"etcétera"

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Mayo de 2016

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7 €

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www. etcetera . es



Editorial Etcétera es una publicación bimensual

¿Cual es nuestro campo informativo?

dedicada a todo aquel interesado en diseño e ilustración. Su target oscilaría en un sector de unos 20-50 años,desde gente joven que empieza a interesarse por el diseño hasta gente que vive profesionalmente de el. Nuestro público busca estar al día, conocer nuevas técnicas, modas, más acerca de nuevos o veteranos diseñadores e ilustradores, diseño que no paran de innovar. La filosofía de etcétera es conocer lo máximo posible de la forma más sencilla. Aumentar conocimientos en tu tiempo de relax, de una manera tranquila, acercando todo el contenido de manera clara, veráz e interesante.

Tendremos varias secciones fijas y otras “fijas-variables”. Siempre contaremos al principio con unas (6) páginas de noticias breves, noticias curiosas en el mundo del diseño o las artes en general que pueden interesar, inspirar o influenciar a cualquiera. Luego habrá una sección de entrevistas, con el fin de acercarnos a aquellos diseñadores o ilustradores de los cuales queremos conocer más acerca de su proceso de trabajo, metodología, inspiraciones... Contaremos también con una sección de “Diseño reciclado” vestido para la ocasión, donde conoceremos proyectos de diseñadores conocidos o gente que está empezando pero todos con un mismo propósito, aprovechar los recursos, reciclar, hacer un diseño sostenible... Para finalizar el número de la revista tendremos una sección tecnológica, porque hay que estar al día. Allí se conocerán nuevas aplicaciones que facilitan día a día nuestro trabajo o diferentes recuesos para agilizar el proceso.

¿Qué nos diferencia de las demás revistas? En las revistas de diseño hay estilos muy diferentes. Desde algunas con gran cantidad de blanco hasta otras donde hay demasiada carga visual. En nuestra revista queremos lo justo pero suficiente. Las imágenes precisas y la información justa siempre funciona mejor que la saturación. Para etcétera menos es más y en su diseño queda patente.

Vera Galindo, editora.

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NUEVOS COLORES PANTONE

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GRIS NARANJA AZUL

La portada La portada de este primer número es una presentación de la revista. Presenta el logotipo y colores corporativos de etcétera. El logotipo en su forma más simplificada para que los lectores vayan habituándose a su apariencia visual y la reconozcan a primera vista. Es un acercamiento a ésta y una muestra de la fuerza de la marca, que simplemente con elementos corporativos puede presentar una portada atractiva.

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Staff Vera Galindo

Ana Lorda

Juan Gracia

Teresa Guiu

Editora

Redactora

Redactor

Redactora

Redactor

vera@etc.es

analor@etc.es

juang@etc.es

teresag@etc.es

alexm@etc.es

Yilena Sanz

Mario Ferrer

Cintia Mingui

Luisa Sanz

Carlos Ruiz

Ilustradora

Maquetador

Escritora

Redactora

Fotógrafo

yilena@etc.es

mariof@etc.es

cintiam@etc.es

luisasa@etc.es

carlosru@etc.es

Víctor Pes

Blanca Sanz

Ángel Ruiz

Bernardo

Hector Sanz

Fotógrafo

Maquetadora

Escritor

Redactor

Ilustrador

vpes@etc.es

bsanz@etc.es

aruiz@etc.es

bernardo@etc.es

hsanz@etc.es

Ha colaborado en este número:

Juana, Ana, Cintia, Marta, Jorge, Carmen, Carlos, Estefania, Alberto, Alex, Mario, Daniel, Juan, Carlos, Idoia, Víctor, Ana María, Cristobal, Luis Miguel, Juan Alfredo y Jorge.

Edita: Print bike Imprime: Bike print Depósito legal: 4535435453

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Alex Mainar

C/San Miguel, N1, 50001, Zaragoza www.etcetera.es hola@etc.es 976 678 567


Noticias breves El editor..............................1 La portada...........................2 Staff.....................................3

Nishika N8000...................6 Diego Cusano....................7 Endesa................................7 Tipografías de artistas �������8 Graffica en papel................8 112 nuevos Pantone.........8 “Hola”..................................9 Alfabeto ilustrado.............10 Ginebra free font..............10 Walk0n.............................11 Printing Freedom.............12

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Entrevistas. Malota..............................16 Isidro Ferrer......................22 Juan Bautista Alcaraz.......32 Sagmeister.......................40


R R R

Diseño reciclado.

Apps & tecnología.

Picnic.................................50 Bookshelf..........................51 Urban Oasis......................52 Karton...............................54

Enlight..............................58 Design Tools.....................59 Papel.................................60 Adobe brush.....................61 Ceros.................................62 Fontself.............................63

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Noticia breve Nishika N8000 La cámara 3d retro de moda

Conversando sobre cámaras digitales, particularmente sobre la expectacular Canon Eos 5D y sus posibilidades, siempre aparece el tema de las antiguas cámaras. Analógicas, de carrete, las de toda la vida. Con sus defectos y virtudes.

de 1/60 y tres niveles de apertura para seleccionar f8, f11 y f19. Esto le daba la capacidad de tomar fotos con un efecto 3d muy logrado sin necesidad de usar gafas especiales para su visionado. Lo mejor es que utilizaba una película de 35 mm.

De alguna forma lo retro está de moda. Miles de usuarios hacen uso de tecnologías de otra época para generar imágenes interesantes y hermosas. Reciclar en este mundo digital está de moda. Por supuesto, en nuestra mente siempre aparecen las cámaras Lomo. Pero no, no vamos a hablar de ellas. Hoy hablaremos de la Nishika N8000.

El funcionamiento es simple, la camara toma cuatro fotos a la vez desde cuatro angulos ligeramente diferentes, mediante sus cuatro lentes perfectamente alineadas. Con estas imágenes y tras un ligero proceso con un editor gráfico como Photoshop o The Gimp es posible crear un interesante efecto 3d.

Se trata de una camara lanzada al mercado en 1989 y es el primer clon de una cámara Nimslo (propietarios de la patente original). Cámara lenticular, con 4 lentes separadas a unos 30 milímetros de distancia con una apertura fija

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Nosotros a raíz de esta charla nos hemos interesado por esta camara y la hemos buscado por la red. Podemos encontrarla en Amazon o Ebay a precios interesantes. También existe en Flickr una comunidad de usuarios bastante activa.


Diego Cusano Collages con comida

Diego Cusano no es de quienes piensan que con la comida no se juega. De hecho, este diseñador y músico italiano se lo pasa en grande jugando con la combinación de ilustración y alimentos. Este mix es la clave que da vida a uno de sus trabajos: Everyday Food And Objects.

Cámara fotográfica “Nishika N8000”

El proyecto empezó como un ejercicio personal para mejorar sus habilidades de composición y creación visual. Y ha acabado siendo un trabajo tan curioso y creativo como interesante. La mezcla de sus ilustraciones con comida (alimentos bastante comunes en la dieta italiana) y otros objetos cotidianos como flores o fotos de animales llama la atención de todo aquel que se tropiezan con estos collages.

Una de las ilustraciones de Diego Cusano.

El nuevo logotipo de Endesa Cargado de energía y movimiento Endesa ha presentado su nueva imagen de marca y el debate acerca del rediseño de su logotipo no ha tardado en surgir. El proyecto ha sido llevado a cabo por el estudio Wolff Olins (autores de la identidad gráfica de las Olimpiadas de Londres 2012) quienes parecen tener una habilidad especial para despertar la controversia con sus diseños de logotipo. Y es que, cuando se apuesta por un diseño que desequilibra lo preestablecido, las críticas están servidas.

Nuevo logotipo de Endesa.

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La esencia de tres grandes artistas en tres fuentes tipográficas. Si Mondrian, Miró y Kandinsky fueran tipografías, ¿cómo serían?. Para contestar a esta pregunta, el diseñador argentino Tano Veron ha realizado estas tres tipografías. Cada una de ellas rezuma la personalidad artística de cada pintor. Se trata de un juego de conceptualización y un ejercicio tipográfico; un experimento gráfico en el que el diseñador ha traducido las características más notables de la expresión artística de cada pintor en caracteres tipográficos. Durante el proceso de creación Veron ha tenido que sintetizar los principales elementos de las obras más famosas de Kandinsky, Miró y Mondrian. Los ha resumido para transformarlos en tres tipografías diferentes y muy representativas de cada autor.

Nuevos colores Pantone.

