14/ NOVIEMBRE/
EDICIÓN 2012
Artist Desing
Indice: * Arte * Diseño
* GRAFFITI * Fotografia
Director. Juan Carlos Méndez Blancas Director Publicitario. Mario Fernandez Daza.
* Ilustracion
Director Creativo. Daniel Beltran Baes. Diseño. Ivan Carrilo Flores. Corrección Tipográfica. Rosa Parra Mora. Mercadotecnia. Miguel Gamboa Colorado.
Arte. El arte (del latín ars) es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario. Mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar ideas, emociones, percepciones y sensaciones. La historia indica que, con la aparición del Homo Sapiens, el arte tuvo una función ritual y mágicoreligiosa, que fue cambiando con el correr del tiempo. De todas formas, la definición de arte varía de acuerdo a la época y a la cultura. Con el Renacimiento italiano, a fines del siglo XV, comienza a distinguirse entre la artesanía y las bellas artes. El artesano es aquel que se dedica a producir obras múltiples, mientras que el artista es creador de obras únicas.
La clasificación utilizada en la Grecia antigua incluía seis disciplinas dentro del arte: la arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura y la poesía. Más adelante, comenzó a incluirse al cine como el séptimo arte. También hay quienes nombran a la fotografía como el octavo arte (aunque suele alegarse que se trata de una extensión de la pintura) y a la historieta como el noveno (sus detractores indican que es, en realidad, un puente entre la pintura y el cine).
La televisión, la moda, la publicidad y los videojuegos son otras disciplinas que, en ocasiones, son consideradas como artísticas. Con el paso del tiempo, las creaciones artísticas suelen sufrir importantes deterioros. Por eso, el conjunto de procesos dedicados a la preservación de estos bienes culturales para el futuro es conocido como conservación y restauración de arte.
Gran exposición de Dalí, entre el Pompidu y el Reina Sofía.
El Museo Reina Sofía y el Centro Georges Pompidou han organizado conjuntamente una gran exposición dedicada a Salvador Dalí, una de las muestras más completas realizadas hasta el momento del artista ampurdanés. Podrá ser vista en la capital francesa a partir del 21 de noviembre y después viajará a Madrid, donde abrirá sus puertas el 24 de abril de 2013. En esta ocasión única se van a reunir alrededor de 200 obras procedentes de importantes instituciones, colecciones privadas y de los tres depositarios del legado Dalí: Fundació Gala-Salvador Dalí,
legado Dalí: Fundació Gala-Salvador Dalí (Figueres), Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Florida), y Museo Reina Sofía (Madrid), que de esta forma aunarán esfuerzos para ofrecer al público lo mejor de sus fondos. La muestra cuenta con Jean-Hubert Martin como comisario general, además de Montse Aguer (comisaria en el Museo Reina Sofía) y Jean-Michel Bouhours y Thierry Dufrêne (comisarios en el Pompidou). La exposición se propondrá revalorizar al Dalí pensador, escritor y creador de una particular visión del mundo
Contribuyen a su excepcionalidad préstamos de instituciones de primer orden, como el MoMA (Nueva York), de donde se traerá la significativa obra La persistencia de la memoria (1931); el Philadelphia Museum of Art, que cederá Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la guerra civil) (1936); de la Tate Modern vendrá Metamorfosis de Narciso (1937) y, de los Musées Royaux des Beaux-Arts de Bélgica, La tentación de San Antonio (1946). El período surrealista constituirá el núcleo de la muestra que se podrá ver en el Museo Reina Sofía, haciendo especial hincapié en el método paranoico-crítico desarrollado por el artista como mecanismo de transformación y subversión de la realidad.
Toulouse-Lautrec;
Su modo de entender el arte y su uso del dibujo:
(Henri-Marie-Raymond de ToulouseLautrec; Albi, Francia, 1864-Malromé, id., 1901) Pintor, dibujante y cartelista francés. Toulouse-Lautrec es una de las figuras más originales del arte del siglo XIX. Nació en el seno de una familia aristocrática y tuvo una infancia y una adolescencia felices, dedicadas en buena medida a la práctica del deporte.
Lautrec supone el punto de partida para el Expresionismo posterior. En un primer momento, contactó con el Impresionismo, pero luego lo abandonó, porque tenía intereses diferentes. El paisaje apenas si lo practica, él se decanta por los seres vivos, sobre todo por la figura humana en movimiento. Es un gran admirador del arte japonés. Su vehículo de expresión es el dibujo. Tanto por técnica, como por actitud frente al modelo, es de gran personalidad.
