Revista Transformar N°1 “Arte Joven e Identidad Colectiva - ¿Qué ves cuando me ves?” by Revista Transformar

¿Qué ves cuando me ves? Arte Joven e identidad colectiva ILUSTRACION: Arturo Aguilar - ARGENTINA: Alan Mamani - BRASIL: El arte de la Ciudad COLOMBIA: Revelando Barrios - HISTORIA: La fotografía como fenómeno de masas - DIFUSIÓN: La era Selfie - ARTES AUDIOVISUALES: Selfie - POESÍA: Posible autorretrato

Fotografía de tapa: Proyecto Revelando Barrios, Medellín, Colombia. La Revista Transformar se creó para apoyar las prácticas de superación de problemáticas sociales vigentes en Argentina y la Región promoviendo el intercambio entre sus protagonistas y la comunidad. Esta revista fue realizada por la Fundación Transformar es Preciso. Impresa en Buenos Aires en Agosto 2016. Equipo responsable: Karen Brownell, Esteban Widnicky, Noelia Prieto, Pedro Gabriel Bojorges Almeraya. Colaboradores: Ángela Castillo, Elis Regina, Revelando Barrios, Alan , Luis Arturo Aguilar Ruiz Declarada de interés por la Honorable Cámara de Diputados de la Nación, expediente N° 4873-D-2014 Consultas, sugerencias, comentarios: infotransformar@gmail.com Buenos Aires, Argentina www.transformarespreciso.org

SUMARIO ILUSTRACIÓN: Arturo Aguilar RuizWWW

EDITORIAL

ARGENTINA: Alan Mamani

BRASIL: El arte de la Ciudad

COLOMBIA: Revelando Barrios

Carlos Bosch

HISTORIA: La fotografía como fenómeno de masas

DIFUSIÓN: La era Selfie

ARTES AUDIOVISUALES: Selfie

POESÍA: Posible autorretrato

FotografĂa | Alan Mamani Molina

EDITORIAL En este número uno de la Revista Transformar “Arte Joven e Identidad Colectiva - ¿Qué ves cuando me ves?”, optamos por dialogar con el lente de los jóvenes y adolescentes de la Ciudad de Buenos Aires, de La Paz (Bolivia), Río de Janeiro (Brasil), Medellín (Colombia), Quito (Ecuador) y Lima (Perú) -. Son jóvenes de distintos países de América Latina que modifican su cotidianeidad tropezando con proyectos recreativos. Nos hablan de respuestas organizadas en esta particular fase histórica de la humanidad. Hoy Latinoamérica se nos presenta bajo una amplia diversidad cultural. Claro que, identificarnos como una unidad cultural homogénea es prácticamente imposible, porque poco tenemos en común entre los quechuas, los aimaras, los afrodescendientes, los mapuches, los indios guatemaltecos, los criollos. Mayormente, la no identificación del uno con el otro surge del desconocimiento. Estamos educados a la europea, compartimos sin desearlo una misma “herencia cultural” producto de la conquista del siglo XVI con la posterior colonización americana del siglo XX. Desconociendo nuestra identidad seguirán los otros hablando por nosotros de lo que somos, de lo que debemos ser y pensar. En este número los invitamos a dejarse llevar en cada imagen por ese reflejo que nos devuelve el retrato del otro. En cada figura hay una historia de vida, un mensaje de miradas y de diálogos profundos. Detalles de precisión milimétrica que parecen formar un holograma, donde el todo está codificado en cada una de las partes. Aquí la realidad material no es tan sencilla como se cree. Las miradas cambian las emociones de un momento a otro. Su aspecto puede depender, tanto del lugar desde donde se la mire, como de la velocidad a la cual nos movemos o del sentir que nos transmite en ese instante. Es arte, en sus múltiples expresiones la belleza intangible de nuestro ser interior, tan sutil y necesaria. El arte de los jóvenes que define la identidad colectiva de cada tribu revela ante nuestra mirada los vastos confines de mundos propios y de colores intensos, solo debemos sentir la pulsación de nuestro corazón para alcanzarlos y sentirnos parte del todo. Especial agradecimiento al Fondo Nacional de las Artes por creer en este material y acompañar la edición con un subsidio para la impresión del N°1 de la Revista Transformar

CREW

ARGENTINA

ALAN MAMANI Por Noelia Prieto

ació en la Ciudad de Buenos Aires, Argentina, en el año 1997, pero a los pocos meses se tuvo que ir a vivir a la ciudad de La Paz en Bolivia, con su mamá y su familia. En el año 2011 cambió una consola por una cámara digital, semanas después volvió a la Argentina a vivir con su papá y sus dos hermanos. Desde ese momento empezó a sacar fotos, grabar videos. Sólo comenzó a investigar en internet sobre edición de videos y fotografía pero el interés iba creciendo día a día, por lo que su familia lo apoyó y buscaron un espacio donde pudiese seguir aprendiendo. A los 15 años, empezó el taller de fotografía con Ojo de Pez en el Centro CONVIVEN, Mataderos. Hoy a los 19 años, después de 4 años de estudio de fotografía, comparte con la Revista Transformar su experiencia. Alan, contanos un poco de tu vida… Soy Alan Mamani, tengo 19 años, ahora estudio y trabajo en una tienda de ropa en el barrio de Flores y a veces trabajo como fotógrafo. Desde niño quise hacer arte de cualquier manera, y nunca era bueno en nada. Hace poco me di cuenta que lo que hacía en con la fotografía también era arte y me gustó, me quede feliz con eso, digo esto y me gusta, me gusta la fotografía para contar historias.

¿Qué hace el Centro CONVIVEN? CONVIVEN es un centro cultural donde se organizan distintos talleres audiovisuales, hace parte de un programa de becas que otorga el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires (GCBA). Me gusta mucho la manera en que dan las clases. Mariel, la profesora del taller, nos habla de cosas como “que es la fotografía para cada unos de nosotros”, etc. A veces nos trae cartas de otros fotógrafos para darnos consejos. En estos tres años que llevo en el taller aprendí mucho sobre la historia de la fotografía, encuadre, revelado digital, etc. El año pasado fui a la escuela de fotografía de San Justo (CEIC) a hacer la carrera de fotografía, y me gusto, pero no era lo mismo. Yo llegue y nos decían cosas muy especificas, como si la foto no estaba bien encuadra, todo era demasiado técnico, me aburrió, hacían demasiada, demasiada edición de fotos. Solo hice el primer ciclo, seis meses. Pero nunca abandone el taller de CONVIVEN, me sentía más contenido en el Taller que en la Escuela. Para vos ¿qué es la fotografía? Muchas cosas, no sé cómo decirlo, ¿nunca te paso escuchar una canción, y decir? Eso es lo que yo quiero decir y pero no sé cómo decirlo. Hay una frase que me gusta mucho, no sé

quien la dijo que dice algo así “La fotografía es vida eterna”. Yo quiero eso con las fotos, contar momentos eternos, darle sentido a la fotografía.

¿Qué recursos utilizan en el taller para sacar fotografías?

¿Estás exponiendo en algún lugar? No, soy muy tímido. No soy mucho de mostrar mis cosas, nadie entra a mi página excepto las personas que les digo. ¿Cómo te llegaste a la fotografía? Tuve muchos intentos frustrados con el arte. Intenté tocar música, dibujar, como mi hermano que hace caricaturas pero no vengo de una familia de artistas. Mi hermano y yo somos los únicos que hacemos cosas así, los demás tienen estudios relacionados con profesorado de historias y cosas así. Entonces cuando regresé a Buenos Aires tenía 15 años. Al principio me gustaba el video, a los 14 años sabía hacer ediciones, ponerle efecto especiales, sacar fotos y demás. Ya cuando estaba en la primaria, en séptimo grado, sacaba fotos todos los días y estuve así sacando fotos un año, año y medio. Quería aprender fotografía, porque de video ya sabía demasiado. Además necesitaba salir de mi casa porque estaba demasiado encerrado. En aquel momento, mi hermano iba a un taller de video en el Centro CONVIVEN, y mi papá preguntó si yo podía entrar porque ya se habían acabado las inscripciones y me aceptaron.