Nace Gràffica en papel Este 2016 nace Gràffica en papel. Una revista narrada en primera persona, donde los profesionales del diseño y la cultura visual son los protagonistas. Una ventana a la opinión y a la reflexión, que a su vez nos muestra el lado más humano de la creatividad. Gràffica en papel es una herramienta real, con información útil y práctica. Con contenidos para disfrutar de una lectura ágil, pero también pausada, que se complementan con entrevistas y otros extras que encontrarás en soporte digital. Más de 130 páginas para oler y tocar, con diferentes papeles y texturas. Bajo un prisma global y con carácter trimestral, mostramos no solo lo que se hace en España, sino aquello que sucede alrededor del mundo. No importa si es en Nueva York, Buenos Aires, Shanghái, Barcelona o Bilbao.

Mondrian typeface.

La revista impresa.

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112 nuevos colores Pantone Pantone acaba de presentar, bajo el lema New Colors, New Possibilities (‘Nuevos Colores, Nuevas Posibilidades’), sus 112 colores nuevos, especialmente pensados para los diseñadores gráficos. Para su lanzamiento, la marca ha contado con tres reconocidos diseñadores para que sean ellos los que expliquen la importancia que tienen en su trabajo los numerosos matices de los colores y las posibilidades que éstos ofrecen. Chip Kidd (diseñador en Penguin Random House Book), Jessica Walsh (de Sagmeister & Walsh) y Eddie Para (Pentagram en Nueva York) apadrinan tres guías: Solid Chips Coated & Uncoated por por Chip Kidd, FORMULA GUIDE Solid Coated & Solid Uncoated por Eddie Opara y COLOR BRIDGE® Coated & Uncoated por Jessica Walsh. La inclusión de los nuevos colores afecta a ocho gamas de colores diferentes (verdes, azules, rojos, naranjas, marrones, neutrales, rosas y morados). Estas gamas han sido actualizadas sobre todo para cubrir las necesidades del diseño de packaging contemporáneo.


La tipografía como medio de inclusión social. Factor ‘HOLA’

Con el trabajo casi terminado.

Urbanofacto es un nuevo laboratorio de diseño en la ciudad de Babahoyo-Ecuador que funciona en El Tallercito. Ahí se articulan disciplinas mixtas entre el diseño visual como campo de acción y la arquitectura. UrbanoFacto intervino la puerta de este espacio como una excusa que permitiera transformarla en una herramienta con una práctica social utilizando la ciudad como instrumento experimental, donde le llamaron el Factor ‘HOLA’. El Factor ‘HOLA’ se ejecutó dentro de un espacio de producción experimental de Diseño y Arquitectura El Tallercito, en un sector de contexto complejo en la ciudad de Babahoyo–Ecuador. Parte de una problemática de la ciudad con mayor necesidad de cultura; como respuesta al objetivo de inyectar una realidad mas cercana al arte.

Empezando a trabajar.

Se busca descubrir a través del diseño participativo, nuevas realidades y formas de percepción del diseño tipográfico (la tipografía como resultante de juego). Así, esta disciplina se convierte en una herramienta que favorece la inclusión social.

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Ginebra Free Font Salinas ha diseñado Ginebra como un proyecto personal con el objetivo de desarrollar su habilidad en el diseño de tipografías. Ahora la diseñadora ofrece su tipografía gratuitamente para su uso en proyectos personales. Yai Salinas (1984) creció en Tristán Suarez, una pequeña cuidad cerca de Ezeiza (Buenos Aires – Argentina). Se graduó en la Facultad de Arquitectura Diseño y Urbanismo de Buenos Aires (FADU), donde también trabajó como ayudante de la Materia Morfología I de la cátedra Wainhaus. Trabajó en Editorial, Publicidad, Estudios de Diseño y en realización de vídeos juegos, y ahora trabaja de manera freelance. Se considera delirante, compleja, y sobre todo una amante del diseño: «Creo que todo lo que se haga con amor y esfuerzo tendrá un buen fin». Yai Salinas es una diseñadora argentina apasionada por la tipografía y las formas geométricas. Por ello no es de extrañar que todos sus proyectos guarden una estrecha relación con estos dos universos gráficos. Uno de esos proyectos es Ginebra.

Ginebra free font.

Ginebra free font.

Alfabeto ilustrado a partir de portadas de vinilos La diseñadora e ilustradora italiana Priscilla Fois MissK usa su imaginación para reconstruir las letras del alfabeto a partir de elementos de portadas de vinilo famosas. Podemos encontrar álbumes de artistas como Iggy Pop, Patti Smith, Sonic Youth, Rolling Stones, Arcade Fire, The Sex Pistols… «Dicen que el que busca encuentra; este concepto es cierto sólo para los que tienen una predisposición cuando tratan de encontrar. Los objetos encontrados son objetos que sólo por el hecho de ser descubiertos, se ven con otros ojos». Priscilla Fois MissK En el caso de Priscilla, la fantasía tiene una fuerte influencia en

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un juego visual de similitud de ideas; la imaginación nos lleva a considerar cómo todo puede ser visto de otra manera. Este alfabeto hecho a partir de portadas de vinilos incluye veintiséis discos. Una vez identificada y aislada la zona geométrica, la diseñadora italiana ha ido reconstruyendo una a una cada letra usando diferentes estilos. El resultado es sencillamente increíble.


WalkOn WalkOn, tipografía gratuita creada para el mundo de la moda y perfecta para titulares WalkOn es una tipografía que fue creada originalmente para el diseño de una marca de moda. Según sus diseñadores Hanson Chan y el equipo de Frames, aunque Walkon está inspirada en la el Art Decó y en el Art Nouveau, está diseñada con un enfoque radicalmente contemporáneo.

Póster de la tipografía.

WalkOn también puede utilizarse para proyectos editoriales gracias a su amplia variedad de versiones, números alternativos e iniciales. Esta tipografía resulta ideal para diseños en los que se necesite un texto flexible y atractivo. Puedes conseguir la tipografía WalkOn gratuitamente tan solo enviándole un email solicitándola a su autor: email Chan

Carácteres de la tipografía.

Alfabeto ilustrado a partir de vinilos.

Detalle “F”

Walkon Typeface

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Printing Freedom Ilustraciones serigrafiadas que dan voz a las personas desde la cárcel La Fundación Marianao en colaboración con el estudio de diseño Antídot Gràfic presenta Printing Freedom, una iniciativa que pretende acercar la realidad de las personas presas a la comunidad y sensibilizar sobre el estigma y las dificultades de reinserción de este colectivo. El canal escogido son bolsas de tela serigrafiadas con seis mensajes que han propuesto personas que están internas en centros penitenciarios y que han sido serigrafiados por personas que ya han salido de la cárcel.

Una de las bolsas serigrafiadas

Printing Freedom quiere «reivindicar la dignidad de las personas que se encuentran en una situación de privación de libertad y potenciar su protagonismo en el proceso de reinserción social. También pretende interpelar a la comunidad para que sea acogedora y receptiva, y a la Administración para que se implique con los recursos necesarios para garantizar la plena ciudadanía de estas personas», apunta Xavier Pedrós, presidente de la Fundación Marianao. Para crear las bolsas se realizaron talleres en diferentes cárceles catalanas donde las personas presas dialogaron y compartieron reflexiones sobre su día a día en la cárcel y sobre lo que piensan sobre la futura salida y reinserción en la comunidad. De los talleres se extrajeron seis frases, seis ideas que los artistas Iván Bravo, Iván Castro, Mil Vietnams, Neuza Vasconcelos, Denis Galocha y Antídot Gràfic convirtieron en ilustraciones. Frases como Mi vida no se ésta, No somos tan malas o Buscant la sortida adornan las bolsas de tela que, con la colaboración desinteresada del taller Print Workers Barcelona, personas ex-presas serigrafiaron sobre ellas. El resultado de este proceso participativo y colaborativo es una colección exclusiva de ilustraciones únicas que recogen las reflexiones de personas privadas de libertad.

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Juan explic谩ndoles como va el procedimiento.

Printing Freedom quiere reivindicar la dignidad de las personas que se encuentran en una situaci贸n de privaci贸n de libertad.

Algunos escritos que inspiraron .

Una de las bolsas serigrafiadas

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Malota.

Malota es Mar Hernández y viceversa. Hace ya años que descubrió que el dibujo no era un simple hobby, sino su pasión. Apostó por ello y emprendió rumbo profesional en ese camino. Su libro Hacia Ningún Lugar – Una Colección de Silencios, editado por Símientes Editores ha obtenido tres Premios Anuaria. Gracias a su perseverancia, a todas las horas que ha pasado dibujando y divirtiéndose, a su inquietud y deseo por hacer mejor las cosas cada día, Malota hoy cuenta con clientes en todo el mundo como las agencias McCann Erickson Istambul, Satchi y Satchi o SCPF para las que desarrolla trabajos en ilustración, audiovisual, publicidad, packaging y publicidad.

