Tongue n 14 by Tongue Magazine

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VAULT 49

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TONGUE MAGAZINE REVISTA MENSUAL #14 2013. NÚMERO DE CERTIFICADO DE RESERVA OTORGADO POR EL INSTITUTO NACIONAL DE DERECHOS DE AUTOR: EN TRAMITE. NÚMERO DE LICITUD DE TÍTULO: EN TRAMITE. NÚMERO DE CERTIFICADO DE LICITUD DE CONTENIDO: EN TRAMITE. DOMICILIO DE LA PUBLICACIÓN: PROL. MINA N.1 COL. EL MANTO, C.P. 09830, MÉXICO D.F., PROHIBIDA SU REPRODUCCIÓN PARCIAL O TOTAL, INCLUYENDO CUALQUIER MEDIO ELÉCTRONICO SIN AUTORIZACIÓN POR ESCRITO DEL EDITOR, LAS OPINIONES VERTIDAS EN LAS COLABORACIONES FIRMADAS SON RESPONSABILIDAD EXCLUSIVA DE LOS AUTORES.

CONTENIDO Tabata Bandin Los tejidos de la identidad

Pin-up Girls

Hitler Campos de Pintura

Flakone Black Bones La Tinta Dentro De La Piel

Los Vigilantes Pop crudo para los pobres

Nike SB

Reverent Beatman

FLAKONE

TABATA BANDIN

LOS TEJIDOS DE LA IDENTIDAD Las fotografías suelen ser ese momento denominado instante. Ahora que existe una gran demanda de ellos —vacuos en su mayoría— gracias al boom de las blogging platforms, entretiene más que nunca hablar sobre los legítimos intentos, que algunos pocos llevan a cabo, por encontrar una individualidad que se ajuste mejor a la visión propia. POR: ALBERTO VALMOND

Suelo desconfiar de aquellos que se autonombran fotógrafos, quienes al preguntarles sobre su trabajo dirigen sin dejo de vergüenza la mano al bolsillo y, celular sujeto con orgullo, comienzan a lacerarme con un desfile de fotos —pienso nuevamente en la urgencia de adquirir un revólver— del desayuno, el gato, la comida, de nuevo el gato… en el display de su Whateverapp preferida. Con Instagram, Hipstamatic, Cinemagram, y las plataformas como Tumblr, Flickr, Path, etc., todos parecen ser fotógrafos, como si crecieran debajo de las piedras o se reprodujeran por el efecto de la exposición al sol. Todos tienen algo valioso para compartir con su millón de followers, y nada hace más feliz que cincuenta Likes. Jodida iGeneration. La era del vacío ha triunfado… o casi. Cuando me encuentro con fotógrafos interesados en el proceso de revelado, en general, me da buena espina y tiendo a escuchar sin poner cara de aburrimiento.

Esto no significa que lo que termine escuchando sea valioso, o mínimo interesante, pero sí que en el trayecto encontraré algo. Tabata Bandin también está en ese proceso denominado encontrar. Y es que la búsqueda de identidad en estos tiempos hipermodernos parece una tarea compleja. Los bombardeos mediáticos crean máscaras que pueden ser adquiridas por el precio justo. Las personalidades tienen patrocinadores —marcas que seducen con la promesa del infinito. Vivimos apantallados, en un mundo que nos exige cada vez más ser pantalla. Así me acerco al trabajo de Tabata Bandin, esperado encontrar algo de lo que ella misma llama sinceridad. La cita es en un café al sur de la ciudad. Llego puntual y, tras levantar la mano para ser reconocido, me reúno con Tabata. Pido un café con leche y comenzamos.

LA LEVEDAD DE LA BÚSQUEDA La Escuela Nacional de Artes Plásticas es el lugar en el que Tabata comienza su formación —dibujaba y tenía interés por las plásticas desde niña—, combinando las artes, la fotografía, el diseño y empalmando todo con cursos de filosofía en la Facultad. Por entonces no había nada que decir, o eso es lo que dice Bandin, y abandona la fotografía. En el ocio descubre un libro. Menciona La insoportable levedad del ser, de Milan Kundera —del que recuerdo, gracias a los recuerdos de alguien más, a Teresa soñando mujeres desnudas que, junto a ella, desfilan ante Tomás en una piscina esperando que éste les dispare—, como pieza fundamental en la concepción discursiva de su obra. Tabata, por su parte, recuerda el momento en el que Teresa entabla una relación de amistad con Sabina, sabiendo que ella es la amante de Tomás; y se fotografían desnudas. Tabata tiene más de una cosa en común con la Teresa del escritor checo. De entrada, esa moderada incapacidad para relacionarse con las mujeres —que en el caso del personaje literario proviene de una insana convivencia con la madre—, la búsqueda de una conciencia de identidad adecuada y,

sobre todo, esa obsesión por reconocer/asimilar la realidad a través de la fotografía. El tema que cobija la obra de Tabata Bandin es, precisamente, la identidad. Al detener el tiempo, crea espacios adaptados en los que se pregunta cómo crear/recrear —a partir del otro, de la cercanía, la intimidad— una propia; la fotografía funciona como pretexto para acomodar la realidad, momentos estáticos, en ocasiones helados, y completar esa búsqueda. El trabajo realizado en la Serie Chicas resulta impensable, debido a las cargas psicológicas planteadas en el proyecto. Siguiendo el ejemplo de la Teresa de Kundera, Tabata busca encuentros similares estableciendo situaciones incomodísimas —de las que un egoísta siempre debe cuidarse— para sus fotografías, en las que espera encontrar trozos de ella misma. Las condiciones que Tabata crea para las fotos con cada una de las Chicas son distintas, pero siempre parten de un motivo personal. Concibe escenarios difíciles, en los que se mezclan enemistades, celos, fantasmas, que hacen del ambiente una tirantez inmediata, quizá volcada en algunos de sus retratos.