Utilizamos muchos recursos, por ejemplo, generalmente hacemos salidas fotográficas. La profesora nos da tres palabras y tenemos que relacionar esas palabras con la fotografía. Por ejemplo, la palabra “pareja”. Ahí podemos sacar una foto a un par de zapatillas, un par de palomas, no necesariamente tienen que ser personas. Trabajamos con cámaras digitales poket. Al final de año exponemos, en una muestra fotográfica que organiza el GCBA. También he participado del Maratón Fotográfico en Parque Roca el año pasado,

donde participan todos los chicos de los distintos talleres que se dictan con apoyo del GCBA. Ahí gané en el segmento Mejor Foto Consigna por la categoría “Simetría”. En aquel encuentro volví a estar en contacto con Esteban (Widniky) y él me está acompañando y estimulando a sacar fotografías. Hace poco viaje con él y un grupo a Puerto Madryn a tomar fotos.

¿Por qué? ¿Qué te paso? Nada en particular, pero estar ahí me hizo cambiar. Me hizo valorar más lo que yo tenía, pasaba muchas horas ahí y a veces tenía que comer lo que ellos comían, el lugar no era muy higiénico por decirlo y yo me decía -si ellos comen esto, yo porque no-. Me ponía en la situación de ellos. Pasaban frio, las paredes estaban abiertas. Por eso cambié de opinión y de color pase al blanco y negro porque el convivir me hizo migrar a otro concepto fotográfico. La reflexión final para mí es que la fotografía documental, no solo es documentar sino también la convivencia de las situaciones que va pasando en cada momento el otro. Aunque yo tengo miedo de contar las cosas y no tener cuidado. Es un gran compromiso social la fotografía documental. ¿Dónde queda este lugar? En Villa Cildanez, Parque Avellaneda (Ciudad de Buenos Aires) ¿Cuántos miembros tiene la familia? En la casa viven 6 nenes, una abuela y dos mamás. Los papás no estaban, Algunos las abandonaron o simplemente están en la cárcel. ¿Qué opinas de las “Selfie”, de la moda del Autorretrato? No sé, la verdad que mirarse a uno mismo y retratarse me parece muy loco. La gente hoy en día no está muy interesada en lo que pasa alrededor, si ellos están bien, listo. Las personas que retraté también están en esa, ellos se sacan muchas selfie también, es un fenómeno que atrapa a todas las clases. La frase ¿Que ves cuando me ves?, ¿Qué te inspira? Me suena a que ves cuando me veo.

¿Qué es lo que más te atrapa de la fotografía? Me gusta mucho el blanco y negro y no seguir reglas. Una vez fuimos a visitar a la casa a Leandro Piñeiro, nos regaló unos libros, hace tres años que lo estudiábamos y este año pudimos ir a visitarlo y fue buenísimo, porque él rompe todos los conceptos fotográficos, por ejemplo, En el segmento de la foto documental, ¿qué es lo que más te gusta contar? Contar historias de vidas, por ejemplo, la casa de los nenes. Me gusto mucho. La mayoría de las fotos son momentos en los que yo no me sentía bien. Por ejemplo, en el trabajo de los nenes, el trabajo lo quería hacer a color, mostrar una familia unida, sonriente, muy colorida. Yo quería hacer el trabajo así. Pero poco a poco fue cambiando las cosas.

La identidad colectiva a través del arte funciona como un gran movilizador para acercar la cultura desde sus distintas expresiones. Desde tu nacionalidad Argentina - Bolivia, ¿cuál crees vos que es tu identidad colectiva? Un poco y un poco, en parte de Bolivia creo que me representa más en lo cultural, la forma de hablar, la música, la alimentación, el aspecto, el habla, etc. ¿Sentís que hay respeto cultural en Latinoamérica? En parte sí y en parte no. En lo positivo siento que nos dejan hacer lo que uno siente, nos dejan expresarnos, sobre todo en un lugar que no es tuyo. El no respeto, lo veo en la discriminación de algunas personas, pero veo que eso sucede en todos lados. Por ejemplo, el cambio que tuvo Bolivia con Evo Morales, por ser el primer presidente de la comunidad Aymara. Aunque todo ese cambio lo pude ver cuando vine a vivir a Argentina porque fui creciendo y recién ahí

Ojo de Pez es un proyecto de expresión e integración social a través de las artes visuales. Conformado por realizadores visuales dicta, desde el año 2007, talleres de foto y cine para niños y adolescentes en el marco de las propuestas dirigidas por el Centro Conviven. Tiene como finalidad la creación de espacios educativos y artísticos, donde explorar, expresarse, y crear arte y comunicación en pos del cambio social inclusivo a través de la fotografía y del cine. A través de unos recorridos visuales llenos de curiosidad los participantes de los talleres Ojo de Pez cuentan sus barrios y sus historias: aquello que la ciudad oficial y visible habitualmente intenta ocultar aparece develado a partir de la mirada desprejuiciada de sus nuestros jóvenes artistas. Las producciones fotográficas y audiovisuales exponen a la luz objetos, personas, paisajes, pero también ideales y sueños que desde este proyecto intentamos apoyar y expandir. Coordinación a cargo de Rita Stivala.

pude ver la discriminación que tuvo en su propio país, la división que hubo entre provincias y también donde hubo muchas peleas y todo el conflicto que se dio por venir de un lugar bajo y tener que liderar un país fue un golpe muy grande para gente que pensaba que no tenía la capacidad de hacerlo. Todo esto me sorprendió mucho, pero como todo, Evo no es perfecto. Respecto a Argentina, cuando llegue me dí cuenta que había muchas oportunidades, estaban las becas de las escuelas y eso lo vi muy bien. ¿Qué mensaje te gustaría transmitir a los jóvenes de tu edad? El mensaje que daría es mirar más allá de nosotros, mirar lo que nos rodea, a preguntarnos que está pasando a nuestro alrededor porque, capaz también no está todo bien lo que está pasando. No ser conformista, nosotros ya tenemos todo, es importante mirar lo que le está pasando a lo demás. Siempre hay problemas, siempre hay algo por lo que luchar y porque resolver, siempre hay algo porque moverse, de a poco las cosas puede cambiar. Hay dos cosas que me gustan mucho. Para mí la fotografía y la música van de la mano. Cuando hago fotografía escucho música, cuando escucho música pienso en fotografía. Son dos cosas para mí que me ayudan mucho en expresarme a pensar, reflexionar, etc. Hay una canción que dice “la vida es aprender a compartir” y es eso, hay que

aprender a compartir con todo, desde la fotografía, compartir los sentimientos, la historia que queres contar de la vida cotidiana y también compartir lo que tenemos.

BRASIL

EDUCACIÓN PARA JÓVENES

EL ARTE DE LA CIUDAD Elis Araújo Miranda

La fotografía como herramienta de enseñanza interdisciplinaria.

aría Priscila Pessanha de Castro “La producción fotográfica como instrumento didáctico interdisciplinar: una interacción entre la física, la química, la geografía, la historia y el arte”, desarrollado entre 2013 y 2015, como objetivo presentar un método de enseñanza innovador en perspectiva interdisciplinar. El método consiste en desarrollar un proyecto fotográfico, desarrollado a lo largo de un año escolar, en diez pasos, donde cada paso sería la participación de un profesor responsable de dirigir las actividades. Empieza la organización de los estudiantes en grupos de edades y diferentes series para la producción de conocimiento se produce en sentido horizontal. La primera reunión se lleva a cabo para analizar la historia de la fotografía. Sigue para la producción de cámaras hechas a mano; diseño de laboratorio y la creación de un positivador embarcación; la creación de guiones para salidas fotográficas, dependiendo del tema elegido para el rodaje; revelación de las fotos en el laboratorio fotográfico; va a hacer que las imágenes positivas; analizar y seleccionar los que se destinarán a la exposición. organización de la exposición se componen las imágenes y objetos. En cada etapa se discuten los conceptos; métodos y social, cultural y geohistóricos. Este es un incentivo para diseñar la producción de conocimiento