En la actividad lúdica sufrió dos caídas graves que le atrofiaron los miembros inferiores y le impidieron alcanzar una estatura normal. Comenzó a dibujar en la infancia y posteriormente se formó en academias como la de Bonnat y Cormon. En 1885 abrió un taller en Montmartre y desde entonces se dedicó a la creación pictórica, integrándose plenamente en el ambiente artístico parisino que en aquella época buscaba por diversos medios la superación del impresionismo. Se relacionó, entre otros creadores, con Van Gogh, P. Bonnard y P. Gauguin, y de este último tomó algunos rasgos estilísticos, como el uso de los contornos pronunciados.
Técnicas que Lautrec Lautrec es un gran experimentador de técnicas las usa con gran maestría y mezcla unas con otras. Él suele mezclar en un mismo apunte óleo, tiza, pastel, tinta china... . La técnica mixta le permite crear diferentes efectos. Para sus apuntes prefiere un cartón marrón,sin preparar, después aplica óleo muy diluido en esencia de trementina; da una textura curiosa, ya que el cartón absorbe la esencia de trementina y en la superficie queda el óleo mate. Tampoco cubre todo el soporte y juega con el color y la textura rugosa del soporte.
Además de cuadros llenos de vivacidad y movimiento, realizó innumerables apuntes y dibujos rápidos, así como unos treinta carteles publicitarios de cabarés y productos comerciales. Para los carteles, Toulouse-Lautrec creó un tipo de figura estilizada y adoptó unas tonalidades que ejercieron una influencia profunda y duradera en posteriores realizaciones de este tipo.
T.Lautrec, Autorretrato ante el espejo, 1880.
Apasionado por el mundo del cartel, Toulouse-Lautrec (1864-1901) acabó consagrándose a la litografía y desarrollando un estilo muy personal en el que también destaca la importancia que adquirió la tipografía en sus diseños.
Le Chaine simpson de Toulouse-Lautrec
El mito de la bohemia: En 1884-1893 se instala en Montmartre. Son sus años más fecundos, su problema de la bebida se agudiza, lleva una vida muy bohemia. Es ahora cuando su concepto de dibujo le lleva a deformar a la figura. Hace carteles muy conocidos de los cabarets más famosos del momento. Su primer cartel fue para el Moulin Rouge y lo realiza en 1891. El mundo de los cabarets, conciertos y espectáculos son el punto de partida de sus litografías y pinturas.
OBRAS DE FAMOSAS DE TOULOUSE- lAUTREC. GALERÍA
Mujer en un Corsé
Tethered Horse Artillero Encillado
Troupe de mlle Eglantine One Girl.
Jane avril
CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES •
Artes menores, utilitarias o mecánicas (para algunos otros autores se trata de la artesanía o arte popular). Sus características son la utilidad y la belleza.
• Artes temporales o acústicas. Sus características son la temporalidad transitoria, es decir, implican un proceso limitado en el tiempo; son perceptibles por medio del oído y son perceptibles por medio de la vista sólo en algunos casos.
• Artes mayores o bellas artes (también llamadas arte bello o arte culto. Sus características son el valor estético no utilitario y su objetivo es causar placer o emoción estéticos. • Artes mixtas. Sus características son que intervienen de manera combinada elementos de las dos clases anteriores.
•
Artes espaciales o visuales. Sus características son la ubicación espacial, ocupan un lugar en el espacio; la temporalidad permanente, están destinadas a durar y susceptibles por medio de la vista. Pueden ser: bidimensionales (planas y tridimensionales (con volumen).
Las Bellas Artes pueden clasificarse de diversas maneras; pero la naturaleza del medio en que se crean tal vez sea el criterio más seguro, por lo que podemos decir que existen muchísimas variedades.
Así las artes visuales en general son artes del espacio y pueden reproducir el aspecto o apariencia de los objetos e incluyen gran variedad de géneros como la pintura, la escultura, o la arquitectura.
La literatura en cambio es más difícil de clasificar. El efecto de un poema por ejemplo, aumenta cuando es leído en voz alta y disminuye si no es leído de esa manera. Todo el efecto que emana de las obras literarias se debe en realidad al significado de las palabras, tanto literal como el de asociación que provoca nuestra mente cuando leemos los textos para después reproducirlos.
Las artes mixtas incluyen todas aquellas artes que combinan uno o más de los medios antes descriptos. Por ejemplo La ópera incluye música, palabras e imágenes visuales. Las representaciones teatrales combinan el arte literario con la habilidad escénica y las imágenes visuales. En la Danza predominan lo visual con el acompañamiento de la música en escena, y en comparación del cine está presente todos los elementos.
