The Most Important Graphic Designers by VENUS NIRVANA APARICIO FRANCO

Robin Davey Robin Davey (nacido el 29 de diciembre de 1975 en St Austell , Cornwall, Inglaterra) es un músico inglés, productor discográfico, director musical y fotógrafo. Davey fue miembro fundador de la banda de blues británica, The Hoax, que firmó con East West Records en 1994 y lanzó su álbum debut Sounds Like This con gran éxito de crítica. La revista Q comparó a la banda con los Yardbirds y The Rolling Stones y le dio al álbum una crítica de 4 estrellas. The Hoax se separó en 1999 después de haber lanzado cuatro álbumes y poco después de que Davey formara los Davey Brothers, un equipo de blues rock con su hermano mayor Jesse. El dúo firmó con Interscope records a través del sello de Armas de Entretenimiento Masivo de David A. Stewart . La canción de los Davey Brothers “Heart Go Faster” apareció en los créditos finales de la película Lara Croft Tomb Raider: The Cradle of Life y apareció en el álbum de la banda sonora. Los hermanos Davey se separaron en 2006 sin haber lanzado nada a través de Interscope Records.

En 2004 Davey tocó el bajo en la banda sonora de Alfie y también actuó en pistas para la banda sonora de Be Cool en 2005. En 2006, Davey dirigió su primer largometraje documental The Canary Effect , que se estrenó en el Tribeca Film Festival y también recibió el Premio Stanley Kubrick por el cine audaz e innovador en el Festival de Cine Traverse City de Michael Moore ese mismo año. En 2006, Davey también formó su banda actual The Bastard Fairies con el artista y cantante nativo americano Yellow Thunder Woman. La banda lanzó su álbum debut Memento Mori para su descarga gratuita a finales de ese año y poco después firmó con Adrenaline Records. En 2007 se lanzó una versión física extendida del álbum con 5 pistas adicionales en CD. En 2009, Davey se embarcó en una gira europea con su antigua banda The Hoax. La banda grabó los shows para el lanzamiento de un álbum en vivo y DVD. En el mismo año, la canción “Bones” de su álbum de 1998 Humdinger fue cubierta por Joanne Shaw Taylor en su álbum debut White Sugar.

Davey recientemente admitió ser el creador del álbum Blues Emporium de Gutbucket Slim. El álbumes una mezcla de viejas grabaciones de blues conartistas comoLeadBelly , Howlin‘Wolf mezcladoconartistasmáscontemporáneosMos Def , Christina Aguilera y Charles Bukowski . El álbum está disponible como descarga gratuita. 2010 vio el lanzamiento del álbum Wolfbox de The Davey Brothers. En 2010, la banda de Davey The Bastard Fairies también lanzó el sencillo “DIRTY SEXY KILL KILL” y el EP “Man Made Monster”. A finales de 2010, Davey informó a través de su página de Facebook que se ha asociado con la cantante / artista Greta Valenti para un nuevo proyecto llamado Well Hung Heart Davey toca la guitarra y el bajo simultáneamente en el conjunto de tres piezas con sede en el sur de California. La banda hizo su debut europeo en 2011 como parte de “Hoaxfest”.

RobinDavey(bornDecember 29, 1975inSt Austell, Cornwall, England) is an English musician, recordproducer, musicdirector, andphotographer. Davey was a founding member of the British blues band The Hoax, who signed with East West Records in 1994 and released his debut album Sounds Like This with critical success. Q magazine compared the band to the Yardbirds and The Rolling Stones and gave the album a 4-star review. TheHoax split in1999 after releasingfour albums and shortly after Davey formed the Davey Brothers, a blues rock team with his older brother Jesse. The duo signed with Interscope records through David A. Stewart’s label on Weapons of Mass Entertainment. The Davey Brothers song “Heart GoFaster” appearedintheclosingcredits of the movie Lara Croft Tomb Raider: The Cradle of Life and appeared on the soundtrack album. The Davey brothers separated in 2006 without releasing anything through Interscope Records. In 2004 Davey played bass on the Alfie soundtrack and also performed on tracks for the Be Cool soundtrack in 2005. In 2006, Davey directed his first documentary feature film The Canary Effect, which premiered at the Tribeca Film Festival and also received the Stanley Kubrick Award for Bold and Innovative Film at Michael Moore’s Traverse City Film Festival that same year. In 2006, Davey also formed his current band

The Bastard Fairies with Native American artist and singer Yellow Thunder Woman. The band released their debut album Memento Mori for free download later that year and soon after signed with Adrenaline Records. In 2007 an extended physical version of the album was released with 5 additional tracks on CD. In 2009, Davey embarked on a European tour with his former band The Hoax. The band recordedtheshows for thereleaseof a livealbumand DVD. In the same year, the song “Bones” fromhis 1998 albumHumdinger was covered by Joanne Shaw Taylor on his debut album White Sugar. Davey recently admitted to being the creator of Gutbucket Slim’s Blues Emporium album. The album is a mix of old blues recordings with artists like Lead Belly, Howlin ‘Wolf mixed with more contemporary artists Mos Def, Christina Aguilera and Charles Bukows-

ki. The album is available as a free download. 2010 saw the release of The Davey Brothers album Wolfbox. In 2010, the Davey band The Bastard Fairies also released the single “DIRTY SEXY KILL KILL” and the EP “Man Made Monster”. In late 2010, Davey reported via his Facebook page that he has partnered with singer / artist Greta Valenti for a new project called Well Hung Heart. Davey plays guitar and bass simultaneously in the Southern California-based three-piece ensemble. The band made their European debut in 2011 as part of “Hoaxfest”.

«Mi filosofía de trabajo tiene mucho que ver con la variedad y el cambio de técnica a la hora de abarcar un proyecto, aunque al final se puede ver una manera de hacer, busco un estilo que sea lo más variado posible. Por eso, para mí es importante no basar mi trabajo en sólo una manera de visualizar, siendo la manera de mostrar algo muchas veces el objetivo en sí del proyecto».

lex Trochut nació en 1981 en Barcelona. Es nieto del tipógrafo Joan Trochut. Después de completar sus estudios en Elisava Escuela Superior de Diseño, Alex estableció su propio estudio de diseño en Barcelona, antes de trasladarse a la ciudad de Nueva York. A través del diseño, la ilustración y la práctica tipográfica ha desarrollado una forma intuitiva de trabajar que ha dado lugar a su expresivo estilo visual. Para Alex, funciones de la tipografía se establecen en dos niveles jerárquicos. En primer lugar, está la imagen de la palabra que vemos; la lectura llega en un plano secundario. Como diseñador, Alex se centra en el potencial del lenguaje como un medio visual, llevando el lenguaje a sus límites. De esta manera, ver y leer se convierten en la misma acción, y el texto y la imagen se convierten en una expresión unificada. La mezcla de estilos y géneros, así como el uso del dibujo, de la cultura pop, la cultura de la calle, la moda y la música, Alex ha creado diseños, ilustraciones y tipografías para una diversos clientes que van desde agencias de publicidad, marcas, revistas y moda. Entre ellas destacan: Nike, Adidas, The Rolling Stones, Katy Perry, de la BBC, Coca-Cola, Pepsi, The Guardian, The New York Times, la revista Time y muchos otros. El trabajo de Alex ha sido reconocido a nivel internacional, apareciendo en exposiciones y publicaciones en todo el mundo. Ha dado conferencias y ha sido premiado por el Art Directors Club –incluyendo el Young Gun 2008–, el Type Directors Club y Creative Review, entre otros. Igualmente, ha sido reconocido con un Premio Gràffica 2013 «por su humildad, su reconocido trabajo con clara proyección internacional, también por su versatilidad», según explicaba el jura-

do. A lo que añadía: «Trochut no solo ilustra ni hace las mismas cosas, se sabe adaptar a los encargos y clientes. Por su experimentación, ya que se atreve a proponer y financiar proyectos propios experimentales». Su monografía, More is More, publicada en 2011, recoge todos los proyectos que ha realizado desde 2006 hasta ese momento. A su vez, el libro explora sus metodologías de trabajo e influencias.En 2012 desarrolló el proyecto artístico conocido como Binary Prints, resultado de las investigaciones llevadas a cabo en el campo de la dualidad, para el que patentó una técnica que recibe el mismo nombre, mediante la que dos imágenes diferentes podían ser mostradas en una misma superficie, una con luz y otra con oscuridad. A través de dicha técnica, y en colaboración con artistas de música electrónica como James Murphy, John Talabot, Carbou, Damian Lazarus o Acid Pauli, entre otros, ilustró los carteles del festival Sónar en 2013. Actualmente Alex Trochut vive y trabaja en Brooklyn.

«My work philosophy has a lot to do with variety and a change in technique when it comes to covering a project, although at the end you can see a way of doing it, I am looking for a style that is as varied as possible. Therefore, for me it is important not to base my work on just one way of visualizing, being the way of showing something many times the objective of the project itself.” 15

Mixing styles and genres, as well as the use of drawing, pop culture, street culture, fashion and music, Alex has created designs, illustrations and typefaces for a variety of clients ranging from advertising agencies, brands, magazines and fashion. Among them are: Nike, Adidas, The Rolling Stones, Katy Perry, from the BBC, Coca-Cola, Pepsi, The Guardian, The New York Times, Time magazine and many others. Alex’s work has been recognized internationally, appearing in exhibitions and publications around the world. He has lectured and has been awarded by the Art Directors Club –including the Young Gun 2008–, the Type Directors Club and Creative Review, among others. Likewise, he has been recognized with a 2013 Gràffica Prize “for his humility, his recognized work with a clear international projection, also for his versatility”, according to the jury. To which he added: «Trochut not only illustrates or does the same things, he knows how to adapt to orders and clients. For his experimentation, since he dares to propose and finance his own experimental projects ». His monograph, More is More, published in 2011, includes all the projects he has carried out from 2006 to that moment. In turn, the book explores his working methodologies and influences. In 2012 he developed the artistic project known as Binary Prints, the result of research carried out in the field of duality, for which he patented a technique that receives the same name. , whereby two different images could be displayed on the same surface, one with light and the other with darkness. Through this technique, and in collaboration with electronic music artists such as James Murphy, John Talabot, Carbou, Damian Lazarus or Acid Pauli, among others, he illustrated the posters for the Sónar festival in 2013. Alex Trochut currently lives and works in Brooklyn.

Alex Trochut was born in 1981 in Barcelona. He is the grandson of the typographer Joan Trochut. After completing his studies at Elisava Escuela Superior de Diseño, Alex established his own design studio in Barcelona, before moving to New York City. Through design, illustration and typographic practice, he has developed an intuitive way of working that has given rise to his expressive visual style.For Alex, functions of typography are established at two hierarchical levels. First, there is the image of the word we see; reading comes from a secondary plane. As a designer, Alex focuses on the potential of language as a visual medium, pushing language to its limits. In this way, seeing and reading become the same action, and the text and the image become a unified expression.

Alex diseñó a Jane Walker para edición especial de Johnnie Walker’s Black Label Whisky. Alex designed Jane Walker for a special edition of Johnnie Walker’s Black Label Whiskey.

Astrid Stavro (Trieste, 1972) is one of the most successful designers who has been based in Spain, specifically in Barcelona for many years. Stavro has contributed, and continues to do so now from a privileged position of design -since it has recently become part of the prestigious Pentagram Studio-, a truly effective and functional design identity, fulfilling the maxim of less is more. His visual works are recognized for being highly qualified in the delicate and elegant choice of elements. It gives the typography and the image an essential and differentiating character that makes them work both individually and together. Furthermore, he shows a clear commitment and dedication to a profession that owes him a lot.

strid Stavro (Trieste, 1972) es una de las diseñadoras más laureadas que ha estado afincada en España, en concreto, en Barcelona durante muchos años. Stavro ha aportado, y lo sigue haciendo ahora desde una posición privilegiada del diseño -ya que recientemente ha pasado a formar parte del prestigioso Estudio Pentagram-, una identidad de diseño realmente efectiva y funcional, cumpliendo la máxima del menos es más. Sus trabajos visuales se reconocen por ser altamente cualificados en la elección delicada y elegante de los elementos. A la tipografía y a la imagen, les da un carácter esencial y diferenciador que hace que funcionen tanto de forma individual como conjunta. Además, muestra un claro compromiso y dedicación a una profesión que le debe mucho.

Stavro, creó su propio Estudio allá por 2004 en Barcelona, después de aprender el oficio en Londres, primero en el Central Saint Martins College of Art & Design, y luego en The Royal College of Art donde cursó un Master of Arts, en ambos se graduó con alta distinción. Después en 2013 cofundó la consultoría de diseño Atlas con Pablo Martín. En esta brillante carrera que suma desde 2018 con la incorporación a Pentagram, su trabajo se pone al nivel de reconocidos diseñadores gráficos como son Michael Beirut o Paula Scher, en el que abarca principalmente la

identidad de marca, diseño editorial y de exposiciones, señalética y packaging para el tipo de clientes como Phaidon, Camper, Mahou San Miguel, Laurence King, la Galería Nacional de Retratos, el Museo Reina Sofía, la Fundación Miró, entre otros. El objetivo de cualquier proyecto de diseño gráfico es crear lenguajes visuales e identidad. Por tanto, el diseño debe servir para comunicar de la manera más clara y sencilla posible. El diseño forma parte de la cultura, y por tanto siempre transmite cultura. Pero si hay un sector que siempre ha comprendido que para hacer difusión era imprescindible el diseño es el del mundo de la cultura. Por otro lado, el diseño no debe prescindir de de una idea, de un concepto para poder construir un lenguaje y una identidad. Sin embargo, debe prescindir de lo frívolo, de lo superficial y de las modas para encontrar soluciones atemporales.

«Art can be an element of inspiration for designers in terms of form, but not content»

Stavro created his own studio back in 2004 in Barcelona, after learning the trade in London, first at the Central Saint Martins College of Art & Design, and then at The Royal College of Art where he completed a Master of Arts, in both he graduated with high distinction. Then in 2013 he co-founded the design consultancy Atlas with Pablo Martín. In this brilliant career that he has joined since 2018 with the incorporation to Pentagram, his work is brought up to the level of renowned graphic designers such as Michael Beirut or Paula Scher, which mainly covers brand identity, editorial and exhibition design, signage and packaging for the type of clients such as Phaidon, Camper, Mahou San Miguel, Laurence King, the National Portrait Gallery, the Reina Sofía Museum, the Miró Foundation, among others. The objective of any graphic design project is to create visual languages and identity. Therefore, the design must serve to communicate in the clearest and simplest way possible. Design is part of culture, and therefore always transmits culture. But if there is a sector that has always understood that design was essential for dissemination, it is that of the world of culture. On the other hand, design should not do without an idea, a concept in order to build a language and an identity. However, you must dispense with the frivolous, the superficial, and the fashions to find timeless solutions.