inter y multidisciplinaria, reconociendo el vínculo indisoluble que existe entre la ciencia y el arte. Este proyecto fue desarrollado en el Laboratorio de Planificación cultura y espacial Representación de la Universidad Federal Fluminense (UFF / Campos), fue financiado por el CNPq - Consejo Nacional de Desarrollo Científico y Tecnológico y la concesión de becas de estudio para los cursos de postgrado, profesores el público fue concedida por la CAPES - Coordinación de Mejora Personal de Nivel Superior y bolsas de los estudiantes de secundaria fueron concedidos por FAPERJ - Fundación para la Investigación del Estado de Río de Janeiro. Estas postales fueron creados en el marco del proyecto titulado “La producción fotográfica como herramienta de enseñanza interdisciplinar: una interacción entre la física, química, historia, geografía y arte”, desarrollado en el período de diciembre 2013 a diciembre 2015 con financiamiento de Divulgação e Popularização da Ciência (CNPq/MCTI/Governo Federal do Brasil) para jóvenes de entre 15 y 19 años en las escuelas públicas de la ciudad de Campos de Goytacazes, en el estado de Río de Janeiro, en el sureste de Brasil. El proyecto se creó con el objeto de dar a conocer un método didáctico y pedagógico interdisciplinario a partir de hacer fotografía con un método artesanal. Para llegar a la creación de las postales se

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Fachada do Colégio Estadual Nilo Peçanha Jardim São Benedito - Parque de Diversões com o “Minhocão” Arquivo Público Municipal de Campos dos Goytacazes - antigo Solar do Colégio dos Jesuitas Universidade Federal Fluminense Campos dos Goytacazes

5- Academia Campista de Letras 6 - Palacete Finazinha Queiroz - atual Casa de Cultura Vila Maria 7 - IgrejaNossa Senhora da Lapa 8 - Colégio Estadual Liceu de Humanidades de Campos dos Goytacazes

llevaron a cabo talleres y salidas fotográficas. Cada actividad propuesta era un tema para los ejercicios de pensar / hacer / analizar fotografías y articular estos ejercicios a los diferentes conceptos que surgen de las diferentes áreas del conocimiento. Por lo tanto, el ejercicio consistía en analizar los pasos de la producción donde se requiere el análisis de los fenómenos físicos / químicos; de los fenómenos sociales / espacio / tiempo y los fenómenos que se explica comúnmente en las artes visuales. Al final hemos tratado de articular todas las ciencias que demuestran el significado de una producción de conocimientos interdisciplinarios. Así que para cada fenómeno buscado la definición de los conceptos tratados habitualmente en diferentes momentos de la educación formal y se separan las disciplinas, pero que con la toma fotográfica, fue posible demostrar que estos conceptos eran importantes para la comprensión de la existencia humana en nuestra relación con la naturaleza, el conocimiento sobre la historia del lugar y de las experiencias de los estudiantes con la calle y la ciudad. Dirigido a estudiantes y profesores implicados a pensar en la producción de conocimiento científico en una perspectiva inter y transdisciplinaria y que la división del conocimiento en disciplinas se produjo de manera autoritaria y difícil de entender los fenómenos naturales y sociales relacionales.

La creación de un producto en cada uno de los ejercicios es un paso importante, ya que fomenta la creatividad al articular el pensamiento y método. Con la organización del pensamiento, el estudiante crea un método, selecciona los materiales a utilizar y pueden producir nuevos conocimientos a partir de sus experiencias y relaciones con otros compañeros y sus maestros. El producto final de este proyecto fue la colección de tarjetas postales se presenta a continuación. Pero más importante que el producto final, es el proceso de producción de conocimiento y la implicación de que los estudiantes tenían con la calle y la ciudad.

“La creatividad simplemente consiste en conectar cosas” Steve Jobs

Discutir la dirección de la calle a la ciudad y cuáles son las experiencias con demanda a la calle y la ciudad en la que viven constituyeron los puntos clave del proyecto. Desde el do / pensar / productos de la foto, ejercicios organizados se puede mostrar como la producción de conocimiento se lleva a cabo de manera coordinada, inseparable e integrado a la realidad en la que viven los jóvenes. Las actividades prácticas de ejercicio se alternan con las clases teóricas y lecturas de materiales educativos propuestos

por el profesor responsable del curso o de un profesor que enseña a una conferencia sobre un tema. También demonstrávamos la importancia del diálogo entre profesores y estudiantes de los diferentes niveles de las áreas de formación y de conocimiento, la creación de un entorno de producción científica horizontalized. A partir de la producción de imágenes con estos métodos arcaicos de tiro, podríamos construir una rica herramienta educativa desde una perspectiva multidisciplinar. Entre los diversos métodos para la producción de imágenes y visualización de imágenes, podemos dar un toque de luz de la cámara de tipo agujero (una lata con un agujero

la refracción de la luz; con los conceptos de la geografía, como el patrimonio, paisaje, ciudad, calle y lugar. Además de permitir la interrelación de estas áreas de conocimiento aparentemente tan lejano, sino que también puede proporcionar el acercamiento entre la escuela primaria joven para la escuela secundaria a los estudiantes universitarios y profesores de las escuelas y universidades, la creación de un entorno en el que la producción el conocimiento en forma horizontal, como un colador, no verticalmente de arriba a abajo. Creemos que la instalación de un proyecto de este tipo en una escuela dará lugar a la integración de los profesores de diferentes

de alfiler) y las experiencias con laboratorio fotográfico. En una habitación oscura, con sólo una se puso roja, los estudiantes pudieron ver la imagen del objeto fotografiado inmerso en papel fotográfico sumergido en el revelador, como un paso de la magia. Así, la sospecha de potencia de disparo con una lata se vino abajo por completo y la búsqueda de la imagen perfecta va a ser un desafío. La elección de las cámaras oscuras se justifica por la facilidad de preparación y amplia capacidad que estos instrumentos ofrecen para la discusión de los conceptos de las ciencias físicas, tales como la longitud focal, el movimiento rectilíneo de

áreas del conocimiento a favor de la producción de conocimiento inter-trans multidisciplinar. Intuimos que para la realización de este proyecto no hay necesidad de dividir los grupos de la serie, pero a partir de las habilidades de los estudiantes, por lo que un estudiante que tiene más habilidad con la física puede ayudar a otros en etapas que implican un mayor conocimiento de esta área y por lo que los grupos pueden aprender unos de otros y el profesor es un supervisor de la lectura y el desarrollo de las actividades y no un transmisor de conocimientos.

COLOMBIA

REVELANDO BARRIOS Por Ángela Castillo

a ciudad de Medellín en Colombia es uno de los destinos principales de los desplazados internos. Personas expulsadas de todas partes del país buscan ciudades grandes para permanecer anónimos, buscando seguridad y oportunidades de trabajo. Pero los desplazados no solo llegan a Medellín. Esta ciudad también produce el mayor número de exilios forzosos en Colombia, parte importante de los cuales permanece dentro los límites de la ciudad. Las víctimas de desplazamiento intra-urbano comparten problemas con los exiliados que recorren mayores distancias en busca del cielo. Ambos han sido expulsados violentamente de sus hogares, han perdido pertenencias y lazos sociales. Además, a pesar de la compleja política de desplazamiento colombiana, ambos están expuestos a la desprotección. Las autoridades les niegan el estatus de desplazados debido a las cortas distancias entre sus hogares originales y sus hogares de destino. Como consecuencia, no pueden acceder a los programas de ayuda y protección. Según el informe de desplazamiento de 2015, las ciudades más receptoras de desplazamiento son: Bogotá, Buenaventura, Tumaco y Medellín que reciben entre 11.800 y los 20.100 desplazados cada uno. El fenómeno se diseminó por todo el país, ya que “220 municipios recibieron el 90,8 % de los desplazados del país durante el año 2015”, indica.

“La foto es importante para recordar, para mirar como son de verdad los barrios de lindos, para reconocerlos”. Niña de 11 años, participante de Revelando Barrios

En este contexto se creó el programa Revelando Barrios que hace parte de la Corporación Ciudad Comuna, específicamente del colectivo audiovisual Comuna Audiovisual. Fernando Ramirez, tallerista y fotógrafo de Revelando Barrios comparte en este número la experiencia con nosotros.