Herb Lubalin
Herb Lubalin, diseñador gráfico y tipógrafo norteamericano. Nació en Nueva York en 1918 y falleció en 1981. Herb Lubalin estudió en la Cooper Union School y muy pronto comenzó a trabajar como director creativo e diversas agencias para crear en 1964 su propio estudio. Fue uno de los fundadores de ITC, International Typeface Corporation de cuya revista Upper and Lower Case, U&lc, fue director artístico. SLubalin, uno de los innovadores tipógrafos americanos, rechazó la filosofía funcionalista de los europeos en favor de un estilo ecléctico y exuberante. Su manipulación del tipo reflejaba un deseo de romper con la tradición y explotar las posibilidades tipográficas de los nuevos sistemas de fotocomposi-
Sus trabajos comprenden packaging, diseño editorial, creación de alfabetos y publicidad. Como diseñador editorial fue responsable del Saturday Evening Post, Eros, Avant Garde y la citada U&lc. Para Avant Garde, Lubalin creó su conocida tipografía del mismo nombre comercializada por ITC desde 1970 para la que también creó con Toni DiSpigna la Serif Gothic. ITC fue fundada por Lubalin, Aaron Burns y Edward Rondthaler con el objetivo de rediseñar tipos clásicos para fotocomposición y crear otros nuevos que tuvieran en cuenta las formidables posibilidades del nuevo medio. La influencia de ITC en el diseño gráfico mundial se vio favorecida por la extraordinaria difusión de su boletín U&lc notablemente influido por las ideas tipográficas de Lubalin y otros creadores como Ed Benguiat. Lubalin se había iniciado en la publicidad lo que explica su capacidad para conectar con gustos mayoritarios y a la moda. Lubalin es, en este sentido, el más decidido representante de una corriente en favor de los retruécanos visuales y la ironía visual.
Adrian Frutiger (n. Unterseen (Suiza), 24 de marzo de 1928) es uno de los tipógrafos más predominantes del siglo XX y continúa influenciando el desarrollo de la tipografía digital en el siglo XXI. Es mejor conocido por la creación de las tipografías Univers y Frutiger. Con dieciséis años entró a trabajar como aprendiz en la imprenta Otto Schaeffli al mismo tiempo que acudía a la Escuela de Artes y Oficios de Zurich. Fue el diseñador de las tipografías Univers y Frutiger a mediados de siglo XX. Nació el 24 de marzo de 1928 en Unterseen (Suiza). En su juventud se sentía atraído por la escultura pero fue desalentado por su padre y su escuela para que se dedicara a la imprenta. Sin embargo su amor a la escultura lo expresó en los diseños de sus tipos.
Adrian Frutiger Nació el 24 de marzo de 1928 en Unterseen (Suiza). En su juventud se sentía atraído por la escultura pero fue desalentado por su padre y su escuela para que se dedicara a la imprenta. Sin embargo su amor a la escultura lo expresó en los diseños de sus tipos. Entra a trabajar como aprendiz en la imprenta Otto Schaeffli al mismo tiempo que acude a la Escuela de Artes y Oficios de Zurcí. En ésta última se enfoca en el estudio y diseño de la caligrafía esperimentada. En 1951 realiza un estudio sobre la escritura occidental que merece un premio del Ministerio del Interior. Frutiger trabaja en esta fundición durante nueve años, siendo su primer trabajo el diseño del tipo President.
André Gürtler
André Gürtler nació en Basilea, Suiza, en 1936, donde estudió diseño tipográfico desde 1952 hasta 1957 con Emil Ruder en la Escuela de Diseño de Basilea. Fue en Monotype Corporation en Salfords, Inglaterra, donde trabajó como diseñador de tipos. Allí se reunió con Adrian Frutiger quien lo invitó a París para colaborar con él en la oficina de diseño de la fundición Deberny Tipo y Peignot. Desde 1965 desarrolló una exhaustiva actividad docente a través de la enseñanza de la historia, la caligrafía, los fundamentos básicos de la letra y el diseño de tipos en la Escuela de Diseño de Basilea. Fue parte del equipo que desarrolló, bajo las órdenes de Adrian Frutiger, los dibujos para la tipografía Univers.. Ha sido profesor invitado en muchos países, principalmente en México, EE.UU. y América del Sur.
Grafiti Se llama grafiti (palabra plural tomada del italiano graffiti, graffire) o pintada a varias formas de inscripción o pintura, generalmente sobre mobiliario urbano. La Real Academia de la lengua española designa como “grafito” una pintada particular, y su plural correspondiente es “grafitos”. También se llama grafiti a las inscripciones que han quedado en paredes desde los tiempos del Imperio romano.
Características
Graffiti in Alborg, Denmark 2004.
