna responsabilidad cada vez que un look tuyo aparece en un blog o red social? De una u otra manera influyes e impactas a millones de espectadores, sedientos de referencias y en busca de tendencias… ¡Sólo si luzco mal en la foto! (risas). Ese es mi mayor temor. No, en verdad estoy muy halagado de que las personas presten interés y obviamente es muy gratificante que se reconozca de tal manera el gusto personal. Inevitablemente es una presión y sé que cometeré errores en algún momento sobre mis decisiones respecto a la selección de atuendos, pero no puedo hacer nada más que vivir con las consecuencias.

¿Por qué la notoria afinidad hacia los estampados militares? ¡Amo el camuflaje! Es un tramado muy interesante pese a las connotaciones violentas o bélicas —dos cosas que no me interesan en lo absoluto—, pero sí me interesa el efecto visual que logra. Es muy cool. Considero que todos los estampados son un reflejo de gusto propio: desde una pared con detalles geométricos hasta un tapiz conformado por elementos orgánicos, la selección y uso de estos visuales son una expresión meramente personal. Para mí el camuflaje es realmente versátil y aplicarlo es todo un reto. Te transporta y crea una atmósfera que otros diseños no logran. Aunque otros pueden pensar que un saco no puede llevar una tela con estampado militar, yo difiero, ya que ahora es un constante en muchas colecciones y líneas.

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Hablemos de PROJECT Wooster: ¿cómo nace esta idea? Fue Andrew Pollard quien me invitó a colaborar con él el pasado mes de agosto. La idea era juntar a un grupo de diseñadores y marcas que normalmente no interactúan entre sí y mostrarlas en un espectáculo comercial. Como consultor, entendí la finalidad y el lenguaje necesario para traducir y materializar esta idea en, básicamente, una tienda sin precedentes. Es así como nació este proyecto. La principal finalidad es introducir diferentes firmas y talentos ante compradores y el público interesado en la moda. Me gustan las cosas que necesariamente no van juntas, pero cuando se unen resulta algo fascinante. Cuando todo se concretó sin duda el mejor lugar para iniciar con PROJECT era en Japón, específicamente Tokio, gracias a su gran riqueza cultural y sociedad vanguardista.

¿Por qué la obra de diseñadores japoneses como principal fuente de trabajo e inspiración? La peculiaridad de la visión oriental me intriga. Quería traer propuestas a PROJECT que normalmente no son expuestas como deberían. La escena fashionista en urbes como Italia, París y Londres comparten muchas similitudes —apreciables desde el contenido en revistas hasta la selección de prendas disponibles en boutiques—; pero Tokio sigue siendo aún un terreno inhóspito e indescifrable que tiene mucho para dar. PROJECT brinda la oportunidad perfecta para poner en los reflectores talentos que normalmente podrían pasar desapercibidos y no deberían.

PROJECT Wooster es un gran colectivo propositivo y aspiracional. ¿Cuáles son tus expectativas y reacción en cada edición? Mi principal temor es no cumplir con los altos estándares que yo mismo me impongo. Personalmente quiero que sea trascendente. Tuve la fortuna de trabajar con gente muy talentosa y dedicada. Edición tras edición me sigue sorprendiendo lo bien aceptada que es esta iniciativa. Desde los que producen el espacio hasta los que manejan la ropa, PROJECT .

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rbanauts es un nuevo modelo de alojamiento propuesto en Viena. Consiste en transformar locales comerciales desocupados en lofts esparcidos por las calles cĂŠntricas de la ciudad, en donde se concentra la actividad diaria. La iniciativa es de los arquitectos Theresia Kohlmayr, Jonathan Lutter y Christian Knapp, quienes pretenden revitalizar los espacios de negocios en desuso convirtiĂŠndolos en habitaciones de hotel.

