convocatorias///cartelera///entrevistas///opini贸n///fotogramas
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Editoras Andrea Sifuentes y Valquiria Ramos Directoras Andrea Sifuentes y Valquiria Ramos Redacctoras Jefe Andrea Sifuentes y Valquiria Ramos Redacción Andrea Sifuentes y Valquiria Ramos Directoras Creativas Andrea Sifuentes y Valquiria Ramos Diagramadoras Andrea Sifuentes y Valquiria Ramos Colaboradores Adrián Gonzales, Alejandro Roca, Jeanette Pérez, Franco Anaya, Lucero Ascarza, Rosa Laura, Jorge Luis Huamán y Julio Casanova.
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Año 1/Edición I
editorial 5 convocatorias///agenda 6 cartelera 7
técnicas de grabación
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carmen rosa vargas
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rafael arévalo
10 rosanna díaz 13 TARANTINO 17 chungking express 18 iron man 3 19 el gran gatsby 20 F.4 22 audition///cs6///taller
Año 1/Edición I
La generación de los sueños Valquiria Ramos (valquiria.ramos@pucp.pe)
Es el sueño de todo cinéfilo ver su afición convertida en algo concreto. Hacer cine no es tarea fácil; de hecho, muchas de las grandes producciones de la historia llevan detrás una que puede resultar tan o más interesante que la ficción. Estamos rodeados de soñadores, pero no todos lo saben. Entre nuestros compañeros de promoción figuran muchas personas que secretamente anhelan ser el próximo Alejandro González-Iñárritu, o la siguiente Sofía Coppola... y, para ser inclusivos, mencionemos también a quienes aspiran a tener un futuro como el de Efraín Aguilar. Sin embargo, hemos decidido centrar nuestra atención en un sector en particular, que ha decidido ya dedicarse a uno de los sectores más interesantes y a la vez arriesgados de nuestro medio laboral local: el cine. Hay pocos lugares tan poco propicios como nuestro país para hacer cine: lejos de la industria cinematográfica, fuera de un entorno de tradición creativa en dicho rubro, sin referentes locales destacables por un consenso mayoritario, con una audiencia pesimista y una oferta paupérrima en formación para los nóveles, el Perú se muestra como el escenario de un desafío impuesto por el destino para el joven cineasta con el fin de forjar su carácter. ¿Qué mejor prueba de voluntad que implantarlo - en contra de su voluntad - en un lugar que, prácticamente, se ve obligado a expulsarlo por su propio bien? Por eso, desde nuestra revista queremos empezar por expresar nuestro gran respeto y admiración por ustedes, estudiantes de Comunicación Audiovisual, por el coraje de atreverse a perseguir sus sueños. Sin embargo, no queremos quedarnos en los buenos deseos. Nuestra revista nace con el objetivo de darles un espacio a los futuros cineastas para publicar sus trabajos, conocer más sobre los referentes de su arte, para saber sobre cómo algunos peruanos han logrado llevar a cabo su sueño de hacer cine, y en líneas generales, seguir alimentando su vocación. Bienvenidos a nuestra revista: nosotros creemos en sus sueños.
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La salud mental en las mujeres
actual idad
El premio tiene un estímulo económico de siete mil soles (S/.7.000) para el ganador/a del primer lugar. Los cinco trabajos premiados serán exhibidos públicamente en diversos video-foros. Los cortometrajes deben desarrollar como tema principal o subsidiario, la relación entre mujeres, género y la salud mental, especialmente la situación de la depresión, los factores de riesgo y los estilos de vida saludable en el Perú.
Creatividad al Límite El concurso “Pon tu creatividad al Límite” de la APEA (Asociación por el arte) busca motivar a jóvenes de entre 18 y 25 años a presentar sus cortos audiovisuales. Esta vez el jurado otorgará un premio de 1500 dólares al primer lugar, así como una visita guiada a un estudio de filmación. El cierre de convocatorias es el 21 de Julio en su portal web.
7° Festival de Cine Peruano de París Este festival se realizará del 03 al 09 de abril de este año en la Ciudad de las Luces, con el auspicio de DICINE, Apple y el Ministerio de Cultura frances. Las categorías son: Premio al mejor largometraje, Premio al mejor documental, Premio al mejor cortometraje, y el Premio del jurado. ¿Qué esperas? Manda tu propuesta a www.peroupacha.com
AGENDA CULTURAL
CONVOCATORIAS
14-23 junio Festival de Cine Indepen-
diente de Lima. Cine de autor, experimental, expresivo y explorativo.
28 mayo - 25 agosto Iconos
del videoarte: el cuerpo. Lugar: CCPUCP. La curadora es Maria Toral
17 junio Cine club: Sean Connery, agente
secreto 007. Lugar: Centro Cultural Ricardo Palma. Se proyectarán “Operación Trueno” y “Diamantes para la eternidad”.
22 junio Cine en tu huaca: “Saicomanía” y “El delfín, la historia de un soñador”. Huaca Mateo Salado.
Año 1/Edición I
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ad d i l a u t ac
Cartelera
Django Unchained Dir. Quentin Tarantino. Fotografía: Robert Richardson. Edición: Fred Raskin.
Quentin Tarantino nos lleva al imaginario western con esta nueva adaptación del clásico Django de Sergio Corbucci. En este nuevo episodio, el personaje principal es un esclavo que será leberado por un doctor. Juntos emprederán la búsqueda mortal de los herma-
nos Wright. Cuenta con la actuación de Jamie Foxx. Este film fue aclamado por la crítica y se le considera una de las mejores eplículas nuevas de Tarantino. La fotografía es excelente.
Asu Mare Dir: Ricardo Maldonado. Sonido: Rosa Maria Oliart. Fotografía: Abel Irribarren
Esta es la película autobriográfica de Carlos Alcántara, el popular Cachín. Muestra sus incios en la actuación, su vida en su barrio, y cómo es que superó todos los obstáculos. La película muestra a su madre, Chavela Vargas, interpretada por Fiorella Rivera. Las actuaciones son buenas y
muestran el paso de la vida de un joven que sólo soñaba con entretener a los demás y con hacer feliz a su madre. La película es íntegramente grabada en Lima.