En el lenguaje común, el grafiti incluye lo que también se llama pintadas: el resultado de pintar letreros en las paredes, frecuentemente de contenido político o social, con o sin el permiso del dueño del inmueble, y el letrero o conjunto de letreros de dicho carácter que se han pintado en un lugar. También se llama grafito, por extensión, a los eslóganes que se han popularizado con estas técnicas; por ejemplo, los grafitos de los disturbios de mayo de 1968 en París: L’imagination au pouvoir (la imaginación al poder), o Sous les pavés il y a la plage (bajo los adoquines está la playa), . La expresión grafiti se usa también para referirse al movimiento artístico del mismo nombre, diferenciado de la pintura o como subcategoría de la misma, con su origen en el siglo XX. Fue un movimiento iniciado en los años 1960 en Nueva York, o, según aluden fuentes bibliográficas como getting from the underground, en Filadelfia. El grafiti es uno de los cuatro elementos básicos de la cultura hip hop, donde se llama grafo o grafiti a un tipo específico. En este sentido, una pintada política no sería un grafito.
Origen y variantes del término Grafito de estilo hip hop en Estados Unidos, 2000. Pared con grafiti en Londres. Es un término tomado del italiano, graffiti, plural de graffito, que significa ‘marca o inscripción hecha rascando o rayando un muro’ y así llaman también arqueólogos y epigrafistas a las inscripciones espontáneas que han quedado en las paredes desde tiempos del Imperio romano. El arqueólogo Raffaele Garrucci divulgó el término en medios de académicos internacionales a mediados del siglo XIX El neologismo se popularizó y pasó al inglés coloquial al usarse en periódicos neoyorquinos en los años setenta. Por influencia de la cultura estadounidense, el término se popularizó en otros idiomas, entre ellos el castellano. Curiosamente, aunque el término grafiti ha pasado a muchas lenguas, en italiano se emplea el término de origen inglés writing para referirse a los grafitos de estilo hip-hop, ya que grafiti se deja para su sentido original. Entre los hispanohablantes, es habitual oír grafitis, en plural, porque, aunque en la lengua de origen el término ya esté en plural, no se considera de este modo el calco.
Graffiti del Pez , En Barcelona
Graffiti “Hip-Hop” in Eugene, Oregon
Historia Entre los romanos estaba muy extendida la costumbre de la escritura ocasional sobre muros y columnas, esgrafiada y pintada, y se han encontrado múltiples inscripciones en latín vulgar: consignas políticas, insultos, declaraciones de amor, etc, junto a un amplio repertorio de caricaturas y dibujos en lugares menos afectados por la erosión, como en cuevas-santuario, en muros enterrados, en las catacumbas de Roma, o en las ruinas de Pompeya y Herculano, donde quedaron protegidos por la ceniza volcánica. De época moderna se conocen también ejemplos, hechos por marineros y piratas que en sus viajes al pisar tierra dejaban sus seudónimos o iniciales marcadas sobre las piedras o grutas, quemando un trozo de corcho..
Géneros Según Lynn, N y Lea J.S, el graffiti se forma a través del texto, el contenido y la opinión social; formando así una comunicación visual. Para esto existen 3 géneros de graffiti que se presentan a continuación: Art Graffiti Extraído de la música de las calles americana “hip-hop” de los 70s y 80s. Los que trabajan en este género se llaman así mismos “escritores”. Consiste en que el nombre del artista puede estar plasmado en 3 distintas formas: 1) Tag, escrito en un estilo único y personalizado utilizando 1 color, 2)Throw-up: comprende de letras, palabras o un listado de nombres y se utilizan generalmente 2 colores, y 3) Piece: que es el más elaborado, mínimo se utilizan 3 colores y se necesita de varios días para poder terminarlo completamente.
Slogans También llamado “graffiti público”, Halsey and Youg dicen que los slogans parten de la opinión personal a través de la gama de los problemas políticos (preocupaciones ambientales, feminismo, políticas estatales, relaciones internacionales, etc),pero todos comparten el hecho de querer expresar hacia la audiencia de forma natural, su manera de ver las cosas.Latrinalia También llamado “graffiti privado”. Es el tipo de graffiti que es hecho en los baños, es decir, en las paredes, puertas, espejos que se encuentran en los baños.
stencil
STENCIL , ART BANKSY ON BRICK lANE, LONDON.
Fotografia Introducción La fotografía es el arte y la técnica para obtener imágenes duraderas debidas a la acción de la luz.1 Es el proceso de capturar imágenes y fijarlas en un medio material sensible a la luz. Basándose en el principio de la cámara oscura, se proyecta una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido. El término fotografía procede del griego φως (phōs, «luz»), y γραφή (grafḗ, «conjunto de líneas, escritura») que, en conjunto, significa “escribir/grabar con la luz”. Antes de que el término fotografía se utilizara, se conocía como daguerrotipia, ya que el descubrimiento fue hecho público por Louis Daguerre aunque parte de su desarrollo se debió a experiencias previas inéditas de JosephNicéphore Niépce. Para capturar y almacenar esta imagen, las cámaras fotográficas utilizaban hasta hace pocos años una película sensible, mientras que en la actualidad, en la fotografía digital, se emplean sensores CCD; CMOS y memorias digitales.