Con una obsesión por la imagen femenina, y luego de haber estudiado el trabajo de fotógrafos como Man Ray (conocido en el mundo artístico por su fotografía avant-garde) y Jonathan Leder (cuyas fotografías evocan los tiempos de las Polaroids), Tabata encuentra a sus modelos en la vida cotidiana y les dispara con una Canon AE-1 en ambientes abiertos, usando luz natural. Bandin suele retratarse en cada fotografía de manera simbólica, sutil, eligiendo premeditadamente los espacios o vistiendo, en ocasiones, a las modelos con su propia ropa. Esfuerzo por fragmentarse, por segmentar esa entelequia para luego —como si se tratase de piezas de un rompecabezas— reconstruirla. La Serie Chicas puede verse en LALL-ORONA. TUMBLR.com. Y, por ahora, Bandin se aleja de sus mujeres para plantearse proyectos en el terreno de la instalación artística, que exhibirá en octubre de este año en Tijuana y para el 2014 viene una exposición en la Galería Border de la Roma. Los nuevos trabajos están influenciados por la obra de un

ruso, Jan Saudek (reconocido por sus fotografías en blanco y negro coloreadas a mano), en los que mezcla la fotografía, el arte objeto y la pintura. Pongo pausa a la grabación, agoto mi café con leche y vuelvo a pensar en la idea de hacerme una sesión de fotos —en las que me convertiría en una especie de vagabundo iluminado, un mesías extranjero—, y que quizá, por su forma de abordar temas que me interesan, Bandin sea la indicada para realizarla. Pero enseguida noto que la pausa se hace demasiado larga. Agradezco la entrevista y me despido de Tabata pensando que, en una de ésas, el rollo ese de que las fotografías te roban el alma es cierto, y que con mi factura karmática —que ahora debe valer por kilo— lo mejor es dejar el asunto ahí.

Contacto: TW: @lall_orona FB: www.facebook.com/lall.orona.photo

POR: ISRAEL DIRZO

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pin-up

girls

Glamour, mucho glamour, se trata de lucir tus curvas y figuras femeninas, no de esconderlas. Las pin-up girls eran voluptuosas mujeres que mostraban sensualmente sus encantos, se trata de verse bien en todo momento, como toda una diva. POR: Israel dirzo Era el final del siglo XIX y París marcaba al ritmo del arte. Eran los años de los pósters “Art Nouveau” creados por Jules Chéret y Alphonso Mucha, eran los años de las postales “picaras” del austríaco Raphael Kirchner. Una época en que el arte y la propaganda se fusionaban con la mujer como modelo. A la sombra de la vieja Europa, el nuevo continente veía como el puritanismo victoriano entraba en crisis. Un tal Charles Dana Gibson creó la llamada “Gibson Girl”; un nuevo arquetipo de mujer que inundó las revistas combinando decencia y picardía. Pero además de Gibson la tierra del tío Sam alumbró a otros dos iconos del glamour; Howard Chandler Christy y Harrison Fisher. Sus trabajos para la creciente industria de la publicidad siguieron preparando el camino para lo que en un futuro conoceríamos como “pin-ups”. Una Pin-up (colgar en la pared) es una fotografía u otro tipo de ilustración de una chica en actitud sugerente o incluso, nada más que con una sonrisa, saludando o mirando a la cámara fotográfica, que suele figurar en las portadas de revistas, comic-book, pósters, postales. Con la llegada del siglo XX el calendario ya era la forma de anuncio más extendida en Norteamérica, en 1904 Angelo Asti dibujaba la primera “pretty girl” para “Brown & Bigelow” (el gigante de la edición de calendarios). La nueva ola seguía creciendo y ni la “Sociedad para la Supresión del Vicio de Nueva York” podía pararla. En 1913 censuraron un desnudo de Paul Chabas, “September Morn”,

pero aún así la imagen siguió ilustrando miles de calendarios, cajas de bombones y postales. Más que considerarse como mujeres que rompieron con reglas, las pin-up girls fueron literalmente objetos que alimentaron la imaginación y fantasías de cientos de miles de hombres que las poseían en papel decorando sus paredes. Eso sin duda ayudo durante la Segunda Guerra Mundial, las pin-ups no sólo eran modelos de carne y hueso fotografiadas derrochando sensualidad, sino también dibujos sugerentes de mujeres imaginarias vestidas en uniformes militares que se vendían en forma de revistas para todas la tropa americana estacionada en Europa durante la segunda guerra mundial estratégicamente para levantar la moral. Aunque la pin-up derrochaba sensualidad, no era vista como prostituta, sino como amuletos patrióticos de la buena suerte. Algunas de las más famosas fueron las conocidas “Varga Girls”, creadas por uno de los más famosos pintores de modelos pin-up, el peruano Joaquín Alberto Vargas y Chávez. Sus pinturas fueron adaptadas para adornar el fuselaje de muchos aviones de la Segunda Guerra Mundial, como el ya heroico Mustang P-51. Tras la Guerra, Christian Dior introdujo su “nuevo look”. Las restricciones de la guerra en artículos de lujo como medias fueron levantadas y la ropa interior pasó de ser de una pieza a dos: el brassier y la faja. La sociedad ya había evolucionado de las Flappers que lucían un estilo andrógino a una mujer que mostraba muchísimas más curvas y piel.

La era de la mercadotecnia empezaba a ver sus inicios de la mano de las pin-up girls que también servían para vender productos.

Flappers; Anglicismo que se utilizaba en el año 1920 para referirse a un nuevo estilo de vida de mujeres jóvenes que usaban faldas cortas, no llevaban corsé, usaban mucho maquillaje, lucían un corte de cabello especial (denominado bob cut), escuchaban música no convencional para esa época (jazz), bailaban, bebían licores fuertes, fumaban, conducían, con frecuencia a mucha velocidad, eran un desafío a las leyes o contrarias a lo que se consideraba en ese entonces socialmente correcto. Su éxito fue tan rotundo que con el tiempo han llegado a influir en muchos terrenos. Las pin-ups siguen un patrón: son mujeres sensuales, normalmente tomadas en situaciones interesantes y que destilan erotismo e ingenuidad. No hace falta que estén desnudas (de hecho casi nunca lo están). Su encanto reside en sus poses y sus miradas, en esa falda que enseña lo justo, o en esa lencería que sugiere más de lo que enseña. Recatadas al principio, atrevidas al final, las pin-ups revolucionaron el concepto de belleza y dieron cuerpo a un nuevo icono de la feminidad: la “cheesecake” (nombre con el cual los yankis bautizaban a las chicas que posaban para este tipo de fotos y que era algo así como; “mejor que un pastel de queso”). Desde las revistas, postales y calendarios llegaron a todos los rincones de aquel país. Con el apogeo de la fotografía las ilustraciones perdieron peso y algunas modelos se especializaron en el striptease o el cine. He aquí un recuento de las modelos y personajes que marcaron la historia de las “Pin Ups”

de otras diosas como Bettie Page o Marilyn Monroe. Pero la verdad es que gracias a su fiera melena roja y a sus imponentes atributos Tempest Storm fue una de las más grandes pin-ups de su tiempo.

