Intervenciones urbanas, de la clandestinidad a la vidriera, Tricanico Vanesa by Vanesa Tricanico

I.U.N.A Instituto Universitario Nacional del Arte

Licenciatura en Artes Visuales con Orientaci贸n en Dibujo

Tesina

Intervenciones

Urbanas De la clandestinidad a la vidriera

Tesista Tricanico, Vanesa Gisele Director de Tesis Lic. Carina Ferrari Co- Directores Prof. Alejandra Bocquel Prof. Norberto J. Martinez 1

INDICE 3 Dedicatoria y Agradecimientos Introduccion 5 Elección del tema 8 Hipótesis 8 Marco Teórico: Eje del Trabajo Capitulo I El Intervencionismo 10 10 11 13

El arte en el espacio público Arte callejero: El arte del espacio público Oscar Brahim Mujeres Públicas

Capitulo II Clasificación: Tipos de intervenciones 15 Murales 20 Graffitis 22 Graffitis: Distintos tipos El diseño tipográfico – Tags - Ilustraciones 25 Sticker – pegatina 26 Afiches 28 Stenciles 30 El Stencil Hoy Capitulo III Arte callejero en los museos 32 En busca de la legitimación, de la calle al cubo blanco 33 Diferentes posturas: que piensan los artistas 34 Galerías y proyectos relacionados 40 Otras muestras Capitulo IV Intervenciones para marcas 41 Zapatillas, Diseño y ―Arte‖ urbano 44 Arte callejero como herramienta de marketing: ―Street Branding‖ 45 Quienes y porque se venden 47 Que opinan los que se mantuvieron en la calle 48 Reflexiones finales 50 Glosario 57 Bibliografía 60 Convocatoria para la tapa del trabajo Anexo Obra personal y su evolución

Dedicatoria Le dedico este trabajo a mis alumnos, a todos los chicos y grandes que alguna vez salieron a la calle a pintar, stencilear, pegar algún dibujo solo por diversión, y a los que quieren figurar. A los que escriben su nombre con marcador o aerosol y a los que tapan lo que pintó otro. A los que realizaron un afiche esperando ser escuchados. A los que fueron presos por eso y a los que los convocaron para que pinten en alguna galería de afuera. A los que por no venderse viven de enseñar lo que aprendieron, y a los que terminaron trabajando para una agencia de publicidad… (Continuará)

Agradecimientos Agradezco a todas las personas que me ayudaron con este trabajo, especialmente a Carina Ferrari, por guiarme en mis idas y venidas en relación al tema y estar siempre ayudándome incluso a pesar de las distancias físicas. A mis Maestros Norberto J. Martínez y Alejandra Bocquel, que me enseñaron que para hacer obra tenía que dejar de pretender la perfección en mis trabajos, para poder encontrar mi identidad en ellos. Y por último, a Emilce Schedel, por darme el empujón que necesitaba para decidirme, finalmente, a terminar este trabajo.

“El arte no se compra ni se vende. Admitir que la obra de arte es una mercancía, es admitir que el hombre es un objeto de compra-venta. El arte se hace y se comparte. Toda actitud mercantilista es una forma de corrupción. El arte no es un negocio: es una forma de vida..1”

GRUPO ESCOMBROS, “La Estética de lo Roto” Manifiesto del grupo Escombros. Argentina, Noviembre de 1989. http://www.grupoescombros.com.ar/imgs/publicaciones/manifiestos/laesteticadeloroto.html 07/08/2012

Introduccion Elección del tema Un fragmento del primer manifiesto del grupo Escombros me pareció lo más conveniente para darle inicio a este trabajo, ya que sus integrantes hicieron allá por el año 89, una elección que sigue vigente en la obra de muchos artistas hoy: eligieron para exponer, un no-lugar2. Es decir, un lugar absolutamente ajeno a cualquier expresión artística. La calle. Además Escombros demostró la posibilidad de que puede existir un arte independiente del mercado3 y muy cerca de la gente. “Hay un nexo que une a un partido de fútbol, un baile popular, una exposición de arte, un acto político y un festival de rock: ese nexo es la gente. Toda obra de arte que no involucra el concepto de participación es un mero objeto. Su valor cultural, sea cual fuere su valor comercial, es nulo.” 4

Hoy en día, la realidad nos muestra la contracara de este postulado. Gran parte de ese arte que vemos en la calle, termina luego siendo comercializado y cada vez tiene menos que ver con los que conviven con él a diario.

Arriba: Clarín. Suplemento Especial arteBA. Domingo 15 de mayo de 2005. 2

No – lugar (ver GLOSARIO). Mercado (ver GLOSARIO). 4 GRUPO ESCOMBROS, ob. cit. 3

El motivo de la elección del tema de esta tesis surge de la necesidad de reflexionar acerca de cómo se fueron transformando estas manifestaciones de arte callejero a través del tiempo, y por ende, su vínculo con el espacio público. Paralelamente, haré una distinción entre los diferentes productores o creadores de este arte, (familiar para la mayoría de nosotros que transitamos a diario las calles de Buenos Aires), para más adelante poder diferenciar la manera en la que se relaciona cada uno de ellos con respecto a este tema, qué discursos maneja cada uno y con qué objetivo salen a la calle a difundir/ exhibir sus trabajos. En un principio este trabajo de investigación trataría sobre las diferencias entre Diseñadores y Artistas, enfocándose en el conflicto en relación a los trabajos de ambos encontrados en la calle, o de éstos mismos trasladados a las galerías. El título que había elegido era ―Diseñadores vs Artistas: Intervenciones Urbanas, Arte y Moda‖. Sin embargo el trabajo actual pretende realizar un análisis más amplio acerca de las distintas manifestaciones de arte callejero, analizando también los stenciles políticos, los ―tags‖ o firmas, los murales de la ciudad, entre otras propuestas realizadas por distintos actores de nuestra sociedad, encontradas en la arena pública. Es por eso que decidí que era más adecuado dejar solamente el título ―Intervenciones Urbanas, de la clandestinidad a la vidriera‖ para darle más importancia a las Intervenciones en primera instancia, que es el eje de conflicto sobre el que se desarrolla este trabajo, sin dejar de mencionar la relación que estas tienen hoy con la publicidad, el diseño y la moda, temas que desarrollaré en un segundo capítulo. La temática surgió de mi experiencia personal al haberme manejado paralelamente en los dos ambientes (el de la moda y la comercialización de productos y el de las Artes visuales) y desempeñando ambas funciones (Diseñadora y Artista Visual - callejera) durante varios años, hasta el día de hoy. Mi vínculo con el diseño gráfico comenzó en el año 2007. Luego de cursar el nivel II de la OTAV de Digitalización de imágenes, en el Instituto Universitario Nacional de Arte, dictada por la cátedra Kexel, comencé a adquirir mis primeros conocimientos en programas de edición de imágenes y diseño, y así surgió mi primer trabajo como Diseñadora gráfica. La realidad es que respondí a un aviso porque se titulaba ―Dibujante Artes Visuales‖; y pensando en que no tenía nada que perder, (ya que en ese entonces trabajaba en un callcenter) preparé una selección de trabajos: registros5 de intervenciones callejeras - que era lo que yo hacía en esa época , algunos dibujos a mano y unos pocos en vectores6, producto de mi paso por 5 6

Registro (ver GLOSARIO). Vector (ver GLOSARIO).

digitalización; y los envié como portfolio7 junto con mi currículum, sin demasiadas expectativas de que me tuviesen en cuenta. Al otro día me llamaron para entrevistarme, me propusieron ponerme unos días a prueba, mientras, seguía yendo a trabajar al callcenter paralelamente, y al cabo de una semana me dieron el puesto. Ese fue mi primer trabajo como diseñadora. Kit n´Couch, la marca que publicó el aviso y para la cual estuve trabajando casi dos años consecutivos, es una marca de Zona Sur de Gran Buenos Aires (Lomas – Banfield) que en ese entonces apuntaba a un público adolescente y pre- adolescente que al parecer daba justo con el perfil de mis dibujos. El trabajar en diseño me fue de mucha ayuda para mi propia obra y no voy a negar que ejerciera una gran influencia en mis siguientes trabajos. El problema, y al que está dedicada esta tesis, surgió como consecuencia de esta experiencia, al ver absorbidas mis creaciones por una marca de ropa con un fin netamente comercial y ver volcada mi creatividad, en la elaboración de ilustraciones para favorecer el consumo de sus productos. Me llevó un tiempo dejar de lado el entusiasmo que me generaba tener un trabajo en el que me pagaran por dibujar, mientras veía desfilar las bolsas con mis stickers por las calles, transportando apuntes y compras de miles de mujeres, para darme cuenta de lo que había sido partícipe. Esto pasó al tiempo de haber dejado de trabajar ahí, cuando comencé a percibir el fenómeno del arte callejero como tendencia en las grandes marcas. Y al empezar a ver de manera crítica lo que estaba produciendo personalmente, no me sentí conforme ya que se estaba gestando un vacío conceptual en mis últimos trabajos, que venía realizando por repetición e inercia de lo anterior. Desde entonces empecé a alejarme un poco de mi vínculo con el arte callejero, al menos de la manera en la que lo venía haciendo hasta ese momento, para comenzar a producir de manera más consciente fuera de la calle, teniendo noción de los elementos con los que estaba trabajando, eligiendo materiales y soportes8 a utilizar, para que, cuando llegara el momento de volver a la calle, hacerlo de manera consciente, y no quedarme en un meras intervenciones decorativas.9 Paralelamente decidí no volver a mezclar mi producción personal con el trabajo de diseño, a pesar de que esto me costara menos comodidad a la hora de conseguir un trabajo.

Portfolio (ver GLOSARIO). Soporte (ver GLOSARIO). 9 Ver Anexo “Obra personal y su evolución”. 8

Izquierda: Mural de Stickers, Vanesa Tricanico - 2007. Derecha: Ejemplar de bolsa realizada a partir del Mural de Stickers, adaptada a la marca ―Kit n´ Couch‖ Vanesa Tricanico - 2007.

Esto me llevó a realizarme algunas preguntas, que voy a utilizar como base de este trabajo de investigación.

Hipótesis ¿Con que fin se sale a la calle a pegar un sticker o pintar una pared? ¿Qué diferencias hay entre un trabajo realizado en una pared de la calle a uno similar realizado en un bastidor, papel, u otro soporte de posesión personal y no comunitario? ¿Es lo mismo pintar en una pared encontrada a realizar un mural o intervención pactada con el lugar a quien esta le pertenece? ¿Qué significado tiene el arte callejero en un producto destinado a comercializarse? ¿Y en un museo? ¿Sigue siendo arte callejero? ¿El arte callejero es Arte? ¿Quiénes producen arte callejero? ¿El arte urbano debe o puede servir para ganar dinero o es una actividad que debe tener otros fines como prioritarios?

Vamos a tratar de responder estas preguntas haciendo un recorrido sobre el arte callejero desde su origen, a la par que veremos el trabajo y opinión de los diferentes productores en este campo. Cuando se habla de Arte callejero se tiene que tener en cuenta que como su nombre lo indica es denominado así por usar como soporte el espacio público, su fin es compartir y socializar el arte o bien trasmitir un mensaje especifico a los transeúntes. Por lo tanto una obra de arte callejero en venta o en un pedestal se presenta como una contradicción en sí misma y se reduce a un mero objeto de uso comercial carente del valor cultural en el primer caso, y pierde su sentido original en el segundo.

Marco teórico: Eje del trabajo Para hacer este análisis acerca de las intervenciones urbanas, tomaré como eje de trabajo la calle, específicamente las calles de la ciudad de Buenos Aires, ya que con el tiempo va formándose en la calle de esta Ciudad, un collage de las diferentes pegatinas- stenciles donde todo se entremezcla y parece ser parte de lo mismo. Como señala Rodrigo Alonso10, en la ciudad, el afiche artístico convive con la oferta comercial, la propaganda política y la cotidianeidad de los ciudadanos. En este contexto sus relaciones con el entorno pueden inducir lecturas ambiguas, dudosas e incluso opuestas al sentido original: este es solo de uno de los riesgos que enfrenta la ―obra‖ al desentenderse de las redes de contención institucionales de las bellas artes. La ciudad, cualquier ciudad, es un conjunto de relaciones a la vez que una concentración de edificios: es un lugar geopolítico 11. Más que una simple intersección de representaciones en conflicto, la ciudad está compuesta de múltiples realidades que raramente se cruzan y que cuentan desigualmente en los modos en que la sociedad se representa a sí misma12.