Urban

experimen 38

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nauts:

ntar Viena como local Fabenport

Retando el concepto tradicional de hotelería, Urbanauts es un hotel horizontal en el que el lobby es la ciudad entera, el restaurante es el café de la esquina y el spa es el hammam cercano. En lugar de un equipo de atención al visitante, los vecinos y aliados ofrecen sus servicios. Urbanauts ofrece a los turistas la posibilidad de experimentar el auténtico carácter de la ciudad. El primer loft en la serie, Die Schneiderin, es un antiguo taller de sastrería. El diseño del interior hace frecuentes referencias al oficio de sastre y a elementos de la cultura vienesa, pero desde un enfoque contemporáneo. Una nota tecleada en una antigua máquina de escribir da la bienvenida a los visitantes. Al salir de su habitación, los huéspedes se encuentran directamente en el centro de Viena. La estancia incluye como parte del paquete todo lo necesario para aventurarse por la ciudad: dos bicicletas, un mapa del vecindario diseñado por los arquitectos que señala los lugares atractivos en el vecindario y una selección de fellows o aliados entre los locales cercanos, que proveen servicios amigables para comer, visitar una boutique o salir por la noche a los lugares que los vieneses frecuentan.

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www.urbanauts.at

Demetria

hotel boutique en Guadalajara por Daniela Barragán

En medio de la colonia LaFayette, en el centro de la ciudad de Guadalajara, se encuentra Demetria, uno de los hoteles más sofisticados y con una propuesta rica en materia de arquitectura, diseño, moda y arte —además, claro, de un excelente servicio de hospedaje—.

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El diseño de la infraestructura fue encomendado al arquitecto Iván Cordero. El hotel cuenta con 38 suites, un Sky Bar, dos restaurantes —a cargo del chef mexicano Antonio de Livier— y dos salones de eventos sociales. Se buscó que el diseño de todos los espacios denotara el concepto contemporáneo para posicionar a la ciudad como una de las zonas más exclusivas en materia de arquitectura, desarrollos inmobiliarios, culturales y artísticos. El hotel también aloja la galería Demetria, en la cual se presentan exposiciones temporales de artistas contemporáneos a lo largo del año. Mención aparte merece la boutique de las reconocidas diseñadoras Julia y Renata, quienes en 2011 celebraron quince años de la existencia de su propuesta basada en la experimentación y nuevas alternativas de diseño. También hay una librería especializada en arte y una tienda de arte popular. Con un ambiente urbano y contemporáneo, el hotel Demetria logra satisfacer los estándares más severos de calidad y servicio a través de un concepto vanguardista. www.hoteldemetria.com

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Avenue La Paz 2219 Americana, Guadalajara, Jalisco 01 33 3818 0060

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Tubohotel por Daniel Herranz

Conformado únicamente por enormes tubos de hormigón reciclado, el Tubohotel, ubicado en Tepoztlán, Morelos, es un lugar con una nueva propuesta: crear una experiencia totalmente diferente a la que se produce cuando visitas la mayoría de los hoteles. Creado por el despacho T3arc, se trata de un proyecto que surgió cuando los arquitectos adecuaron un baño en un espacio muy reducido. En su búsqueda de soluciones encontraron la propuesta del arquitecto Andrea Strauss, quien recicló

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tubos de concreto para construir el Desparkhotel en 2006. De ahí surgió la idea de crear el Tubohotel. A diferencia del hotel de Strauss, T3arc colocaron los tubos en módulos de tres para aprovechar la mayor parte del terreno y tener una vista panorámica de la Sierra del Tepozteco. Cada uno de los 20 tubos que componen el hotel albergan el mobiliario de una habitación tradicional.

Tlacatilpac, Glorieta km 17 s/n, San Sebastián, Teploztlán, Morelos, México. Tel. (01) 739 395 3610

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La nueva Perestroika: Skolkovo por Patirki Astigarraga

El clúster, entendido como una red de empresas, emprendedores e instituciones que unen esfuerzos para producir innovando —pero al mismo tiempo compiten— es el nuevo motor de desarrollo.Skolkovo es tal vez la mayor entidad de innovación que se está creando en la actualidad. Esta iniciativa significa un considerable acercamiento a la comunidad tecnológica; con ello, Moscú intenta crear el centro de emprendedores más grande a nivel mundial, sin ser una caricatura de Silicon Valley. La Fundación Skolkovo, una organización no gubernamental dirigida por Viktor Vekselberg, fue establecida “para crear un ambiente especial que concentre recursos intelectuales y genere