M M

ax Miedinger nació el 24 de diciembre de 1910 en Zurich (Suiza). Al mismo tiempo que trabaja como tipógrafo, asiste a clases en la Escuela de Artes y Oficios de Zurich para más tarde convertirse en representante de la Fundición Haas y a la edad de 46 años se instala como diseñador “freelance”. En el año 1956 Max Miedinger recibe el encargo de Edouard Hoffmann, de la Fundición Hass, de modernizar el estilo de un tipo san-serif de la firma. El tipo era Haas Grotesk y se basaba en el Akzidenz Grotesk de la Fundición Berthold de finales del siglo XIX y Miedinger lo convirtió en el Neue Haas Grotesk. De 1957 a 1961 el tipo conserva el nombre del diseño de Miedinger pero al hacerse la Fundición Stempel con los derechos de los diseños originales, desarrolla una serie completa de pesos, lo renombra como “Helvetica” y lo lanza comercialmente para hacerse un hueco entre las tipografías más usadas de la historia.

Helvetica es un tipo eficaz para uso cotidiano tanto para titulares como para cuerpo de texto, y su éxito se debe a su estupenda legibilidad en todo tipo de situaciones así como a la profusión con que fue usada durante el período en que la corriente del diseño internacional marcó la pauta del grafismo durante los años 50 a 60. Y fue gracias a este diseño por el que Max Miedinger encontró su lugar en la historia de la tipografía.

ax Miedinger was born on December 24, 1910 in Zurich (Switzerland). At the same time that he works as a typographer, he attends classes at the Zurich School of Arts and Crafts to later become a representative of the Haas Foundry and at the age of 46 he installs himself as a “freelance” designer. In 1956 Max Miedinger was commissioned by Edouard Hoffmann, from the Hass Foundry, to modernize the style of a signature san-serif type. The type was Haas Grotesk and was based on the Akzidenz Grotesk of the Berthold Foundry from the late 19th century and Miedinger turned it into the Neue Haas Grotesk. From 1957 to 1961 the guy retains the Miedinger design name but with Stempel Foundry taking over the rights to the original designs, he develops a full series of weights, renames it “Helvetica” and launches it commercially to carve out a niche for himself among the most used fonts in history. Helvetica is an effective type for everyday use for both headlines and body text, and its success is due to its great readability in all kinds of situations as well as the profusion with which it was used during the period when the international design trend set the standard for graphics during the 1950s and 1960s. And it was thanks to this design that Max Miedinger found his place in the history of typography.

Stefan Sagmeister

Stefan Sagmeister (Bregenz, Austria, August 6, 1962) is an Austrian graphic designer and art director. He founded Sagmeister, Inc. in 1993 in New York. He has been nominated five times for the Grammy Awards and finally won one for the Talking Heads set-box. In 2001 he published a book where he compiles all his works called Made You Look. Sagmeister studied Graphic Design at the University of Applied Arts in Vienna, later receiving a scholarship to study at the Pratt Institute in New York. In 1991 he moved to Honk Kong and has worked for the Leo Burnett agency, Tibor Kalman (founder together with Oliviero Toscani of Colors magazine in Benetton), later to form his own studio where he has worked with the most diverse clients in the music world, designing truly amazing covers, loaded with rhetorical and aesthetic power. Fromhis studio he has the luxury of choosing his clients such as David Byrne, Lou Reed, The Rolling Stones and the Japanese artist

n A F E T S

StefanSagmeister(Bregenz,Austria,6deagostode1962)esundiseñadorgráficoydirectordearteaustriaco. FundóSagmeister, Inc. en1993enNuevaYork. Ha sido nominado cinco veces a los premios Grammy y finalmente ganó uno por el set-box de Talking Heads. En 2001 publicó un libro en donde compila todos sus trabajos llamado Made You Look. Sagmeister estudió Diseño Gráfico en la University of Applied Arts de Viena, más tarde recibió una beca para estudiar en el Pratt Institute de New York. En 1991 se mudó a Honk Kong y ha trabajado para la agencia Leo Burnett, Tibor Kalman (fundador junto con Oliviero Toscani de la revista Colors de Benetton), para más tarde formar su propio estudio en el que ha trabajado con los más diversos clientes del mundo de la música, diseñando portadas realmente sorprendentes, cargadas de poder retórico y estético. Desde su estudio se da el lujo de elegir a sus clientes como a David Byrne, Lou Reed,

The Rolling Stones y la artista japonesa Mariko Mori. Yhasta de tomarse un año sabático para dar conferencia en el mundo y formar True Majority (La verdadera mayoría), que consiste en un grupo de 500 artistas y directores de empresas líderes enEstados Unidos que se opusieronpúblicamente a la guerracontraIrak. Unodenuestrosobjetivoseslograr queenestepaíssereduzcanlosgastosmilitaresen15%yqueesedineroseinviertaeneducación. Mientras algunos diseñadores se preocupan por la tipografía, la reducción y abstracción de formas lógicas, Sagmeister es mucho más directo y, a veces, hasta crudo. Un ejemplo es el cartel que diseñó, a principios de los 90, para la conferencia del American Institute of Graphic Arts (AIGA), en el campus de Cranbrook, cerca de Detroit. En esa ocasión, Sagmeister pidió a su ayudante que tallara los detalles de la conferencia sobre su torso con un cuchillo y después fotografió el resultado para convertirlo en un cartel.

Mariko Mori. And even taking a gap year to lecture the world and formTrue Majority, which consists of a group of 500 artists and directors of leading companies in the United States who publicly opposed the war against Iraq. One of our objectives is to achieve that in this country military expenses are reduced by 15%and that money is invested in education. While some designers are concerned with typography, the reduction and abstraction of logical forms, Sagmeister is much more direct andsometimes even crude. One example is the poster he designed, in the early 1990s, for the American Institute of Graphic Arts (AIGA) conference on the Cranbrook campus near Detroit. On that occasion, Sagmeister asked his assistant to carve out the details of the conference about his torso with a knife, and then photographed the result to make it a poster.

Neville Brody is an English designer, art director, and born 1 April 23, 1957 in London.

Brody was trained at the London College of Printing between 1976 and 1979. His early works were covered in records for independent labels where he can already see an interest in twenties design and a departure from the conventions of the trends of Neville Brody es un diseñador, y director de arte.1inglés nacido el 23 de abril de 1957 en Londres. Brody se formó en el London College of Printing entre 1976 y 1979. Sus primeros trabajos fueron cubiertas de discos para sellos independientes en las que ya podía apreciarse un interés por el diseño de los años veinte y un alejamiento de las convenciones de las tendencias de la década de los setenta. En 1981 se convirtió en director de arte de The Face, para la que diseñó Typeface Six, una nueva tipografía que recogía las influencias del punk y las nuevas corrientes de la new wave. De la mano de Brody, The Face rompió con la tradición del diseño editorial respetuosa con la estructura reticular y los principios de funcionalidad. Brody comenzó a alterar las convenciones tipográficas usadas para la jerarquización de la informa-

went to were Arena and City Limits. They could be summed up in his main ideas as a rejection of the conception of design as problem solving. Around 1988 he made the personal computer his main work tool and began to design new typographic fonts, which have been distributed by Linotype. The first monograph on his work, Neville Brody’s Graphic Language, appeared

ción. Otras publicaciones en las que trabajó fueron Arena y City Limits. Podrían resumirse sus principales ideas como un rechazo a la concepción del diseño como solución de problemas. Hacia 1988 hizo del ordenador personal su principal herramienta de trabajo y comenzó a diseñar nuevas fuentes tipográficas, que han sido distribuidas por Linotype. En 1988 apareció la primera monografía sobre su obra, The graphic language of Neville Brody, al tiempo que se celebraba una exposición en el Victoria and Albert Museum que ejerció una influencia destacada en toda Europa. El uso del ordenador ha provocado una evolución importante en su estilo, que se ha dulcificado notablemente con un mayor uso del color frente a la sobriedad de su primera etapa. Incluso el diseño de sus nuevas fuentes tipográficas para Fontshop, algunas en colaboración con el tipógrafo Erik Spiekermann, respon-

den a un estilo más desenfadado. Su creciente fama le ha permitido acceder a otro tipo de proyectos, inhabituales en un grafista, como la identidad corporativa de la televisión austríaca (ORF) y el canal alemán codificado Première. En 1994 se publicó la segunda monografía, The graphic language of Neville Brody II, que cubre su trabajo desde 1988. Es fundador de la red de espacios para la experimentación gráfica Research Studios, con oficinas en Londres, París, Berlín y Barcelona. Dirigidas por Lionel Massias (RSParís), Daniel Borck (RSBerlín), Pablo Rovalo (RSBCN).

the seventies. In 1981 he became art director for The Face, for which he designed Typeface Six, a new typeface that recognizes punk influences and the new trends of the new wave. Hand in hand with Brody, The Face broke with the editorial design tradition respectful of the lattice structure and the principles of functionality. Brody began to modify the typographical conventions used for the hierarchy of information. Other publications they

fame has given him access to other types of projects, unusual for a graphic artist, such as the corporate identity of Austrian television (ORF) and the German encrypted channel Première. In 1994 the second monograph, The Neville Brody II Graphic Language, was published, covering his work since 1988. He is the founder of the network of spaces for graphic experimentation Research Studios, with offices in London, Paris, Berlin and Barcelona. Directed by Lionel Massias (RSParís), Daniel Borck (RSBerlín), Pablo Rovalo (RSBCN).

in 1988, while an exhibition was held at the Victoria and Albert Museum that exerted a prominent influence across Europe. The use of the computer has caused an important evolution in his style, which has been noticeably softened with a greater use of color compared to the sobriety of its first stage. Even the design of his new fonts for Fontshop, some in collaboration with typographer Erik Spiekermann, responded to a more casual style. His growing

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workshop, Hans-Rudolf Lutz, became his first great influence.

En 1995, Carson dejó a Ray Gun para fundar su propio estudio, David Carson Design, en la ciudad de Nueva York. Comenzó a atraer clientes importantes de todo Estados Unidos. Durante los siguientes tres años (1995–1998), Carson estaba trabajando para Pepsi Cola , Ray Ban (proyecto orbs), Nike , Microsoft , Budweiser , Giorgio Armani , NBC, American Airlines y Levi Strauss Jeans, y luego trabajó para una variedad de nuevos clientes, incluidos AT&T Corporation , British Airways , Kodak , Lycra , Packard Bell , Sony ,

tinúa dando conferencias en todo el mundo sobre creatividad y diseño.

In 1995, Carson left Ray Gun to found his own studio, David Carson Design, in New York City. He started to attract major clients from all over the United States. During the next three years (1995–1998), Carson was doing work for Pepsi Cola, Ray Ban (orbs project), Nike, Microsoft, Budweiser, Giorgio Armani, NBC, American Airlines and Levi Strauss Jeans, and later worked for a variety of new clients, including AT&T Corporation, British Airways, Kodak, Lycra, Packard Bell, Sony, Suzuki, Toyota, Warner Bros., CNN, Cuervo Gold, Johnson AIDS Foundation, MTV Global, Prince, Lotus Software, Fox TV, Nissan, Quiksilver, Intel, Mercedes-Benz, MGMStudios and Nine Inch Nails. He named and designed the adventure lifestyle magazine Blue, in 1997. David designed the first issue and the first three covers. Carson’s cover design for the first issue was selected as one of the: “top 40 magazine covers of all time” by the American Society of Magazine Editors. In 2000, Carson closed his New York City studio and followed his children to Charleston, South Carolina,

Carson was born on September 8, 1955 in Corpus Christi, Texas. He attended Cocoa Beach High School, was class president for three years, and still considers Cocoa Beach, Florida to be the place he is “most from”. He attended San Diego State University, graduating with “Honors and Distinction” a Bachelor of Arts in Sociology. Carson’s first contact with graphic design was in 1980 at the University of Arizona during a two-week graphics course, taught by Jackson Boelts. From 1982 to 1987, Carson worked as a teacher in Torrey Pines High School in San Diego, California. During that time, he was also a professional surfer, and reached a 9th in the WSA pro 4A division Carson had his own signature model surfboard with Infinity surfboards, and his own signature model fin with rainbow fin co. He still surfs regularly at his property in the Caribbean. In 1983, Carson started to experiment with graphic design and found himself immersed in the artistic and bohemian culture of Southern California. He attended the Oregon College of Commercial Art, only for a couple months before accepting an unpaid internship with Action Now magazine, formerly Skateboarder magazine. That year, he went to Switzerland to attend a three-week workshop in graphic design. The teacher of the

where their mother had relocated them. Since then he has lived in San Diego, Seattle, Zurich, and Tortola. Currently he lives and works in Europe, California and Tortola. He also continues to lecture worldwide on creativity and design.

David Carson (nacido el 8 de septiembre de 1955) es un diseñador gráfico , director de arte y surfista estadounidense . Es mejor conocido por su innovador diseño de revista y el uso de la tipografía experimental. Fue el director de arte de la revista Ray Gun , en la que empleó gran parte del enfoque tipográfico y de diseño por el que es conocido. En particular, su estética ampliamente imitada definió la llamada era de la “tipografía grunge”. Vida temprana y carrera Carson nació el 8 de septiembre de 1955 en Corpus Christi , Texas. Asistió a la Escuela Secundaria Cocoa Beach, fue presidente de clase durante tres años y todavía considera que Cocoa Beach, Florida, es el lugar del que “es más”. Asistió a la Universidad Estatal de San Diego , graduándose con “Honores y Distinción” de una Licenciatura en Sociología . El primer contacto de Carson con el diseño gráfico fue en 1980 en la Universidad de Arizona durante un curso de gráficos de dos semanas, impartido por Jackson Boelts. De 1982 a 1987, Carson trabajó como maestra en Torrey Pines High School en San Diego , California. Durante ese tiempo, también fue un surfista profesional, y alcanzó el noveno en la división WSApro 4ACarson tenía su propia tabla de surf modelo con tablas de surf Infinity, y su propia aleta modelo con arco aleta co. Todavía navega regularmente en su propiedad en el Caribe. En 1983, Carson comenzó a experimentar con el diseño gráfico y se vio inmerso en la cultura artística y bohemia del sur de California. Asistió al Oregon College of Commercial Art , solo por un par de meses antes de aceptar una pasantía no remunerada en la revista Action Now, anteriormente revista Skateboarder. Ese año, fue a Suiza para asistir a un taller de tres semanas en diseño gráfico. El maestro del taller, Hans-Rudolf Lutz , se convirtió en su primera gran influencia.

David Carson (born September 8, 1955) is an American graphic designer, art director and surfer. He is best known for his innovative magazine design, and use of experimental typography. He was the art director for the magazine Ray Gun, in which he employed much of the typographic and layout approach for which he is known. In particular, his widely imitated aesthetic defined the so-called “grunge typography” era.