Guerra Mundial Z Dir: Marc Forster. Producción: Ian Bryce. Fotografía: Ben Seresin.
¿Te imaginas quedar atrapado en la ciudad más movida y llena del mundo en plena invasión zombie? A Brad Pitt en esta película no solo le sucede esto, además debe de salvar a su familia y descubrir cual es el mejor final de esta infección. Guerra Mundial Z nos acerca al mundo de los zombies, seres que
nos infectarán y acabarán con la población mundial en pocas horas. Un nuevo tipo de guerra comienza en Rusia y Brad tiene la misión de terminarla.
The Avengers Dir: Joss Whedon . Fotografía: Alan Silvestri. Edición: Jeffrey Ford/ Lisa Lassek
En esta nueva entrega del clásico de Marvel, el grupo de superhéroes favoritos de todos sale a salvar el planeta aunque sus diferencias se lo impidan. Nos muestra una visión humana de los superhéroes y de cómo ellos deben de salvarse a sí mismos para salvarnos a todos. Los avengers cuenta con
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la participación de múltiples actores aclamados, entre ellos Robert Downey Jr en el papel de Iron Man y Scarlett Johannson en el papel de La viudad negra.
Año 1/Edición I
Por
Andrea Sifuentes andrea@pucp.pe
técnicas grabación
de
Lección 1
Cómo hacer un travelling decente
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Prepara los materiales
En la foto está sobre un tramo de 2 metros de tubería PVC. Nosotros tenemos 3 tramos, y puedes poner cuantos quieras, empalmados con listones de madera que encajan en el interior del tubo. El apoyo para empujar/tirar no es demasiado fuerte, así que probablemente lo cambiemos por uno de los patinetes plegables que estuvieron tan de moda el 2000 y ahora encuentras por 4 duros.
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Asegura las tuercas
Como podréis apreciar, el perfil de aluminio solo está sujeto a la base por un tornillo. Hay otro al otro lado, pero solo deja que el perfil se apoye. Así conseguimos una cierta tolerancia de cada grupo para que se adapte al tubo y se alinee correctamente (ese es el gran desafío, si no alieais bien los grupos de ruedas de forma que se apoyen por igual en los tubos, el dolly no funcionará bien). Otro truco: tuercas autoblocantes
Año 1/Edición I
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Coloca las ruedas
Grupo de ruedas. son de patin en linea, modalidad calle. No solo no quedaban ruedas de monopatin, más recomendables por su anchura, sino que además sólo les quedaban 12 (3 juegos). Así que, como nos corría mucha prisa, pues nos arriesgamos a que no funcionara. Pero funcionó. Dos ruedas exteriores, y una interior. en las ruedas.
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Coloca los seguros y ¡listo!
Observad cómo se adapta el grupo de ruedas a la tubería de PVC. Al repartirse tanto las cargas, la robustez es mayor. Es importante la doble tabla, que nosotros atornillamos pero que convendría también pegar.
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No te rindas ante la fragilidad del carrito
Parece frágil, pero la verdad es que aguanta lo que le eches (en nuestro caso, un operador, una cámara, una banqueta y el trípode, unos 90kg). Aquí podeis ver el segundo tornillo que no atraviesa el perfil de aluminio, dejando que éste pueda ajustarse y alinearse correctamente. Por otro lado, observad que pusimos dos tuercas como espaciadores (si poneis demasiadas arandelas no será tan rígido). Por suerte, hay una medida de tornillo que coincide exactamente con el diametro interno de los rodamientos de las ruedas de patín.
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uerda: Un Dolly la cual m no es mas que una plata over la c fo á to no es tan trivia mara. Sin emba rma sobre rgo, el a l como s básica d s u ebe pos eer las s ena. En su form uniguiente a más - Debe p s caracterí roveer m sticas: ovimien to suave - Debe s y contin er silenc uo. ioso. ¡Buena s uerte! efectoKuleshov 7
EL ARTE PROFUNDO
an n i p o S O los PR
CARMEN ROSA VARGAS
Directora de Fotografía
Carmen Rosa se deja querer. Desde el momento en que conversas con ella sobre la dirección de fotografía te deja clara que es su pasión. Más allá de un trabajo, en esta entrevista, ella nos explica cómo inició la carrera por la búsqueda de la luz perfecta, la luz que ella misma transmite, la luz que inspira. ¿Desde cuando te dedicas a la dirección de fotografía en cine? Desde hace unos 17 años. ¿Cómo nació tu interés por esta área? Desde chica yo era la que tomaba las fotos en la casa. Era la fotografa de la familia, no porque me mandaban sino porque me gustaba.Era la más chibola pero siempre veía la cámara. Además mis papás y mis hermanos eran muy cinéfilos y para no quedarme sola en casa me llevaban muy seguido al cine, tambien al teatro. Entré a la universidad a estudiar comunicaciones y en esa época había más chicas que chicos estudiando esa carrera, así que en las prácticas las chicas no querían ser cámara y a mi si, entonces yo siempre me quedaba siendo cámara, haciendo la fotografía. Me gusta el lenguaje de la cámara, como podemos expresarnos a través de una imagen en movimiento. En el séptimo ciclo entre a un curso que se llamaba dirección de fotografía y ahí vi la luz. El profesor era James Dettleff y nos explicó de que se trataba la dirección de fotografía, así que dije esto es a lo que me queiro dedicar en mi vida. ¿Cómo ha ido evolucionando tu carrera? Lo maravilloso de esta carrera es que nunca se termina de aprender, además es una carrera generosa con el tiempo porque mientras más años tienes más experiencia tienes, acumulas más conocimientos. En
este país, el trabajo de dirección de arte es una cosa de hombres. Cuando ya eres director ya no tienes que hacer muchas cosas, pero cuando empiezas, como gaffer, si tienes que cargar, mover, cambiar lentes. Me costo que la gente me respete por mi trabajo, por ser mujer. Considero que estoy sieneo una directora de fotografía, la que yo quiero . Tiene que ver con ver muchas pellículas, muchos libros, muchas fotografías, con ver y practicar mucho. ¿Actualmente a que te dedicas? Actualmente soy docente en la PUCP y soy directora de fotografía. Que proyectos te encuentras realizando actualmente? Acabo de finalizar un largometraje.De un director chiclayano que se llama “Sebastian”, la idea es que llegue a Sundance. Estoy en televisión en teatro. Trato de hacer luz en todos lados. En nuestro país el director de fotografía debe de ser multifacético. Debemos hacer luz o imagen, porque no hay mucha chamba. Si hay que hacer en televisión en televisión, si toca en teatro, en teatro. ¿ Cuál es el proyecto que recuerdas más? Mi primer largo me marcó la vida, pasé a otro espacio. Me acuerdo mi primer corto en cámara volex, como ponía la película. Hay cpsas que me han marcado la vida, sobretodo con cada tipo de cámara que he ido agarrando. ¿Qué consejos le darías a los alumnos? La direción de fotografía se encarga de la imagen de un audiovisual. Nos encargamos de toda la parte de imagen, es el puesto más importante despues del director, nuestra chamba es hacer de esas imágenes realidad. Aquí es una chamba complicada, pero el que tiene vocación para la luz lo va a saber porque es un trabajo muy emocional, es un trabajo que sale del corazón. Deben ver muchas imágenes, deben de tener mucha pasión por lo que hacen.