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creatividad intelectual libre”. El gobierno ruso ha donado casi tres mil millones a este ambicioso proyecto y, con esto, ha generado un laissezfaire (liberalismo económico) con una política de impuestos bajos y una regulación un tanto laxa. Comparando este ambiente con el déficit estatal de California y sus altas tasas de impuestos, parece lógico que Skolkovo atraiga a grandes firmas tecnológicas como Microsoft, Google, Intel, Cisco, IBM, Boeing, Siemens, Nokia y Philips, e incluso Tata, de India. También han sido invitadas compañías rusas como el gigante petrolero Lukoil y la paraestatal Rosatom. Incluso el MIT ha anunciado una asociación académica con la Fundación Skolkovo —de hecho la Sloan School of Manage-

ment de MIT ya imparte un máster en negocios en la escuela de administración de Skolkovo—. Los críticos de Skolkovo mencionan que esta iniciativa no puede competir con sus rivales de Silicon Valley, Boston o Nueva York. Es cierto, Skolkovo no es comparable a estos sitios de emprendedores, que se desarrollaron naturalmente en áreas donde los recursos eran abundantes, pero el gobierno ruso nunca se había involucrado en un proyecto de tal magnitud. Hoy en día, los emprendedores rusos están a la vanguardia. Un ejemplo es Yuri Milner, director ejecutivo y fundador del grupo mail.ru (née Digital Sky Technologies), quien además es miembro de la comisión presidencial de desarrollo tecnológico en ese país. Milner ejemplifica al emprendedor ruso que posee currículum internacional: estudió física teórica en la academia rusa de ciencias, completó un MBA en la Universidad de Pennsylvania y trabajó en el Banco Mundial. A su regreso a Rusia, estudió las tendencias globales de Internet e implementó eficientemente sus ideas en el mercado ruso. Adquirió varias compañías de Internet como mail.ru y actualmente es dueño de la compañía de Internet más grande de Europa, valuada en siete mil millones de dólares.

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La nación rusa es reconocida por su creatividad e innovación tecnológica. ¿Cuándo, entonces, habrá un empuje emprendedor? ¿Dónde están las incubadoras? Lo que suele suceder es que no hay emprendedores rusos con las herramientas necesarias para convertir ideas y tecnologías en vehículos exitosos no sólo a nivel doméstico, sino a nivel internacional. Aunque en la era soviética, los ingenieros eran forzados a crear nuevas ideas, nunca hubo la necesidad de justificar esos proyectos financieramente. El resultado es una sociedad rusa que no acoge al espíritu emprendedor. Otro componente esencial para cualquier cluster globalizado es la industria profesional de servicios, abogados, contadores, firmas de patentes, propiedad intelectual y consultores de negocios. El aislamiento histórico ruso del ambiente de negocios internacional ha generado prácticas obsoletas aisladas en propiedad intelectual, administrativa y de gobierno corporativo. Aun cuando Rusia ha suscrito sus regulaciones con los estándares internacionales, frecuentemente “la ley de la tierra” es la que se aplica en su practica. Los proveedores de servicios serán muy buenos, pero no están familiarizados con estos estándares internacionales. Skolkovo es la nueva Perestroika, una iniciativa gubernamental de gran impacto, con el potencial de traer un enorme cambio socioeconómico.

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RGB Wallpapers

Todos hemos visto en el desarrollo de algunas tramas policiacas la manera en que el uso de ciertos tipos de luz permite descubrir evidencias invisibles a simple vista. El colectivo italiano Carnovsky, conformado por los diseñadores Francesco Rugi y Silvia Quintanilla, decidió utilizar este tipo de efectos cromáticos para lanzar una línea de papel tapiz y explorar el tema de la mutación entendida como una constante transformación de formas a partir de un caos primigenio. Presentada en abril durante la Semana de Diseño en Milán y producida por la tradicional casa Jannelli & Volpi, la colección RGB retoma antiguos motivos anatómicos y taxonómicos, a partir de ilustraciones tomadas de libros de Historia Natural que datan de los siglos XV, XVI y XVII. La sobreposición de las imágenes en capas, que a simple vista se asemejan a proyecciones 3D vistas sin lentes, bajo distitnos tipos de iluminación y filtros muestran diferentes facetas en el mismo muro. Incluso, bajo un intermitente cambio de luces, se vive la sensación de imágenes en movimiento. El colectivo Carnovsky ha logrado llevar a sus últimas consecuencias la coherencia entre contenido y forma con la realización de esta serie de papel tapiz que reúne tecnología y tradición, y nos recuerda que nada desaparece y todo muta. Fabenport