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Nace en Cuenca en 1936. En 1957 abandonó sus estudios de Derecho y entra como dibujante en Publicidad Clarín, viviendo desde entonces en Madrid. En 1959 comienza a colaborar como diseñador industrial en SEDI (Sociedad de Estudios del Diseño Industrial). Cuatro años más tarde es seleccionado para formar parte del equipo de artistas del Pabellón de España en la Feria Mundial de Nueva York, realizando además un film de animación para la promoción de dicho Pabellón en colaboración con el pintor Cárdenas. En 1965, siendo director creativo, abandona Clarín y crea el estudio de diseño CNO. En 1969 funda su propio estudio de diseño del que saldrán, entre otras, las imágenes corporativas de instituciones y empresas como Correos, Banco Pastor, Pórtland Valderrivas, Urbis, Tesoro Público, Comunidad de Madrid, PSOE, COPE, El Mundo, El Economista, Antena 3 Radio, Endesa, Construcciones y Contratas, Ministerio de Educación, V Centenario del descubrimiento de América, Billetes del Banco de España, RENFE, Visionlab, Fundación ONCE, Repsol-YPF, etc. Diseña los carteles de películas como El Sur, El Espíritu de la Colmena, Pascual Duarte, El Desengaño, Cría Cuervos, Las Cartas de Alou, Una Estación de Paso, Familia, Barrio, Los Lunes al Sol y otros muchos. En 1972 realiza una exposición en la galería Skira de Madrid, exponiendo desde entonces regularmente sus pinturas, esculturas, grabados...

Born in Cuenca in 1936. In 1957 he abandoned his law studies and entered as a cartoonist at Publicidad Clarín, living since then in Madrid. In 1959 he began to collaborate as an industrial designer at SEDI (Society for Industrial Design Studies). Four years later, he was selected to form part of the team of artists of the Spanish Pavilion at the New York World’s Fair, also making an animation film for the promotion of said Pavilion in collaboration with the painter Cárdenas.

En 1977 participa con una sala personal en la Bienal Internacional de Sao Paulo. Ha participado en las Ferias de Arte FIAC de París, Bassel Art de Basilea, Art Cologne de Colonia, y en ARCO de forma prácticamente ininterrumpida desde 1985, casi siempre de la mano de su galerista Evelyn Botella. Cruz Novillo es un artista plástico con más de cuarenta años de trayectoria profesional, los últimos de los cuales se han centrado en el desarrollo del concepto “Diafragma”, denominación que engloba multitud de formatos de obras cuya característica común es la combinación de un número variable de elementos monocromáticos, sonoros, fotográficos o tridimensionales. Acaba de finalizar un “Diafragma Decafónico de Dígitos” en las fachadas del Instituto Nacional de Estadística, en Madrid.

In 1965, as creative director, he left Clarín and created the CNO design studio. In 1969 he founded his own design studio, which will include, among others, the corporate images of institutions and companies such as Correos, Banco Pastor, Portland Valderrivas, Urbis, Tesoro Público, Comunidad de Madrid, PSOE, COPE, El Mundo, El Economista, Antena 3 Radio, Endesa, Construcciones y Contratas, Ministry of Education, V Centenary of the discovery of America, Bank of Spain Banknotes, RENFE, Visionlab, Fundación ONCE, Repsol-YPF, etc. He designs the posters for films such as El Sur, El Espíritu de la Colmena, Pascual Duarte, El Desengaño, Cría Cuervos, Las Cartas de Alou, A Way Station, Familia, Barrio, Los Lunes al Sol and many others. In 1972 he held an exhibition at the Skira gallery in Madrid, and since then regularly exhibited his paintings, sculptures, engravings ... In 1977 he participated with a personal room at the Sao Paulo International Biennial. He has participated in the FIAC Art Fairs in Paris, Bassel Art in Basel, Art Cologne in Cologne, and in ARCO practically uninterrupted since 1985, almost always by the hand of his gallery owner Evelyn Botella. Cruz Novillo is a plastic artist with more than forty years of professional career, the last of which has focused on the development of the “Diaphragm” concept, a name that encompasses many formats of works whose common characteristic is the combination of a variable number of monochrome, sound, photographic or three-dimensional elements. A “Decaphonic Digit Diaphragm” has just finished on the facades of the National Statistics Institute, in Madrid. In 1978 he received the Laus Prize for the design of the new Visual Identity for Posts, the Caja Castilla-La Mancha Painting Prize, the 2006 FAD medal, the 1997 National Design Prize and the Fine Arts academic.

En 1978 recibe el premio Laus por el diseño de la nueva Identidad Visual para Correos, premio de Pintura Caja Castilla-La Mancha, medalla FAD 2006, el Premio Nacional de Diseño 1997 y el académico de Bellas Artes.

El padre del diseño gráfico moderno y del branding, un hombre que está considerado como el más eminente de los diseñadores gráficos de EE.UU. y no estamos exagerando. Paul Rand, (nacido como Peretz Rosenbaum, 15 de agosto de 1914 - 26 de noviembre de 1996). Fue un diseñador gráfico estadounidense reconocidoen gran parte por el diseño de marcas institucionales. Modernismo simple del que es posiblemente el hombre que ha tenido más influencia en el diseño de logos del siglo XX. Muchos de los principios de “papá logo” siguen vigentes todavía para muchos de los que aspiramos a ganarnos la vida con “esta cosa de lápices y ordenadores” que es el diseño gráfico. Llegó al mundo en el Brooklyn y ya apuntaba maneras desde chico, cuando empezó a hacer carteles y señales para la tienda de su padre y para su colegio antes de que le hubieran salido los primeros pelillos en el bigote.Aunque estudió en la Parsons The New School for Design en 1932 y en la Art Students League en 1933, siempre se consideró a sí mismo autodidacta. El que una vez fue Peretz Rosenbaum acortó su nombre a Paul Rand para camuflar su identidad judía. También pensó que con cuatro letras podría crear un símbolo mucho más bonito. Influenciado por el estilo alemán de publicidad Sachplakat (cartel objeto) y las obras de Gustav Jensen, podemos definir su estilo como modernismo simple con un buen uso de la tipografía, las formas geométricas y los espacios en blanco. Paul importó los movimientos del arte vanguardista en Europa al diseño gráfico de Estados Unidos.

Seis décadas diseñando que dejaron huella en tres generaciones y una transformación de la industria de la gráfica publicitaria que conllevó la profesionalización de nuestra disciplina. Empezó su carrera en 1930 diseñando portadas de revistas y, a partir de 1940, trabajó como director de arte en la Madison Avenue y revolucionó la publicidad desde dentro. En los años cincuenta, dejó la publicidad un poco de lado y se metió de lleno en el branding. En los sesenta ya se había hecho consultor de diseño de grandes marcas y había creado algunas de las identidades corporativas más famosas de la historia del diseño: IBM, ABC, UPS, Enron, Next y muchas otras. A día de hoy, todavía siguen en uso muchos de sus logos. Pero hasta los grandes nombres sufren decepciones. Un zasca en su carrera como diseñador se lo dio Henry Ford. En 1966 Paul recibió el encargo de rediseñar la identidad de Ford. Henry Ford II quería modernizar el logotipo de la compañía que había fundado su abuelo, pero, después de ver la propuesta de Paul, decidió dejarlo como estaba. Aunque tenía fama de no ser especialmente simpático (de hecho, decían que era arisco y cascarrabias), sus estudiantes de diseño en la Universidad de Yale no tenían queja ninguna. Su ilustre carrera se vería reconocida con múltiples galardones en vida, como las medallas del American Institute of Graphic Arts (AIGA) o la de The Type Director Clubs.

The father of modern graphic design and branding, a man who is identified as the most eminent of US graphic designers. and we are not exaggerating. Paul Rand, (born Peretz Rosenbaum, August 15, 1914 - November 26, 1996). He was an American graphic designer recognized largely for the design of institutional brands. Simple modernism of which is possibly the man who has had more influence in the design of logos of the 20th century. Many of the “dad logo” principles are still in force for many of us who aspire to earn a living with “this thing about pencils and computers” which is graphic design. He came to the world in Brooklyn and was already pointing out ways since he was a boy, when he started making signs and signs for his father’s store and for his school before the center protruded the first hairs on his mustache. School for Design in 1932 and the Art Students League in 1933, he always considered himself self-taught. Once Peretz Rosenbaum shortened his name to Paul Rand to camouflage his Jewish identity. We could also with four letters we could create a much more beautiful symbol. Influenced by the German advertising style Sachplakat (object poster) and the works of Gustav Jensen, we can define his style as simple modernism with a good use of typography, geometric shapes and blank spaces. Paul imported the avant-garde art movements in Europe into graphic design in the United States. Six decades designing that left their mark on three generations and a transformation of the advertising graphics industry that led to the professionalization of our discipline. He began his career in 1930 designing magazine covers and, starting in 1940, worked as an art director on Madison Avenue and revolutionized advertising from within. In the fifties, he put advertising a little aside and went straight into branding. In the 1960s, he had already become a design consultant for major brands and created some of the most famous corporate identities in design history: IBM, ABC, UPS, Enron, Next, and many others. To this day, many of their logos are still in use. But even big names are disappointed. A zasca in his career as a designer was given by Henry Ford. In 1966 Paul was commissioned to redesign Ford’s identity. Henry Ford II wanted to modernize the logo of the company his grandfather had founded, but, after seeing Paul’s proposal, he decided to leave it as it was.

Although he had a reputation for not being particularly likable (in fact, they said he was mean and curmudgeonly), his design students at Yale University had no complaints. His illustrious career would be recognized with multiple lifetime accolades, such as the American medals. Institute of Graphic Arts (AIGA) or that of The Type Director Clubs.

PAULA SCHER Paula Scher (Washington, 6 de octubre de 1948) es una diseñadora gráfica y artista estadounidense. Fue la primera directora de la agencia de diseño Pentagram, a la que se unió en 1991. Hija de un cartógrafo y una profesora, Paula Scher creció en un ambiente cultural entre las ciudades de Washington D. C. y Filadelfia.

Permaneció durante ocho años, diseñando Scher participó en la primera temporada algunas portadas que se han convertido en de la serie documental Netflix Abstract: iconos de la cultura musical. The Art of Design. En 1982 inició su carrera independiente y en 1984, junto con Terry Koppel fundó Koppel &Scher, compañía que estuvo en funcionamiento durante siete años y desde la que desarrollaron trabajos de identidad corporativa, campañas de publicidad y editorial. En 1991, Koppel aceptó el cargo de director creativo de la revista Esquire y Scher se unió a Pentagram, convirtiéndose en socia de la oficina de Nueva York.

Estudió Bellas Artes en Pensilvania, en la escuela de arte Tyler de Elkins Park.1Allí fue alumna de Seymour Chwast, con quien se casó en 1973. Posteriormente se trasladó a Nueva York y se inicióenel mundoprofesional encargándose de la maquetación de la sec- Desde entonces, las obras de Scher se llevan a cabo en las colecciones del Museo de ción infantil de la editorial RandomHouse. Arte Moderno de Nueva York, la Biblioteca Su siguiente contrato vino dado por la del Congreso en Washington, DCy el Museo compañía CBS Records,3 donde fue con- de Arte de Filadelfia, entre otros. tratada para trabajar en su departamento de publicidad y promociones, y de ahí pasó Hoy en día ha diseñado para algunas de a trabajar en Atlantic Records, ejerciendo las identidades corporativas y logotipos como directora de arte. Un año después de más populares del panorama internacional, su marcha, CBS volvió a contratarla tam- como el rediseño de la imagen de Windows bién como directora de arte para que se y Citibank o el logotipo del MoMAy la idenencargara del departamento de portadas. tidad de The Metropolitan Opera. 38

Paula Scher (Washington, October 6, 1948) is an American graphic designer and artist. She was the first director of the design agency Pentagram, which she joined in 1991. The daughter of a cartographer and a teacher, Paula Scher grew up in a cultural setting between the cities of Washington, D.C., and Philadelphia. She studied Fine Arts in Pennsylvania at the Tyler School of Art in Elkins Park.1 There she was a student of Seymour Chwast, whom she married in 1973. Later she moved to New York and began in the professional world taking care of the layout of the children’s section of the RandomHouse publisher. In 1982 he started his independent career and in 1984, together with Terry Koppel, he founded Koppel & Scher, a company that had been in operation for seven years and fromwhich they developed corporate identity, advertising and editorial campaigns. In 1991, Koppel accepted the position of creative director for Esquire magazine and Scher joined Pentagram, becoming a partner in the New York office. Since then, Scher’s works have been held in the collections of the Museumof Modern Art in New York, the Library of Congress in Washington, DC, and the Philadelphia Museumof Art, among others. Today he has designed for some of the most popular corporate identities and logos on the international scene, such as the redesign of the Windows and Citibank image or the MoMAlogo and the identity of The Metropolitan Opera. Scher participated in the first season of the documentary series Netflix Abstract: The Art of Design.

Gafas de pasta y cara de señor que siempre lleva caramelicos en los bolsillos. Así vemos al hombre que revolucionó la forma de presentar las películas y se llevó el diseño gráfico a los títulos de crédito, Saul Bass. Más de 40 años dedicados al diseño que nos dejaron carteles que forman parte de nuestro imaginario, títulos de crédito más inolvidables que las películas a las que acompañaban y un sinfín de logos que nos sirven de inspiración. Sus primeros pasos los dio en un barrio de inmigrantes ruso-judíos de clase obrera del Bronx. A los 16 años, y con algún que otro pelillo en el bigote, empezó a trabajar por necesidad en una agencia de publicidad y a asistir a clases de arte por las noches. Una de sus primeras tareas fue la producción de carteles para películas de la Warner Brothers. Poco sabía Saulito que 36 años más tarde acabaría cambiando el logotipo mundial de la Warner Communications. En 1946 se muda a los Ángeles y ahí ya no hay quien lo pare.

Galones para colas de avión, carteles para Chaplin, portadas para revistas y discos, logos y hasta packagings. Nada se le resiste en cuanto a diseño se refiere. En 1950, ya en su estudio propio, le piden diseñar el póster para la película Carmen Jones. El director, Otto Preminger, flipó tanto con el cartel que acabó pidiéndole que diseñara también los títulos de la película. De esta manera empezó la historia de amor entre Saúl y el cine. Una relación que surgió del diseño de carteles, que son pura maravilla, y que se hizo oficial con títulos de crédito que, en ocasiones, eran mejores que las propias películas. Los directores más grandes del momento se lo rifaban. Alfred Hitchcock, Otto Preminger, Billy Wilder, Stanley Kubrick, Martin Scorsese, etc. Todos querían ser bendecidos por el saber hacer del rey de los títulos de crédito.Su obra estrella fue la que realizó para la película de Preminger The Man with the Golden Arm, para la que realizó el póster y la secuencia de títulos.

