Fantasci #9

James Graham Ballard fue uno de los grandes autores ingleses de la llamada Nueva Ola de la Ciencia Ficción de la década de los sesentas.

Ballard nació en Shangai (China) en 1930 y pasó su juventud encerrado en un campo de concentración japonés durante la Segunda Guerra Mundial; un pasaje de su vida que relataría en la novela El Imperio del Sol, y de la cual Steven Spielberg haría una película en 1987.

Su obra se destaca por plantear problemas del siglo XX, ya sean por catástrofes ocasionadas por el medioambiente o por la mano del mismo hombre, cayendo en distopías.

Uno de sus trabajos mas polémicos fue la novela Crash, la cual también fue adaptada al cine por el no menos polémico David Cronenberg. Crash habla sobre la obsesión sexual y el fetiche automovilístico; y la cual fue cataloga de obscena, estando a punto de no ser estrenada en varias partes del mundo gracias a la censura.

El pasado 19 de abril de 2009 falleció este gran escritor, víctima de cáncer de próstata.

E

l mundo ya comienza a alistarse para tomar por asalto los cines con la llegada de los blockbusters veraniegos; en México como en otras partes del mundo, la alerta por la influenza a retrasado el estreno de muchas de estas películas, ejemplo de ello son X-Men Origenes: Wolverine y la reinvención de Star Trek, las cuales abordamos en este número y que llegan con casi un mes de demora de su fecha programada. ¿Les presumo? ¡Guillermo del Toro sabe de nuestra existencia! Está enterado que apareció como el Mejor Director del año pasado en Fantasci y esto es lo que le escribió al Director de Fi:

¡Qué pena apenas haber leído tú email! ¡Un placer oír de esta distinción!

Yo acá en Nueva Zelanda que es bellísimo- preparando Los Hobbitses.

“

“

Saludos Ignacio:

Abrazos Fuertes, Guillermo

¡Hey Memo! Ya que de seguro has hojeado la revista, y aprovechando que estas por allá, ¿se la podrías mostrar y traducir a Peter Jackson?

Espero les guste el contenido de este nuestro noveno número, el cual ahora sí es para todos gustos.

Vicente Cabrera El Editor

...¿Y otra de Aliens?

Siguiendo con otros famosos bichitos de la 20th Century Fox, también es posible que veamos una nueva pelicula de Alien. Pero no cualquier película. Tom Rothman, el mero mero de 20th, ha declarado que Ridley Scott se ha acercado a la compañía con la idea de realizar una precuela de su Alien, el Octavo Pasajero, donde pueda explicar el origen de estas criaturas. ¡Vamos Tom, espero que le hayas firmado un gran cheque a ese hombre!

Será temporada de caza...

Esta noticia parece broma, pero no lo es: 20th Century Fox ha encargado a Troublemaker Studios, la productora de Robert Rodriguez, una nueva secuela de Depredador. Aunque Rodriguez no será el director de la película, si estará presente en todo proceso, ya que la trama se basará en un guión realizado por él mismo hace ya varios años, en donde un comando armado enfrenta a varios depredadores. El 7 de Julio del 2010 es la fecha programada para su estreno.

It’s Pizza Time!

Luego del “éxito” obtenido en su versión de animación digital, las Tortugas Ninja tratarán de volverse la redituable franquicia que fueron a finales de los 80’s, con una nueva película en live action. ¿Volverán con esos ridículos trajes de goma? Pues no, será algo mil veces mejor... captura de movimiento con CGI. Lo que implica que un actor será reemplazado por un personaje creado por computadora, así como Davey Jones en Piratas del Caribe.

Esta nueva película contará el origen de las Tortugas mientras comen pizza y enfrentan de nuevo a Destructor.

El principio del infinito El director Kevin McDonald ha firmado un trato con New Regency para filmar una adaptación de El Fin de la Eternidad, novela original de Isaac Asimov acerca de un grupo elitísta denominado como “Eternidad” quienes pueden manipular el tiempo y alterar la historia. ¡Vaya, finalmente algo que no es remake o adaptación de comic!

La Torre cada vez más cerca Damon Lindelof ha comentado que su próximo proyecto, una vez que termine la serie Lost, de la cual es uno de los creadores, será el guión de La Torre Oscura, basado en las populares novelas de Stephen King. ¿Realmente le hará justicia o es mejor idea convertirla en miniserie para televisión?

Spawn de nuevo al cine Todd McFarlane, creador de famoso engendro, ha mencionado que tiene varias propuestas para realizar una nueva versión de su criaturita, Spawn.

Hace varios años se había rumorado de una posible secuela de corte oscuro y gore. A ver si es cierto.

Más comida para peces Se comenta que el actor Richard Dreyfuss podría ser carnada para peces una vez más en elpróximo remake de Piraña que dirigirá Alexandre Aja, esta ocasión la película llevará por título: Piraña 3-D, por lo cual no se sabe exactamente si será la segunda secuela de la original o si en realidad será un remake. Elizabeth Shue y Ving Rhames complemetan el elenco. ¡A afilar los dientes!

Y el cuervo dijo... ¿Robert Downey Jr? Ahora que Sylvester Stallone parece ser de nuevo un hombre respetado en Hollywood, podrá sacarse finalmente la espinita de dirigir su biografía de Edgar Allan Poe, que el mismo escribió hace mucho, mucho tiempo.

Y encabezando sus ideas de casting, se encuentra el talentoso actor de moda Robert Downey Jr. como el atormentado y alcohólico poeta.

Riddick Strikes Back Tanto el director David Twohy y el actor Vin Diesel han confirmado una tercera película del “Conan” del espacio, Riddick.

Aún no hay título oficial,pero ya aseguraron que se está escribiendo el guión en donde dicen se retomará una atmósfera más apegada a la primer película (Pitch Black, conocida por acá como Criaturas de la Noche) con muchos monstruos y acción con presupuesto modesto, ¿la verdad? Suena bien.

¿Quién digitalizó a Roger Rabbit?

Tal parece que Roger Rabbit, aquel infame conejo casado con Jessica...

Rabbit, regresa al cine y de la mano de Robert Zemeckis, director de la primera película.

Zemeckis dijo que luego de las experiencias con la captura de movimiento en el Expreso Polar y Beowulf, se siente curioso por llevar a Roger a esa tecnología. ¿Acaso ya se le olvido que la original presenta a un protagonista animado en 2D y realizado por dibujantes?

...They fuck with the wrong Mexican Ya que mencionamos al comienzo de estas notas a Robert Rodriguez, el hombre se mantiene desarrollando docenas de proyectos a la par, además de la secuela de Depredador (llamada tentativamente Predators), la versión de Los Supersónicos y la esperada segunda parte de Sin City, se está rumorando que ya tiene todo listo para comenzar a filmar en unas semanas la película de Machete, aquel personaje interpretado por Danny Trejo y que se volvió de culto como uno de los trailers falsos de Grindhouse.

Yo, Frankenstein Un comic nada conocido, llegará al cine dentro de poco, gracias a que el creador es el guionista de la saga Underworld. I, Frankenstein cuenta las aventuras del legendario monstruo como detective privado. ¡Es en serio!

La historia se desarrolla en un ambiente de Film Noir y la dirección correrá a cargo de Patrick Tatopoulos.

Watchgirls El nuevo proyecto de Zack Snyder (300, Watchmen), titulado Sucker Punch, parece que será una Chic Flick con tintes fantásticos con las guapérrima Jena Malone (The dangerous lives of the Altair Boys, Las Ruinas) y Jamie Chung (Dragonball: Evolution) acerca de una chica confinada a un manicomio por su malvado padrastro quien pretende lobotomizarla, para esto, la protagonista (no se ha especificadosi será Malone o Cheung) creará un mundo fantástico desde el cual planeará escaparse del manicomio. A ver, siento un Laberinto del Fauno déjà vu...

A

l fin estamos ante la prometida primer película de Wolverine en solitario (si habíamos tenido lo suficiente del personaje luego que la trilogía de X-Men se centrara en él, es cosa que no abordaremos aquí) y que promete develar parte del pasado del mutante más famoso del planeta, incluyendo el origen de su esqueleto de Adamantium y como empezó esa mortífera rivalidad con Victor Credd – Sabretooth-, su medio hermano.

EL MEJOR EN LO QUE HACE Así que de algún modo estamos ante una precuela de la saga la cual se desarrolla en la década de los 70’s. Aunque los flashbacks llegan a abarcar 150 años de historia mostrando cuan viejo es en realidad Logan, recreando momentos clave de la historia solo por unos segundos en pantalla. “Queríamos superar las expectativas en todo aspecto”, comenta el mismísimo Wolverine y ahora productor Hugh Jackman. “No solamente podíamos hacer una película muy buena; tenía que ser mucho más que eso.”

En X-Men Orígenes: Wolverine, la gente estará al tanto de que antes de los X-Men existía un grupo de mutantes mercenarios llamado Equipo X, al cual Logan y Creed se afilian gracias a la intervención de William Stryker (El villano de X-Men 2). Y aunque Sabretooth encaja perfectamente en el ambiente de las misiones, Logan renuncia debido a su moral y abandona al Equipo X. Unos años después, Logan tiene una nueva vida: trabaja como leñador en las montañas canadienses y vive felizmente al lado de Kayla Silverfox. “Kayla es un catalizador para los cambios más grandes a los que se haya tenido que enfrentar Logan”, comenta Lynn Collins, quien da vida a Silverfox, “Ella provoca que piense diferente con respecto al conflicto de ser humano y ser mutante. Su relación lo incita a intentar sanar viejas heridas y a experimentar las consecuencias y riesgos del amor.”

Pero todo origen heroico necesita de una tragedia; Sabretooth vuelve a la vida de Logan y le arrebata lo más querido. Es así como su búsqueda de venganza lo lleva hasta Stryker, quien le ofrece una única solución para detener a Creed: convertirse en un ser virtualmente indestructible. Y es entonces que conocemos el doloroso y terrible proceso que hay detrás del programa Arma X, por el cual Logan sufrirá para fusionar todo su esqueleto con la aleación metálica conocida como Adamantium.

¿Pero cuáles serán las verdaderas intenciones de Stryker y con qué finalidad creó el proyecto Arma X? ¿Qué ha pasado con el resto del Equipo X? ¿X-Men Orígenes: Wolverine será un motor de lucimiento para su protagonista o también mostrara conflictos emocionales y complejos como las cintas de Bryan Singer? “Sí, la película necesita ser visualmente espectacular, y la acción tiene que ser sorprendente e implacable”, comenta el director sudafricano Gavin Hood, cuya película Tsotsi ganó el Premio de la Academia a Mejor Película Extranjera. “Pero también tienes que estar convencido de la historia y de los personajes. La idea central de la película es la de alguien que no está a gusto consigo mismo, que está en guerra contra su propia naturaleza. Ese es un personaje interesante para explorar. El tema de estar en guerra contra tu propia naturaleza estimula y fortalece la película, por lo que se convierte en algo más que simplemente acción, por su propio bien.” ¿Y qué piensa Hugh Jackman sobre la oportunidad de repetir el papel que lo llevo a la fama? “Me divertí más interpretando a Wolverine en esta película que en las anteriores. Ahora podemos ver el viaje de Logan y la batalla que lo rodea, mientras asume la responsabilidad de los eventos de su pasado”, comenta Jackman. “Wolverine tiene ciertas virtudes que son sagradas y la primera de ellas es que es un buscapleitos. Podemos apelar al eslogan del personaje que reza ‘Wolverine es el mejor que existe en lo que hace, y lo que hace no es muy agradable.’”

JACKMAN SACA LAS GARRAS UNA VEZ MÁS Hasta antes de X-Men, Hugh Jackman no era un actor conocido para los cinéfilos, sí bien gran parte de su trabajo era en obras de teatro, fue el papel de Wolverine el que lo colocó en los cuernos de la luna y le abrió las puertas de las superproducciones Hollywodenses. “Si alguien me hubiera dicho que un día se iba a hacer una película de Wolverine, me hubiera reído”, dice Jackman. “No tenía idea del efecto que las películas de X-Men tendrían. Y no podría estar más agradecido con los aficionados y el público.”

Para su fortuna, no quedo encasillado en el personaje como suele ocurrir con muchos actores; ni siquiera en el género de la acción. Ha realizado comedias románticas como Kate & Leopold al lado de Meg Ryan; protagonizó la historia metafísica de Darren Aronofsky, La Fuente de la Vida y recientemente participó en Australia, la épica de Baz Luhrmann, de

donde es originario este actor. Todas ellas experiencias que sirvieron a Jackman para aprender del trabajo detrás de cámaras y desarrollar su nueva faceta como productor. “Esta película presenta a muchos personajes grandiosos y nuevos para las películas de X-Men. Fue particularmente gratificante introducir a estos nuevos personajes y encontrar a los actores adecuados para interpretarlos.”

“Con los filmes previos de X-Men nunca logré que Logan se viera exactamente como yo quería que se viera”, explica Jackman respecto a la libertad que tuvo para desarrollar físicamente a su famoso personaje. “Para ésta, quería que Logan se viera animalesco, que las venas se le botaran y que tuviera una habilidad física felina. Quería que el público dijera, ‘Okey, este tipo es aterrador; este tipo le podría arrancar la cabeza fácilmente a alguien.’”

ENEMIGO MÍO En el universo de los comics de la Marvel, la conexión entre Sabretooth y Wolverine nunca fue clara del todo; para el escritor Chris Claremont (creador del villano), la relación era de padre e hijo respectivamente.

Pero con los años, este parentesco fue desaprobado y desmentido por los escritores posteriores. Aún así, la duda siempre existió ya que comparten poderes similares, como el factor de curación acelerado y una furia bestial, que eclipsa por momentos al razonamiento humano.

La película se cuelga de un personaje y lo remplaza por Victor Creed: “Perro” Logan, el hermanastro de la miniserie Origen; y de la cual vemos un breve momento al comienzo de la película, cuando James Howlett (nombre verdadero de Wolverine) manifiesta por vez primera sus garras mutantes. Es a partir de ese momento que se vuelven compañeros inseparables, y por ser tan parecidos uno del otro, formar un vínculo que trasciende incluso la fraternidad. “Logan y Victor son un equipo”, comenta Jackman. “Emprenden un viaje juntos.”

Para Liev Schreiber, actor que interpreta a Sabretooth: “Víctor es increíblemente brutal y tiene un ansia de sangre como ningún personaje que me haya tocado interpretar. Este tipo es un auténtico asesino.”

Sin duda para los lectores de comics, los momentos que más esperan ver son las salvajes y brutales peleas entre estos dos personajes. “Hugh definitivamente hizo que subiera mi nivel de juego”, comenta Schreiber, quien aumentó 18 kilos de músculo para el papel.

“Hubo una química y competencia absolutas en nuestro entrenamiento y acrobacias. El hacer una escena de pelea con Hugh fue maravilloso, porque, como bailarín que es, tiene esa clase de disciplina y coreografía. Tenemos algunas escenas de peleas notables.”

QUIEN ES QUIEN EN EL EQUIPO X STRYKER Ya conocimos a William Stryker y su motivación en X-Men 2, ahora es el turno de ver su estrecha relación con Logan y el proyecto Arma X. Para Danny Huston (30 Días de Noche), Stryker es una especie de moderno Dr. Frankenstein: “En cierto modo, ayudó a crear a Wolverine. Stryker tanto ama como odia a Logan, y ciertamente quiere controlarlo a él y a otros mutantes. Ve a los mutantes como niños o animales salvajes. Al tenerlos bajo su control, puede utilizarlos como armas para lo que él cree que sería la protección de la humanidad. Quiere a Wolverine como un hijo, pero tiene que manipularlo y posiblemente exterminarlo, ya que Stryker lo ve como una cruzada personal, que cree que está por encima de cualquier hombre —o de cualquier mutante”.

DEADPOOL Wade Wilson, “El mercenario Bocón”, da el salto a la pantalla en la piel de Ryan Reynolds (Blade: Trinity), quien se ha declarado aficionado a los comics de Deadpool durante años: “He querido interpretar a Deadpool durante gran parte de mi vida adulta. Es un personaje querido entre los aficionados a las tiras cómicas, así que es una responsabilidad que no me tomo a la ligera”.

SABRETOOTH Victor Creed siempre ha estado presente en la vida de Logan en los comics, y esta versión cinematográfica no sería la excepción: “Considero a Victor como el doppelganger de Logan; su lado más oscuro”, comenta Liev Schreiber (La Profecía). “Lo que impulsa a ambos es su deseo por encontrar su lugar en el mundo —pertenecer a algo. Y esa única cosa a la que Victor pertenece es a Logan.

Cuando ese vínculo se rompe, Victor busca reunirse de nueva cuenta con su hermano, para bien o para mal”.

AGENT ZERO En el comic, el Agente Cero es originalmente conocido como Maverick, un mutante con la habilidad de absorber energía cinética generada por un impacto directo a su persona. En la película, es un experto francotirador interpretado por el actor Daniel Hanney (Seducing Mr. Robin), quien opina de la relación entre Logan y su personaje: “Aunque alguna vez fueron miembros del Equipo, ahora son enemigos. Siempre le ha tenido celos a Logan. Y está determinado a detenerlo”.

BRADLEY Dominic Monaghan se ha convertido en uno de esos actores obligados para la cultura friki, primero como el hobbit Merry en la trilogía de El Señor de los Anillos y posteriormente como Charlie, el músico junkie de la serie Lost. En X-Men Origenes: Wolverine interpreta a Bradley, un personaje menor en las historietas y que puede manipular la electricidad.

“Cuando conocemos a Bradley en la película ya ha pasado a un segundo plano”, comenta Monaghan. “Con el Equipo X, era un soldado de guerrilla, pero cuando las cosas se salieron de control y vio cosas que no quería ver, dejó la unidad.”

BLOB Kevin Durand es un actor con poca participación en cine, pero una de las caras más reconocidas en las series de televisión. Ha trabajado en CSI, Stargate SG-1 y Lost, sólo por mencionar algunos programas. Aquí da vida a la enorme masa humana de 315 kilos conocida como Blob. Para la trivia: dentro del voluminoso traje que portó el actor, había un moderno sistema de ventilación diseñado por la NASA.

