Cine en el s XXI by Victor Martin

El Cine en el S. XXI Víctor Martín Marín 4

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El cine e n e l s.

XXI

REDACTOR VÍCTOR MARTÍN MARÍN

Lanalos 2000 - CAPÍTULO 01 | 7

Título original: El cine en el s. XXI Diseño de la cubierta: Víctor Martín Marín

Primera edición: abril 2014 Segunda edición: mayo 2014

© Víctor Martín Marín © 05/2014 Editorial Grijalbo C/ Pablo Casals, 14 28011 Madrid España Tel./Fax: (34) 915 263 260 libros@lanalosediciones.com www.lanalosediciones.com Todos los derechos reservados Publicado por acuerdo con: Dell Publishing, división Doubleplay Dell Publishing Group, Inc.

ISBN: 84-86712-34-8 Depósito legal: GU-70/2014 Preimpresión: Víctor Martín Fotomecánica: Perfil 4 Imprenta: IES Puerta Bonita Impreso en España

Para todos aquellos que aman las películas...

“La publicidad nos hace desear coches y ropas, tenemos empleos que odiamos para comprar mierda que no necesitamos. Somos los hijos malditos de la historia, desarraigados y sin objetivos. No hemos sufrido una gran guerra, ni una depresión. Nuestra guerra es la guerra espiritual, nuestra gran depresión es nuestra vida. Crecimos con la televisión que nos hizo creer que algún día seriamos millonarios, dioses del cine o estrellas del rock, pero no lo seremos y poco a poco nos hemos dado cuenta y estamos, muy, muy cabreados.”

-Tyler Durden en ‘El club de la lucha’ 1999

00 Año 2000

01 Año 2001

Gladiator Memento Requiem por un sueño

Amelie Shrék Harry Potter y la piedra filosofal El señor de los anillos, la comunidad del anillo

Spiderman El señor de los anillos, las dos torres

pág. 21

Año 2002

pág. 31

pág. 43

Casino Royale Infiltrados

Ratatouille Across the universe El ultimatum de Bourne

El caballero oscuro

Año 2006

Año 2007

pág. 83

Año 2008

pág. 91

pág. 101

03 Año 2003

Big Fish Piratas del Caribe, la maldición de la perla negra El señor de los anillos, el retorno del rey

04 Año 2004

El castillo ambulante Descubriendo Nunca Jamás

Match Point Batman Begins

pág. 53

Año 2005

pág. 65

pág. 75

10 Año 2010

Avatar (500) días juntos

Origen La red social Shutter Island

Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2 X-Men: primera generación

Año 2009

Año 2011

pág. 119

pág. 109

pág. 131

Los vengadores The amazing Spider-man El caballero oscuro, la leyenda renace Skyfall

El lobo de Wall Street Star Trek en la oscuridad Los juegos del hambre El Hobbit, la desolación de Smaug

(#, A-Z)

Año 2012

pág. 141

Año 2013

pág. 155

Índice películas y directores

pág. 168

INTRODUCCIÓN CINE RODADO EN DIGITAL A finales de los 90 hicieron su aparición las cámaras digitales. En lugar de grabar sobre película de cine, se graba directamente sobre un soporte digital. Aunque entonces la diferencia de calidad era muy grande, a lo largo de esta década las cámaras digitales han evolucionado a pasos agigantados. A día de hoy siguen siendo minoría las películas que se graban de esta manera, pero la calidad ya no tiene nada que envidiar al celuloide. La textura es, eso sí, diferente. Algunos cineastas aún no quieren saber nada de este formato, pero hay otros que sí lo han trabajado y, siendo los primeros, han ido dando forma a un nuevo tipo de cine. Hablaré de algunos de ellos. El bajo coste de la nueva tecnología, unido a otras facilidades, llamó la atención del cine independiente rápidamente. Seguramente el mayor representante sea Steven Soderbergh, quien ya a principios de la década se valió de la tecnología digital para rodar proyectos más personales como Full Frontal (2002). Así, a lo largo de la década, ha podido intercalar grandes éxitos de taquilla como la saga de Ocean (2001, 2004, 2007), rodadas en película, con su cine de corte más experimental y minoritario como la citada o Bubble (2005). Hasta que el cine digital ha perdido su condición independiente y se ha lanzado a rodar también sus películas comerciales en formato digital. La reciente ¡El soplón! (2009) está rodada con la popular cámara Red One (la misma que utilizó Von Trier en Anticristo). Aunque mientras algunos de estos directores aspiran a alcanzar el tipo de imagen clásico con el digital, otros le buscan su propia personalidad. Danny Boyle rodaba 28 días después en 2002 con la Canon XL (situémonos: mismo año y misma cámara que Soderbergh en la independentísima Full Frontal). Boyle consiguió así rodar una película de terror muy barata y con mucha libertad. Pero por encima de eso, consiguió una estética verdaderamente personal, apoyándose en la nueva textura de imagen del digital en lugar de evitarla. Firmó así una de sus mejores películas, con una atmósfera escalofriante, que ayudó a presentar los recursos propios de la nueva tecnología digital. Aunque sin duda, quien más ha ayudado a sentar las bases de la nueva técnica, es Michael Man. Ya hizo sus primeros pinitos en 2001 con Ali. Se trataba sólo de algunas tomas de los combates y planos nocturnos, mezclados con el resto de la película rodada de manera tradicional, pero ya entonces empezó a experimentar con el nuevo estilo. La imagen característica del digital le ofrecía una nueva estética, con la que conseguía una belleza personal, pero también una mayor intensidad y realismo. A partir de Collateral (2004), se lanza definitivamente al formato digital, alcanzando con la reciente Enemigos Públicos (2009), una sorprendente y arriesgada estética, que no sólo afecta al tipo de imagen, sino que le ofrece la oportunidad de un dinamismo ilimitado a la hora de rodar la acción (muchas veces con la cámara en mano) y sumergir al espectador por completo en la película. Son muchas las ventajas del formato digital, para el director en el rodaje y como estética más realista, aunque aún no se ha alcanzado la elegancia de la película. En cualquier caso, lo que está claro es que esta primera década del