Es así como la ciudad se constituye en un terreno de diálogo, pero también en un horizonte de conflicto. Con el nacimiento del llamado ―Arte callejero‖ surgieron grupos de jóvenes que encontraron en la calle un soporte para realizar sus trabajos. Entre estos ―artistas de la calle‖ podemos encontrar desde chicos de la secundaria, diseñadores gráficos, artistas visuales jóvenes, hasta agrupaciones de hip hop13.

R. ALONSO, “El afiche Artístico en el Espacio Público” Presentado en Jornadas de Intercambios Artísticos. Lo Visual y Los Lenguajes Artísticos Hoy. Dirección general de Museos, Buenos Aires, 2003. 11 Geopolítico (ver GLOSARIO). 12 ROSLER, Martha. “If You Lived Here” en WALLIS, Brian (ed). If You Lived Here… Seattle: Bay Press, 1991. Citado por RODRIGO ALONSO, “El afiche Artístico en el Espacio Público” ob. cit. 13 Hip Hop (ver GLOSARIO).

Capitulo I El intervencionismo Desde sus orígenes el hombre actuó como modificador del espacio que habitaba. Sería equivocado decir que el intervencionismo es un nuevo concepto de arte, ya que desde nuestros primeros años en la tierra hemos intervenido. Entrar a un espacio público, invadir o intervenirlo como lo definimos actualmente, nos lleva a pensar en cualquier forma de hacerlo: el vendedor ambulante que se sienta en la vereda a vender, está interviniendo el espacio público, de la misma manera que el indigente se apropia de un pedazo para vivir. Lo cierto es que todas esas son formas no conscientes de intervenir el espacio público y difieren del concepto que estamos abordando. La intervención del espacio público es completamente consciente y organizada, y tiene propósitos definidos.

El arte en el espacio publico Posiblemente el primer indicio que nos acerque a la idea de espacio público nos refiera a Grecia, en las llamadas ágoras o plazas públicas donde los griegos se reunían a debatir sobre la vida de la polis, y donde transcurría el arte, la filosofía, la cultura. Las primeras relaciones entre el arte y el espacio púbico la podemos advertir en la infinidad de monumentos y obras arquitectónicas que nos dejaron las diferentes civilizaciones en el transcurso de la historia. Recién en la década de los sesenta el concepto de arte y espacio público empiezan a tener importancia para algunos museos y empresas 14 patrocinadoras , quienes interesadas en expandir el mercado de la escultura ven estas áreas urbanas como espacios potenciales para establecer las obras previamente exhibidas en galerías o museos. Aun así, es en la década del setenta que algunos artistas comienzan a señalar la diferencia entre arte en el espacio público (como mencionaba recién, por ejemplo, una escultura cualquiera colocada en un espacio exterior) y el arte interesado directamente en la localización, en el concepto de espacialidad, contextualidad e interacción de la obra con el espacio público; como funcionaba con el land art15 y ahora con el arte callejero. Si partimos de la base de que el espacio público se construye a partir de las prácticas que en él se actualizan, esa ―obra‖ dejaría de instalarse ―en‖ el espacio público para ―formar parte‖ de él, con lo cual ya no cabe hablar de obra y espacio público como entidades separadas.16 Se trata del arte del espacio público. 14

Patrocinadoras (ver GLOSARIO). Land Art (ver GLOSARIO). 16 R. Alonso, Ob. Cit. 15

Arte callejero: El arte del espacio público Cuando escuchamos ―arte callejero‖ lo primero que nos aparece en la mente es el grafiti tradicional. Sin embargo esta denominación va más allá. Desde mediados de los noventa han surgido grupos de artistas que desarrollan sus obras en la calle (tanto de forma legal como ilegal) utilizando plantillas, pegatinas, posters u otras técnicas, cuyos resultados se alejan de lo que solemos entender por graffiti, y se vinculan directamente con el arte conceptual. “La tendencia a abandonar las instituciones artísticas y trabajar en el espacio público, constituye una estrategia común en gran parte de los jóvenes artistas argentinos contemporáneos. Quizás porque sienten que su obra no tiene cabida en dichas instituciones, porque les resulta difícil acceder a ellas con sus propuestas, o simplemente porque consideran que la ciudad es el entorno que mejor extrae la materia significante de sus trabajos, un sector considerable de creadores ajenos al discurso hegemónico busca manifestar sus ideas en la arena pública, apelando a la respuesta estética de espectadores ocasionales y desprevenidos.” 17

Quizá para algunos parezca una forma de vandalismo18, y de algún modo lo es, ya que trasgrede, interviene en lo público, pero el acto de intervenir sólo tiene valor cuando interviene en la cotidianidad universal. Un ejemplo de es el caso de los afiches de Oscar el taxista. Oscar Brahim maneja un taxi 12 horas diarias. Constantemente es atravesado por el bombardeo publicitario de la ciudad. Frente a esta invasión, a esta colonización compulsiva, han surgido movimientos de resistencia llamados Rompeanuncios. Los Rompeanuncios se encargan de intervenir los carteles publicitarios, desviando el mensaje original, aprovechando las características del anuncio. Nacidos y criados en un mundo sometido al bombardeo permanente e intrusivo de la publicidad (en donde el siguiente aviso debe causar más impacto que el anterior y además, impresionar mucho más que todos los anuncios que tiene alrededor), los Rompeanuncios tuercen el sentido de los signos con las mismas armas de los creativos publicitarios.

Izquierda: Oscar Brahim en acción / Derecha: Intervención en puente. 17

RODRIGO ALONSO, “La Ciudad - escenario: Itinerarios de la performance pública y la Intervención urbana” publicado en: Jornadas de Teoría y Crítica. La Habana: Bienal de la Habana, 2000. 18 Vandalismo (ver GLOSARIO).

Cuenta que el taxi se convirtió en su sustento porque no había otra cosa. “Ofrecí resistencia, pero al final subí al auto y me encontré con que Buenos Aires es más grande de lo que pensaba”.19 En el baúl del Peugeot 504 Oscar lleva botellas con engrudo, pintura y recortes de afiches. Cuando la banderita del taxi está "libre" detiene el auto, consigue prestada una escalera e interviene el afiche publicitario elegido utilizando técnicas de collage y pintura. “Elaboraba cosas en casa y las pegaba sobre una publicidad cualquiera. No se entendía muy bien lo que hacía. Mis hijos jugaban con las imágenes tiradas en el patio y se armaban unas cosas increíbles.” 20

“Un sábado le llevé fotos a Elenio –ya tenía 36 trabajos– y él me dijo que en Buenos Aires eso era nuevo, que siguiera por ahí. Me trajo una pila de libros y hablamos de Basquiat, Keith Haring, Andy Warhol… Me metí en los pasillos del subte o en obras en construcción. Trabajaba con collages. Después empecé a usar pintura para aislar una parte del afiche y dejar otra. Hubo gente que me empezó a acompañar. Capaz nos pasábamos toda la noche trabajando en una publicidad. Y así.”21

O. PRIVITERA, “¿Querés tener razón o ser feliz?”, Revista La Central, nº 13, (Enero – Febrero 2010), p. 49. http://revistalacentral.com.ar/pdfs/13/48-51-brahim.pdf 20 O. PRIVITERA, ob. cit., p. 50. 21 O. PRIVITERA, ob. cit., p. 50.

Arriba: “Deme todo lo que me alcance” es la frase de grandes letras blancas pegadas en el puente. Al bajar, Oscar recomienda que si la policía te pregunta qué estás haciendo, la respuesta es que estás trabajando para tu iglesia. “Con la Iglesia no se meten”22.

Otro ejemplo a destacar de este tipo de intervenciones es la agrupación Mujeres Públicas. Mujeres Públicas es un grupo feminista de activismo visual que trabaja colectivamente desde el año 2003. “Nuestra propuesta es el abordaje de lo político a partir de la creatividad como alternativa a formas más tradicionales de militancia. Uno de nuestros objetivos es denunciar y hacer visibles situaciones y lugares de opresión que vivimos las mujeres como sujetos sociales a través de la producción y puesta en circulación de herramientas simbólicas. Intentamos, a través de nuestras acciones, denunciar y desnaturalizar prácticas y discursos sexistas que encontramos profundamente arraigados en nuestra cultura. Desde un principio pensamos el espacio público como el lugar más apropiado para desplegar y poner en diálogo lo que producimos. Con la intención de alentar a la reapropiación, elegimos utilizar materiales de bajo costo para hacer afiches, objetos y acciones que pegamos en la calle, repartimos y dejamos en diferentes contextos y creamos esta página Web a través de la cual se puede acceder y bajar la mayor parte de nuestro trabajo. De este modo intentamos producir, también, recepciones dispersas y abiertas en contraposición a la tradicional contemplación artística así como posibilitar múltiples interpretaciones eludiendo el discurso lineal del panfleto político”. 23

Esta belleza, 2003-2004, toma como análisis y centro de su acción el modelo hegemónico24 de belleza. Dicho modelo es abordado críticamente buscando visibilizar la construcción social (tanto a través de los medios masivos de

O. PRIVITERA, ob. cit., p. 49. MUJERES PUBLICAS, en pagina web http://www.mujerespublicas.com.ar 24 Hegemónico (ver GLOSARIO). 23

comunicación como de la publicidad) de un determinado cuerpo y rostro femenino basado en una belleza estándar y normativa.

“Cabello largo y brillante, rostro redondeado con pómulos marcados, pestañas largas y ondulantes, labios abultados y sensuales, cuerpo estilizado, delgado y contorneado, uñas largas y pintadas, en fin... elementos de un canon excluyente que determina socialmente a la mujer, genera deseos y tensiones, enfermedades y malestares.” 25

La acción estuvo formada por varias etapas. En un primer momento, la intervención de afiches publicitarios de la calle en donde se evidenciaba la construcción de estos modelos femeninos de belleza. La intervención consistía en colocar frases realizadas en stenciles entintados con pintura negra sobre diferentes publicidades. Enunciados concisos y claros, directos a las/los espectadoras/es. En un segundo momento, pero paralelamente al primero, se enviaron mails con imágenes publicitarias intervenidas del mismo modo que los afiches de vía pública. Finalmente, en un tercer momento, se imprimieron stickers con las mismas frases de la intervención de los carteles en vía pública, pero esta vez con el fin de intervenir objetos de las góndolas de los supermercados. Los objetos de belleza disponibles para la venta sorprenderán al posible comprador/ra con sus leyendas, buscando llevar a la reflexión y visibilizar las construcciones normativas.

