ARTSY Jeff Koons Koons Gran capacidad Gran capacidad para convertir lo para convertir lo mundano en mundano en “trabajos “trabajos aclamados aclamados de arte” de arte”
Yayoi Yayoi Kusama Kusama Artista rockstar Artista rockstar de la actualidad de la actualidad
Alex Alex Katz Katz
Padre del Padre del figurativismo contemporáneo figurativismo contemporáneo
Ai Weiwei Ai Weiwei
Trabajos que exploran temáticas desafiantes Trabajos que exploran temáticas desafiantes
Moonassi Moonassi
Artista escogido Artista del escogido mes del mes
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Jeff Koons
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Alex Katz
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Yayoi Kusama
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Moonassi
Por lo general sus obras pueden encasillarse dentro de lo que se conoce como kitsch, un arte de producción masiva inspirado en la cultura popular que, a diferencia de un Picasso o un Cézanne, no requiere de reflexión alguna para ser entendido. “Hasta un niño de 5 años puede contemplar mis esculturas, entenderlas y gozar con ellas”, explicó Koons al
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crítico de arte Robert Hughes en una entrevista. Esto, sin embargo, no quiere decir que su trabajo no sea arte. La democratización de la estética es de suma importancia para el norteamericano. Esto explica por qué sus esculturas y sus cuadros tienden hacia lo kitsch y no hacia lo abstracto. Para Koons es fundamental que exista un diálogo entre obra y
público y que esa comunicación no tenga límites. Por eso crea imágenes sencillas y conocidas para la gran mayoría. Mientras que para entender un cuadro de Picasso o de Braque hay que saber que el artista está jugando con los espacios del cuadro y con las formas de las figuras. El Michael Jackson and Bubbles no exige esfuerzo alguno al espectador. Lo único que se requiere
es saber quién es el personaje y por eso la globalización es el gran aliado de lo kitsch. La gran inspiración de Koons es, empero, la cultura popular. Esto ha llevado a algunos a afirmar que el artista es un crítico de la sociedad y que la entiende mejor que nadie. Pero la realidad puede ser un poco más sencilla: él le da a la gente lo que la gente quiere. Un ejemplo de esto es la serie Made in Heaven (1989) que creó a finales de los ochenta cuando la sexualidad y el erotismo estaba en boca de todos. Miles de visitantes fueron a ver la polémica exposición en la que Koons y su entonces esposa Ilona Staller – la Cicciollina– aparecían en óleos con mariposas, esculturas con culebras y porcelanas de diferentes tamaños teniendo relaciones sexuales.
Trabajó como corredor de bolsa en Wall Street antes de establecerse como artista. Comenzó a hacerse notar en los años 1980 y abrió un taller con un personal de 30 ayudantes manejado de modo similar al célebre estudio de Andy Warhol conocido como The Factory. Koons es un empresario especulador que supo publicitar su obra y que le llevó a contratar los servicios de una agencia de publicidad para promover su imagen, algo nunca visto. Dada la naturaleza de su trabajo, Koons ha sido en repetidas ocasiones objeto de demandas legales por violación a los derechos de autor no siempre obteniendo veredictos favorables en las cortes.
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Alex Katz A Katz se le ha tratado de pintor frívolo y mundano hasta decir basta, desdeñado por el canon e incomprendido por una crítica que nunca tuvo muy claro dónde ubicarlo. Tras décadas de menosprecio, la gloria ha terminado llamando a su puerta. “Por fin se están poniendo al día conmigo. No sé por qué les ha costado tantos años”, ironiza. Katz admite que nunca lo puso fácil, siendo un pintor figurativo en tiempos de abstracción, además de un aficionado a llevar la contraria por sistema. Como The New York Times dijo una vez, Katz se ha empeñado en “nadar contra la marea de las revoluciones anteriores”. “Como mi madre solía decir, si todo
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el mundo se hubiera puesto a pintar rostros, yo hubiera preferido las nucas”, reconoce. “Le ha costado ingresar en el canon, pero finalmente ha arraigado”, opina el crítico Juan Manuel Bonet, exdirector del IVAM y del Museo Reina Sofía y responsable de una de las primeras grandes muestras que celebraron a Katz en Europa, en 1996. “Es una alegría que cada vez más gente entienda su grandeza y comprobar que no hace falta pertenecer a un movimiento para construir una obra consistente y ejemplar, que ha abierto camino a pintores más jóvenes”. Por ejemplo, los cotizadísimos Peter Doig o Elizabeth Peyton se reclaman herederos de Katz.
El pintor dice que su objetivo siempre fue dibujar “como lo hacían Picasso o Matisse, pero con un trazo más preciso”. Lo consiguió pintando rostros gigantes con brocha gorda, a los que hacía resaltar sobre fondos neutros, sin perspectiva ni profundidad, como en un reclamo publicitario en un billboard neoyorquino de los cincuenta. “Buscaba una superficie agresiva”, explica Katz. “Cuando vi su obra por primera vez, a mediados de los setenta, me pareció anómala, ambiciosa e impredecible. Estaba compuesta por imágenes íntimas y cotidianas, pero pintadas a la misma escala heroica que utilizaba la escuela abstracta”, explica Robert Storr, ex conservador jefe del MoMA y decano de la Yale School of Art.