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siglo ha sido esencial para un crecimiento, no sólo te la tencología sino de la técnica artística. Serán los nombres de algunos directores, Mann, Von Trier, Boyle, los que se recuerden como padres de un nuevo cine. *** LA ESTRUCTURA DESORDENADA No es nada nuevo saltarse el orden cronológico a la hora de contar una película. El flashback es un recurso viejísimo, e incluso el flashforward. Pero más allá de escenas puntuales fuera de la cronología, a lo que asistimos en muchas de las películas de esta década es al desorden total, a veces aparentemente anárquico y otras veces reordenado. Una opción que en muchos de los casos busca aportar ese ritmo que cada vez es más necesario para el espectador. En el año 2000 Christopher Nolan estrena Memento. La película, que la mayoría de los lectores ya conocerán, es un alarde extremo de reordenación del guión, en este caso en un escrupuloso orden inverso (aparte de unos insertos en blanco y negro fuera de esa norma), con el que el director se da a conocer, ofreciendo una doble lectura narrativa (en uno y en otro sentido). El mismo director continua en algunos de sus siguientes trabajos con el gusto por el desorden, aunque de una manera menos juguetona y más centrada en un esfuerzo dramático. Batman Begins (2005), juega con la narración en dos tiempos (el actual y la vida pasada del protagonista), un concepto más convencional (véase El padrino II, por poner un ejemplo), pero con un intercalado mucho más dinámico. En El truco final (2006), incluso lleva este dinamismo un poco más allá, con un dominio de la estructura desordenada apabullante que resulta renovador. Aunque las propuestas son a veces un pequeño desafío intelectual (especialmente en Memento), la acción está reordenada con una lógica que permite al espectador situarse en todo momento. Aunque sin duda, quien más partido le ha sacado al desorden, esta vez con una apariencia más caótica y menos programada, es el guionista mejicano Guillermo Arriaga. En el año 2000 se estrena Amores perros, de Alejandro González Iñarritu. Esta no resulta tan orginal como Memento (del mismo año), pues su estructura en tres capítulos recuerda demasiado a la gran Pulp Fiction. Pero su siguiente trabajo con Iñarritu, 21 gramos (2003) es mucho más atrevido en este sentido, pues supone un verdadero caos de escenas desordenadas. Si con Nolan se aprecia un desorden más bien racional, Arriaga busca una reordenación emocional, a veces moral. En muchos momentos el espectador no encuentra elementos suficientes para situarse, aunque emocionalmente puede seguir la película sin problemas, y finalmente, la visión de conjunto queda bastante clara. Director y guionista lo volverían a repetir en Babel (2006) y, ya bajo la dirección de Tommy Lee Jones, con Los tres entierros de Melquiades Estrada (2005). Aunque personalmente, no considero estas películas sean de una calidad notable, sí son significativas de esta tendencia. Uno de los guionistas más importantes de la década es Charlie Kaufman. Aunque ya en El ladrón de Orquídeas (2002 - Spike Jonze) existe un cierto desorden, donde mejor se aprecia es en Olvídate de mí (2004 - Michel Gondry) donde los saltos en el tiempo se convierten en un juego con el espectador apoyado en los problemas de memoria de los protagonistas (siguiendo en parte la línea de Memento). Para que el espectador no se pierda, se ofrecen alguna ayudas visuales como el color del pelo de Kate Winslet en diferentes momentos. Veamos dos casos que se parecen donde el montaje paralelo y la música tienen gran importancia, herederas quizá del estilo de Paul Thomas Anderson en Magnolia (1999). La primera es Las horas (2002) de Stephen Daldry, que utiliza maravillosamente el montaje paralelo en tres tiempos al am-

paro de una banda sonora con personalidad propia para saltar de un tiempo a otro. La segunda es La fuente de la vida (2006) de Darren Aronofsky, donde la intencionalidad del mensaje se distribuía de manera ambigua por las diferentes líneas absolutamente intercaladas.También eran tres tiempos y también se jugaba con el montaje paralelo y la banda sonora densa para aportar unidad. En ambos casos, los tres tiempos estaban suficientemente separados como para que estéticamente fueramuy sencillo distinguirlos y, por tanto, no había necesidad de utilizar otros recursos para facilitar la comprensión del espectador. El público de hoy está de sobra acostumbrado a este formato. En la reciente (500) días juntos (2009) de Marc Webb lo podemos ver de un modo muy ligero, apoyado por el marcador de los días que cita el título. El desorden de la estructura es un recurso que ha existido desde hace mucho tiempo, pero que en esta década se ha trabajado como nunca, y que en mayor o menor medida ha sido tanteado por muchos de los nuevos directores. *** EL REALISMO Una de las características más claras de esta primera década es la búsqueda de realismo y credibilidad, tanto en las formas como en los contenidos. El cine de acción había alcanzado un grado de adorno y espectáculo exagerados con títulos de éxito como Matrix o Tigre y Dragón. Como reacción a todo esto, aparece un cine de acción mucho más directo y seco, principalmente a partir del estreno de El caso Bourne en 2002. La película influyó considerablemente al género pero también a otros cercanos como el thriller. Con la segunda entrega, El mito de Bourne (2004), el efecto

se agravó en parte debido al cambio de director por Paul Greengrass, quien introdujo elementos formales de documental, creando así una estética personal muy utilizada después. El nuevo cine comercial adopta las formas que hasta entonces se estaban manejando en el cine más independiente. En cuanto a la forma, una fenómeno influyente lo encontramos en el cine de terror. El tremendo éxito de taquilla (en proporción a su presupuesto) de El proyecto de la bruja de Blair 1999 abre una puerta a un tipo de terror que se basa en la inclusión de la cámara dentro de la acción. Después hemos visto otros casos claros, a veces interesantes como la española [REC] (2007) de Jaume balageró y Paco Plaza, otras veces decepcionantes como El diario de los muertos (2007) de George Romero o la reciente Paranormal Activity (2009), que no han sabido recrear de forma creíble el propio rodaje suficientemente bien como para potenciar el realismo. En este desarrollo influye la nueva televisión, donde el reality es el formato más usado. Se recuperan sagas míticas que habían expirado precisamente por la pirotécnica y el exceso. Los casos más claros son los de la nueva saga Batman de Christopher Nolan, y la redefinición del espía más famoso, James Bond. En ambos casos se trata de personajes cercanos a la caricatura y el espectáculo que pasan a convertirse en figuras mucho más realistas (incluso con el contraste de un universo tan artificial como el del hombre murciélago) consiguiendo en ambos casos, ante todo, un gran éxito de taquilla. Y es que es básicamente el público quien ha marcado este rumbo, apoyando masivamente este tipo de iniciativas. Otra película exitosa que quiere rivalizar con la saga de Batman es Iron Man (2008). Dejando a un lado la muy menor calidad de este otro título, es curioso observar como un personaje tan de comic como es este, se sumerge en un contexto de contienda bélica rodado una estética cercana a documentales o semidocumentales sobre la guerra de Irak. Y es que no es extraño que temáticas de corte social se entremezclen con las propuestas más