M. LAURA ROSA, "Esta Belleza”, en MUJERES PUBLICAS, pagina web http://www.mujerespublicas.com.ar

Capitulo II Clasificación: Tipos de intervenciones

La intención de estos artistas, entre otros que se mezclan la ciudad, no es que las obras sean contempladas como tales, sino que sean ―usadas‖, como sucede con cualquier mesa de bar. Se prevé, incluso, que el cliente pueda intervenirlas y hasta destruirlas, apreciarlas o ignorarlas. Lo que seguro no se pretende (y el entorno colabora netamente en ese sentido) es que sean sacralizadas por el influjo legitimante del circuito artístico, ni por la mirada diferenciada de sus espectadores. Estas intervenciones (que mantienen como soporte común la calle) pueden ser clasificadas en varios tipos según el material y la técnica utilizada. En primer lugar es necesario distinguir a las prácticas que nacen de un pedido (para una obra temporal o permanente) de las que lo hacen de la iniciativa del propio artista. “Los pedidos más pertinentes para una intervención artística en el medio urbano, son los que implican al artista al igual que el arquitecto, al urbanista, al paisajista, o al diseñador”.26 En lo que respecta a Capital Federal, pueden encontrarse un detalle de ellos en la página del Gobierno de la Ciudad, en el Área de Cultura.27

Murales De las disciplinas que intervienen pictóricamente la ciudad, el muralismo es acaso la única que no puede considerarse vandálica. Escuelas, Hospitales, bibliotecas, hipódromos y otras instituciones están siempre dispuestas a ser ―maquilladas‖. Con mejores o peores resultados, los murales están relacionados con la larguísima tradición que toma la pared como lienzo. “Un fresco del Renacimiento y los dibujos de los alumnos del Normal nº4 tienen los mismos principios: se bocetan, se consensuan con el propietario y se realizan colectivamente. Entre ambos sólo median siglos y resultados”.28

C. GROUT, “Arte en el medio urbano” en M. FERRER (dir.) Grupos, movimientos, tendencias, del arte contemporáneo desde 1945, Buenos Aires: la marca editora, 2010. Cap. El arte en el medio urbano p. 215 27 MINISTERIO DE CULTURA, “Murales de Buenos Aires” http://www.buenosaires.gov.ar/areas/cultura/murales/index.html 28 G. INDIJ, “Hasta la Victoria, Stencil!” (Ed.) Buenos Aires, Colección Registro Gráfico, La Marca Editora. 2005 – 2011, p. 200.

Arriba: Brandsen 805 - La Boca. Club Atlético Boca Juniors. "Alegorías" Autor: Rómulo Macció (1931, Buenos Aires).Esmalte sintético sobre paneles metálicos. 1999.29 Abajo: Mural Ateneo Sagrado Corazón de Jesús - Calles California y Av. Vélez Sarsfield – Barracas. Pintando: Paola Minitti.30

Sobre la calle Dr. Enrique Del Valle Ibarlucea, entre las columnas del estadio, se extienden los 14 murales en los que predominan los colores amarillo y azul. Cada mural es un homenaje a la historia, los artistas, el fútbol, el tango y esencialmente, a través de los colores azul y oro, al club, como parte irreemplazable del barrio de La Boca. Son alegorías a la música: Quinquela Martín y Juan de Dios Filiberto en un baile de tango; al carnaval ("Carnaval de 1950", auspiciado por el Banco Almafuerte); a los inmigrantes; a la inundación ("La inundación", auspiciado por Philips S.A.); a la hinchada; a los bomberos de La Boca; a sus artistas plásticos (La maestría): Lacámera, Daneri, Quinquela, Menghi, Tiglio, Victorica, Diomede, Lázzari y Cúnsolo y al primer equipo de Boca: Santos, Vergara, Cerezo, Priano, Penney, Ryan, Grande, Farenga, Moltedo, J. Farenga, Bacigaluppi. 30 P. MINNITI, (blog) http://paominniti.blogspot.com.ar/2008/02/mural-ateneo-sagrado-corazn-de-jess.html

Además de éstos murales, podemos encontrar otro tipo de murales, que son los que nos interesa trabajar. Estos últimos se realizan sin encargue previo, solo por la voluntad del artista y sin permiso. “Diga lo que diga el catastro31, la ciudad es de todos. Y si una parte de sus habitantes decide dialogar con las paredes, el asfalto, la señalética, los postes o los árboles, los resultados no debieran ser menos válidos que las intervenciones planificadas adjudicadas por licitación 32 a urbanistas de cuestionable probidad”.33

Arriba: Mural de la calle Perú, San Telmo Abajo: Mural callejero "Nadando en colores" en J. Salguero 1461

Hoy en día cada vez son más los que dejan el aerosol para empezar a pintar con rodillos y brochas: La elección del material deja de ser en función de la técnica para ser el resultado de una realidad económica: “Las latas están cada 31

Catastro (ver GLOSARIO). Licitación (ver GLOSARIO). 33 G. INDIJ, ob. cit., p. 201. 32

vez más caras, para comprar un par de colores juntamos plata entre todos y uno de nosotros va hasta Belgrano y las trae... se consiguen también unas latas chinas para pintar que son más baratas; pero cada vez se están usando menos aerosoles porque es un presupuesto, además de que las latas no duran nada” afirma Sol Suarez, artista visual que se ―mueve‖ en el ámbito desde hace varios años.

Imágenes: “El graffiti más grande del mundo”. Se hizo a plena luz del día, con un equipo de pintores con brocha y rodillo, lo inauguró el presidente de Brasil y, para rematar, aparecerá en el Guinness de los Records, gracias a los 3.500 metros cuadrados que ocupa.34 Está situado en Foz do Iguaçu.

A.A. CARTIER, “Lula inaugura el grafitti mas grande del mundo” en GRUPO DE ARTES PLASTICAS, Emagister http://grupos.emagister.com/debate/graffiti_arte_urbano_o_vandalismo_/1040-58703/p3

Técnicas Mixtas. Arriba: Konex 2011 / Abajo: Graffiti en Plaza Constitución.

El uso de los rodillos permite cubrir grandes superficies. Otra de las ventajas del uso de otras técnicas en lugar del aerosol, es que permite también darle una impronta más personal a los trabajos. Arriba podemos ver también como se combinan stenciles y pintura a mano alzada, y junto con las texturas de la superficie forman una totalidad.

Graffitis El graffiti es una vertiente del arte urbano que consiste en pintar con spray sobre paredes, objetos urbanos, medios de transporte urbanos y otros elementos de la ciudad. Inicialmente, la pintada en la pared es una expresión rápida para dejar escrito un mensaje, una protesta, una idea o solo el nombre de alguien. Su origen comienza en Filadelfia en 1960, allí un chico cuya firma era CORNBREAD empezó pintando para llamar la atención de una chica de su clase poniendo el nombre por todas partes. Tanto fue así que los diarios se hicieron eco de su firma dándole todavía más fama. A finales de la década de 1970 en Nueva York artistas como Taki 183, Julio 204, Cat 161 empezaron a pintar sus nombres en paredes o en las estaciones del metro de Manhattan. La particular estructura de Nueva York, en la que los barrios más degr adados de Harlem se encuentran al lado del glamour del mundo de Broadway, parece haber sido el caldo de cultivo de los primeros artistas del graffiti, reuniendo en un mismo lugar tanto culturas como grandes diferencias de clase. Se trataba de una especie de batalla contra los agentes del poder y de una salida de la pobreza del guetto. Al principio, los artistas del graffiti utilizaban con frecuencia su nombre real o sus apodos, pero pronto comenzaron a aparecer los primeros seudónimos (Los artistas del graffiti, "writers" y/o graffiteros, antes de comenzar a pintar en la calle deben establecer un ―tag‖ -seudónimo o nombre falso- que les va a representar). Cornbread, por ejemplo, se hizo famoso por pintar con spray su tag en un elefante del zoo. A través de estos pioneros, nació el graffiti americano, y se extendió a lo largo y ancho del mundo arrastrando tras de sí a miles de jóvenes.

Imágenes: Graffitis de CornBread y Taki 183 .

La evolución comienza cuando el grafiti se empieza a usar como firma (los ―tag‖) y para señalar la presencia de alguien en un sitio. El graffiti deja de expresar algo sobre alguna idea o sobre alguien y se centra en el autor que ha pintado una firma, a sabiendas de que esa firma se hace famosa puesto que está en un sitio donde muc ha gente la puede ver. Debido al exceso de nuevos artistas que blandían sus nombres por toda la ciudad, necesitaban nuevas formas que resaltaran su trabajo. Los tags se hicieron cada vez más grandes, hasta que aparecieron las primeras ―piezas‖ (abreviatura de ―Masterpiece‖ - en español obra maestra) en los trenes de Nueva York. A partir de aquí evoluciona la estética de la tipografía, se trabaja más el diseño de las formas, los colores y la composición. 35 Muchos de estos artistas buscaban la fama , ya fuese pintando más trenes o las mejores obras. Otros, como los que trabajan con plantillas o los artistas de la calle, deseaban comunicarse con el transeúnte o dar forma a su entorno sin ningún tipo de res tricciones. En un principio los artistas del graffiti se centraron en los trenes, porque viajaban alrededor de toda la ciudad y los veían diariamente millones de personas. A mediados de la década de 1980 se afirmaba que no había un solo tren que no hubiese sido pintado de arriba abajo, al menos una vez. Esta situación cambió hacia 1986, cuando las autoridades de Nueva York tomaron medidas para protegerlos de los graffiti colocando vallas alrededor de las estaciones y limpiando los trenes de manera regular.

C. ALEJOS, “Graffiti” en blog de Cristina Alejos para hablar del Arte. http://www.pinturayartistas.com/grafiti/

Al mismo tiempo que las pintadas de Nueva York viajaban por toda la ciudad, el fenómeno del graffiti se extendía por todo Estados Unidos y llegaba casi a todas las ciudades. Pronto, los trenes se convertían también en un objetivo en Europa. Por la misma época, se celebraban las primeras exposiciones en Amsterdam y Amberes. Los graffiti empezaron a aparecer prácticamente en todas las ciudades europeas desde principios de la década de 1980, aunque en Amsterdam y Madrid se había alentado un movimiento del g raffiti más temprano, que tenía sus raíces en el punk.

Graffitis: Distintos tipos Actualmente existen dos formas de diseño bien diferenciadas dentro del estilo grafiti: El diseño tipográfico y las ilustraciones. El diseño tipográfico En este entran tanto los Tag (las firmas) y los textos que generan en sí mismos toda la imagen. Firmas o “Tags” Este término se refiere al elemento más bajo en esta escala de complejidad debido a la relativa sencillez y al escaso tiempo empleado en su ejecución. Tag quiere decir ―etiqueta‖. Es una firma. ¿Qué se firma?. Sólo se firma. Como una firma, incorpora la serie de letras que arman nuestro nombre, o el monograma de sus iníciales, o el alias del graffitero y se realizan con rapidez y automatismo. Pero a diferencia del stencil, cada tag es único y en todo caso si se parecen entre sí, lo hacen tanto como una firma a otra de un mismo individuo, y solo puede ser realizada por ese individuo.

Arriba: ―Tags‖ Firmas en el Ferrocarril Roca.

Dise単o Tipogr叩fico

Arriba: Dise単os tipograficos varios, en FLICKR de P. Matheus Lacerda.36 Abajo: Dise単os tipograficos por Rocio Calavera.37

36 37

M. LACERDA, http://www.flickr.com/photos/matheuslacerda/6564486885/sizes/l/in/photostream/ R. CALAVERA, http://www.flickr.com/photos/amorfi/

Ilustraciones Dibujos y pinturas de todo tipo. Lo único que tienen en común es el soporte y las características de pintar con aerosol. Como exponía anteriormente, podemos encontrar también ilustraciones cuya base está pintada a rodillo con látex y los trazos en spray, y por último, las que están realizadas íntegramente a rodillo, pincel y brocha.