“El que tiene vocación para la luz lo va a saber porque es un trabajo muy emocional” 8 efectoKuleshov
Año 1/Edición I
SER INDEPENDIENTE RAFAEL ARÉVALO Director Independiente
A los 29 años, Rafael Arévalo ha realizado cuatro largometrajes, un mediometraje y tres cortos. Su febril ritmo de producción no sería posible sin el cine digital y su firme vocación por el Hazlo tú mismo y sobre todo el Hazlo. Con presupuestos ínfimos, un equipo técnico formado por dos personas y la participación de actores no profesionales (amigos, incluida la redactora de esta nota) en la mayoría de los roles, Rafael se las ha arreglado para tejer una filmografía muy personal, que en un principio llamó la atención por lo excéntrico y austero de la propuesta y hoy, con su cuarta película, AM/FM recibe elogios unánimes del público y la crítica. Este año, todas sus películas han sido proyectadas en ciclos especiales en el Festival Iberoamericano de Cine Digital y el Centro Cultural de España. Rafael, muchos críticos han usado el término bizarro para definir tu cine y las historias que representas ¿Qué piensas de eso? De hecho es un término que se adecúa bien a las películas que he realizado. Mi cine tiene esos elementos bizarros porque, como estoy acostumbrado a hacer películas tan independientes , con tan poco presupuesto y con tantas limitaciones que me obligan a trabajar con escenarios naturales y actuaciones entre “naturalistas” y “no actuaciones” (como quieran llamarse), me gusta incluir elementos que pueden ser fantásticos y a veces alucinatorios. Me gusta jugar con el elemento de la fantasía cuando emerge de lo cotidiano, cuando está tan asimilado que no se puede considerar fantasía sino un elemento común. Definitivamente mi cine es bizarro en el
sentido de que son historias con elementos muy alucinantes, extraños, muy psicotrónicos, pero que en el fondo manejan interpretaciones que pueden ser fáciles de asimilar por cualquier tipo de persona. Sé qué tu prefieres el termino psicotrónico. ¿Puedes explicar ese término para la mayoría de gente que no lo conoce en el Perú? Creo que lo psicotrónico de la palabra psicotrónico es que no tiene una definición de enciclopedia. Es una palabra tan loca que se puede acomodar a muchas cosas locas. Yo al menos lo pongo como característica de mi cine porque son realidades exageradas en niveles que las vuelven irreales, y manejan elementos kitsch, desde cosas coloridas, rimbombantes, hasta alucinantes, en todo el sentido de la palabra. Además del cine de autor, valoras igualmente las pelis de entretenimiento masivas, de súper héroes y de terror. ¿Cuán importante es para ti entretener? ¿Piensas en eso cuando haces una película? Yo me divierto hasta cuando estoy en los rodajes, y me gusta que mi película sea una especie de divertimento porque tiene elementos bien rayados, cosas de comedia un poco negra, pero también me gusta no ponérsela fácil al espectador, retarlo un poco. Eso me gusta de hacer estas películas llamadas bizarras: que me permiten crear pequeños universos, que manejan ciertos códigos, ciertos tipos de personajes y situaciones. Y es inevitable. Consumo cine A, B, Z, artístico, de vanguardia, hasta cierto cine rompedor, “terrorista”, por llamarlo de alguna manera. Con mi primera película, Alienados, no pensé en divertir al público porque la ópera prima es como una declaración de principios. Pero las demás películas he intentado hacerlas más accesibles porque me gusta transmitir varios mensajes codificados para que el público se divierta interpretándolo cada cual a su manera.
“Eso me gusta de hacer estas películas llamadas bizarras: me permiten crear pequeños universos” Año 1/Edición I
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A帽o 1/Edici贸n I
La escritora y guionista nacional Rossana Diaz Costa regresa a su añorada Lima luego de su periplo por España para retomar proyectos pendientes y envolverse de la añoranza de su barrio, al que ha dedicado gran parte de su obra: Los olvidados (no los de Buñuel, los míos). Al hablar con ella, uno se da cuenta de ese dejo español que muchas veces le ha facilitado su estancia en la Madre Patria, sobre todo cuando permaneció como ilegal. Ella nos cuenta sus peripecias por España, donde pudo ser testigo de los apuros de los inmigrantes en aquella sociedad un tanto prejuiciosa, pero donde vivió la gran experiencia europea, tan curiosa para algunos y llena de gente entusiasta y extrovertida para otros; en especial donde residió: La Coruña y Madrid.