Joyería de papel Por fin la joyería es reciclable y barata: La agrupación TT: NT de los diseñadores londinenses Tithi Kutchamuch (diseño industrial) y Nutre Arayavanish (joyería) unieron creatividad para lograr belleza y funcionalidad con una sola hoja de papel. Ambos idearon doce anillos de papel de elegantes formas florales, que fueron cortados por láser y que vienen dispuestos en una hoja grande, listos para que el usuario las ensamble; las doce piezas fueron pensadas para cada mes del año. Además, el material facilitó darle un doble uso a los peculiares anillos, pues también pueden ser adquiridos como tarjetas de felicitación. Así, los mensajes y los grabados estarán en el propio objeto. Kutchamuch y Arayavanish resolvieron el problema de la cara joyería y llevaron el origami al campo del diseño para que puedas usar y regalar una orquídea de forma única en diciembre y un ligero tulipán en julio.

Strömgen

Lámpara Polar, de Arta Cerámica Aproximadamente el ocho por ciento de toda la basura que se produce en el planeta está conformado por botellas de pet. Si bien esto revela claramente uno de nuestros hábitos de consumo contemporáneos más comunes, también nos deja ver, botella tras botella, una realidad alarmante. Cada botella pet tarda de cien a mil años en degradarse, y aunque el material es reciclable, muchas de las botellas jamás pasan por este proceso, lo que las deja rodando y acumulándose por todo el mundo con fatales consecuencias para los ecosistemas. La Lámpara Polar, diseñada por Arta Cerámica, toma este tema para hacer un comentario crítico.

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Grand Central es el primer trabajo conjunto de Sanna Lindström y Sigrid Strömgren. El nuevo dúo de diseño apostó por reinventar un básico de básicos. Imagina una pequeña mesa de madera, discreta, elegante y muy útil en tu recámara como mesa de noche; junto a tu sillón favorito mientras comes palomitas y ves una película; en la sala como una pequeña mesa extra para las reuniones del fin de semana. Ese pequeño mueble, versátil y muy moderno, es un conjunto de 22 partes ensambladas que pueden desenvolverse totalmente hasta convertirse en el centro mismo de tu casa: la mesa principal. La inspiración llegó a partir de un mapa pop-up de la ciudad de Nueva York, y Sanna y Sigrid diseñaron la mesa que fue presentada en Colonia en el mes de enero y está exhibida el mes de abril en el Salon Satellite de Milán. La intención fue precisamente diseñar un mueble que supliera múltiples necesidades, que fuera práctico .

Fashion Designs, de Victorinox

Joel Escalona El trabajo de este joven diseñador lo ha colocado como uno de los talentosemergentes de nuestro país. Sus diseños se han presentado en la feriainternacional del mueble de Nueva York así como en el show parisino deMaison & Object, donde han cautivado audiencias y generado reconocimiento.Con nombres como Marrano Shaker (Condimenteros) y Taco Plate, Joel logra unamezcla buena entre lenguaje global contemporáneo y mexicano, creandoescenarios innovadores con colores brillantes y formas limpias. Reciéngraduado en el 2008, Joel ha logrado proyectarse de manera importante anivel internacional, viviendo y trabajando desde México, es un buenexponente del talento nacional.

MacGyver era muy bueno para salvar la situación. Con su Swiss Army Knife lograba desactivar una bomba o construir máquinas increíbles, pero su estilo dejaba mucho que desear. Su legado se congeló en el tiempo, mientras que el ímpetu de Victorinox por mantenerse a la vanguardia sigue vigente. La casa suiza no se muestra indiferente ante una de las tendencias más fuertes en la actualidad: el Fashion Design, y precisamente con este nombre ha bautizado a su nueva colección. Conformada por diez modelos, estas navajas auténticas, alegres y coloridas llegan por fin al mercado mexicano. Victorinox apostó por la diversificación en los diseños. Si eres un total easy going, puedes elegir entre la Splatte o la Pixel; si tu onda es más fancy y eres un classy, la ideal es Pepita. Con 126 años como líder del mercado, la empresa sigue demostrando que es capaz de ofrecernos productos funcionales y con estilo; además, ahora se moderniza y nos brinda una herramienta que es también un accesorio trendy.