¿Qué es Revelando Barrios? Revelando Barrios es una iniciativa orientada a trabajar con niños de la Comuna 8 que tienen entre 10 y 14 años más o menos. Durante el 2015 se desarrollo en 6 barrios de la comuna 8, todos barrios de periferia. El trabajo fue muy bonito porque los niños lograron apropiarse del medio, surgieron muchas reflexiones acerca de la importancia de la fotografía para retratar los territorios. El proyecto a futuro tiene pensando expandirse a integrar otras comunas dentro del proyecto, ya que en este momento solo se trabaja en la Comuna 8 pero hacia 2016/2017 la corporación espera expandir el proyecto a la

comuna 1, comuna 3 y en lo posible a la comuna 6. Estas comunas se han pensado desde la corporación porque son comunas que en su mayoría son receptoras de población desplazada o que presenta problema como de violencia intrafamiliar. Todos estos datos la corporación los ha obtenido pues en el trabajo que se ha desarrollado gracias a las alianza con las que ha apuntado el proyecto, que ha sido apoyo de la Unidad de Victimas del Observatorio de Seguridad Humana que tiene un área de investigación en ciencias sociales, trabajo social donde desarrollan han contribuido mucho pues estadísticamente y desde otras perspectivas.

“Yo tome fotos que era sólo pasto, y de un momento a otro cambió y se floreció” Niño de 10 años, participante de Revelando Barrios

¿Por qué eligieron la ciudad de Medellin para desarrollar el proyecto? Bueno, la ciudad de Medellín presenta aspecto positivos en tanto a la labor comunitaria que se esta desarrollando en este momento en la zona de periferia de la ciudad, dado que la ciudad presenta uno de los índices más altos de recepción de gente desplazada por razones conflicto armado, entre otros factores que afectan el país. Es entonces cuando mucha gente está dispuesta a aportarle a este cambio, como apoyar a la gente en lo cultural, lo artístico, lo pedagógico educativo y otros factores que son de importancia para contribuir, digamos a incluir a estas nuevas personas que llegan a la ciudad y a generar nuevas identidades, nuevos lazos. Dentro de los factores negativos de la ciu-

dad de Medellín, podríamos decir que está el asunto de la violencia territorial o control territorial que existe en la ciudad no solo en los barrios de la Comuna 8 sino también en la ciudad en general. Este mismo control territorial lleva a unos silencios forzados, a veces es muy complicado hablar de ciertas situaciones, de ciertos momentos o de ciertos personajes. A eso se le suma también el asunto de la purifequería en la ciudad y esto lleva también, por ejemplo, a estigmatizaciones o a proyectos que no contribuyen en nada al cambio social o apoyar a esas comunidades que se encuentran afectadas que necesitan la atención del estado. ¿Qué modificarías del barrio? ¿Yo que modificaría del barrio? Son estas

lógicas de violencia territorial que están asentadas y se naturalizan y que prohíbe muchas cosas, hablar de muchas cosas.

porque le gustó muchísimo el proceso.

Desde tu experiencia ¿Qué mensaje les daría al resto de las organizaciones sociales?

La finalidad de la corporación es la comunicación comunitaria, entonces la idea es comunicar con la comunidad y para la comunidad a través de los tres medios que tenemos: la emisora, el periódico y el audiovisual, donde intentamos recopilar todos los aspectos que la comunidad tiene para contar, para decir, para denunciar. Se trabaja normalmente de una manera horizontal donde evitan superponer cargos, sin embargo hay una junta directiva para mantener el orden porque son muchas personas.

El mensaje es más que nada a los colectivos nacionales y de Latinomérica en general a unirnos a trabajar en conjunto a compartir experiencias, a retroalimentarnos y seguir aportándole al cambio. Dentro de este proyecto también participa Laura Restrepo que tiene el rol de coordinadora de Revelando Barrios. Laura, se enteró de la corporación por medio de unos compañeros que estudiaban medios audiovisuales se interesó en la iniciativa y así se fue quedando

¿Cuál es la propuesta de la Comuna Audiovisual?

En este contexto, los niños del proyecto Revelando Barrios son un eje fundamental

para promover y realizar este proyecto donde participativos cuando la comunidad identifica se apuesta fuertemente al empoderamiento del alguna problemática o narrativa, específiterritorio, al reconocimiento de la memoria y camente en la comuna 8 de Medellin. La a la construcción de un tejido social. La for- metodología consiste en lo que se va a mación sociocultural de los niños se fortalece mostrar en ese documental sea necesaa través de las herramientas que provee el riamente antes hablado con la comunidad, proyecto ya que sea necesariamenes una manera te antes puesto en diferente de forinvestigación puesmar ante la mato en comparación nera tradicional con un montón de de formar en las posturas. Para ello escuelas con tiza los ciudadanos tiey pizarrón, pornen un espacio en que a los niños la corporación que les llama mucho se llama Comité la atención, esde Contenido y es tán más concendonde se cita a la trados, respongente de la comusables con sus nidad, pobladores del área metropotareas, son muy litana pero principuntuales, no Fuente “Una Nación Desplazada”. Centro Nacional de Memoria Histórica y la Unidad para la Atención y Reparación Integral a las Víctimas de Colombia. Año 2015 palmente gente de faltan a las clala comunidad y a ses. partir de las posturas que surgen del comité es donde ¿Cuáles herramientas usan para la surgen los temas para elaborar documencomunicación audiovisual? tables, para publicar en el periódico o en La Corporación desde el colectivo audiovisual la emisora. tiene como pilar elaborar documentales sociales

Visión 8 Periódico de la comuna

8, es un medio de comunicación comunitaria y popular fundado en 2006 por un grupo de jóvenes habitantes de esta zona de la ciudad. Desde julio de ese año, hasta la fecha, se han publicado 53 ediciones periódicas y más de 15 especiales, dedicadas a temáticas como la memoria, los derechos humanos, la comunicación, las mujeres, la población discapacitada, los procesos de planeación local, entre otras. Actualmente el medio se convierte en el banco de imágenes y relatos más grande de la comuna 8, almacenando en sus páginas los procesos de planeación, organización y movilización de las comunidades, sus instituciones y barrios. También, se ha convertido en un instrumento de resistencia y denuncia frente a fenómenos como el conflicto armado, la intervención arbitraria de proyectos liderados por la Alcaldía de Medellín, la situación socioeconómica de los habitantes en el territorio, sus procesos de memoria histórica, multiétnica y cultural. Los contenidos publicados en el medio son el resultado de un Comité de Contenidos que lideran cerca de 130 personas anualmente, pertenecientes al territorio, quienes mes a mes debaten de forma participativa los temas que lleva cada edición y que son realizados en su mayoría por un equipo de 13 jóvenes entre los 17 y los 22 años, pertenecientes a diferentes barrios como Villa Hermosa, Las Golondrinas, Llanaditas, Los Mangos, Villa Turbay, entre otros; quienes llegan a ser parte del medio a través del semillero de periodismo de la Escuela de Comunicación Comunitaria, impactando directamente a sus familias y proyectos de vida personal.

LA IMAGEN

CARLOS BOSCH Cuenta Bosch que se cansó de la vida en Europa y que nada lo retenía, que todo allí está demasiado tomado por el marketing. Que en su taller se propone “formar una especie de foro de discusión sobre la realidad de la fotografía argentina”. Explica, entonces, su inclinación por el blanco y negro: “La fotografía es la única actividad plástica, si querés, que tiene una parte artística y una parte documental –se posiciona–. Para mí, muchas veces, tiene más valor como documento que como obra de arte, donde empieza a pesar una cosa elitista. Más allá de eso, hagas lo que hagas, lo que se ve es un trozo de realidad que ya pasó y fue transformado en otra cosa, y después en un recuerdo con referencia en la imagen. Las fotos en blanco y negro ponen en evidencia más claramente ese movimiento de mirada y criterio personal: qué pienso yo de las cosas, y cómo las modifico”. En la fotografía, sostiene Bosch, convergen la estética, el compromiso con la realidad y la poesía. “Siempre digo que la fotografía tiene que ser más poesía que obra plástica –dice–. Si no, está vacía.