La cámara de cine es un tipo especial de cámara fotográfica que toma una secuencia rápida de fotografías en tiras de película. Cuando se reproducen a una determinada velocidad los ojos y el cerebro de una persona unen la secuencia de imágenes separadas y se crea la sensación de movimiento.
La cámara oscura es el dispositivo formador de la imagen, mientras que la película fotográfica o el sensor electrónico se encargan de captarla. El almacenamiento de las imágenes capturadas depende del tipo de cámara, quedando guardadas en la misma película si se trata de máquinas clásicas, o en algún dispositivo de memoria en las digitales. En este último caso, la imagen resultante se almacena electrónicamente como información digital, pudiendo ser visualizada en una pantalla o reproducida en papel o en película. Para realizar una toma, el fotógrafo configura previamente la cámara y la lente con el fin de ajustar la calidad de la imagen lumínica a ser proyectada sobre el material fotosensible. Al dispararse el obturador, dicho material es finalmente expuesto, provocando en él alteraciones químicas o físicas que constituyen una “imagen latente”, aún no visible pero presente en su estructura interna. Tras un proceso adecuado, esta información se convierte en una imagen utilizable. En las cámaras clásicas el material sensible es una película o placa fotográfica; mientras que las digitales utilizan dispositivos electrónicos sensibles a la luz, que pueden estar basados en tecnología CCD o en CMOS.
Otros elementos también pueden tener un efecto pronunciado sobre la calidad o la estética de una fotografía; entre ellos los siguientes: Longitud focal y tipo de objetivo (Teleobjetivo u objetivo “largo” , Objetivo macro, gran angular, ojo de pez, u objetivo zoom) Filtros fotográficos, se se sitúan entre el sujeto a fotografiar y el captor, pudiendo situarse por delante o detrás del objetivo. Sensibilidad del medio a la intensidad de la luz y longitud de onda de cada color. La naturaleza del captor de luz; por ejemplo, su resolución medida en pixels o granos de haluro de plata.
10 pasos para una buena fotografia. 1. Identifica el centro de interés Cada fotografía tiene (o debería tener) un centro de interés. ¿De qué es la foto? ¿Es una fotografía de tu novia? ¿Es una fotografía de las pirámides de Egipto?Debería ser obvio para cualquiera que mire una fotografía saber de qué es la foto. Es lo que se denomina el centro de interés. Aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto que esté en en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor Es la primera regla de una buena composición, ya que es la más importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el que quieres tomar la fotografía. Todo lo que hay que hacer a partir de ahí es enfocar el elemento sobre el que queremos centrar el interés.
2. Rellena el encuadre (Fill the frame) Esta regla puede parecer bastante obvia, pero lo cierto es que muchas veces fallamos al aplicarla. Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con ese “algo”, asegurándonos que se convierte de este modo en el centro de atención. Además, de este modo eliminamos posibles elementos que resten atención. Es un fallo demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en una única foto. Al final, lo que conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que queríamos enseñar. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, quitalo.
3. Apóyate en las líneas Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las líneas nos aportan formas y contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra. Cuando vayas avanzando en el mundo de la fotografía podrás comprobar cómo las líneas son uno de los elementos más eficaces a la hora de dirigir la mirada de quien contempla nuestras fotos hacia donde queremos que mire. Las líneas horizontales, verticales y diagonales son elementos compositivos que aportan significado a las imágenes. Un tipo especial de líneas son las líneas convergentes. Son las líneas paralelas que, por el efecto de la distancia, acaban convergiendo en un mismo punto.
4. Trabaja el flujo Después de las líneas, podemos tratar el flujo. El flujo es el modo en el que la mirada del espectador se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de definir el flujo de una fotografía es mediante el uso de líneas. Pueden ser horizontales, verticales, diagonales, convergentes o divergentes. A veces el flujo creado por las líneas es nítido y claro, como los laterales de un edificio que convergen hacia el cielo), o pueden ser menos obvias. Sin embargo, la mirada del espectador debería ser capaz de recorrer los elementos de una parte a otra de la imagen. El flujo crea la ilusión de movimiento (o ausencia de movimiento si se desea). Las líneas diagonales se consideran generalmente más “dinámicas”, mientras que las líneas horizontales y verticales se consideran más “estáticas”. Un equilibrio cuidadoso de elementos estáticos y dinámicos dará un sentido global de movimiento a tus fotografías.