comerciales. Podemos verlo en la segunda entrega del nuevo 007, Quantum of Solace (2008) de Marc Forster, un autor más bien independiente, donde podemos ver imágenes de pura crítica social relacionadas con la pobreza y la escasez de agua. Otro ejemplo claro es el de la reciente y sobrevaloradísima Distrito 9 (2009) que mezcla su muy explícita crítica social con explosiones y excelentes efectos digitales. El contenido que vende ahora es el de la crítica social. Los Oscar lo dejan claro a partir de la segunda mitad de la década, premiando películas como Million Dollar Baby (2004) de Clint Eastwood, Crash (2004) de Paul Haggis y Slumdog Millionaire (2008) de Danny Boyle, películas pequeñas de maracado posicionamiento social. Hay que comentar la importancia de Haggis en esta década, que además de ser el director de Crash, es el guionista de Million Dollar Baby y el principal responsable de la renovación de la saga Bond. En definitiva, uno de los nombres que marcan la tendencia de esta década. En ocasiones, la temática social responde más a una estética que a un contenido real, la estética de la pobreza, que se observa claramente en títulos como la citada Slumdog Millionaire, Babel o El jardinero Fiel (2005) - hay que decir que su director, Fernando Meirelles, es uno de los primeros en introducir esta estética en el circuito comercial con su Ciudad de Dios (2002). Así, terminamos encontrando estéticas y tonos muy parecidos en los grandes éxitos como en los pequeños festivales, con desarrollos diferentes, claro está. Gran parte de la temática social se centra en la guerra de Irak y en el terrorismo, como es lógico después del 11S. El thriller político más incisivo se multiplica, con películas como Syriana (2005). Paul Greengrass estrena United 93 en 2006, una recreación de los ataques a las torres gemelas, es curioso y muy significativo de esta década, que se trate precisamente del director de las dos últimas entregas de la saga Bourne, como ya he comentado antes, que los directores de las películas más comprometidas sean los mismos que los que dirigen los grandes títulos de acción. Nadie imagina a la mayoría de los genios de la acción de los 80 o 90 rodando thriller políticos semidocumentales. Pero lo más curioso no es esta doble función de directores como Marc Forster o Greengrass, lo

realmente característico de esta década es que Greengrass dirija esencialmente de la misma manera ambas películas. *** ESCENARIOS VIRTUALES Un fenómeno de mucho éxito de la segunda mitad de la década es el rodaje en escenarios íntegramente virtuales. O dicho de otra manera, actores trabajando constantemente delante de una pantalla de chroma. La técnica del chroma es antigua, pero en esta década ha pasado de ser un modo de insertar a un personaje real en un entorno real (pero diferente), a incluir al personaje en un entorno completamente virtual, generado por ordenador. De esta técnica se ha hecho gran uso y también abuso. Especialmente en la trilogía de El señor de los anillos, y en los nuevos episodios de La gerra de las galaxias (especialmente en el último, La venganza de los Sith). Después en otras muchas superproducciones, mayoritariamente fantásticas. Incluso se ha llegado al punto de construir toda la película mediante esta técnica. El truco de este planteamiento ha sido alejarse de la idea de componer una imagen creíble para buscar todo lo contrario: una estética absolutamente estilizada. Seguramente la mayor representante de este formato sea la intensísima Sin City (2005) del irregular pero siempre imaginativo Robert Rodriguez. La película adapta un reconocido cómic de Frank Miller y a diferencia de lo que se venía haciendo hasta entonces, se busca plasmar las imágenes de un modo muy similar al original, jugando con los recursos propios del cómic y no del cine. La película fue un éxito y se busca repetir la fórmula con 300 (2006) de Zack Snyder, otro éxito de taquilla, aunque con un guión bastante discutible. En cualquier caso, una potencia visual que queda para el recuerdo. Un ejemplo algo más fallido es el de Sky Captain y el mundo del mañana (2004) de Kerry Conran donde los personajes se sumergen en un universo retrofuturista, que al no ser tan plástica como Sin City, cojea y resulta demasiado artificial. Ahora tenemos en nuestras pantallas otra digna representante, Avatar (2009), de James Cameron, que además de utilizar esta técnica, busca un efecto deslumbrante para las proyecciones en 3D. No me sorprendería que dentro de diez años tuviera que referirme a ella como una puerta abierta a una nueva tendencia en la segunda década del siglo XXI. *** El COMIC DE CALIDAD Esta década también ha sido testigo de una explosión interminable de adaptaciones de cómic. Además de este aumento en número, también es significativo (y de esto voy a hablar) el gusto por la adaptación de las grandes obras del cómic, las más serias, para las que se ha buscado hacer unas películas de calidad, a veces con más éxito que otras. Se podría decir que ha sido el año de Frank Miller, uno de los escritores de cómics más prestigiosos. En el apartado anterior acabo de comentar las adaptaciones de dos de sus más importantes trabajos, Sin City y 300. Aunque estas películas siguen teniendo al público adolescente como su mejor baza en taquilla, buscan una calidad y una experimentación que van más allá del producto fácil de superhéroes. Pero también podemos encontrar la mano de Miller en otro de los grandes éxitos, Batman Begins (2005) de Chistopher Nolan, que sin ser una adaptación propiamente dicha, toma bastante de uno de los trabajos más celebrados del autor, Batman Año 1. Otro de los nombre propios importantes es el de Alan Moore,

uno de los más importantes autores del comic. Varios trabajos suyos han sido llevados al cine en esta década. Los dos primeros, especialmente fallidos. Desde el infierno (2001), que se queda en una película entretenida con cierto estilo pero muy justita que desde luego no alcanza ni de lejos el valor del original; y La liga de los hombres extraordinarios (2003), que ya directamente es un enorme despropósito. En 2005 llega V de Vendetta, que teniendo más valor, o al menos mejores