Bettie Page

Klaw brothers

Musa de América, diva del erotismo y reina de las pin-ups por excelencia Bettie Page tiene una historia llena de éxitos y de misterios. Casi de un día para el otro pasó de ser la mujer más deseada de su país al anonimato más absoluto. Su cuerpo es sin duda el más retratado de los ´50 y aún hoy es fuente de inspiración para muchos artistas e icono de la moda Rockabilly.

Los hermanos Irving y Paula, en un principio se dedicaban a la comercialización por correo de imágenes de las llamadas “Cheescake”. A finales del año 1951 su encuentro fortuito con Bettie Page los proyectó a la inmortalidad. Además comenzaron a editar su propio catálogo de fotografía llamado Model Parade. En 1955 una ola de puritanismo aprovechada por un senador de Tenesse provocó que los hermanos Klaw afrontaran cargos de obscenidad, ellos deprimidos destruyen todos sus archivos lo que terminó por provocar no solo la desaparición de gran parte del material gráfico si no también la su decadencia.

Tempest Storm Una de las artistas más conocidas de los ´50 gracias a sus increíbles striptease. Con el tiempo su recuerdo ha quedado ensombrecido por la estrella

Julian Mandel Fue uno de los mejores fotógrafos que conociera el arte del desnudo femenino a principios del siglo XX. Él se hizo conocido en los años 1910 hasta principios de los años 1930. Publicaba en París para la firma Alfred Noyer, además de Les Studios, P-C Paris, y Neue Photographische Gesellschaft. La información biográfica sobre Mandel es escasa, y existe una leyenda en que el nombre es en realidad un seudónimo.

Alberto Vargas Uno de los gigantes de la ilustración en USA. Vargas creó una escuela con su estilo sensual y exquisito. Sus mujeres imposibles subieron la moral de las tropas yankys en la 2ª Guerra Mundial y elevaron las pin-ups a la categoría de arte.

Zoë Mozert Una de las pocas mujeres que fue capaz de codearse con los mejores. Personaje curioso donde los haya, Mozert solía posar para sí misma delante de un espejo. Aunque ya era conocida por sus portadas de revistas agigantó su fama gracias al éxito de sus calendarios de desnudos femeninos. También es la autora del famoso póster de la película “Fuera de la ley” de Howard Hughes.

En algunos países, las fotografías de pin-up figuran en la última página de los periódicos, esto con el objetivo de restringir el acceso a las imágenes y el público en general, de esta forma el contenido es accesible para el comprador únicamente, esta actividad se considera más conforme con la moral, usos y costumbres locales.

Betty Grable La carrera de Betty Grable fue un errático ir y venir a la fama. Empezó como corista en películas de Hollywood hasta que se convirtió en actriz de la RKO. Conocida como “La Mujer de las Piernas de un Millón de Dólares” subió la moral de los soldados en la guerra mientras iba pasando por todos los géneros: bailarina de striptease, modelo, actriz y cantante.

Anita Ekberg Esta sueca, verdadera bomba sexual, fue parte de una generación de mujeres que contribuyó a convertir el glamour, la seducción y el desnudo femenino en un arte para las pin ups. Anita logró un rápido ascenso pasando de ser la portada de revistas, a participar en cine clásico, como en la famosa película “La dolce vita” película de Felini. Sin duda las Pin Ups llegaron para quedarse desde la propaganda para levantar la moral de los soldados, hasta hoy en día como icono de la cultura Rockabilly. Las Pin Ups que pueden

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estar en un tatuaje, hasta modelos en shows de Kustom Kulture.

Blaze Starr Conocida como “La llama más caliente del Burlesque” Blaze Starr fue descubierta cuando trabajaba como guardarropa en un club de Baltimore. Ya como bailarina de striptease desarrolló su carrera en la Costa Este (New York). Además de sus fotos, consiguió hacerse famosa gracias a un momento de su espectáculo en que hacía sonar salvajemente unos tambores.

Lili Saint Cyr Aunque probó suerte en el cine (sin mucho éxito por cierto) Lili Saint Cyr destacó sobre todo en el arte del striptease. Dotada de unos encantos irresistibles, hizo famoso su espectáculo gracias a un momento en que tomaba un erótico baño de espuma delante de todo el público. Un instante legendario que le dio el merecido título de “Reina de las Strippers”.

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CAMPOS DE PINTURA 18

Entre 1908 y 1913, Herr Wolf, apodo que el mismo se colocó y era como lo llamaban sus familiares y amigos íntimos, vivió en Viena, donde desarrolló un amplio interés por el arte y produjo una serie de trabajos entre pinturas, acuarelas y dibujos para ganar dinero. Sin embargo, su obra no obtuvo el reconocimiento suficiente y fue hasta finales de la Segunda Guerra Mundial cuando sus pinturas, así como artículos personales, fueron recaudados e incluso subastados en miles de dólares. POR: Israel dirzo

Adolfo Hitler, al oír su nombre han de imaginarse el partido Nazi, los guettos judíos, el holocausto y quien llevara a la Alemania Nazi a detonar la Segunda Guerra Mundial bajo un régimen totalitario a finales de la década de los 30, hasta mediados de los años 40. Y si, pues a todos nos enseñaron que ese señor refunfuñón y con bigotillo cagado, es generalmente retratado como una persona abrumadora, estricta y fría, pero a la vez con extraordinario carisma capaz de envolver a las masas, sin duda es difícil imaginar a un Adolfo Hitler maquinando otra cosa que no sea relacionada con la política, la milicia, la muerte y su onda esa de la superioridad de la raza aria, de no ser porque, aun siendo joven, a los 18 años, antes de la Primera Guerra Mundial, Herr Wolf considerara los pincelazos y trazos con oleo como posible carrera a futuro. Nadie habla de las ambiciones artísticas que alguna vez se apoderaron de la cabeza del personaje más emblemático de aquella época, y si emblemático ya que en el año de 1939 el Comité Nobel Noruego contempló la nominación de Hitler al Nobel de la Paz ¿qué? , pues si así como lo escuchan o más bien lo leen, Hitler premio Nobel de la paz, ¿Qué estarían pensando los del comité?, no lo sé, esos serán otros asuntos, que no tocare

en esta ocasión, como les decía, esas ambiciones artísticas y culturales que posiblemente se vieron disminuidas cuando fue rechazado de la Academia de Bellas Artes de Viena, en 2 ocasiones, allá por los años 1907 y 1908. ¿Sería este el punto que cambiaria la historia del mundo, que hubiera pasado si Hitler se hubiera dedicado a la pintura? Y es que muchos piensan que sus pinturas realmente eran obras de arte, como algunos miembros de la institución reconocieron su talento y le invitaron a postularse para la Escuela de Arquitectura, pero tajantemente él lo rechazó, sin duda lo del él no era el construir… Existe mucha discrepancia y duda sobre las críticas que recibió en aquella Academia de Viena, ya que pensaron que Hitler no tenía talento para la pintura, basando sus argumentos en la falta de personas dentro de sus paisajes, en los que la importancia recae en las estructuras arquitectónicas de la época, sin embargo, existe una gran variedad de retratos hechos a lápiz-grafito que demuestran lo contrario, probablemente esas críticas se originaron debido al contraste entre sus extraordinarias pinturas arquitectónicas y sus dibujos humanos que no son tan excepcionales, dándole al observador la sensación de que estas últimas son “malas”.