Conociendo Tombuctú Pocas personas cuentan con un ánimo y una vocación tan fuertes como Rossana Díaz. Su pasión por el cine y la vida la han llevado a lugares lejanos, y no cabe duda que aún tiene mucho por recorrer. Tiene una película pronta a estrenarse y una carrera que ya empieza a despegar. Año 1/Edición I
Pero ¿Quién es exactamente Rossana Diaz Costa? Licenciada en Literatura por la Universidad Católica del Perú, viajó a España con una beca en 1997 para llevar cursos de doctorado de Filología Hispánica en la Universidad de La Coruña. Luego estudió realización en la Escuela de Imagen y Sonido de La Coruña y, hace unos años, se instaló en Madrid para estudiar en la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid, donde se acaba de graduar de guionista. Pero, además de perfeccionarse en el mundo del cine, también se ha desarrollado notablemente en el literario al lograr el premio Lituma, de la Universidad de Murcia (1998), con su primera obra Con Alfredo en La Coruña, teniendo el honor de recibirlo de parte de nuestro reconocido escritor Mario Vargas Llosa. En el 2000 ganó el premio Federico García Lorca y en Lima fue finalista de los premios Copé (2001 y 2003) y Nacional de Narrativa PUCP 2004; posteriormente el 2005, en España, fue seleccionada con el cuento ganador del Premio Federico García Lorca para la exposición Ojos del sur, presentada en el Parlamento Europeo (Bruselas)
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“ Habitualmente se piensa que el guión es solo hacer diálogos y eso es totalmente falso. Lo último que se pone es el diálogo. Lo primero es la historia, los personajes, la estructura, el ritmo, el tono de la historia. ”
Dentro de su universo literario Los olvidados (no los de Buñuel, los míos), es una obra que refleja diversos recuerdos en Lima, La Coruña y Madrid. Lleno de matices, ingresa a un mundo de sueños que la autora plasma en algunas de sus narraciones, como se nota en los cuentos Reunión de muertos, Crónica inicial de un viaje anunciado, La lucha contra el estornino, entre otros. Rossana nos explica que su profesión iba dirigida a la literatura, pero el destino la encaminó hacia la cinematografía, en donde se desenvuelve con mayor frecuencia. “El cine en el Perú no posee una trayectoria que lo identifique” Díaz indicó que lamentablemente en el Perú no existe un verdadero cine. “Las películas peruanas tienen graves problemas, porque cuando el mensaje de la cinta confunde al espectador o cuando se pierde la ilación de la película, es claro que hay un mal guión. Por eso la gente muchas veces no se identifica con el cine peruano. Falta formación, falta industria. En el Perú, nunca hemos tenido un antes y un después en el cine, solo hechos aislados, carecemos de una etapa clásica, de una etapa de ruptura, de una nueva ola. Los únicos tres países que han tenido una verdadera historia del cine son Argentina, México y Brasil, en parte también Cuba. Ellos han pasado del cine mudo a la etapa sonora-clásica, han vivido las mismas etapas que en Europa y Estados Unidos, han tenido estudios, una industria del cine que funcionaba paralela a la de los países del norte, por eso no tienen que envidiar a una película europea o americana”, dijo en conversación con Xcrivas.
Rossana Diaz manifestó que este problema tiene varios factores, lo primero, que el cine como invento, llegó tarde a nuestro país. “No hubo presencia del cine en un primer momento y tampoco ha pasado por las etapas que ya mencioné. Como en todo arte, en el cine existen corrientes, momentos de cambio, de descubrimientos, eso no ha pasado aquí realmente. Y además, no hay escuelas de cine, que son fundamentales para lograr una formación adecuada con gente joven especializada en cada uno de los oficios del cine”. “Fui a España por Literatura pero me perfeccioné en cine” Rossana Diaz, explica las experiencias obtenidas en España sobre el cine y cómo poder enfocarlo en la sociedad peruana, pese a las diferencias abismales, entre ambos mundos. “Tuve una beca de tres meses en Literatura en la Universidad de La Coruña, y estuve dando clases de Literatura Latinoamericana, pero luego, al quedar de ilegal, trabajé como profesora de inglés y traductora. Permanecí en España doce años; primero hice los cursos de doctorado en Literatura y de ahí estudié guión, dirección y edición en la Escuela de Imagen y Sonido de La Coruña. Luego, me especialicé en guión en la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de Madrid, mientras seguía dando clases para mantenerme”, contó. Rossana Diaz explica que la literatura y el cine están muy divididos ante la gente. La gente los separa mucho, aunque el principio es el mismo. “El guión tiene que estar escrito como un poema, tienes que colocar las palabras exactas, se requiere de exac-
titud, de estructura, por eso mismo no es fácil hacer un guión”. “Habitualmente se piensa que el guión es solo hacer diálogos y eso es totalmente falso. Lo último que se pone es el diálogo. Lo primero es la historia, los personajes, la estructura, el ritmo, el tono de la historia. Al final de todo este proceso se escriben los diálogos. Yo he tenido que escribir largometrajes y puedes estar varios meses e incluso años escribiendo las distintas versiones del guión. Es el mismo esfuerzo que hacer una novela”, dijo para luego comparar los guiones de cine con los de teatro. “El guión para teatro es diferente porque ahí entra más la literatura, además, ahí tienes que montar un solo escenario, en donde el director de la obra ya verá como recrea el campo, el mar. El cine es más complejo porque son locaciones diferentes, la estructura es complicada, tienes que imaginar la historia pensando en imágenes, en sonidos, ahí tú vas armando una versión que se llama tratamiento, donde el guionista cuenta la historia en tiempo presente, todas las acciones de los personajes, pero aún sin diálogos y sin secuencias”, manifestó. Además de ser una excelente guionista, directora y ser humano, Rossana enseña en la PUCP, en donde imparte clases desde EE.GG.LL hasta la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación. Ella inspira a sus alumnos a amar el cine con cada palabra que pronuncia, lo que la convierte en un ser inolvidable. Rossana actualmente está a punto de estrenar su película “Viaje a Tombuctú” la cual cuenta con una gran espera y será un gran exito.
El tratamiento visual de la película se elaboró con mucha nostalgia por parte del equipo técnico. Se filmó en La Punta.