intenciones que las anteriores, sigue quedando lejos de la calidad que podía alcanzarse. Demasiado influida por los hermanos Wachowski con su estilo demasiado bombástico y ya desfasado. Por fin este mismo año se estrena la adpatación más ambiciosa, la de una de las novelas gráficas más importantes -para muchos la mejor. Hablamos de Watchmen (2009) de Zack Snyder (el hábil artífice de 300), que claramente es el trabajo más interesante de todos los mencionados, pero que tampoco llega a dar todo lo que podría, seguramente porque tanto esta como las otras obras de Moore son complejas a la hora de llevarlas al cine. Una vez más tenemos que mencionar a Nolan en la misma línea que antes, esta vez con su segunda entrega de Batman, El caballero oscuro (2008), que se inspira en parte en la obra de Moore, La broma asesina, para dar forma a la personalidad de su Joker, y a sus motivaciones. *** PIXAR El fenómeno Pixar merece un apartado propio. La compañía nos ha regalado los mejores títulos de animación 3D y ha mantenido una atención especial en ofrecer calidad, sin caer en el producto comercial barato para los más pequeños. A cambio ha conseguido grandes éxitos de taquilla. Su fórmula es clara: historias dirigidas a los niños, realizadas con la suficiente calidad artística y técnica, como para interesar a los adultos. Aunque ya en la segunda mitad de los 90 Pixar estaba dando guerra con éxitos como Toy Story o Bichos, es en esta década cuándo ha ido creciendo en calidad, dirigiendo su cine a un público más adulto, que en aquella época estaba conquistado por Dreamworks con quien mantenía un tira

y afloja (mientras Pixar estrenaba Bichos, Dremworks atacaba con HormigaZ, mucho más adulta, satírica, aunque la otra ofrecía mayor espectáculo técnico). Pero vayamos ya al 2001, donde nos encontramos con Monstruos S.A. La película fue un derroche de animación con grandes planos en movimiento, Pixar avanzaba a toda máquina en sus capacidades técnicas y además daba algunos pasos para seducir más al público adulto con humor más elaborado y una historia original. En el otro lado del rin Dreamworks presentaba su propio monstruo, el famoso Shrek, que si bien seguía quedando por debajo en técnica, resultaba mucho más refrescante, divertida y original. Quizá el punto de inflexión fue la siguiente gran apuesta de Pixar, Buscando a Nemo (2003). Aquí la compañía, aún manteniendo esas historias tiernas y menos picantes (no olvidemos su vinculación a Disney), ofrecía ya una película plenamente disfrutable por el público adulto. No sólo aumentó una vez más su capacidad técnica, sino que se empleó a fondo artísticamente. Especialmente en los colores del fondo del mar y el comportamiento submarino. La correspondiente respuesta de Dreamworks, El espantatiburones resultaba lamentable en todos los sentidos. Se puede decir que aquí perdió la batalla y se dedicó desde entonces a películas graciosillas que no pretendían competir cara a cara con el ya gigante Pixar. A mi entender, llega aquí la que aún sigue siendo la mejor película de Pixar, Los increíbles (2004) de Brad Bird. Nuevo avance técnico, pero sobre todo un guión realmente maduro (aún teniendo la temática de superhéroes). Una historia original y un gusto exquisito por un estilo retro, cercano a las primeras entregas del agente 007, con unos escenarios memorables y una luz digna de la mejor fotografía de imagen real, con unos atardeceres deliciosos, unas noches tropicales en las que se siente el calor, y un gran sentido del humor. En 2006 se estrena Cars, un título dirigido básicamente a los más pequeños, con algunos hallazgos estéticos como los reflejos en la carrocería de los vehículos o lo bien que transmite el romanticismo de la ruta 66. Esta película representa claramente una de las apuestas de Pixar: la caricatura. Mientras otros estudios intentan buscar un cierto realismo en los personajes, en las películas de Pixar se sigue manteniendo esa identidad de cartoon que no pretende ser una recreación de la realidad sino un dibujo caricaturizado (en su forma y en su comportamiento físico). Los coches de Pixar que son personajes son un ejemplo perfecto. Brad Bird vuelve a la carga en 2007 con Ratatouille, rescatando un proyecto ya empezado por Jan Pinkava, al que quizá le faltaba un cierto toque. Bird reescribe la historia de un ratoncito cocinero, como una oda a la calidad en el arte sin prejuicios. La crítica quedó encantada, no es para menos, cuando estaba representada en uno de los personajes de la película. Lo más asombroso a nivel técnico era la capacidad de mostrar los alimentos como suculentos, con un dominio de las texturas complejas increíble. Empieza a crearse un mito con Wall-E (2008) de Andrew Stanton, uno de los directores de Buscando a Nemo. La primera mitad de la película es una maravilla, aunque después pague la cuota comercial. Finalmente la reciente Up (2009) de calidad similar a la anterior, ha llegado a estrenarse en la inauguración de la sección oficial del festival de Cannes. Este es el estatus que ha conseguido la compañía, al final de una década que empezó con espectaculares películas infantiles. Hay algo que nos da una pista de cuál puede ser el futuro de Pixar en la segunda década: Brad Bird está preparando una película de imagen real, 1906.Veremos si también en ese terreno Pixar sigue ofreciendo calidad. VÍCTOR MARTÍN MARÍN EDITOR GENERAL

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"Mi nombre es Maximo Decimo Meridio, comandante de los ejercitos del norte, general de las egiones medias, fiel servidor del verdadero emperador, Marco Aurelio, padre de un hijo asesinado marido de una mujer asesinada, y alcanzaré mi venganza, en esta vida o en la próxima" Maximo Decimo Meridio. (Russell Crowe)

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Gladiator Gladiator

EEUU/RU. 155 min. DreamWorks SKG

Música. Hans Zimmer

Director. Ridley Scott

Fotografía. John Mathieson

Productor. David Franzoni, Branko Lustig &

Recaudación. 457,640,427 $

Douglas Wick.

Montaje. Pietro Scalia

Guionista. David Franzoni, John Logan &

Vestuario. Janty Yates

William Nicholson.