Arriba – izq.: Ilustración en aerosol por Rocio Calavera. Arriba – der: Ilustracion por ―El Brujo‖ en Dorrego y Velazco. Abajo: Pum- Pum, a rodillo y pincel en Tecnópolis.38

PUM – PUM, Galería en Facebook https://www.facebook.com/photo.php?fbid=10150311014187938&set=a.10150308322137938.385754.721769 67937&type=3&theater

Sticker – pegatinas Los stickers o pegatinas suponen a menudo la conexión entre el street art y la tecnología. Son muchos quienes utilizan la PC para elaborar, multiplicar e imprimir las pegatinas, y también para enviarlas a través de la red a cualquier lugar del mundo. Sticker Traders es un sitio donde se pueden intercambiar pegatinas con otros usuarios. Otro sitio similar es el Grupo Street Traders, en Flickr. Con los stickers se introducen los conceptos de seriación de la obra (que tanto interesó a los artistas pop) y de multidifusión. Es posible diseñar una pegatina en Buenos Aires, y que una hora más tarde esté colocada en cualquier ciudad de otro continente. Incluso podemos ver reflejado el momento en que la colocan gracias a sitios como Flickr o YouTube.39

Arriba - Izq.: Stickers varios. Arriba – Der.: Captura pegando stickers40 Izq.: Skull PNX, Sticker Autoadhesivo Vanesa Tricanico – 2009

39 40

http://arte-callejero-aeon.blogspot.com/ THE OFICIAL, http://www.flickr.com/photos/the_oficial/3998686092/sizes/l/in/photostream/

Afiches Los afiches artísticos son una vertiente del tradicional sticker, pero en un formato mayor. Compiten y se mezclan con la publicidad más que sus otros compañeros del street art, ya que están hechos con los mismos materiales. La diferencia entre ambos radica en el contenido y en el mensaje. Podemos encontrar una variedad que va desde dibujos simples en gran formato, intervenciones sobre afiches existentes (alterando el sentido original), como los afiches de Oscar el taxista, hasta los de contenido abiertamente político, como es el caso de Juan Carlos Romero. En la ciudad, el afiche artístico convive con la oferta comercial, la propaganda política y la cotidianidad de los ciudadanos. Sin embargo, los afiches realizados por artistas suelen ser más enigmáticos que sus pares comerciales. Pero además existen dos elementos que normalmente los diferencian. Por un lado el afiche artístico no promociona ninguna ―mercancía‖, en todo caso, llama a conciencia sobre alguna situación, hecho o acontecimiento. Por otra parte, en general, se presenta como un enunciado anónimo, potenciando al extremo la situación de su recepción pública.41

Arriba: ―Somos todos negros‖ Intolerancias, Juan Carlos Romero- 2010.

En oposición a los postulados del circuito del arte, las intervenciones urbanas con afiches rechazan las valoraciones sustentadas en la unicidad de la obra. Se trata, por el contrario, de utilizar medios de fácil reproducción, que permitan una mayor difusión de la propuesta, y con ella, la posibilidad de una audiencia ampliada. 41

R. ALONSO, “El afiche artístico en el espacio público” Presentado en: II Jornadas de Intercambios Artísticos. Lo Visual y los Lenguajes Artísticos Hoy. Dirección General de Museos. Buenos Aires. 2003. p. 1

Pero aunque por su lógica el afiche pareciera requerir esa difusión seriada, no es inusual la utilización de carteles únicos, en general referidos a proposiciones muy específicas.42

Arriba: Anónimo - Buenos Aires, 2000. Formulación a partir de la obra de Oscar Bony (1968). Abajo: Intervención Contrapublicitaria de Proyecto ―Squatters‖.

R. ALONSO, ob. cit.

Stenciles Le damos por nombre ―stencil‖ a diversos usos de una misma técnica. Y no solo a la técnica, sino también a la herramienta (la plantilla) y la obra que produce (el stencil graffiti). Se utiliza también en forma masiva y múltiple en la señalización de calles y negocios, como herramienta comercial, para etiquetar embalajes, en las artes decorativas [...] Las primeras muestras de esta técnica se registraron en las cuevas prehistóricas y tumbas faraónicas. “El arte argentino empezó sobre una pared. Figuras estampadas en la piedra de una cueva constituyen la más antigua expresión, que se tenga conocimiento, de los pueblos originarios de Sudamérica”.43

Arriba: Cueva de las manos, en Santa Cruz (Patagonia argentina), 9300 adP. (Antes del presente, oficialmente: el año 1950), lo que equivale al año 7350 a. C.

Sin embargo, la primera vez que adquirió sentido político fue en la década del 40, con plantillas y pinturas de mano de los fascistas italianos. Veinte años más tarde fue apropiado por los estudiantes del Mayo francés. Y luego por los movimientos revolucionarios de México y el País Vasco en la década del 70.

G. INDIJ, ob. cit., p. 24.

En Argentina ―El siluetazo‖ (tercera marcha de la resistencia, 1983), fue una de las obras colectivas más importantes de arte político en la historia social del país, mediante la cual se realizaron miles de figuras humanas en representación a los treinta mil desaparecidos de la dictadura 1976- 1983. Algunas de ellas se realizaron contorneando a los participantes acostados en el piso.

Imágenes: Roberto Aguerreberry, Julio Flores y Guillermo Kexel. El siluetazo, 1983. Tercera Marcha de la Resistencia de las Madres de Plaza de Mayo, fotografía Guillermo Kexel.44

BUENOS AIRES CIUDAD, En Centro virtual de Arte Argentino: Dossiers. http://www.buenosaires.gov.ar/areas/cultura/arteargentino/02dossiers/accion/gr_1_histo_4_10.php

El stencil Hoy De modo que más que una técnica, en los países del primer mundo el stencil significa una acción política: no sólo por el hecho evidentemente ilegal de rayar las calles, sino porque es una manera de oponerse a la producción industrial, una técnica que permite fabricar y publicar mensajes a un público masivo sin necesidad de someterse al sistema de medios, “un grito de individualidad en medio de un mundo seriado45”.46

En nuestro país, con la crisis del 2001, una de las formas que encontró la gente para expresar su bronca y disconformidad con lo que estaba pasando en ese momento fue salir a la calle. Mientras unos salían a golpear cacerolas, otros usaron esta herramienta, el stencil, para denunciar la crisis públicamente. “La convocatoria llamaba a participar, a estar en las calles activamente, a moverse, a juntar las sobras, a quedarse con algo, a irse o que se vayan. [...] Otra vez, el arte estaba en las calles, diciendo lo que se quería decir para el que quería ver.”47

―El 19 y el 20 de diciembre provocaron una revuelta: nada tenía rumbo. Esa sensación social generó la necesidad de ―hacer y pertenecer‖, ya que ningún imaginario social —gobierno democrático, dictatorial, ―personaje salvador‖— nos decía qué iba a pasar. Entonces, ¡aparece la creatividad! La necesidad de participar y trabajar en conjunto. El arte es un muy buen vehículo para canalizar situaciones. Creo que por eso surge esta movida de arte independiente, por necesidad de expresión.‖48

Seriado (ver GLOSARIO). POPULARDELUJO, “Stencilrevolution” en Grafica de otros lares, Paisajes gráficos callejeros de todos los rincones del mundo. http://www.populardelujo.com/otroslares/stencilrevolution.htm 47 G. INDIJ, ob. cit., p. 16. 48 G. ROMERO, vicepresidenta de Cocoa Datei “No ser independiente es no cuestionarse” en Agencia Nan del 10/ 07/2013 http://agencianan.blogspot.com.ar/2013/07/no-ser-independiente-es-no-cuestionarse.html 46

Hoy esta técnica es usada de múltiples maneras y con diferentes efectos según las intenciones del creador, apelando a hechos de la actualidad, y mezclando arte, diseño, política y humor para provocar al transeúnte.

Izquierda: Varios stencils / recopilación de Hasta la victoria Stencil! Derecha: Nassa Stencil.

CapItulo III Arte callejero en los museos

De la calle al cubo blanco Como decía anteriormente, el problema al que va dedicada esta tesis, se complejiza y comienza a generar debate cuando este arte creado en un principio para compartirse en la calle empieza a ser absorbido por las instituciones hegemónicas del arte. Es preciso decir que, históricamente, al crear obras que no son concebidas y exhibidas para el medio del arte (museo, centro de arte, galería, etc.), los artistas reaccionan frente al modelo del “cubo blanco”49, y critican el sistema autorreferencial que sitúa a la obra únicamente en el interior de una historia del arte. 50 Las calles y los espacios urbanos imponen un nuevo sistema de relaciones que la galería y los museos hacen imposible. No solo cambia el marco locativo, sino, también, el comportamiento de los espectadores y la índole de las obras. La relación que propone la calle impone una revisión de los esquemas y los planteos estéticos y sociales. “El solo hecho de salir a la calle es ya una crítica y cuestionamiento de la función del arte aunque, como ocurre en muchas ocasiones, las propuestas suelen reproducir los hábitos de consumo pasivo del arte galerístico‖.51

La calle, por sus características y por su índole de centro de vida social, se desentiende de lo que es arte y de lo que no lo es, al contrario de las galerías y museos que imponen su lógica de consumo, es decir, todo lo que se expone en ellos es arte o asume ese carácter (si no lo es). En cambio la calle enfatiza la relación comunicacional, permitiendo que el arte despliegue toda su funcionalidad, su razón de producto de comunicación y no de mera mercancía sujeta a leyes de mercado y lucro comercial. Los sectores sociales preponderantes en la sociedad, dueños de las galerías y administradores de los museos, se adueñan de toda la producción simbólica de la sociedad (aún aquella que los cuestiona), y la descontextualizan en esos ámbitos exclusivos. Ahí nace la descalificación o el silenciamiento de todo el arte que se realice en la calle (salvo aquel que reitere los vicios del consumo galerístico). Enamorada del muro, fue una muestra clara de esto: se trató de una exposición realizada en el Paláis de Glacé en el 2008, donde se convocó a

Cubo blanco (ver GLOSARIO). Grupos, Movimientos, tendencias del arte contemporáneo desde 1945. Cap. “Arte en el medio Urbano”, pág. 215. Buenos Aires; la marca editora, 2010. 51 C. PADÍN, “El arte en las calles” En Action Art (Magazine sobre la acción). 50

artistas de la calle a intervenir sobre paneles que se ubicaron en las salas de exposición.

Los diseñadores, ilustradores o artistas que alguna vez estuvieron trabajando en la calle, (por uno u otro motivo), fueron invitados a ingresar a los museos.

Diferentes posturas: que piensan los artistas En muchos casos son los propios graffiteros los que se niegan a exponer en museos o sitios cerrados. Y es que según un sector del movimiento, su trabajo deja de tener sentido en un contexto que no sea el de la calle. -“El graffiti por definición es ilegal, en museo o galería sólo puede haber dos cosas: obras producidas por artistas conocidos por hacer arte urbano, o bien documentación de obras de la calle".52

Otros no tienen una visión critica acerca de este tema y ven en esta búsqueda de artistas emergentes del arte callejero una oportunidad para mostrar lo que hacen. Un ejemplo es PUM- PUM, conocida por sus muñecas autorretrato que vagan por la capital de Buenos Aires: -“Si el proyecto al que te convocan está bueno, y es para hacer algo que te gusta, me parece válido; no tiene porque que ser uno u otro. Se puede seguir

Javier Abarca, experto en arte urbano y Profesor de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid

pintando en la calle, dibujando, haciendo lo que te guste y poder trabajar de eso para algún proyecto puntual”.53

Algunos de estos artistas utilizan la gratuidad de la calle para poder pintar en grandes formatos y darse a conocer. Si son convocados entran a las grandes galerías, y pintan de la misma manera en paneles o sobre bastidores. Esta última es una opción más viable para poder vender su obra a particulares o a las mismas galerías. Paralelamente pueden o no mantener vigente su obra en la calle.

Galerías y proyectos relacionados Dentro de las propuestas INDOOR que surgieron en Argentina con el auge del Street Art, se puede diferenciar entre los espacios auto-gestionados por los propios artistas, muestras y espacios financiados por marcas de indumentaria (donde se publicitan también productos intervenidos por los mismos), muestras puntuales de Arte urbano en las grandes galerías y proyectos gubernamentales para dar a conocer el arte joven local o llevar estas prácticas a quienes no pueden acceder mediante talleres abiertos a la comunidad. Al realizar una investigación sobre estos espacios, descubrimos que, en su mayoría, las galerías comerciales ligadas al Street art no perduraron a lo

largo de los años, y aquellos espacios destinados para exhibir y comercializar obra de estos artistas hoy en día son utilizados en algunos casos para dar algún taller especifico relacionado con las técnicas usadas en el Street art, si es que todavía continúan teniendo alguna actividad. Esto nos lleva a la conclusión de que es más fuerte el lazo que estas prácticas mantienen con la sociedad, que su veta comercial, al acercarse actualmente a la gente a través de talleres que hacen que proliferen los productores de este tipo de arte; y con ellos continúe vigente la premisa inicial de ―para todos‖ y ―en la calle‖. Algunos de los espacios que tuvieron su auge allá por el 2007 - 2009 se mencionan a continuación, junto con otros proyectos y galerías vinculados a este tipo de expresión artística.