“Autorretrato”


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“Debía de encontrar la manera de ganarme la vida con ello o me vería obligada a dedicarle menos tiempo”

Nombre completo: María del Mar Hernández Fernández, eso pone en mi DNI, larguísimo.

Te formaste en Bellas Artes, donde además eres doctora Cum Laude, y de todas las vías posibles elegiste la ilustración. ¿Qué te llevó a elegir esta vía y no otra?

Fecha y lugar de nacimiento: El día 24 del mes de mayo de 1980.

Yo no elegí la ilustración de la forma que muchas personas la eligen hoy día. Hoy hay gente que decide ser ilustrador y se forma para ello, en muchas ocasiones, cuando empiezan no tienen la costumbre de dibujar tan siquiera. Esto es algo que me llama poderosamente la atención. A mí siempre me ha gustado dibujar, cuando yo estudié Bellas Artes no había asignaturas de ilustración como las hay hoy día, yo dibujaba por placer, porque me encanta y un día me di cuenta de que si quería seguir dibujando con la intensidad que lo hacía debía de encontrar la manera de ganarme la vida con ello o me vería obligada a dedicarle menos tiempo y así fue como decidí hacer de mi hobbie y mi pasión la manera de ganarme la vida.

Una pregunta curiosa. Normalmente firmas como Malota, un nombre que contrasta mucho con el carácter ‘amable’ de tus ilustraciones. ¿Por qué ese nombre, de dónde viene? No tiene una explicación demasiado ‘cool’. Una amiga me llamaba así hace muchos años cuando estudiábamos en la facultad. Eran los tiempos en los que internet comenzaba a ser más accesible para todos, yo comencé a usar ese seudónimo en la red y pasado un tiempo bastante gente me conocía como Malota, así es que le cogí cariño y lo mantuve. Para la gente que no es de habla hispana no tiene las connotaciones que tiene para nosotros, por otro lado es un nombre corto y pregnante… y me ha quedado un dominio muy resultón: www.malota.es

Si no te hubieras dedicado a la ilustración, ¿qué hubieras sido?

De pequeña querías ser…

A veces me hago esta pregunta a mí misma. Me gusta pensar que podría hacer sido muchas otras cosas… ceramista, modista, cocinera… casi todas ellas están relacionadas con la creación y con la creatividad.

De pequeña quería ser maestra. Admiraba mucho a mis maestros porque me enseñaban cosas y eran generosos, aprender es una de las cosas que más me gustaba y me gusta hacer.

¿Recuerdas el primer trabajo [como ilustradora profesional] por el que te pagaron? ¿Qué trabajo fue y cuánto te pagaron?

¿Qué cómics/tebeos recuerdas de tu infancia? Mortadelo y Filemón, Tintín, Mafalda, Calvin & Hobbes y muchos más.

No lo recuerdo demasiado bien. Cuando trabajaba como diseñadora en Esteve Durbá entraban proyectos que requerían de ilustración, tal vez esas fueron mis primeras experiencias remuneradas en el campo de la ilustración.

Tres dibujantes/ilustradores que consideres que han sido referentes en tu carrera… ¿Solo tres? Es muy difícil escoger solo a tres… Charley Harper, Jim Flora… y más actual, Isidro Ferrer. 17


“Lo que más me gusta de mi profesión es que no dejo de aprender”

Un proyecto por el que sientas especial cariño o que consideras que ha marcado un antes y un después en tu carrera.

dibujos, películas o un plato de comida. Con lo cual la creatividad llega si tienes la actitud necesaria para que llegue.

Tengo esa sensación con todos y cada uno de mis proyectos, por pequeños que sean, siento como crezco un poquito, como aprendo cosas con todos y cada uno de ellos y eso, para mí, siempre es un antes y un después.

¿Necesitas orden absoluto o funcionas mejor en tu propio pequeño caos? Prefiero el orden. ¿Música a toda tralla o silencio absoluto?

Lo que más te gusta de tu profesión…

Una vez más ambas cosas, hay momentos en los que necesito la calma y otros en los que la música me acompaña. Para mi último libro preparé una selección de canciones que suelo escuchar cuando trabajo. La playlist la podéis consultar en la página web de la editorial: www.simienteseditores.com/maridaje/mar-hernández

Que no dejo de aprender. Y lo que menos te gusta… El papeleo. A pesar de tener un gestor y una agente muy majos tengo que hacer mis presupuestos a veces y mis facturas y es algo que no me agrada demasiado.

¿En qué campo de la ilustración te sientes más cómoda: editorial, prensa, infantil, agencias/ publicidad…?

A la hora de trabajar… ¿Prefieres lápiz y papel o eres de los que va directo al ordenador y la tableta gráfica? Ambas cosas son válidas, depende del proyecto.

Me encanta trabajar en todos y cada uno de ellos. Me considero una ilustradora versátil, es interesante saber adaptarse a las peculiaridades de cada contexto o de cada campo, aprendes muchísimo si no te encasillas.

¿Te consideras ave nocturna o diurna? Más bien nocturna. ¿Prefieres hacerlo solo o en compañía?

Dentro de la ilustración hay diferentes modas o líneas de trabajo. ¿Cómo definirías tu estilo?

Disfruto la soledad con su calma y la también la compañía con su consecuente interacción y enriquecimiento. ¿Por qué quedarnos con una sola cosa…? Cada proyecto es distinto.

Me resulta muy complicado definir mi estilo, seguramente habrá personas, escritores, críticos.. que tal vez que lo podrán hacer mejor que yo. Yo me preocupo de que sea personal, rico, original; me preocupo también de que no sea un corsé que no me deje crecer, trato de que sea lo suficientemente versátil para que me deje aproximarme a diferentes ámbitos. Todo eso es lo que me preocupa. Definirlo, no tanto y no sé hasta qué punto es interesante definir con palabras algo que hay que mirar con los ojos y la cabeza.

¿Piensas que la creatividad llega sin más o hay que trabajarla? Pienso que una persona creativa es una persona que vive receptiva y que es capaz de canalizar sus experiencias y transformarlas en otras cosas… ya sean

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“Ilustración personal”

¿Te gusta estar al tanto de las tendencias o más bien prefieres ir por libre? Me encanta mirar lo que se hace hoy día y también lo que se hizo hace mucho, soy consumidora compulsiva de imágenes y no me preocupan demasiado las modas. ¿Cómo ves el panorama de la ilustración en España? ¿Se puede vivir de él tranquilamente? ¿Hay que pelear mucho? O ni una cosa ni la otra… En mi opinión, no se puede vivir de la profesión tranquilamente. El 90% de mis clientes son extranjeros. En este país la ilustración no está demasiado bien valorada.

Hay autores que se sienten en su salsa con el tema de firmas, charlas, presentaciones, entrevistas… En tu caso, ¿cómo llevas el tema de autopromo y dar la cara en público? Soy profesora desde hace 7 años. Soy pianista también y estoy acostumbrada a subirme a escenarios para tocar o para hablar desde que tenía 8 o 9 años. No me asusta el público, al contrario, pero me gusta cuando la comunicación es en dos sentidos. Por eso prefiero un taller o una clase en la que mis alumnos interactúen conmigo, que una conferencia en la que la comunicación es en una sola dirección. Eso por un lado. En relación a la autopromo… No me gusta pensar que lo que hago con mi trabajo es autopromocionarlo… suena feo esto, parece que le quieras vender la burra a alguien, como se dice vulgarmente… yo creo que se trata más bien de enseñar y compartir lo que uno hace y dejar que el trabajo hable por sí solo.


Encargo de una empresa Americana.

¿Es necesario hacer ruido en las redes sociales para tener notoriedad y difusión de tu trabajo?

“Aprendes muchísimo si no te encasillas.”

Es necesario hacer lo posible para que la gente conozca y entienda bien tu trabajo. Lo de hacer ruido, tener notoriedad y todo ese tipo de conceptos me parecen sacados de un libro de marketing y posicionamiento estratégico que nunca leería. Es más sencillo, creo. Hay que poner energía en tener un buen trabajo, también en enseñarlo de la mejor forma posible. Un buen trabajo, bien mostrado habla por sí solo. Un ejercicio de cara al futuro. ¿Dónde te ves dentro de 20 años? ¿Crees que seguirás abrazada de pleno a la ilustración? Creo que sí, no voy a dejar de dibujar y tampoco voy a dejar de aprender. No sé dónde me veo dentro de 20 años pero espero disfrutar mucho del camino.