“Padre del figurativismo contemporáneo”
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Yayoi Kusama Este ícono rebelde del mundo del arte ha estado llenando nuestra imaginación de puntos infinitos desde los años 50, y hoy conocemos más sobre ella. Durante casi nueve décadas de vida, la artista Yayoi Kusama ha pasado de ser una habitante más del Japón rural para convertirse en una de las representantes de la escena vanguardista de Nueva York, que ahora retorna a Tokio para llenarlo de arte contemporáneo. Su carrera ha estado llena de innovaciones y reinvenciones de su estilo, lleno de lunares y de espacios tan extensos como el universo en los que la pintura, el dibujo, la escultura, el filme, los performances y las instalaciones de inmersión han formado parte de su legado. Gran parte de su trabajo ha sido marcado por la obsesión y el
deseo de escapar del trauma psicológico, y en un intento por compartir sus experiencias, crea mundos que sumergen al espectador en su visión obsesiva de puntos y redes, así como espacios que se reflejan en espejos hacia el infinito. Kusama nació en 1929 en la ciudad de Matsumoto. Empezó a crear muy joven, en la década de los 40. “El estado catastrófico de Japón después de la guerra es evidente en las imágenes apocalípticas de las primeras pinturas de Kusama, pero también en su uso improvisado de los materiales. Como no podía conseguir pinturas al óleo, experimentó con pinturas comunes de uso doméstico mezcladas con arena y utilizó costales de semillas del negocio de sus padres como lienzos”. En 1957 Kusama se
trasladó a vivir a Nueva York -que vivía la efervescencia del expresionismo abstracto- lo que significó un hito en su carrera. Allí conoció a Donald Judd, Andy Warhol y Joseph Cornell. Empezó entonces a hacer “esculturas blandas”, conocidas como Accumulations (Acumulaciones): “Objetos cotidianos como bolsos, sillas, escaleras de mano y zapatos, cubiertos con elementos rellenos de tela que se asemejan a falos”. En 1973 regresa a Japón y en 1977 se presenta otro hito que, para bien o para mal, marcó en adelante su vida artística y la interpretación de su obra: ingresó de manera voluntaria a una clínica psiquiátrica, en la que reside desde entonces. Según el Museo Tamayo “a la marcada peculiaridad psicológica de su obra, se suma
un amplio espectro de innovaciones formales y reinvenciones que le permiten a la artista compartir con un público amplio su singular visión, a través de los infinitos espacios espejados y las superficies obsesivamente cubiertas de puntos que le han dado fama internacional”. La exhibición Obsesión Infinita presenta un amplio recorrido por su trabajo. Son un un centenar de piezas que van de 1950 a 2014. Se incluyen pinturas, obras en papel, esculturas, videos, presentaciones con diapositivas e instalaciones. Obsesión Infinita es la primera retrospectiva de la obra de Fukusama que se realiza en América Latina. Ya ha pasado por Argentina y Brasil, donde recibió casi dos millones de visitantes.
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“Trabajos que exploran temáticas desafiantes”
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Premios 2008 2009 2010
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Chinese Contemporary Art Awards.
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GQ Hombre del año 2009.
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Doctorado honorario por la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la Universidad de Ghent, Bélgica.
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En octubre, la revista ArtReview nombró a Ai el #1 de su lista anual “Power 100”.
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Václav Havel Prize for Creative Dis sent de la Fundación de Derechos Hu manos el 2 de mayo de 2012.
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En abril, Ai Weiwei recibió el Premio de la Asociación Tasadores a la Exce lencia en las Artes. Fast Company lo puso en su lista de las 100 personas más creativas en los negocios.
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Ai Weiwei
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Moonassi Las ilustraciones de Monassi son como su nombre. Y es que en realidad se llama Daehyun Kim, un nombre complejo y un apellido sencillo. Sus dibujos son simples en cuanto a las formas y la técnica, pero encierran conceptos complejos que hay que pararse a mirar dos veces. O tres. Monassi es algo así como un ilustrador Zen. No, no es que rija sus composiciones por el Feng Shui (o sí), pero si es verdad que todo lo que hace tiene ese rollito meditativo. Sólo usa la tinta negra en sus dibujos porque dice que le fascina trabajar con esa limitación del no-color y que, si algún día se aburre, lo mismo se decide y usa un gris. ¡Qué grande! La obra gráfica de Moonassi dentro de su aparente sencillez está cargada de un fuerte contenido
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psicológico que la hace sumamente atractiva. De linea limpia y con la austeridad del blanco y negro consigue unas potentes y al mismo tiempo delicadas imágenes donde todo el trasfondo es la compleja conexión del ser humano con su interior y con la conciencia colectiva e individual. El oscuro y complejo funcionamiento del cerebro humano, sus sentimientos, sus reacciones ante las emisiones externas, etc. son la única y personal temática que en la etapa actual tiene prioridad en la fórmula concebida por Kim. Analizar cada obra y su contenido no es sencillo pero muy interesante y más cuando los dos componentes de cualquier expresión artística como son la forma y el contenido, en esta caso, están tan bien equilibrados.
Artista de la tinta negra
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ARTSY