Hollywood in Cambodia Ubicada en el primer piso del bar Post, en el centro de Palermo Soho, ésta fue una de las galerías pioneras, donde el street art y el stencil son ejes centrales de las muestras. La galería existe desde octubre de 2006, cuando dos grupos 53

FONCK, “Una Chica con mucho Pum Pum” en Camionetica http://www.camionetica.com/2010/03/30/una-chica-con-mucho-pum-pum/

de artistas se dispusieron a dar un marco no institucional al espacio ubicado arriba de un bar de Palermo. Con una estética más parecida a un sótano que a un primer piso, H.I.C. cuenta con dos salas donde se realizan las exposiciones, además de una terraza y un salón de venta. Malatesta, Buenos Aires Stencil y Run Don't Walk le dan forma a este proyecto, y son partícipes y responsables del reducto que ofrece cobijo a diversos artistas. Según se puede advertir en su página web, no están teniendo una cartelera con muestras actualizadas desde el 2011, con anterioridad a esa fecha todos los meses se montaban nuevas muestras y se realizaban diversas actividades (live painting, serigrafía en vivo, muestras de cultura skater, charlas) y en su lugar, hoy en dia se están dando talleres dictados por los mismos fundadores de la galería. http://www.hollywoodincambodia.com.ar/

Turbo Galería Otro espacio creado por Artistas urbanos, donde solían exponer tanto sus fundadores como otros protagonistas de “la movida”. Los creadores de Turbo son los miembros del estudio de diseño gráfico Doma, que además crean personajes, muñecos y otros objetos. La galería, al igual que HIC, poseía su espacio de venta, donde se encontraban murales representados en lienzo, remeras y objetos. La galería quedaba en Palermo Hollywood, y su blog exhibe todas las muestras pasadas. http://www.turbogaleria.com/

Muestra XXL, ―arte callejero en gran formato‖ La ultima exhibición que se realizó en la galería antes de su cierre, en Noviembre de 2011.

Espacio 6.0 Este es un espacio cedido por la marca de ropa urbana Sixfeet, que destinó una de las vidrieras de su local para la creación del Espacio 6.0, por donde pasaron diferentes artistas urbanos , y también solían ser parte otros artistas contemporáneos, como Milo Lockett, Diego Hernández, Chino Zavalía, entre otros. Además la marca de ropa desarrolla la línea Artpack, que reúne a ilustradores, estudios de diseño y artistas de street art, convocados a intervenir prendas de vestir. En la web de la marca se puede encontrar el detalle de las muestras pasadas, la última de ellas realizada en Julio de 2012. http://www.sixfeet.com.ar/

Proyecto Art Pack. Ediciones limitadas de 300 prendas.

Galería de arte: La Nave Galería llevada adelante por la gente de Proyecto Odisea 20, que propone una actividad cultural en un barrio de emergencia (Villa 20 en Lugano). Los forjadores de Odisea 20 dicen que su objetivo "es ofrecer una plataforma de producción artística para los habitantes de la Villa 20. Todos los productos, sean libros de la editorial, discos del sello de música u obras expuestas en la galería, están hechos exclusivamente por los habitantes de la Villa 20‖. Este espacio fue inaugurado en agosto de 2006, y en la actualidad se dictan en él talleres de dibujo, pintura y escultura en diversos materiales. Los talleres están a cargo de estudiantes y profesores del Bellas Artes. Hay niveles para niños y adultos. La Nave también es un gran lugar donde llega el street art, ya que la galería convoca a artistas que intervengan las paredes, fachadas,

puertas y demás espacios libres. Los interesados deben presentar sus proyectos, que son elegidos por un comité compuesto por los vecinos de la Villa 20. http://www.odisea20.com/

Primera Intervención: Mural Barilaro

Rojo Artspace Este espacio de arte en la ciudad de Rosario es una de las galerías de dicha ciudad que más importancia da al street art. Allí han expuesto los principales protagonistas de esta disciplina, tanto de Rosario como de Buenos Aires y de otras capitales argentinas. Rojo Artspace pertenece a Clubblast, un local de ropa multimarca, que cuenta con el apoyo de la revista Rojo Art, conocido medio que se edita en todo el mundo y que difunde el arte contemporáneo. Además, la gente de la revista Atypica auspicia de curadores del espacio. Actualmente la galería cambió su nombre a Blast Art gallery. http://www.clubblast.com.ar/ La Sala Azul Con un proyecto parecido al que plantea el Proyecto Odisea 20, la Sala Azul de la Villa 21 de Barracas propone un taller de graffiti y street art a cargo de diferentes reconocidos artistas del género. Entre ellos, encontramos a Pum Pum, Rober de Stencilland, Fede de Run Don´t Walk, Nerf, Gaby y Paz de Kuwait. Aquí, ellos les pasan su sabiduría a niños de entre 10 y 12 años, quienes luego intervienen las paredes de la villa dándoles color y vida. Un emprendimiento que cuenta con galería propia, donde ya expusieron los

artistas antes mencionados, pero que también sirve de espacio para que los mismos chicos canalicen su expresión artística. Su Blog corresponde al Turno Mañana de la Sala Azul. http://azultm.blogspot.com

El Pirovano Pinta Bien Este es un proyecto desarrollado por el Consejo Consultivo de la Comuna 12 y la Dirección del Hospital Pirovano, cuyo objetivo es promover y programar intervenciones pictóricas sobre los muros perimetrales del hospital. Buscan que éstos sean el soporte de intervenciones artísticas de calidad, valorizando la arquitectura y la preservación del patrimonio público. La intención es hacer visible que el hospital público es de y para los vecinos, ambos interactuando positivamente por un objetivo común. En el Pirovano, diferentes artistas le dieron color a las paredes, pero la intención es seguir por otros hospitales de la ciudad. http://elpirovanopintabien.blogspot.com

El Pirovano pinta bien: Selva en la versión de Steep + Luis Auz + Seta Fuerte + MPC

Street ArteBA Desde el año 2010, Street Arte BA o SABA promociona y fomenta la creación del arte en cualquiera de sus técnicas aplicadas sobre un soporte público y se proyectan como el primer y más integral evento independiente de arte urbano en la ciudad de Buenos Aires, Argentina.

SABA es organizado por personas que aman esta actividad y hacen de esto su vida, que crean y promueven esta forma de arte: Es una colaboración de varios artistas cuyas carreras comenzaron unos años atrás, organizando una serie de eventos donde pintaron e interactuaron con otros artistas callejeros y no callejeros. Su web es http://streetarteba.com/

“En la sexta edición de SABA armamos un puente entre el graffiti y las galerías. Fue levado a cabo en una fabrica reciclada como edificio de arte, con más de 50 artistas nacionales e internacionales interviniendo distintos lugares del espacio.” 54

STREET ARTEBA, “El arte en la calle vs. La calle en el arte” http://streetarteba.com/encuentros/sesion-6

Otras Muestras

Hasta la victoria Stencil, la muestra. Sala 8. Centro Cultural Recoleta. A単o 2004.

Muestra de Bs. As. Stencil en el Centro Cultural Borges. A単o 2006.

Capitulo IV Intervenciones para marcas: Zapatillas, Diseño y ―Arte‖ urbano Aunque la mayoría sigue pintando por amor al arte (invirtiendo entre $60 para un graffiti, a $400 para un mural de látex) hay quienes advierten una domesticación del fenómeno, cada vez más adoptado por empresas que lo ven como un modo cool de publicitarse. En julio de 2009, por ejemplo, la marca de ropa deportiva Puma (junto a otros sponsors) organizó en Recoleta su segunda edición del Festival Puma Urban Art, en el que se presentaron artistas urbanos de todo el mundo. El Puma Urban Art es un festival multidisciplinario organizado por la célebre marca de indumentaria deportiva alemana Puma, en el cual se busca explotar la cultura del Street Art y otras disciplinas fuertemente ligadas a lo urbano.55

Derecha: PUM – PUM, Pintando en el ―Puma Urban Art‖. Izquierda: Puma Urban Art 2009.

Para continuar con la tendencia También Nike instaló un local en la galería Bond Street donde exhibe zapatillas intervenidas por ―artistas callejeros‖. Y Reebok por su parte, se asoció con la figura del desaparecido artista urbano neoyorquino Jean-Michel Basquiat mediante una serie de zapatillas que se centran en su simbología, como su coronado logo y además de la leyenda I Am Basquiat como se puede ver en las imágenes.

LEONEL ACOSTA “Llego el Puma Urban Art”, en Mas músicos bandas y solistas. http://mbsmusicos.com/blog/2011/05/26/llega-el-puma-urban-art/

Arriba izquierda: Local en la galería ―Bond Street‖, donde se venden zapatillas y se exhiben muñecos personalizados por artistas urbanos. Derecha y abajo: Zapatillas Reebok Basquiat.

Cover your Bones, una marca de ropa asociada al circuito de la galería Bond Street, convocó a doce artistas reclutados no sólo del street art, sino también del arte digital y el graffiti old – school, para formar el colectivo de los ―Zapartistas‖ (integrado por Atípica, Acampante, Brook, Buenos Aires Stencil, Doma, Fase, Punga, Pum Pum, Dieguez, Rock Instrument Boureau, Plast y Zear) y producir una línea de calzado ―único‖, pintado a mano. El resultado final, de sólo doce pares, tiene por fin ―llevar el arte callejero de la clandestinidad a la vidriera‖, explica Germán Eguía, de Cover 56 en un artículo de la página ciudad.com, donde para poder visualizar dicha nota, primero tenemos que toparnos con una publicidad de Garbarino, a pantalla completa.

CIUDAD.COM “Arte al paso”, 25- 12-06 http://www.ciudad.com.ar/espectaculos/55332/arte-al-paso consultado el 22- 10-12

Arriba derecha: ―Ejecito zapartista por la liberación del arte‖ / Izquierda: Publicidad de local ―FITZROVIA‖ / Abajo: Imagen de local de ―FITZROVIA‖ venta de zapatillas de skate en Lomas de Zamora.

Arte callejero como herramienta de marketing “Street Branding” “Las ciudades se han convertido en el campo de batalla donde la publicidad y el arte urbano luchan por captar nuestra atención. Ambos tratan con todas sus fuerzas de conquistar el terreno del otro.”57

Tanto las agencias de publicidad como los anunciantes son muy conscientes de que la inversión en medios tradicionales es cara y cada vez menos efectiva. Cada vez más marcas están apostando por el marketing de guerrilla58 para seducir al consumidor. Un formato que está ganando popularidad a pasos agigantados es, por ejemplo, es de los ―anuncios-grafitis‖, que pueden verse actualmente en las zonas urbanas de muchas ciudades.

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El street branding59 consiste en la apropiación del lenguaje y los recursos del arte urbano para explotarlos publicitariamente. Tiene su referente en el street art, entendido como la utilización generalmente ilegal, de espacios públicos con un fin expresivo. No obstante, el street branding renuncia a la componente activista y reivindicativa del street art.

TERCERA INFORMACION,“Cuando la publicidad va de arte urbano”. http://www.tercerainformacion.es/spip.php?article3839 consultado 02/13 58 Marketing radical, Extreme Marketing o Feet-on-the-street. Es la consecución de los objetivos de marketing planteados a través de métodos poco convencionales que se basen en los hábitos y costumbres del público objetivo para sorprenderlos en sus actividades cotidianas. 59 Branding (ver GLOSARIO).

Se dirige primordialmente al público que se desenvuelve en esos espacios expresivos y trata de aprovechar la posición de estos artistas como referentes para muchísimos jóvenes que consumen sus producciones y comparten sus puntos de vista. De esta manera, el espacio común ya no es utilizado para la transmisión cultural popular, sino para producir consumo y reforzar la presencia de las marcas.