5. Intenta jugar con la dirección. La dirección es similar al flujo. También crea la ilusión de movimiento. Si hay algo en la fotografía que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve. Un ejemplo de esto son las luces de peatones de un semáforo. Cuando está en rojo para los peatones, la figura representa un peatón inmóvil, con las piernas juntas y los brazos bajados. Visualmente, no tiene ninguna apariencia de estar en movimiento. Sin embargo, la figura del peatón en verde que permite cruzar tiene una dirección en la cual se está moviendo. La dirección en fotografía se puede cerar de muchas maneras. Una figura a punto de cruzar una calle puede transmitir movimiento aunque la veamos estática y no se muevan sus brazos y sus pies, porque podemos imaginarla un segundo después cruzando la calle. Del mismo modo, un coche que aparece cortado en el lado izquierdo de una fotografía en la que solo se ve su parte delantera, podemos imaginarlo un segundo después al lado derecho de la foto.
6. Los elementos repetidos. La repetición de algún elemento (unos globos, unos pájaros), dan un sentido de relación de distintas partes de una imagen. Por ejemplo, una bandada de pájaros pueden estar moviendose en grupo por el aire, definiendo formas interesantes en el cielo y añadiendo información sobre la dirección de la fotografía. En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y el compañerismo.
7. Los colores siempre reflejan algo. Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos. Los rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos. Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda de colores fríos . Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante en la composición. En materia de colores hay que prestar atención también al contraste. El contraste se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuesta foto.
8. El interes hacia los grupos de tres objetos. Parece existir una percepción especial de losnúmeros impares en fotografía, y en especial de los grupos de tres elementos. Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una foto puede quedar demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos pueden resultar demasiados para distribuir. Por algún motivo que no se explicar, a las personas nos gusta el número 3. En fotografía suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de interés.
9. La ley de los tercios. Ya escribimos un artículo que explicaba la regla de los tercios con más detalle. Si nos fijamos en obras de arte en cualquier museo, podremos comprobar que si dividimos un cuadro en cuadrículas de igual tamaño de 3x3, las cuatro intersecciones de las cuadrículas dentro del cuadro marcan los puntos de interés. Trazando esta cuadrícula imaginaria sobre la mayoría de las obras nos daremos cuenta de que elementos fundamentales del cuadro recaen sobre esas intersecciones: ventanas y puertas, ojos, líneas de horizonte, picos de montañas, ... Está comprobado que llevando nuestro punto de interés a uno de esos cuatro puntos conseguimos una imagen mejor. En este sentido, reseñar que existen cámaras que permiten visualizar en su LCD una rejilla (grid en inglés) para trabajar con los tercios, por lo que os animo a que reviseis el manual de vuestra cámara si considerais que os puede ayudar a la hora de mejorar la composición.
10. Frente y Fondo. como dimensión El contenido del frente y del fondo de una foto es importante. Tanto en el fondo como en el frente tienen aplicación otros elementos compositivos como los colores o las líneas. Lo importante en el frente y en el fondo es que no haya demasiados detalles que puedan distraer la vista del espectador del centro de interés. La mejor herramienta con la que contamos para marcar la diferencia entre el frente y el fondo de nuestras fotos es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que utilicemos a la hora de hacer fotografías, conseguiremos mayor o menor nitidez en el fondo.
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La Ilustración.
La Ilustración fue una época histórica y un movimiento cultural e intelectual europeo –especialmente en Francia e Inglaterra – --que se desarrolló desde fines del siglo XVII hasta el inicio de la Revolución francesa, aunque en algunos países se prolongó durante los primeros años del siglo XIX. Fue denominado así por su declarada finalidad de disipar las tinieblas de la humanidad mediante las luces de la razón. El siglo XVIII es conocido, por este motivo, como el Siglo de las Luces. Los pensadores de la Ilustración sostenían que la razón humana podía combatir la ignorancia, la superstición y la tiranía, y construir un mundo mejor. La Ilustración tuvo una gran influencia en aspectos económicos, políticos y sociales de la época.
El ideal de la Ilustración fue la naturaleza a través de la razón. En realidad no es más que el espíritu del Renacimiento llevado hasta sus últimas consecuencias, en manifiesta oposición con lo sobrenatural y lo tradicional.. El Ilustrado llegaba al amor al prójimo partiendo de la razón y no de la Revelación. La razón también podía llevarle a Dios creador del orden universal o bien en no creer en principio Supremo alguno. Por ello, la mayoría de los ilustrados eran deístas, aunque o sencillamente ateos. Las instituciones y los sistemas de pensamiento estaban sujetos a la forma racional y científica de pensamiento, tan sólo con que la gente se liberara de las cadenas del pasado y de las tradiciones sin valor, en especial, las religiosas. El nuevo espíritu crítico de la Ilustración, que llegó a adoptar planteamientos científicos respecto de temas reservados hasta entonces a la exclusiva creencia de la fe religiosa o de la teología, estaba a su vez condicionado por la influencia decisiva de dos corrientes filosóficas ya delimitadas en el siglo XVII: el empirismo británico y la filosofía racionalista.