¡GRACIAS! 20


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Isidro Ferrer “Yo no elijo los trabajos, sino que los trabajos me llegan, y yo los afronto como retos�



Normalmente, cuando comienzo una entrevista siempre pregunto por los inicios del ilustrador. Pero en tu caso, se que los tuyos fueron en otro sector: ¿eras o eres actor? Era, era. Entonces, el tema del dibujo y la imagen; ¿era parte de tí desde el principio, o fue algo que apareció en algún momento más adelante? Digamos que ya venía como “marca de la casa”, pero no de forma manifiesta, sino de una forma más soterrada. Yo he dibujado desde siempre de una forma innata, y siempre he sentido una inclinación desde pequeño hacia todo lo que tenía que ver con lo gráfico. Y a pesar de que me costó bastantes años reconducirme, o incluso decidir cuál iba a ser mi territorio de actuación profesional, mientras estudiaba o hacía otro tipo de actividades siempre mantenía el dibujo como una parte esencial en la construcción de mi personalidad. ¿En qué momento te diste cuenta de que podía ser una opción profesional? Diseño, ilustración... Viene de una manera muy azarosa. Inicialmente es por pura necesidad, y también por una desilusión y un desamor con el territorio en el que estaba moviéndome profesionalmente, que era el entorno del teatro. Y es por un lado esa desilusión del hecho teatral, y por otro lado la obligación de “ser rentable”. Entonces busco lo más próximo para poder sustentarme durante un tiempo, no definitivamente pero sí durante un tiempo, y busco y encuentro la posibilidad de trabajar en un entorno cercano a la ilustración. Pero que estaba más próximo al diseño gráfico que a la ilustración, o que compaginaba ambas cosas: trabajar de diagramador y maquetador en un periódico de Zaragoza. Lo que ahora mismo se llama infografista, pero que entonces no se llamaba infografía, se llamaba “dibujante de prensa”. Que al final es resolver una serie de conceptos de manera gráfica, ¿no? Sí. Yo eso lo compaginaba con la maquetación del periódico. Yo estaba en un equipo de cuatro personas que diagramábamos diariamente el Heraldo de Aragón, y a veces iba surgiendo de forma diaria la necesidad de ilustrar algunos artículos concretos, y eso lo resolvía yo. ¿Te consideras más “comunicador” en general que diseñador o ilustrador? No tengo ni idea. No sé lo que me considero, ya he perdido el norte, porque yo creo que cualquier definición es hermética, es excesivamente cerrada. Es limitada. Y yo no sé muy bien dónde me sitúo profesionalmente, si en el terreno de la ilustración, del diseño... Porque no hago variaciones o diferencias a la hora de realizar y ejecutar, sino que afron-

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to cada uno de los proyectos desde una óptica global que no discrimina ninguno de los modos de actuación, sino que participa activamente de ambos registros. Yo ahora mismo tengo ya una manera de trabajar dentro de la comunicación en la que el diseño, el concepto y la ilustración van de la mano. O sea, que para tí es un todo. Esta pregunta viene un poco por esa diferencia que se está marcando tanto ahora mismo en la educación. Muchos diseñadores son muy poco ilustradores, y muchos ilustradores son muy poco diseñadores. Y realmente tiene mucho más sentido lo que tú dices, afrontarlo como un todo y que la tipografía y la composición ayuden a una ilustración y no vaya una cosa detrás de la otra. Yo entiendo que es también una necesidad de ordenamiento del territorio académico, y desde esa estructura pedagógica se establecen las diferencias. Pero también es cierto que son profesiones distintas y que no es obligatorio ni necesario que el ilustrador sepa diseñar, ni que el diseñador sepa ilustrar. Sería interesante que ambos, que pertenecen al entorno de lo gráfico, de la cultura gráfica, pudiesen trabajar con herramientas que fuesen permeables, contaminantes. Que incidiesen un poco en esa mezcla de lenguajes que abriese un poco las puertas de actuación y que fuese expansiva. No paro de darle muchas vueltas a ese tema porque veo que cada vez más se está tendiendo a la especialización, pero precisamente en este sector creo que es más lógico todo lo contrario. Veo muchos ilustradores muy cerrados: “la ilustración sólo es editorial”, “yo no compongo un cartel, yo solo hago la ilustración”... Te quería preguntar también si te has movido por el mundo editorial o si también has realizado otro tipo de proyectos diferentes como por ejemplo producto, publicidad... Sí, yo he tenido la grandísima suerte de que yo no elijo los trabajos, sino que los trabajos me llegan, y yo los afronto como retos. Y con cada uno de ellos busco el aprendizaje y busco el apasionamiento. No he querido en ningún momento especializarme, porque siempre he sentido la tentación de aprender de cada uno de esos distintos retos que he tenido que ir afrontando. Es disparatado, porque he hecho desde producto o packaging hasta gráfica corporativa, pasando por señalética o animación para televisión, o títulos de crédito, o ilustración de prensa, ilustración infantil, cartelería, publicidad... Entonces encuentro que hay muchísimas diferencias, que hay especializaciones muy grandes en cada uno de los sectores, pero que todos al fin y al cabo se nutren de la misma esencia. Y que establecer esas grandes diferencias estratégicas entre esas “familias” dentro de la gráfica lo que hace es seccionar el mercado para que haya gente que pueda especializarse. Y en la especialización también está la profesionalidad. Hay mucha gente que se especializa en algo que controla, y eso le hace sentirse seguro con sus herramientas, con las que puede manejarse habitualmente. Ilustración

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“Desde lo tecnológico, en vez de avanzar, se está recuperando el grabado, las texturas... elementos propios del trabajo manual.”

Ilustración

Tal y como están evolucionando los acontecimientos en España, ¿cómo ves el mercado de la ilustración para los que están empezando? No solo aquí sino en la zona mediterránea, digamos. No tengo ni idea. Es una pregunta abstracta a la que no sé responder. Ya... Es más un poco tu percepción personal, según también cómo tú estás situado en el mercado, qué movimientos ves, qué tendencias de los clientes o del mundo editorial o publicitario... Porque los que tenéis más experiencia y habéis vivido otras etapas o situaciones similares a lo mejor lo podéis percibir mejor. La tendencia es que no hay tendencia. La tendencia es un eclecticismo total. Entonces hay un “revivalismo” absoluto, como una recuperación nostálgica de todo lo anterior. Pero todo a la vez, como en una gran batidora. Así como anteriormente había una recuperación ordenada por décadas de aquellos territorios estéticos precedentes, en este momento hay una convivencia de todos los territorios “vintage” y emocionales. Que es producto de la nostalgia, y también producto del desconocimiento o de un conocimiento muy superficial, solo por parte de la estética. Es lo que percibo. Lo que ha posibilitado internet es que todo sea absolutamente cognoscible, reconocible, y en el mismo espacio, a la vez. Toda la historia reciente, además. Hay como una recuperación de valores estéticos que son válidos por sí mismos. Son muy válidos en sus épocas, porque están en función de los sucesos y de su propio contexto cultural, pero en este momento funcionan únicamente a nivel estético, a nivel de referencia. Y entonces ahí lo que yo percibo es que hay infinidad de familias, los revivalistas de distintas épocas: un poco de folk, los del pop art, los de la estética suiza, los del rollo manga japonés, los de la cosa castiza y como muy arraigada en el terreno... O sea, tienes una cantidad de familias distintas, y todos manejándose excelentemente bien en lo plástico, en la resolución técnica, pero con una falta importante de carga, de profundidad, de intención. Yo no he visto nunca mejores resultados que los que hay ahora, ni tan vacíos. Parece que en tiempos de crisis se vuelve todo más superficial. Es como si la gente no tuviera tiempo o no se preocupara por lo que importa de las cosas, ¿no? Pero yo creo que es anterior a la crisis, ¿eh? Es una tendencia de la sobreinformación, del exceso de información mal digerida. Todavía no ha habido la capacidad y no ha habido un tiempo suficiente como para poder asimilar toda esa información. Hay una necesidad de volver atrás porque la tecnología no es la solución. Fíjate que desde lo tecnológico se están copiando todos los efectos manuales, y eso es muy curioso: cómo desde lo tecnológico, en vez de avanzar, se está recuperando el grabado, las texturas... elementos propios del trabajo manual, de los registros manuales. Hasta el punto de que te es muy difícil, verdaderamente, diferenciar lo que está hecho con procesos manuales y lo que

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está hecho con procesos digitales. Se está imitando hasta la textura de los papeles sobre los que está impreso, o las tintas planas. Pero es que las tintas planas eran una limitación técnica de hace cincuenta años, sobre papel registro. Y entonces llega la tecnología y como eso “mola”, como eso “es guay”, lo reproduce. Pero reproduce el fallo. ¿Qué consejo le darías a los ilustradores que están empezando su carrera profesional? La constancia como valor. En estos momentos y siempre. No tener prisa, o tener una prisa relativa, pero ser muy constantes, ser obcecados y no perder el ánimo.