Pies de barro, 1970 © Carlos Bosch

HISTORIA

LA FOTOGRAFÍA COMO FENÓMENO DE MASAS: DEL DAGUERROTIPO AL INSTAGRAM Por Óscar Colorado

A lo largo de su historia, la fotografía ha encantado a las grandes masas. Presentamos un recorrido por la cultura mainstream y su relación con la fotografía desde el siglo XIX hasta nuestros días. La fotografía es un caso peculiar desde su invención en el siglo XIX hasta la actual era de la conectividad. Esta tecnología ha demostrado durante décadas su encanto con grandes sectores de la población. La fotografía ha sido un fenómeno de masas a lo largo de su historia así como ascendiente de otras manifestaciones de la comunicación multitudinaria como la prensa escrita, el cine, la radio y la televisión.

La fotografía, un invento popular Cuando se presentó formalmente el proceso creado por Nicéphore Niépce y Louis Daguerre el 19 de agosto de 1839 ante la Academia de Ciencias de París, inició el tiempo de la revolución tecnológica. La fotografía coincidió con la inauguración de toda una era de industrialización, tecnificación y consumo en el que el calificativo “masivo” se volvió moneda de cuño corriente. A la par del ferrocarril, el telégrafo, la máquina de vapor, el fonógrafo o la bombilla eléctrica, la fotografía se convirtió en una síntesis de una era que alteraba de manera profunda el mundo y la sociedad como había sido entendida antes del siglo XIX. En muchos sentidos la fotografía significaba la quintaesencia de su tiempo: producción en masa, comercialización y distribución al gran público y nacimiento de la noción de celebridad. En sus primeras manifestaciones, la fotografía (el daguerrotipo, para ser más precisos) era una pieza única. La placa de cobre recubierta de plata y sensibilizada con vapores de yodo no admitía duplicados. En tal sentido las aportaciones de los negativos de papel sensibilizado con nitrato de plata y sal de William Henry Fox Talbot y su calotipo anticipaban las posibilidades de la duplicación masiva y la

verdadera naturaleza de la fotografía como pieza reproducible.

El siglo XX Si la revolución fotográfica y la cultura de masas tuvo un impetuoso comienzo en el siglo XIX, a partir de 1900 alcanzaría niveles de escándalo. Cuando George Eastman inventó su cámara Kodak Brownie, inició la siguiente etapa en la masificación fotográfica. Antes de este dispositivo el gran público debía recurrir a un profesional y su estudio. El empresario de Rochester, Nueva York, ofreció a cualquiera la posibilidad de hacer una fotografía. La Brownie se convirtió en un hitsin precedente en la historia. Se vendieron millones de estas cámara entre 1900 y 1960. A la Brownie original le sucedieron decenas de versiones que afinaban el concepto original. Durante 60 años aparecieron Brownies con toda clase de apellidos: Six-20 Flash Brownie, Hawkeye Flash Model, Starflash o Starmatic. Se comercializaron más de 100 versiones diferentes da lo largo de su historia

La fotografía al alcance de las masas Pero el mundo de la fotografía no era exclusivamente dominio de Kodak y su Brownie. En el ínter la fotografía se vio catapultada en otros sentidos: La tecnología permitió cámaras de portabilidad sin precedente cuando Ernst Leitz es convencido por su ingeniero Oskar Barnack para producir la cámara Leica I en 1914. La sensibilidad de las películas fue mejorando hasta ofrecer a los consumidores la posibilidad de realizar tomas en condiciones de luz ante imposibles.

Hacia una la cultura mainstream En el siglo XX se moldeaba paulatinamente una sociedad con una constante: grandes negocios encargados de producir y distribuir contenidos de información y entretenimiento para un público amplio. Comienza a conformarse la idea de la cultura de masas.

mitifica, manipula, oprime, fragmenta. Homogeneiza, estereotipa, promueven la pasividad. Está controlada por la clase dominante. Tiene un poder de difusión veloz y masivo. La cultura de masas exige un imaginario de perfección. La dama debía parecer María Félix, Rita Hayworth, Libertad Montiel.

pudiente), y la esposa una Brownie Hawkeye para capturar el primer día de escuela de Rodriguito, la primera comunión de Fátima, Luisito con disfraz de Luis XV, la boda del primo Enrique, la graduación de Arturo, la reunión de amigas en la fiesta del Tupper Ware… Las

expresiones

vernáculas

Lamarque o Sara El caballero debía

“Este concepto surge en la década de 1930 con el advenimiento de los medios masi-

vos de comunicación: el cine, la radio y la TV. También llamada industria cultural porque vende información, espectáculo, entretenimiento y cultura. Es decir piensa la cultura como una mercancía más. Es sobre todo una cultura para el consumo. Sus principales agentes son los massmedia. La industria cultural

convertirse en Pedro Infante o Clark Gable. Los medios de comunicación generaban un Star System propio con una constante: emitir un mensaje unitario y generalizado para el gran público consumidor pasivo. Mientras ocurría esto, en el típico hogar de la década de 1950 el señor de la casa cargaba su cámara réflex Minolta, Canon o Nikon a los viajes (Leica o Zeiss si se trataba de un fotógrafo

de la fotografía eran un fenómeno dispar al Star System pues George Eastman había hecho de cada dueño de una cámara el productor de una pieza de comunicación visual, aunque el alcance de estos productos culturales se limitaba al círculo social más cercano. El ejército de fotógrafos casuales se multiplicó. Mientras el espectáculo multitudinario implicaba la reunión en espacios públicos como los enormes ci nes, la fotografía se distribuía de manera mucho más reducida: el álbum familiar y,

ocasionalmente, la proyección de diapositivas en una soporífera reunión convocada ex profeso.

Este escenario duró más de cuarenta años. Hasta que llegaron las computadoras personales a mediados de la década de 1980 primero como máquinas de oficina incrustadas en el hogar por IBM, luego hechas amigables por Apple y finalmente tomadas por asalto mediante Windows.

El mundo cambia en la década de 1990 El mundo se alteró irremisiblemente cuando, a mediados de la década de 1990, las computadoras personales (para entonces ya bastante difundidas) se ínter conectaron con servidores en todo el mundo mediante una red informática mundial, descentralizada, formada por la conexión directa entre computadoras mediante un protocolo especial de comunicación. Esa red hoy la conocemos todos como el

Internet.

Comienzan también por entonces a aparecer las primeras y carísimas cámaras fotográficas digitales, prodigios de la tecnología que prescindían del rollo tradicional y que podían capturar imágenes de 640×480 píxeles, que lucían de maravilla en los monitores VGA. El precio era, por supuesto, inaccesible para el gran público. Pero era apenas el comienzo de la revolución digital.

La convergencia de los medios La fotografía digital avanzó de manera espectacular en el primer lustro del nuevo milenio. En 2005 se consolidó el epicentro tecnológico y social del nuevo milenio: el teléfono móvil. Por supuesto que desde veinte años antes existían los celulares, sin embargo es en el nuevo milenio cuando se vuelven accesibles para las grandes masas de población. Incluso los pueblos indígenas no solamente cuentan con teléfonos móviles: hasta han instalado redes celulares propias. zzEn 2011 se hizo un experimento en la Art Gallery: se imprimió el equivalente a las fotos que se suben diariamente a Flickr. En el ciberespacio comenzaban a gestarse los grandes corporativos de la información en el siglo XXI: Google, MySpace, YouTube, Flickr, Twitter, Facebook, por mencionar solo algunos. Para 2006, la convergencia de contenidos y plataformas parecían llevar, necesariamente hacia uno solo punto pero, como lo demuestra

el diagrama de Gary Hayes, todavía nadie sabía con claridad qué dispositivo se volvería la panacea de la tecnología, la interactividad y la movilidad. Nadie a excepción, por supuesto, de Steve Jobs. En 2007 Steve Jobs, el ya mencionado destructor de la Newton, presentó en una de sus célebres keynotes un producto que no creaba ni destruía nada, pero que transformaría al mundo: el iPhone. La fotografía se convirtió en uno de los grandes motores de los nuevos medios convergentes: un público creciente podía hacer una fotografía y compartirla de manera instantánea a través de su Smartphone.