WRAITH John Wraith es conocido en los comics como Kestrel, un mutante con la habilidad de la teletransportación y que fue sujeto de pruebas durante el programa Arma X. El cantante will.i.am, de los Black Eyed Peas, hace su debut actoral al darle vida a Wraith, de quien comenta: “No es alguien con quien te quieras meter.”

¿ES ESTA TU CARTA? Durante la década de los 90’s Remy LeBeau, el mutante francés conocido como Gambit, era uno de los personajes más populares dentro del panteón de los X-Men; incluso llegó a rivalizar en popularidad con Wolverine, pues similar a éste, su vida presentaba un trágico y misterioso pasado; además de haber mantenido durante muchos años una telenovelesca relación sentimental con Rogue, otra de las mutantes consentidas de los lectores.

Es por ello que al salir del cine, después de presenciar la primer película de X-Men de Bryan Singer, los aficionado especulaban sobre su inminente presencia en la secuela, y los rumores sobre que actor podría interpretarlo -incluso se llegó a decir que Keanu Reeves estaba interesado en el papel-, comenzaron a sonar por todos lados.

Y tal parece que como un acto por complacer finalmente a todos esos seguidores del personaje, que acabaron desilusionados luego de ver concluida la trilogía del equipo mutante, Gambit es presentado en el cine en una breve pero importante secuencia de X-Men Orígenes: Wolverine, donde servirá de guía para la travesía que Logan ha emprendido en pos de venganza.

El actor Taylor Kitsch, de la serie Friday Night Lights, fue el elegido para personificar a LeBeau, y quien tuvo que pasar largas horas de entrenamiento con el Bo y aprendiendo a lanzar las cartas (cargadas de energía cinética, arma insignia de Gambit) tal y como lo requería el personaje. “Cuando llegué a Sídney para comenzar a trabajar en el filme, les dije a los productores que estaba aquí para entrenar y trabajar”, comenta Kitsch. “Para cuando las cámaras comenzaron a rodar, ya podía hacer bastante con un juego de cartas.”

UNOS CUANTOS RASGUÑOS MÁS… En una entrevista a MTV, Hugh Jackman habló sobre la posible secuela que tendría X-Men Origenes: Wolverine, de resultar el éxito esperado: “No voy a mentirte, he estado hablando con los escritores... Soy un gran fan de los comics donde va a Japón. Me encanta la idea de presentar a este personaje anárquico, a éste marginado, dentro de este mundo de honor, tradiciones y costumbres. Sería genial. Esta secuela podría incluir a Silver Samurai y a Lady Deathstrike.”

Por otro lado, también se habla de un par de spin-offs; ya se tiene confirmada la pre-producción de una película protagonizada por Deadpool, donde Ryan Reynolds reinterpretará su papel de Wade Wilson; y también existen rumores que hablan de una posible historia sobre Gambit.

Y esto parece ser solo el principio. Aun quedan demasiados mutantes esperando dar el salto al cine.

E

sta escena es el clímax de la que es considerada por muchos como la obra maestra de Sergio Leone: Erase una Vez en el Oeste, los duelistas son: como Frank, el irrepetible Henry Fonda y el hombre conocido simplemente como “Harmónica” el también inigualable Charles Bronson. La escena es considerada también como un gran crescendo en una ópera de violencia, es cine de Sergio Leone en su forma más pura. Éste año es de ambivalencia, por un lado, festejamos alegremente el que hace ochenta años éste gran director de cine haya nacido, pero también éste año se cumplen veinte años que nos dejó. Así que, ¿quién fue Sergio Leone y por qué un director con una filmografía tan breve (apenas siete películas como director y

menos de media docena como productor) ha dejado una huella tan indeleble en la historia del cine?

Nacido en Roma, hijo del pionero del cine: Vicenzo Leone y una actriz de cine mudo, Edvige Valcarenghi, Sergio tuvo desde un principio una vida totalmente relacionada con el séptimo arte, se podría decir que los estudios Cinecittá fueron su salón de juegos.

Rodeado de toda esa parafernalia, Sergio Leone trabaja desde joven como asistente de varias cintas del llamado género Peplum (de espadas y sandalias, cintas cuyos temas versan sobre la antigua Grecia y Roma), siendo Quo Vadis? Y Ben-Hur las más destacadas (de hecho, presumía haber sido él quien dirigió la famosa carrera de cuadrigas de de Ben-Hur, aunque ya diversos historiadores de la historia del cine han desmentido esta afirmación).

Sería en este género su primera incursión, con la película: El Gigante de Rodas, aunque se trata de un Peplum menor vale la pena verlo solo para completista de la carrera de nuestro autor.

Su siguiente película: Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964) será sin embargo la que lo impulsará como un autor de culto dando inicio a la llamada Trilogía de los dólares o Del Hombre sin Nombre, se trata de un Spaghetti Western (adjetivo medio despectivo de las cintas de vaqueros realizadas en Italia, en México el equivalente sería: Chilaquil Western) que le dio prestigio al subgénero, en esta se nos presenta al hombre sin nombre, Clint Eastwood, quien borraría el prototipo del vaquero bueno, limpio y noble que vaqueros como Roy Rogers, John Wayne o el Llanero Solitario habían invadido al cine hasta la nausea, en una saga de tono más “realista” al presentarnos a un “héroe” sucio y hasta amoral.

La trilogía continua con: Por unos dólares más (Per qualche dollaro in piu, 1965) y la más popular y para muchos la mejor película de Leone: El Bueno, el Malo y el Feo (Il Buono, il Brutto, il Cattivo, 1966). Los tres filmes, que pueden verse de manera independiente, son de una poesía visual realmente inolvidable, ver estas cintas no es un entretenimiento banal, son toda una experiencia, si uno detesta el Western como género (como era mi caso) tras ver las cintas de Leone no le queda a uno más que reflexionar acerca del cine como medio expresivo, no importa de que género se trate, una buena dirección siempre nos hará revalorar a la pantalla de plata.

Los ingrediente de Leone parecen simples de entrada, pero la combinación debe ser precisa: tramas que de tan simples llegan a una complejidad narrativa, una fotografía soberbia, la música nostálgica de Ennio Morricone, sus close-ups a las miradas que más que acercamientos son declaraciones de expresión y un largo etcétera. Elementos copiados, imitadas y homenajeados por directores como Quentin Tarantino, Robert Rodriguez o Robert Zemeckis.

La Trilogía de los Dólares se convirtió pronto en una serie de películas de culto inyectándole nuevos bríos al cine de vaqueros que ya en los años sesentas daba señales de desgaste, inclusive, un par de décadas el mismo Clint Eastwood con su formidable película Los Imperdonables rendiría homenaje a Leone ganándose además un Oscar a la mejor película.

Tras el éxito de la trilogía de los dólares, y en específico de El Bueno, el Malo y el Feo, Leone es llamado a Norteamérica en donde se ha convertido ya en un director de culto,diversos actores nortemaericanos desean participar en sus películas y algunos todavía tendrían la fortuna de hacerlo.

En América, Leone pretendía filmar una cinta de gangsters basada en la novela The Hoods del ex mafioso Harry Grey, sin embargo, Paramount Pictures quería que antes dirigiera un Western más, a pesar de que Leone ya no deseaba continuar en el género, pero ante la promesa de que le producirían lo que quisiera después, realiza Erase Una Vez en el Oeste (C’era una volta il West, 1968),todo un poema visual y narrativo con Henry Fonda, Jason Robards, Charles Bronson y Claudia Cardinale, quién sería la primera mujer en llevar un protagónico en su filmografía. Para muchos otras (incluido quien estas líneas escribe) esta es su obra maestra, la cinematografía de Leone alcanza aquí su punto más álgido al igual que su manejo de actores, Claudia Cardinale nunca se vio tan hermosa como una prostituta de corazón de oro, Charles Bronson se perfilaría como el próximo gran héroe de acción, Jason Robards como Cheyenne es un villano realmente simpático y Henry Fonda se consolida como el gran actor que fue al interpretar a un villano (les preocupaba mucho su imagen, pues siempre realizó papeles de héroe) cuya penetrante mirada de ojos azules tenía fascinado al mismo Leone.

Erase Una Vez en el Oeste es realmente el último filme de vaqueros, la historia de trasfondo acerca de la construcción del último pueblo en la frontera que traerá a la civilización dándole fin a una época es un relato emotivo, tierno y violento, como buena película de Leone.

Con Erase Una Vez en el Oeste daba inicio a una segunda trilogía que enmarcaba tres periodos dela historia de los Estados Unidos, pero antes de continuarla Leone volvería una vez más al Western, solo que ahora en el papel de productor y codirector de una cinta maravillosa: Mi Nombre es Nadie (Il Mio Nome ‘e Nessuno, 1973) de Tonino Valeri; ésta película complementa muy bien a Erase Una Vez en el Oeste en cuanto que trata de un joven pistolero llamado Nadie (Terence Hill) quien debe matar a Jack Beauregard (Henry Fonda),un pistolero ya retirado, sólo que Nadie admira a Jack y en lugar de matarlo pretende ayudarlo a que termine enfrentando a una banda de criminales él solo para terminar su leyenda como debe ser.

Mi Nombre es Nadie es una mezcla bastante interesante de comedia con melodrama nostálgico, característico como ya se vio, en la filmografía de Leone, es la despedida a esos viejos héroes del Oeste como un guiño de ojo a sus propias películas, de hecho, fue el último Western per sé en el que trabajó, cabe destacar también que en esta película Morricone realizó uno de sus mejores soundtracks, triste y travieso a la vez, sólo él puede hacer algo así.

Posteriormente Leone terminaría de dirigir su segunda trilogía con: Por un puñado de Dinamita (una aventura menor ambientada en la Revolución Mexicana) y la que sería su canto de cisne, la inolvidable: Erase una Vez en América (Once Upon a Time in America, 1984), donde finalmente podría adaptar la novela de The Hoods.

Erase una Vez en América nos narra la historia del matón Noodles (Robert de Niro) a través de varias décadas, su relación con su amigo Rusty (James Woods), su romance con Deborah (Elizabeth McGovern como el personaje adulto y una jovencísima y siempre bella Jennifer Connelly como niña), el pacto que une a Noodles y Rusty desde su infancia y el desarrollo de un siglo que le va quitando el romance a la vida del gangster.

Con muchos problemas (en Estados Unidos se quejaron de su excesiva duración y se recortó inmisericordemente, se altero también la narrativa que de ir en flashbacks se editó linealmente ¡E incluso se les olvidó poner la banda sonora de Morricone!), esta última cinta de Leone se ha convertido también en una cinta de culto y referencia obligada en el cine de gangsters, en Europa y América Latina tuvimos la suerte de verla tal como Leone la concibió aunque poco a poco ha ganado su lugar como obra maestra.

Es con esta última y con Erase una vez en el Oeste en donde nos percatamos de la maestría que tuvo Leone, como ya mencioné líneas arriba, son historias sencillas pero no insulsas, su contenido estilístico y narrativo es sorprendente, al igual que sus personajes que son realmente tridimensionales, no es raro que uno sienta simpatía y hasta compasión por personajes como Cheyenne o el mismo Noodles, personajes de los estratos más bajos e inmorales pero que consiguen hacernos escapar una que otra lagrimita.

Sirvan estas líneas como homenaje aun gran artista quien no solo sabía dirigir, también sabía disparar.

C

on solo tres temporadas, la serie original de Viaje a las Estrellas se rehusaba a desaparecer y es que su popularidad se había acrecentado gracias a las repeticiones en diversas cadenas de televisión y es que sus temas humanos, científicos y fantásticos tenían mucho más que decir al público ávido de más aventuras de la tripulación del capitán Kirk.

Todo esto aunado a la popularidad que la ciencia ficción alcanzó a finales de la década de los setenta debido a la saga de la Guerra de las Galaxias de George Lucas, era un buen momento de relanzar la saga, solo que en esta ocasión en formato cinematográfico.

Con resultados irregulares, como era de esperarse, Star Trek continuó por más de veinte años ofreciéndonos nuevas aventuras de la tripulación de la nave Enterprise así como de la serie de la Nueva Generación.

A continuación realizaremos una recapitulación de estas diez películas, así que siéntense cómodamente que vamos a velocidad Warp a dónde ningún hombre ha ido jamás…

STAR TREK: THE MOTION PICTURE (VIAJE A LAS ESTRELLAS: LA PELÍCULA) 1980 Tras el éxito inicial de “Star Wars” casi todas las compañías cinematográficas buscaron alguna serie de ciencia ficción que explotar. Paramount Pictures tenía la serie de televisión de Sci-Fi por antonomasia.

También con la excusa de reunir al elenco original se realizó esta película en la que la tripulación de la nave espacial “Enterprise” debe enfrentarse ante una misteriosa nube cósmica que se dirige hacia la tierra con no muy buenas intenciones (ha destruido prácticamente a todo aquello se interponga a su paso).

Tras cinco años de no tripular un vehículo espacial, el Capitán Kirk (William Shatner) comanda a su tripulación mientras trata de pulir algunas asperezas con Decker, uno de sus subalternos al que le ha quitado el mando de la nave espacial mientras que el Señor Spock (Leonard Nimoy en uno de los personajes más emblemáticos del género de la ciencia ficción) trata de hallar un lugar en el cual identificarse puesto que acaba de reprobar una muy importante prueba en su planeta.

Al llegar a la nube descubren en el centro de ésta a una enorme nave espacial que lleva cientos de años viajando y recopilando información de la galaxia para dársela a su creador, esta entidad se hace llamar V’ger que además pretende aniquilar a la tripulación del Enterprise al considerar que las “unidades de carbono” son un defecto de la nave espacial.

El asunto final consistirá en convencer a V’ger de que los seres humanos son necesarios para el desempeño de la nave y en descubrir quien es el creador de V’ger.

Filosófica y visualmente impresionante (está muy en deuda con 2001: Odisea del espacio de Stanley Kubrick), la primer película de la serie es la quinta esencia de lo que es Viaje a las estrellas. Sin embargo, para ser una película basada en una serie comercial de televisión resultó ser demasiado “intelectual” – Aparece Isaac Asimov en los créditos finales como asesor científico - y para los cánones actuales resulta ser algo lenta.

De todas formas, es Sci-Fi dura en su máxima expresión y toda una experiencia lúdica para los aficionados al género que deseen ver una buena película.

STAR TREK II: THE WRATH OF KHAN (VIAJE A LAS ESTRELLAS II: LA IRA DE KHAN) 1982 Considerada por muchos como la mejor película de la serie, Viaje a las estrellas II: La ira de Khan, es realmente un espectáculo que sintetiza ese otro aspecto de lo que es la serie: acción y emociones intensas (a diferencia del aspecto filosófico y científico de la primera película).

En esta nos adentramos más a la psicología de los personajes, el Capitán Kirk empieza a sentir que los años están pasando por él y empieza a considerar el retirarse, sin embargo, una situación de emergencia aflora cuando Khan ( el triste y recientemente finado Ricardo Montalbán en una actuación estupenda que le valió ser reconocido como el mejor villano de toda la épica de Star Trek), un antiguo enemigo de la tripulación del Enterprise se ha apropiado del proyecto Génesis (proyecto que se ocupa de la regeneración de planetas) y pretende utilizarlo como arma.

El odio de Khan contra Kirk es de antología (Kirk lo había abandonado en un planeta desértico en un episodio anterior de la serie de televisión), aunque curiosamente nunca tienen una escena juntos.

Tras una serie de juegos de “gato y el ratón” entre ambos enemigos se concluirá con una de las mejores batalles de naves estelares en una nebulosa (con muchos efectos especiales mecánicos que ya quisieran tener la autenticidad muchos efectos CGI contemporáneos) en la que Spock pierde la vida de manera heroica al salvar a sus compañeros.

A modo personal, aunque me gusta mucho prefiero Viaje a las Estrellas en su vertiente más “intelectual”, sin embargo no se puede negar que esta película resulta bastante entretenida.

(Nota de trivia: esta película sirvió de trampolín para la actriz Kristie Alley)

STAR TREK III: THE SEARCH FOR SPOCK (VIAJE A LAS ESTRELLAS III: EN BUSCA DE SPOCK) 1984 Inmediatamente al final de la película anterior, Sarek, el padre de Spock le reclama a Kirk el no haber ayudado a su hijo a completar su “katra” (un rito en el que los Vulcanos “reviven” tras haber almacenado su memoria en un portador), sin embargo resulta que es el doctor McCoy quien porta el katra del Vulcano y deben regresar al planeta Génesis para encontrar el cuerpo de su amigo para poder completar el rito (mientras tanto, Leonard Nimoy se encuentra muy campante dirigiendo la película).

Sin embargo, el planeta ha entrado en un problema de jurisdicción con los Klingons (enemigos de la Federación de planetas) y se les prohíbe ir a recuperar el cuerpo de su amigo, por esta razón deciden robarse el Enterprise e ir a una nueva aventura. Para empeorar las cosas, el planeta empieza a dar señas de descomposición y se iniciará así una carrera contra el tiempo en donde deberán encontrar y rescatar a Spock antes de que el planeta se destruya (además de que los Klingon piensan que el proyecto Génesis puede ser un arma).

Esta es una de las películas más polémicas de la serie al ser una de las más oscuras y sangrientas (David, el hijo de Kirk paga con su vida la rivalidad entre la Federación y los Klingon), también en esta se trató de realizar una reflexión acerca del llamado “complejo de Frankestein” al cuestionarse si es correcto el tratar de crear vida.

Interesante y con mucha acción, sin embargo, esta película no vale mucho por sí sola ya que las referencias con la película anterior abundan constantemente, es realmente una secuela directa de la “Ira de Khan”, y aunque Christopher Lloyd está muy bien como villano no alcanza los niveles teatrales de Ricardo Montalbán.

STAR TREK IV: THE HOME VOYAGE (VIAJE A LAS ESTRELLAS IV: MISIÓN SALVAR LA TIERRA) 1986 Sin proponérselo, esta película cierra una trilogía iniciada en la segunda película, también destaca por ser la más taquillera de toda la franquicia y porque adopta un sentido del humor bastante inesperado.