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especi al
TARANTINO Tarantino ha creado un estilo propio y único, haciendo de él uno de los más puros Auteurs recientes. Él expresa sus películas exactamente desde su punto de vista, por ejemplo, en Kill Bill, combinó el estilo de las películas de kung
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fu de Sonny Chiba y los spaghetti westerns de Sergio Leone. Tarantino es el primero en decir que está fuertemente inspirado en la trama y en el estilo por sus películas favoritas; y logra rendir homenaje a éstas, pero aun así sus pe-
lículas tienen un toque único y propio. La música también es una parte muy importante de su estilo de filmación, y ha sido reconocido por ello con el premio Music and Film en los Critics’ Choice Awards en 2011.
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Quentin Jerome Tarantino nació en la localidad estadounidense de Knoxville, ubicada en el estado de Tennessee. En el momento de nacer, sus padres, Tony, un estudiante de derecho, y Connie, estudiante de enfermería, solamente tenían 21 y 16 años. La pareja bautizó a su hijo con el nombre de Quentin basándose en el personaje de Burt Reynolds (Quint Asper) en la serie televisiva del oeste “Gunsmoke”. Tony y Connie se divorciaron poco después de la boda y a los dos años de edad, el pequeño Quentin se trasladó con su madre a Los Angeles, ciudad en la que Connie contrajo matrimonio con Curt Zastoupil. Desde niño e influenciado por su madre, Tarantino acudió a menudo al cine, escuchaba música rock, leía publicaciones pulp y veía numerosas series de televisión. En su adolescencia abandonó los estudios y comenzó a trabajar como acomodador de un cine porno. En 1985 logró un trabajo en un videoclub, el Video Archive de Manhattan Beach (California), lugar en donde acrecentó su ingente cultura cinematográfica. En el videoclub Quentin entabló amistad con el estudiante de cine Roger Avary y conoció al productor John Langley, quien quedó prendado del amplio conocimiento del medio audiovisual que poseían los dos cinéfilos. Langley les contrató para trabajar como asistentes de producción de “Maximum Potencial” (1987), un título de ejercicios
destinado al mercado del vídeo en el que Dolph Lundgren ponía de manifiesto sus habilidades en el body building, las artes marciales o el boxeo. Avary y Tarantino comenzaron a finales de los años 80 a escribir su primer guión conjunto, “True Romance”, que en 1993 fue adaptado al cine por Tony Scott con el título de “Amor a quemarropa”. Por esa época Quentin dirigió una comedia inacabada titulada “My best friend’s birthday” (1987), co-escrita junto a Craig Hamman. En los primeros años de la década de los 90, Tarantino conoció al productor Lawrence Bender, quien recibió con entusiasmo el guión de “Reservoir Dogs”. Poco después puso el texto en conocimiento del actor Harvey Keitel. Keitel avaló el proyecto en la producción y la interpretación y comenzaron a rodar el guión. El violento y estiloso thriller “Reservoir Dogs” (1992) cosechó un gran reconocimiento crítico en el Festival de Sundance y se convirtió rápidamente en un título de culto. El talento cinematográfico de Tarantino, inspirado por un eclecticismo cinéfilo que bebe de fuentes diversas (desde John Woo, Martin Scorsese o Sam Fuller hasta Howard Hawks, Phil Karlson, Sergio Leone o la Nouvelle Vague) y singularizado por una sugestiva estructura temporal, un destacado dominio del espacio cinematográfico y un amplio conocimiento de la cultura pop apreciable en sus sagaces textos, se consolidó dos años después con el triunfo de “Pulp Fiction” (1994), título que revitalizó la carrera de John Travolta, ganó
My best friend’s birthday (1987)
la Palma de Oro en el prestigioso Festival de Cannes y fue nominado a siete premios Oscar, entre ellos, al de mejor película. Quentin Tarantino y Roger Avary lograron la estatuilla al mejor guión original. En 1994 Tarantino realizó un episodio de la serie de televisión “Urgencias”, antes de dirigir un segmento de la película “Four Rooms” (1995) y retornar al largometraje con “Jackie Brown” (1997), film recibido con disparidad de opiniones que adaptaba una novela de Elmore Leonard. La película estaba protagonizada por la reina del blaxploitation, Pam Grier. En el año 2003 estrenó “Kill Bill: Vol. 1”, una película de artes marciales en donde recuperaba la figura de David Carradine, el protagonista de la mítica serie de televisión de los años 70 “Kung Fu”. Junto a su faceta como director, Quentin Tarantino ha aparecido como actor, al margen de sus propias películas, en títulos como “Duerme conmigo” (1994), “Alguien a quien amar” (1994), “Johnny Destiny” (1995), “Desperado” (1995), “Abierto hasta al amanecer” (1996), “Girl 6” (1996) o la comedia “Little Nicky” (2000). Como guionista escribió las películas “Amor a quemarropa” (1993) de Tony Scott, “Asesinos natos” (1994) de Oliver Stone (aunque descontento con los resultados sólo apareció como creador de la historia) y “Abierto hasta al amanecer” (1996), realizada por Robert Rodríguez. Como productor ha intervenido en “Sombras del pasado” (1992), “Killing Zoe” (1994).“
Jackie Brown (1997)
Reservoir Dogs (1992)
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Año 1/Edición I
En todos sus guiones se hace referencia, al menos una vez, a un detective policía llamado Scagnetti. La mayoría de veces, esta escena se elimina de la versión final.
Siempre usa un elemento holandés en sus películas: la música del opening de Reservoir Dogs, Little Green Bag, fue realizada por músicos holandeses. El nombre en código de Tim Roth en esa misma película era Mr. Orage, siendo el naranja el color oficial de ese país, entre otros ejemplos.
Considera que dos de sus mejores amigos son Paul Thomas Anderson y Sofía Coppola. También es muy buen amigo de Robert Rodríguez, quien lo llamó a ser director invitado en Sin City (2005)
Llama a Uma Thruman su musa. Es una de sus actrices más recurrentes, junto a Harvey Keitel, Tim Roth, Michael Madsen, Michael Bowen, Samuel L. Jackson y Christolph Waltz.
Es fanático de la serie de videojuegos para computadora Half Life, y ha considerado la posibilidad de dirigir una adaptación cinematográfica.
De niño, una de sus películas favoritas era Abbott y Costello contra los fantasmas (1948). Le agradece a esa película el ayudarle a aprender sobre distinciones de género.