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Quienes y porque se venden Donde algunos lloran, patalean o anatematizan, otros sonríen, se divierten o simplemente hacen su trabajo y sus negocios porque es su profesión y cualquier trabajo vale.60

Entre los artistas que se dedican a esta forma de arte, se pueden diferenciar dos grupos que nos interesa trabajar: En primer lugar se ubicarían los que, además de tener obra en la calle, venden su trabajo en galerías comerciales y a particulares o hacen trabajos específicos para alguna empresa / marca que los contrate, (A este grupo lo vamos a llamar Grupo Popular) y en un segundo lugar, quienes se niegan rotundamente a prestar su producción callejera para otros fines, y ponerle un precio, a pesar de no obtener ningún beneficio económico a cambio de su trabajo. (A este segundo grupo lo llamaremos Grupo de la Calle) A continuación citamos el testimonio de algunos artistas pertenecientes al Grupo Popular, para determinar las causas del paso de este arte de la calle a 60

MICHAUD, Yves. El arte en estado gaseoso. Ensayo sobre el triunfo de la estética; trad. De Laurence le Bouhellec Guyomar. Mexico: FCE, 2007.p.28

las galerías, en primer lugar, y su consecuente trasformación en merchandising juvenil y otros accesorios de moda. Wife, artista Callejera: ―- Me interesa vivir de mi obra, obviamente como todos los artistas, me está pasando que estoy empezando a cobrar por mi trabajo en ciertos contextos y situaciones. Quizás me contratan para hacer algún mural o cosa, ponele en Tecnópolis, estuvo bueno porque nos pagaron y creo que esta re-bien porque sino también el trabajo de uno se desvaloriza, y me parece súper importante que nuestro trabajo tenga un valor. Yo de a poco lo voy midiendo, no es que lo busco intencionalmente, va ocurriendo y me encanta, me pone re- contenta. Si el día de mañana hago una muestra indoor61 y vendo cuadros, bárbaro.-‖ Parvo, artista urbano integrante del grupo Kid gaucho: ―- Nosotros pintamos para marcas, esa es la verdad y está todo bien. A nosotros en algún punto nos sirvió, tanto económicamente como a nivel promocional para el estudio de diseño en el que venimos trabajando.-‖ Stencilero (anónimo), perteneciente a Stencil land: ―- No termino de estar cómodo, sentís que sos un careta, que sos un vendido… que traicionás bla bla bla... Pero también me pongo a pensar que estoy viviendo de esto, de algo que me gusta. Me siento privilegiado. Poder vivir de pintar. De cortar y de pintar. Entonces lo tomo como un trabajo y digo bueno, por ahí ser un careta ser un vendido es ponerme una camisa y una corbata y hacer un laburo que no tengo ganas de hacer. Ahora tengo la posibilidad de no hacerlo, mientras que dure esto y pueda seguir viviendo de esto lo voy a hacer.-‖ Grolou, Artista callejero: ―…Supongo que está bien, si se venden tus obras mejor, así ganas un poco de plata y no estás siempre pobre.‖62 Javier Mamprin, director de la galería de street-art Club Blast, en Rosario: ―- A mí no me parece mal que un artista pueda vivir de esto trabajando para una marca‖, afirma. ―- Yo no vivo de esto y la galería surgió como un capricho‖, dice. Sin embargo, en la actualidad, su emprendimiento cuenta con el apoyo de marcas como Vans, Circa y Cover your bones, que fabrica las zapatillas ―All Stars‖ argentinas.

Luis Pazos, Integrante del Grupo Escombros: ―- Volveremos a participar (refiriéndose a Arte BA), por la decisión del grupo de llevar nuestra visión de la Argentina y del mundo a todas las partes donde sea posible. Es decir, nuestra visión del Poder, el hambre, la represión, la corrupción, la desesperanza y la resistencia. Definimos nuestras obras como 'objetos de conciencia' y como tales llevamos esa conciencia a los habitantes de un barrio marginal o a las instituciones que son el corazón del Poder que cuestionamos.-‖

61 62

Indoor (Ver GLOSARIO) STREET ART, Documental de Canal A. Capitulo 4 “Legitimación”. Testimonios de Artistas callejeros.

Que opinan los que se mantuvieron en la calle “Mi dilema es enfrentarme a una escena de gente que al cabo del día ve el arte como una moda y no está muy dispuesta a entender la parte social o humana tras él. Lo que importa a esta elite es la fama, el estatus y cuanto se gana con una u otra obra. Algo desmotivante, pero que al fin y al cabo rige la gran burbuja del mercado artístico.”63

Los artistas que integran nuestro segundo grupo (El Grupo de la Calle), consideran que el arte urbano, al ser de carácter público adquiere una dimensión mayor a la que puede tener la misma obra dentro de una galería. Meiz, Artista urbano de México: "- Al momento en que la obra sale, adquiere también libertad, porque no pertenece a nadie, es de todos, de quien pase y la haga suya".64 ENE ENE, Artista Urbano: "- Apropiarse de lugares que están prohibidos o apropiarse de lugares que están disponibles para publicidad convencional y poner imágenes, es una forma de participar y comunicar, y amplia mucho más mi trabajo en las artes porque no se limita a estar en una galería. Como uno sabe la gente que va a galerías es un público limitado que es el que se toma el trabajo de ir a la galería. En la calle estaría comunicando mi trabajo más allá de esa gente que pueden ser espectadores de una galería o clientes que compran obra. Estoy hablando con la señora que es mi vecina, o los niños que pasan… Para mí la calle es el lugar ideal.-‖65 Estos últimos prefieren mantener su obra en su soporte original, compartiéndolas con la comunidad, sorprendiendo e invitando a pensar a veces al transeúnte, y vivir paralelamente de actividades como la docencia, formar parte de talleres en los que se fomentan este tipo de actividades o simplemente tener un trabajo como cualquier otro, a la par que pintan en la calle. Muchos pueden pensar qué lugar ocupa el arte en la vida de estas personas, pero si nos ponemos a pensar, ¿qué es más importante? ¿La cantidad de tiempo que se pinta por día?, ¿la calidad de las obras, o lo que se pueda ganar con ellas? Meiz, Artista urbano de México: "- Al pintar arte urbano uno no vende una obra, no tiene precio, es simbólico, imagina una obra de arte 20 veces más pequeña que está en una galería, vale a veces cien veces más, pero que tu trabajo lo vean miles de personas y que trasformes la imagen de un lugar, es lo más valioso- ".

PAU QUINTANAJORNET, Entrevista por Felipe Escobar en Anormalmag http://www.anormalmag.com/entrevistas/pau-quintanajornet/ consultado Febrero 2013 64 MEIZ, Artista urbano de México en Minos y Meiz, artistas urbanos que invitan a volar http://www.elsiglodetorreon.com.mx/noticia/801860.minos-y-meiz-artistas-urbanos-que-invitan-a-volar.html 65 STREET ART, (documental canal A) Ob. Cit.

Reflexiones finales Para concluir este trabajo, podemos decir que hay tanta diversidad de arte urbano, o arte de la calle, como diversidad de productores. Por un lado tenemos gente que hace ―Street art‖, que pinta regularmente, hace grafittis e ilustraciones, o diseñan letras y murales, mientras que por otra parte, tenemos chicos firmando paredes, pintando escuelas o paredes del barrio, otros haciendo stenciles, (así sea por diversión o como modo de denuncia). Al mismo tiempo otros grupos trabajan en relación a algún tema en particular, como por el ejemplo ―Arte contra la violencia de género‖, (Como en el caso de Mujeres públicas, que mencionábamos al comienzo de este trabajo) grupos de activismo Vegano (En defensa de los derechos de los animales), Contrapublicidad, (Como era el caso de Oscar el Taxista, y el más actual Grupo Squatters). ¿El arte callejero es un tipo de Arte?, Sí. Pero que se define por usar como soporte el espacio público. Esa es la característica que une, en primera instancia a esta diversidad de trabajos. Las obras que tienen una estética o técnicas similares a las utilizadas para los trabajos en la calle, expuestas en una galería; y los trabajos o actividades que estos artistas hagan al margen de la calle, como intervenir zapatillas, o pintar para algún evento ―Indoor‖, ya no entra dentro de la lógica del arte en el espacio público. Para cerrar este trabajo, voy a dejar en claro mi punto de vista, y mi posición respecto a este tema: Cada artista tiene la libertad de hacer lo que quiere adentro o afuera, pero tenemos que ser coherentes con el tipo de producción que estamos realizando. ¿Porque elegimos el espacio publico en primera instancia? Tenemos que tener en cuenta que marco le vamos a asignar a nuestra obra, especialmente cuando se trata de realizar nuestra obra ―en‖ el espacio publico. El entorno, como mencionaba anteriormente, en este caso se vuelve también parte de la obra y los cambios que se producen al reproducir una pieza de esta índole en el ámbito privado generan cambios significativos en la apreciación y el significado de la misma. Como marcaba al inicio del trabajo, Hay una diferencia entre una obra de arte ubicada en el espacio público, (para darle cierta relevancia al lugar donde se ubica), y el arte interesado directamente en la localización, que tiene en cuenta el contexto y la interacción de la obra con el espacio público. Volvemos sobre nuestra hipótesis: “Cuando se habla de Arte callejero se tiene que tener en cuenta que como su nombre lo indica es denominado así por usar como soporte el espacio público, su fin es compartir y socializar el arte o bien trasmitir un mensaje especifico a los transeúntes. Por lo tanto una obra de arte callejero en venta o en un pedestal se presenta como una

contradicción en sí misma y se reduce a un mero objeto de uso comercial carente del valor cultural en el primer caso, y pierde su sentido original en el segundo.”

Por otra parte, creo que es contradictorio mostrarse por un lado como un artista ―al margen‖ que trabaja en el espacio público para la comunidad, dar talleres abiertos en villas o zonas de emergencia y generar proyectos de inclusión social, para después pintar para una multinacional, apenas surge la posibilidad, solo porque es rentable. O vender obra en una galería comercial como cualquier otro artista que no se cuestiona el mercado del arte, mientras por otro lado se predica lo contrario mediante nuestra obra. Para cerrar este trabajo, mantengo que el arte no debería estar ligado al lucro comercial. Entiendo que muchos artistas quieran vivir de su arte y encuentren en la comercialización de sus obras una solución a sus problemas económicos pero pienso que es mejor mantener libre nuestro trabajo de las presiones de la compra – venta, que terminan a la larga por alterar la espontaneidad y libertad de la producción de nuestra obra. En esto puede englobarse la libre elección del soporte, que puede ser apto para la venta posterior de la obra o no: (no tiene el mismo valor comercial, un bastidor que un afiche, por ejemplo). También la elección del tamaño de la obra (a mayor tamaño se logra una mayor cotización, o viceversa: a menor tamaño una obra más barata y de alcance masivo). También se debe tener en cuenta la relación tiempo – trabajo, y el tiempo que se invierte en cada ―obra‖ debe ser sustancialmente menor para que las obras sean más accesibles. Quiero dejar en claro que, no es lo mismo realizar una obra determinada y que se venda más tarde como consecuencia de su exhibición que realizar obra llanamente para la venta. Hay que ser cuidadosos ya que se puede pasar de un momento a otro de estar realizando una obra única, a convertir nuestro trabajo en una producción en serie que sea rentable y a gusto del consumidor. Y en este ultimo caso más que en buenos artistas estaríamos convirtiéndonos solo en unos buenos comerciantes.