A su regreso a la tierra, listos para recibir su castigo por haberse robado (y además perdido) al Enterprise, Kirk y la tripulación se enfrenta con una amenaza inesperada: una entidad desconocida transmite en frecuencias que están provocando la destrucción de la tierra misma.

Spock descubre que la frecuencia es en lenguaje de ballenas, ya extintas en el siglo XXIII, así que deciden viajar en el tiempo a los años ochenta del siglo XX para rescatar a dos cetáceos para que se comuniquen con los extraterrestres y además generar de paso una nueva generación de ballenas.

Los clichés que se dan en el siglo XX resultan ser bastante efectivos y divertidos, además la película destaca porque a pesar de prescindir de un villano logra mantener el suspenso; cierto es que deja muchos cabos sueltos (olvidan un arma del siglo XXIII en una base militar, crean un bucle temporal al vender unos lentes que después Bones comprará en el futuro, así que cabe cuestionarse, ¿Cuándo los fabricaron?) que dieron para diversas tramas en novelas y comics de la serie; pero son más las virtudes que los defectos los que sostienen la película.

En síntesis, Star Trek IV: The home voyage resume lo mejor de la serie con una trama inteligente que no está divorciada de la acción y de la diversión (de pilón se nos plantea una reflexión ecológica por lo de las ballenas).

STAR TREK V: THE FINAL FRONTIER (VIAJE A LAS ESTRELLAS V: LA ÚLTIMA FRONTERA) 1989 El ego de William Shatner no conoce de límites, y por muy grande que sea este no es suficiente para ocultar las deficiencias de esta película que él mismo dirigió.

En esta ocasión, la tripulación del Enterprise es interrumpida de unas vacaciones para averiguar que ocurre en un planeta de la zona neutral en donde han sido secuestrados unos embajadores Romulanos, Klingons y humanos.

Al llegar al planeta nos enteramos que ellos no están contra su voluntad, y que su aparente captor es un Vulcano rebelde (en todos los sentidos, pues se ha entregado a los sentimientos) llamado Sybok (Laurence Luckinbill) que resulta ser medio hermano de Spock quien los ha convencido para unirse a su cruzada.

Poco a poco, Sybok convence a la tripulación del Enterprise de unírsele, ya que lo que se propone es ir al corazón de la galaxia (“La última frontera” a la que se refiere el título, que además es desconocida por la Federación de planetas) para encontrarse con Dios.

Al final resulta que el tal Dios es un planeta viviente con un ego más grande que el de William Shatner (lo cual ya es decir algo) que quiere robarse la nave para conquistar la galaxia.

Lo que empezó con una premisa tan interesante como la de la primer película termina siendo un terrible decepción, es el clásico caso del guionista que prefiere “no meterse en cosas que están más allá de toda compresión humana” y se sale por la tangente (no sé si sea por falta de imaginación o que…).

Lástima, la premisa y la actuación formidable de Luckinbill prometían que esta podría ser la mejor película de la serie y resultó ser la peor, incluso en el apartado de efectos especiales y escenarios se ven más acartonados que muchos episodios de la serie de televisión original. Esta solo véanla fanáticos (que no es lo mismo que “fans”) de la serie.

STAR TREK VI: THE UNDISCOVERY COUNTRY (VIAJE A LAS ESTRELLAS VI: EL PAÍS DESCONOCIDO) 1991 Una explosión a escala cósmica ocasiona que el imperio Klingon esté al borde de la extinción, la Federación de planetas trata de obtener la paz con sus enemigos en ese momento y las pláticas diplomáticas dan inicio. Se comisiona a Kirk y a su tripulación en la nueva Enterprise para iniciar estas conversaciones con un delegado Klingon muy a pesar del mismo Kirk (quien les guarda rencor por la muerte de su hijo en la tercera película).

Pronto, la nave Klingon es víctima de un ataque en el que todo parece señalar que se trata del Enterprise mismo, Kirk será juzgado y sentenciado al planeta prisión Rura Phente mientras Spock se queda a cargo de la nave tratando de descubrir el complot que amenaza la paz de la galaxia utilizando sus mejores métodos deductivos (en esta película descubrimos que por su lado humano es descendiente del mismísimo Sherlock Holmes, cosa que la sociedad de Holmes en Inglaterra aceptó de buen talante).

Lo interesante de esta película fue en parte que apareció precisamente como una reflexión de la caída de la Unión Soviética (la explosión inicial es una remembranza de Chernobyl), el discurso político es bastante obvio y realmente lo pone a pensar a uno.

Esta película es un digno canto de cisne para la tripulación original de la serie con una trama inteligente y lúdica dentro de la mejor tradición de las novelas de misterio, además, Christopher Plummer consigue a uno de los villanos más memorables de la serie al interpretar a un Klingon que recita a Shakespeare en su idioma alegando que es la mejor manera de apreciarlo.

Cinta obligada para los fans de la serie y para todos aquellos que piensen que la política no es un buen elemento a combinar en la ciencia ficción.

STAR TREK: GENERATIONS (VIAJE A LAS ESTRELLAS: LA NUEVA GENERACIÓN) 1994 Han pasado más de veinte años desde que el capitán Kirk comandó la nave Enterprise y se encuentra ahora en el viaje de inauguración del Enterprise-B. Lo que sería solo un viaje sencillo se complica cuando una llamada de emergencia es recibida y es necesario auxiliar a dos naves que se enfrentan a una deformación espacial en un Enterprise aún en construcción. Como resultado, Kirk muere aparentemente al ser absorbido por la deformación espacial…

Casi ochenta años después, el Enterprise-D, comandado por el capitán Jean Luc Picard (Patrick Stewart) deberá rescatar y enfrentarse a un científico loco llamado Soran (Malcolm Mc Dowell, como uno de los mejores villanos de la serie) quien pretende destruir un mundo para poder regresar al “Nexus”, la deformación espacio temporal al inicio de la película, puesto que ahí se encuentra la felicidad en estado puro.

Tras lograr con éxito su cometido (a costa de millones de vidas), Picard busca en el Nexus a Kirk, quien es el único que puede ayudarlo a regresar en el tiempo (gracias al efecto mismo del Nexus) y derrotar a Soran.

Esta película ha sido una de las más subestimadas de la serie ya que se esperaba que al ser ésta la porta estandarte de la franquicia cinematográfica de la generación clásica a la Nueva Generación fuera algo realmente espectacular; sin embargo, los productores optaron por una historia de corte más intimista. Y es esto precisamente su virtud y tal vez su mayor defecto, para los seguidores de ambas series resulta ser una película emotiva y esperanzadora, pero depende precisamente de eso, de ser seguidor de la serie, por lo tanto hay elementos que se no entienden del todo bien si uno no ha visto los programas de televisión (y surgen dudas como por ejemplo: ¿de dónde sacó Data ese “chip” emocional?, ¿Quiénes eran las personas por las que Picard lamenta tanto su muerte?, ¿quién diablos es Guinan?, etc.).

A pesar de todo, la trama es bastante inteligente y filosófica, se plantean de manera seria temas como por ejemplo el coste de la felicidad, el paso del tiempo y que es lo que nos define como seres humanos; en síntesis, tiene todos los elementos necesarios sobre como debe de ser una buena historia de Viaje a las Estrellas; y de pilón, es muy entretenida.

STAR TREK: FIRST CONTACT (VIAJE A LAS ESTRELLAS: PRIMER CONTACTO) 1996 Los Borg (una inteligencia colectiva que al conquistar asimila a todos los seres vivos), temibles enemigos de la Federación de planetas y del Capitán Jean Luc Picard (ya lo habían asimilado en una ocasión anterior) han vuelto con un plan maestro: regresar al tiempo por los años 60’s de nuestro siglo y así evitar que se de el primer contacto entre una raza inteligente con la humanidad y así evitar también que se forme la Federación.

Jean Luc y la tripulación del Enterprise-D deberán corregir el transcurso de la historia y evitar la conquista Borg.

Con una premisa hasta cierto punto compleja para el no iniciado en Viaje a las Estrellas se desarrolla uno de los mejores guiones de la serie, la película es bastante divertida y emocionante y aunque uno no conozca la saga es bastante comprensible en los primeros minutos.

Nos encontramos con la que a juicio de muchos es la segunda mejor película de la franquicia; la dirección de Jonathan Frakes – También actúa como el Comandante William Riker – resulta bastante inspirada y consigue un filme realmente entretenido, casi todos los personajes (incluidos los secundarios, James Crommwell como Zefram Cochrane es realmente delicioso en su papel) tienen su momento de lucimiento a diferencia de otras películas en las que solo Kirk, Spock y Bones lucían.

Como nota de trivia cabe destacar que el primer encuentro entre humanos y extraterrestres se celebró con… ¡Tequila! Te guste Star Trek o no esta es una película que hay que ver.

STAR TREK: INSURRECTION (VIAJE A LAS ESTRELLAS: INSURRECCIÓN) 1998 Tras el errático comportamiento del androide Data en el planeta Ba’ku, la tripulación del Enterprise descubren un complot en el que se pretende desalojar a los 600 habitantes del planeta para beneficiar a los Son’a, otra raza que clama legítimos derechos del mundo que emite una radiación que rejuvenece a sus habitantes, en otras palabras, se trata de la “fuente de la eterna juventud”. El Capitán Picard descubrirá que detrás de este complot se encuentra la mismísima Federación de planetas, razón por la cual deberá de cometer un acto de insurrección.

La premisa suena interesante de entrada, sin embargo, se trata de un argumento bastante menor y para colmo, mal realizado, parece que la dirección de Jonathan Frakes erró el camino y es que tras la estupenda película anterior de la serie las expectativas de ésta eran bastante altas y resulta un terrible resbalón dentro de la serie.

A fin de cuentas nos encontramos con un conflicto tribal (y casi trivial) en el cual, tras dos años después de no ver una historia de viaje a las estrellas resulta decepcionante; no pasa nada trascendente (salvo que Geordi – Levar Burton – recupera la vista por efecto del planeta) y ni siquiera la promesa de ver al Enterprise contra la flota de la Federación cumple la expectativa (en realidad Picard se rebela contra un dirigente que tras darse cuenta del error de su proceder lo asesinan en menos de cinco minutos,

así que esa famosa “insurrección” se queda en mucho ruido y pocas nueces). Lo peor resulta que el estupendo actor F. Murray Abraham quien se ha caracterizado por ser uno de los grandes villanos de la pantalla aquí se minimiza con un personaje tan patético que da más lástima que otra cosa.

Ahora, ¿es realmente mala?, tal vez no del todo, si esto se hubiera realizado como un episodio en dos partes de la serie de televisión hubiera pasado como una aventura satisfactoria y ya, pero para ser un espectáculo cinematográfico está a años luz de cumplir sus expectativas. Recomendable solo para Trekkies con síndrome de abstinencia.

STAR TREK: NEMESIS (NÉMESIS) 2002 En esta aventura, la última de la “nueva” generación del Enterprise antes de la nueva película que pretende relanzar la franquicia, el Capitán Jean Luc Picard y su tripulación son invitados a una conferencia que pueda brindar la paz entre la Federación y los Romulanos tras años de enemistad. Sin embargo, Shinzon (un estupendo Tom Hardy) uno de los principales dirigentes resulta ser nada más y nada menos que un clon del capitán.

Lo que en un principio parecía ser una misión de paz termina siendo un duelo de egos y rencores en las que Picard se enfrenta a un enemigo que sabe como piensa y le hace cuestionar su propia naturaleza.

La primera mitad de la película es un poco lenta, para luego presentarnos una de las mejores secuencias de batallas entre naves espaciales, aunque desafortunadamente nos recuerda mucho a “Star Trek II: The wraith of Khan”, es casi un remake: la batalla es espectacular, muere un personaje importante y hay un discurso ligero acerca del uso de tecnología (la ingeniería genética, en este caso).

En síntesis, vale la pena para los fans de la serie, suceden cosas interesantes que no ocurrieron el la película anterior. Aquellos que no les guste viaje a las estrellas tal vez les llame la atención por los efectos especiales y una trama realmente intensa.

Finalmente comento que no creo que sea necesario verlas para poder entender la nueva película, Star Trek cerró su ciclo cinematográfico con esta última película para dar pie a nuevas tendencias y sagas cinematográficas, esperemos que la nueva versión nos traiga buenas historias repletas de acción y emociones, y que de pilón, también nos hagan pensar, ¡Larga vida y prosperidad!

MENCIÓN ESPECIAL: GALAXY QUEST (HÉROES FUERA DE ÓRBITA) 1999 Divertidísima parodia y homenaje a Viaje a las estrellas, Galaxy Quest es una película realmente entretenida al explorar y explotar todo el fenómeno “Trekkie” desde las series de televisión hasta al “fandom” mismo.

En Galaxy Quest se nos narra que hace algunos años existía una serie de televisión con este mismo nombre en el que la tripulación de una nave espacial comandada por el actor Jason Nesmith quien a su vez interpreta al comandante Peter Quincy Taggart (Un delicioso Tim allen que parodia al ego de William Shatner) que viaja por toda la galaxia en un sin número de aventuras al lado de su tripulación, en la que destacan el Doctor Lazarus (Alan Rickman en una sabrosa parodia del Señor Spock y de Leonard Nimoy) y la teniente Tawny Madison (Sigourney Weaver, en su papel más sexy desde Ghostbusters) entre otros personajes delirantes.

Han pasado varios años desde que la serie se canceló y durante una convención un grupo de fans los contratan para una presentación especial, solo que resulta que estos “fans” son en realidad extraterrestres que han recibido las señales del programa y creen que se tratan de documentales verídicos, así que piden ayuda a la tripulación para derrotar a general Roth’h’ar Sarris, un temible extraterrestre quien pretende conquistar a la galaxia. Tras una serie de enredos y aclaraciones, la tripulación compuesta de actores deberán reinterpretar a sus personajes en una aventura real en la que se parodian todos los clichés del género posible y más.

Se trata esta de una excelente película con una trama realmente original que sabe aprovechar recursos utilizados hasta la saciedad para lograr transmitirnos una capacidad de asombro (Cabe destacar además los estupendos diseños de Bernie Wrightson que hizo para algunos extraterrestres y personajes) que aunado al estupendo trabajo actoral hacen de esta una película bastante refrescante que no debes dejar de ver.

Si odias Viaje a las Estrellas, esta es tu película, pero si te gusta… ¡También!

Lo confieso, soy un “Trekkie”, bueno, alguien tenía que serlo en esta revista, ¿pero cómo no serlo cuando esta serie (la palabra “franquicia” no me agrada mucho) nos ha brindado a varias generaciones emociones, aventuras y algo sobre lo que reflexionar por mucho tiempo?

Generalmente, y a partir de los años setenta se le ha comparado injustamente a Viaje a las Estrellas con esa otra saga intergaláctica llamada La Guerra de las Galaxias (Star Wars) en cuanto cosas como valores de producción o simplemente por que Star Wars apela más al sentido espiritual que los viajes de Kirk y compañía.

Nada que ver, ni una cosa ni la otra, en cuanto a valores de producción Star Trek, recordemos, data desde los años 60’s, es obvio que los efectos especiales se vean ya obsoletos, cierto que tampoco fueron impactantes en su momento, pero eran efectivos en cuanto a su desarrollo para lograr asombrarnos o simplemente involucrarnos en una buena historia, además, la mayoría de sus detractores se les olvida que las series y películas posteriores a la versión original han contribuido al desarrollo de técnicas en FX (películas con ID4 tomaron el efecto de los escudos de las naves espaciales, y de hecho, la misma Star Wars en sus ediciones especiales tomaron prestado el efecto de las explosiones que transmiten ondas tras el impacto).

Pero no nos quedemos en la superficie, que eso es lo de menos (sagas como El Planeta de los Simios, El Túnel de Tiempo o Perdidos en el espacio adolecen de los mismo y sin embargo son también bastante exitosas), lo interesante en Star Trek es el contenido de sus historias y la riqueza de los personajes, cierto, se le ha acusado de no ser tan “espiritual” como Star Wars, pero es que quienes dicen esto o no han visto realmente Star Trek o de plano es que no la han entendido. Y es que, en efecto, Star Trek si apela a cierta magia, solo que esta es una magia humana, es el espíritu positivista de Comte quien hace eco en esta saga, Viaje a las estrellas es un viaje primordialmente al espíritu humano y su capacidad de razonamiento hacia la resolución de los conflictos humanos (Como ejemplo, es interesantísima la dicotomía que personajes como el Señor Spock o el androide Data de la Nueva Generación presentan al concebir y analizar a la humanidad, el primero es un semi extraterrestre que desea ser totalmente

lógico, separándose de las “emociones humanas” que le entorpecen en su camino hacia la perfección, mientras que el segundo es un robot totalmente preciso y lógico que añora ser cada vez más humano, aunque el costo de esto sea el cometer errores e inclusive abrazar de manera Asimoviana a la mortandad. ¿Puede acaso haber algo más espiritual que esto?

No por nada escritores como Harlan Ellison o el mismísimo Isaac Asimov han fungido como guionistas o consultores de esta saga que junto a personalidades como el mismo Stephen Hawkins o Carl Sagan dieron su sello de aprobación (aunque también le realizaron críticas en aspectos puramente científicos) al ser ésta una saga que nos invita a reflexionar sobre los diversos temas que trata (ecología, humanismo, la búsqueda de vida inteligente en otros mundos, cibernética, robótica, racismo, feminismo, política, etc.).

Es por ésta y por muchas otras razones que Viaje a las Estrellas se niega a morir, con cinco series de televisión, una saga de diez películas, cientos de historias alternas en comics, novelas y video juegos, Star Trek regresa de nuevo al cine (la última película, Star Trek: Némesis, se realizó hace más de seis años) pero de una manera muy peculiar con la finalidad de atraer a nuevos fans pero a su vez mantener a los seguidores de siempre, tarea nada fácil si consideramos que otras series han intentado esto último sin mucho éxito que digamos (el regreso de Superman de Bryan Singer o las versiones nuevas de Star Wars por ejemplo).