Durante la guerra, sus obras resaltan los paisajes desolados, en ruinas, así como tanques y material militar.

Se cree que tras su decisión comenzó a frecuentar cafés en Münich, donde se reunían artistas ya establecidos, con la esperanza de encontrar apoyo de parte de alguno de ellos y lograr, así, convertirse en pintor, mmm me imagino algo así como la condechi pero sin tanta pretensión por el glamour. En esa misma época, para sobrevivir el buen Herr Wolf comenzó a vender pequeñas postales en las que reflejaba escenas de la vida cotidiana y paisajes, ¿se lo imaginan al que llegara a ser el Tercer Reich viviendo de su arte cual hippiteca de Coyoacán? Yo en lo absoluto. Durante su estadía en Viena, Hitler se puso en contacto con Samuel Morgnestern, un hombre de negocios quien actuó como un primer promotor y vendedor de su obra; irónicamente, los primeros compradores fueron de origen Judío. Con 21 años, Hitler pintó su primer autorretrato, y éste fue descubierto hasta 1945 en Essen, Alemania. A los 25 años (1914), Hitler sirvió en la Primera Guerra Mundial, durante ésta continuó pintando, mostrando un cambio de estética en sus obras. Se dice que sus primeras piezas se basaban en paisajes muy detallados, exaltando la belleza arquitectónica y la armonía entre el espacio y el tiempo, a comparación de las obras que realizó durante este periodo bélico que se fueron volvieron más caóticas, algunos bocetos simples, paisajes destruidos por la guerra, que podrían considerarse escenas de destrucción y consecuencias de la brutalidad humana, al tiempo que comenzó a darle mayor im-

portancia a personas u objetos en lugar de plasmar en su trabajo una panorámica general como la que sobresalía en sus primeras piezas. A través de sus primeras obras se puede apreciar su fascinación por los pequeños detalles y la naturaleza, pues también realizó diversas pinturas retomando a la naturaleza muerta, enfocándose también en flores y perros. Al final de la segunda guerra mundial y con el rumor de la existencia de las obras de Hitler, militares estadounidenses se dieron a la tarea de buscarlas y hasta la fecha, gran parte de ellas se encuentran guardadas en archivos históricos y políticos, muchos de ellos fuera del acceso al público. Sin embargo, algunas pinturas que lograron ser adquiridas por coleccionistas privados, han sido subastadas en miles de dólares, como en el año 2012, cuando una de sus pinturas llegó a ofrecerse en aproximadamente 42 mil 300 dólares en una subasta realizada en Eslovaquia. ¿Se podría detallar la Historia de la humanidad sin el Hitler sediento de poder, y reconstruirla con el Hitler artista, que en vez de crear horrores y destrucción, crear más obras maestras que perduraran para la eternidad? Sin duda sería interesante recopilar la mayor cantidad de pinturas del buen Herr Wolf y realizar exposiciones en todo el mundo, bueno los que soporten ver una obra pintada con la mano del antisemita y xenófobo, que alguna vez llego a ser el ser más odiado de la tierra.

FLAKONE

BLACK BONES LA TINTA DENTRO DE LA PIEL

Que una chica salga feliz del estudio después de que le haces un tatuaje y que en los siguientes días te llame diciéndote que le destrozaste la vida, podría orillarte a dejar el oficio y considerar volverte panadero a algo así. Afortunadamente, recibes una llamada del padre de la chica, quien te dice que no te preocupes, que su hija padece una grave bipolaridad y que hoy está feliz por su tatuaje… ¡Los tatuadores mandan! POR: ALBERTO VALMOND

Desde que me puse en contacto con Flakone vía Facebook, me sorprendió su amabilidad y su buena disposición para concretar esta entrevista. Buscando el número 37 considero que, para mi primer aniversario lejos de las drogas y el alcohol, estaría increíble hacerme un tatuaje, una representación muda e inalterable de lo malditamente difícil que ha sido en ocasiones este feliz proceso, y pienso en demonios Hannya, ratas, cuervos… Llega Flakone. Nos saluda de abrazo. Abre el local y nos invita a echarle un ojo a Heritage —su estudio en el rascacielos de la colonia Nápoles— en lo que termina de instalarse. Así que vamos por ahí, manoseando un poco las cosas a la vez que nos ponemos cómodos. Flakone nos ofrece agua embotellada y pregunta qué música queremos escuchar. Eder dice que Dávila 666 estaría bien, pero Flakone no encuentra nada de ellos en la red. Propongo a Yo la tengo y ellos sí que están, y comenzamos la charla con el Popular Songs de fondo. Priceless. Llevo una lista tópicos, y lo primero que pregunto qué es eso de “Flakone”: «Es un apodo, sí. Es como “Flaco uno”, porque hay muchos Flacos, ¿no?. Y hablando como en la onda del graffiti, que

también es una onda territorial, es como decir: Soy el número uno.» Mientras hablamos, algunos de sus compañeros de travesías empiezan a llegar a Heritage. Primero una chica a quien no vi más nunca —quizá hasta la imaginé—, después un chico con dreadlocks y, al final, un español quien, según Flakone, es un tatuador súper talentoso. Las preguntas suelen llevarnos al origen. En la cronología de hechos, Flakone nos dice: «Toda mi vida he dibujado. Mi padre siempre me regaló cosas para dibujar. Nunca he tomado clases de dibujo, nomás lo básico que te dan en la escuela, ya sabes, trazos con regla y esas cosas. Pero mi carrera siempre estuvo más vinculada con el graffiti, con el arte callejero y sí, como dicen algunas canciones, la calle es mi escuela.» Al avanzar en esto llamado vida, me doy cuenta de una constante: la gente chida siempre prefiere la vida en vivo, a la vida en teoría. No sé, pero simpatizo en extremo con esta forma de afrontar la realidad, quizá mis deformaciones de carácter tengan algo que ver en todo esto. No lo sé. Pero me gusta.