Se le ofreció dirigir Hombres de Negro (1997), pero lo rechazó. Algunos proyectos en los que también estuvo invitado son ER (capítulo “Motherhood”) y CSI (capítulo “Grave Danger”).
Es mencionado en la serie de dibujos animados “Coraje el Perro Cobarde” como el director zombie Benton Tarantella en varios episodios, siendo el primero “Todo el mundo quiere dirigir”.
Kill Bill Vol. 2 (2004)
Kill Bill Vol. 1 (2003)
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Inglorious Basterds (2009)
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al i c e p s e
EL SPAGUETTI WESTERN SEGÚN TARANTINO: DJANGO UNCHAINED Por
David Ribet dribet@gmail.com Surgido en Europa a principios/mediados de los 60, el spaghetti western fue la corriente alternativa al western clásico precedente de EE.UU., la cuna del género. Este subgénero, en sus inicios despreciado y vilipendiando por la crítica, fue adquiriendo prestigio gracias a su mejor y más reconocido representante:. No fue el precursor, pero sí fue quién lo catapultó a la fama (y a él mismo, ya de paso), sentó parte de sus bases y le inyectó el plus de calidad que le hacía falta.
historia de venganzas, un tema medianamente recurrente en la filmografía del director. El personaje de Django evoluciona de impotente esclavo a cazador implacable por una causa: recuperar a su mujer. Que Schultz se cruce en su camino es toda una bendición. No sólo le instruye en el arte de matar y cazar bandidos, sino que le otorga un bien muy preciado y escaso para el
King Schultz (Christoph Waltz), un cazarecompensas alemán, se halla tras la pista de los peligrosos hermanos Brittle, pero sólo Django (Jamie Foxx), un esclavo que conoce a dichos hermanos, puede conducirlo hasta su recompensa. Schultz adquiere a Django con la promesa de liberarlo una vez capturen a los Brittle: vivos o muertos. Tarantino ha sido siempre un director muy personal e inclasificable. Antes que cineasta o guionista es, como muchos otros currantes del medio, un cinéfilo empedernido, y durante su juventud se nutrió de tantos y tan diversos referentes, que su cine se ha convertido en una auténtica batidora de géneros y conceptos. Es por ello que en esta ocasión no se iba a limitar a rodar un simple spaghetti western sino a su rodar SU propio spaghetti, un conglomerado de referentes tanto clásicos como modernos que juguetean con el subgénero a base de recuperar y tambalear sus más firmes cimientos. Una banda sonora que sirve de acompañante a una violenta (y exageradamente sangrienta, a veces incluso demasiado)
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hombre negro: la libertad. Y con esto último brazo el brazo, Django aviva la llama de la esperanza y los deseos de volver a estrechar entre sus brazos a su amada, una esclava ahora propiedad de Calvin Candie (Leonardo DiCaprio), amo y señor de la infame plantación “Candyland” (juego de palabras al canto). Dos hombres y un destino. Dos cazarecompensas con distintas motivaciones pero con un fin común: hacer justicia. Y un vil ricachón que no sabe la que le espera… Y como telón de fondo, la esclavitud, tema tratado a ratos con aspereza pese al tono desenfadado que recorre todo el metraje. A caballo entre el más sincero tributo y la más caprichosa y desvergonzada paro-
dia, “Django Desenadenado” deviene en un descacharrante western con regusto blaxplotation al que prácticamente no le tiembla el pulso pese a su extensa duración, la cual resulta de lo más llevadera. Un festival de referencias embutidas dentro de un apetitoso marco, el western, y bajo el sello inconfundible de un Tarantino en pleno forma y, por suerte, menos enamorado de sí mismo que de costumbre (causa ésta de arruinar un film tan prometedor como Death Proof para convertirlo un aburrido ejercicio de egocentrismo). El primero, como el sarcástico Schultz, dando una lección de cómo comerse con patatas al protagonista que da título a la película (un más que correcto –y sobradamente chulescoJamie Foxx), con su condescendiente sonrisa y su agudo dominio de la palabra; el segundo, en la piel del perverso Candie, soltándose la melena por primera vez en mucho tiempo, dejando a un lado sus torturados y trágicos personajes para divertirse con la hilarante e histriónica -en el mejor sentido de la palabra- composición del villano de turno. Los eléctricos diálogos son serenos y no se andan por las ramas. Parece que Tarantino ha madurado mucho como guionista en ese aspecto, y pese a que sus fans más acérrimos echen de menos esos largos diálogos marca de la casa (y que casi siempre resultaban, en mi opinión, superfluos o poco relevantes para el devenir de la trama), es evidente que su ausencia, lejos de ser un defecto, juega en beneficio de la narración.
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La belleza eterna del amor: Chungking Express
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Patricia Bravo patricia.b@gmail.com
Cuando vi aquellas nubes etéreas atravesar velozmente un cielo que es rozado por altas y estáticas partes de edificios grises, supe que estaba a punto de descubrir cuánta belleza, cuánto significado y cuánta emoción se pueden encerrar en una sola imagen. No son solo nubes y masas de concreto: esta fusión va más allá de lo que muestra la pantalla. Wong Kar-Wai une la magnanimidad del firmamento con el incontrolado paso del tiempo y los contrapone a una urbanidad mínima y finita. Y, con esta comparación, se cae en la cuenta
A espacio abierto, la cámara registra el tránsito de los protagonistas, a velocidad y en pasadizos abarrotados de gente en las persecuciones del Agente 223 (como en Fallen Angels, de similares estructura y temas pero con una crudeza mayor) o los sigue a través de un espacio urbano difuso que remarca la soledad a través de la manipulación de los colores (recurso que aumenta el dramatismo). O, como en la sublime In the Mood For Love, forma una fantástica secuencia en el Midnight Express en el que el paso del tiempo se de-
de su socio extranjero. Y como femme fatale también, no tiene reparos en asesinarlo en defensa de sus propios intereses. Inmediatamente después muestra su verdadera identidad dejando caer la peluca rubia, y por un breve instante se ve su verdadero rostro. Por otro lado, en ambas historias se mantiene la estructura clásica de presentación de personajes (con la misma fórmula exacta intimidad-distancia-tiempo), desarrollo del conflicto y su posterior resolución.
de que el ser humano tiende al deseo de lo ilimitado: lo eterno. Esto es Chungking Express: la constante necesidad humana de amar, pero no solo un momento: amar sin fecha de caducidad.
nota por los cambios de ropa de Faye. O puede unir ambas alternativas: acelerar el primer plano y lentificar el fondo para destacar a la pareja.Wong Kar Wai también juega con los destellos de luz (que se proyecta tornasolada sobre los CDs). Muestra novedosamente a sus personajes a través de los vidrios, limpios o empañados, o reflejados con claridad en los espejos y difusamente en el aluminio. Y crea imágenes bellas y memorables: la mujer “rubia” habla sobre la imposibilidad de conocer a las personas porque cambian constantemente y, mientras tanto, se la ve reflejada en un espejo múltiple.