[www.joelescalona.com]

Scultura Luminosa Scultura luminosa introduce al mercado mexicano marcas exclusivas de lámparas, instalaciones lumínicas y estructuras europeas. En su nuevo showroom, diseñadores, arquitectos y amantes del interiorismo pueden ver directamente los exclusivos diseños de las diversas marcas que iluminarán este espacio, ejemplos de sofisticación y buen gusto. Entre ellas, firmas italianas tales como Artemide, que se encuentra entre las más reconocidas a nivel mundial, Axo Lighting y la española Modisss combinan la sofisticación, la tecnología y el sentido estético que se busca en una pieza para completar esa atmósfera deseada. Fabenport

Maarten Baas por Ximena Orozco

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¿Cómo describirías tu trabajo? Quiero redefinir las fronteras de lo que se considera normal o fijo, las ideas preconcebidas sobre la belleza, los convencionalismos y las restricciones. Quiero jugar con los pensamientos básicos que han sido establecidos en nuestros cerebros por años y años. Me parece que experimentas con métodos y materiales, ¿de dónde sale tanta libertad creativa? No me interesan los materiales por sí mismos. El producto que quiero crear necesita cierto material para que funcione mejor. En un proyecto puede ser el plástico; en otro, la madera. Algunas veces mi trabajo parece fácil de hacer pero en realidad es difícil reproducirlo. El mensaje que comunica el objeto en sí

es lo más importante. Así que el material viene como tema secundario, tiene que cumplir la función que quiero. Algunos de nuestros lectores son músicos, diseñadores, artistas y arquitectos que han encontrado en sus profesiones su propia voz para expresarse, ¿cómo encontraste la tuya? Cuando tenía catorce años visité a un amigo de mi hermano mayor. Él empezaba la carrera de arquitectura y su primer proyecto fue diseñar una silla. Me pareció una ideal genial y yo sabía que podía hacerlo. Desde ese día supe que entraría a la Academia de Diseño.

Diseño en balance: Inga Sempé en Estocolmo

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“I love objects, that’s why I do what I do.”

Así explica Inga Sempé, diseñadora industrial nacida en París en 1968, el motor de su trabajo. Graduada de la École Nationale Supérieure de Creation Industrielle (ENSCI – Les Ateliers) en 1993, fue aprendiz y asistente de diseñadores como el australiano Marc Newson y el británico George Sowden, así como de la interiorista Andreé Putman. En el año 2000 obtuvo una beca para estudiar en la Académie de France à Rome (Villa Medici) y fue en ese mismo año cuando abrió su propio estudio de diseño en París.

En su trabajo, Inga difiere de quienes le sugieren elegir entre una inclinación estética o una funcional, logrando un balance en el que el diseño no entorpece el uso ni viceversa. Tal es el caso de las famosas lámparas Vapeur para Moustache que, a pesar de dar un aspecto de papel, están fabricadas a partir de metal laqueado y Tyvek.

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Las creaciones de Sempé van desde muebles y objetos de uso diario hasta textiles y lámparas. Sus diseños más recientes, la cama y el sofá Rouché para Ligne Roset, hablan de una creadora simple y desenfadada, incluso —en ocasiones— indiferente a la belleza estética. Son piezas de delgada madera de haya, cubiertas por un edredón que pareciera haberse tirado casualmente sobre ellas, cubriendo la cabecera de la cama y los descansabrazos del sillón. Muchas de sus piezas, junto con las lámparas Vapeur y los muebles Rouché, estuvieron en exhibición el pasado febrero en la Feria del Mueble de Estocolmo, en donde Inga fue invitada de honor. Sus diseños se exhibieron en un

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lounge de 200 m2 a la entrada de la feria, en un ambiente que evocaba espacios como el comedor, la sala de estar y las habitaciones de una casa. De manera simultánea, en el Iced Skating Pavillion, ubicado en el centro de la ciudad, se expusieron maquetas y sketches de las piezas más representativas de la diseñadora. Inga Sempé fue reconocida con el Grand Prix en Design de París en 2003, el mismo año en el que mostró su primera exhibición individual en el Museo de las Artes Decorativas de París. En 2011 fue galardonada con el premio a la diseñadora del año por los ELLE DECOR International Design Awards (EDIDA).

“I love objects, that’s why I do what I do.”