«De hecho empecé —continua Flakone— haciendo muchos grafitis en la piel. Todos los amigos con los que estaba en el crew tenían su placa y pues, nada, hacerlos fue uno de mis primeros contactos con el tatuaje. No digo que venga directamente del grafiti, pero sí va mucho de la mano con el tipo de música, y la gente con la que te empiezas a relacionar. O sea, en ese tiempo era el Trash y el Hardcore, y conocí a muchas bandas, cuyos integrantes estaban totalmente tatuados.» Para Flakone, el graffiti se convirtió en una herramienta de acercamiento al tatuaje. En los noventa existió una tendencia llamada New School que fue muy popular en aquellos años; y lo que hacían era plasmar en la piel el arte del graffiti: trazos gruesos y colores sólidos. «Agarré mucho esa onda de hacerlo directamente en la piel. De hecho teníamos un colectivo que se llamaba Aztec New School, en el que sólo hacíamos motivos de grafiti. Ahí estuve con algunos amigos y, aunque el movimiento no fue muy grande, sí hizo mucho ruido en el ámbito del tatuaje nacional.» En las pláticas solemos ir del presente al pasado y viceversa sin ningún problema, pero a la hora de escuchar los audios que grabo para redactar los artículos, me encuentro con la dificultad de mantener un hilo temporal coherente. Acabo de darme cuenta. El paso del grafiti al tatuaje tiene en medio un incidente alegre. Flakone lo recuerda: «Creo que el tatuaje es el mejor accidente que me ha pasado. Yo nunca me imaginé estar tatuando, o sea, quería estar tatuado, tener mi sello personal, pero no se me ocurrió que podía dedicarme a esto. El tatuaje es una forma de expresión, y qué mejor que tenerlo en tu cuerpo. Mi tatuador,

por entonces, era un muy buen amigo de la infancia, que se llama Gabriel. Él empezó antes que yo. Un día pasó por mi casa y dejó sus cosas ahí unas tres semanas. Y ya sabes, en el ocio, otro amigo que andaba por ahí me preguntó: ¿Qué es eso, una máquina para tatuar? Y me dijo: Oye, pues tú dibujas, ¿por qué no me haces un tatuaje? »Me llamó mucho la atención, pero antes de desgraciar a alguien, decidí hacerme yo mismo un tatuaje. Y no quedó nada mal, para ser el primero.» Claro que Flakone aún conserva ese primer tatuaje, un Rat Bone de Powell Peralta. «Antes hacía puros tatuajes de patinetas, porque sólo tenía revistas de patinetas y eran el único catálogo que había a la mano. Aparte del grafiti, fue lo primero que empecé a hacer. Los diseños que se prestaban mejor eran los de Gordon Smith GMS, con su onda surf a la Bobby Glove, o los diseños de Pushead.» Las cosas tienden a cambiar, y la industria del tatuaje también lo ha hecho. Con veinte años en el oficio, Flakone fue testigo de esas transformaciones, no sólo en las técnicas o en las tendencias, sino también en la cultura. «Antes eran máquinas hechizas, tu las hacías con un tenedor, un motor de carrito, jeringas, plumas, cuerdas de guitarra. Luego empezabas con otro tipo de agujas. »Después podías mandar a pedir un Kit a las primeras compañías que se dedicaron a hacer cosas especializadas para el tatuaje. Pero aquí en México nunca hubo una industria como tal. A la fecha, nosotros vivimos de industrias como la de Estados Unidos que ya están súper avanzadas, y llevan más de cincuenta años en la escena. México está todavía en pañales.

»En los noventa fue cuándo se dio el destape del tatuaje gracias a la televisión, las celebridades y esas madres. Pero sí me ha tocado ver un cambio, ¿no? Desde que no podías siquiera enseñarlos. En serio, una vez estaba patinando y se me alcanzaban a ver unos tatuajes. Unos granaderos llegaron y “Vámonos para arriba todos”. Y sí era de: Güey, estoy patinando. No estoy haciendo nada, ¿por qué me subes? Yo tenía como quince/dieciséis años, y me querían llevar sólo por los tatuajes. Era una gran tontería en ese tiempo.» Aunque ya no lo persiguen más granaderos, Flakone sigue experimentando de vez en vez que lo manden a la última mesa —lejos de las miradas de las señoras— cuando va a algún restaurante a comer. Pero las cosas de a poco van cambiando, y —pese a que en momentos la imagen creada en torno a los tatuadores se parezca más a la de las sexo servidoras, que a la de cualquier otro oficio digno de admiración y respeto— el camino se va haciendo. A través de los años Flakone ha ido experimentando con muchos estilos diferentes: del grafiti a los diseños de patinetas hasta el neo-tradicionalismo americano o japonés. Ha encontrado algunos gustos particulares: «Disfruto mucho hacer cala-

veras. Las empecé a hacer un día y a todos les gustaron. Ya tengo como una especie de sello con eso. No me había dado cuenta de que la gente me pide muchas calaveras. También hago muchos Koi Fish, las carpas japonesas. Igual esta onda Zombi y Gore, ¿no? Me los piden y la verdad, disfruto muchísimo haciéndolos.» El concepto del estudio Heritage Of Tattoo & Jewelry Company es ofrecer un ambiente gozoso e íntimo, con un trato personalizado. «El tatuaje es algo demasiado serio como para estar jugando o tomarlo a la ligera. Es mejor tener un lugar súper privado, que tengas una cita previa para evitar que te presionen. Poniéndole mucha cuidado al cliente. Atención al 100%, tatuajes hechos a medida, es parte del servicio que manejamos.» Terminamos y —off the record— le pregunto a Flakone sobre mi idea de tatuaje, él me plantea —fiel a sus ideas— concertar una cita para revisarlo con tiempo. Nos despedimos. Abrazos nuevamente. A lo largo de los años Flakone ha dejado algunas víctimas. Ha habido desgarros, lágrimas. Ha habido pérdidas. Pero me voy convencido de que Flakone no habría dejado de vivir esta experiencia por nada del mundo.