Ilustración

“La constancia como valor. En estos momentos y siempre.”

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Envases agrupadores para zumos con propiedades saludables.

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n este artículo se va a tratar de descubrir cuál es el valor del envase como herramienta de comunicación, partiendo inicialmente de los productos de consumo de alta rotación o “convenience products”

Los productos de alta rotación tienen unas características muy particulares: segmentos de mercado objetivo amplios, consumo habitual y compra frecuente, precios y beneficio por unidad vendida bajos. Esto provoca que para conseguir ganancias se tengan que vender grandes volúmenes de producto. Ejemplos de productos de consumo de alta rotación serían artículos como productos de limpieza, alimentación o productos de higiene personal. Es importante saber que los consumidores están dispuestos a aceptar productos substitutos sin gran dificultad. En esta situación los fabricantes se ven obligados a competir unos contra otros para conseguir las ventas. También es fundamental conocer las distintas dimensiones o niveles de un producto desde el punto de vista del marketing: Producto básico: El que cubre una necesidad o un deseo básico del consumidor (limpia, alimenta…) Producto real: Entran en juego cuatro variables: calidad, características del producto, marca y envase.

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Producto ampliado: Beneficios adicionales como garantía, servicio al consumidor, productos complementarios, etc. Éstos no suelen ser determinantes pero refuerzan la decisión de compra.

producto. Evidentemente, para conseguir un buen resultado será esencial destacar dichas características de la manera más llamativa posible en el envase. De todos modos, si el producto no presenta realmente una novedad de compra diferente para el consumidor, un buen envase puede permitir al producto establecer una diferencia en la primera compra, pero no así en compras sucesivas.

Así pues, las empresas tienen dos opciones para conseguir su cuota de mercado: implementar estrategias de lucha (descuentos, promociones, guerras de precios…) o implementar estrategias de diferenciación de producto (modificaciones de diseño, cubrir nuevas necesidades…). Las primeras ofrecen ventajas inmediatas pero efímeras, pues son fáciles de copiar por la competencia. Las segundas, llevadas a cabo por empresas orientadas al mercado y no a las ventas, tienen periodos de ventaja mayores y mejor posición frente a la competencia

La marca es otra de las variables con las que se cuenta para ofrecer productos diferenciados. El crear una identidad de marca (branding) es especialmente importante ya que facilita el reconocimiento del producto por parte del consumidor (a partir del grafismo o la forma del envase, el logotipo…); puede hacer que los consumidores desarrollen una lealtad de compra hacia la marca; si ésta es conocida puede ayudar a la empresa a introducir con menos riesgos en el mercado nuevos productos al amparo de dicha marca, y por último ayuda a posicionar el producto en la mente del consumidor.

“El envase, tiene una importante función de marketing que es la de seducir al consumidor para que realice la compra”

El objetivo de cualquier empresa orientada al mercado ha de ser crear una oferta de productos distinta, que sea difícil de copiar y que ofrezca mayor valor a algún segmento del mercado. Es decir, la clave es hacer productos que sean irreemplazables en opinión de los consumidores y para presentar un producto distinto de la oferta de la competencia es necesario que dicho producto cuente con una ventaja diferencial que sea capaz de justificar el acto de compra.

Los consumidores no quieren comprar un producto diferente cada semana sino que prefieren recordar el nombre y las características de una lista de productos (shortlist) que satisfacen sus necesidades o expectativas. Tanto la marca como el envase son generadores de espacio en la mente. Ver e identificar un producto con frecuencia (en el lineal, en anuncios…) ayuda a incrementar su presencia en la mente del consumidor y mejora su imagen pues se sugiere que es popular. Este espacio en la mente puede ser suficiente para provocar un acto de compra. Es en ese momento, una vez que el consumidor tiene contacto directo con el producto, cuando éste pasará a formar parte de la shortlist del consumidor (siempre que el producto, evidentemente, cumpla las expectativas generadas).

Características del producto, marca y envase Si se toma como hipótesis que actualmente entre la mayoría de productos existe una paridad en cuanto a la calidad ofrecida, se obtiene que las variables que se van a poder manejar para ofrecer una oferta de artículos distinta a la de la competencia son las características del producto, la marca y el envase. Las características del producto es uno de los factores que más juego da a la hora de diseñar un producto distinto al de la competencia. Se puede actuar modificando o incrementando el valor de las características actuales o bien creando productos con características diferentes que pueden derivar en nuevos conceptos de

Se puede empezar a vislumbrar ya parte de la importancia del envase. Por un lado se ha visto que

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Gráfica simbólica para infusiones bajas en calorías.


La fotografía es en este caso el recurso

El tetrapack ha aportado múltiples ventajas

descriptivo esencial en la identificación.

a la hora de envasar líquidos.

Bolsas de té basadas en el arte del origami.

Envase de caramelos que se presenta como alternativa a la cajetilla de tabaco.

Envase que utiliza un mensaje directo a

Ejemplo de identidad de marca

través de la brevedad y la simplicidad.

fuertemente arraigada.

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“La credibilidad es necesaria y eso exige sensatez en el mensaje” es una de las herramientas que va a ayudar a generar identidad de marca. Por otro lado se ha subrayado que las características diferenciadoras han de destacarse a través de el. Pero además sucede que el envase en si mismo es una variable que puede ser utilizada como ventaja diferencial. Un envase que aporte una mejora al producto, a su transporte, uso, dispensación… puede convertirse en una ventaja diferencial.

La motivación del consumidor en el momento de la compra es otro de los factores importantes. La elección del producto a comprar está influenciada por una serie de móviles de compra: -Moda: entendido como deseo de buscar productos novedosos o actuales, de tener lo que se lleva. -Interés: puede ser la búsqueda de ahorro, de utilidad del producto o de la mejor relación calidad/ precio.

Segmentación

-Comodidad: es el deseo de confort, bienestar, la facilidad de manejo de los productos.

Para diferenciar un producto es primordial que un determinado segmento de consumidores crea que se acerca más a su producto ideal que el de la competencia. Esto tiene varias implicaciones. Primero, que es necesario definir un segmento objetivo de consumidores a los que dirigirse. Segundo, que es necesario que el producto se acerque de manera efectiva al ideal del consumidor. Tercero, y no menos importante, que es necesario comunicar a los consumidores los beneficios del producto. Precisamente aquí es donde tiene mayor responsabilidad el envase.

-Afecto: es el deseo de gustar a los demás, de obsequiarlos, de sentir simpatía por un punto de venta y una marca. -Seguridad: es la búsqueda de la garantía ante el temor a lo desconocido. -Orgullo: es el deseo de ostentación, de prestigio, de tener lo que no tienen los demás o aquello que da mayor categoría.

Si la clave es hacer productos que sean irreemplazables en opinión de los consumidores a partir de identificar cuáles son sus necesidades, es básico conocer los factores que afectan a estos.

La percepción es el tercer factor a tener en cuenta. La gente tiende a prestar atención sólo a aquellos estímulos que estén relacionados con sus necesidades del momento. Se puede llamar más la atención del consumidor en función de la intensidad del estímulo (uso de colores vivos y saturados, imágenes vivas, etc.), del contraste de estímulos (contraste de colores, formas, tamaños, etc.), de la innovación (originalidad, creatividad, cambios, etc.) y de la repetición. Evidentemente esos estímulos han de transmitirse de manera que el consumidor objetivo los perciba, interprete y valore positivamente de acuerdo con su escala de valores socioculturales, personales y psicológicos.

Factores que afectan al consumidor El estilo de vida y personalidad del consumidor es un factor a tener en cuenta pues los productos con imagen de marca actúan como símbolos con los que se identifica el comprador, ya que en general se adquieren productos porque simbolizan la imagen que se tiene de uno mismo o la que gustaría tener. Al mismo tiempo, el dónde se compran, expresa a los demás esa imagen. Conocer el estilo de vida del consumidor objetivo es básico para diseñar productos con ventajas diferenciales psicológicas y envases capaces de transmitirlas.