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—1. Brooks Brothers —2. Ferragamo —3. Calvin Klein —4. Etro —5. Ray-Ban —6. Pepe Jeans

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—1. Bottega Veneta —2. Alexander Wang —3. Hugo Boss —4. Bell&Ross —5. Robin Rotenier —6. Raf Simons —7. Hackett Mayfair

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Un elogio del dibujo:

Ronan & Erwan Bouroullec en el Vitra Design Museum por Blanca Laura Rodríguez —Primal Studio

Cuando se es diseñador, el cerebro procesa a través de la creación. Pero ¿cómo podemos seguir creando en un mundo donde aparentemente todo existe? ¿O cuando lo que existe ya cubre por completo nuestras necesidades? ¿Para qué seguir haciéndolo? ¿Y cómo puede alcanzar un diseño la virtud de ser considerado creación? Cuando las necesidades son cubiertas con virtuosismo, hacen que el objeto creado se vuelva de culto. Una acción de natura como el sentarse adquiere una expresión superlativa y puede incluso volverse imprescindible. De esta manera se crea el diálogo entre Ronan y Erwan Bouroullec: en sus proyectos encontramos lo imprescindible de las acciones cotidianas, capturadas por este dúo en bocetos y dibujos. Su exhibición Album, que se presenta en la galería del Vitra Design Museum en Weil am Rhein, Alemania, nos permite echar un vistazo al proceso creativo de estos afamados diseñadores.

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La muestra incluye estudios formales, dibujos y bocetos originales que muestran las etapas del proceso hasta llegar al diseño definitivo, de un modo que recuerda casi el de un científico que compara las formas naturales con las que su curiosidad le sugiere. Siguiendo esta analogía, los dibujos están exhibidos como lo estarían en un museo de historia natural o en un laboratorio. En los bocetos abundan formas naïve que revelan el imaginario particular de los hermanos Bouroullec; algunas podrían ser consideradas como obras

independientes. En conjunto, los dibujos muestran la complejidad del proceso de diseño y las dificultades estructurales y técnicas que deben ser resueltas en el camino. La exhibición también reivindica el dibujo aun en la era de la tecnología, retratándolo como un recurso indispensable por su capacidad de capturar de forma espontánea las ideas que permitirán desarrollar el lenguaje formal propio de cada diseñador. Mateo Kries, el director del Vitra Design Museum, señala que el dibujo siempre ha tenido una relevancia especial en la concepción de objetos, desde Leonardo da Vinci hasta Le Corbusier.

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Destination: Mexico.

Diseño mexicano en MoMA No cabe duda de que el diseño mexicano goza de vitalidad. Así lo confirma la abundancia de jóvenes que en estos momentos estudian o egresan de las carreras de diseño. Así lo constata un grupo aún pequeño de diseñadores que tiene eco en la escena del diseño internacional.

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Esta primavera trae buenas nuevas, ya que el MoMA integrará a sus tiendas 500 productos de diseñadores mexicanos contemporáneos. Dos veces al año, el MoMA dedica parte del inventario de sus tiendas a los diseñadores de una ciudad o un país determinado; en esta ocasión el invitado es México. La selección incluye piezas de diseñadores consolidados como Emiliano Godoy, EOS México, Ariel Rojo o Héctor Esrawe, junto a otras de diseñadores más jóvenes. La historia de este proyecto confirma que, además de la producción de calidad en un área determinada, hace falta gente comprometida con la difusión. En este caso, Ana Elena Mallet fue la encargada de tocar puertas, investigar propuestas y finalmente conformar un grupo nutrido, representativo y diverso de diseñadores que ofertarán sus productos en Nueva York. Moisés Hernández, uno de los diseñadores seleccionados, comenta que este hecho “es el resultado de la gran calidad de propuestas de diseño nacional, en combinación con gente que tiene un gran interés por difundirlas”.

No sólo es la venta; Destination: Mexico beneficiará al diseño en distintos niveles. Por ejemplo, algunos de los diseñadores seleccionados trabajan de la mano con grupos de artesanos indígenas, así que la plataforma es también una oportunidad para exportar su trabajo. Por otro lado, y como reconoce Kythzia Barrera, esta experiencia está ayudando a que los jóvenes diseñadores aprendan a cruzar la frontera, enfrentándolos con problemas de marketing, packaging, etcétera. En la inauguración del proyecto se presentó además el Primer Directorio de Diseño Mexicano, una iniciativa conjunta de ProMéxico y CENTRO que incluye más de 350 perfiles de diseñadores mexicanos. La identidad gráfica de Destination: Mexico y el logotipo de la publicación estuvieron a cargo de alumnos de CENTRO. El directorio pretende fomentar el desarrollo, el crecimiento económico y el reconocimiento del diseño desde México.