Vayamos por partes (precaución, posibles spoilers): De a cuerdo con los antecedentes en la reciente aparición en comic de la precuela de la nueva película, Countdown de IDW Publishing, nos encontraremos que en la época de la Nueva Generación que tras una hecatombe, un Romulano (Raza alienígena enemigos de la humanidad

y de la Federación de Planetas) llamado Nero (Eric Bana) viajará por el tiempo a la época de James T. Kirk (Christopher Pine) no sabemos si con la intención de matarlo y cambiar así elementos del futuro, tras de éste viajará el Señor Spock (Leonard Nimoy) para evitar las maquinaciones del villano, solo que de alguna manera, y esto de acuerdo con el tráiler de la película, sí se darán cambios de una manera inesperada presentándonos de nuevo a la generación “original” pero en una realidad totalmente nueva y distinta.

“La están llamando un relanzamiento” Dijo Chris Pine con mucha seguridad en una reciente entrevista, “Con un nuevo elenco, nuevos escritores y una nueva línea alterna temporal, el director J.J. Abrams ha creado una versión más sexy y brillante para el siglo XXI. Su meta fue llamar a nuevas audiencias y complacer a los Trekkies de toda la vida, y esta película consigue ambas cosas”

No sabremos si lo lograrán hasta que veamos la nueva película, aunque parece ser que los ingredientes son los adecuados: el equipo de dirección y escritores J. J. Abrams junto con Alex Kurtzman y Roberto Orci, responsables de la serie de TV. Lost y la película de Transformers entre otros éxitos así como de un elenco de lo más ecléctico e interesante.

Pero, ¿por qué regresar de nuevo al origen? Kurtzman responde: “… nos intrigaba el hecho de que nunca se ha contado la historia de como la tripulación del Enterprise llegó a conformarse. Se habían dado pequeñas

referencias pero nunca se había contado y es esta la clase de historia de origen épico que solo puedes contar en Viaje a las Estrellas. Así que sentimos que si vamos a traer un nuevo plato a la mesa, ese es el plato con el que debemos empezar. Todo ha sido con Kirk y Spock desde el principio para nosotros, siempre fue acerca de Kirk y Spock”.

El mismo Abrams no podía estar menos de acuerdo, ya que lo esencial en Star Trek es que la visión de Gene Rodenberry (creador de la saga original) quede intacta: “Los temas que más me han entusiasmado honestamente tienen menos que ver con Star Trek mismo y con el espacio, tienen más que ver con el optimismo y la humanidad y con encontrar tu propósito a través de la unidad”.

Ciertamente una de las estrellas dela serie es la nave espacial Enterprise que también tendrá una revisión y algunos cambios, aunque el diseño se mantiene fiel a la original. “Algo que me frustraba desde niño – dice Roger Guyett, supervisor de efectos especiales – de el Enterprise original era que nada se movía. Era una cosa demasiada estática… Hicimos que el plato deflector se moviera, así que sale de frente, crece y puedes moverlo alrededor. Hicimos que fuera mucho más contemporáneo”. Así que podremos esperar que el Enterprise haga más cosas de lo que la hemos visto hacer antes, todo esto muy acorde al nuevo “look” de la película.

Pero lo que más llama la atención es precisamente el nuevo elenco, que tiene unos zapatos más grandes que llenar que los del nuevo Enterprise.

Cierto alivio nos da ver a Zachary Quinto (Sí, el mismísimo Sylar de la serie Héroes) quien al menos visualmente convence como el joven Spock, Abrahams comenta su elección del joven actor: “Estaba sorprendido por su parecido a Leonard Nimoy. Fue su aspecto físico y su ansiedad por interpretar el papel, no desde el punto de vista de los fans sino por que aprecia el reto que implica el personaje lo que nos llevó a elegirlo”.

Por otra parte, Chris Pine reflexiona sobre su interpretación de James T. Kirk y sobre como no teme quedar estereotipado: “Ciertamente (la estereotipización) estaba en mi mente cuando acepté el rol, pero pienso, y tal vez sea ingenuo de mi parte, pero estoy seguro que William Shatner siempre será el Capitán Kirk y Leonard Nimoy siempre será el Señor Spock. Es un hecho para todo el mundo. Siento que Zach y yo hemos tomado el manto en este momento y tal vez más adelante hayan otros Kirks y otros Spocks.

Es una historia muy grande, ¿sabes?”

Y bueno, la generación clásica da su voto de confianza, Leonard Nimoy mismo cuenta: “Este Nuevo equipo son personas muy talentosas y es fascinante ver las raíces de los personajes que Bill Shatner, De Forest Kelly, yo y el resto interpretamos. Cuando empezamos a realizar el show, éramos una tripulación del Enterprise que salíamos en nuestras misiones. En esta película, veremos las semillas de esos personajes ser plantadas; veremos de donde vinieron y como se conocieron unos a otros y cuales fueron las circunstancias y como llegaron a ser la tripulación que nosotros interpretamos. Fue bastante divertido verlo”.

Pues esperemos que en efecto sea bastante divertida, esta nueva película puede ser uno de los más grandes éxitos o el más grande fracaso de la temporada, el juicio de los Trekkies será bastante enérgico, así que ajustemos nuestros cinturones por que vamos a velocidad Warp… ¡A donde ningún hombre ha ido jamás!

Douglas Noel Adams (11 Marzo 1952 – 11 Mayo 2001)

D

ouglas Adams fue un escritor, actor y músico inglés, nació en Cambridge, Inglaterra en 1952, tres años antes de su hermana Susan, sus padres se divorciaron en 1957. Los niños se mudaron con sus abuelos paternos a Brentwood, Essex, donde la abuela tenía un refugio para animales maltratados. Esta situación afectó a Douglas quien sufría de asma y fiebre de heno.

Sus primeros años escolares transcurrieron tranquilamente, era uno de los mejores estudiantes, con especial interés en las artes. Una anécdota favorita de Adams es sobre su maestro Frank Halford, quien otorgó el único 10 de toda su carrera magisterial a Douglas por su creatividad literaria.

Sus primeros escritos se publicaron en periódicos escolares y como parte del club de fotografía. Trató de ser parte del club de teatro, pero al ser rechazado comenzó su propio grupo junto con un par de amigos. Finalmente se graduó en Literatura Inglesa.

Adams no era bueno para vender sus historias, por lo que tuvo que tomar varios trabajos pequeños en radio y televisión, así como portero de hospital, pollero (vendedor de pollo), guardaespaldas, etc. Después de que La guía del viajero… se hiciera famosa, se volvió productor de la BBC radio por seis meses, cuando se fue para convertirse en editor de Doctor Who. Personalidad Douglas estaba sumamente interesado en cuestiones ambientalistas, carreras de autos, computadoras Macintosh, cámaras y cualquier avance tecnológico. Sus amigos hacían frecuentes bromas sobre su estatura (1.96) como: ‘Meet under the clock tower,’ or ‘Meet under the war memorial,’ but ‘Meet under Adams.’ (‘Encuéntrame bajo la torre del reloj’ ,o ‘Encuéntrame bajo la estuatua memorial de guerra’ o ‘Encuéntrame bajo Adams’) Douglas se autodescribía como un ateísta radical para evitar la pregunta de si se refería a “agnóstico”. Frecuentemente decía “estoy convencido de que no existe Dios” razón por la cual se dedicaba devotamente a cuestiones como el ambientalismo. El libro de Richard Dawkins, famoso biólogo y pensador, The God Delusion lo cita “Isn’t it enough to see that a garden is beautiful without having to believe that there are fairies at the bottom of it too?” (¿no es suficiente con ver que un jardín es hermoso sin tener que creer que hay hadas detrás de eso también?), libro que por cierto fue dedicado a Douglas.

Obra Duglas Adams es famoso por su serie de libros Hitchhiker’s Guide to the Galaxy o La Guía del Viajero Intergaláctico, la cual inició como un programa de radio en 1977 y que después derivaría en una serie de cinco libros (The hitchhiker’s guide to the galaxy; The restaurant at the end of the universe; Life, the universe and everything; So long and thanks for all the fish y Young Zaphod plays it safe) más el pilón (Mostly harmless) las cuales han vendido más de 15 millones de copias en varios idiomas.

La historia se le ocurrió estando tirado, borracho en Austria, aunque la versión oficial de la BBC es que fue observando a las estrellas en España… suena mejor la primera… la cual continúa…

Adams viajaba con una copia de la Hitch-hiker’s Guide to Europe cuando llegó a un pueblo donde, de acuerdo a él, todos estaban sordos o tontos o hablaban en lenguas extrañas. Después de vagar y tomar por un rato se quedó dormido en el campo, justo antes, la historia había comenzado en su cabeza.

De los guiones originales de radio poco se conservó en el libro y en la serie de televisión, la cual, de hecho estaba basada en los primeros episodios de radio. Para Douglas no era tan fácil escribir tal magnitud de historias, un ejemplo es So Long, and Thanks For All the Fish, novela que fue completada durante una reclusión de tres semanas en un hotel, por parte de su editor.

De esta obra se realizó una serie de televisión, un juego de computación, además de diversas adaptaciones al teatro durante su vida. Cuando murió en 2001, aún estaba tratando de concretar la película de esta historia con Disney, quien compró los derechos en 1998. Finalmente esta película se llevó a cabo varios años después, la cual lamentablemente no refleja todas las cualidades del libro al intentar resumirlo y simplificarlo, si a pesar de eso les ha gustado, es altamente recomendable den un vistazo al libro. Éste contiene no sólo escenas altamente divertidas, también situaciones e ideas que te hacen reflexionar acerca del mundo, la humanidad, la manera en que la sociedad te programa y los prejuicios que adquieres a lo largo de tu vida.

Su obra ha inspirado a escritores tan importantes como Neil Gaiman quien escribió el libro Don’t Panic: The Official Hitchhiker’s Guide to the Galaxy Companion, que potencialmente podría incluirse como parte de la saga.

Otros libros de su autoría incluyen Dirk Gently’s Holistic Detective Agency, (con ideas usadas previamente en historias de Doctor Who) y su secuela The Long Dark Tea-Time of the Soul, así como libros sobre especies en peligro de extinción Last Chance to See (también hecha serie de radio) y The Great Ape Project.

Después de su muerte, en 2002, se publicaron textos inéditos que incluían ensayos y una novela incompleta, todo bajo el título de The Salmon of Doubt.

Junto a Graham Chapman participó como escritor en una escena del último episodio del Monty python’s Flying Circus titulada “Patient Abuse” y de nuevo en la película Monty Python and the Holy Grail.

Como actor en algunos episodios como “The Light Entertainment War” como el Dr Emile Koning.

En radio participó en el programa The Burkiss Way en 1977 y The News Huddlines. En televisión también colaboró en la serie de televisión inglesa Doctor Who en varios capítulos , ya sea como escritor o editor.

Pero no se limitó a los medios de comunicación. Desarrolló junto con Digital Village y Terry Jones el juego de computación y novela Starship Titanic.

Era un gran admirador de Apple, logrando que personalidades como John Cleese fueran voceros de la compañía. La primera versión de iMovie fué probada con un video hecho por él con su hija Polly.

Como ambientalista, además de los libros antes mencionados, participó en numerosas campañas para beneficio de África y le dio todo su apoyo al fondo para los gorilas de Dian Fossey. Numerosas campañas se llevan a cabo cada año en su memoria, como “Salvemos al rinoceronte” (Save the Rhino).

Música Adams era zurdo, tocaba el piano y la guitarra, tenía una colección de 24 guitarras. Era gran admirador de Pink Floyd, por lo que puede encontrarse una referencia con Marvin tarareando “Shine on You Crazy Diamond”. Esta banda fue la inspiración para crear “Disaster Area”, banda de rock descrita en La Guía del Viajero... como la más ruidosa de la galaxia. Douglas era amigo de David Gilmour y en su cumpleaños 42 (“La respuesta a la vida, el Universo y todo lo demás”) fue invitado de honor en un concierto de Pink Floyd el 28 de octubre de 1994.

Otra referencia musical se hace como intento de responder la máxima pregunta, citando una línea de Bob Dylan “How many roads must a man walk down?” de la canción “Blowin’ in the Wind”. También se encuentran referencias a canciones de los Beatles en varias de sus novelas en diálogos como “Wait, let it be”. The Restaurant at the End of the Universe, segunda parte de la saga, está dedicada al disco de Paul Simon One-Trick Pony.

Pero Douglas no sólo fue inspirado por músicos, también fue la inspiración de ellos, siendo el mejor ejemplo Radiohead con su disco OK Computer (reconocido como uno de los mejores de todos los tiempos), el cual fue basado en La Guía del Viajero Intergaláctico, la referencia más obvia es la canción “Paranoid Android”, dedicada a Marvin.

Douglas Adams murió de un ataque al corazón a la edad de 49 años el 11 de mayo de 2001. Un hombre que no sólo escribió historias graciosas, sus obras han forjado en cierta forma el mundo en el que vivimos, inspirando y ayudando a otros en campos tan diversos como la literatura, música, tecnología, filosofía, biología, etc. He aquí un pequeño homenaje e intento de difundir no sólo sus escritos, sino toda la historia e influencia de uno de los grandes hombres de los últimos años.

Para aquellos interesados en profundizar en su historia, su biografía autorizada Wish You Were Here de Nick Webb es un buen punto de referencia.

“She was mostly immensely relieved to think that virtually everything that anybody had ever told her was wrong.”

So long and thank s for all the fish, Douglas Adams “Ella estaba inmensamente aliviada al pensar que virtualmente todo lo que nadie le había dicho estaba equivocado.”

De So long and thanks for all the fish.

Douglas Adams

E

ra 1988 cuando vi en el cine La puerta al Infierno, en aquel entonces veía muchas películas y ésta en especial por su titulo y su poster promocional me llamó la atención. Después de casi dos horas salía del cine fascinado a la vez que confundido, lo que acababa de ver era todo un festín de sangre aderezado y mostrando un lado de la sexualidad que no me imaginaba hasta entonces; era mi primer contacto con el mundo de Clive Barker.

Clive Barker es un escritor que ha logrado un status como autor de culto, que después de varios años de carrera sigue sin ser tan conocido en nuestro país como otros autores del género, más específicamente Stephen King, Lovecraft o el mismo Edgar Allan Poe; y no seria por falta de produccion o creatividad, acaso sea por el estilo tan cargado de sexo y violencia explícitos en combinación como no se había visto antes dentro del horror.

Es común encontrar en sus historias personajes cuyos motivos no podrían ser fácilmente calificados dentro de los cánones del bien o el mal, ni son completamente negros o completamente puros, simplemente poseen motivaciones tan complejas como cualquier otro ser vivo pensante y emocional, personajes que deambulan en una realidad que corre paralela a la nuestra, tan viva y bien descrita que pareciera no ser solo ficción.

El primer paso dentro del género lo da al publicar los magníficos Libros de Sangre, son seis tomos que agrupan veintinueve cuentos o narraciones cortas publicados en Inglaterra a mediados de los 80’s. De entre ellos podríamos destacar los siguientes: “Los muertos tienen autopistas.” Funciona a modo de prólogo o introducción al festín que se nos presentara lo largo de los tomos que componen la colección. Un vividor que se hace pasar por médium es sometido a un castigo ejemplar por los espíritus que han sido ofendidos por él y que utilizaran su persona para hacer que el mundo conozca sus historias.

“En las colinas, las ciudades.” Dos turistas visitan Yugoslavia y al dar una vuelta equivocada en su camino, terminan siendo testigos de la confrontación de dos poblaciones que siguen un rito tan antiguo como sangriento.

“Terror.” Dos estudiantes universitarios que coinciden en la materia de filosofía, disertan de la naturaleza humana y su propensión a dejar que el miedo gobierne toda acción de la sociedad.

“La política del cuerpo.” El protagonista de esta historia nota progresivamente que a cada nuevo día tras dormir, no ha descansado lo suficiente; la explicación resulta en una de las mejores narraciones de la recopilación.

Estos son algunas de las historias que podemos disfrutar de estos volúmenes de “Sangre”. Muy recomendables para quien no ha tenido contacto antes con el autor y para aquel que quiere saber más de Barker.

Después de editar Los libros de Sangre, nos ofrece su primer novela titulada El juego de las Maldiciones (1985). Un poco floja por momentos pero que logra salir adelante; trata sobre el azar y como algunos seres viven de ello; el juego como una alegoría mística de la vida y como su gobierno puede extenderse por generaciones. Más orientada al género de fantasía, sin dejar de lado los tintes oscuros típicos de Barker.

Su siguiente novela es Cabal (1998), un trabajo mucho más elaborado y sustancial; Boone es el personaje principal quien ha tenido sueños donde es llamado a una ciudad llamada Midian, un lugar místico que alberga a los relegados de la luz del día, a la raza nocturna; Boone buscará llegar ahí sabiendo que es el lugar al que pertenece por derecho propio.

Pero es con El gran Show Secreto que Barker logra afianzarse como un gran maestro del género fantástico; este es el primer libro sobre El Arte y narra la confrontación entre dos fuerzas casi elementales, una busca el control del Arte, la otra detener a la primera; un conflicto oculto, cuyas repercusiones podrían cambiar la realidad común o incluso destruirla.

El Ladrón de Días es una fábula... ¿para niños? Barker ofrece una historia donde los deseos de un niño se convierten en realidad a un precio que no imagino habría de pagar; no obstante el estilo ligero (no hay filias oscuras ni violencia extrema) tiene el toque del autor, como huella indeleble de su genio, ¿o no es acaso la infancia una edad perfecta donde los temores, los monstruos bajo la cama o dentro del ropero pueden crecer como la hierba silvestre?

Algunas de sus obras han sido adaptadas a la pantalla grande, a veces sin lograr el éxito de taquillas o siquiera a nivel estético, como Rawhead Rex o Waveworld automáticos productos de la serie “B” donde Barker solo puede presumir de escribir las narraciones en las cuales se basan estas cintas. Afortunadamente se aventura a dirigir Hellraiser adaptando su propia historia corta The Hellbound Heart, creando así uno de los hitos dentro de la Historia del género de horror.