Estreno. 17,Mayo,2000

Gladiator es una película épica del género péplum estrenada en el año 2000. Dirigida por Ridley Scott, sus papeles principales son interpretados por Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Connie Nielsen, Ralf Möller, Oliver Reed, Djimon Hounsou, Derek Jacobi, John Shrapnel y Richard Harris. Crowe interpreta a Máximo Décimo Meridio, un leal general hispano del ejército de la Antigua Roma, que es traicionado por Cómodo, el ambicioso hijo del emperador, quien ha asesinado a su padre y se ha hecho con el trono. Forzado a convertirse en esclavo, Máximo triunfa como gladiador mientras anhela vengar la muerte de su familia y su emperador. Estrenada el 5 de mayo de 2000, Gladiator fue un éxito tanto por la crítica como del público y contribuyó al breve resurgir del cine épico histórico. La película recibió numerosos premios y nominaciones, incluidos cinco Óscar en la 73º edición de la Academia estadounidense entre los que se destaca el de mejor película y mejor actor para Crowe. Exactitud histórica La película se basa muy libremente en hechos históricos. Ridley Scott pretendía retratar la Roma Antigua con más precisión que en ninguna película anterior y para ello contrató a varios historiadores y asesores. A pesar de ello, el filme dejó de lado de forma totalmente deliberada algunos acontecimientos históricos en favor de su trama, algunos para mantener la continuidad, otros por razones prácticas o de seguridad. Debido a que las anteriores películas de Hollywood sobre Roma habían influido en la percepción que la gente tenía de esta cultura de la antigüedad, algunos hechos históricos verídicos eran, en opinión de Scott, «demasiado increíbles» para ser incluidos. Al menos uno de los asesores históricos del filme renunció a su labor en vista de los cambios que se iban a hacer y otro pidió no ser mencionado en los créditos (Ridley Scott dice en los comentarios del DVD del filme que el experto preguntaba constantemente: «¿Dónde está la prueba de que ciertas cosas fueron exactamente como ellos dicen?»). El historiador Allen Ward, de la universidad de

Ridley Scott

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Russell Crowe Maximo Decimo

Joaquin Phoenix Cómodo

Connie Nielsen Lucilla

Oliver Reed Proximo

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Connecticut, cree que la exactitud histórica no habría restado interés o emoción a Gladiator y afirmó: «los creadores necesitan tomarse algunas licencias poéticas, pero ello no debería ser un bufé libre para despreciar de manera tan clara los hechos históricos en la ficción cinematográfica».27 28 El auténtico emperador Marco Aurelio murió de peste en Vindobona y no asesinado por su hijo Cómodo. El personaje de Máximo es ficticio, aunque algunos de sus caracteres y hechos se asemejan a los de personajes reales como Narciso (el auténtico asesino de Cómodo),29 Espartaco (que lideró una famosa revuelta de esclavos), Cincinato (un granjero que acabó siendo dictador,

salvó a Roma de la invasión y luego renunció a un cargo que duraba seis meses cuando sólo llevaba quince días en él)30 31 32 y Marco Nonio Macrino (un leal general, cónsul en el 154 d. C. y amigo de Marco Aurelio).33 34 Cómodo llegó a combatir como gladiador en el Coliseo, un espectáculo que le encantaba, pero acabó sus días estrangulado en la bañera por el luchador Narciso, no en la arena de combate.27 Además, gobernó durante bastantes años, no el corto período de tiempo que se muestra en la película.27 El nombre Máximo Décimo Meridio no es correcto de acuerdo a las convenciones de nombres romanos. Lo correcto sería usar Décimo Meridio Máximo, pues Máximo es el cognomen y Décimo el praenomen.27 Influencias En la trama de Gladiator influyeron dos películas de Hollywood de los años 1960 del género péplum: La caída del Imperio Romano y Espartaco.35 De la primera toma algunos puntos clave de su argumento, como la historia de Livio, quien, al igual que Máximo en Gladiator, se pretende que sea sucesor de Marco Aurelio. Livio está enamorado de Lucila y quiere casarse con ella, mientras que en Gladiator Máximo ya está felizmente casado aunque tiempo atrás estuvo enamorado de la hija del emperador. En ambos filmes Marco Aurelio es asesinado: en La caída el imperio romano es un grupo de conspiradores ajenos a Cómodo el que lo envenena, en Gladiator es el propio Cómodo quien lo asfixia. En la película de los años 1960 Cómodo trata de atraer a Livio hacia su visión del imperio en contraste con la de su padre, en la película de Ridley Scott, cuando Cómodo fracasa en su intento de ganarse a Máximo, ordena la ejecución de su familia y falla en asesinar al general.

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En ambas películas los respectivos protagonistas, Livio y Máximo, matan a Cómodo en combate individual, el primero para salvar a Lucila y el segundo para vengar la muerte de su familia, pero los dos también lo hacen pensando en el bien y la grandeza de Roma. Scott reconoció que Espartaco y Ben-Hur influyeron en su película: «Estas películas eran parte de mi juventud. Pero en los albores del nuevo milenio pensé que era el momento ideal de revisitar el que pudo ser el momento más importante de los dos últimos milenios (si no de toda la Historia), la cúspide y el principio del fin del mayor poder militar y político que el mundo había conocido».36 La célebre película Espartaco, dirigida por Stanley Kubrick en 1960, ya había tratado el tema de los gladiadores, y además en ella ya aparecía un tal senador Graco (nombre de un par de tribunos revolucionarios del siglo II a. C.), que en ambos filmes tiene aspecto de un veterano hombre de estado que intenta salvaguardar los antiguos derechos del senado romano en contra de un ambicioso autócrata —Marco Licinio Craso en Espartaco y Cómodo en Gladiator—. En ambos filmes hay una secuencia idéntica en la que un gladiador (Máximo aquí, el Draba interpretado por Woody Strode en Espartaco) arroja su arma a la cávea después de un combate y antes de una línea de diálogo: «Roma es la turba», dicha en la película de Scott por Graco y por Julio César en Espartaco. La recreación de la entrada de Cómodo en Roma recuerda la imaginería del documental propagandístico nazi de Leni Riefenstahl, El triunfo de la voluntad (1934), aunque Scott puntualizó que la iconografía de los congresos nazis estaba por supuesto inspirada en la del imperio romano. Gladiator refleja mucho de la procesión de Adolf Hitler. El filme nazi comienza con una vista aérea de Hitler llegando en avión, mientras que Scott muestra también un plano aéreo de la Roma antigua, seguido rápidamente de un plano de las multitudes viendo a Cómodo pasar en carro ante ellos.37 Lo primero que aparece en el documental alemán es el águila nazi, en Gladiator también aparece la estatua de un águila en lo alto de un arco de triunfo. En un momento de la película propagandística alemana una niña le entrega flores a Hitler, mientras que Cómodo también es recibido por varias niñas que le lanzan flores.