Un cuarto factor a tener en cuenta es el segmento al que pertenece el consumidor objetivo. El consumidor tendrá una serie de características y deseos propios a los que se tendrá que apelartanto al definir el producto como al transmitirle sus beneficios a través del envase y la publicidad.

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no a otro. Hay cuatro factores principales, y en todos ellos el envase tiene su importancia: En primer lugar, en una de cada tres ocasiones la atracción la provoca única y exclusivamente el envase.

“En una de cada tres ocasiones la compra la provoca única y exclusivamente el envase”

En una de cada cuatro ocasiones es el precio el que provoca dicha atracción. El envase tiene su importancia en la determinación del precio, puesto que el envase es parte del producto y, por tanto, del coste. En una de cada cinco ocasiones la atracción la provoca el hecho de que el consumidor recuerda o tiene en su mente al producto. Contribuyen a esta circunstancia tanto a la publicidad como el envase. Finalmente, en una de cada cinco ocasiones la atracción la provoca algún aspecto particular del producto. El consumidor puede que ya conozca ese aspecto particular de antemano a partir de la publicidad, pero aun así en el envase se ha de destacar ese aspecto ya sea para mostrarlo por primera vez o para reforzar el mensaje publicitario.

Comportamiento del consumidor La importancia del envase como elemento de comunicación es muy evidente si se analiza tanto los motivos que provocan la atracción por un producto en la estantería como el comportamiento de compra del consumidor.

En compras previstas o impulsivas, la idea básica es la misma: o se está ya en la mente del consumidor a partir de la publicidad y la identidad de marca, o se llama la atención del consumidor en el punto de venta utilizando el merchandising y el envase.

En un supermercado o un hipermercado el consumidor encuentra una enorme cantidad de referencias de productos. Se suele admitir que unos veinte segundos es lo que tarda un consumidor en examinar todo un lineal y que ocho segundos bastan para seleccionar el producto que se comprará. Además, el 70% de las decisiones finales de compra se toman en el propio establecimiento lo que pone en valor la importancia de destacar con respecto a la competencia. Entonces, si la clave está en destacar, en atraer al cliente para que realice la primera compra del producto, es necesario saber qué provoca que un consumidor se acerque a un producto de un lineal y

Funciones de marketing del envase En este punto se puede ya afirmar que el envase, además de las funciones típicas de continente, conservación y protección, servicio, seguridad e información, tiene una importante función de marketing en la que básicamente se trata de seducir al consumidor para que realice la compra.

Producción en variedad de tonos del mismo producto, buscando la personalización.

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Latas de pintura acrílica para interiores de la marca Pantone.

Seducción: el envase ha de ser portador de la imagen que la empresa quiere transmitir a su público objetivo para poder provocar el deseo de compra.

La función de marketing del envase puede subdividirse en subfunciones: Localización: El consumidor ha de poder identificar desde lejos en el lineal el producto que va a comprar. La forma y la imagen gráfica del envase es lo que va a hacer que los productos sean visibles y destaquen ya desde lejos.

Servicio: se trata de que el envase disponga de alguna cualidad que pueda darle valor añadido desde el punto de vista del consumidor (recerrable, con dosificador…).

Identificación: Una vez localizado el producto el consumidor ha de poder identificar claramente que el producto que adquiere es el que realmente desea, sin equivocarse de producto dentro de una familia o marca.

Claves

“La credibilidad es necesaria y eso exige sensatez en el mensaje”

Información: además de la información habitual mostrada en los envases, existe otra adicional (modo de empleo, sugerencias de utilización, recetas…) que pese a no ser determinante ayuda a generar confianza en el producto y refuerza la decisión de compra.

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“Tanto la marca como el envase son generadores de espacio en la mente”

Claves A raíz de todo lo expuesto, se podrían extraer algunas claves para conseguir maximizar el potencial de comunicación de un envase:

1· El mejor modo de ser comprendido es tener algo que decir en beneficio del consumidor, ha de existir una ventaja diferencial real.

2· Lo conocido tiene ventaja sobre

lo desconocido. La marca y el envase ofrecen la posibilidad de asociar al producto una historia y una personalidad únicas, capaces de justificar una diferencia de precio.

3· “Todo el mundo” no suele ser un

segmento valido. Los consumidores son personas y tienen unos intereses particulares y distintos entre sí.

4· La marca debe identificarse perfectamente. El consumidor ha de poder recordar el producto gracias al envase.

5· Ser breve suele ser una cualidad, pero sin llegar al extremo de no decir nada interesante para el consumidor. Envase promocional navideño para perfume “Kenzo”

6· Hay que atraer la atención. Es la primera premisa del envase.

7· La credibilidad es necesaria y eso

exige sensatez en el mensaje. El consumidor no se deja engañar y no le gusta que alguien lo intente.

8· Organizar, simplificar, clasificar la información de manera que sea fácilmente accesible según el interés del consumidor.

9· Insistir, insistir e insistir. El envase ha de reforzar el mensaje publicitario, la identidad de marca y ha de mostrar claramente la ventaja diferencial.

10· El precio se olvida, la satis-

Ejemplo de cómo añadir valor al producto facilitando su consumo en el propio envase.

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facción permanece. Si un envase aporta realmente valor a un producto hay que apostar por él aunque su coste sea mayor, pues si realmente satisface más al consumidor entonces éste estará dispuesto a pagar la diferencia.



Stefan Sagmeister. Entrevista con Stefan Sagmeister; entre el éxito, arte y rockstars

Stefan Sagmeister es un rockstar del diseño gráfico. No sólo es reconocido por el trabajo de su agencia Sagmeister & Walsh para diversas compañías de nivel mundial incluyendo BMW, IDEO y droog. A lo largo de los años de carrera que ha acumulado colaboraciones con iconos de la industria musical a través del diseño y desarrollo de portadas de discos ganadoras de premios Grammy incluyendo a Jay-Z, The Rolling Stones, Lou Reed, David Byrne y Aerosmith. Nacido en Bregenz, Austria, Stefan comenzó su carrera como diseñador gráfico después de graduarse de la Universidad de Pratt, trabajando en la división de Hong Kong de la agencia de Leo Brunett. Posteriormente colaboró en la agencia M&Co de Tibor Kalman antes de abrir su propia agencia en 1993, Sagmeister Inc. Posteriormente integró a Jessica Walsh como socia para formar Sagmeister & Walsh en 2012.


Sagmeister


Cara pintada

nías rosas, les encantó la idea y dijeron: “hagamos esto”. Con lo que no contaba es que el evento era en Septiembre y se necesitaban mandar las invitaciones en Agosto y ese mes hubo una ola de calor en Nueva York tremenda, para hacer las invitaciones, contratamos a una casa de abastecimiento (pues necesitábamos 2000 bananas y ciruelas presentables). Al principio les costó trabajo conseguir las ciruelas pero consiguieron las bananas las cuales se empacaron y dejaron listas. Cuando por fín se consiguieron las ciruelas, las 2000 bananas que ya estaban empacadas estaban podridas. Entonces se empacaron las ciruelas y se consiguieron nuevas bananas. Para cuando se empacaron las nuevas bananas, las ciruelas estaban pasadas. Por tercera vez, se fueron a conseguir la fruta esta vez cuidando conseguir las ciruelas y bananas al mismo tiempo. Para cuando consiguieron las 2000 bananas y ciruelas, se les había acabado la envoltura. La fruta se volvió a podrir.

Normalmente, todos hablan del éxito, Pero ¿tienes alguna historia de fracaso donde se hayan intersectado tanto tu vida como diseñador como tu vida personal…? Déjame pensarlo… te voy a contar una de mi vida como diseñador, cuando por fin me contrató Tibor en M&Co. Mi primer proyecto era diseñar una invitación para una gala, de la organización Gay and Lesbian Taskforce de Nueva York; un trabajo fácil y divertido según la agencia. Se necesitaban 2000 invitaciones para el evento; mi idea era mandar una banana y una ciruela de verdad envueltas en seda y empacadas en una caja muy cursi con unas calcoma-

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Fue un desastre. En total fueron 5 intentos, 20,000 frutas aproximadamente, era muy estresante; era mi primer proyecto trabajando con Tibor y me había encomendado un trabajo simple y fácil – era un cliente pro bono – y como no salían las cosas, ahora todos estaban estresados tratando de cumplir a tiempo. Desde el punto de vista de M&Co yo era un idiota por escoger un proyecto tan difícil. Yo apenas entraba a trabajar ahí y mi primer proyecto “simple y fácil” había puesto a todos en la agencia a sufrir. Había lágrimas y noches sin dormir. Encima el evento se acercaba y era clave que se mandaran las invitaciones. La gala era su fundraiser anual, sin esa noche no tendrían fondos. Casi se podría decir que el futuro de la organización dependía de ese evento. Por fín las invitaciones salieron bien – se consiguió la fruta justo al último minuto, se tenían todos los elementos de diseño y una clave fue que un miembro de la organización, del Taskforce, tenía una empresa de paquetería por lo cual se pudo asegurar que llegaran las invitaciones antes de que se pudrieran de nuevo. Definitivamente eso nos salvó y el evento fué todo un éxito, como cada año.