In 1950, already in his own studio, he was asked to design the poster for the movie Carmen Jones. The director, Otto Preminger, blew the poster so much that he ended up asking him to design the film’s titles as well. Thus began the love story between Saúl and the cinema. A relationship that arose from the design of posters, which are pure wonder, and which became official with credit titles that, at times, were better than the films themselves. The greatest directors of the moment raffled it off. Alfred Hitchcock, Otto Preminger, Billy Wilder, Stanley Kubrick, Martin Scorsese, etc. Everyone wanted to be blessed by the know-how of the king of credit titles, his star work being for the Preminger movie The Man with the Golden Arm, for which he made the poster and title sequence.

Pasta glasses and the face of a man who always carries candy in his pockets. Thus we see the man who revolutionized the way of presenting films and took graphic design to the credits, Saúl Bass. More than 40 years dedicated to design that left us posters that are part of our imagination, credit titles more unforgettable than the films they accompanied and endless logos that inspire us.

Saul was influenced by Moholy-Nagy’s Bauhaus and Russian constructivism, but with his own style. Having him was synonymous with having a small piece of art in every opening sequence, and the greatest directors knew it. Each credit title was an exercise in simplification, concept and clever illustrations accompanied by an exquisite use of color. Using white and minimalism to condense a film into an image that is as simple as it is memorable. His particular typography would give us for an entire post. Even today, Bass is still alive, not only because his person changed the history of graphic design, but also because many continue to drink from his own timeless style.

His first steps were taken in a working-class Russian-Jewish immigrant neighborhood in the Bronx. At the age of 16, and with the odd little mustache, he began to work out of necessity in an advertising agency and to attend art classes at night. One of his first tasks was producing posters for Warner Brothers movies. Little did Saulito know that 36 years later he would end up changing the global logo of Warner Communications. In 1946 he moved to Los Angeles and there was no one to stop him there. Gallons for airline queues, Chaplin posters, magazine and album covers, logos and even packagings. Nothing resists him as far as design is concerned.

igel Holmes es un infowwgrafista autorreferencial: un entusiasta de los iconos y los pictogramas que optó, desde muy temprano, por convertirse en una de sus creaciones. Sus gafas redondas, de color azul; sus camisas y pantalones, invariablemente del mismo color; su característico peinado... Todo es parte de una imagen fácilmente reproducible en forma de caricatura de trazos geométricos, como él mismo demostró en la entrevista que le hizo Steven Heller, director de Arte de The New York Times, publicada como libro hace cinco años. Este autorretrato resume las habilidades que Holmes considera esenciales para el diseñador de información y el periodista visual: la curiosidad, la capacidad de escribir y representar gráficamente, el buen humor y el entusiasmo por la comunicación, por delante de los conocimientos técnicos y del estudio de la historia de la profesión. Holmes, que fue director de infografía de la revista Time

durante más de una década, es hoy diseñador independiente (entre sus clientes están muchos de los mejores periódicos y revistas de Estados Unidos). “El futuro del periodismo consiste en contar las mejores historias de la forma más clara y eficaz posible. No depende del uso de nuevas tecnologías. La idea de que un diseñador debe cambiar de inmediato sus costumbres tras la aparición de cada nuevo software es equivalente a pensar que un periodista está obligado a adaptar su voz personal a las limitaciones de la máquina en la que teclea”. Comencé a desarrollar mi estilo —basado en siluetas, líneas negras gruesas y uso muy limitado del color— mucho antes de que los ordenadores fuesen comunes en las redacciones. Sucedió cuando trabajaba como ilustrador y diseñador en Gran Bretaña, a finales de los 60 y comienzos de los 70. Tenía miedo de que mis dibujos a mano no quedase bien cuando reproducidos por las imprentas de la épo-

ca. Después de mudarme a Estados Unidos y ser contratado por Time, comencé a usar ordenadores. A partir de 1984, con los primeros Mac, descubrí que mi estilo era fácilmente transferible a la pantalla. Era como si hubiese dibujado con vectores y curvas de Bézier desde siempre. Nunca he necesitado otra técnica para comunicarme con mis lectores a través de gráficos simples. Lo cierto es que no soy demasiado original; al contrario, he tenido numerosas influencias. Por ejemplo, Richard Hamilton, un pintor británico considerado una de las principales figuras del arte Pop, que murió hace poco. Fue el diseñador del Álbum Blanco de los Beatles. Hamilton sugirió que el motivo por el que creó algo tan minimalista fue una reflexión: en un mundo barroco, lo simple destaca. Es cierto. He usado la palabra simple, pero no me gusta el verbo simplificar. Prefiero aclarar. Aclarar significa que el diseño de información no consiste en

añadir más elementos a una composición, sino en tomar la complejidad e irse despojando de detalles irrelevantes hasta que sólo haya sobrevivido lo esencial. Es en ese momento cuando lo relevante se hace visible, claro, inequívoco. Este proceso de reducción controlada tiene un nombre: edición. Los lectores no quieren verlo todo, por lo menos en un primer momento. Prefieren una síntesis. El gran desafío que la edición plantea es cómo cortar manteniendo al mismo tiempo la integridad de la información original. En otras palabras: cómo reducir sin degradar los datos. Es más difícil de lo que parece. Si provocas una sonrisa, además de informar, te habrás ganado el interés y la memoria del lector. El humor es fundamental en mi trabajo. No tiene por qué ser un humor que arranque carcajadas. Puede ser algo mucho más sutil, un pequeño detalle divertido o una broma de buen gusto. En alguna entrevista he llamado a este elemento de mi estilo enjoyable clarity (claridad agradable). Algunos experimentos han comprobado que los lectores recuerdan mejor lo que les hace gracia.

Nigel Holmes is a self-referential infographic artist: an enthusiast of icons and pictograms who chose, very early on, to become one of his creations. His round, blue glasses; their shirts and pants, invariably the same color; his characteristic hairstyle. Everything is part of an easily reproducible image in the form of a cartoon with geometric lines, as he himself demonstrated in the interview with Steven Heller, Art Director of The New York Times, published as a book five years ago. This self-portrait summarizes the skills that Holmes considers essential for the information designer and visual journalist: curiosity, the ability to write and represent graphically, good humor and enthusiasm for communication, ahead of the technical knowledge and study of the history of the profession. Holmes, who was director of infographics for Time ma-

gazine for more than a decade, is today a freelance designer (his clients include many of America’s best newspapers and magazines).“The future of journalism is to tell the best stories in the clearest and most effective way possible. It does not depend on the use of new technologies. The idea that a designer should immediately change his habits after the appearance of each new software is equivalent to thinking that a journalist is forced to adapt his personal voice to the limitations of the machine in which he types.”. I began to develop my style — based on silhouettes, thick black lines, and very limited use of color — long before computers were common in newsrooms. It happened when I was working as an illustrator and designer in Great Britain, in the late 60s and early 70s. I was afraid that my hand drawings would not look good

when reproduced by printers of the time. After moving to the United States and being hired by Time, I started using computers. Starting in 1984, with the first Macs, I discovered that my style was easily transferable to the screen. It was as if he had always drawn with vectors and Bézier curves. I have never needed another technique to communicate with my readers through simple graphics. The truth is that I am not too original; on the contrary, I have had numerous influences. For example, Richard Hamilton, a British painter considered one of the leading figures in Pop art, who died recently. He was the designer of the Beatles White Album. Hamilton suggested that the reason he created something so minimalist was a reflection: in a baroque world, simplicity stands out. It is true. I have used the word simple, but I don’t

like the verb simplify. I prefer to clarify. Clarification means that information design is not about adding more elements to a composition, but about taking complexity and stripping away irrelevant details until only the essentials have survived. It is at that moment when the relevant becomes visible, clear, unequivocal. This process of controlled reduction has a name: editing. Readers don’t want to see it all, at least at first. They prefer a synthesis. The great challenge that editing poses is how to cut while maintaining the integrity of the original information. In other words: how to shrink without degrading data. It is more difficult than it looks. If you provoke a smile, in addition to informing, you will have earned the reader’s interest and memory. Humor is essential in my work. It doesn’t have to be a humor that starts laughing.

It can be something much more subtle, a fun little detail or a tasteful joke. In an interview I have called this element of my style enjoyable clarity. Some experiments have found that readers better remember what they find funny.

Noma Bar (n. 1973) es un diseñador, ilustrador, artista gráfico, etc… israelí afincado en Londres que ha ido perfeccionando un personal y característico estilo basado en el espacio negativo hasta conseguir una depuradísima y muy reconocible obra gráfica. Con un estilo minimalista, un sutil sentido del humor y una paleta de colores muy básica pero escogida de forma muy precisa, sus formas contienen siempre diferentes niveles visuales que juegan con nuestra percepción. Siempre hay que buscar varios significados en sus, en apariencia, simples imágenes, porque suelen esconder una o más figuras escondidas en el fondo, figuras que siempre ofrecen el contrapunto que cierra el significado final de cada obra. A veces es sólo un detalle, un trazo o una letra, pero es rara la pieza que no esconde algún secreto. Su perfeccionamiento del doble sentido visual lo ha llevado a escribir libros y a ser incluido en todo tipo de recopilaciones sobre diseño, libros pedagógicos, lecciones en escuelas sobre fondo y forma, etc. También es el diseñador de cabecera para los libros del escritor norteamericano Don DeLillo, un autor de escritura áspera, dura, fría, poderosa, muy sugerente, a la que le cuadra maravillosamente el estilo mínimo de Noma Bar.

Noma Bar (n. 1973) is a London-based Israeli designer, illustrator, graphic artist, etc ... who has been perfecting a personal and characteristic style based on negative space until obtaining a highly refined and highly recognizable graphic work. With a minimalist style, a subtle sense of humor and a very basic but very precisely chosen color palette, its shapes always contain different visual levels that play with our perception. You always have to look for various meanings in their apparently simple images, because they usually hide one or more figures hidden in the background, figures that always offer the counterpoint that closes the final meaning of each work. Sometimes it is just a detail, a stroke or a letter, but the piece that does not hide a secret is rare. His improvement of the double visual sense has led him to write books and to be included in all kinds of collections on design, pedagogical books, school lessons on substance and form, etc. He is also the head designer for the books of the American writer Don DeLillo, an author of rough, harsh, cold, powerful, highly suggestive writing, wonderfully suited to the minimal style of Noma Bar.

Seis décadas dedicadas al diseño dan para mucho y más aún si eres Milton Glaser (26 de junio de 1929 en el Bronx de Nueva York). Anuncios, carteles, cubiertas de libro, portadas de discos, marcas y logotipos, alfabetos, ilustraciones, etc. No hay nada que se le resista. Con algo más de pelo y sin canas, entró en la universidad privada de arte y arquitectura Cooper Union para terminar estudiando con una beca en la Academia de Bellas Artes de Bolonia. En 1954, fundó junto con Seymour Chwast el estudio de diseño Push Pin Studios, que se convirtió en todo un referente de la época. En 1968 cofundó la revista New York Magazine (de la que fue presidente y diseñador hasta 1977) y en 1974 creó su propio estudio, el Milton Glaser Inc. Aunque es mega conocido por sus trabajos de branding y cartelería (ha creado más de 300 carteles entre los que se encuentra el de Bob Dylan, todo un símbolo de los sesenta), su área más prolífica ha sido la del diseño editorial. Si tuviéramos que definir todo el trabajo de Milton Glaser en una palabra sería «atemporal». Formado en el ambiente cultural de la Nueva York de posguerra, vemos en sus trabajos una mezcla urbana con estética Art Nouveau, que hace que sus obras sean tan complejas

como sencillas.Sus trabajos se caracterizan por el eclecticismo y por la gran importancia que le da a la ilustración. Él siempre se consideró a sí mismo como un “artista aplicado” capaz de moverse entre diferentes estilos y poniendo por delante la eficacia en la comunicación.Hoy en día Milton Glaser sigue activo. Algunos de los clientes que visitan su estudio son The Brooklyn Brewery, Jet Blue, Target, Trump, Eleven Madison Park, Alessi, Juilliard o, entre otros, The Rubin Museum of Art.

Six decades devoted to design go a long way if you’re Milton Glaser (June 26, 1929 in the New York Bronx). Advertisements, posters, book covers, album covers, brands and logos, alphabets, illustrations, etc. There is nothing to resist.” To design is to communicate clearly with the means that you can control or dominate.” With a little more hair and no gray hair, he entered the private Cooper Union University of Art and Architecture to finish studying on a scholarship at the Academy of Fine Arts in Bologna.In 1954, together with Seymour Chwast, he founded the design studio Push Pin Studios, which defined a benchmark of the time. In 1968 he co-founded New York Magazine (of which he was president and designer until 1977) and in 1974 he created his own studio, Milton Glaser Inc. Although he is mega known for his branding and signage work (he has created more than 300 posters between

those of Bob Dylan, a symbol of the sixties), his most prolific area has been that of editorial design.If we were to define all of Milton Glaser’s work in one word it would be “timeless.” Formed in the postwar cultural environment of New York, we see in his works an urban mix with Art Nouveau aesthetics, which makes his works as complex as they are simple. His works are characterized by eclecticism and by the great importance that he gives to illustration. He always considers himself as an “applied artist” capable of moving between different styles and putting efficiency in communication ahead. Hello on the day Milton Glaser is still active. Some of the clients who visit his studio are The Brooklyn Brewery, Jet Blue, Target, Trump, Eleven Madison Park, Alessi, Juilliard or, among others, The Rubin Museum of Art.