Frank Cotton es un ser amoral que gusta de experimentar los límites del placer y el conocimiento y que tras adquirir un artefacto místico logra abrir la puerta a otro plano de existencia donde es atrapado y expuesto a placeres insospechados a manos de quienes habitan esa región de la existencia. Los Cenobitas son sus guías en ese mundo alterno y su líder Pinhead alcanzaría el status de icono cultural, superior a Freddy Krueger o Jason Voorhees; Pinhead es un personaje que tiene una motivación mas allá de la simple carnicería o la venganza desmedida, no Pinhead posee conocimientos mas allá de la experiencia humana, y sin casi moverse basta que su profunda voz se deje oír para ponerte los pelos de punta. Hellraiser tampoco logra alcanzar el éxito en taquilla pero los seguidores de Barker la consideran una joya del cine de horror, hasta alcanzar el nivel de obra de culto.

Ya fogueado dentro del mundo de la imagen en movimiento, Barker dirige su segundo largometraje el cual adapta de su novela Cabal y tras algunas modificaciones estrena Nightbreed (La Raza Infernal, como se tituló para el público en México), la crítica no la favorece, debido tal vez a que muestra los Breed como los héroes y a los humanos como los verdaderos monstruos. Sin embargo también es objeto de culto entre los fans.

Candyman no es dirigida por Barker, pero el adapta su propia historia de los Books of Blood titulada “Lo Prohibido” el director Bernard Rose (Immortal Beloved), realiza una cinta ejemplar que logra atrapar al público, respetando la idea del autor y el escrito original. Una periodista se encuentra con un mito urbano sobre un hombre que por mano porta un garfio al que un grupo de personas rinden particular culto, ofrendando dulces para evitar su furia; pronto la protagonista se verá envuelta por el mito mismo y su vida no será más la misma.

Otros proyectos cinematográficos con el nombre de Barker en los créditos son: Lord of Illusions que el mismo dirige y escribe; también hay dos episodios para la serie Masters of Horror que Barker escribe y son productos lo suficientemente entretenidos para el formato televisivo. Mas reciente podemos mencionar El tren de La Carne de Medianoche que es muy buena, la dirige Ryuhei Kitamura con un estilo que logra un muy buen acercamiento al estilo tan gore con que Barker nos tiene acostumbrados; la película no se estreno en EUA por contener demasiada violencia grafica (¡¿?!) …

Pero no solo en el cine o TV ha sido donde podemos disfrutar del trabajo de Barker, la mayoría de las narraciones de los Books of Blood han sido adaptados en una serie de comics que llevan por título Tapping The Vein con varios artistas gráficos; incluso la Marvel Comics le da oportunidad de crear su propio universo con títulos como Ectokid, Hokum and Hex, Hiperkind y Saint Sinner, en una continuidad paralela a de la Marvel, bajo el sello Razorline fundada por el mismo Clive Barker, que existe solamente de 1993 a 1995. Hellraiser también ha visto su desarrollo dentro de los comics, asi como Nightbreed; ambas sagas tienen un crossover incluso en que se nos plantea que ambos grupos han cultivado una vieja y encarnizada enemistad.

Las más recientes adaptaciones de la obra de Barker son The Thief of Always (El Ladron de Días) y El Gran Show Secreto; adaptaciones bien hechas y respetuosas del original.

Otras manifestaciones artísticas de Barker incluyen la pintura e ilustración, en Cabal apreciamos algunos dibujos a tinta realizados al estilo de las pruebas rorschach que modifica para representar rostros que a momentos incluso podrían semejar los bosquejos de algunos Cenobitas; también en el Ladrón de Días podemos disfrutar de sus ilustraciones, y no lo hace nada mal. Ha tenido cierto éxito como pintor, ha expuesto sus obras en importantes galerías, el tema de las mismas no se aleja un ápice de lo bizarro y oscuro.

El mundo de los videojuegos también ha sido visitado por Barker y a la fecha contamos con dos títulos dentro del subgénero de los shooters donde ha escrito las historias y ha tenido alguna injerencia en el diseño de personajes y escenarios: Undying y recientemente Jericho, donde se combina la acción de los FPS con los temas oscuros de magia y horror al estilo del autor que nos ocupa.

Así es como Barker se mantiene activo dentro del mundo del entretenimiento ya sea por medios tradicionales o por los electrónicos, siempre fiel a sus ideas provocativas y revolucionarias, hay muchos proyectos que tienen su nombre involucrado pero esa será motivo de otra visita al templo de los horrores donde Barker se consolida como un pilar fuerte, palpitante que permitirá su permanencia mucho tiempo en nuestras psiques.

S

in lugar a dudas, uno de los mercados en los que es más difícil destacar es en el de los comics, pocos son los autores que logran hacerse de un verdadero renombre y llegar a ser catalogados como uno de los más importantes del medio. Uno de esos especímenes es Grant Morrison; dueño de uno de un estilo de narrativa único que te puede llevar desde los corredores de un manicomio repleto de criminales hasta relatarte el misterio del asesinato de Dios.

Los Inicios de Morrison Morrison nació el 31 de enero de 1960, en Glasgow Escocia, alrededor de sus 17 años ya tenia sus primeros trabajos publicados: Gideon Stargrave, tiras para Near Myths en 1978, uno de los primeros comics alternativos británicos. Su trabajo fue publicado en 4 de 5 números de Near Myths, lo cual motivó a seguir probando suerte en este terreno.

Gran parte de los 80’s Morrison tocó con su banda musical The Mixers, mientras escribía para algunas empresas británicas. Poco después escribió The Liberators para Dez Skinn’s Warrior en 1985 para que en 1986 pasara a formar parte de las filas de Marvel UK y la famosa 2000 A.D. (con la cual siguió colaborando hasta los noventas) también por este tiempo hizo colaboraciones en la revista Dr. Who, colaborando con el entonces joven Brian Hitch.

Conquistando el nuevo continente En 1987 gracias a su trabajo en Zenith se le abrieron las puertas del mercado Estadounidenses, cuando la DC comics lo contrató. De las primeras cosas que hizo fue revitalizar al personaje de Animal Man, el cual permanecía en una total sombra opacado por los demás héroes; gracias al trabajo de Morrison la serie de Animal Man fue una de las mas aplaudidas por finales de los 80. Con este trabajo Morrison encabezó la llamada “Onda Británica” junto con otros escritores como Gaiman, Moore y Milligan los cuales estaban conquistando los comics americanos.

Viendo el éxito de Morrison, DC Comics lo pone al mando de la Doom Patrol, la cual se notaba que carecía de rumbo. Morrison se ocupa desde el numero 19 en 1989, re-encarrilando el titulo a la idea original de “los superhéroes más extraños” introduciendo varios conceptos totalmente surrealistas. En este mismo año escribió uno de los comics de más éxito en América y representativo de su estilo: Arkham Asylum, ganando de una vez por todas el reconocimiento del medio vendiendo mas de 500,000 copias en todo el mundo.

En la Casa de las Ideas y de vuelta a DC Tras abandonar DC se enrola en Marvel realizando dos series: la de Marvel Boy, para Marvel Knights y Fantastic Four: 1234; y a partir de Mayo del 2001 entra al titulo de los X-Men para crear la que según algunos críticos y fans es una de las mejores temporadas de los X, cambiando de entrada el nombre de la serie por la de New X-Men, mostrando una alineación controversial y novedosa. Sembró las semillas del nuevo romance de Scott Summers a quien no lo visualizábamos con otra pareja que no sea Jean Grey (a la cual finiquito) y peor aún, con una antigua adversaria y exhibicionista (por decirle de algún modo) como Emma Frost. También generó al personaje de Xorn que en realidad era un Magneto infiltrado en la fila de los X para derrotarlos; todo dentro de la historia de Planet X, considerado uno de sus arcos más polémicos en este titulo, a tal grado que su Xorn, sufrió un retcon (Retroactive Continuity - cambio en la continuidad de la línea argumental) con artistas posteriores.

Consumándose como Autor Ya en los 90’s en el sello Vertigo de DC, Morrison ideó otra de sus grandes obras: The Mistery Play, serie que cuenta la adaptación metafórica de que pasaría si Dios muere. También por este tiempo, en colaboración con Mark Millar regresa al ámbito superheroico con Aztek una vez más aclamado por la crítica, aunque fue un titulo de corta duración.

La obra que quizá sea la mejor y más personal de Morrison es The Invisibles, la cual consto de tres volúmenes y combinó referencias sub-culturales, pop y política en una obra que pone de manifiesto la revolución como un elemento constante en la sociedad, la cual es acentuada por la lucha entre aquellos que quieren mantener el status y quien opta por la libertad de la individualidad. El concepto de esta pieza de autor era muy similar al que se manejó en la cinta The Matrix, por lo que Morrison tuvo un breve enfrentamiento con DC (que a su vez es propiedad de la Warner Bros) por no haber protegido como se debe su obra de autor.

En 1997 relanza el titulo de la JLA, serie que convirtió en la más vendida de DC, ganándose al publico una vez más, aunque disminuyó su propio estilo personal para realizar historias con tintes más épicos. En 1998 participó en el evento-crossover DC One Million y varios números de The Flash. Posteriormente y ya en el año 2000 junto con Frank Quitely lanzó la novela grafica JLA: Tierra 2.

Se ha mencionado que Morrison volverá a manejar un titulo del murciélago, en la serie Batman y Robin, el cual será lanzado después de los sucesos que Tony Daniel nos presentará en Battle for the Cowl.

Un hombre llamado: Grant Ese joven que nació en Glasgow y comenzó a temprana edad se ha convertido en uno de los más representativos y respetados autores de Comic de esta época. Su genial estilo no lineal y el uso de la contra-cultura es un sello personal en todos sus trabajos. Su trayectoria a abarcado también el séptimo arte realizando guiones, así también lo ha hecho en el ámbito teatral.

Grant, es un estuche completo de monerías, del cual podemos esperar muchas cosas en un futuro, no por nada es uno de los grandes talentos británicos y del mundo.

Tras terminar las páginas de New X-Men, Morrison regresó al sello DC. En el 2004 bajo el sello Vertigo publicó tres nuevos títulos: Seaguy, We3 y Vimanarama, también volvió a escribir a la JLA. En el 2005 guioniza Seven Soldiers of Victory, la primer llamada “Megaserie” (dado que abarco 30 issues en total) La caída del murciélago V 2.0 Dan Didio (Editor en Jefe de DC) quedó impresionado, por las ideas mostradas por Morrison y la forma de renovar a los personajes y le otorgó el titulo de “revamp boy”. En el mismo 2005 inicio con la serie de All-Star Superman, donde renueva el origen de El Hombre de Acero, serie que como toda la línea All-Star estaba desarrollada fuera de continuidad (dicha línea era una contraofensiva contra la exitosa línea Ultimate de Marvel). Dicha serie le valió el premio Eisner a Mejor Serie Nueva en el 2006. También lo coloca en la nomina de la serie semanal 52, la cual sucedió justo después del evento: Crisis Infinita. En el mismo 2006 fue elegido como el escritor de comics #2 estando por arriba de el también británico Neil Gaiman (quien ocupo el #3) y por debajo de otro Británico para variar, Alan Moore (en el #1).

Morrison abordaría el titulo del Hombre Murciélago desde el 655, titulo que generaría la polémica historia de BATMAN RIP, la cual desembocó en el evento de DC del 2008 FINAL CRISIS, donde plasma el destino final del mejor detective del mundo, un final no muy bien realizado y visto de pésima manera por el público.

H

ace tan solo 2 meses y 17 días, se estrenó la película Watchmen, dirigida por Zack Snyder y la cual está basada en la obra seminal de la novela gráfica del mismo nombre; y que si bien fue recibida con más entusiasmo que escepticismo, no todo mundo quedó conforme con la traslación de un medio a otro. Entre ellos se encontraba Alan Moore, quien escribió la historia de un peculiar grupo de héroes 24 años atrás y que seguirá repercutiendo en el futuro como una lectura obligada; autor de incontables obras y quien jamás se ha sentido satisfecho con las adaptaciones cinematográficas de su trabajo.

Cuatro años antes, Moore opinaba sobre el cine: “Odio a la industria del cine porque si hago un mal comic, no va a costar cientos de millones de dólares; que es el presupuesto necesario para una pequeña nación africana tercermundista. Y ese dinero, que se podría haber utilizado para aliviar parte del inmenso sufrimiento de ese mundo, es destinado para que los aburridos, apáticos y perezosos adolescentes occidentales tengan otra forma de matar 90 minutos de su interminable y aparentemente inútil vida.”

Es el 18 de noviembre de 1953. Alan Moore nace en Northampton, Inglaterra. Dentro de 27 años comenzará una prolífica carrera como escritor de historietas y con el paso de los años se desempeñará también como novelista, músico y mago. De esta última, un tanto extravagante profesión, le dedicará parte de su tiempo a partir de su cumpleaños número 40, como mera curiosidad por explorar todos los aspectos del universo.

Es 1983, inicia su carrera en el mercado norteamericano con la saga de Swamp Thing, que pasó de ser un personaje menor de la DC a ser casi omnipotente, un guardián de la naturaleza; con una atmosfera de horror revitalizada por la pluma de Moore, alcanzando un nivel de culto con el tiempo. Dentro de la serie crea a John Constantine y comienza la línea Vertigo, donde se publicarán historias para lectores maduros. Dentro de este subsello de DC, el cual quedará fundado en 1993, comenzarán a trabajar otros escritores ingleses como Neil Gaiman y Grant Morrison para continuar la brecha que abrió Moore.

Es 1991, comienza la gestación de From Hell junto al dibujante Eddie Campbell, historia donde relaciona al Jack el Destripador con el pasado oscuro de la corona británica durante la época victoriana. 5 años dura el periodo de publicación de esta obra en 10 volúmenes, y finalmente será colectada en un enorme tomo de 572 páginas en 1999.

En el otoño del 2001, se estrena una versión cinematográfica de From Hell, teniendo como estelares a Johnny Depp y Heather Graham y varios cambios sustanciales con respecto a la versión del comic. Gracias a esta adaptación y la siguiente, La Liga de los Caballeros Extraordinarios, en el 2003, Moore renegará de toda película que se base en su obra.

Es 1980, después de dedicarle tiempo al arte gráfico, opta por abandonar el dibujo al no considerarse competente en el área y comienza a pulir su narrativa en títulos como, Warrior, Dr. Who Weekly, 2000 AD y Marvel UK, donde escribe al Captain Britain.

Debido al éxito que ha tenido en América y la calidad de su trabajo, en 1985 DC pide a Moore que escriba para Superman, creando un par de historias muy interesantes: “¿Qué le pasó al Hombre del Mañana?”, una historia imaginaria (“¿Acaso no lo son todas?”, declararía el propio escritor al comienzo del comic) en la cual Superman ha muerto y “Para el Hombre que lo tiene todo”, en donde Wonder Woman, Batman y Robin visitan a Superman el día de su cumpleaños, encontrándolo en estado vegetativo gracias a una extraña planta que tiene incrustada en el pecho, la cual lo ha inducido en un sueño en donde Krypton nunca explotó y tiene una vida con su familia nativa.

Aproximadamente dentro de una década, esa última historia se verá animada en la serie de TV Justice League Unlimited.

En 2007, contrario a lo que se podría pensar de un sujeto como él, Alan Moore aparece como personaje animado en Los Simpsons, En ese capítulo, Moore junto a otros creadores de comics (Dan Clowes y Art Spiegelman), dan una firma de autógrafos en la nueva tienda de comics de Springfield, teniendo uno de los segmentos más divertidos que se hayan visto últimamente en el programa.

Es 1982, paralelo a su trabajo con Miracleman, crea V for Vendetta con David Lloyd. V es un anarquista que busca derribar al gobierno totalitario mientras persigue una venganza personal. La publicación de esta historia se dará en diferentes compañías a lo largo de 7 años, hasta que finalmente encontrará lugar en DC Comics. En Marzo del 2006, llega a los cines una adaptación perpetrada por los hermanos Wachowski; debido a los cambios realizados a su obra, Moore exige que remuevan su nombre de los créditos.

Es 1989, después de terminar de publicar V for Vendetta, Moore deja de trabajar para DC Comics luego de tener problemas con sus regalías por publicaciones como Watchmen, lo cual lo orilla a tomar la decisión de jamás volver a trabajar con ninguna de las grandes editoriales.

Dentro de unos años, diría en entrevista: “Hay tres o cuatro compañías actualmente que existen con el único fin de no crear comics, sino storyboards para películas. Podría ser cierto que la única razón por la que existe la industria de la historieta es para este fin, crear personajes para películas, juegos y otros tipos de mercancía.”

En 1987 se colecta la miniserie Watchmen - dibujada por Dave Gibbons-, en un solo volumen como novela gráfica. Tan solo un año antes, en su corrida mensual, Watchmen alcanzaba un nivel de narrativa jamás visto en el mundo de los comics; se puede decir que no solo revitalizó la forma de contar historias de superhéroes, sino que dio fin de algún modo al género de los superhéroes. Después de leer Watchmen ya no se podían ver de la misma manera, brindándole una madurez y una oscuridad en las próximas aventuras de los superhombres de los comics.

Es 1982, crea el primer arco narrativo que lo pondría en la mira de todo mundo: Miracleman (originalmente llamado Marvelman, pero que tuvo que cambiar su nombre en EU por cuestiones legales). Miracleman era un superhéroe inglés de los años cincuenta y fue rescatado del olvido por Moore insertándolo en un mundo mucho más complejo y oscuro.

Aunque solo escribió 16 números, fueron suficientes para que el personaje tomara notoriedad, así como su trabajo en la industria.

En 1999 se crea America’s Best Comics, un subsello de Wildstorm (que a su vez era una división de Image Comics perteneciente a Jim Lee), con la finalidad de albergar un universo gráfico creado completamente por Alan Moore. Entre los títulos creados por el escritor estaban Top 10, cuyas historias eran en torno a una jefatura de policía de una ciudad donde todo mundo tiene súper poderes; Tom Strong, un comic retro que homenaje a los viejos héroes de las revista pulp de los años 30’s; Promethea, comic que mezcla la magia, el arte y la metafísica con una súper heroína; y La Liga de Caballeros Extraordinarios, donde un grupo de personajes literarios de la época victoriana como Allan Quatermain, el capitán Nemo, Mina Murray, el Dr. Jekyll y el Hombre Invisible son reunidos para detener al villano Fu Manchu.

Con los años, Jim Lee vende su compañía a DC Comics y Moore dejaría ABC, llevándose consigo algunos de sus personajes.