GLOSARIO

Branding: La noción de branding permite referirse al proceso de construcción de una marca. El branding busca resaltar el poder de una marca. Los especialistas destacan que las marcas tienen valores intangibles, como la singularidad y la credibilidad, que les permiten diferenciarse. Lo que el branding intenta hacer es subrayar dichos valores que la marca transmite al cliente y que constituyen su fortaleza. De esta manera, es posible que el consumidor asocie en su mente una marca con un valor: por ejemplo, innovación. La intención del publicista será que el consumidor piense en la marca a la hora de buscar productos innovadores. Catastro: El término catastro es aquel que se usa para designar al censo o registro que tiene el Estado de los diferentes tipos de propiedades privadas y establecimientos existentes en su territorio. El principal objetivo del catastro es el conocimiento de tales espacios a fin de poder aplicar de manera adecuada y proporcional los correspondientes impuestos. El catastro puede servir además para el control y para la organización geográfica del espacio ya que permite conocer qué espacios están libres, cuáles están ocupados, cuáles deben ser renovados, etc. La palabra catastro proviene del griego katastikhon, que significa registro o censo. Cubo Blanco: La modernidad inventó el concepto de ―Cubo Blanco‖, un espacio expositivo neutral, que aislaba la obra de su entorno para no distraer al espectador y para que ésta sea vista en su lógica interna y no en relación a su contexto. Geopolítico/a: Termino usado para designar la influencia determinante del medio ambiente (elementos tales como las características geográficas, las fuerzas sociales y culturales y los recursos económicos) en la política de una nación. Hegemónico: El concepto de Hegemonía, en la definición tradicional, refiere a la dirección política o dominación especialmente en las relaciones entre los Estados. El marxismo amplió esta definición a la dirección o dominación entre las clases sociales, y es Antonio Gramsci, quien profundiza el desarrollo de este concepto. Gramsci distingue entre dominio y hegemonía, entendiendo al primero expresado en formas directamente políticas y, en tiempos de crisis, coercitivas, y al segundo, la hegemonía, como una expresión de la dominación, pero desde un "complejo entrecruzamiento de fuerzas políticas, sociales y culturales". Para Raymond Williams, intelectual marxista de origen galés, que ha hecho maravillosos aportes a la creación de una teoría crítica de la cultura, la hegemonía es esto, o "las fuerzas activas sociales y culturales que constituyen sus elementos necesarios". Williams define a una cultura como un "proceso social total", y plantea que la hegemonía va más allá que el concepto de cultura porque relaciona a este proceso con las distribuciones específicas del poder. De esta manera el

concepto de hegemonía cultural revoluciona la forma de entender la dominación y la subordinación en las sociedades actuales. Si bien es cierto que los que detentan la dominación material son también los que ejercen la dominación espiritual, lo que resulta decisivo no es solamente el sistema consciente de creencias, significados y valores impuestos, es decir la ideología dominante, sino todo el proceso social vivido, organizado prácticamente por estos valores y creencias específicos. Hip – Hop: El Hip-Hop es un movimiento cultural surgido a principios de los años 1970 en las comunidades hispanoamericanas y afroamericanas de los barrios Neoyorkinos de el Bronx, Queens y Brooklyn. La concepción clásica del Hip hop se centra en la existencia de cuatro aspectos o "pilares" de la cultura: El MCing (o rapping), el DJing (o turntablism), el Breakdancing (o BBoying), y el Graffiti. Hay quienes dan la misma importancia a otros "pilares", como el beatboxing, el activismo político, el diseño de ropa y de complementos. * La unión de dos de los elementos, el MC (Master of Ceremony) y el DJ (Disc Jockey), conforman el estilo musical del Hip hop: el Rap. * El BBoying es el arte de bailar el breakdance. A la persona que practica este baile, se le denomina b boy, b girl, fly girl o breaker. También se le llama así al que sigue esta cultura. * El Graffiti es la rama artística de la cultura aplicada sobre superficies urbanas. La estética de los grafitis ha influido en la historieta (como en las tiras de The Boondocks) y en el diseño de ropa, portadas de discos, y otros objetos. * El beatboxing es la técnica de imitar con la boca sonidos de percusión o instrumentos propios de la música Rap o hip hop. Indoor: Muestra de arte callejero dentro de una galería, o un espacio cerrado. Land Art: Es una corriente artística surgida a finales de los años sesenta que tiene como fin trasladar el trabajo artístico a los espacios naturales que son transformados por el pensamiento y la acción del artista. El land art se encuentra dentro de esas corrientes que en relación con la desmaterialización del objeto niegan el papel preponderante de los museos y galerías de arte y que desvían la práctica del arte a lugares inéditos hasta su aparición. Este movimiento que utiliza el propio espacio natural como soporte de la obra surge primero en los Estados Unidos a finales de los años sesenta. Los artistas del land art llevan acabo toda una serie de manipulaciones y transformaciones sobre el paisaje. Generalmente adquiere grandísimas dimensiones y su presentación en las galerías se hace a través de una documentación de fotografías, videos o textos. El land art interviene sobre el territorio (medición, orientación, señalización). Licitación: Licitación es un llamado a concurso de interesados en ofrecer. En el caso de una obra, en la Licitación debe incluirse un proyecto de lo que

debe ser construido, o datos suficientes para que los oferentes puedan calcular el precio que proponen. Luego el dueño de la obra elige al que mas le conviene y lo contrata. Mercado (ARTE) El llamado mercado del arte es un concepto económico y artístico que designa al conjunto de agentes individuales e instituciones que se dedican a la explotación comercial del arte y que, como mercado, fija precios a los productos artísticos u obras de arte. Las subastas de arte, realizadas habitualmente por casas especializadas fijan los precios por libre juego de oferta y demanda. Las galerías de arte y los marchantes, y periódicamente las ferias de arte, ponen en relación al artista con el público comprador; tanto el privado (aficionados, diletantes, coleccionistas, etc.) como el institucional (museos, instituciones políticas de nivel local -ayuntamientos- regional -comunidades autónomas- o nacional -gobiernos, parlamentos y otras instituciones estatales, e instituciones privadas -empresas y fundaciones-). El mecenazgo o patrocinio es otra forma de intervenir económicamente en la producción artística. No- Lugar: En el texto de Marc Augé, ―Los no lugares. Espacios del anonimato”. El ―no lugar‖, clave del texto, se identifica con el espacio de tránsito, de flujo, dominante en las sociedades ―sobremodernas‖, que desplaza la hegemonía del ―lugar antropológico‖, fijo y estable, sede de la identidad y la subjetividad tradicional moderna. “Si un lugar puede definirse como lugar de identidad, relacional e histórico, un espacio que no puede definirse ni como espacio de identidad ni como relacional ni como histórico, definirá un no lugar. La hipótesis aquí defendida es que la sobremodernidad es productora de no lugares, es decir, de espacios que no son en sí lugares antropológicos y que, contrariamente a la modernidad baudeleriana, no integran los lugares antiguos: éstos, catalogados, clasificados y promovidos a la categoría de 'lugares" de memoria", ocupan allí un lugar circunscripto y específico.”66 “… Por “no lugar” designamos dos realidades complementarias pero distintas: los espacios constituidos con relación a ciertos fines (transporte, comercio, ocio), y la relación que los individuos mantienen con esos espacios.”67 La premisa de Augé de considerar lo social como un territorio de relaciones espaciales acerca su análisis a la teoría de la arquitectura y la ciudad, cuyo objeto se funde con el de la antropología y que, sin duda, ha afectado intensamente al discurso ―más débil‖ de la práctica artística. Ello tiene que ver con la importancia demográfica, económica y cultural de la ciudad y su papel en la generación de relaciones e identidad de la nueva sociedad global. 66

AUGE, Marc. “Los no lugares, espacios del anonimato.” Una antropología de la sobremodernidad. Barcelona, España. Editorial Gedisa, 2010. p.84 67 AUGE, Marc. Ob. Cit. p.98.

Patrocinadoras (empresas) El acto de patrocinar algo o a alguien relaciona la marca del patrocinador, compañía o producto, con un espacio radiofónico, televisivo, un acontecimiento deportivo, un evento cultural... La justificación es que los consumidores proyectan las cualidades positivas de los mismos en la marca o producto patrocinador. Facilita que la marca sea mostrada por los medios de comunicación en más ocasiones que simplemente por la publicidad Y Permite la presencia del patrocinador en más ambiente, gracias a la diversificación del ocio. Portfolio: Para muchos profesionales, el portfolio es una herramienta esencial e imprescindible al momento de buscar un empleo y de demostrar sus habilidades y conocimientos. Estos profesionales son los diseñadores gráficos, artistas, fotógrafos, profesionales de las artes visuales, ingenieros industriales, ingenieros civiles, arquitectos e incluso es una excelente herramienta que las empresas también pueden aprovechar. En pocas palabras, el portfolio de trabajo es un ―muestrario de productos terminados‖, es como un book de los trabajos más representativos que realizó el profesional o de los mejores productos que comercializa una empresa. Se trata de plasmar y hacer una colección del mejor trabajo que cada uno tenga, exponiendo, de una forma visual y más atractiva, la experiencia laboral y las habilidades manuales e intelectuales. Es sumamente recomendado para las entrevistas laborales, siendo un acompañante del CV. Registro: (fotográfico) En el caso del arte callejero es de suma importancia la captura de una o varias fotos mientras se realiza el trabajo o finalizado este, debido a la breve durabilidad de los trabajos que pueden ser tapados por afiches publicitarios o políticos, por otros trabajos, o en ultima instancia deteriorarse por estar al aire libre. Seriado/ serie Inspirada en la revolución industrial y ligada a todos los procesos de reproducción ( fotografía , grabado, litografía, etc.), el trabajo en serie se inscribe en un contexto eminentemente modernista, motivado por las investigaciones sobre la abstracción y el advenimiento del arte por el arte. Además, el ejercicio serial (mas allá del proceso sistemático que subtiende) traduce una voluntad de desnaturalizar la representación. Muchas veces también está relacionado con una desmitificación del arte, introduciendo al mismo tiempo cierta dimensión satírica. (POP ART) Soporte: Las obras de artes plásticas se realizan utilizando un soporte, que es la base material sobre la cual el artista desarrolla su trabajo. Desde comienzos del siglo XX, el arte ha experimentado cambios cada vez más rápidos y ha ido integrando nuevos materiales como soporte, revolucionado el sentido de la obra de arte. El soporte no solo aporta sus características materiales, sino que se convierte en un signo más dentro de todos lo componentes del trabajo visual.

Vandalismo Los vándalos eran los integrantes de un pueblo bárbaro de origen germánico oriental que quedó en la historia como símbolo del salvajismo y de la falta de civilidad. Por eso el término vándalo hoy se utiliza para hacer mención a la persona que comete acciones propias de la gente salvaje. Vandalismo, por lo tanto, es un concepto que puede utilizarse para nombrar a la destrucción que parece propia de los antiguos vándalos. Es una conducta destructiva que no respeta las cosas ajenas y que suele expresarse a través de la violencia. Vandalismo es la hostilidad hacia las propiedades ajenas. Suele manifestarse en el espacio público con ataques a monumentos, bancos, paredes, etc., ya sea con la intención de transmitir un mensaje o por el simple hecho de destruir lo ajeno. Una de las formas más frecuentes de vandalismo es el graffiti cuando se concreta sin autorización. Las pintadas en las paredes de una casa o en una estatua tienen víctimas (el dueño de la residencia, el Estado) que sufren daños patrimoniales. Quienes se expresan a través del graffiti, sin embargo, sostienen que la libertad de expresión trasciende la propiedad privada o los objetos materiales. Vector: (o gráfico vectorial) Gráficamente hablando, el diseño vectorial o dibujo vectorial es una técnica que consiste en la creación de patrones a base de figuras geométricas y de líneas cuya principal característica es que se pueden escalarse positivamente o negativamente y sus propiedades no se verán afectadas. A diferencia de los mapas de bits o bitmaps, en el diseño vectorial al modificarse el tamaño del mismo este no sufre lo que se conoce como pixelaje, es decir, no llega a pixelarse / pixelearse. El diseño vectorial o dibujo vectorial está formado, como su nombre lo indica, por formas de líneas, polilíneas, polígonos, círculos, elipses, curvas de Bézier, benignos, entre otros elementos del diseño de vectores. Gracias al avance tecnológico existen ya una gran variedad de programas y software con los que se pueden crear vectores y editar archivos vectoriales.

BIBLIOGRAFIA Libros:  BREA, José Luis. El tercer Umbral.  C. GROUT, Arte en el medio urbano. En M. FERRER (dir.) Grupos, movimientos, tendencias, del arte contemporáneo desde 1945, Buenos Aires: la marca editora, 2010. Cap. El arte en el medio urbano p. 215  DE RUEDA, María de los Ángeles. (Coord.) Arte & Utopía. La cuidad desde las artes visuales. 1a ed. Buenos Aires. Asunto impreso Ediciones, 2003.  FERRER, Mathilde. (dir.) Grupos, movimientos, tendencias, del arte contemporáneo desde 1945. 1a ed. Buenos aires: la marca editora, 2010. Traducción al español: Marina Malfé.  INDIJ, Guido (ed.).Hasta la victoria, STENCIL! Buenos Aires, colección Registro Gráfico, La marca Editora, 2004.  AUGE, Marc. Los no lugares, espacios del anonimato. Una antropología de la sobremodernidad. Barcelona, España. Editorial Gedisa, 2010.  MICHAUD, Yves. El arte en estado gaseoso. Ensayo sobre el triunfo de la estética; trad. De laurence le Bouhellec Guyomar. México: FCE, 2007.  DAVIS, Fernando y LONGONI, Ana. Juan Carlos Romero - 1a ed. Buenos Aires: Fund. Espigas, 2010.