Alan Fletcher Alan Gerard Fletcher (27 de septiembre de 1931 – 21 de septiembre de 2006) fue un diseñador gráfico británico, calificado por el Daily Telegraph como “el diseñador gráfico más elevado y probablemente el más prolífico de su época”. Fletcher nacióenNairobi, Kenia, donde su padre trabajaba de funcionario público. Luego volvió a Inglaterra a los 5 años con el resto de su familia, cuando su padre estaba en estado terminal. Fletcher vivió con sus abuelos en Shepherd’s Bush, Londres del oeste, antes de ser evacuado en 1939 al Christ’s Hospital en Horsham. Estudió en la escuela de arte Hammersmith a partir de 1949, después en la escuela central del arte, en donde estudió bajo la tutela de Anthony Froshaug y conoció a Colin Forbes, Theo Crosby, Derek Birdsall y a Ken Garland. Después de un año de enseñar inglés en Barcelona, él volvió a Londres a estudiar en la Royal College of Art de 1953 a 1956, donde conoció a Peter Blake, Joe Tilson, Len Deighton, Denis Bailey, David Gentleman y Wellington Dick Smith. Se casó con Paola Biagi, de nacionalidad italiana, en 1956, y tomó una beca para estudiar en la facultad de la arquitectura y diseño de la universidad de Yale, bajo la enseñanza de Alvin Eisenman, Herbert Matter, Bradbury Thompson, Josef Albers y Paul Rand. Visitó a Robert Brownjohn, a Ivan Chermayeff y a Tom

Geismar en Nueva York, hizo amigos con Bob Gill,, y fue comisionado por Leo Lionni para diseñar una cubierta para Fortune magazine en 1958. Después de una visita a Venezuela, volvió a Londres en 1959, trabajando brevemente el 18 de febrero de 2007, junto a la publicación para Saul Bass en Los Ángelesy Pirelli en Milán. póstuma de su libro, “Picturing and Poeting”. Ganó el Prince Philip Prize al diseñador del año, Fundó la firma Fletcher/Forbes/Gill del diseño fue presidente de Designers and Art Directors con Colin Forbes y Bob Gill en 1962. Un pro- Association en 1973 y el presidente internaducto temprano era su libro diseño gráfico: cional de la Alliance Graphique Internationale Una comparación visual. Sus clientes incluían a partir de 1982 a 1985. Lo eligieron al Hall of Pirelli, Cunard, libros del pingüino y Olivetti. Fame del club de directores de arte de nueva Gill dejó la sociedad en 1965 y fue substituido york en 1994, era un compañero mayor de la por Theo Crosby, así que la firma se convirtió universidad real del arte en 1989 y fue un soen Crosby/Fletcher/Forbes. Dos nuevos socios cio mayor del Royal College of Art en el 2000. ensamblaron, y la sociedad evolucionó a Pen- Falleció de cáncer en Londres. tagram en 1972, con Forbes, Crosby, Grange de Kenneth y Mervyn Kurlansky, con clientes que incluían Lloyds of London y Daimler Benz. Muchos de sus diseños siguen funcionando: la insignia para Reuters que compuso de 84 puntos, creada en 1965, fue retirada en 1992, pero su insignia de “V&A” para Victoria and Albert Museum, y su insignia de “IoD” para el Institute of Directors sigue funcionando. En los años pasados el diseñó la insignia para la escuela italiana de la arquitectura “Facolta di Architettura di Alghero”. Una exposición de su trabajo de vida se abrió en el Design Museum en Londres en el 11 de noviembre de 2006 hasta

Alan Gerard Fletcher (September 27, 1931 - September 21, 2006) was a British graphic designer, rated by the Daily Telegraph as “the highest and probably the most prolific graphic designer of his time” . Fletcher was born in Nairobi, Kenya, where his father worked as a public official. He then returned to England at age 5 with the rest of his family, when his father was terminally ill. Fletcher lived with his grandparents in Shepherd’s Bush, West London, before being evacuated in 1939 to Christ’s Hospital in Horsham. He studied at the Hammersmith School of Art beginning in 1949, then at the Central School of Art, where he studied under the tutelage of Anthony Froshaug and met Colin Forbes, Theo Crosby, Derek Birdsall, and Ken Garland. After a year of teaching English in Barcelona, he returned to London to study at the Royal College of Art from 1953 to 1956, where he met Peter Blake, Joe Tilson, Len Deighton, Denis Bailey, David Gentleman, and Wellington Dick Smith. He married Paola Biagi, an Italian national, in 1956, and took a scholarship to study at the Yale University School of Architecture and Design, under the teaching of Alvin Eisenman, Herbert Matter, Bradbury Thompson, Josef Albers and Paul Rand. He visited Robert Brownjohn, Ivan Chermayeff, and Tom Geismar in New York, made friends with Bob Gill ,, and was commissioned by Leo Lionni to design a cover for Fortune magazine in 1958. After a visit to Venezuela, he returned to London in 1959 , briefly working for

Saul Bass in Los Angeles and Pirelli in Milan. He founded the design firmFletcher /Forbes /Gill with Colin Forbes and Bob Gill in 1962. An early product was his graphic design book: A Visual Comparison. His clients included Pirelli, Cunard, Penguin Books and Olivetti. Gill left the company in 1965 and was replaced by Theo Crosby, so the firmbecame Crosby / Fletcher / Forbes. Two new partners joined, and the partnership evolved to Pentagram in 1972, with Forbes, Crosby, Kenneth’s Grange, and Mervyn Kurlansky, with clients including Lloyds of London and Daimler Benz.

Many of his designs still work: the 84-point Reuters badge, created in 1965, was withdrawn in 1992, but his “V&A” badge for the Victoria and Albert Museum, and his “IoD” badge for the Institute of Directors continues to operate. In the past years he designed the logo for the Italian School of Architecture “Facolta di Architettura di Alghero”. An exhibition of his life work opened at the Design Museum in London from November 11, 2006 to February 18, 2007, alongside the posthumous publication of his book, “Picturing and Poeting”. He won the Prince Philip Prize for Designer of the Year, was President of the Designers and Art Directors Association in 1973, and International President of the Alliance Graphique Internationale from 1982 to 1985. He was elected to the Hall of Fame of the New Art Directors Club york in 1994, he was a senior fellow at the royal college of art in 1989 and was a senior fellow at the Royal College of Art in 2000. He died of cancer in London.

Es diseñador, ilustrador y artista, actualmente vive y trabaja en Berlín. Nacido en las profundidades del bosque bávaro en el sur de Alemania en 1984, pronto descubriósu debilidad por el dibujo y los colores. Después de planear convertirse en un “pintor sin jefe”. Desde que tenía unos 5años, decidió estudiar diseño de comunicaciones en Nuremberg. Se graduó de la Universidad Georg-SimonOhmcon un diploma en 2009. Andreas Preis desde pequeño siempre supo

que era visualmente creativo, y también supo que quería ser un pintor sin un jefe que lo estuviera molestando. Estudió diseño en Nuremberg en la Universidad GeorgSimon-Ohm. Su conjunto de habilidades incluye ilustración, murales, cintas y pinturas en vivo, así como las diferentes áreas. de diseño de comunicaciones tradicionales como tipografía, diseño de logotipos, diseño de iconos y dirección de arte. Su estilo se caracteriza por plasmar con

aerosoles y acrílicos retratos de personas y animales. Traza líneas y las remarca, abusa de ellas y combina figuras geométricas con irregulares. “Al final, todo te inspira. La naturaleza, la gente que te rodea, la música, la ciudad, cosas que encuentras en Internet y algún que otro artista”, dice Andreas Preis en su sitio Web. Dice que todas sus piezas son obras de arte porque las dibuja y luego las escanea para trabajar digitalmente en ellas. Dice que es “un diseñador más de Alemania”, Durante los últimos años ha trabajado con una variedad de marcas, incluidas adidas, Adobe, Atomic, Bruce, Dunlop & Associates, CKone, Coca-Cola, DCComics, ESPN, Financial Times, Ford, Google, Hennessy, MINI, Microsoft, NAFNAF, Telekom, NIKE, o2, PepsiCo, Samsung, Vans, Wacom, Warsteiner, etc.

Andreas Preis is a designer, illustrator and artist, currently living and working in Berlin. Born in the depths of the Bavarian forest in southernGermany in1984, hesoondiscovered his weakness for drawing and colors. After planning to become a “bossless painter”. Since he was about 5 years old, he decided to study communication design in Nuremberg. He graduated from GeorgSimon-Ohm University with a diploma in 2009. Andreas Preis always knew from a young age that he was visually creati-

ve, and also knew that he wanted to be a painter without a boss who was bothering him. He studied design in Nuremberg at Georg-Simon-OhmUniversity. His skill set includes illustration, murals, tapes and live paintings, as well as different areas. of traditional communications design like typography, logo design, icon design and art direction. His style is characterized by capturing with aerosols and acrylic portraits of people and animals. He draws lines and highlights them, abuses themand combines geometric figures with irregular ones. “In the end, everything inspires you. Nature, the people around you, music, the city, things you find on the Internet and the occasional artist, ”says Andreas Preis on his website. He says that all his pieces are works of art because he draws them and then scans

themto work digitally on them. He says he is “one more designer fromGermany”, for the past fewyears he has worked with a variety of brands including adidas, Adobe, Atomic, Bruce, Dunlop &Associates, CKone, Coca-Cola, DCComics, ESPN, Financial Times , Ford, Google, Hennessy, MINI, Microsoft, NAFNAF, Telekom, NIKE, o2, PepsiCo, Samsung, Vans, Wacom, Warsteiner, etc.

sus naturalezas muertas , paisajes , desnudos y retratos . Como cineasta, dirigió dos películas sobre su amigo Alexander Calder : “esculturas y construcciones” en 1944 y “obras de Calder” (con música de John Cage ) para el Museo de Arte Moderno en 1950. Los amigos cercanos de la materia y su esposa Mercedes fueron los pintores Jackson Pollock , Willem de Kooning , compañero fotógrafo suizo Robert Frank y Alberto Giacometti . La esposa de Mercedes cuestión era la hija del pintor modernista estadounidense Arthur Beecher Carles , y era ella misma el principal fundador de la New York Studio School. Herbert Matter (25 abril 1907 a 8 mayo 1984) fue un fotógrafo estadounidense de origen suizo y diseñador gráfico conocido por su uso pionero del fotomontaje en el arte comercial. Innovador y experimental el trabajo del diseñador ayudó a dar forma al vocabulario de diseño gráfico del siglo 20. Nacido en Engelberg , Suiza, Materia estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes de Ginebra y en la Académie Moderne de París con Fernand Léger y Amédée Ozenfant. Trabajó con Adolphe Mouron Cassandre , Le Corbusier y Deberny y Peignot . En 1932, regresó a Zúrich, donde diseñó carteles para la Oficina Nacional de Turismo de Suiza y centros turísticos suizos. Los carteles de viajes ganaron reconocimiento internacional inmediata para su uso pionero del fotomontaje combinado con tipo de letra. Él fue a los Estados Unidos en 1936 y fue contratado por el legendario director de arte Alexey Brodovitch . Trabajan para el bazar de Harper , Vogue y otras revistas siguieron. En la década de 1940, los fotógrafos, entre ellos Irving Penn , en los estudios de moda en 480 Lexington Avenue, a menudo los utilizados para el rodaje de la publicidad del trabajo encargado por clientes externos. La práctica fue en un principio, pero tolerada en 1950 se

prohibió en la base de que ‘ha interferido con nuestros propios intereses y ha sido un grave obstáculo para nuestra operaciones editorial’. En respuesta Materia y otros tres fotógrafos Condé Nast Serge Balkin, Constantin Joffé y Geoffrey panadero dejaron establecer Estudio Enterprises Inc. en la antigua Casa y Jardín estudio en la calle 37 (Penn se quedó, pero también dejó en 1952).

“La ausencia de pomposidad era característico de este tipo”, dijo otro diseñador, Paul Rand , sobre la materia. Su vida creativa se dedicó a reducir la brecha entre los llamados finos y artes aplicadas . La materia murió el 8 de mayo de 1984, en Southampton, Nueva York.

De 1946 a 1966 fue consultor de la materia de diseño con Knoll Associates . Trabajó en estrecha colaboración con Charles y Ray Eames . De 1952 a 1976 fue profesor de fotografía en la Universidad de Yale y de 1958 a 1968 se desempeñó como consultor de diseño para el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York y el Museo de Bellas Artes de Houston . Lo eligieron al salón de la fama del club del director de arte de Nueva York en 1977, recibió una beca Guggenheim en la fotografía en 1980 y el AIGA medalla en 1983.Como fotógrafo, la materia fue aclamado por su enfoque puramente visual. Un maestro técnico, que utiliza todos los métodos disponibles para lograr su visión de la luz, forma y textura. La manipulación del negativo , retoque , recortar , ampliar y dibujo de la luz son algunas de las técnicas que utilizó para lograr la forma fresca que buscaba en

Herbert Matter (April 25, 1907 - May 8, 1984) was a Swiss-born American photographer and graphic designer known for his pioneering use of photomontage in commercial art. Innovative and experimental the designer’s work helped shape the graphic design vocabulary of the 20th century. Born in Engelberg, Switzerland, Materia studied painting at the Ecole des Beaux-Arts in Geneva and at the Académie Moderne in Paris with Fernand Léger and Amédée Ozenfant . He worked with Adolphe Mouron Cassandre, Le Corbusier, and Debeny and Peignot. In 1932, he returned to Zurich, where he designed posters for the Swiss National Tourist Office and Swiss tourist centers. The travel posters gained immediate international recognition for their pioneering use of photomontage combined with typeface. He went to the United States in 1936 and was hired by legendary art director Alexey Brodovitch. They work for Harper’s Bazaar, Vogue and other magazines followed. In the 1940s, photographers, including Irving Penn, in fashion studios at 480 Lexington Avenue, often used for filming advertising for work commissioned by outside clients. The practice was originally, but tolerated in 1950, it was banned on the grounds that “it has interfered with our own interests and has been a serious obstacle to our editorial operations.” In response Materia and three other photographers Condé Nast Serge Balkin, Constantin Joffé, and Geoffrey Baker let Study Enterprises Inc. establish at the former House and Garden studio on 37th Street (Penn stayed, but also left in 1952).

1976 he was a professor of photography at Yale University and from 1958 to 1968 he served as a design consultant for the Solomon R. Guggenheim Museum in New York and the Museum of Fine Arts in Houston. He was elected to the New York Art Director’s Club Hall of Fame in 1977, received a Guggenheim Fellowship in Photography in 1980, and the AIGA Medal in 1983. As a photographer, the subject was acclaimed for his purely visual approach. A technical master, who uses all available methods to achieve his vision of light, shape and texture. Negative manipulation, retouching, cropping, enlarging and light drawing are some of the techniques he used to achieve the fresh form he was looking for in his still lifes, landscapes, nudes and portraits. As a filmmaker, he directed two films about his friend Alexander Calder: “Sculptures and Constructions” in 1944 and “Calder’s Works” (with music by John Cage) for the Museum of Modern Art in 1950. Close friends of the subject and his wife Mercedes were painters Jackson Pollock, Willem de Kooning, fellow Swiss photographer Robert Frank and Alberto Giacometti. The wife of Mercedes concerned was the daughter of the American modernist painter Arthur Beecher Carles, and was herself the main founder of the New York Studio School. “The lack of pomposity was characteristic of this type,” said another designer, Paul Rand, on the matter. His creative life was devoted to reducing the gap between so-called finesse and applied arts. The matter died on May 8, 1984, in Southampton, New York.