Si la modernidad implicaba

el acceso al entretenimiento masivo producido por los grandes consorcios, la posmodernidad está significando el gran dolor de cabeza de los grandes magnates mediáticos. Antes la competencia era un puñado de jugadores, hoy son millones, miles de millones: cada fotografía subida a Instagram se convier

te en una competencia por la atención del consumidor. El ubicuo Smartphone ha implicado la estratificación más importante en la fotografía reciente. En la producción fotográfica contemporánea pueden distinguirse varios grupos claramente identificados: fotógrafos profesionales, artistas visuales que utilizan la fotografía como su medio de expresión, amateurs o entusiastas y aficionados. Instagram vio la luz en octubre de 2010. Esta aplicación combina las funciones de cámara fotográfica, posibilidad de agregar filtros de poetización o exaltación y un mecanismo sencillo y eficaz para compartir las fotografías. Esta plataforma social para compartir fotografías se convirtió en una apetitosa presa, y su depredador fue Facebook, o más específicamente su dueño, Mark Zuckerberg. En abril de 2012 una noticia sacudió las redes sociales y a los informadores de medios como el Wall Street Journal o el New York Times: el rey de las redes sociales adquiría por mil millones de dólares una micro-empresa con apenas 13 empleados.

La fusión de dos mundos: Cultura Mainstream + Convergencia Digital La fotografía se encuentra, como fenómeno masivo, en la unión de dos grandes corrientes: la de la culturamainstream y la convergencia digital. El fotógrafo es un individuo que vive en una sociedad impregnada por el mainstream, imaginario y conjunto de estereotipos hoy encarnados en Shakira, Black Eyed Peas, Paulina Rubio, Maroon 5, Miley Cyrus, Pitbull, Madonna o sintetizados en el Dodge Dart, el caramel macchiato de Starbucks, el iPod, el Smartphone o la conexión Wi-Fi. Mientras que el individuo consume, difunde, altera o re-mezcla los contenidos creados por los medios masivos, al mismo tiempo es una persona única que se convierte en un emisor: “Incluso aquellos quienes «solamente» leen, escuchan u observan lo hacen de un modo dtistinto en un mundo donde reconocen su propio potencial para contribuir a una conversación más amplia.” El fotógrafo contemporáneo se enfrenta a un cambio que “señala un movimiento hacia un modelo más participativo de cultura, donde el público no es un mero consumidor de mensajes pre-construidos, sino de

personas que están dando forma, compartiendo, re-mezclando y re-contextualizando los contenidos mediáticos en formas que no habían sido previamente imaginadas.”[54] Mientras nos debatimos, seguimos haciendo fotografías de nuestro diario acontecer (gatitos, capuchinos, amaneceres, selfies…) con Instagram, les agregamos hashtags y revisamos, con frenesí propio de los adictos los twits más recientes y los mensajes en nuestro in-box de Facebook.

El mail ha muerto: ¡Viva el mail! Si existe un abuso de los recursos propios de la retórica fotográfica como las estetizaciones cortesía de los filtros de Instagram, también es cierto que el valor de la fotografía casual, vernácula, pone de manifiesto la importancia de la vida cotidiana. Esto que entendieron con tanta claridad los fotógrafos humanistas tras la Segunda Guerra Mundial es un recordatorio de lo importante que es la cotidianidad. Desde Eugène Atget, pasando por Walker Evans hasta Daido Moriyama hemos de recordar que en fotografía no hay tal cosa como un mundo ordinario: siempre es transformado por la fotografía.

DIFUSIÓN

LA ERA SELFIE Por Mariana Carabajal. Página 12

¿Una muestra del narcisismo social o sólo moda pasajera? Belén Igarzábal, especialista en Psicología y Comunicación, desmenuza los significados culturales de lo que ya se considera el fenómeno del año. La intimidad como espectáculo, la borrosa frontera entre lo real y lo virtual. Con la expansión de los celulares con cámara y conectividad a Internet se impuso y consolidó este año la moda de las selfies. Desde el papa Francisco y el presidente Obama, líderes políticos, celebrities, gente sin fama y hasta astronautas en misión espacial, cada vez más personas registran su aquí y ahora, a solas o acompañadas, para luego subir y hacer circular su autofoto por las redes sociales al instante. El fenómeno llegó hasta tal punto que en 2013 fueron publicadas en el mundo cerca de un millón de selfies al día, según reveló un reciente informe. Una de las últimas tendencias son las selfies extremas, una imagen desde un lugar in30

hóspito y bien peligroso. Varias empresas ya usan este furor de las autofotos para promocionar sus productos. Ya no es necesario espiar por el ojo de la cerradura: la puerta se abre sola para exhibir escenas que antes quedaban en el ámbito de la privacidad. Pero no son pocas las personas –y más varones que mujeres– que retocan siempre sus selfies antes de publicarlas, en búsqueda de construir una identidad, un perfil, un cuerpo deseado. En la era de la intimidad como espectáculo, “construyo mi imagen y la publicito”, reflexiona Belén Igarzábal, directora del área de Comunicación y Cultura de Flacso. “Y ahí hay algo muy fuerte que

tiene que ver con la exposición constante del yo y con la mirada del otro. Hoy esa mirada se vuelve exponencial. No sólo por lo que yo publico, también por lo que publican de mí. Así es como la selfie viene a dar justo con el problema del yo, del otro y de esa mirada que me completa”, agrega la investigadora. Porque la autofoto no sería tal sin los comentarios que se espera que aparezcan inmediatamente. ¿Qué expresa la irrupción y apogeo de las selfies sobre nuestra cultura? ¿Son signo de una sociedad cada vez más narcisista o sólo se trata de una moda pasajera? Igarzábal analiza y desmenuza el tema, en una entrevista con Página/12 que, como

no podía ser de otra forma, se registró en una autofoto. Igarzábal es psicóloga, hizo una Maestría en Periodismo y está terminando su tesis de doctorado sobre Psicología y Comunicación. Investiga, entre otros enfoques, el devenir de las redes sociales. “Las fotos tomadas como autofoto o autorretrato existen desde que nacieron las cámaras de fotos. El registro de sacarse una foto a uno mismo con alguien o con un lugar determinado detrás no es algo nuevo.

Lo que es nuevo es la capacidad de circulación inmediata de esas fotos. De ahí, que las selfies son las autofotos que pueden subirse y circular por las redes sociales en el instante. El auge tiene que ver con los teléfonos celulares, dispositivos portátiles que nos acompañan a cada momento y que tienen más del ciento por ciento de penetración en nuestro país. Y más aún, con el aumento en penetración de los smartphones. Jóvenes y adultos, todos, tienen un celular con posibilidad de sacar fotos y hacerlas circular en Inter-

net y redes sociales en el mismo momento que se saca la foto”, señala Igarzábal. Una mostró días atrás algunos datos sobre esta tendencia. Del millón de selfies subidas por día a lo largo del año pasado, un 14 por ciento fueron retocadas digitalmente. Un 36 por ciento de las personas admitió que alteró sus selfies. Pero fueron más varones que mujeres los que admitieron que apelan a ese truco siempre antes de subirlas a las redes sociales: 34 por ciento de

Belén Igarzábal, directora del área de Comunicación y Cultura de Flacso.

ellos dijo que retoca cada selfie mientras que ese porcentaje llega apenas al 13 por ciento en las mujeres. En relación con las redes sociales por donde circulan más autofotos, Facebook encabeza el ranking, con el 48 por ciento de las selfies, seguida por WhatsApp (27 por ciento), Twitter (9 por ciento) e Instagram (8 por ciento). El estudio destacó que las selfies representan el 30 por ciento de las fotos tomadas por las personas con edades entre los 18 y 24 años.