En total fueron 5 intentos, 20,000 frutas aproximadamente

Regresando a Tibor [Kalman], ¿cómo fue que lo conociste? Cuando era jóven, lo llamé por lo menos unas 50 veces. Esto era en la época climática de M&Co en términos de fama y éxito, por lo que estoy seguro que muchos otros diseñadores aspirantes tratando de contactarlo para hablar, colaborar o trabajar con él. Creo que fui un poco más tenaz, quizás más perseverante que los demás. Algo que ayudó mucho es que en esas 50 llamadas me hice amigo de su secretaria. Digo, traté de no ser un dolor de cabeza para ella o para el y al final él terminó regresándome la llamada – pero estoy seguro que fueron 50 después de la mía.

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“Era inusualmente talentosa” ¿Cuántos años tenías? Todavía era estudiante en Pratt [en Nueva York], en 1989. Creo que tendría unos 24 años, fue antes de irme a Hong Kong. Para cuando cuando yo me fui de manera independiente ya había conocido a Tibor; él me dio unos excelentes consejos antes de que me fuera. Me dijo: “Stefan, no gastes el dinero que ganes ahí o te convertirás en una gran ramera de la publicidad por el resto de tu vida” El dinero que gané en Hong Kong lo ahorré y cuando regresé compré el estudio. Antes de eso trabajé un periodo de tiempo con Tibor en M&Co pero eso no duró mucho porque él aceptó irse a Benetton poco después y fue entonces cuando me independicé.

Stones fue muy interesante poder percibir qué significaba ese éxito y fama global y poder valorar realmente los aspectos negativos. Siendo una firma de diseño es muy interesante; con cierto nivel de prestigio es más fácil conseguir clientes y ser tomado en cuenta. En la calle igual me pueden llegar a reconocer pero es lo suficientemente esporádico así que no es molesto y se siente más auténtico. Supongo que si le preguntas a Mick Jagger por una lista de aspectos negativos a la fama y éxito el tendrá una gran lista; puede que ya haya sido famoso por tanto tiempo que no recuerde el tiempo cuando no lo fue.Trabajando con rockstars he conocido de todo, a los que les encanta y a los que odian la fama.

¿Cuánto tiempo pasó antes de que se uniera Jessica Walsh para formar Sagmeister & Walsh? 17 años. Ella ya había trabajado conmigo dos años antes de hacerla socia. Era inusualmente talentosa; sabía cómo pensar en ideas nuevas, tenía un enorme sentido común y lo más importante, sabía muy bien cómo ejecutar ideas. En este negocio no es sólo cuestión de tener ideas creativas y locas, se tienen que poder hacer físicamente para que valgan. Desde que la integraste como socia, ¿cómo cambió la dinámica de trabajo en tu estudio? Significativamente, con ella a bordo a ese nivel tengo mucha más libertad. Por ejemplo, pude estar en Roma 2 meses trabajando en un filme, en el pasado no hubiera podido delegar de esta manera. Jessy puede estar trabajando en un proyecto y al mismo tiempo estar supervisando el estudio en general. De verdad puedo confiar en ella.

¿Había problemas de ego en algunos momentos, cuando un rockstar tenía un complejo de superioridad? En el caso de Mick Jagger por ejemplo, sí había una jerarquía, él era Mick Jagger y yo no, así de simple. No es fácil decir si era él el que se ponía por encima de mí o yo por debajo de él. Otro elemento complicado es que nunca firmaban nada así que ellos tenían el derecho a echarse para atrás en cualquier momento. En una situación extrema, hubieran podido decidir en el último minuto, antes de comenzar a fabricar que querían su diseño fabricado por otra agencia. Para nosotros era una situación muy inusual. Pero nada de esto me dejaba sin dormir. Pero cuando consideras el valor histórico que él tiene, lo entiendes. Si hubiera un mural con 10 caras que representan el siglo XX, la cara de Mick sería una de ellas, al lado de Gandhi, es una locura.

Con todo el éxito que has obtenido, ¿cómo logras mantenerte equilibrado y con los pies en la tierra? La verdad es que nunca lo había pensado. Creo que tiene mucho que ver con el tipo de fama y éxito que se tiene como diseñador gráfico. Es una fama muy benigna, casi nada de lo malo. Por supuesto que en los primeros años del estudio, cuando trabajamos con rockstars como los Rolling

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Diseño para los Rolling Stones

¿Cómo fue el camino para empezar a trabajar en la industria musical? Simplemente toqué muchas puertas. Era un interés personal por lo que una vez que el estudio se encontraba operando, fue cuestión de buscar a las disqueras y enviarles nuestro portafolio. Les dije, quiero hacer las carátulas de sus discos y así fue como comencé. Al principio no sucedió nada. Pasó un tiempo antes de trabajar con nuestra primera banda, un amigo mío era parte de ella – H.P. Zinker se llamaba. Resultó que este disco fue nominado a los Grammys por mejor diseño. Después de la nominación comencé a trabajar con las disqueras y con grandes artistas. Creo que todo se centra en que no sólo concebimos las ideas, sino que teníamos lo que se necesitaba para realizarlas. Producíamos un concepto y lo desarrollábamos hasta la línea de producción.

“NO hagan caso a mis consejos” ideas porque no tiene un gran ego. Para él, no es relevante a quién se le ocurrió qué o cómo fue el proceso, sino el resultado final. Hacer los diseños de sus discos siempre fue un placer. Él ha trabajado con muchas personas a lo largo de su trayectoria que creo que eso lo hace un gran colaborador, sabe muy bien poner límites y removerlos para permitir que todos participen en el proceso creativo.

De todas tus experiencias en esta industria, ¿cuál ha sido tu favorita, no sólo en términos del diseño, sino la relación con el famoso? Considerando todo, creo que David Byrne. Él es una persona que entiende el proceso de colaboración, tiene una gran creatividad visual y es fácil discutir

Por último, ¿qué consejo clave le darías a cualquier creativo que esté comenzando su carrera? No hagan caso a mis consejos.

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Dise単o reciclado

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Packaging Picnic de cerca.

Picnic Picnic da nombre al servicio de take away del restaurante Lateral, en este caso, situado en Barcelona. Se trata de un proyecto ficticio, elaborado por un equipo formado por: Marta Barroso, María Pérez Fanjul, Panagiota Theodosiou and Konstantina Vatavali. Nuestro trabajo consistió en realizar la investigación y análisis de las necesidades del restaurante en cuanto a este servicio, y solucionarlas mediante este trabajo de branding, y diseño y construcción del packaging. El proyecto se ha realizado enteramente con materiales reciclados, además de la mínima cantidad posible de pegamento; creando así un producto ecológico y sostenible con el medio ambiente.

Packaging Picnic

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Bookshelf

Bookshelf Recientemente estoy trabajando en un mueble de cart贸n reciclado para yok casa + cultura, antes de entrar en el proyecto he hecado un vistazo a este mueble efimero dibujado en el 2011 para el proyecto del servicio Liberateca. En seguida pongo medidas y instrucciones para hacerlo en casa. Para ser 100% reciclable el proyecto no necesita pegamento.

Usando el Bookshelf

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Urban Oasis

Urban Oasis By 2050, 6 billion people worldwide will be living in urbanised areas. Urban Oasis wants to reconnect people with nature in the urban environment by making growing vegetables on your balcony a fun, educative and engaging experience. The package includes a pot, dried soil+fertiliser, gardening tools, seeds and a watering can. The pot, with its modern and minimal look, was designed to fit perfectly both on a balcony or indoor.

El envase.

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El pack completo.

The Packaging is the manual. The user experience was designed as a journey, where the packaging and the manual merge seamlessly and each tool is accompanied by the relevant instructions. Consecutive numbers indicate the user all the steps he has to perform from the moment he receives the kit to the harvesting.

Learn while having fun. Urbanoasis is fun and it promotes a positive message. The product is an example of eco-sustainability using materials such as bamboo and rice hull fibres composite, cork agglomerate, recycled cardboard and natural wood.

Gardening toolbox.

A tasty collection.