From 1946 to 1966 he was a design consultant with Knoll Associates. He worked closely with Charles and Ray Eames. From 1952 to

ació en Buenos Aires el 6 de agosto del 73, es diseñador gráfico egresado de la Universidad de Buenos Aires, allí fue docente y Jefe de Trabajos prácticos de Diseño. Comenzó como ilustrador en el diario Clarín en 1998 donde además trabajó como diseñador, realizando tapas de suplementos para más de 300 ediciones. Sus ilustraciones se publican además en Los diarios La Voz de Galicia y El Diario de León (España), La Nación de Costa Rica, The Wall Street Journal, The New York Times y The Times (Inglaterra). Regularmente realiza trabajos ad honorem para Abuelas de Plaza de mayo y otras instituciones. Escribe los textos de sus libros. Actualmente trabaja desde Bariloche para Argentina, Alemania, EEUU, Inglaterra, Australia, España, Brasil y Japón. El tema de la identidad es central en todos sus trabajos, un eje dedicado tanto a mostrar lo argentino como lo barilochense: por ejemplo, hace unos años, ilustró un almanaque editado por la municipalidad de Bariloche, pleno de imágenes de casas antiguas. “Intentamos un rescate del patrimonio histórico, que está amenazado por la especulación y los negocios con el valor de la propiedades. Fue una manera artística de registrar un proceso”. Pablo Bernasconi crea un universo no lineal, con su imagen partitura, compone un mensaje incompleto, retazos de un discurso cargado de guiños e implicaturas que el lector, su cómplice, completa y reorganiza, introduciendo en la imagen lo que no está, lo que prolijamente el ilustrador ha ocultado. Con cuidado, se despega de la calificación de artista. No por rechazo a los artistas ni falsa modestia, sino porque distingue una diferencia que lo guía en su trabajo: “No me considero artista, para los artistas la expresión supera a la comunicación, pasa a segundo plano la manera en que el público entienda la obra. Incluso cuando el público no entiende o entiende algo distinto a lo sentido por el artista, quizá no hay problema. Yo en cambio me intereso en comunicar lo más claro posible un mensaje determinado, a punto tal de dejar de lado variantes expresivas si veo que no colaboran con lo que quiero decir. Lo primero que me interesa es que la gente entienda lo que escribí o dibujé.” Presionado a definirse entonces por una palabra que no sea artista,

Pablo simplifica: “soy autor”. Plenamente consciente del mundo fragmentado y fragmentador en el que vive, mundo vorágine, vertiginoso incluso en Bariloche, por lo globalizado, mundo alienador, Bernasconi convive y recrea.

e was born in Buenos Aires on August 6th 1973, is a graphic designer graduated from the University of Buenos Aires, where he was a teacher and Head of practical Design Works. He started as an illustrator in the Clarín newspaper in 1998 where he also worked as a designer, making covers of supplements for more than 300 editions. His illustrations are also published in the newspapers La Voz de Galicia and El Diario de León (Spain), La Nación de Costa Rica, The Wall Street Journal, The New York Times and The Times (England). He regularly performs ad honorem work for Abuelas de Plaza de mayo and other institutions. Write the texts of his books. He currently works from Bariloche for Argentina, Germany, the USA, England, Australia, Spain, Brazil and Japan. The theme of identity is central in all his works, an axis dedicated to both showing the Argentine and the Bariloche: for example, a few years ago, he illustrated an almanac edited by the municipality of Bariloche, full of images of old houses. “We are trying to rescue the historical heritage, which is threatened by speculation and business with the value of the properties. It was an artistic way to record a process.” Pablo Bernasconi creates a non-linear universe, with his score image, composes an incomplete message, pieces of a discourse loaded with winks and implicatures that the reader, his accomplice, completes and reorganizes, introducing into the image what is not, what is neatly the illustrator has hidden. Carefully peel off the artist rating. Not because of rejection of artists or false modesty, but because he distinguishes a difference that guides him in his work: “I do not consider myself an artist, for artists, expression surpasses communication, the way in which the public understands the work. Even when the public does not understand or understands something other than what is felt by the artist, perhaps there is no problem. On the other hand, I am interested in communicating as clearly as possible a certain message, to the point of leaving aside expressive variants if I see that they do not collaborate with what I want to say. The first thing that interests me is that people understand what I wrote or drew. ” Pressed to define himself then by a word that is not an artist, Pablo simplifies: “I am an author.” Fully aware of the fragmented and fragmentary world in which he lives, a whirlwind world, dizzying even in Bariloche, due to the globalized, alienating world, Bernasconi coexists and recreates.

Peter Saville es un diseñador gráfico inglés nacido en Mánchesterconocido por sus trabajos para las cubiertas de los álbumes de la discográfica Factory Records, de la cual fue uno de sus fundadores junto a Tony Wilson, Rob Gretton, Martin Hannett y Alan Erasmus. Saville fue el director artístico de esta discográfica ya desaparecida. Peter nació en Mánchester y asistió al St Ambrose College. Estudió diseño gráfico en la Escuela Politécnica de Mánchester de 1975 a 1978. Comenzó su carrera como director artístico de Factory Records y empezó con muy mal pie. Fue contactado por el periodista y locutor Tony Wilson, que iba a inaugurar una nueva sala de conciertos en la ciudad que se iba a llamar The Factory y que, además, funcionaría como sello discográfico. Influido por Jan Tschichold y La Nueva Tipografía, la abstracción y la escuela de Bauhaus, Peter realizó el primer diseño para ellos, un cartel de inspiración industrial para un concierto de Joy Division y The Durutti Column y lo entregó fuera de plazo, más concretamente al terminar el concierto. Aunque, como club, The Factory duró apenas dos años, Peter Saville continuó como director artístico y socio de Factory Records junto a Wilson, Martin Hannett, Rob Gretton y Alan Erasmus, donde realizó sus trabajos más influyentes y definitorios. Hablamos por ejem-

plo, de la icónica portada de Unknown Pleasures (FAC 10, 1979) de Joy Disivion, basada en un viejo grabado de un libro de astronomía que representaba de manera gráfica los latidos electromagnéticos de un púlsar, Saville creó un diseño atemporal que ha sido repetido e imitado hasta la saciedad, de gran impacto y todavía hoy muy enigmático (omitía el nombre del grupo y título del álbum). Al contrario que ocurre con otros grandes diseñadores, el grueso de la obra más emblemática de Saville es su más temprana época, aunque eso no ha impedido que desarrollara una muy interesante carrera post-Factory donde ha colaborado con OMD, Sparks, Roxy Music, Ultravox, Brian Eno & David Byrne, Duran Duran, Pulp, Björk, Suede o Peter Gabriel y con firmas e instituciones como Dior, Estella McCartney, Burberry, EMI o City of Manchester. La importancia de Peter Saville radica en que fue un punto de inflexión en la hibridación de música con comunicación gráfica. Alejándose de referentes manidos y habituales (imágenes de músicos para portada) y de las aparatosas portadas de los grupos de rock

progresivo, Saville partió de elementos puramente gráficos o bien fotográficos con una marcada vocación icónica (que solían transmitir bastante desolación y soledad por lo general) para conseguir resultados únicos que fueron muy influyentes, sobre todo en el arte gráfico relacionado con la música electrónica emergente. Con una vocación formalista y constructivista, marcado minimalismo y grafismos sintéticos y geométricos (como el sonido que contenía mayoritariamente sus obras), Saville utilizó la frialdad de las formas y los colores básicos, planos y llamativos para ilustrar ese nuevo clima posindustrial de los setenta y ochenta y redefinir, así, la estética del mundo del pop y de una generación mucho más nihilista, cínica y descreída que la hippie. Una generación que buscaba en las pistas de baile y las drogas de diseño una válvula de escape en la asfixiante era Thatcher. Una influencia que no solo se ha visto reflejada en el diseño de portadas y estética de la música electrónica posterior, sino también en otros diseñadores y en el mundo de la moda.

Peter Saville is a Manchester-born English graphic designer known for his album cover works for the Factory Records label, of which he was one of its founders alongside Tony Wilson, Rob Gretton, Martin Hannett and Alan Erasmus. Saville was the artistic director of this now defunct label. Peter was born in Manchester and attended St Ambrose College. He studied graphic design at the Manchester Polytechnic School from 1975 to 1978. He started his career as artistic director of Factory Records and started off on the wrong foot. He was contacted by the journalist and announcer Tony Wilson, who was going to open a new concert hall in the city that was going to be called The Factory and that would also function as a record label. Influenced by Jan Tschichold and The New Typography, Abstraction and the Bauhaus school, Peter produced the first design for them, an industrial-inspired poster for a concert by Joy Division and The Durutti Column and delivered it out of time, more specifically to end the concert. Although The Factory lasted just two years as a club, Peter Saville continued as Artistic Director and Partner of Factory Records alongside Wilson, Martin Hannett, Rob Gretton and Alan Erasmus, where he did his most influential and defining work. For example, from Joy Disivionâ&#x20AC;&#x2122;s iconic cover of Unknown Pleasures (FAC 10, 1979), based on an old engraving from an astronomy book that graphically depicted the electromagnetic heartbeat of a pulsar, Saville created a timeless design that has been repeated and imitated to the end, of great impact and still very enigmatic today (omitted the name of the group and title of the album). Contrary to other great designers, the bulk of Savilleâ&#x20AC;&#x2122;s most emblematic work is his earliest period, although that has not stopped him from developing a very interesting post-Factory career where he has collaborated with OMD, Sparks, Roxy Music, Ultravox , Brian Eno & David Byrne, Duran Duran, Pulp, BjĂśrk, Suede or Peter Gabriel and with firms and institutions such as Dior, Estella McCartney, Burberry, EMI or City of Manchester. The importance of Peter Saville lies in the fact that it was a turning point in the hybridization of music with graphic communication. Moving away from hackneyed and habitual references (images of musicians for the cover) and the showy covers of progressive rock groups, Saville started from purely graphic or photographic elements with a marked iconic vocation (which used to convey quite desolation and loneliness in general ) to achieve unique results that were very influential, especially in graphic art related to emerging electronic music. With a formalist and constructivist vocation, marked minimalism and synthetic and geometric graphics (such as the sound that his works mostly contained), Saville used the coldness of the basic, flat and striking colors and shapes to illustrate this new post-industrial climate of the 1970s and 1970s. eighty and thus redefine the aesthetics of the pop world and of a much more nihilistic, cynical and unbelieving generation than the hippie. One generation searching the dance floors and designer drugs for an exhaust valve in the stifling was Thatcher. An influence that has not only been reflected in the cover design and aesthetics of later electronic music, but also in other designers and in the world of fashion.

rocity abría un tour por los Estados Unidos en el Museo de Arte Moderno de San Francisco. El mismo año de su muerte salió publicado el libro Tibor Kalman: Perverso Optimista que analiza su trabajo y el que hace con M&Co.

Tibor Kalman (1949-1999) fue uno de los diseñadores americanos más admirados de los últimos años. Conocido sobre todo por haber sido el editor jefe de la revista Colors, su influencia ha marcado a toda una generación de diseñadores y artistas. Tibor Kalman nació en Budapest en 1949 aunque en 1956 se trasladó a los Estados Unidos. Estudió periodismo en la NYU, pero pronto dejó las clases. En los 70, estuvo trabajando en una pequeña librería en Nueva York que finalmente se convirtió en la gigantesca Barnes & Noble. Con el tiempo llegó a ser supervisor interno de la misma. En 1979 fundó la agencia de diseño M&Co. junto con Carol Bokuniewicz y Liz Trovato. Su catálogo de clientes era de lo más variopinto: desde el grupo de música Talking Heads hasta el restaurante Florent del famoso Meatpacking District de Nueva York. También trabajó como director creativo de la revista Interview a principios de los 90. Como diseñador, Tibor Kalman siempre fue muy crítico con sus colegas por el divismo: «el diseño gráfico es un medio, no un fin. Un lenguaje, no un contenido», y por la falta de compromiso: «en el diseño corporativo no hay diferencias entre un contador, un abogado y un diseñador gráfico: todos trabajan para que la corporación se vea bien». En 1990 a Kalman lo convoca otro provocador, Oliviero Toscani, para que transforme en revista los códigos de las campañas de Benetton. Así surge la revista Colors, donde

vuelca todo su conocimiento durante 13 números monográficos en los que cambia el modo de hacer periodismo hablando de temas como el sida, la religión, los viajes, el paraíso o la calle. Colors es promocionada como «una revista sobre el resto del mundo», se centra en la pluriculturalidad y la concienciación global. Esta perspectiva es comunicada a través de un arriesgado diseño gráfico, tipografía y yuxtaposición de fotografía e imágenes retocadas, que incluyen una serie en la que personajes famosos como el Papa o la Reina Isabel son retratados como personajes de minorías raciales. En el año 93 cierra M&Co. para mudarse a Roma y poder trabajar exclusivamente en la revista, aunque en 1995 se aleja del proyecto por las divergencias con Oliviero Toscani.

Hoy en día M&Co. sigue siendo una agencia influyente y no es más que el resultado de la labor de Tibor y de la gran cantidad de diseñadores que han trabajado y que han llevado lo aprendido a sus propios estudios como Stefan Sagmeister, Stephen Doyle, Alexander Isley, Scott Stowell y Emily Oberman.

La revista sigue manteniendo su esencia. Su despedida de Colors no tiene palabras, para Tibor Kalman las palabras no llegan, hay que ver sus trabajos para entenderlo. Lejos de irse en silencio, las 359 imágenes de ese número son el mejor ejemplo de cómo se puede hablar sin usar letras. Y de cómo, muchas veces, las palabras no dicen nada. En 1997 Tibor Kalman regresó a Nueva York donde reabrió la agencia M&Co. y continuó su trabajo hasta su muerte en Puerto Rico, el 2 de mayo de 1999 por un linfoma no Hodgkin. Poco antes, una retrospectiva de su trabajo llamada Tibo-

Tibor Kalman (19491999) was one of the most admired American designers in recent years. Known above all for being the editor-in-chief of Colors magazine, his influence has marked an entire generation of designers and artists. Tibor Kalman was born in Budapest in 1949 although in 1956 he moved to the United States. He studied journalism at NYU, but soon dropped out of classes. In the 1970s, he was working in a small bookstore in New York that eventually became the gigantic Barnes & Noble. Over time he became the internal supervisor of the same. In 1979 he founded the design agency M & Co. along with Carol Bokuniewicz and Liz Trovato. His client catalog was most varied: from the music group Talking Heads to the Florent restaurant in the famous Meatpacking District in New York. He also worked as creative director for Interview magazine in the early 1990s. As a designer, Tibor Kalman was always very critical of his co-

lleagues for divism: “Graphic design is a means, not an end. A language, not a content ”, and due to the lack of commitment:“ in corporate design there are no differences between an accountant, a lawyer and a graphic designer: they all work to make the corporation look good ”. In 1990 Kalman was summoned by another provocateur, Oliviero Toscani, to transform Benetton’s campaign codes into a magazine. This is how the Colors magazine arises, where it spills all its knowledge during 13 monographic issues in which the way of doing journalism changes talking about topics such as AIDS, religion, travel, paradise or the street. Colors is promoted as “a magazine about the rest of the world”, it focuses on multiculturalism and global awareness. This perspective is communicated through risky graphic design, typography and juxtaposition of photography and retouched images, which include a series in which famous people such as the Pope or Queen Elizabeth are portrayed as characters from racial minorities. In 93 M & Co closes. to move to Rome and be able to work exclusively in the magazine, although in 1995 he left the project due to disagreements with Oliviero Toscani. The magazine continues to maintain its essence. His farewell to Colors has no words, for Tibor Kalman words do not come, you have to see his work to understand it. Far from leaving in silence, the 359 images in that number are the best example of how you can speak without using letters. And how, many times, the words say nothing. In 1997 Tibor Kalman returned to New York where the M & Co agency reopened. and continued his work until his death in Puerto Rico, on May 2, 1999, from non-Hodgkin lymphoma. Shortly before, a retrospective of his work called Tiborocity opened a tour of the United States at the San Francisco Museum of Modern Art. The same year of his death, the book Tibor Kalman: Perverse Optimist was published, which analyzes his work and the one he does with M & Co.Today M & Co. It remains an influential agency and is merely the result of the work of Tibor and the large number of designers who have worked and brought what they have learned to their own studios such as Stefan Sagmeister, Stephen Doyle, Alexander Isley, Scott Stowell and Emily Oberman.