Es 1970. 17 años después de su nacimiento, es echado de la escuela por vender LSD. Debido a esto pasa gran parte de su juventud haciendo trabajos mediocres, por lo que decide probar suerte escribiendo y dibujando él mismo tiras cómicas en fanzines y revistas. En 2005, la revista Time catalogará Watchmen como una de las más grandes novelas de todos los tiempos.

Mayo del 2007. Se casa con su colaboradora de Lost Girls, Melinda Gebbie, luego de 16 años de colaboración. Este sería su segundo matrimonio, ya que su primer esposa e hijos lo abandonarían unos años antes. Un año antes de su boda, en el 2006, aparece publicada en un tomo recopilatorio Lost Girls, un comic erótico que relata las aventuras sexuales de tres protagonistas muy conocidas: Alicia (de El país de las Maravillas), Wendy Darling (de Peter Pan) y Dorothy Gale (de El Mago de Oz); quienes se conocen como adultas y comparten sus historias justo antes del estallido de la Primera Guerra Mundial.

Es 1988 y escribe para Batman “La broma Mortal”, en la cual narra en forma de flashbacks el posible origen del Joker; en esta historia el enemigo de Batman termina con la carrera de Batichica al dejarla paralitica de por vida y tortura psicológicamente al comisionado Gordon. Los trazos son proporcionados por el maestro Brian Bolland.

C

ierto, Alan Moore ha sido el más iconoclasta de los autores ingleses de historieta y Grant Morrison tal vez sea el más transgresor, pero si alguno se lleva el título de mejor narrador, literariamente hablando, ese es sin duda Neil Gaiman, su gusto por contarnos una buena historia y la poesía que destilan sus textos es más que patente.

Nacido en 1960, en Porchester, Gran Bretaña, desde niño tuvo el sueño de escribir historietas, incluso, en un examen de vocación profesional dio alto como escritor y contador, cuando el maestro que le aplicó el examen le preguntó que quería ser de grande y le contestó que escritor de comics, Neil le cuestionó sobre como podría hacerlo, el maestro, sin saber como responder le replicó: ¿No has considerado realizar una carrera en contaduría?

La obra de Gaiman es actualmente bastante prolífica aunque su nombre apenas está empezando a sonar fuera del medio comiqueril, quién estas líneas escribe recuerda que su primer contacto con este autor fue el número cincuenta de Sandman, yo ya había escuchado que era un comic magnífico y mi vendedor de historietas me comentó que ese número era una historia autoconclusiva, que si lo compraba y no me gustaba me lo cambiaría por otro, así que no lo pensé mucho y me lo llevé, y fue en ese momento la mejor experiencia de lectura en historieta que jamás había tenido, la historia de Harum Al-Raschid y el Señor de los Sueños me atrapó de inmediato y desde entonces me avoqué a conseguir toda la serie así como de todo lo que este Británico ha escrito Parte del éxito de Gaiman es su asombrosa capacidad de realizar cocteles mitológicos y de cultura pop, ofreciéndonos historias ya conocidas desde una perspectiva fresca y novedosa, es toda una experiencia. A continuación un breve recuento de algunas de sus obras más representativas.

Comics: Sandman (El Arenero) Ciertamente es Sandman su obra maestra, en esta serie de 75 números Gaiman nos cuenta las andanzas de Morfeo, la antropomorfización de los sueños quien junto con sus seis hermanos (La Muerte, el Destino, Destrucción, Delirio, Desesperación y Deseo) se percatan del valor de su propia existencia como un reflejo de esas características humanas. Hablar de Sandman nos llevaría todo un artículo completo y nos quedaríamos cortos, en síntesis hablamos de una poderosa literatura en uno de los ejercicios más fascinantes de la literatura de finales del siglo XX.

Books of Magic (Los libros de Magia) Books of Magic nos narra en una mini serie la historia de Tim Hunter, un adolescente de unos trece años que está destinado a ser el mago más poderoso del mundo, en esta serie cuatro personajes mágicos (Phantom Stranger, John Constantine, Dr. Occult y Mister E. Magos del Universo de DC Comics) lo llevarán en un viaje iniciático a conocer la naturaleza de la magia en cuatro diferentes mundos: La magia del pasado, el mundo mágico del presente, el reino de las hadas y la fantasía y finalmente el mundo del futuro respectivamente.

La historia es mágica y llena de referencias culturales sobre la magia a través de la historia así como de mitos modernos, es innegable que esta serie fue una gran influencia para J.K. Rowling y su maguito Best Seller, a favor de Gaiman hay que mencionar que dentro de su formato de historieta despliega una poesía tanto lírica como visual haciendo de esta una obra preciosista que atrapa a uno desde las primeras páginas.

Death: The High Cost of Living (Muerte: El Alto Costo de la Vida) La hermana mayor de Sandman (Morfeo) obtuvo su propia mini serie y es una historia realmente fantástica, en esta, se nos explica que una vez cada cien años la muerte se vuelve mortal durante un día para sentir la vida y no llevársela. La historia que se nos cuenta en esta serie es la de ese día en particular en donde la Muerte asume la identidad de una chica llamada Didi quien en compañía de un adolescente llamado Sexton de tendencias suicidas pasarán juntos ese día mágico conociendo y enfrentando a personajes de lo más variopinto.

Esta serie se podría clasificar en diversas corrientes y géneros, es definitivamente un “rito de pasaje” así como de un “auto sacramental”, si esto no es literatura entonces nada más lo es. Quién estas líneas escribe tuvo la satisfacción de realizar una adaptación para teatro con regular éxito.

The Last Temptation (La Última Tentación) Tal vez esta no sea una de las mejores obras de Gaiman, pero tiene el mérito de ser considerado como el mejor comic de rock que se haya escrito. Éste fue un proyecto multimedia del músico Alice Cooper quien contactó a Neil con motivo del lanzamiento del álbum titular (considerado también como uno de los mejores del artista) con la idea de que Alice Cooper en el escenario era como un personaje de terror tipo Drácula o Freddy Kruger sólo que no tenía historia.

En ésta se nos narra la historia de Steve, un niño a punto de convertirse en adulto quien en otro viaje iniciático se encontrará con un teatro mágico en donde Alice Cooper es el Maestro de Ceremonias quien tentará a Steve para que se una a la troupe olvidándose de crecer y enfrentar un posible futuro mediocre.

Se trata indudablemente de una versión torcida de Peter Pan y la película Laberinto de Jim Henson.

Prosa: La obra de Gaiman es cada vez más prolífica, aunque por desgracia muy limitada en México destacan: Good Omens (Buenos Presagios) Escrita junto con el escritor Terry Pratchtet acerca del fin del mundo, sin embargo, el mismo Neil comenta que la idea general es más de Pratchtet que de él.

Smoke and Mirrors (Humo y Espejos) Es una antología de cuentos bastante completa que incluye quince relatos ya publicados con anterioridad en otra antología titulada “Ángeles y Visitaciones”, no sé si se haya traducido al español, pero algunos cuentos se pueden encontrar en la red, destacando “Snow, Glass, Apples” (Nieve, Cristal, Manzanas) en donde nos presenta una versión retorcida de Blanca Nieves narrada desde la perspectiva de la madrastra quien teme a su hijastra al ser ésta una vampiro.

The Day I Swapped my Dad for Two Goldfish (El día que cambié a mi papá por dos peces dorados) En literatura infantil no se puede negar la pericia de Gaiman, en cierta manera es un poco heredero de Roald Dhal al no insultar la inteligencia de los niños y aquí nos presenta una obra bastante divertida que trata acerca de… Pues de lo que dice el título. La anécdota es sencilla y va dirigida a niños pequeños pero sin tratar de darnos una lección moralizante con la que regularmente caen ciertos autores.

Cine: Se podría decir que la carrera de en cine para Neil Gaiman apenas está empezando, su trabajo apenas inicia a destacar y su nombre está empezando a ser familiar en Hollywood, esperemos que esto sea fructífero para una industria que anda corta de ideas. Estas son laspelículas más representativas que están relacionadas con él: Mirrormask (Ídem) Aunque su primer trabajo fue la adaptación al inglés de la película La Princesa Mononoke de Hayao Miyasaki se puede decir que ésta es su primer guión original en ser llevado a la pantalla.

Originalmente se trataría de una secuela de Laberinto de Jim Henson, sin embargo, el diseño de producción y la dirección de Dave McKean eran tan alucinantes y maravillosos que se decidió realizar un proyecto original.

En está, una chica que vive en un circo debe viajar a un mundo fantástico y encontrar la máscara titular para ponérsela a la reina enferma de ese reino y paralelamente salvar la vida de su madre enferma. La trama es en sí complaciente y uno de los trabajos menos logrados de Gaiman, aunque la atmósfera visual de McKean funcionan de maravilla para la historia, en sí es otro rito de iniciación para un público tal vez menor, aunque las sutilezas de la historia tampoco sean adecuadas para todo mundo.

Stardust (El Secreto de la Estrella) Basada en la que tal vez sea su novela más popular, Stardust nos cuenta la historia de Tristran Thorn quien debe conseguir una estrella para la chica más hermosa de su pueblo, solo que la estrella ha caído en el reino de las hadas y de las criaturas fantásticas, resultando así que la estrella es una hermosa chica.

La novela originalmente se publicó de manera ilustrada por entregas como un cuento de Hadas para adultos y aunque la película es un poco más complaciente rescata de manera correcta la atmósfera del original, es un filme encantador muy en la línea de Princess Bride, desafortunadamente fue una decepción para el público contemporáneo que en fantasía heroica quieren solamente otro Señor de los Anillos.

Beowulf (Ídem) Adaptando la clásica leyenda celta, en esta Gaiman recrea una versión más o menos fiel a la historia original del rey de los Gaetas y matador de dragones, aderezándola con algo de los mitos cristianos haciendo una versión rica en mitos, que como ya sabemos, son su especialidad.

Coraline (Ídem) Su última incursión al cine es la adaptación de otra de sus novelas infantiles y es también la más lograda afortunadamente, Henry Selick, otrora director de El Extraño Mundo de Jack (The Nightmare Before Christmas) se saca la espina que nos dejó con su anterior producción, la fallida Monkeybone. En ésta se nos narra la historia de una niña con complejo de olvido por parte de sus padres quien descubre un mundo paralelo en su nueva casa en donde unos dobles de sus padres le brindan toda la atención que ella exige, sólo que el precio es uno muy alto… nos encontramos de nuevo con otro rito de pasaje, tema muy recurrente en Neil como está visto, en un cuento de hadas con su dosis de crueldad, realmente es un digno sucesor de Dhal.

Actualmente el mismo Gaiman quiere incursionar en cine ya en plan de realizador, adaptando precisamente Death: The High Cost of Living. Se rumora también que está por adaptarse Sandman y algún otra de sus novelas, esperemos se lleguen a dar y que sean buenas adaptaciones además.

Pues Neil Gaiman es uno de los más grandes escritores británicos en la actualidad, su obra es una que no hay que dejar pasar por alto, ya sea en cine, comic o novela; podríamos decir que él mismo es Sandman, que nos va a traer los sueños e historias más maravillosos que podamos imaginar, realmente somos muy afortunados de tenerlo.

P

ara cualquier friki el nombre de Ridley Scott es motivo de reverencia, y no es para menos si tomamos en cuenta que dentro de la filmografía de este director encontramos dos de las películas que han marcado la historia del cine como pocos podrían presumir.

La primera de esas películas es Alien de 1979, escrita por Dan O’bannon (otro nombre muy ligado al género de la sci-fi y el terror), cuyo slogan era “En el espacio nadie te escuchara gritar”, Alien es una cinta que aterró considerablemente al público de aquel entonces y aun ahora se puede ver y disfrutar perfectamente; cumple 30 años este 2009 sin perder vigencia y el valor estético y técnico que ha influenciado a innumerables personajes creativos dentro de la industria del cine. Es una cinta que cambio el género de horror, combinándolo con otro género, el de la Ciencia Ficción; contiene muchos elementos que la hacen toda una obra de culto. Nos presenta el primer personaje femenino que no se convierte en la victima indefensa y que grita hasta desgarrarse la garganta y se va quedando en escasas ropas mientras huye de “aquello” que la atormenta, no, la teniente Ripley se arma de valor y enfrenta al ente que amenaza su seguridad y la de sus compañeros: una criatura cuya naturaleza no se explica por completo y solo vemos en oscuras escenas y nunca de cuerpo completo, detalle que genera una angustia que nos permite adentrarnos más en el desarrollo de la película.

El guion está basado libremente en un capítulo de la novela de sci-fi, “El viaje del Beagle Espacial” escrita por A. E. van Vogt (obra a la que la misma Star Trek debe mucho), con diseños del artista suizo H. R. Giger; casi fue dirigida por Walter Hill, pero al fin fue Ridley Scott quien la realizó, no podemos saber que habría pasado de no ser así; la inquietante música es de Jerry Goldsmith ayudándola a crear una atmósfera realmente claustrofóbica. Es sin duda un film importante dentro de la filmografía de Scott, gran influencia en otros directores y objeto tanto de culto como de estudio, imitada e incluso plagiada pero nunca igualada. Se produjeron secuelas, dirigidas por directores no menos famosos como James Cameron y David Fincher, cada uno aportando su propia visión y elementos a la saga de Alien pero el merito primero no lo pierde Scott. Sigourney Weaver encarna a la primera heroína de las películas del género fantástico (después llegaría Sarah Connor -Linda Hamilton- pero eso es otro cantar) y su personaje de la teniente Ripley no solo aparece en toda la saga Alien si no se ha convertido en todo un icono de la cultura pop, además de ser venerada fervientemente por todo friki fan de esta saga.

Phillip K. Dick publica en 1968 la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? que sirve de inspiración para la película Blade Runner que se estrenaría en 1982; realmente no es una adaptación como tal, la película toma solamente la idea sobre un ser sintético que desea saber más de sí mismo y por tanto decide actuar de forma contraria a como se supone debe hacerlo. Ridley Scott crea entonces la que quizá sea la mejor película de sci-fi de la historia del cine por los elementos que contiene y cuyas ideas no son solo son pretexto para incluir efectos especiales deslumbrantes o escenas de acción desenfrenada; no Blade Runner nos hace reflexionar sobre la naturaleza humana y resulta un tanto profética al mostrar que dada la extinción de algunas especies animales, estas son replicadas por versiones sintéticas; también como empresas multinacionales llegan a ser omnipresentes, la mezcla de lenguas, la posibilidad de utilizar la inteligencia artificial para suplir la humana... en fin, sorprendente para un film de principios de la década de los 80’s.

Blade Runner ha sido influencia decisiva para posteriores producciones tanto dentro del cine, como la televisión; llegando a los comics e incluso hasta la animación japonesa; ha alentado incluso al surgimiento del género Cyberpunk o al menos acercarlo al gran público. Hace homenaje además al cine negro, actualizándolo para el género de la sci-fi, Deckard es el clásico detective sarcástico y machista que termina enamorándose de la chica que está en problemas dejando de lado la razón primera que le mantenía dentro del caso que le ha sido confiado para su solución; la versión con voz en off ayuda mucho para ello, es más sencilla de seguir pero distrae bastante de las conclusiones que deseaba el director sacáramos por cuenta propia. Sin duda un clásico del género que al igual que Alien no pierde vitalidad y parece que tardará bastante para ello dado el éxito de la más reciente re edición de la cinta, ahora tanto en DVD como el incipiente Blu-ray.

Una película también excelente pero que por desgracia es considerada dentro de las obras menores realizadas por Scott, es Leyenda (Legend, 1985) ; una historia de fantasía en toda la regla, perteneciente a una línea temporal ajena a nuestra cronología, llena de personajes interesantes, pero sin duda quien se gana la película es el villano de la historia, Darkness, un demonio empeñado en acabar con todos los unicornios para así crear una era de total oscuridad y poder reinar en ella, también rapta a la princesa Lili, a quien Jack tratará de librar y de paso evitar que Darkness reine por completo.

Leyenda presenta una atmosfera mágica donde bastante ayuda la iluminación y los sets donde se filmó la cinta; no hay escenas filmadas en escenarios naturales, todo es un escenario cuidadísimo para lograr el efecto deseado; la música varia según la versión del film, será de Jerry Goldsmith o del grupo Tangerine Dream. Tim Curry (Frankenfurter en El Show de Horror de Rocky) logra una magistral personificación del mal con Darkeness, su tono de voz gruesa y profunda es sin duda lo mas sobresaliente de la cinta; Tom Cruise como el joven héroe Jack se pierde en su primer rol importante, Mia Sara es un hermosa princesa que a muchos robó el corazón como Lili (ese vestido largo, labios y uñas, todo en color negro….). No logra alcanzar el nivel de las anteriores producciones de Scott, pero si reconocemos su estilo detallista en escenas bien equilibradas, pensadas para crear de mínimo asombro en el público.

Ridley Scott es sin duda uno de los directores dentro de la historia del cine que más influencia e impacto han producido en el publico y otros directores, otras películas que llevan su firma: Black Rain, Thelma & Louise, 1492, Conquest of Paradise, Gladiator; todas dentro de distintos géneros y temáticas, algunas afortunadas otras no tanto; podemos verlas y apreciar el estilo tan particular del director, pero falta algo…

Se ha anunciado que filmara una cinta basada en el juego de mesa Monopoly (¡¿?!) y actualmente está inmerso en la producción de una nueva versión de Robin Hood, Russel Crowe es Robin, Cate Blanchet Lady Marian. Esperemos por ella.

Ha incursionado dentro del mundo de la publicidad, donde su estilo visual se encuentra completamente a sus anchas; su hermano Tony Scott también es director aunque su estilo es más convencional, sus cintas son mas dirigidas para el entretenimiento por el entretenimiento aun cuando es el responsable de una de las mejores cintas de vampiros que podamos encontrar: The Hunger con un excelente reparto que incluye a Susan Sarandon, Catherine Denueve y David Bowie. También dirigió el primer guión de Quentin Tarantino en True Romance.

Ridley Scott cuenta con 71 años, de origen británico; él es quien primero usó el concepto de Director’s cut, para mostrar ediciones más personales de películas que pueden traer escenas adicionales, música distinta, finales alternos; en fin, todo aquel detalle que se omitió para hacer la película más asequible al público en general pero que después se podría disfrutar nuevamente con esos detalles agregados.