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Memento Memento

EEUU/RU. 113 min. Remember, Newmarket y Todd

Fotografía. Wally Pfister Recaudación. 39,723,093 $

Director. Christopher Nolan Productor. Jennifer Todd & Christopher Nolan Guionista. Christopher Nolan

Montaje. Dody Dorn Vestuario. Cindy Evans Estreno. 05,Septiembre,2000

Música. David Julyan

La segunda película del director británico Christopher Nolan basada en la historia de su hermano Jonah Memento Mori, es un puzzle psicológico acabado. Conocida entre los cinéfilos como “La película que se rodo al revés”, Este moderno filme noir se nos cuenta a trompicones. Las escenas aparecen en el orden cronológico inverso y luego avanzan de nuevo, presentando una información que tiene sentido cuando conocemos otra fase del argumento. Mediante la alteración cronológica de las escenas, que en manos de otro habría resultado un truco molesto, Nolan desvela el misterio de un asesinato mal enfocado, donde el héroe ignora si sus hechos son “los hechos”. Siguiendo la larga tradición del cine negro –Blue Daliah (1945) y Suture (1993)-, la amnesia del personaje principal añade otro elemento emocionante. El actor australiano Guy Pearce interpreta a Leonard, un ex investigador de seguros descarado y pagado de sí mismo. Lleva buenos trajes y conduce coches buenos, pero se aloja en moteles baratos, como indicación de su papel de detective. Esta afectado de amnesia (un trastorno real conocido como amnesia anterograda, o incapacidad de guardar nuevos recuerdos), y controla sus actos con anotaciones e instantáneas y se tatúa en el cuerpo las “verdades” más importantes. Su propósito es vengar la violación y el asesinato de su mujer, casi un imposible porque solo cuenta con una pista insignificante y no recuerda su pasado inmediato. La gente que le rodea, su amiga de cama (Carrie-Ann Moss), o el alegre Teddy (Joe Pantoliano), podrían ser amigos o el mismo asesino… No tiene ni idea. Pearce hace la interpretación apremiante de un hombre desesperado por cumplir su misión pero incapaz de tomar decisiones. La forma en que los hilos de la historia se devanan y vuelven a organizarse constituye una muestra de lógica y de continuidad argumental que exige que el espectador este atento. Pero, como todo filme noir, no lo recompensa. En definitiva resulta memorable la forma de contar la historia, no la historia en sí.

Chrisopher Nolan

28 | CAPÍTULO 00 - 2000

Guy Pearce Leonard

Carrie-Ann Moss Natalie

Joe Pantoliano Teddy

Mark Boone Jr. Burt

Requiem por un sueño

Requiem for a dream

EEUU. 97 min. Artisan Entertainment, Thousand Words, Truth&Soul, Sibling & Industry Director. Darren Aronofski Productor. Eric Watson & Palmer West Guionista. Hubert Selby Jr. & Darren Aronofski Música. Clint Mansell

Fotografía. Matthew Libatique Recaudación. 39,723,093 $ Montaje. Jay Rabinowitz Vestuario. Jany Temime Estreno. 06,Octubre,2000

El trabajo de Darren Aronofski que siguió a su aclamado debut PI (1998) es sin duda destacable. Réquiem por un sueño sigue las andanzas de cuatro personajes –Harry Goldfarb (Jared Leto), su madre (Ellen Burstyn), su novia (Jennifer Connelly) y su mejor amigo (Marlon Wayans)- por el mundo de pesadilla de las drogas. Cada uno tiene su droga, su forma de afrontar la adicción, y acaban en situaciones diferentes, pero sus adicciones tienen una misma causa: el fracaso del sueño americano. Para Aronofski el sueño americano está muerto, y su película nos muestra el duelo infernal de sus víctimas. Visualmente, Réquiem por un sueño bebe de Trainspotting (1996) de Danny Boyle y de las películas de Spike Lee; pero a diferencia de Boyle, que en sus película sobre la droga incluyo escenas de subjetividad alucinógena, Aronofski se resiste a colocar al público en una posición objetiva. Toda la película está rodada en este tiempo verbal subjetivo alucinógeno.Y de Lee, Aronofski recoge una sensibilidad visual hipercinética para representar el estado de ánimo de Brooklyn. Réquiem por un sueño hace uso temático de todos estos elementos, y no los utiliza solo para dar estilo. El trabajo de los actores es excelente, y Leto, Connelly y Wayans despliegan una interpretación poderosa. El papel de Burstyn como madre de Harry y adicta a las pastillas para adelgazar es sorprendente, y si hubiera que escoger una sola razón para ver la película sería su interpretación. Aunque fue nominada al Oscar a la mejor actriz, Burstyn perdió frente a Julia Roberts (Erin Brockovich); y sin desmerecer a la señorita Roberts ni a la película, aunque la interpretación de esta sea la mejor de su carrera, la Sara de Burstyn también lo es… y la comparación no es precisamente justa. La mejor razón para ver Réquiem por un sueño, mas allá de sus inteligentes ideas, el asombroso uso de la subjetividad narcotizada, el significativo estilo y las excelentes interpretaciones, es el equilibrio de la película entre el terror (las escenas finales de locura estan entre los momentos más escalofriantes vistas en muchos años) y una gran comedia judía. Solo hay que imaginarse a Woody Allen dirigiendo El almuerzo desnudo.

Darren Aronofski

Jared Leto Harry Goldfarb

Ellen Burstyn Sara Goldfarb

Jennifer Connelly Marion Silver

Marlon Wayans Tyrone C. Love

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

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32 | CAPÍTULO 01 - 2001

"Amelie cultiva el gusto por los pequeĂąos placeres; hundir la mano en un saco de legumbres, partir el caramelo de la crema catalana con la cucharilla y hacer rebotar piedras en el canal de Saint Martin" Narrador (AndrĂŠ Dussolier)

2001 - CAPĂ?TULO 01 | 33

Amélie

Le fabuleux destin d'Amélie Poulain FRA/ALE. 122 min. France3, Canal +, MMC Música. Yann Tiersen Independent, FilmstiftungNW & La Sofica Fotografía. Bruno Delbonnel Sofinergie. Director. Jean-Pierre Jeunet