April April Greiman Greiman April Greiman nació el 22 de Marzo de 1948 en New York City en una típica familia americana y humilde. Su padre fue unos de los primeros programadores de ordenadores de la época. Empezó a estudiar diseño gráfico durante su época universitaria en la Kansas City Art Institute durante 1966 y 1970. En un arranque clásico de la época, decidió explorar mundo y marchó a Europa donde entró a estudiar en la Escuela de Diseño de Basilea, Suiza (Basel School of Design) hasta 1971. Allí fue alumna de Armin Hofmann y Wolfgang Weingart donde se vio influenciada por el International Style y la introducción al estilo conocido más tarde como New Wave. En 1976 se mudó a Los Ángeles, cuna del diseño gráfico de la época donde las visiones eran más atrevidas. Su carácter vitalista y apasionada casaba perfectamente con el estilo en Los Ángeles, con una Deborah Sussman que ya empezaba a mostrar sus coloridos trabajos al mundo. En una época donde los ordenadores empezaban a demostrar todo el futuro potencial para procesar imágenes y vectores, Greiman abrazó la tecnología sin miedo gracias a las enseñanzas de su padre en este campo. A pesar

que la mayoría de diseñadores rechazaban el hecho que los ordenadores pondrían en peligro el Estilo Tipográfico Internacional, Greiman se decantópor abrazar la tecnología para crear nuevas composiciones rompedoras para la época. En Los Ángeles, Greiman estableció el enfoque multidisciplinar que ha marcado su historia como artista, practicando con múltiples elementos para dar forma a su obra. Explotó los errores del proceso de digitalización e imprenta y los integró a sus trabajos. Colaboró con el California Institute of the Art (Cal Arts), donde se convirtió en jefa del departamento de diseño y conoció al fotógrafo Jayme Odgers, que se convirtió en una influencia significativa para Greiman. Junto a Jayme diseñaron un famoso póster de Cal Arts que se convertiría en un icono de la New Wave de California. En 1984 cambió el nombre del departamento a Visual Communications, ya que consideraba que el término “Diseño Gráfico” limitaba y condicionaba el trabajo de los futuros diseñadores. En 1984, Apple empezaba a introducir el Macintosh como herramienta de diseño. Los profesionales eran cada vez más reticentes a utilizarlo en sus trabajos.

trabajo “Inventing Flight” trabajó con un equipo de expertos en un enfoque activo del diseño para poder representar cada detalle de la historia aérea. El resultado fue una exposición interactiva que mezclaba gráficos en movimiento, diseños realizados en distintos materiales y otros elementos gráficos. También enseña en la School of Architecture y Southern California Institute of Architecture (SCI-Arc) tratando de inspirar a otros diseñadores a ser curiosos para buscar un enfoque propio que rompa los esquemas preestablecidos.

Greiman no dudó en adquirir un modelo para dominar la herramienta. Con él contribuyó al Diseño de los Juegos Olímpicos de Los Ángeles 84, proyecto dirigido por Deborah Sussman. La fuente Sans-Serif seguía predominando, pero la ruptura de la retícula significaba que la tipografía podía establecerse en cualquier lado. La New Wave otorgó una libertad artística que encarnaba la naturaleza anti-corporativa de la época en Los Ángeles. Greiman sigue estando activa actualmente y desarrolla diferentes proyectos en colaboración con arquitectos. Por ejemplo, para su

April Greiman was born on March 22, 1948 in New York City in a typical humble American family. His father was one of the first computer programmers of the time. He started studying graphic design during his university days at the Kansas City Art Institute during 1966 and 1970. In a classic start of the time, he decided to explore the world and went to Europe where he entered to study at the Basel School of Design, Switzerland (Basel School of Design) until 1971. There she was a student of Armin Hofmann and Wolfgang Weingart where she was influenced by the International Style and the introduction to the style later known as New Wave. In 1976 he moved to Los Angeles, the cradle of graphic design at the time when visions were more daring. Her passionate and vital character matched the style perfectly in Los Angeles, with a Deborah Sussman already beginning to show her colorful works to the world. At a time when computers were beginning to demonstrate the full potential for image and vector processing, Greiman embraced technology fearlessly thanks to his father’s teachings in this field. Despite the fact that most designers rejected the fact that computers would compromise the International Typographic Style, Greiman opted for embracing technology to create groundbreaking new compositions for the time.

California Institute of the Art (Cal Arts), where she became head of the design department and met photographer Jayme Odgers, who became a significant influence on Greiman. Together with Jayme, they designeda famous Cal Arts poster that would become an icon of California’s NewWave. In 1984 it changed the name of the department to Visual Communications, since it considered that the term “Graphic Design” limited and conditioned the work of future designers. In 1984, Apple began introducing the Macintosh as a design tool. Professionals were increasingly reluctant to use it in their jobs. Greiman did not hesitate to acquire a model to master the tool. With him, he contributed to the Design of the Los Angeles 84 Olympic Games, a project directed by Deborah Sussman. The Sans-Serif font was still predominant, but the break in the reticle meant that the font could be set anywhere. The New Wave granted artistic freedomthat embodied the anti-corporate nature of the time in Los Angeles.

Greiman is still active today and develops different projects in collaboration with architects. For example, for his work “Inventing Flight” he worked with a teamof experts on an active approach to design to be able to represent every detail of aerial history. The result was an interactive exhibition that mixed moving graphics, designs made of different materials In Los Angeles, Greiman established the multidisciplinary approach that and other graphic elements. He also teaches at the School of Architecture has marked her history as an artist, practicing with multiple elements to and Southern California Institute of Architecture (SCI-Arc) trying to inspishape her work. He exploited the errors of the digitization and printing re other designers to be curious to find their own approach that breaks process and integrated them into his work. She collaborated with the pre-established schemes.

david consuegra David Consuegra (Bucaramanga, 1939 – Ciudad México, 30 de octubre de 2004) fue un diseñador gráfico, editor e ilustrador Colombiano. Nació en la capital de Santander, Bucaramanga, en 1939; Consuegra es reconocido nacional e internacionalmente por la creación de decenas de marcas, símbolos y logotipos, como los de Inravisión, Artesanías de Colombia, Auros Copias, Croydon, Icollantas, Iserra, Museo de Arte Moderno de Bogotá, Partido Liberal, Universidad Industrial de Santander, entre otras. También se dedicó a la investigación, de la que dan cuenta numerosas publicaciones. Consuegra fue miembro del International Trademark Center de Bélgica y profesor visitante en la Virginia Commonwealth University y en la Universidad de Barcelona. David Consuegra. Museo de Arte Moderno, Bogotá En 1965, se casa con Rosmarie Schlenker, con quien tuvo tres hijos llamados Roberto, Andrés y Julian. Esta unión tuvo fin en 1968. Su segundo matrimonio, con Zoraida Cadavid, tuvo lugar en 1974. Tuvo otros dos hijos, Juan Diego (1975) y Nicolás (1976). Falleció en el año 2004 en Ciudad de México. A los 16 años viaja a Estados Unidos para realizar estudios superiores en Bellas Artes (BFA), en Boston University, Massachusetts, donde recibió el grado Cum Laude en 1961. Cursó su maestría en la misma área en la Universidad de Yale, en Connecticut, donde no solo se graduó con la máxima nota en 1963 sino, que gracias a sus cualidades y versatilidad le permitieron vincularse al campo de diseño de esta misma universidad como catedrático. También fue alumno del prestigioso diseñador Paul Rand y trabajo en su estudio en Nueva York. Cuando regresa a Colombia, ingresa como profesor a las Universidades de Los Andes, Nacional y Fundación

Jorge Tadeo Lozano. Es invitado por la Universidad Nacional de Colombia al proyecto de crear la primera carrera de diseño gráfico, el cual no se logra dar en esta institución, sino en 1967 en la Universidad Jorge Tadeo Lozano, por su propia iniciativa. Sin embargo, en 1966, 1977 y 1982 participa en las reestructuraciones de la carrera de Diseño Publicitario de la Universidad Nacional, la cual se transforma luego en la actual carrera de Diseño Gráfico. Funda además, las revistas Nova en 1964 y Acteón en 1968 y a partir de 1964 y por cuatro años más, estuvo vinculado como diseñador gráfico al Museo de Arte Moderno de Bogotá. Dedicó gran parte de su tiempo a la enseñanza, trabajando como profesor en las universidades Jorge Tadeo Lozano, Los Andes y Nacional de Colombia, en donde en 1991 fue distinguido como profesor emérito. También fue profesor invitado en la Universidad de Barcelona en 1998 y Virginia Commonwealth University en 1984. Como docente, publicó textos de apoyo que en su momento no se conseguían en el mercado colombiano, así fue como hizo la traducción y edición de “El libro de los signos” de Rudolf Koch, y también publicó libros como “ABCdel diseño de marcas”, “Origami, el arte del doblez”, “Ilustración” y “El diseño tipográfico”. En un principio se desempeña como diseñador gráfico en el Museo de Arte Moderno de Bogotá en 1963 hasta 1968. En 1975 empieza a trabajar como consultor de diseño gráfico en el IBM de Colombia, puesto que conserva hasta 1984. Ala par, tiene el mismo puesto en Croydon S.A. a partir de 1980. En 1987, continúa como consultor de diseño gráfico en Icollantas S.A. y Uniroyal. Su trabajo más duradero es en la Universidad Nacional de Colombia desde 1976 hasta 1997. En 1994, se convierte en miembro oficial del Trademark Center de Bélgica. Finalmente, en 1996, empieza a formar parte del Ipswich Observer, Massachusetts (USA).

David Consuegra (Bucaramanga, 1939 - Mexico City, October 30, 2004) was a Colombian graphic designer, editor, and illustrator. He was born in the capital of Santander, Bucaramanga, in 1939; Consuegra is recognized nationally and internationally for the creation of dozens of brands, symbols and logos, such as those of Inravisión, Artesanías de Colombia, Auros Copias, Croydon, Icollantas, Iserra, Museum of Modern Art of Bogotá, Partido Liberal, Universidad Industrial de Santander , among other. He also devoted himself to research, reported by numerous publications. Consuegra was a member of the International Trademark Center of Belgiumand a visiting professor at Virginia Commonwealth University and the University of Barcelona. David Consuegra. Museumof Modern Art, Bogotá In 1965, he married Rosmarie Schlenker, with whomhe had three children named Roberto, Andrés and Julian. This union ended in 1968. His second marriage, with Zoraida Cadavid, took place in 1974. He had two other children, Juan Diego (1975) and Nicolás (1976). He passed away in 2004 in Mexico City. At the age of 16 he traveled to the United States to pursue higher studies in Fine Arts (BFA), at Boston University, Massachusetts, where he received the Cum Laude degree in 1961. He completed his master’s degree in the same area at Yale University, in Connecticut, where he not only graduated with the highest grade in 1963but, thanks to his qualities and versatility, allowed him to join the design field of this same university as a professor. He was also a student of the prestigious designer Paul Rand and worked in his studio in New York.

sity of Colombia to the project of creating the first career in graphic design, which cannot be given at this institution, but in 1967 at the Jorge Tadeo Lozano University, on his own initiative. However, in 1966, 1977 and 1982, he participated in the restructuring of the Advertising Design career at the National University, which later became the current Graphic Design career. In addition, he founded the magazines Nova in 1964 and Acteón in 1968 and from 1964 and for four more years, he was linked as a graphic designer to the Museumof Modern Art in Bogotá. He dedicated a large part of his time to teaching, working as a professor at Jorge Tadeo Lozano, Los Andes and Nacional de Colombia universities, where in 1991 he was distinguished as professor emeritus. He was also a visiting professor at the University of Barcelona in 1998 and Virginia Commonwealth University in 1984. As a teacher, he published supporting texts that at the time were not available in the Colombian market, that is how he did the translation and edition of “El libro de the signs ”by Rudolf Koch, and also published books such as“ ABCof brand design ”,“ Origami, the art of folding ”,“ Illustration ”and“ Typographic design ”. Initially, he worked as a graphic designer at the Museum of Modern Art in Bogotá from1963 to 1968. In 1975 he began working as a graphic design consultant at IBMin Colombia, since he kept until 1984. At the same time, he had the same put at Croydon SAfrom 1980. In 1987, he continues as a graphic design consultant at Icollantas S.A. and Uniroyal. His most lasting job is at the National University of Colombia from1976 to 1997. In 1994, he becomes an official member of the Trademark Center of Belgium. Finally, in 1996, it became part of the Ipswich Observer, Massachusetts (USA).