Un director ya de culto que ha dejado huella en la historia del cine, su nombre es venerado y respetado, puede darse el chance de realizar lo que él quiera y como quiera, poseedor de un estilo visual que ha determinado el de muchos otros (su hermano mucho debe a ello), recomendable ver sus películas en especial las que le han dado renombre.

Mi hermano dice que ésta noche no vendrán los Unga-Chaka; que no lo harán mientras no nos quitemos los cascos que nos hacen invisibles. Por eso nos escondemos bajo la cama. Mi hermano sabe de esto. Los Unga-Chaka son del tamaño de un refrigerador, peludos como perros, y siempre llevan en la mano una lanza con la que pican la cabeza de los niños. Cavernícolas. Mi hermano dice que lo hacen para que dejen de gustarnos las hamburguesas. Yo sé que tiene razón.

Vi a mi primer Unga-Chaka la noche en que terminamos de ver la película del Monstruo. Lo vi en la calle, entre las ramas de un árbol, agachado, esperando a que me fuera a dormir. Esa noche por más que me tapé con las cobijas y recé unos padres nuestros no pude hacer nada para que se fuera. Mi hermano dice que los Unga-Chakas son un poco tontos, que metiéndonos debajo de la cama y aguantando un momento la respiración dejan de buscarnos. Él sabe mucho, él me enseñó a construir los cascos para ser invisibles.

Hicimos los cascos con un colador de plástico y unas cuantas antenas de carritos. Usarlos es peligroso, así que debemos llevar siempre lentes oscuros y un par de guantes de tela. Guardar silencio. Construimos uno para el Romel y otro para la Bola de Pelo. Le hicimos uno también a mamá. Lo que aún no resolvemos es cómo hacérselo también al pez beta que duerme bajo la repisa.

Mi hermano se sienta en el piso sosteniendo una lámpara en la mano y mientras alumbra las telarañas que hay en el techo me pregunta si sé cuál es el nombre del hermano feo de Einstein. Yo le digo que no sé cómo se llama el hermano feo de Einstein y él me contesta que se llama Frank-Einstein. Los dos nos reímos mientras mamá llora calladita en un rincón de la casa.

***** Antes podíamos ver la televisión, pero ahora no porque no tenemos luz. Mamá ya no puede cocinar las cosas que cocinaba antes, así que hemos tenido que comer atún por casi dos días. Antes me gustaba el atún, pero ya me estoy comenzando a cansar. Ella dice que cuando salgamos de ésta nos llevará a comer hamburguesas.

Por la noche no puedo dormir. Mi hermano me pregunta que si me pasa algo y yo le pregunto que cuándo dejarán de tronar los cuetes en la calle, que si en algún momento va a dejar de temblar. Él me dice que esos no son cuetes y que la tierra no tiembla a causa de un terremoto.

Me dice que si mejor me cuenta una historia. Le digo que una de monstruos, porque esas son mis favoritas.

Cuando no está cocinando o arreglando lo que queda de la casa mamá escucha la radio. La escucha muy bajito, pegando la oreja a la bocina. En ocasiones me pide que guarde silencio. A mí no me importa lo que ella escucha, me aburren las noticias. Yo prefiero pisotear cucarachas o buscar sitios para esconderme de los Unga-Chakas. El Romel es quien siempre va conmigo. Nos ponemos nuestros cascos, los guantes y los lentes, y subimos a la azotea.

Al salir de las escalera espero ver la copa de los árboles meciéndose y luego la punta de los edificios. Ver el cielo azul y las nubes. Ver la cúpula del Monumento a la Revolución y el horizonte lleno de los edificios de Reforma. Eso es lo que me gusta de subir a la azotea. Sentarme sobre las jaulas y mirar la ciudad hasta que el sol desaparece, pero hoy ya no hay nada de eso. Nada está en donde se supone que debe estar.

En su lugar veo columnas de humo que nacen en el suelo y se elevan hasta lo más alto del cielo. Fuego por todas partes. De los edificios ya nada queda, me limpio los lentes con el brazo mientras respiro el aire que me pica en la nariz, Romel se tira al suelo y se tapa el rostro con las patas. A lo lejos veo un montón de aviones y helicópteros que dan vueltas alrededor de una criatura de color negro. Es como una lagartija enorme que se arrastra en medio de la destrucción. Como un dinosaurio, sólo que más extraño.

Eso es lo que trajeron los Unga-Chakas, dice mi hermano sin quitarse el casco para ser invisible. Es como el horror cósmico de los cuentos.

***** La noche que construimos los cascos fue la misma noche del apagón. Desde entonces la luz no ha regresado, igual que papá. Los que sí han vuelto, y muchas veces, son los Unga-Chakas, pero ya no les tengo miedo.

Hoy por la mañana la Bola de pelo se fue de casa. Yo digo que se cansó de tanto comer atún con galletas. Mi hermano dice que el gato ya no regresará y que nosotros deberíamos hacer lo mismo, pero mamá lo calla diciendo que debemos esperar hasta que regrese papá.

Han pasado muchas horas y él no llega. Ya debería haber vuelto del trabajo. Yo ya quiero comer una hamburguesa y tomar una coca, o dos. Mamá dice que sólo cuando papá regrese nos la va a comprar, pero ahora no, que no podemos salir.

Mientras encendemos una veladora en medio de la oscuridad mi hermano me pregunta si sé cómo estornuda un pez. Yo le digo que no sé cómo estornuda un pez y él me dice: ¡Pues ah... ah... ah... atúnnnnn”.

Nos reímos, pero yo ya casi no tengo ganas de reír; y mamá... mamá ya casi no puede seguir llorando.

EL ÚLTIMO UNICORNIO Peter S. Beagle Ediciones Martinez Roca Tras más de veinte años, Editorial Roca vuelve a poner en circulación una de las novelas más importantes de la fantasía heroica en una nueva edición con nueva traducción y presentación a un precio realmente alto, sobre todo si consideramos que no es una novela “larga”, pero no se preocupen, el precio extra bien lo vale en esta edición al incluir un relato corto titulado “Dos Corazones”, que es una continuación del relato original.

No hablaré tanto de la novela (ya lo hemos hecho, al igual que la película en números anteriores de esta publi-

EL INQUISIDOR Catherine Jinks Roca Editorial Novela que tiene el corte, sin ser tan bueno, a El nombre de la Rosa; en esta historia ambientada en Francia en el año de Nuestro Señor de 1318, el padre Bernard Peyre, el inquisidor, es el encargado de investigar los brutales asesinatos del padre Augustin y su guardaespaldas, los cuales son encontrados en las afueras de la ciudad, el inquisidor deberá desentrañar los misterios y averiguar la verdad alrededor de los asesinatos de aquellos hombres, pero además ya existe

cación) pero si comentaré sobre el relato: Es bellísimo y no desentona con la atmósfera narrativa de la historia original,los personajes siguen siendo tan frescos como siempre, pero a la vez resultan bastante familiares, volver a encontrarnos con amigos como Molly Grue, el príncipe (ahora rey) Lir y al mago Schmendrick junto a la tierna niña Sooz (nuevo personaje de esta historia) en su caza del Grifo nos remite a un mundo mágico que a veces pare que olvidamos.

Si nunca has leído esta magnífica novela es ahora un buen momento para hacerlo, y si ya lo has hecho es también un buen momento para revisitarla, Beagle es un bardo poco prolífico, así que siempre es bienvenida su obra. -Ignacio Loranca

una culpable que aparentemente es inocente, por lo que el tiempo es precioso para averiguar que pasó, se descubrirá que todo está alrededor de un misterioso y más que ominoso libro conocido por algunos y tal vez hasta leído por otros elegidos para ello, este libro causa locura y provoca que se mate por él pero todo eso es parte del mito del libro mismo, por lo que habrá que leer para saber cómo se resuelve este misterio alrededor del inquisidor y saber por qué este libro es tan peligroso, un famoso libro llamado Necronomicon. -Bandaconp

HÉROES Dir. Paul McGuigan Con: Dakota Fanning, Chris Evans y Camilla Belle ¿Qué pasa por la mente de la gente que rebautiza a las películas en nuestro mercado? Es increíble el descaro de ponerle a Push el nombre de Héroes y venderla como si estuviera ligada con la serie de TV, solo porque los protagonistas presentan una especie de súper poderes y una línea argumental un tanto similar, pero con grandes diferencias.

En Push, nos dicen que desde la época de la Segunda guerra Mundial, los Nazis trabajaban en el desarrollo de habilidades mentales humanas, buscando crear nuevas armas. Con el tiem-

po, muchos países siguieron sus pasos y es así que en nuestros días hay gente con habilidades sobrehumanas y que son cazados por una división gubernamental. Estos poderes son: telequinesis, predicción del futuro y la manipulación mental, con la que pueden implantar o borrar recuerdos.

Aunque el comienzo es prometedor y presenta una gran calidad visual gracias a su fotografía y edición, poco a poco la película se va cayendo hasta volverse tediosa y un tanto predecible. Pese a que su intención es únicamente la de entretener (puede ser una opción en lo que llegan los grande estrenos del verano), me parece que estamos ante la Jumper de este año. -Vicente Cabrera

ÁNGELES Y DEMONIOS Dir. Ron Howard Con: Tom Hanks, Ewan McGregor y Ayelet Zurer

Y tal es el caso de esta nueva película protagonizada por Tom Hanks, que es presentada como secuela del Código Da Vinci: Ángeles y Demonios.

En esta nueva aventura, el Vaticano contacta a Robert Langdon (Hanks) para descifrar la misteriosa desaparición de cuatro importantes cardenales, a manos de los Illuminati, una antigua y clandestina hermandad enemiga de la iglesia católica, quienes buscan venganza por los crímenes cometidos en nombre de la religión siglos atrás.

Al igual que la anterior historia, un oscuro misterio amenaza con ser develado y que podría poner en jaque las creencias de muchas personas... y seguramente al igual que la anterior, sólo los espectadores seremos testigos de tal “revelación”.

Como ya dije, solo se recomienda para aquellos quienes gustan del cine de suspenso y sienten curiosidad y placer por los rompecabezas. -Nowhere Man

Probablemente esta película no es lo mejor que podríamos recomendar en esta sección (ni siquiera en esta revista), por toda la polémica que rodea a las novelas de Dan Brown así como la complaciente habilidad artesanal de Howard por hacer cine. Para mucha gente el Código Da Vinci es un libro revelador, para otros es una tomadura de pelo innecesaria. Pero lo que sí puedo decir, es que la película que la adaptó fue un entretenido y disfrutable ejercicio cinematográfico cuya finalidad es ir resolviendo pistas y acertijos, pese a que el clímax sea creíble o no.

BATTLE FOR THE COWL DC Comics Historia y Arte: Tony S. Daniel Tras los efectos de Batman RIP y el destino del Caballero Nocturno en Final Crisis, Batman está muerto y Ciudad Gótica es un caos, los delincuentes toman las calles y los héroes más ligados con la ciudad saltan a defenderla encabezados por un renuente Nightwing.

Los héroes bajo la coordinación de Oráculo tratan de poner un poco de orden, pero los villanos se unen al mando de Black Mask; y mientras la ciudad se hunde en un caos absoluto una oscura batiseñal ilumina la ciudad con la frase RIP.

THOR Televisa / Marvel Comics Historia: J. Michael Straczynski Arte: Oliver Coipel Tras la desaparición de los dioses nórdicos por el Ragnarok, Thor, el Dios del rayo ha estado vagando por el limbo, ahí se encuentra con su antiguo alter-ego, el Doctor Donald Blake quién lo insta a regresar a la Tierra puesto que aún la humanidad lo necesita, al igual que a los dioses.

Una vez de vuelta en el mundo, Thor deberá restaurar a Asgard y encontrar a los demás dioses en una nueva cruzada, solo que el mundo al que ha regresado ha cambiado mucho, la guerra civil entre los súper héroes ha resquebrajado amista-

Dick Grayson rehúsa llevar el manto del murciélago, mientras Tim Drake cree que Batman no era un hombre sino un símbolo que infundía respeto, pero ninguno de los dos discípulos de Wayne ve con buenos ojos a un nuevo Batman que aparece en la ciudad, el cual, al parecer también esta ligado con Wayne, pero utiliza métodos brutales, por lo que Robin decide vestir el manto de Bruce. Dick y Damian Wayne huyen de los criminales de Black Mask, cuando aparece el tipo violento con el traje de murciélago que afirma que EL ES BATMAN. Acompañada por otras miniseries, Battle for the cowl representa el futuro de la franquicia de Batman, el manto del murciélago esta en juego y sobre todo ¿Quién es digno de llevar el legado de Bruce Wayne? Una serie atractiva a simple vista, pero siendo mas objetivos quizá, el final de la misma este más que anticipado y la opción mas lógica seria la que ganaría, restándole emoción a la saga. -Richard Tenorio

des así como diversos valores. Editorial Televisa se anima a presentarnos a un héroe del que poco se ha publicado en México y esta edición es realmente maravillosa, los guiones de Straczynski son ágiles y bastante divertidos, logrando en unos pocos números mucho más que toda su corrida de el Hombre Araña por varios años y el dibujo de Oliver Coipel (House of M) es maravilloso y glorioso a la vez que cálido.

Thor se publica actualmente en una edición flip-Book junto con Daredevil en periodicidad mensual, tal vez no sea el mejor formato (sobre todo para coleccionistas empedernidos como quien estas líneas escribe), sin embargo, hay que reconocer que por el precio y por la calidad de ambos comics (la verdad, Daredevil es de lo mejor que está haciendo Marvel actualmente) es bastante entretenido y al terminar de leer ambos comics le queda a uno un muy agradable sabor de boca. Quítense de prejuicios superficiales de formato e hínquenle el diente al contenido de esta doble publicación, vale mucho la pena. -Nash Gaarder

STAR TREK: COUNTDOWN #’S 1-4 IDW Publishing Historia: Roberto Orci y Alex Kurtzman Arte: David Messina Preparándonos para la nueva cinta de una de las series más representativas de la Sci-Fi, IDW Publishing nos presenta esta miniserie que sirve como precuela oficial de la película a estrenarse el próximo mes.

La trama de esta mini serie parece confirmar lo que se rumoraba sobre la posible trama de la película (Ojo: Posibles spoilers a partir de aquí): Tras los evento de la última película (Star Trek: Némesis) El sol de Romulus, planeta capital de los Romulanos (enemigos de la Federación), está a punto de estallar y convertirse en súper-nova,

DARK AVENGERS Marvel Comics Historia: Brian Michael Bendis Arte: Mike Deodato Jr. Después de los eventos acontecidos en Secret Invasion: Dark Reign, nos llega el numero que más polémica a levantado a ultimas fechas: Dark Avengers. Todo está cambiando en el universo de la casa de las ideas, y ahora, el nuevo director de la seguridad mundial es el ex–Green Goblin, Norman Osborn, quien siguiendo la tradición Marveliana, necesita a los héroes mas poderosos del mundo para llevar a cabo su nueva misiva, y esos “héroes” resultan ser nada más ni nada menos que: Los Dark Avengers, quienes no resul-

solo que sus efectos serán devastadores y podría terminar con toda la galaxia, razón por la cual, Nero, un minero Romulano pide ayuda al ahora embajador Spock y a la los Vulcanos, solo que estos reacios antes de ayudar al enemigo niegan la ayuda provocando la destrucción de la estrella, Nero buscará venganza mientras Spock junto con algunos miembros de la tripulación de la Nueva Generación: El Capitán (Ahora embajador) Picard, el Capitán Data (No pregunten como vuelve, léanlo, aunque es algo obvio) y Geordi LaForge tratarán de evitar que los efectos de la Súper nova destruyan la galaxia pero…

En fin, una trama totalmente Trekkie pero que desarrolla una historia que bien habría valido la pena haberla visto en la pantalla haciendo que junto con el trailer del filme los fans estemos con la expectativa muy alta por verla; en fin, mucho ruido y esperemos no pocas nueces, sobre todo por que de esta película se espera el regreso de una franquicia ya algo olvidada, lectura obligada para fans, y para los que no, si después de ver la película les convence, querrán leerla. -Ignacio Loranca

tan ser otros que “lobos en piel de oveja”, quienes disfrazados de las identidades de héroes verdaderos pretenden “proteger” el mundo: Wolverine (Daken), Hawkeye (Bullseye), Ms. Marvel (Moonstone), Spiderman (Venom), Sentry, Ares, el nuevo Capitán Marvel (Noh-Varr) y el misterioso Iron Patriot (cuya identidad se desvela en este número).

Resulta increíble el símil que tiene este nuevo titulo con el de los Thunderbolts: Villanos actuando de héroes; quizá sea mala idea forzar tanto el concepto extendiéndolo o transformándolo a otro titulo, pero eso si, la combinación de estos personajes podría ser muy interesante, esperemos que no se nos defraude.

Construyendo la historia de los fragmentos que dejaron sus sagas anteriores y preparando la nueva macrosaga de Marvel, Brian Michael Bendis pretende mantenernos a la expectativa una vez más, esperemos que lleve un mejor tratamiento que la ambiciosa Invasion Secreta y este “Reinado” no sea “Oscuro”, por la indeferencia de los lectores por la trama. -Richard Tenorio

PUNISHER: WAR ZONE Región 1 Tercera versión del personajes de comic llevada a la pantalla y dirigida por Lexi Alexander; en esta ocasión basado en la línea Marvel Knights, la cual se caracteriza por darle una visión mas cruda y realista a los viejos personajes.

En esta versión veremos a un Frank Castle más duro y experimentado llevado magistralmente por Ray Stevenson (lo recordamos por su participación en la serie de Roma donde interpreta al legionario Pulo), el cual logra que visualmente sea una copia exacta del comic, un Punisher duro y calculador comparándolo con sus anteriores encarnaciones,

WATCHMEN: THE COMPLETE MOTION COMIC Región 1 Para todos esos puristas que salieron del cine echando pestes y con la intención de crucificar a Zack Snyder por no seguir al pie de la letra la adaptación de Watchmen, salió a la venta este DVD, que es ni más ni menos que los 12 capítulos del comic íntegros (sí niños, aquí si verán al calamar gigante en toda su gloria) y por si fuera poco, animados.