Recaudación. 173,921,954 $

Productor. Jean-Marc Deschamps

Montaje. Céline Kelepikis

Guionista. Jean-Pierre Jeunet & Guillaume

Vestuario. Emma Lebail

Laurant

Estreno. 19.Octubre.2001

Se estreno poco antes de los hechos del 11 de septiembre, y recibió mayor atención y elogios en los meses posteriores. La película, adecuada y en el momento adecuado, no fue recibida como una forma despreocupada de escapismo, sino como un respiro idealizado de los horrores y rigores del mundo real. De ahí que el extravagante título original del francés – El fabuloso destino de Amelie Poulain- siga siendo mucho más colorista e informativo que la insistida traducción. Amelie podría llamarse también El fabuloso destino de Jean Pierre Jeunet. El guionista/directo ya había demostrado ser un creador dotado (con su colaborador Marc Caro) de mundos fantásticos seudofamiliares. Su oscura comedia Delicatesen se ambienta en lo futuro, cuando la escasez de alimentos conduce a unas creativas soluciones caníbales en una posada extraña. La ciudad de los niños se concentra en otro mundo alternativo, donde los sueños de unos niños extrañamente maduros son recogidos por un científico loco, decrepito y malvado, incapaz de generar los suyos propios. En apariencia, Amelie se desarrolla en el mundo real. Pero utilizando una serie de efectos juguetones (literalmente), Jeunet transforma la Francia contemporánea en un bonito reflejo surrealista de la realidad. Aquí la protagonista, con sus ideales y sus grandes ojos, va repartiendo amor y felicidad a los cariacontecidos que la rodean. Pero Amelie también esta triste, y se decide a buscar el verdadero amir. Interpretada con una precisión inocente, de duende, por Audrey Tatou, Amelie no solo llora; se convierte en un mar de lágrimas. La ciudad brilla, se le da un matiz sobrenatural y un tiempo eternamente bueno gracias a ciertos efectos acertados de ordenador. En manos menos hábiles, Amelie se habría atascado en la sensiblería y el sentimentalismo, pero Jeunet retiene la dosis exacta de la tristeza y la decepción de la vida real para atemperar esa fantasía de cuento de hadas.Y la película –como personaje centralmuestra un detalle obsesivo por las cosas pequeñas y los caprichos, que atan al espectador a una historia tan peculiar. La mejor decisión de Jaunet fue utilizar a Tatou, que emana una sensación de bondad pero tiene una vena maliciosa muy a tono con su sonrisa guasona, y que evita que la película sea demasia-

Jean-Pierre Jeunet

34 | CAPÍTULO 01 - 2001

Audrey Tatou Amélie Poulain

Mathieu Kassovitz Nino Quincampoix

Isabelle Nanty Georgette

Jamel Debbouze Lucien

2000 - CAPÍTULO 01 | 35

da empalagosa. Los sentimientos de Amelie se encienden y se enfrían con ímpetu y Tatou controla tan hábilmente la forma en que irradia sus emociones que el espectador no puede evitar columpiarse adelante y atrás con ella. A diferencia de otros directores de fantasías, Jeunet parece más interesado en lo que la gente siente y hace sentir a los demás que en el mundo en el que viven. Por muy fantástico que sea el mundo de Amelie, la película trata la razón de que dos corazones que laten en extremos opuestos de la ciudad puedan llegar a encontrarse y latir como uno solo.

El París de Amélie Poulain Plaza de Saint Pierre. La cabina desde la que llama Amélie a Nino.

Escalinata de Sacre Coeur. Amélie le devuelve el libro a Nino. Mercado de monsieur Colignon. Al lado de casa de Amélie

Cafe 'Les deux moulins'. Donde trabaja Amélie.. Metro de 'Abbesses'. Donde coge el metro Amélie.

La gare de l'est. El fotomatón donde Nino pierde el libro.. Canal de Saint Martin. Donde Amélie hace rebotar piedras sobre el agua.

La estación de 'La motte-picquet-grenelle', Los carteles de 'Ou et Quand?'

36 | CAPÍTULO 01 - 2001

Shrék Shrék

EEUU. 92 min. DreamWorks SKG

Música. Harry Gregson-Williams & John Powell

Director. Andrew Adamson & Vicky Jenson

Recaudación. 484,409,218 $

Productor. Jeffrey Katzenberg, Aron Warner &

Montaje. Sim Evan-Jones

John H.Williams

Vestuario. Isis Musseden

Guionista. Ted Elliot,Terry Rossio, Joe Stilman & Estreno. 13.Julio.2001 Roger S.H. Schulman El año era 2001. Todo se perfilaba como otro año más lleno de películas comunes. Los targets estaban bien establecidos y todo el mundo fue a ver películas que se suponía tenían que ver. Excepto por aquellos que fueron a ver Shrek. Se podría decir que es el filme más diferente de la historia. Y por si eso fuera poco, resulta ser entretenido, único, y también tiene un lado sentimental. Shrek contiene todos los elementos de una buena película animada. La película trata sobre Shrek, un ogro en una tierra de fantasías. En esta tierra existen todos los personajes de cuentos de hadas que nos leyeron cuando eramos pequeños o que vimos en las películas de Disney. Pero un día estos personajes por alguna razón quieren ser eliminados por un príncipe malvado. Todos llegan a casa de Shrek quien no le tiene miedo a nada y quien ya tiene un compañero por infortunio, el burro que habla. El hecho es que el príncipe desea casarse con una princesa que vive en un castillo lejano resguardado por un dragón. La misión de Shrek es que debe buscar a la princesa, llevarla al castillo y dársela al príncipe para que se casen y así la gente pueda vivir tranquila (es algo no muy claro en la película). La historia que Shrek presenta está severamente manipulada por guiños a la cultura pop que siempre son apreciables en una película de niños. Y es que estos detalles precisamente la hacen una película para adultos. Desde que inicia la película el indicio es de algo que rompe esquemas. Shrek es un héroe flatulento y que se cepilla los dientes con gusanos triturados. El burro, su compañero, hace alusiones al soul y a un Eddie Murphy que renace. Cameron Diaz es perfecta para un rol que amerita que se burle de sí misma. Al final, Shrek resulta por ser diferente a todo lo que hemos visto. Pero conserva la esencia de un cuento de hadas sobre underdogs que consiguen ser lo que ganan y salvan el día. Es inevitable sentirse bien por ese ogro que nos conquista con sonrisas y gruñidos a un burro que lo acompaña y que no puede dejar de ser fastidioso. Esencial fue Shrek para la generación que vino después. Pero ahora que lo veo, diez años después, me convence de lo importante que fue al ser osada, desafiante y genial.