Finalmente, el Agente 223 acepta su soledad unida a la caducidad de las cosas, y, a la vez, reconoce cuán valiosa es la compañía de los gratos recuerdos al recibir la llamada de la mujer “rubia”. El Agente 663, por su parte, contempla a Faye con la misma mirada que ella le dedicaba hace un año: con ojos de amor. A pesar del tiempo, ha mantenido un vínculo con todo lo que ella representa: el Midnight Express y California Dreamin’ de The Mamas & The Papas a todo volumen. Quizá las relaciones amorosas, como todo lo humano, caducan. Sin embargo, el amor, con las costumbres que crea y los recuerdos que evoca, es lo más cercano a lo infinito: nada se iguala a la plenitud que brinda el amar y ser amado. Es un sentimiento de belleza única e insuperable, belleza perfectamente capturada por Wong Kar Wai.
Tal cual obra posmoderna, el filme presenta dos centros, dos historias de amor, protagonizadas cada una por una pareja, en la que cada protagonista narra mediante la voz en off su propia visión de lo que acontece y de lo que entiende por amor, relaciones humanas, recuerdos y tiempo. Wong Kar Wai remarca la importancia textual como la entrada a los mundos internos subjetivos. Así pues, revela en la abstraída Faye el punto en que los deseos de amar son tan fuertes que llegan a concebirse como realidad. “Esa tarde tuve un sueño, estaba en su casa, me desperté al marcharme, lo que no sabía es que cuando sueñas desearías no despertar nunca.”
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Wong Kar-Wai hace un pequeño homenaje al cine negro con el personaje de la femme fatale “rubia”. Esta es representada por una actriz asiática que oculta tras lentes oscuros y gabardina su turbio trabajo como traficante de droga. Como femme fatale, es objeto de deseo sexual
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Iron Man 3: un gran comienzo para la fase 2 de Marvel
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Sebastian Zavala s.zavala@gmail.com Cuando escribí un review de Iron Man 2 hace tres años para un blog que ya no existe, me pareció que la película era perfecta. No buena, no excelente; perfecta. Tanto así que le puse una “nota” de 10/10. Sí, yo sé, un blockbuster divertido pero sin demasiadas ambiciones está muy lejos de ser un filme perfecto, pero obviamente ya no pienso lo mismo. Ahora, eso no quiere decir que Iron Man 2 no me gusta. Simplemente prefiero la primera película, y pienso que, a pesar de que es entretenida y todo, tienes fallas bastante significantes. (¿Ejemplos? Un villano no muy bien desarrollado, está demasiado enfocada en preparar la trama de Los Vengadores, entre otros.) En fin, creo que ahora que ya vi la tercera película, me doy cuenta de por qué me emocioné tanto cuando vi la segunda: realmente me encanta el personaje de Iron Man (o Tony Stark), por lo que me dejé llevar. Así que esta vez no pasará lo mismo. ¿El problema? Iron Man 3 me gustó un montón también. Pero tranquilos, trataré de ser lo más objetivo posible. Después de que Los Vengadores fue un éxito tanto a nivel comercial como a nivel creativo (gracias al gran Joss Whedon, por supuesto), tenía una preocupación bien específica en relación a la llamada “Fase 2” del universo cinematográfico de Marvel: las expectativas estaban demasiado altas. Los Vengadores fue tan buena, que cualquiera de las películas que le sigan serían juzgadas de manera más dura, por lo que el primer filme de la Fase 2, Iron Man 3, sería la prueba de fuego para esta teoría.
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Y felizmente puedo decir que pasa la prueba... pero a la vez también admito que algunos fans (especialmente de los cómics) van a tener algunos problemas con la película. Es una situación un poco complicada. La película se desarrolla después de Los Vengadores, y ya nada es lo mismo para Tony Stark (Robert Downey Jr.) Ha visto
aliens, dioses, y sobrevivió una experiencia mortal, por lo que ahora sufre de pesadillas, y dedica la mayoría de su tiempo a crear y modificar más trajes de Iron Man, a pesar de que ahora Pepper Potts (Gwyneth Paltrow) está viviendo con él. Y esos no son sus únicos problemas – hay un nuevo villano en el mundo, y se hace llamar El Mandarín (Ben Kingsley). Stark pero fue rechazado, Aldrich Killian (Guy Pearce), ha creado una manera de alterar el ADN humano y le hace una oferta a Pepper, pero ésta lo rechaza sospechando que tiene intenciones algo turbias. Y cuando Happy (Jon Favreau), su guardaespaldas, sigue a uno de los hombres de Killian y sobrevive un atentado explosivo, sus
sospechas se confirman – eso, y entra la posibilidad de que pueda estar relacionado con El Mandarín. Uno de los aspectos más resaltantes del filme es la inclusión del Mandarín, quien es considerado del archi-enemigo de Stark en las novelas gráficas. Las expectativas para la aparición de este personaje en la película eran altísimas, expectativas que crecieron cuando se anunció que el gran Ben Kingsley lo interpretaría. Bueno... digamos que el personaje no es precisamente igual al de los cómics. Sin arruinar ninguna de las sorpresas de la película, se trata de una caracterización diferente, y creo que esa pueda ser la razón principal por la cual algunos fanáticos se puedan molestar. A mi no me fastidió – es más, me pareció una sorpresa osada y arriesgada, algo digno de mencionar teniendo en cuenta que tomar riesgos no es algo por lo cual las películas de Hollywood se han hecho famosas. Fue inesperado, y para mi funcionó. Adicionalmente, es durante esta parte del filme que Stark se hace amigo de un chibolo, especialmente considerando que muchas veces los papeles de niños en películas de este tipo pueden llegar a ser irritantes o estúpidos. Felizmente no es el caso. A pesar de que Rebecca Hall es bellísima y una excelente actriz, su personaje no es muy convincente. O sea, la actuación en sí es buena, pero las motivaciones de Maya Hansen no son muy creíbles, o en tal caso no están muy claras. Además, a pesar de que la película es muy entretenida y por partes demasiado graciosa.