When he returns to Colombia, he enters the Universities of Los Andes, Nacional and Jorge Tadeo Lozano Foundation as a professor. He is invited by the National Univer-

Jacqueline Casey Jacqueline S. Casey (20 de abril de 1927 - 18 de mayo de 1992) fue una diseñadora gráfica mejor conocida por los carteles que creó para el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT). Mientras practicaba un modernismo funcional, Jacqueline S. Casey fue diseñadora gráfica en la Oficina de Publicaciones (más tarde retitulada la Oficina de Servicios de Diseño) de 1955 a 1989 y le asignó el puesto de directora en 1972. Al discutir su diseño, Casey declaró: “ Mi trabajo combina dos culturas: el interés estadounidense en la metáfora visual, por un lado, y la fascinación suiza por laplanificación, laexigenciay el control sobrelaejecucióntécnica, por el otro“. Casey nació en 1927 en Quincy, Massachusetts. Estudió una licenciatura en bellas artes en diseño de moda e ilustración en el Massachusetts College of Art (MassArt), graduándose en 1949. Después de graduarse, tuvo varios trabajos, incluido el trabajo en diseño de interiores y publicidad, sin embargo, nunca obtuvo un trabajo en el que estaba completamente interesada; Ella dijo: “Rompí el ciclo negativo al viajar por Europa durante tres

meses” y regresó “con la decisión de centrar mi vida en algo relacionado con las artes ... para desarrollar mi sensibilidad visual”. En 1955, Casey diseñó materiales para las sesiones de verano después de adquirir un trabajo en la Oficina de Publicaciones del MIT. Esto fue recomendado por su amiga, Muriel R. Cooper, quien también asistió a MassArt. Casey declaró: “En mis primeros días en el MIT, un diseñador que trabajaba en materiales de verano entrevistaría al profesorado y realizaría un mini curso sobre un tema como los isótopos de radio del profesor a cargo. Hubo una oportunidad de aprender algo nuevo todos los días “. La calidad profesional y las adiciones creativas al diseño son lo que hizo que el grupo de diseño del campus del Instituto de Tecnología de Massachusetts sea ampliamente respetado en el campo. MITes reconocido como la primera universidad estadounidense en emplear a diseñadores gráficos como parte de la facultad, y Jacqueline Casey fue una de las pocas que fueron contratadas. El prototipo para la prensa universitaria en el MITfue implementado por los diseñadores gráficos, conocidos por su estilo meticuloso y directo de su tipografía. Los proyectos, programas, eventos culturales y científicos del campus se anunciaron a la sociedad a través de los trabajos del diseñador del grupo. En 1955, fue reclutada por Muriel Cooper, alumna de MassArt, para trabajar en la Oficina de Publicaciones del MIT. En 1972, Casey se convirtió en Directora, asumiendo este cargo cuando su colega se unió a la facultad del MIT. Las dos mujeres se encontraban entre las pocas que trabajaban a este nivel profesional en el MITde la época.

Durante su mandato como directora, Casey se hizo conocida por diseñar carteles publicitarios distintivos para eventos del MIT, trabajando junto a Ralph Coburn y Dietmar Winkler. Los diseños de Casey fueron influenciados por el Estilo Tipográfico Internacional desarrollado recientemente en Suiza, particularmente por diseñadores como Karl Gerstner, Armin Hofmann y Josef Müller-Brockmann. Los carteles de Casey generalmente consistíanenuna imagenllamativa ouna tipografíaennegrita, acompañados dedetalles informativos entextomás pequeño. Amenudousabajuegos depalabras tipográficos y juegos depalabras visuales en sutrabajo. Hablandodesusdiseñosen1988, dijo: “Mitrabajoesdetener acualquieraquepuedaconunaimagendeslumbranteodesconcertante, yatraeral espectador aleer el mensajeenletrapequeñay, sobretodo, aasistir alaexposición”.

Además de utilizarse para la promoción de eventos en el campus y en publicaciones del MIT, el trabajo de Casey se exhibió en el MIT, la Chelsea School of Art de Londres y el London College of Printing. Casey se retiró de su papel como directora en 1989, pero continuó trabajando como investigadora visitante en el Laboratorio de Medios del MIT. El trabajo de Casey se encuentra en las colecciones permanentes de la Biblioteca del Congreso, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Museo Cooper-Hewitt. El Museo del MIT montó una exposición de la obra gráfica de Casey en 1992, y nuevamente en 2012. Además de las existencias del MIT, el Instituto de Tecnología de Rochester tiene una colección de 99 carteles, donados póstumamente a pedido del diseñador.

work at the Office of Publications at MIT. In 1972, Casey became Director, taking over this position as her colleague joined the MIT faculty. The two women were among the few working at this professional level at MIT of the time. During her tenure as Director, Casey became known for designing distinctive publicity posters for MITevents, working alongside Ralph Coburn and Dietmar Winkler. Casey’s designs were influenced by the International Typographic Style recently developed in Switzerland, particularly designers such as Karl Gerstner, Armin Hofmann and Josef Müller-Brockmann. Casey’s posters generally consisted of a striking image or bold typography, accompanied by informational details in smaller text. She often used typographic wordplay and visual puns in her work. Speaking of her designs in 1988, she said: “My job is to stop anyone I can with an arresting or puzzling image, and entice the viewer to read the message in small type

Jacqueline S. Casey (20 April 1927 – 18 May 1992) was a graphic designer best known for the posters she created for the Massachusetts Institute of Technology (MIT). While practicing a functional Modernism, Jacqueline S. Casey was a graphic designer in the Office of Publications (later retitled the Office of Design Services) from 1955 to 1989 and assigned the position as director in 1972. In discussing her design, Casey stated, “My work combines two cultures: The American interest in visual metaphor on the one hand, and the Swiss fascination with planning, fastidiousness, and control over technical execution on the other.” Casey was born in 1927 in Quincy, Massachusetts. She studied for a Bachelor of Fine Arts degree in fashion design and illustration at the Massachusetts College of Art (MassArt), graduating in 1949. After graduating, she had a number of jobs, including work in interior design and advertising, however she never obtained a job she was completely interested in; she stated, “I broke the negative cycle by traveling through Europe for three months” and came back “with the decision to focus my life on something related to the arts... to develop my visual sensitivity.” In 1955,

and above all to attend the exhibition.” As well as being used for promotion of on-campus events and in MIT publications, Casey’s work was exhibited at MIT, the Chelsea School of Art in London, and the London College of Printing. Casey retired fromher role as director in 1989, but continued to work as a visiting scholar at the MITMedia Laboratory. Legacy Casey’s work is held in the permanent collections of the Library of Congress, the Museum of Modern Art in New York, and the Cooper-Hewitt Museum. The MIT Museummounted an exhibition of Casey’s graphic work in 1992, and again in 2012. In addition to the MITholdings, the Rochester Institute of Technology has a collection of 99 posters, donated posthumously at the designer’s request.

Casey designed summer session materials after acquiring a job at MIT’s Office of Publications. This was recommended to her by her friend, Muriel R. Cooper, who also attended MassArt. Casey stated, “In my early days at MIT, a designer working on summer materials would interviewfaculty and have a mini-course in a subject such as radio isotopes fromthe professor in charge. There was an opportunity to learn something new every day.” MIT The professional quality and creative additions to design are what made the Massachusetts Institute of Technology’s campus design group widely respected in the field. MITis acknowledged as the first American college to employ graphic designers as part of the faculty, and Jacqueline Casey was one of the fewwho were hired. The prototype for the university press at MIT was implemented by the graphic designers, known for their meticulous and straightforward style of their typography. Campus projects, programs, cultural and scientific events were advertised to society through the group designer’s works. In 1955, she was recruited by fellow MassArt alumna Muriel Cooper to

“Iconógrafa informática pionera e influyente”, así define el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York a Susan Kare (1954), la diseñadora gráfica que creó los iconos y las tipografías del primer Macintosh de Apple. Nació en Ithaca (Nueva York) y estudió Bellas Artes en la Universidad de Nueva York, donde se licenció en 1978. Un día de 1983 recibió una llamada de Andy Hertzfeld, un amigo suyo que era diseñador de software de Macintosh, en la que le preguntó si estaría interesada en aceptar un proyecto que consistía en crear gráficos y tipografías para el nuevo ordenador que Apple planeaba lanzar en 1984. Susan Kare aceptó, a pesar de que nunca había diseñado tipografías ni fuentes. Kare revolucionó el arte de los píxeles y la comunicación usuario-ordenador. Aplicó todos sus conocimientos para cumplir su reto: transformar pequeñas cuadrículas de píxeles blancos y negros en un símbolo que ayudó al usuario a interactuar de manera sencilla con su Mac. Una de sus primeras misiones fue crear las tipografías no monoespaciadas para ordenador. El primer tipo de letra que diseñó fue Chicago y más tarde creó New York, San Francisco, Mónaco o Génova. “Cuando los símbolos (iconos o logotipos) son significativos y están bien diseñados, no necesitan ser rediseñados con frecuencia”, señalaba Kare. El reloj, la bomba, el icono sonriente de Mac que daba la bienvenida en el inicio de sesión o el símbolo de la tecla Command, son algunos de sus diseños más recordados de su paso

por Apple. En 1985, Steve Jobs fue despedido de Apple y estableció su propia compañía informática, NeXT Inc., Susan Kare le acompañó con el cargo de Directora Creativa. Tres años después, la diseñadora aceptó desarrollar un trabajo para la competencia: Microsoft. El reto en esta compañía fue el color: “Me gustaron los retos y oportunidades que surgieron de tener 16 colores”, subrayó la Kare. Diseñó la carcasa exterior del sistema operativo Windows 3.0 de Microsoft y las cartas del famoso juego Solitario. Claridad, simplicidad y utilidad son los objetivos principales de Susan Kare en sus proyectos. A día de hoy, trabaja en su propio estudio de diseño, Susan Kare LLP, establecido en San Francisco. Después de Apple, Kare trabajó también para clientes como PayPal, IBM, Facebook y, actualmente, para Pinterest. Su trabajo está presente en el día a día de millones de personas. Aprendiz de su madre: “Todo el proceso me recordó a trabajar con agujas, patrones de tejer o mosaicos. Tengo la suerte de haber tenido una madre que disfrutaba de las manualidades”, dijo Susan Kare cuando dibujó en su bloc de notas con cuadrículas y creó su primera tipografía.

“Pioneering and influential computer iconographer,” as defined by the Museum of Modern Art (MoMA) in New York, to Susan Kare (1954), the graphic designer who created the icons and fonts for the first Apple Macintosh. She was born in Ithaca, New York, and studied Fine Arts at New York University, where he graduated in 1978. One day in 1983, he received a call from Andy Hertzfeld, a friend of his who was a Macintosh software designer, asking him She asked if she would be interested in accepting a project that consisted of creating graphics and fonts for the new computer that Apple planned to launch in 1984. Susan Kare accepted, even though she had never designed fonts or fonts. Susan Kare revolutionized the art of pixels and user-computer communication. He applied all his knowledge to meet his challenge: transform small black and white pixel grids into a symbol that helped the user to easily interact with his Mac. One of his first missions was to create non-monospaced computer fonts. The first typeface he designed was Chicago and later he created New York, San Francisco, Monaco or Genoa. “When symbols (icons or logos) are meaningful and well designed, they don’t need to be redesigned often,” Kare noted. The clock, the bomb, the smiling icon of Mac that welcomed in the login or the symbol of the Command key, are some of his most remembered designs from his time at Apple. In 1985 Steve Jobs was fired from Apple and established his own computer company, NeXT Inc., Susan Kare accompanied him with the position of Creative Director. Three years later, the designer agreed to develop a job for the competition: Microsoft. The challenge in this company was color: “I liked the challenges and opportunities that arose from having 16 colors,” stressed Kare.

He designed the outer shell of Microsoft’s Windows 3.0 operating system and the letters of the famous Solitaire gam

Clarity, simplicity and utility are Susan Kare’s main goals in her projects. Today, he works in his own design studio, Kare LLP, based in San Francisco. After Apple, Kare also worked for clients such as PayPal, IBM, Facebook, and cu Pinterest. His work is present in the daily lives of millions of people.His mother’s apprentice: “The whole process rem me of working with needles, knitting patterns or mosaics. I’m lucky to have had a mother who enjoyed crafts, “said Kare when she drew on her gridded notebook and created her first typeface.Awarded: In 2001, she received the pres Chrysler Design Award, an award given to people who have significantly influenced modern North American culture

YUGO NAKAMURA Yugo Nakamura nacido en 1970 en Nara, es un diseñador web japonés. Yugo estudió ingeniería, arquitectura y diseño de paisajes. Es uno de los autores de New Masters Of Flash (2003). Yugo ha expuesto y dado conferencias en Asia, Estados Unidos y Europa. Su obra de arte se ha exhibido en el Centro Pompidou de París, el Künstlerhaus de Viena en Viena y el Museo del Diseño en Londres. Sus trabajos comerciales han recibido muchos premios internacionales, incluidos Cannes Lions, One Show, Clio Award y NY ADC. Utiliza las matemáticas subyacentes a la complejidad natural para crear interacciones en línea que sean útiles y familiares porque su comportamiento se basa en el mundo natural. Nakamura es propietario de la compañía de desarrollo web Tha Ltd. FFFFOUND!, un sitio popular de marcadores de imágenes, fue lanzado por la compañía en 2007 y se cerró el 8 de mayo de 2017. Aparte de ser diseñador, también se desempeña como ingeniero y director creativo apasionado para la exploración de diversas formas de interacción en ambientes digitales interconectados. Es apodado como Yugop o el Genio del Flash. Estudió ingeniería, arquitectura y el paisaje del diseño, en Tokio, Japón. Después de graduarse, trabajó como ingeniero especializado en diseño de puentes. Sus trabajos comerciales han recibido numerosos premios internacionales, entre ellos Cannes Lions, One Show, Premio Clio, y NYADC. Hoy es uno de los principales diseñadores de Japón. Es considerado el gran genio del flash, además de uno de los diez mejores diseñadores del planeta. Sus animaciones son interactivas y es uno de los primeros diseñadores que usaron flash 4. En su trabajo se puede notar una clara influencia de sus estudios en Arquitectura.

Yugo Nakamura born in 1970 in Nara, is a Japanese web designer. Yugo studied engineering, architecture, and landscape design. He is one of the authors of New Masters Of Flash (2003). Yugo has exhibited and lectured in Asia, the United States, and Europe. His artwork has been exhibited at the Pompidou Center in Paris, the Vienna Künstlerhaus in Vienna and the Design Museumin London. His commercial works have received many international awards, including Cannes Lions, One Show, Clio Award, and NYADC. He uses the mathematics underlying natural complexity to create online interactions that are useful and familiar because his behavior is based on the natural world. Nakamura is the owner of web development company Tha Ltd. FFFFOUND!, a popular image bookmarking site, which was launched by the company in 2007 and closed on May 8, 2017. In addition to being a designer, he also serves as a passio-

nate engineer and creative director for exploring various forms of interaction in interconnected digital environments. He is nicknamed Yugop or the Flash Genie. He studied engineering, architecture and the design landscape in Tokyo, Japan. After graduating, he worked as a specialized bridge design engineer. His commercial works have received numerous international awards, including Cannes Lions, One Show, Clio Award, and NYADC. Today he is one of the leading designers in Japan. He is considered the great genius of flash, as well as one of the top ten designers on the planet. His animations are interactive and he is one of the first designers to use flash 4. In his work you can see a clear influence fromhis studies in Architecture.

Venus Nirvana Aparicio Franco y Valentina Mora Garcia