Artículos:  ALONSO, Rodrigo ―EL AFICHE ARTÍSTICO EN EL ESPACIO PÚBLICO‖ en: II Jornadas de Intercambios Artísticos. Lo Visual y los Lenguajes Artísticos Hoy. Dirección General de Museos. Buenos Aires. 2003.  ALONSO, Rodrigo ―LA CIUDAD-ESCENARIO: ITINERARIOS DE LA PERFORMANCE PÚBLICA Y LA INTERVENCIÓN URBANA‖. en: Jornadas de Teoría y Crítica. La Habana: Bienal de La Habana, 2000.  ALONSO, Rodrigo ―REACTIVANDO LA ESFERA PÚBLICA‖ en: Lucera, 3, Rosario, Primavera 2003.  DE RUEDA, María de los Ángeles ―Grupo Escombros - Intervenciones en el espacio público‖ en: Revista Tramas de la comunicación y la cultura, año 2, Nº 18, octubre de 2003. Versión PDF extraída de internet: http://www.grupoescombros.com.ar/pubdocumentos1_intervenciones.htm  GRUPO ESCOMBROS, ―La Estética de lo Roto‖ Manifiesto del grupo Escombros. Argentina, Noviembre de 1989. http://www.grupoescombros.com.ar/imgs/publicaciones/manifiestos/laesteticadeloroto .html 07/08/2012

 KWON, Miwon. ―Public Art and Urban Identities‖, en Public Art is Everywhere. Hamburg: Kunstverein Hamburg; Kulturbehöde, 1997.  PADÍN, Clemente ―El arte en las calles‖ En Action Art (Magazine sobre la acción)  PAZOS, Diana ―Grupo Escombros - Creador de conciencia‖ Publicado en: Revista La Pulseada Nº 10, abril de 2003 extraído de ―DOCUMENTOS 1: Críticas, textos propios, notas periodísticas‖ Editado por Grupo Escombros - Edición de 300 ejemplares. Impreso en Impresiones Rápidas / La Plata. Agosto de 2004  ROMERO, Juan Carlos por María Daniela Yaccar en Agencia NAN http://agencianan.blogspot.com.ar/2010/05/juan-carlos-romero-el-street-art-es.html  RINKER, Dagmar (2006). “El diseño de productos no es arte". El aporte de Tomás Maldonado al surgimiento de un nuevo perfil profesional‖. Modelos de ulm - modelos post-ulm hochschule für gestaltung ulm 1953-1968. (Catálogo de la exposición conmemorativa de los 50 años de la fundación de la HfG). http://www.banrepcultural.org/images_blaa_info/exposiciones/modelos-deulm/modelos-de-ulm.pdf http://blog.luismaram.com/2008/03/21/es-el-diseno-grafico-arte-caso-imax/  ROSLER, Martha. ―If You Lived Here...‖ en WALLIS, Brian (ed.). If You Lived Here... Seattle: Bay Press, 1991

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Argentina, Noviembre de 1989. http://www.grupoescombros.com.ar/imgs/publicaciones/manifiestos/laesteticadeloroto .html 07/08/2012 LEONEL ACOSTA ―Llego el Puma Urban Art‖, en Mas músicos bandas y solistas. http://mbsmusicos.com/blog/2011/05/26/llega-el-puma-urban-art/ M. LAURA ROSA, "Esta Belleza‖, en MUJERES PUBLICAS, pagina web http://www.mujerespublicas.com.ar/ MENDEZ, Jorge. ―Historia del Graffiti‖ http://www.valladolidwebmusical.org/graffiti/historia/01intro.html MINISTERIO DE CULTURA, ―Murales de Buenos Aires‖ http://www.buenosaires.gov.ar/areas/cultura/murales/index.html MUJERES PUBLICAS, en pagina web http://www.mujerespublicas.com.ar/ MURALES DE BUENOS AIRES, en ―Buenos Aires Ciudad‖ http://www.buenosaires.gov.ar/areas/cultura/murales/index.html PINTURA Y ARTISTAS, Blog de Cristina Alejos para hablar del Arte http://www.pinturayartistas.com/grafiti POPULARDELUJO, ―Stencilrevolution‖ en Grafica de otros lares, Paisajes gráficos callejeros de todos los rincones del mundo. http://www.populardelujo.com/otroslares/stencilrevolution.htm STREET ART MAP http://www.streetartmap.com.ar/el-mapa STREET ARTEBA, ―El arte en la calle vs. La calle en el arte‖ http://streetarteba.com/encuentros/sesion-6

Peliculas: BEATIFUL LOSERS (2008) Documental dirigido por Aarón Rose y co-dirigido por Joshua Leonard. EXIT THROUGH THE GIFT SHOP (2010), Documental dirigida por el mismo Bansky. JEAN MICHEL BASQUIAT (1996) Pelicula estadounidense dirigida por Julián Schnabel.

Convocatoria para la Tapa del trabajo

Te gusta el STREET ART? SUMATE A LA CONVOCATORIA E INTERVENI LA CAJA DE PUMA COMO SI FUERA UNA PARED DE LA CALLE. Para participar y recibir la caja para intervenir, enviá un mail con tus datos y dirección postal a vanetricanico@hotmail.com Las participantes deben hacerse cargo de reenviar la caja una vez intervenida para que siga circulando entre los demás participantes. ES UN SOLO EJEMPLAR. El resultado de esta convocatoria va a ser exhibido el día de la presentación de mi tesina de graduación, y usado a modo de presentación para el trabajo de investigación correspondiente a este tema, titulado Intervenciones Urbanas “De la clandestinidad a la vidriera". En él se expone como ese arte que en un principio había sido creado para compartirse en la calle fue absorbido por las instituciones y se convirtió en una tendencia en las grandes marcas que lo usan para publicitar sus productos. Convoca PNX! Participantes: Mariel Galarza (Villa Gesell) - Carolina Dieguez - Alejandra Bocquel Norberto J. Martinez - Castromagno -Laura Dominguez - Vanesa Tricanico (Villa Gesell).

Anexo Obra personal y su evolución Recorrido sobre mi producción personal, vinculada al ámbito publico y al street art.

“Caramelos Sueltos” (2007 - 2008) Algunas intervenciones en C.A.B.A.

Stickers

6 5

7 8

“Caramelos Sueltos” (2007 - 2008) Arriba: Algunas intervenciones en las instalaciones del IUNA. ‹ Izquierda: Cabina Telefónica

9 Stickers

12 Arriba: Pieza Intervenida / Caramelos Sueltos (2007 - 2008)

“Habitacion intervenida” (2007 - 2008)

14 Arriba/ Derecha: “Cupcakes” (2008)

Pinturas - Murales

16 17

19 18

Despues!

20 Series “PNX” (2008)

Antes..

Stickers - Afiches / Personajes

24 23

“PNX” Serigrafias / (2008)

25 PNX - Serigrafias

28 Series “Muelas Muertas” Arriba: Afiches Abajo: Algunas pintadas (2008)

31 30

Muelas Muertas

Series “PNX” (2009) Izquierda: Pendejademierd! Abajo: PNX de 2mts en estacion Haedo

35 Afiches - PNX series

â&#x20AC;&#x153;Cada uno ve el mundo como de le da la ganaâ&#x20AC;? (2009)

Afiches - Convocatoria

Arriba “El gatito de la Fortuna” (2010) Abajo / Izq. “No seas Chotito” (2011)

43 42

Afiches - Stencils

“Taller de Stickers” en Proyecto La Estrella (2011)

Talleres

Referencias: 1. Preparando reverso del sticker con cola vinilica para su posterior pegado. 2. Sticker pegado en la pared de una plaza en Palermo. 3. Pegando sticker “gajito”” en una entrada de subte. 4. “Pascuas Muertas” Afiche hecho en fecha de pascuas, pegado sobre una cabina telefonica. 10 a 13. Pieza Intervenida: Imagenes de Intervención hecha en mi cuarto durante la etapa de Caramelos Sueltos. Materiales: Acrilico, marcadores, distintos papeles de golosinas y stickers pegados sobre la pared. 11. Detalle de nube realizada con tapas de yogurth pegadas sobre la pared. 12 y 13. Autorretrato realizado en etapa Caramelos Sueltos. Alrededor papeles de golosina pegados sobre la pared. Mejillas de Tapas de Yogurt. Dientes de caramelos “Sugus” pegados a la pared. En la imagen 13 se puede ver como fue “chorreandose” el caramelo con el paso del tiempo. 14. “Cupcakes” Graffiti pintado con aerosol y lineas con acrilico. (Indoor). Realizado en la pared de una pieza. 15. “Cupcakes” Graffiti pintado con aerosol y lineas con acrilico. (Indoor). Realizado sobre panel de mi taller en Luis Guillon. 16, 17, 18 y 19. Series “PNX” Stickers realizados en afiches, pintados con tinta china y acrílico rojo. 19. PNX sobre mural de Tango, en Luis Guillón. 20. PNX Realizada en afiche de color, pegada en Ascensor del IUNA, sede Pinzón. 21 y 22. Antes y Despues: Sticker al momento de su colocación, y unas semanas después “mutilado”. 23. PNX Libélula, sticker realizado en afiche de color, pegada en pared del IUNA, sede Pinzón. 24. Serigrafías en proceso de secado. 25. Muestra de PNX “Serigrafias” en Art Sessions. (Palermo, 2008). 26 y 27. Muelas Muertas: Stickers realizados en afiche y tinta china. 28. Varios afiches de muelas en proceso. 29. Muela Muerta en MOMO, Espacio de Arte. Intervención de fachada,(fragmento)2007. 30 y 31. Muelas Muertas (Indoor). Graffiti con Aerosol y acrilico realizado en una habitación. 32. PNXs recien terminadas, durante cursada de proyectual de dibujo en el IUNA. 33. Pendeja de mierda es el apodo de esta mueñequita, por haber sido descubierta por una vecina mientras pintaba una pared. 34. PNX con herradura. Sticker realizado con afiche y tinta china, Pegado en Lomas de Zamora durante una “salida” con Sol Traidora. 35. PNX de 2 mts. en estacion Haedo. Realizada con tres afiches unidos entre si, y pintada con tinta china. 36. Cada uno ve el mundo como se le da la gana. Graffiti espontaneo en Temperley. 37 y 38. Cada uno ve el mundo como se le da la gana. Afiches intervenidos pegados en las calles de Temperley. 39. Muestra de la convocatoria “Cada uno ve el mundo como se le da la gana” (Lentes Intervenidos) en el marco de la celebración del Dia del arte correo en la Barraca Vorticista, año 2009. 40. Pegando Sticker del “Gatito de la fortuna” Realizado mediante impresiones digitales en hojas A4. Detalles en tinta china. 41. Gatito de la fortuna, pegado frente a la estacion de Haedo, durante la celebración del dia de la primavera y “Linda Esquina”, en 4 Gatos, espacio de Arte. (2010) 42. “No seas chotito” Stencil inspirado en Claudio Maria Dominguez, pintado en una pared de la estacion de Haedo. 43. “No seas chotito” Stenciles de colores sobre afiche para pegar como stickers y regalar. 44, 45 y 47. Taller de Stickers en “Proyecto La Estrella”, Mariano Acosta Por invitación de Marcos Luczcow. En las imagenes puede verse el trabajo colectivo sobre los afiches, que luego serian recortados y pegados sobre distintas paredes del lugar. 46. Alumno de “La Estrella” terminando detalles de su sticker hecho durante el taller. 47. Fotografia mia, en la que estoy pegando un pequeño sticker homenaje a la estrella.