GIRLS WILL BE GIRLS Fot贸grafo: Diogo Pereira (Garibaldi Agency) / Porto, Portugal Post-颅Producci贸n: Pawel Drozdowski Modelo: Paula Palacios (DELPHOSS International Model Agency) Maquillaje: Ismael Bachiller Peinado: Jessica Garibaldi (Garibaldi Stylist. Gisela Cid Agency)

KEVIN ROODHORST Diseñador gráfico y astista digital de los paises bajos. Tengo 6 años de experiencia y comencé a trabajar como freelance hace 4 años. Mi especialidad es hacer anuncios promocionales y publicitarios. El software que utilizó para crear este tipo de anuncios son photoshop, illustrator y cinema 4D. En mi tiempo libre hago proyecto personales y sigo en búsqueda de inspiración. Otra de mis aficiones es la fotografía. Me gusta hacer fotos con texturas y otros elementos que creo que puedo usar para mis proyectos. Mi trabajo se ha publicado en 26 revistas de diseño, en paises como: Holanda, Inglaterra, Francia, Alemania, Rusia, Japón y Australia. Mi trabajo también se ofrece en gran cantidad de sitios web y blogs de diseño.

3rd Anniversary Creé este trabajo para el 3er aniversario de la página web holandesa scientias. nl.ciencia. Historia , naturaleza & clima son mis categorías favoritas en el sitio. así que pensé que sería bueno mostrarlos.

Elixir Dise単o de producto, frasco de perfume. El vidrio se sustituye por un flujo de agua congelada. En el fondo una foto de un paisaje invernal.

Lost in time Lost in Time, es una escultura monumental de objetos antiguos. La mayoría de las rocas se hacen en Cinema 4D. Las raíces están hechas con técnicas de pintura mate. El pedestal y las piedras en el suelo también se hacen en Cinema 4D.

vision La mujer en esta creaci贸n se centra en sus nuevas metas en la vida, dejando atr谩s el pasado.

ANGEL Esta estatua de ángel es de mi abuela. Ella la compró en los años 50. Todos estos años la tenía en un jardín. Me gusta mucho esta estatua, sobre todo como fue afectada por el clima en los últimos años. Así que pensé que sería bueno hacer algo con ella.

TRANSFORM Creaci贸n que combina 3D con fotograf铆a.

Vault49 Nueva York Vault49 es una colaboración artística, una incubadora creativa para diseñar proyectos innovadores. Nos adaptamos al enfoque de cada quien y cada uno, tenemos una mente abierta a todos nuestros proyectos. Nuestra amplia gama de talento atrae a clientes que quieran disfrutar de los beneficios de una relación creativa desarrollada, pero no quieren estar atados a un estilo o aspecto particular. El trabajo que ofrecemos se caracteriza por un enfoque en la artesanía, multi-medios de comunicación y el uso expresivo del color. En un mundo creativo que es cada vez más digital y plagiado, tenemos una amplia cartera de Vault49 que combina la tecnología con el arte de suma importancia y la capacidad natural, dando a nuestro trabajo una autenticidad que es imposible de reproducir. Se sustenta todo los que hacemos combinando un compromiso saludable para la realización creativa personal. En resumen, todo el mundo es feliz.

Anna Kostina Diseñadora de modas ubicada en Inglaterra. Desde el 2007 diseñó disfraces para espectáculos bajo su propia marca, ANA. La combinación en diseño de moda en disfraces y arte, es el enfoque de su trabajo. Su diseño imaginativo es único en sus piezas que son producidas exclusivamente. Sus clientes incluyen agencias de eventos y clubes nocturnos que presentan shows con bailarines y artistas. ANA también trabaja individualmente con intérpretes, campañas comerciales y sesiones de fotos. De acuerdo con el concepto artístico-expresivo, ANA diseña trajes para alcanzar el efecto de la puesta en escena. Su meta es crear un mundo fantástico que lleve a la audiencia a un viaje inolvidable.

GO SKATEBOARDING DAY Templo Mayor Baleros aceitados, tornillos y llantas en su punto. Todo esto simultáneamente en diferentes partes del planeta como desde hace ya algunos años 21 de junio es la fecha en la los que patinamos celebramos el ‘Go Skateboarding Day’ haciendo alusión a la terrible señal de ‘No Skateboarding’ famosa por su inevitable aparición en múltiples spots alrededor del mundo en sus distintas presentaciones propias de cada país.

Aquí en México no existe propiamente un ‘No Skateboarding’ o su equivalente ‘No Patinar’ en su lugar tenemos al vecino, al peatón incomodo o al siempre heroico elemento de seguridad con su radio, avisando que estas patinado en un lugar prohibido. No todo siempre es malo y aunque aun queda mucho por hacer desde hace algunos años el cambio ha sido para bien las diferentes compañías ya sean pequeñas o grandes se han preocupado y hasta en ocasiones han unido fuerzas para llevar acabo eventos en los que el skateboarding es lo único que importa, como en este caso esta iniciativa del Go Skateboarding Day creada y esparcida mundialmente con la finalidad de darle un empuje al deporte y a las marcas, haciendo sonar ese tape contra el piso diciendo que el skateboarding esta presente en todos lados y llegó hace varios años para quedarse. Una de las marcas que ha estado haciendo ruido con los múltiples eventos que ha organizado es NIKE SB esta ocasión tocó ‘Templo Mayor’ El ruido de las llantas rodando por las calles se hizo escuchar en las diferentes ciudades del mundo incluyendo la nuestra, en donde este año más de 1400 patinadores se reunieron en la plancha del

Zócalo Capitalino, para realizar sus mejores trucos en lo que fue ‘Templo Mayor’ nombre con el que se conoció al Skatepark monumental instalado por Nike SB para celebrar el ‘Go Skateboarding Day’ en la Ciudad de México. Como parte de la celebración NIKE SB trajo para nosotros una demo de talla mundial con miembros del equipo internacional como Omar Salazar, Trevor Colden y Neckface quienes mostraron lo que saben hacer en la pista motivando a los que se reunieron ahí para observarlos. El spot de ‘Templo Mayor’ estuvo abierto hasta el 23 de junio para aquel que quisiera ir a dejar sus mejores trucos donde también hubo clínicas para principiantes impartidas por profesionales del equipo NIKE SB México quienes enseñaron los trucos básicos para comenzar a patinar. Con la celebración de este día, Nike SB busca motivar y alentar a todos los patinadores de México, para dar ese reconocimiento necesario al Skateboarding como un deporte que necesita mucho esfuerzo y disciplina. Nike agradece al INJUVE y a la Delegación Cuauhtémoc de la Ciudad de México por las facilidades y apoyo para realizar este evento. #skateeverydamnday

Omar Salazar La ingeniosa visión de Omar Salazar ha dado al skateboarding una de las perspectivas más refrescantes en cuanto a las posibilidades de la capacidad real de lo que se puede lograr. Omar nunca se intimida en lugares difíciles que otros consideran demasiado complicados, empinados o simplemente peligrosos, y siempre encontrará la manera de saltar sobre o a través de cualquier objeto que llame su atención. Con un enfoque creativo visualizando lugares para patinar más allá de lo ordinario, la mente de Omar sigue firme en inspirar el progreso de cualquier manera o en cualquier dirección que elija. ¡Yujú!