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“El gran Gatsby”: El pasado es un sueño
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Franco Anaya
f_a@gmail.com En las últimas líneas de “El gran Gatsby”, Francis Scott Fitzgerald sintetizaba el sentido de su obra en una bellísima metáfora en la que reafirmaba el sueño del hombre como ese envío constante y a contracorriente de barcos hacia el pasado. El pasado era ese horizonte inalcanzable, esa luz verde que un día dejó de parpadear. Era el sueño imposible de Gatsby, uno cuya repetición se demuestra quimérica ante la amarga evanescencia de las cosas, y sobre todo, de la felicidad. También el de un mundo, el de los fastos días de guateques
bién Fitzgerald hablaba de una gigantesca ilusión a punto de desvanecerse, de la orgía del deseo material en medio de la cual el anfitrión no puede sanar su anhelo de un pretérito idealizado. El director de “Moulin Rouge” (2001) ha incurrido de nuevo en la osadía que hiciera de aquella un musical anfetamínico, conscientemente anacrónico y, en definitiva, inolvidable: en su adaptación, Luhrmann no ha escatimado en poner todo su arrojo en una caligrafía del exceso refrendada en las portentosas fiestas organizadas por Gatsby. Si allí era
dejar su rúbrica —el encuentro nocturno en el embarcadero entre Gatsby y Nick Carraway—, pero también el aplicado observador que ansía penetrar en las emociones de sus protagonistas —la decisiva, transformadora escena en la habitación de hotel—. Esa fricción apenas gobernable entre lo visual y lo textual, ya presente en “Australia” (2008), se hace aquí más sostenible gracias a la natural absorción que Leonardo DiCaprio lleva a cabo del personaje titular —no así Tobey Maguire y Carey Mulligan con sus respectivos, incapaces de
hasta el amanecer y hedonismo infinito, el de las borracheras de inmortalidad y la vanidad celebrada con brindis antes de que llegara el inclemente otoño de la Historia.
el local parisino el escenario de un sueño febril y bello, aquí la mansión del protagonista es ese portentoso refugio cuyas paredes guardan los últimos coletazos de una onírica excepción a la realidad. Y como tal, el realizador expresa ese epicureísmo salvaje vía la sublimación del artificio de la imagen y la ley del remix.
superar sus consolidados y rígidos perfiles interpretativos—, tan convincente al transmitir la confianza indestructible del nuevo rico como la vulnerabilidad casi infantil del enamorado a la hora del té. En su empeño está la semilla de lo que Fitzgerald quiso decir: el brillo de ese tiempo anterior que ansiamos reeditar queda siempre derrotado ante el presente. Porque el pasado es un sueño del que solo podemos despertar, en el que de hecho nos resistimos a despertar cuando ha quedado ya certificada la defunción de lo soñado.
Aquella década de los 20 fue la ficción feliz a la que no volveremos. La luz antes de la decepción, el jazz que precede al crack. Una Arcadia de los sentidos que Jack Clayton, en su versión de 1974, solo entendió como la formal fachada que arrojaba una leve sombra sobre el romance entre Jay Gatsby y Daisy Buchanan. En “El gran Gatsby” (ver tráiler y vídeos), sin embargo, Baz Luhrmann ha comprendido que tam-
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Finalizado el verano, el ímpetu de Luhrmann se veía obligado a una modulación en la segunda mitad de la película. Es entonces cuando surge el autor incontinente y a la vez esforzado, el que llega a sabotear una secuencia desde el montaje con tal de
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l a u s i v o i d u a a galerí
F.4
cortometraje - 5:21 min
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Sinopsis: Una joven fotógrafa capta accidentalmente imágenes de un asesinato. El autor del crimen intentará obtener estas fotografías, pero el azar y un héroe misterioso lograran que este no se apropie de las imágenes. El corto está realizado en modo multicámara, múltiples perspectivas de un mismo suceso. Integrantes:Julio Casanova, Jean Pierre Ramirez, Marilú Navarro, Alex Chañi, Pablo Ruiz, Karina Torres
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s e l b a argac
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SOFTWARE El programa Adobe Audition lanza una nueva versión gratuita , disponible para bajar vía internet. Esta promoción está disponible para alumnos de diversas universidades e institutos en los que se dicta n carreras afines a la comunicación audiovisual. Los pasos a seguir son entrar al portal temporal www.damemiaudition.com y buscar si tu universidad ha sido seleccionada. Crea un usuario y puedes disfrutar de una versión actualizada de este útil programa de edición.
DISPONIBLE A los alumnos de las universidades PUCP, UNMSM y UPC se les ha autorizado la licensia de funcionamiento de la última versión del Adobe Creative Cloud Master Collection CS6, la versión mejorada y más aclamada de la marca Adobe. Podrán ser utilizados en los laboratorios de computo de las aulas de la facultad de informática y comunicaciones. Esta heramienta será de gran utilidad para la creación artística de alumnos de alumnos de estas universidades.
CURSO Se ha abierto la última convocatoria para el taller gratuito de video. Este se realizará en la sede este de la universidad de ciencias aplicadas (UPC). En esta edición del taller se abrirán cursos de creatividad audiovisual, edición de audio y video, edición de color y manejo de la iluminación. Sin embargo el taller más llamativo es el de dirección de arte a cargo del reconocido director José Vargas. El cierre de inscripciones se dará el 09 de Julio y el modo de inscripción es vía el portal web www. tallerdevideoupc.com.
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