www.momastore.org

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Top 5: Red Dot Design Award por Víctor Méndez El Red Dot Design Award es todo un aporte en cuanto a premios se refiere. Con más de 50 años galardonando diseño internacional, el premio se enfoca en reconocer la calidad y la innovación de diseñadores, fabricantes y marcas. Además, funge como diferenciador importante del resto de la competencia en los mercados internacionales. Año con año, la convocatoria crece: este año se presentaron 4,515 proyectos de más de 58 países. Las posibilidades de participar son muy altas, pues la trayectoria y el reconocimiento no son requisitos indispensables para aplicar. Así, diseñadores consagrados se mezclan con los que recién comienzan su carrera. El premio cuenta con tres categorías

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principales divididas en 19 grupos: Product Design, que reconoce lo más sobresaliente en muebles y accesorios para el hogar, entre otros; Design Concept, donde compiten los mejores conceptos de diseño que aún no se encuentran en el mercado; y Communication Design, que desde 2003 premia los sucesos más interesantes en el ámbito del diseño corporativo, publicitario y de medios interactivos. Además del reconocimiento y prestigio que acompañan el galardón, los ganadores tienen la oportunidad de exhibir sus piezas en una muestra temporal en el Red Dot Design Museum en Alemania.

—02. Morphogenesis Chaise Timothy Schreiber

Red Dot Design Award 2008

—01. Sail Piergiorgio & Michele Cazzaniga para Andreu World Red Dot Design Award 2012

—03. Coral LED Table Light QisDesign Red Dot Design Award 2009

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—04. Plateau Lounge Chair Eric Magnussen Red Dot Design Award 2011

—05. Creamy Tea & Coffee Collection Karim Rashid Red Dot Design Award 2008

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Fábrica mexicana, en el MAM Bajo la coordinación curatorial de Graciela Kasep y en colaboración con Design Week, el Museo de Arte Moderno presenta a partir del 13 de octubre, Fábrica mexicana: diseño industrial contemporáneo. La exposición revisa la obra de algunos diseñadores quienes, por su trabajo, han destacado como generación. Fábrica mexicana aborda la manera en que el diseño mexicano ha enfrentado —a partir de distintas prácticas como la investigación, los proyectos y el propio diseño de objetos— la realidad social de nuestro país. Asimismo, reflexiona sobre las producciones artesanales e industriales en el contexto de la cultura globalizada. A través de una cuidadosa selección de objetos, la muestra ofrece una lectura crítica del panorama del diseño contemporáneo en México.

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O’clock. time design, design time El Museo Triennale di Milano presenta la exposición O’clock. time design, design time, que examina la relación entre el diseño y tiempo.

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Damien Hirst, Beautiful Sunflower Panerai Painting. Imágenes cortesía de Berger Joyeros.

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Patricia Urquiola, la muestra explora la manera en que 80 diseñadores internacionales han interpretado y representado uno de los temas fundamentales de nuestra cultura: el tiempo.

Parte de la exposición está dedicada a los relojes de la marca florentina Officine Panerai. Ocho relojes se insertan en una narrativa sobre la evolución de la marca con una ambientación fantasiosa que brinda a su diseño un contexto inesperado. Los diseños de Officine Panerai se caracterizan por responder a las necesidades funcionales del reloj. Grandes dimensiones garantizan máxima legibilidad, mientras que el uso cuidadoso de los materiales da cuenta del origen de cada modelo. En esta instalación se presenta por primera vez el Luminor Marina 1950 3

days – 47 mm, un reloj que integra detalles de diseño de mediados del diseño de mediados del siglo xx. Officine Panerai ha colaborado con anterioridad con el artista británico Damien Hirst, quien para esta exposición ha utilizado relojería de Panerai en la creación de dos obras plásticas: Beautiful Sunflower y Beautiful Fractional Sunflower, donde integra esferas de relojes sobre tela pintada con la técnica de spin painting. Estas piezas pictóricas dialogan con creaciones de artistas y diseñadores como Maarten Baas, Ignacio Uriarte, Christiaan Postma, Louise Bourgeois y Patricia Urquiola.

Ignacio Uriarte, 60 seconds, 2005.

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Maarten Baas, Granfather O麓clock / Luminor Marina 1950 3 Days - 47 MM. Exposici贸n Officine Panerai.

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