–Algunos hablan del fenómeno fenómeno totalmente represensocial del año, ¿Le parece que es tativo de nuestra cultura actual tan así? –opina Igarzábal. –Sí, podría ser. Un año fue Facebook; en el 2012 se dice que Twitter. Este año, la moda de las selfies. Podría ser, pero no me parece un fenómeno tan novedoso que implica un cambio en las formas de comunicación. Es algo que existía que se puso de moda y que se hizo masivo. Eso sí. Es una moda que explotó. De todas maneras, no significa que no sea un

La selfie grupal más famosa y retuiteada en la historia de esa red social fue tomada en la última gala de los premios Oscar por la presentadora de televisión Ellen DeGeneres. Delante de la cámara de su celular se apiñaron estrellas de Hollywood como Meryl Streep, Brad Pitt, Angelina Jolie o Julia Roberts. En unos segundos, la imagen estaba en Twitter y me31

nos de 50 minutos después ya se había batido el record de retuiteos, superando la marca que ostentaba hasta entonces la selfie que subió el presidente estadounidense, Barack Obama, al ganar en 2012 por segunda vez las elecciones de Estados Unidos, en la que abrazaba a su esposa, Michelle Obama, y que, hasta ese momento había sido retuiteada 778.329 veces. La mañana siguiente de la entrega de los Oscar, la imagen había sido retuiteada más de dos millones y medio de veces.

espacio público real… aunque la división real/virtual no me gusta, porque lo virtual también es real. Y también habría una pregunta previa que es ¿qué es la realidad? Y cómo todo es recorte, relato. Pero es otro tema más extenso. Entonces, a partir de las nuevas tecnologías y de Internet las paredes de los hogares, de las instituciones, de la escuela, se vuelven porosas y la ‘realidad externa’ comienza a penetrar y la realidad ‘interna’/privada comienza a filtrarse y mostrarse en el espacio público”, señala la investigadora Otra selfie famosa y que ge- de Flacso, titular del área de Coneró bastante polémica en la Casa municación y Cultura. Blanca fue una que tomó también Obama, en el funeral de Nelson Mandela, junto con el primer ministro británico, David Cameron, y su par danesa, Helle ThorningSchmidt. Selfies de los pies, con boca seductora, con ojos de sorpresa, cara de rana, en granjas y áreas rurales, individuales o grupales, la moda de las autofotos fue variando vertiginosamente. La última moda parece ser sacarse autofotos en lugares extremos: sobrepasar los límites es la consigna para mostrarse al mundo. Para Igarzábal, esta tendencia está relacionada con un fenómeno mayor que tiene que ver con las características de nuestra sociedad actual. “A partir de la modernidad, de la constitución de las grandes ciudades se estableció una división mucho más rígida entre el espacio público y el privado. Comenzó a haber una división más marcada entre lo público y lo privado y consecuentemente un retraimiento hacia el interior del hogar y un debilitamiento de la participación del 32

¨Una selfie es un recorte de mi identidad. Es algo que quiero contar.¨

Incluso, no sólo por Internet, ya desde la televisión, desde los medios masivos, comienza a exhibirse la intimidad. El éxito de los reality shows tiene que ver con eso, apunta. “Por una parte, por cuestiones más psicológicas del placer de mirar y de exhibirse, pero también con este fenómeno de mirar por el ojo de la cerradura, lo que hace el vecino al que no tengo acceso en esta forma de vida urbana que se masificó. El reality muestra al ‘hombre común’ desde

su cotidianidad –aunque sea en una casa artificial–. Luego, las redes sociales vienen a permitir esa exhibición de la intimidad a todos los que dispongan de un dispositivo de registro y distribución. Esto se complementa con este fenómeno que también permiten las tecnologías e Internet, donde todos somos productores de contenidos. Entonces, son varios factores: lo tecnológico que permite ser productor de contenido, y en ese contenido exponerme y mostrarme… y por supuesto, mirar al otro”, analiza Igarzábal. –¿En mucha gente hay una necesidad de registro de todo…? –Sí, claro. El afán por el control del mundo –desde la ciencia moderna hasta el servicio meteorológico– tiene que ver también con la posibilidad de registro e inmortalización de todo momento. Si lo registro, es mío y es eterno. –¿Qué se pone en juego en una selfie? –Una selfie es un recorte de mi identidad. Es algo que quiero contar. Todo es recorte. Tanto lo que digo, como lo que escribo como lo que muestro. La selfie es una narración en imagen y cuenta algo de mí. Lo que importa es mostrar un estado de ánimo, el registro de haber estado en un lugar o con una persona determinada. No es un paisaje sólo, es el registro de que la persona estuvo ahí. Y hay algo de sacar en el momento mismo en que está aconteciendo una experiencia. La práctica de sacar la foto atraviesa la experiencia y la modifica, especialmente a través del compartirla –recibir comentarios o exponer comentarios–. La foto se hace parte de la experiencia. No es como antes

¨...a partir de las nuevas tecnologías y de Internet las paredes de los hogares, de las instituciones, de la escuela, se vuelven porosas y la ‘realidad externa’ comienza a penetrar y la realidad ‘interna’/privada comienza a filtrarse y mostrarse en el espacio público.¨

que se registraba un hecho que se mostraba después. Hoy, el registro de esa situación forma parte y modifica la situación misma. Incluso la complementa con lo ausente, en ese mismo momento. Con otro que en ese momento no está físicamente presente pero que comenta, retuitea o pone un me gusta. De todas formas, advierte Igarzábal, hay diferencias en los tipos de selfies. Se podría decir que está la selfie de registro de un lugar, donde puede aparecer la cara, pero también los pies o las manos. Es el registro de que la persona estuvo allí. También está el autógrafo visual con el famoso. “Y también la autofoto solamente por la exposición del yo, de un estado de ánimo, de una sonrisa, de un beso. Y ahí hay algo muy fuerte que tiene que ver con la exposición constante del yo y con la mirada del otro”, dice.

–Es como si esa mirada termina- justo con este “problema”, con el problema del yo, del otro y de esa ra de retocar la autofoto… mirada que me completa. –La mirada del otro es funAunque tiene más eco entre damental en la constitución del yo. Desde la madre, padre o tutor los jóvenes, no es una moda que que mira al niño a los ojos para se limite a ellos. “Es propio de todarle de comer, y luego cuando va dos los que disponen de un discreciendo lo mira para reafirmar- positivo y conectividad. En los jólo. Esas miradas se multiplican y venes se ve más, porque tiene que van conformando la autoimagen ver con que nacieron con estos y la autoestima. Hoy esa mirada dispositivos y están acostumbrase vuelve exponencial. No sólo dos. Pero además, la adolescencia por lo que yo publico, también y la juventud son una etapa donde por lo que publican de mí. Y es- está en efervescencia el tema de la pecialmente, por lo que comen- propia imagen, del duelo por el tan de esa foto que publico, los cuerpo y las formas de vincularse me gusta o lo que dicen de mí. infantiles y la reafirmación de esta Esa mirada también es muy fugaz nueva identidad. En este sentido, hoy, cambia como cambia de rá- este fenómeno encaja justo con pido el timeline. Y por eso, tam- esa época. Pero creo –concluye la bién se necesita de más registros. especialista– que las selfies atraPara alimentar constantemente viesan todas las edades.” esa mirada, esa opinión del otro sobre uno mismo y con retroalimentación positiva para el yo. Así es como la selfie viene a dar 33

ARTES AUDIOVISUALES

SELFIE El cortometraje de Cynthia Wade que expone la verdadera belleza. Por Noelia Prieto. Recientemente estrenado en el Festival de Cine Independiente, Sundance, la marca de cuidado femenino Dove, presentó su más reciente campaña de publicidad con la realización de un cortometraje documental en donde expone a través del fenómeno “Selfie” la verdadera belleza en las mujeres.

Dove Selfie – Redefiniendo la belleza https://www.youtube.com/watch?v=_3agBWqGfRo

La palabra “Selfie” fue pronunciada como la palabra más escrita y repetida en el 2013, causando a nivel mundial todo un fenómeno entre las personas que gustan por tomarse fotografías a ellas mismas con smartphones para luego compartirlas en las redes sociales.

“bonita” en las fotos, o esconder o disimular el verdadero cuerpo que hay detrás de cada foto. De la misma manera el corto pide a sus protagonistas que se tomen “selfies” en las que se muestren sus defectos.