The iconic toolbox-like tray is made of recycled cardboard and contains all the tools in an ordinate way. The double colour divides the tools necessary for initially setting up the pot and the ones useful on the long term for maintenance.

With urban farming kit you can grow a wide selection of vegetables and herbs. Due to its attractive look, emotional user experience and environmentally friendly design, it could make for a perfect gift, or even target educational institutions.

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Karton Karton es una lámpara que parte del concepto de lo pre-fabricado. Al estar realizada en materiales reciclables a bajo costo con un proceso de producción sencillo, se hace amigable con el medio ambiente. Está diseñada para ser utlizada en un contexto de espacios reducidos con estética moderna, donde se le apunta a un usuario joven que tiene presupuesto limitado, especialmente para las decoraciones del hogar, puesto que ya no vive con sus padres.

Detalle

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El pack completo.

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Su diseño es pensado para que pueda ser armada por el mismo usuario a partir de una serie de piezas pre-fabricadas como ensambles disponibles en 4 colores: negro, azul, rosado y crudo. Los ensambles color crudo permiten al usuario intervenir sobre la lámpara, aplicando sobre ellos el color que desee. Así mismo, la personalización puede ir más allá si se realiza algún tipo de alteración gráfica sobre los distintos perfiles de cartón que componen la lámpara.

Lámpara en funcionamiento.

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Apps & tecnología

Enlight La aplicación que fusiona el retoque digital con el poder de los filtros. Seleccionada como la App del año en 2015 por la App Store de Reino Unido, Australia, Alemania, Canadá, Francia, Rusia, India y China, Enlight es el editor de imágenes para iPhone que ha reunido en un solo lugar lo más útil de los controles tradicionales de Photoshop y lo más interesante de los efectos y de los filtros artísticos. Una combinación perfecta para hacer destacar tus fotos en redes sociales. Enlight puede ser la app perfecta para aquellos que disfruten fotografiando con dispositivos móviles, que sean amantes de los filtros y activos usuarios de las redes sociales como Instagram. Si cumples con este perfil deberías echarle un vistazo a la aplicación. Según sus creadores, Lightricks, esta app acaba siendo adictiva para los usuarios gracias a las múltiples opciones artísticas y procesos de retoque digital que ofrece: «una verdadera experiencia creativa que permite al usuario convertirse en todo un marca tendencias en la red». Entre las opciones creativas y de retoque digital que tiene esta aplicación, destaca el control preciso y selectivo del tono, del color y de los detalles; la posibilidad de crear y guardar tus

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Creado con Enlight

propios reajustes personales; la función de máscara disponible en todas las herramientas para que combines efectos de forma natural; la reproducción del estilo de las cámaras clásicas y la película fotográfica de siempre; los degradados de dos tonos; la posibilidad de añadir luces filtradas y viñeteado; las fotos monocromáticas con técnicas tradicionales de la sala de revelado; los preajustes exclusivos para lograr conversiones a blanco y negro; puedes añadir toques artísticos con lo parámetros de película fotográfica; crear.


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Design tools.

Design Tools La app que deberías tener si eres diseñador

Design Tools puede resultar de gran utilidad a los profesionales del diseño gráfico. Esta app ofrece información clave y necesaria, de forma rápida y precisa, a la hora de crear un proyecto. Lo que la convierte en una aplicación que facilita el día a día del profesional de la creación visual. Design Tools está compuesta por 5 herramientas: una de las herramientas te permite conocer al instante la relación entre formatos para imprimir y sus medidas. Contempla la normativa ISO y otros estándares internacionales.

También puedes conocer los tamaños de los formatos digitales más comunes. Con otra de las herramientas puedes realizar conversiones de color RGB, HSL, HEX con valores numéricos o con un selector de color. Y con la herramienta Golden Ratio Calculator, puedes obtener de manera rápida valores relacionados con la proporción Áurea. «Creamos esta aplicación basándonos en nuestra experiencia como diseñadores e incluimos herramientas».

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“La ciencia de hoy es la tecnología del mañana.” Edward Teller. Paper La app gratis que debería tener todo creativo Cuando surge la inspiración, el poder anotar las ideas rápidamente se hace imprescindible para que no se pierdan el ostracismo. En ocasiones, no siempre tenemos cerca una libreta o un trozo de papel para antora o esbozar esa idea maravillosa que nos viene a la mente. Por ello FiftyThree, Inc. ha creado Paper, una aplicación con la que tendrás siempre a mano la opción inmediata de capturar y guardar ese ¡Eureka!Con Paper, podrás crear checklist, resaltar detalles en fotografías, realizar croquis rápidamente, etc. La aplicación es como un muro en el que puedes ir pegando todo aquello que te inspira como texto, fotos, bocetos…, organizarlo y establecer conexiones entre todo ello.

Interfaz Paper.

También es posible compartir tus ideas en forma de archivos pdf, en presentación de Keynote y PowerPoint.

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Probando la app.


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Adobe Brush Creación y personalización de pinceles digitales En ocasiones, cuando se trabaja en un entorno digital, se hace verdaderamente difícil encontrar el pincel perfecto para el proyecto en el que se está trabajando; alguno podría servir, pero no es el ideal. Adobe ha pensado en ello y ha creado la app Adobe Brush CC con la que es posible personalizar pinceles digitales de alta calidad a partir de imágenes o gráficos. Tanto si el usuario es principiante

o experto, puede sacarle partido a la aplicación. Se pueden crear pinceles de forma fácil o perfeccionarlos llevándolos a un nivel de precisión superior. El proceso es sencillo: se puede realizar una fotografía con la cámara del dispositivo o emplear alguna de la galería de imágenes, en la que se aislará el trazo mediante una máscara de color en tiempo real. Una vez aislado, se puede ir personalizando el pincel ajustando parámetros según lo que se necesite. Los ajustes disponibles incluyen pinceles de tipo de vector, banda o esparcir, color, tamaño y repetición. A través del panel de la vista previa en la parte superior de la pantalla, es posible ir visualizando los cambios que se están realizando. Al final el pincel, se guarda en la biblioteca de pinceles. Ésta se sincroniza automáticamente con la cuenta de Creative Cloud para que se pueda acceder a los pinceles de forma cómoda y rápida.

Algunos pinceles que se pueden crear

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“El gran motor del cambio es la tecnología.” Alvin Toffler

Letras mayúsculas

Ceros La herramienta para crear contenidos interactivos Ceros es una gran herramienta especialmente pensada para profesionales del marketing y del diseño. De forma fácil e intuitiva con esta plataforma es posible crear contenido interactivo y atractivo destinado a ebooks, microwebs, revistas digitales, banners, etc. Con Ceros se pueden llevar a cabo –sin necesidad de tener nociones de programación– experiencias interactivas a través de infografías, (elaboradas tras volcar en el software la información necesaria).

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Fontself Crea tu propia fuente tipográfica a partir del lettering Fontself es un proyecto en Kickstarter que promete que el hacer tipografías propias sea mucho más fácil. Su creador es el diseñador francés Franz Hoffman quien se ha dedicado durante nueve meses a desarrollar el software de dos extensiones: Fontself para Photoshop CC (#FS4PS) y Fontself para Illustrator CC (#FS4AI). Kickstarted es una plataforma que provee a todo tipo de creadores con los recursos y el apoyo necesarios para llevar sus ideas a la realidad. Y este es el caso de Franz

Hoffman y su Fontself. Mediante esta plataforma el diseñador pretende conseguir la financiación que necesita para hacer su proyecto realidad. A cambio ofrece recompensas en forma de regalos y servicios gratuitos relacionados con su proyecto. Hasta el momento Fontself ya ha conseguido 760 patrocinadores y ha recaudado 37.625 €. Según cuenta Hoffman, con Fontself, el usuario podrá dar vida a sus tipografías dibujadas, pintadas, bocetadas, fotografiadas o escaneadas mediante Photosho e Illustrator, creando un alfabeto que podrá emplear digitalmente para crear textos. El software transfor-

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ma cualquier elemento del lettering ya sea color, textura, iconos, etc. en tipografía funcional. Franz Hoffman asegura que el software está preparado para que este pueda ser utilizado sin requerir ninguna habilidad específica por parte del usuario y para que se pueda crear la fuente tipográfica en un tiempo récord. Además destaca la facilidad de hacer, modificar y exportar la fuente sin salir de Photoshop ni de Illustrator ya que se trabaja con un panel determinado, incorporado a estos programas al instalar Fontself, en el que poder editar la tipografía viendo simultáneamente los cambios realizados.



NUEVOS COLORES PANTONE

GRIS NARANJA AZUL


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