Neckface Decir que NeckFace es un artista del graffiti es un poco engañoso. Cualquiera que se haya encontrado frente a frente con sus numerosos murales que cubren muros por todo el mundo reconoce que su técnica es la correcta y tiene un estilo manual sólido. Pero la característica que hace que su obra sobresalga entre un mar de reyes de graffiti por toda la ciudad en un punto de origen aparentemente siniestro. El estilo de NeckFace huye de la influencia del hip-hop para mostrar un enfoque más cercano al death metal, así que parece tener una mayor influencia de las espeluznantes películas slasher que de cualquier terrible clase de matemá-

ticas. Con un aire de mucha ironía, su obra puede ubicar al público en un lugar incómodo, lo cual hace que sea más divertido. Conforme NeckFace amplía el enfoque de su arte, es un artista importante con constancia por seguir su visión.

Trevor Colden Trevor es originario de las fosas de Virginia Beach y posteriormente se mudó al soleado Sur de California. Ha ido construyendo un lugar en el mundo del skateboarding con constancia durante varios años, y a pesar de su corta edad ya es toda una institución. Trevor es famoso por aventarse a los huecos y los rieles más increíbles sin dudarlo ni un instante, su increíble constancia es equiparable con su valor y destreza. Tras hacer trucos sin bajar de la tabla (no board dismount, NBD) constantemente por todo el mundo, sólo era cuestión de tiempo para que la industria se fijara en el trabajo de Colden, quien rápidamente logro 2 hits en su carrera al aparecer en la portada de la revista Thrasher y obtener una merecida victoria en el Tampa Am 2011. Pero Trevor no planeaba quedarse ahí, y se concentró en la realización de varios videos y cobertura que mostraban su habilidad y su disciplina de trabajo. Y ahora, como uno de los miembros más nuevos del exclusivo equipo de Nike Skateboarding, la reputación de Trevor ha alcanzado alturas más altas.

Reverend

El Gran pastor de la iglesia Blues/trash de suiza

Reverend Beat-Man no solo es un One Man Band, es un misionero de la iglesia del Blues/Trash prácticamente vuelto a la vida y a este planeta lleno de pecado, transformado por obra de un evento divino que al pasar de los años ha predicado el evangelio a la gente como nadie lo ha hecho. Para el una guitarra, tarola, hi-hats y un micrófono son suficientes para difundir la palabra del Rock´n Roll salvaje. De una forma cruda y primitiva nos cuenta pasajes sobre la vida, la muer te, matar, el amor perdido o sobre encontrar la luz, historias propias para los fieles creyentes de la iglesia del Blues/Trash. Seguidlo hermanos y hermanas, Reverend Beat-Man os conducirá por el mal camino de la vida!

Beat-Man 63

Casi muero en el hospital vi la luz y vi a Robert Johnson y un Jay Hawkins gritando, hablánome y diciendo -Regresa a éste planeta de pecado y predica la palabra del Rock’n’roll-.

¿Quién es Reverend Beat-Man? Soy el gran sacerdote de la iglesia blues/trash de Suiza. Músico, actor, DJ, artista gráfico y dueño de discos Voodoo Rythm, hombre salvaje nacido naturalmente, padre de dos hermosos niños salvajes y el payaso local del pueblo. Nacido en el lado “country” de Bern, Suiza en 1967, desertor de la escuela, trabajando 50% en construcción y 50% de gira como técnico y telonero. Desde mediados de los 90’s he estado en tour constantemente, trabajando en mi disquera y siendo padre. ¿Qué hacía Reverend Beat-man antes de ser el gran pastor de la iglesia blues /trash? Era un adolescente, criado en el lado “country”, tuve a unos padres maravillosos y fui libre de hacer todo lo que quisiera; era un niño tímido que se convirtió en un rebelde. La única cosa que mis padres me prohibieron fue aprender un oficio creativo, ya que mi hermano ya lo había hecho... entonces, aprendí un oficio como electricista porque creí que tenía que ver con guitarras eléctricas, a mí no me gustaba, pero era muy bueno en ello porque era muy trabajador y trabajaba día y noche. Después de eso, quería ir a la escuela de artes gráficas en suiza pero fui rechazado, dijeron que no era lo suficientemente creativo... así que aprendí yo mismo. Esos días yo hacía la mayoría del arte que llegaba a la marca y, así mismo, trabajos para otros clientes. Tenía posters y exhibición de arte, de lo que estaba un poco orgulloso. Mi trabajo gráfico es muy primitivo y los que imprimían a veces tenían que matarse cuando intentaban imprimir mis trabajos, un caos de color en todos lados, papel especial, etc. Era un dolor en el trasero en cuanto a la perfección. ¿Cómo surgió The Monsters? Cuando tenía 13 años, mi padre me dio una guitarra y empecé a grabar mi música en una cinta como una banda de un sólo integrante, pero luego en 1986 quería tener una banda de verdad, así que localicé una casa en las afueras de Bern y organicé