Dichas fotografias fueron mostradas mas La marca de cuidado físico para mujeres y tarde a otras mujeres para demostrar que en hombres, Dove, se aprovecha de la tendencia muchas ocasiones la percepción de la belleza del “selfie” y realizó una creativa campaña de está por muy abajo de los estándares de como publicidad en formato de cortometraje, el cual otras personas la ven. se estrenó en un de los festivales de cine más importantes del mundo, Sundance. Un corto que va de la mano con su anterior campaña que ilustra mujeres inseguras. El corto fue dirigido por Cynthia Wade y El cortometraje es una inspiración para las en éste se tocan temas como la influencia de nuevas generaciones para que se acepten tal las redes sociales sobre la belleza real en las cual son y no engañen ni se autoengañen con mujeres. En el corto se muestran una infinidad belleza que no poseen, por lo menos percibida de trucos para engañar a la cámara para salir por los demás.

Cynthia Wade ganó un Premio de la Academia en 2008 y fue nominada para su segundo Premio de la Academia en 2013. Los premios en festivales que ha ganado en todo el mundo, incluyen dos premios en Sundance, tres premios en Palm Springs, y premios en Aspen y los Hamptons festivales de cine, así como los premios de cine en España, Italia, Argentina y Bélgica. Dirige películas para clientes como HBO, Cinemax, Sundance Channel, Canal de la CFI, y PBS. Sus clientes comerciales incluyen Dove, Hershey, Procter & Gamble, Kimberly-Clark, Barrio Sésamo, Pfizer, Bristol-Myers Squibb, Sanofi, Salix, Shire, la Guardia Nacional y el Hospital Infantil de Phoenix. Su campaña de publicidad Autofoto 2014, en nombre de la marca Dove de Unilever, fue galardonado con el Premio Imagen Clio y cosechó cinco millones de visitas dentro de las dos primeras semanas de ser publicado en Internet. Selfie apareció dos veces en el Today Show, en la sección de estilo del New York Times, Marie Claire, Elle, y mucho más.

POESÍA

Posible autorretrato. Silvia Ugidos Efectos secundarios (Madrid, 2004) Otros Espacios del Grupo Editorial Anaya Ilustración de Sean Mackaoui para el libro Efectos Secundarios. Antología poética.

Yo siempre quise ser una mujer de bien, ser alguien de provecho, valiente, emprendedora, mesurada en las fobias, estable en los afectos, brillante en los estudios, por poner un ejemplo. Yo siempre quise ser una mujer de bien y tenerlos a todos felices y contentos, a mis padres y amigos, a Fulano y Mengano, a Diestro y a Siniestro… Pero hay alguien en mí que todo lo estropea, que tuerce los caminos, equivoca las cosas, desbarata mis planes, incumple mis promesas. Alguien que pisa antes que yo sobre mis huellas. En fin, visto lo visto, ya lo dicen mis padres: «a este paso, hija mía, no llegarás a nada». Está bien, os lo debo, lo siento, lo confieso: aludiendo a un anuncio, no soy como Farala. Soñadora, insegura, mitómana, algo vaga, con vocación de hormiga y verano de cigarra, contradictoria y harta de conciliar extremos en mi defensa alego que siempre quise ser una mujer de bien pero que en su defecto soy, en el buen sentido de la palabra, mala.

DE INTERÉS. Alan Mamani Molina. Fotógrafo (54) (9) 11 2191 1024 http://alaynmolina.wixsite.com/mfotografia Corporación Ciudad Comuna - Revelando Barrios Cr 39 # 59-16 barrio Los Ángeles, Medellín (57) (4) 506 3327 info@ciudadcomuna.org / www. ciudadcomuna.org Centro de la Memoria Histórica de Colombia Establecimiento público del orden nacional, tiene como objeto reunir y recuperar todo el material documental, testimonios orales y por cualquier otro medio relativos a las violaciones de que trata el artículo 147 de la Ley de Víctimas y restitución de Tierras. La información recogida será puesta a disposición de los interesados, de los investigadores y de los ciudadanos en general, mediante actividades museísticas, pedagógicas y cuantas sean necesarias para proporcionar y enriquecer el conocimiento de la historia política y social de Colombia. www.centrodememoriahistorica.gov.co Ojo de Pez - CENTRO CONVIVEN Proyecto de expresión e integración social a través de las artes visuales. Tiene como finalidad la creación de espacios educativos y artísticos, donde explorar, expresarse, y crear arte y comunicación en pos del cambio social inclusivo a través de la fotografía y del cine. Villa Lugano. Ciudad de Buenos Aires www.centroconviven.org www.ojodepez.org.ar Escuela de Fotografía CEIC (Centro de la imagen y la Comunicación) Formación de artistas y profesionales, en la Carrera de Fotografía, Talleres de fotografía de corta duración y una gran cantidad de Actividades como concursos y exposiciones fotográficas, conferencias, safaris, proyecciones. Dirección: Juan Florio 3260, San Justo, Buenos Aires Teléfono: 011 4484-7779 www.ceicfotografia.com.ar Maratón Fotográfico El es una forma de redescubrir diferentes ciudades del país y del mundo desde el juego. Un entretenimien-

to en forma de travesía por las calles de distintos centros urbanos para reconocerlos desde la mirada única de cada jugador. La ciudad como campo de juego. info@maratonfotografico.com.ar www.maratonfotografico.com.ar Universidade Federal Fluminense de Brasil Elis Miranda - Doctora en Planeamiento Urbano y Regional Profesora del Programa de Posdrado en Geografía de Capos Instituto de Ciências da Sociedade e Desenvolvimento Regional. Rua José do Patrocínio, 71 Centro - Campos dos Goytacazes 28015-030, RJ – Brasil Tel: 22 27330319 www.uff.br Taller continuo de imagen Carlos Bosh Página 12 Fondo Nacional de las Artes Organismo dedicado al financiamiento, estímulo y protección de las actividades culturales de artistas y escritores argentinos Adolfo Alsina 673 | C1087AAI | Ciudad Autónoma de Buenos Aires +54 (11) 4343.1590 / 0800.333.4131 fnartes@fnartes.gov.ar www.fnartes.gov.ar Festival de Cine Sundance El Festival de Sundance es la cita anual más importante para el cine independiente norteamericano e internacional. Es uno de los festivales más grandes del país. festival cinematográfico internacional que se celebra anualmente las dos últimas semanas de enero en el poblado de Park City, cerca de Salt Lake City, la capital del estado de Utah, en Estados Unidos. El Instituto Sundance reúne desde su fundación a guionistas y directores para desarrollar sus proyectos de cine independiente, que luego se amplió al teatro y la música de películas. www.sundance.org

Ante la duda, ¡NO!

La trata de personas es una realidad extremadamente compleja, presente en casi todos los países del mundo bien sea como país de origen, tránsito o de destino de las víctimas. La lucha contra la trata de personas, internacionalmente calificada como una forma de esclavitud moderna, exige la presencia de una sociedad informada no solamente para mantener un estado de alerta permanente, sino para asumir el compromiso de reconocer y rechazar la presencia de este delito que destruye la vida de centenares de miles de personas. El proyecto Ante la Duda, ¡NO! prioriza la sensibilización del amplio conjunto de mujeres residentes y en tránsito por la Ciudad de Buenos Aires, expuestas a caer en las promesas-trampas de ventajosas ofertas laborales y viajes de turismo. La finalidad es la de contribuir a la consolidación de una cultura ciudadana de prevención en contra de la Trata de personas con fines de explotación laboral y sexual comercial. La acción consiste en una instalación de gran formato, que exhibirá valijas de viaje intervenidas por 30 artistas visuales del territorio nacional, a partir de la consigna “Ante la Duda, ¡No!” y será exhibida en la terminal de ómnibus de Retiro y el Aeroparque. Mediante la implementación de un proceso dinámico e innovador de participación y construcción colectiva, el Proyecto Ante la Duda, ¡NO! contribuye a concientizar y comprometer a distintos sectores de la sociedad argentina.