Las características de la Ilustración
CREENCIA EN LA BONDAD NATURAL DEL HOMBRE
EL RACIONALISMO Sin duda, el vocablo más utilizado en el siglo XVIII en literatura, filosofía y ciencia, es el de “racional”.. Los intelectuales de éste siglo dieron a su época en nombre de “siglo de las luces”, refiriéndose a las luces de la lógica, de la inteligencia, que debía iluminarlo todo. Se da enorme importancia a la razón: el hombre puede comprenderlo todo a través de su inteligencia; sólo es real lo que puede ser entendido por la razón. Aquello que no sea racional debe ser rechazado como falso e inútil. Este racionalismo llevó a la lucha contra las supersticiones, por eso en este siglo termina la denominada “caza y quema de brujas”. En el campo de la religión, la postura racionalista hizo que apareciese el deísmo: la mayor parte de los ilustrados son deistas, que afirman la existencia de un Dios creador y justo, pero consideran que el hombre no puede entrar en contacto con la divinidad, y por tanto no sabe nada de ella. De acuerdo con esto, los deistas rechazan las religiones reveladas, pero al mismo tiempo practican la tolerancia religiosa, pues si todas las religiones valen lo mismo.
Los filósofos de la época piensan que el hombre es bueno por naturaleza.
EL OPTIMISMO El hombre del siglo XVIII piensa que la naturaleza es una especie de máquina perfecta que lo hace todo bien.; hay motivos, por tanto, para sentirse optimista. Por otro lado, se considera que la historia supone la evolución progresiva de la humanidad, es decir, que el hombre con el transcurso de los siglos se va perfeccionando continuamente; así llegará el momento en que se logrará construir la sociedad perfecta, una especie de paraíso en la tierra.
BÚSQUEDA DE LA FELICIDAD Se considera que la Naturaleza ha creado al hombre para que sea feliz. Pero de acuerdo con la mentalidad burguesa, esta felicidad para que sea auténtica debe basarse en la propiedad privada, la libertad y la igualdad. Cuando los ilustrados citan la igualdad, no se refieren a la igualdad económica, sino a la política y legal: igualdad ante la ley.
EL LAICISMO La Ilustración es la primera cultura laica de la historia de Europa; cultura al margen del cristianismo, y en algunos aspectos anticristiana.. Esto tiene su explicación en cierto rechazo por parte de la Iglesia, de la forma de vida burguesa. La burguesía constituye una clase que, desde su aparición, vive del comercio, del préstamo con interés y del lucro. Todavía en el siglo XVIII nos encontramos con teólogos que consideraban al préstamo con interés como usura; con moralistas que seguían hablando de ganancias ilícitas y, con sacerdotes que predicaban que era más fácil salvarse a un hombre dedicado al ocio, que no al comerciante.
Una ilustración, además de ser un término referido a la acción y efecto de ilustrar (palabra derivada del latín illustrāre que significa, entre otras cosas, dar luz al entendimiento y adornar un impreso con láminas alusivas para instruir y civilizar), es un concepto que describe a una estampa, grabado o dibujo que complementa el texto de un libro o folleto. Más atrás en el tiempo, el vocablo dio nombre a un movimiento filosófico y cultural del siglo XVIII que se caracterizó por acentuar el predominio de la razón humana y la creencia en el progreso de la especie. Sobre la presentación de esta noción como herramienta que enriquece a una publicación o acompaña a un determinado texto, puede decirse que existen diversas categorías para la misma idea
En función de las características del gráfico incluido, es posible hacer mención a las ilustraciones científicas (por lo general, grabados de anatomía o ingeniería que reproducen imágenes de modo realista), la ilustración literaria (caricaturas o dibujos para libros infantiles), la ilustración publicitaria (presente en envases, productos, folletos instructivos y/o carteles) y a la ilustración editorial (utilizada en medios de comunicación impresos así como también en páginas. Al tratarse de un dibujo, antes del avance de la tecnología la ilustración solía hacerse a mano, tanto con lápiz como con tintas que permitieran apreciar cada creación artesanal. Sin embargo, con la aparición de los equipos informáticos y las facilidades que ofrecen tanto los ordenadores como los programas de diseño, la tendencia tradicional cambió y las ilustraciones digitales comenzaron a adquirir relevancia.