Si bien la animación recuerda un tanto aquellas viejas caricaturas de la Marvel, donde en una viñeta estática solo se movía el escudo del Capitán América o las caras se mantenían rígidas mientras hablaban,

pero también más atormentado, aunque la historia no nos da nada nuevo, si veremos un más violento film que en sus versiones anteriores.

En esta conocemos su origen en un flashback y de manera precisa, lástima que el villano que en esta ocasión si sea sacado del comic, Jigsaw i(nterpretado por Dominic West), quien se vuelve un poco bufonesco con lo que baja el ritmo vertiginoso, casi sabor a metal que nos da el film, pero con todo esto es una muy buena dosis de violencia a manos de uno de los más aguerridos personajes de Marvel, con lo cual solo queda decir ; “Yo estoy con Frank.” -Bandaconp

el resultado es bastante satisfactorio y con una gran calidad, ya que se respetó por completo el dibujo original de Dave Gibbons, con algunos interesantes efectos de animación y de sonido.

El único pero que se le puede poner, es que la narración y todas las voces son realizadas por el actor Tom Stechschulte (escuchar al Silk Spectre con la voz de un hombres emulando a una mujer, le da unos matices “Drag Queenescos” nunca imaginados), y esto le resta fuerza a las imágenes, además de perder dramatismo.

Son 6 horas de animación, por lo que todos deben de estar satisfechos. También existe en región 4, pero al igual que la región 1, carece de subtítulos y doblaje en español. Sorry! -Vicente Cabrera

007: QUANTUM Región 4 El agente secreto por excelencia regresa en video presentándonos su última aventura en esta reestructuración iniciada en el filme anterior.

En ésta, Bond continúa la aventura que diera inicio en Casino Royale (es la primer película de la serie que es una secuela directa) tratando de averiguar quien fue la corporación que logró que Vesper lo traicionara en el filme anterior en un filme con mucho más acción que el anterior, aunque con un final bastante anti climático.

Con esta cinta se pretende continuar con la renovación de Bond y aunque la película no es mala no llega al nivel de complejidad e innovación que tuviera la cinta anterior, ahora se trata de actualizar a Espectra,

YO AMO HUCKABEES Región 4 Esta es una película divertida que aborda desde un punto de vista existencialista algunas cuestiones del Ser, ya que el ir y venir de los personajes con sus preguntas, desde ¿Tiene sentido lo que hago?, ¿Qué significado tienen las cosas que me pasan?, ¿Cuál es la verdad de la realidad? Son preguntas que están presentes en el transcurso de la película que movilizan a los personajes a iniciar una búsqueda de la “verdad” y a tratar de darle un nuevo sentido, dándose cuenta que ninguno de ellos puede escapar a su propia verdad, sin escabullirse de echar una mirada interior, a lo propio que a la vez parece ajeno.

la corporación enemiga del Servicio Secreto de su Majestad, llamada ahora Quantum, precisamente; en fin acción a raudales, espectaculares efectos especiales, chicas hermosas y todos los ingredientes de una película de James Bond, aunque la verdad, sin la película anterior no vale mucho por sí misma.

Como se está haciendo costumbre en México (y lo será hasta que todos cambiemos a Blu-Ray) se editan dos ediciones, en disco sencillo y en doble con amplios extras como detrás de cámaras y documentales que desarrollan diversos aspectos en la mitología Bond.

Imprescindible para fans del personaje, los demás réntenla solamente para días lluviosos o de encierro influenzoso. -Nash Gaarder

En esta película se muestra en lo que a veces la vida se convierte: en una búsqueda (en soledad o con ayuda, en este caso de los investigadores existencialistas interpretados por Dustin Hoffman y Lily Tomlin), que se puede tornar dolorosa y confrontante; sin embargo, muestra el dolor como inherente a la condición humana. Así como el desmantelamiento de la identidad como parte de esta búsqueda para encontrarnos con ese Ser “verdadero” y más auténtico, que se ata, enreda y desata en varias relaciones. Amorosas, de trabajo, familiares…

El DVD incluye escenas borradas y extendidas, un documental de producción, la presentación especial: Lo que mucha gente hizo y el video musical Knock Yourself Out de Jon Brion. -Marisol Blanco

MNEMOSYNE Estudio Xebec 6 Ovas Historia que comienza con un estilo detectivesco muy al estilo de la novela negra, aunque pronto se convierte en una historia de ciencia ficción con tintes de horror.

En ésta se nos cuenta la historia de Rin Asougi, quién trabaja como detective privado, de pronto es perseguida por una asesina llamada Laura y poco a poco, con los enfrentamientos que tienen entre ellas se descubre que Rin es prácticamente indestructible ya que se puede sanar cualquier

AFRO SAMURAI RESURRECTION Fuminori Kizaki, Gonzo/Spike TV/FUNimation Entertainment Película En el camino del samurai, existe una regla de oro para reclamar el título de mejor espadachín del mundo: eliminar, en contienda a muerte al poseedor de la banda número uno sobre su frente. Para tal efecto, es necesario conseguir la cinta del segundo puesto, misma que certifique al retador como un guerrero calificado.

Afro, esgrimista de raza negra, no sólo ha vengado la muerte de su padre, sino que además mantiene en su poder la insignia que lo acredita como el mejor de todo el orbe. Todo parece tranquilo en el horizonte, sin embargo, encabezar el ranking tiene un costo muy alto: un rastro de sangre imborrable y un pasado que lo atormenta a cada instante.

herida, con ésto se empieza a ir descubriendo los pasajes más oscuros de la sociedad y al mismo tiempo sabremos más de los poderes que tiene y como es que los obtuvo.

Serie de seis capítulos con 45 minutos de duración solamente y de una animación bastante decente, así que se les recomienda darle una oportunidad. -Bandaconp

Entre los centenares de vidas consumidas a destajo, lo único que Afro ha obtenido de sus detractores es la acumulación de odio, rencor y sed de venganza. En esta entrega, Sio, antes una niña tierna, hoy una mujer voluptuosa y sin escrúpulos, se dispone a aplicar justicia por mano propia. No le basta con la contratación de mercenarios, su desprecio hacia Afro es tal que la orilla disponer de la biotecnología para crear un contrincante invencible, artificial, capaz de honrar la muerte de su hermano.

Una producción impactante en el aspecto técnico pero muy previsible en el campo narrativo. Ideal para centros de entretenimiento digitales: pantalla de plasma, 7.1 canales de audio y reproductor de Blu-Ray. -Melvin Morisato García

LIFE ON MARS FX Martes, 23:00 hrs.

El viaje en el tiempo siempre ha sido una constante en los programas de televisión que nos han gustado, desde aquella Túnel del Tiempo (¿ahora van a decir que no la veían de niños?) hasta la querida Quantum Leap.

Pues Life on Mars es una serie más que entra en este género, sólo que aquí no hay desplazamiento por el espacio tiempo de forma tecnológico como lo pide la sci-fi, es más del tipo paranormal.

Durante una investigación, el detective Sam Tyler (Jason O’ Mara) es atropellado accidentalmente, mientras suena en la radio Life on Mars de David Bowie. Al despertar, se encuentra tirado a mitad de la calle escuchando el mismo tema, pero la ropa que trae puesta no es la suya, ni siquiera es de su época.

TORCHWOOD BBC Entertainment Sábado, 23:00 hrs.

Ya que estamos en un número muy inglés en esta ocasión quiero recomendarles la serie Torchwood, un Spin-Off de Doctor Who acerca de una especie de policía especial que se encarga de resolver casos sobre extraterrestres y ocasionalmente alguna cuestión sobrenatural, solo que en este caso, Torchwood tiene reconocimiento público (aunque no de sus miembros) en toda Inglaterra, y en esta serie conocemos las aventuras de la rama de Cardiff en aventuras realmente alucinantes; en otras palabras, es como si juntáramos Hombres de Negro con X-Files en una tónica un poco más seria que Doctor Who (se manejan temas mucho más adultos y tiene una carga sexual más fuerte) aunque ocasionalmente se adereza con su clásico humor inglés.

Es así como Sam se encuentra conque de algún modo ha viajado a 1973. ¿Pero cómo es que dejo el 2008? ¿Realidad alterna? ¿Está muerto? ¿En coma? ¿Abducción extraterrestre? ¿Una ilusión por el accidente?

Lo curioso del caso es que sigue conservando su identidad y con el mismo trabajo, como un detective recién llegado a la jefatura del teniente Gene Hunt (Harvey Keitel), el estereotipo de policía rudo que vive al margen de la ley y de gran corazón.

La serie tiene cierto encanto (que en realidad es un remake de una serie inglesa), aparte de la añoranza por los años 70’s queda el misterio de Sam y de como podrá volver a casa... como aquel otro famoso Sam, viajero del tiempo. -Vicente Cabrera

Torchwood surge de la segunda temporada del Doctor Who en el episodio “Tooth and Claw”, en donde la reina Isabel de Inglaterra funda Torchwood como previsión de futuras visitas del Doctor y de cosas “extrañas”; sin embargo, el protagonista estelar de Torchwood, el Capitán Jack Harkness, ha entablado amistad con el Doc. Torchwood es una de esas series fantásticas que además nos ponen a pensar convirtiéndose en ocasiones en una serie de acertijos que lo hacen a uno interactuar, el reparto es fenomenal, destacando obviamente a John Borrowman como el capitán Jack Harkness, Eve Myles como la agente Gwen Cooper o Burn Gorman como el estoico doctor Owen Harper. Torchwood es una serie obligada para todo fan del Doctor Who, logrando cimentar su propia mitología. -Nash Gaarder

RESIDENT EVIL 5 El género del horror en los videojuegos es unos de los que más ha avanzado técnica y narrativamente, o mejor dicho, ha evolucionado. Fue en la década de los 90’s cuando Resident Evil mostró ese ímpetu, tal y como Street Fighter II los hizo para el género de las pelea. RE ha venido reinventándose; y sí, sabemos que no fue primero, pero si es el más significativo.

La historia es interesante y sus gráficas, que son muy buenas con respecto a sus épocas, nos llevaron más allá de la narrativa y nos introdujeron visualmente a un mundo de horror y que con cada nueva entrega nos fuimos adentrando más y más, pidiendo una mayor dosis de sangre y susto.

Tanto así que el miedo salio de las sombras y de la oscura noche para vivirlo inclusive en pleno día. Y esta parte es una de las más interesantes que a mí me parecieron en esta nueva entrega de Resident Evil. En donde ahora el motor gráfico nos da unas increíbles tomas de día sin perder detalle. Bueno también debemos de agradecer al poder de la PS3 y del 360.

Otro punto a favor es el modo cooperativo, ahora alguien más te podrá ayudar para lograr vencer esta aventura (algo si como el Army of Two), pero lo que me pareció interesante fue el modo cooperativo On-line, y aunque lo revise en la versión de prueba de XBox Live, me dejo muy satisfecho.

Otra cosa interesante es que la historia si ha progresado y ha dado un gran paso (bueno así lo considero) y esto creo le da mucha frescura a la franquicia.

No me queda más que decir que le den una checada en XBox Live, pueden bajarse una versión de prueba. Aun no sé si en PS Network este, pero de cualquier forma vale la pena la revisada. “STAAAAAAARRSS!” -JC Peralta

DRAGONBALL: EVOLUTION Brian Tyler

CRANK: HIGH VOLTAGE Mike Patton

El gran problema que tiene este disco, es ser la banda sonora del bodrio que fue Dragonball en live action. Realmente su música no es para nada mala, cumple con todo lo que las películas de aventuras requiere: Unos cuantos coros por aquí, una orquesta bien equipada por allá y cada personaje tiene su leitmotif, el cual se escucha cada que hace acto de presencia. Hay temas con mucha acción y energía, y otros un tanto pasivos y relajantes.

Pero su cruz es ser la música de DB. Una lástima. -Nowhere Man

Mike Patton es conocido por haber sido el vocalista de la banda Faith No More y que aquí podernos escucharlo en su faceta como compositor de bandas sonoras. La música que presenta Crank: High Voltage es violenta, caótica y frenética, ideal para la atmosfera que pretende esta película de acción: liberar adrenalina. Así que tenemos 32 tracks muy breves y acelerados, entre los que destacan The Hammer Drops y Chelios. En algunos más se nota cierta influencia de Ennio Morricone, lo crean o no. Escúchenlo y sabrán de lo que les hablo.

Este soundtrack es de lo mejor que se ha hecho con música electrónica para el cine, y seguro les recordara esa otra maravilla llamada Dobermann. -Nowhere Man

WATCHMEN Tyler Bates En el número anterior revisamos el álbum de Watchmen, en esta ocasión nos dedicamos a su partitura: Si bien este trabajo de Bates no es tan poderoso vocalmente como lo fue 300, si presenta algunos coros, los cuales acompaña con una sutil melodía electrónica, como es el caso de Rescue Mision. Por otro lado, la música presenta una madurez y melancolía, que se equilibran con el sonido de harmónicas y guitarras acústicas. Sin duda estamos ante un gran disco que se debe tener. -Vicente Cabrera

MONSTERS VS ALIENS Henry Jackman Esta película fue un claro homenaje al cine serie B de los 50’s donde las películas de ciencia ficción eran de extraterrestres y criaturas de laboratorio. Obviamente su música también refleja esa etapa cinematográfica y presenta una serie de tracks cargados de los sonidos peculiares de la época, mas unas cuantas notas épicas. Los temas más representativos son A Giant transformation y The Ginormica Suite. Además del score, el disco trae unas cuantas canciones para estar a tono con la época. -Vicente Cabrera

Juat?

Dice un adagio italiano: “Traitore traduttore” (“El traductor es un traidor”, espero no haberme equivocado en esta traducción) y es que la labor de traducir una obra (libro, película, comic o artículo de internet) es bastante compleja, esto es obvio para quienes dominan al menos dos idiomas, pero para el no iniciado esto es algo por lo que difícilmente se piensa.

Hace unas ediciones atrás (en el número tres de esta revista para ser más precisos) comenté sobre lo terrible que resulta doblar las películas, ahora hablaré de un tema que va junto con pegado y son precisamente las traducciones.

No me mal entiendan, no estoy en contra de las traducciones, de hecho, son imprescindibles ante nuestra incapacidad de aprender todos los idiomas existentes, pero me parece terrible que en el afán de destacar o de catequizar en ocasiones la traducción de una obra se traicione en realidad lo que el autor está tratando de decir, que se dé por ignorante al lector en otras circunstancias o simplemente por que hay censura.

Vayamos por casos: A veces se hace una mala traducción porque quien realiza la labor considera que alguna referencia cultural es “obscura” para el lector, en un caso reciente, Valentín García del Blog de nuestros amigos de La Covacha señala que en un reciente número de Avengers: Illuminati el traductor se toma la siguiente licencia:

El primer globo en la versión original dice: “Soy el fantasma de las navidades futuras”, clara referencia a la novela Canción de Navidad de Charles Dickens. ¿Era necesario adaptar esta cita? Creo que no y de hecho, se le roba riqueza al texto y a la narración. Claro, hay quien argumentará que no todo mundo ha leído o conoce la obra que se cita y que había que hacerla “accesible” para todo tipo de lector, sin embargo no me parece un argumento válido ya que la traducción literal en éste caso no era totalmente incomprensible, y además, ¿cómo esperar que alguien se interese en esa obra si se le niega la referencia? (como paréntesis cultural y continuando lo que hablé sobre el doblaje en el segundo Subjetivo: mis alumnos ya no quieren ver películas subtituladas también por que ahora resulta que… “para leer mejor voy a la escuela” Si, así de terrible está la cosa, ahora leer es una molestia, y aún así hay quienes se empeñan en no dar referencias culturales que pueden ser divertidas como en este caso).

Otras veces una mala traducción puede surgir por ignorancia y falta de dominio del idioma del mismo traductor, de hecho, el caso anterior puede ser resultado de eso también como lo señaló Valentín en su blog, y ésto puede llegar a niveles risibles, recuerdo que en la serie de televisión “21 Jump Street” en una ocasión un personaje dijo refiriéndose a la realización de una acción: “Es un pedazo de pastel” que en inglés es: “A piece of cake”. Éste es el caso contrario al anterior, aquí la referencia cultural es más oscura y no debía traducirse literalmente, pero parece ser que el traductor (y el director del doblaje y el actor) desconocía(n) totalmente la idiosincrasia norteamericana y es que esa frase tiene un equivalente en español: “Es pan comido”, o simplemente lo pudieron haber traducido como “está fácil” (Conste que no estudié en Harvard).

Un caso más risible fue cuando en el VHS de la película Laberinto la expresión: “I let my baby blue” la tradujeron como “Dejé a mi bebé azul” (Blue en inglés se refiere también al estado anímico de la tristeza, de ahí el nombre de “Blues” para el género de música negra papá del jazz, aquí solamente había que traducir como “Dejé a mi bebé triste”) Espero que en el DVD ya hayan corregido ese error.

Claro que es muy difícil distinguir la línea en cuanto a que se debe traducir literalmente o que se necesita adaptar sin que pierda sentido original sin faltarle el respeto al lector; yo aún no entiendo por qué en los nombres adjetivos se están dejando de traducir, ¿cómo entenderá un no anglo parlante que la característica que denomina a una cosa, a una tea humana o a un guasón o bromista se les llamen Thing, Human Torch y Joker, por citar unos pocos ejemplos?

En fin, en estos casos considero que es muy importante y responsable además, el cuidar una traducción, a fin de cuentas no es más que una forma de acercarnos a una forma diferente de pensar y acercarnos a otras culturas e idiosincrasias, con esto espero que quienes traducen lo hagan realmente a conciencia, es una responsabilidad muy grande la que cargan, una responsabilidad como la que tenemos también de difundir el aprendizaje de otros idiomas y acrecentar así nuestro acervo cultural, por que eso acrecienta también nuestro goce.

Si desean difundir la palabra siéntanse en libertad de traducir este artículo. Gracias y nos leemos el próximo mes.

Saludos, Ignacio A. Loranca Frontana Dir. General Fi Estudios ignacio.loranca@gmail.com