fiestas en las que tocaba mis discos favoritos, el problema es que era una casa muy vieja con pisos de madera y los discos se salteaban cada vez que bailaban muy brusco. Entonces comenzamos una banda con la idea de tocar la música que tocábamos como DJ’s (Rockabilly y Garage Punk), cómo sea, éramos músicos muy malos y creamos nuestro propio estilo musical y no pudimos hacer covers de canciones así que hicimos nuestras propias canciones. Eso era 1986. Después tocamos en muchos shows y a principios de los 90’s fui a a Estados Unidos y vi luchas mexicanas por primera vez, por lo que compré una máscara de “Mil Máscaras” en una sex shop en Los Ángeles. De vuelta en Suiza tuve la idea de tocar como solista, un solista luchador que luchaba contra sí mismo y siempre ganaba. Así que estuve de gira como Lighting BeatMan a través de toda Europa con ese programa, los shows eran súper-ultra salvajes y mi idea era tener 3 canciones por set, en cada tocada tener 10 canciones más y ser más extremo en cada show. Así que al final tuve luchadores como invitados en el escenario y la gente de la audiencia peleaba conmigo... hasta que me rompí la espalda y mi nariz en 1999, perdí mi voz por casi un año y casi muero; en el hospital vi la luz y vi a Robert Johnson y un Jay Hawkins gritando, hablánome y diciendo -Regresa a éste planeta de pecado y predica la palabra del Rock’n’roll-. Así que regresé como “Reverend BeatMan” y prediqué la palabra del trash blues en el mundo entero. Y al mismo tiempo seguí haciendo un montón de presentaciones con The Monsters. ¿Cuál es la diferencia entre The Monsters y Reverend Beat-Man? The Monsters es una democracia y es lento, como Reverend Beat-Man puedo trabajar más rápido, The Monsters es una banda de cuatro integrantes y Reverend Beat-Man es uno solo. De hecho son dos cosas muy diferentes, desde la actitud, la música y todo. Es genial estar de tour con tus cuatro mejores amigos, siendo uno solo es un poco aburrido.

–Fui rechazado de la escuela de artes gráficas en suiza…dijeron que no era lo suficientemente creativo... así que aprendí yo mismo–.

¿Cuál es la inspiración para tus letras? Yo hablo el lenguaje callejero, hago lo mismo que hacía Martin Luther en el Siglo XIV, doy la palabra a la gente que quiere escuchar pero no sabe leer, así que soy como un como un traductor, quito toda la basura de la biblia y sólo hablo la verdad, eso es amor; da amor y recibe amor. Le hago burla al cielo y al infierno porque no creo en ellos, así como no creo en Dios como una persona. Creo en algo completamente diferente, creo que Dios es todo conjunto (Seres humanos, plantas, animales, rocas) y luego Jesús, como tú o yo, es un individuo diferente, lidiamos con Dios como lidiamos con nuestros padres, los amamos y respetamos. ¿Tienes un proyecto con Jack Torera de The Jackets? Si, Jacky es una vieja amiga y novia de mi ex-baterista. Hace una par de años hicimos un obra teatral llamada “Popey’s Gotta Blues”, es una obra muda “sin palabras”, pero con música y sonidos. Es una obra fantástica y llena de sexo también, pero muy punk hahaha. De cualquier modo es sin palabras, así que podemos presentarla al rededor del mundo sin barrera de lenguaje. ¿Con quién te gustaría hacer música? Mi problema es que soy un músico terrible, no puedo tocar junto con otro músico, así que normalmente en Europa, cuando toco en ciudades más grandes, tengo una banda telonera con músicos de la ciudad que toquen conmigo. ¿Qué más haces aparte de ser un músico? Como y respiro música... pero hago trabajo gráfico, actúo en teatro, llevo una disquera y la mayor parte del tiempo, soy el padre de mis hijos. ¿Cuál es tu relación con el trabajo gráfico? En la escuela siempre estaba escuchando a la

maestra, dibujando portadas imaginarias para Kiss u otras bandas que tenía en mente y mi sueño fue siempre hacer portadas para discos. Odiaba el arte y los museos, así que creé una disquera en la que pudiera crear mis propias portadas de discos y creé posters muy locos que imprimí y pegué por toda la ciudad y exhibiciones. Dejé a un lado las galerías y los museos y les lleve l arte de nuevo a la gente, aún lo hago. Amo el arte gráfico porque es un buen producto. Cuando la gente me pregunta si quiero que publiquen mi arte en una revista, normalmente digo que yo no hago arte, hago productos, pero no arte. Si Reverend Beat-Man no fuese un artista, ¿Qué estaría haciendo ahora mismo? Yacería a 6 pies bajo tierra y estaría drogado/muerto. ¿Qué le depara el futuro a Reverend Beat-Man? No tengo idea de qué va a pasar en el futuro, vivo en el presente y para mí es un gran presente que seguir viviendo por ahora. Hago shows, llevo la disquera y soy padre... soy una persona muy feliz. Mi plan es cambiar el mundo de la música pop para siempre, quiero cambiar todo, hacer gratuita la música otra vez y deshacerme de la idea de la producción masiva de música en fábricas. Eso es lo que haré, cambiaré todo. Luego tomaré una cerveza en algún bar. Aprendí un oficio como electricista porque creí que tenía que ver con guitarras eléctricas Mi trabajo gráfico es muy primitivo y los que imprimían a veces tenían que matarse cuando intentaban imprimir mis trabajos Fui rechazado de la escuela de artes gráficas en suiza…dijeron que no era lo suficientemente creativo... así que aprendí yo mismo. Casi muero en el hospital vi la luz y vi a Robert Johnson y un Jay Hawkins gritando, hablánome y diciendo -Regresa a éste planeta de pecado y predica la palabra del Rock’n’roll-.

Jacques & Lise Somos dos tortolitos creativos, diseñadores gráficos e ilustradores de Bélgica. Ambos con un fuerte sentido nostálgico de nuestros recuerdos de la niñez, aventuras y tiempos olvidados. Tratamos de reflejar ese sentimiento en nuestro trabajo lo más que sea posible. La urgencia de ser creativo es algo que ambos siempre hemos tenido; incluso desde niños nos siguió y guió hasta algo que amamos hacer: crear y diseñar. Nuestra inspiración viene de todo tipo de lugares, ya sea de dar pequeños pasos en el mundo y hacer pequeños viajes en la ciudad, o de la urgencia de recolectar viejos objetos olvidados. Siempre y cuando mantengas un ojo abierto, casi siempre hay algo interesante que ver, pensar o sobre qué hablar.

Ya que somos almas nostálgicas, la mayoría de nuestros trabajos son a menudo una mezcla de estilos y/o elementos viejos y contemporáneos. Amamos visitar mercados de pulgas e inspirarnos en viejos libros, los bonitos esquemas coloridos de las ilustraciones de sus portadas y las magníficas técnicas de impresión. Incluso cuando diseñamos digitalmente, seguimos tratando de diseñar y colorear en una forma que asemeje esas técnicas para crear ese tipo de sentimiento antiguo. Otra cosa que amamos hacer, es devolver a la vida viejas y olvidadas ilustraciones, agregándoles o dándoles un nuevo giro moderno. Eso crea un tipo cuidadoso de combinación de estilos, que lentamente ha comenzado a convertirse en una de las características en nuestros trabajos.