Travis Price – Ilustrador
Ilustrador Australiano, Travis Price posee un portafolio increíble. La ultima decada ha trabajado para grandes marcas mundiales, como Nestle o Intel, así como las mejores agencias creativas del mundo, dando su aporte creativo y sus ilustraciones en campañas de gran atractivo visual. Como el que podras ver en las imagenes que tenemos mas adelante. Entre sus trabajos como freelance ha tenido la oportunidad de crear su propia marca de ropa evidentemente basada en sus diseños y tambien realiza apariciones en la Universidad balarat en Australia como profesor invitado. Su estilo gráfico así como la gama de colores que utiliza en cada ilustración son su gran atractivo.
Frank Frazetta Uno de los Ilustradores Famosos que marcó epoca en sus ilustraciones de ciencia-ficción.
Frank Frazetta nació en Brooklyn, en el año 1928. Fue un pintor, ilustrador e historietista especialmente dedicado a la ciencia-ficción y la fantasía. Sus ilustraciones para Conan o Mad Max marcaron época y hoy en día sirve de inspiración para muchos Ilustradores Famososde todo el mundo. Gracias a que los profesores de Frank Frazzetta que insistieron continuadamente a sus padres, estos aceptaron matricularlo en la Academy of Fine Arts, de Brooklyn, en la que estuvo acudiendo durante 8 años. Era tan talentoso que un profesor llamado Michael Falanga le propuso la idea de ir con el a Europa para continuar sus estudios, ya que tenia tanto talento como para convertirse en un referente y en uno de los próximos ilustradores famosos.
Su primer trabajo fueron las historias en un comic-book llamado: The Snowman, en 1944, cuando solo tenía 16 años. Posteriormente realizó series para DC Comics, bajo los títulos de: The Shining Knight, ME. Después realizó las ahora clásicas cubiertas de Buck Rogers. También participo en la serie de Flash Gordon. Al llegar a los 60 años de edad, logró una explosión creativa dejando una amplia marca en muchos ilustradores famosos de la ciencia ficción actuales.
Tuvo sus proyectos como cartelista de películas, en las que se pueden destacar: Tras la pista del zorro, ¿Qué tal, Pussycat?, el baile de los vampiros, ruta suicida, entre otras. En los posteriores años recopilaron su labor artística al producir una serie de libros donde se recoge lo mejor de su arte. Frank Frazetta falleció en 2010, a la edad de 82 años, de un derrame cerebral.
Magnificas Ilustraciones Digitales de Serge Birault Hoy te presento a Serge Birault, tambien conocido como PapaNinja, es un Artista Digital francés que realiza maravillosas ilustraciones de mujeres; Sexys, malvadas, picaras y en muchos casos armadas, sus bellezas son el mejor ejemplo de la Pin-up moderna. Con un excelente manejo de la figura humana y una técnica envidiable para recrear las formas y detalles en sus ilustraciones, su talento le han valido las apariciones en los más famosos portales de arte digital en el mundo, así como trabajos para portadas y ediciones especiales de revistas como 2dArtist o Imagine FX. No te pierdas esta selección que he hecho el día de hoy de las Magnificas ilustraciones de Serge Birault. Disfruta!
“Ganarse la letra” —Rubén Fontana.
La Universidad Autónoma Metropolitana y el Programa Editorial de la División de Ciencias y Artes para el Diseño de la Unidad Xochimilco, en el marco de la XXVI Feria Internacional del Libro de Guadalajara en México, invitan, el viernes 30 de noviembre de 2012 a las 18:00 h, a la presentación del libro Ganarse la letra de Rubén Fontana, publicación que hace parte de la Colección Antologías, serie que busca apoyar la docencia e investigación de estos entes académicos.
Ganarse la letra, es una antología que nos ofrece una serie de artículos y conferencias presentadas en encuentros internacionales y que reflejan el pensamiento contemporáneo latinoamericano sobre el diseño tipográfico y el diseño editorial de los últimos treinta años. Algunos de los tópicos que se abordan en este libro son: — La relación del arte y el diseño. — El color como programa. — La tipografía y el lenguaje. — La tipografía en los medios masivos. — La tipografía y sus usuarios. — El diseño como herramienta de cambio. — Reportaje sobre la revista tipoGráfica y sobre algunos diseñadores de tipos. Inicialmente el libro se distribuirá en los módulos de la FIL de Guadalajara dentro de los días 24 de noviembre al 2 de diciembre de 2012 y en la librería de la UAM-X. Para conocer más, visite los siguientes enlaces: www.xoc.uam.mx www.fil.com.mx