Andre Adamson Vicky Jenson

Mike Myers Shrék

Cameron Díaz Fiona

Eddie Murphy Asno

John Lithgow Lord Farquad

2001 - CAPÍTULO 01 | 37

Harry Potter y la piedra filosofal Harry Potter and the sorcerer's stone EEUU/RU. 160 min. Warner Bros. Director. Chris Columbus

Recaudación. 974,733,550 $

Productor. David Heyman

Montaje. Richard Francis-Bruce

Guionista. Steve Kloves

Vestuario. Judianna Mokovsky

Música. John Williams

Estreno. 30.Septiembre.2001

Fotografía. John Seale Con esta película da comienzo una larga saga de fantasía y aventuras inspirada en otra popularísima saga de libros. Chris Columbus dirige con mano hábil esta presentación y primera inmersión en un universo de fantasía que viene a ser una revisitación de los clásicos iconos de lo fantástico: magos, duendes y gnomos, dragones, trolls, sortilegios y tesoros ocultos. Los niños son los protagonistas tanto en la obra como en el disfrute de la misma, pues en esta primera aventura se enfatiza lo anecdótico y un sentido del humor que va de lo esperpéntico en sus primeros minutos a lo más inane en el posterior desarrollo, en detrimento de las posibilidades dramáticas del relato, una vena sentimental que queda personificada de forma un tanto superficial en las ensoñaciones del muchacho protagonista, el huérfano que busca a sus padres al tiempo que va descubriendo sus dotes de mago y los oscuros entresijos de su pasado y del mal representado en Voldemort. Pensada exclusivamente para divertir a los niños, la película sin duda funciona bastante bien y utiliza la magia y el mago como sugestivo reclamo y estímulo para la imaginación de los niños: una varita mágica, un sombrero de mago, una escoba voladora, el sueño que, en su tiempo, todos hemos tenido cuando fuimos niños. Desde este punto de vista, la película resulta deliciosa, un mundo de magia y misterio que vibra y se despliega en un decorado de aromas góticos, reformulación del “otro mundo” -como lo son el mundo de Oz o de Nunca Jamás - en este caso representado en el castillo de Hogwarts, allí donde conviven lo encantador y lo siniestro. Además de eso, el filme destaca ante todo en los recursos plásticos; excelente diseño artístico y unos efectos especiales a la altura de lo exigido. Magnífica banda sonora de John Williams. La caracterización de personajes también se ajusta a lo estipulado en un ámbito específico como éste de los magos y la magia, pero en verdad terminan siendo demasiado estereotipados y a la película le falta un personaje malvado con carisma, ya que Voldemort no pasa de ser un fantoche demasiado descafeinado, con claras reminiscencias a Darth Sidius u otros representantes del mal vistos mil ve-

Chris Columbus

38 | CAPÍTULO 01 - 2001

Daniel Radcliffe Harry Potter

Emma Watson Hermione Granger

Rupert Grint Ron Weasley

Richard Harris Albus Dumbledore

1997

1998

1999

2000

2003

2005

2007

ces en cine y televisión. Hay otras cosas interesantes, como la personalidad ambigua y enigmática del profesor Snape o la histriónica caricaturización de la familia “terrenal” del niño Potter, pero ninguno de ellos termina de cuajar por lo diluido de la narración, como ahora explicaremos. El mismo lastre de siempre: el error de querer comprimir la novela en un metraje excesivo y/o desaprovechado, todo sea para contentar a los fans del libro. Y ya se ha dicho que cine y literatura no son lo mismo, y que cuando nos inspiramos en un libro lo primero que hay que tener en cuenta es que la película debe erigirse sobre una idea de vertebración y estructuración cinematográfica, y si para ello es necesario suprimir personajes y pasajes concretos, hay que hacerlo sin remilgos, todo sea para reforzar los aspectos esenciales y que sí pueden ser desarrollados en 140 minutos o en dos horas escasas. Así pues, la narración no termina de cuajar ninguno de sus elementos porque se pretendió presentar a demasiados personajes y se hace demasiado hincapié en escenas o pasajes muy prescindibles. El discurso y el guión debieron haber reforzado la relación entre Harry y el recuerdo de sus padres (muy bella la escena del espejo, gran momento lírico y sensible entre un mar de inanidad), el enigma de Snape y la piedra y la lucha contra Voldemort. Esos eran los tres grandes temas que se diluyen sin encontrar la debida contundencia en desarrollo y profundidad. En última instancia, la narración se pierde en florituras y anécdotas insustanciales. A pesar de todo, una muy estimable película de fantasía y aventura, la cual destaca muy por encima de la actual mediocridad imperante en este tipo de cine. Pero aun así, resulta demasiado tibia para ser la historia de un mago huérfano que se enfrenta con el verdugo de sus padres. Quizá haya que entenderla como un proyecto que, de manera consciente e intencionada, no quiere terminar de arrancar en beneficio de las entregas posteriores.

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El señor de los anillos, La comunidad del anillo The lord of the rings, The fellowship of the ring EEUU/NZ. 228 min. New Line Cinema, WingNut & The Saul Zaentz Company. Director. Peter Jackson Productor. Peter Jackson, Barrie M. Osborne & Fran Walsh Guionista. Fran Walsh, Philippa Boyens & Peter Jackson

Música. Howard Shore Fotografía. Andrew Lesnie Recaudación. 870,761,744 $ Montaje. John Gilbert Vestuario. Ngila Dickson & Richard Taylor Estreno. 19.Diciembre.2001

A J.R.R.Tolkien hay que agradecerle, cuando menos, el haber hecho soñar a varias generaciones de lectores desde la aparición en 1954 del primer volumen de su obra más importante, El señor de los anillos. El escritor inglés demostró que se podía realizar literatura fantástica sin caer en lo ramplón y elaboró toda una cosmogonía propia que ha sido plagiada hasta la saciedad. Más de 20 años después, el interesantísimo director neozelandés Peter Jackson vuelve a intentar trasladar la magia de Tolkien al cine, rodando las tres partes de las que se compone la obra al mismo tiempo, una atrevida pirueta de la que, a tenor de lo visto, no puede salir mejor parado. Es la Comunidad del anillo, primera parte de la trilogía, una valiente apuesta que renuncia a todo tipo de concesión a la comercialidad, sin ánimo de pretender triunfar en taquilla a toda costa. Y para ello sigue una política insobornable de principio a fin: ser lo más fiel posible a la obra original, que se va haciendo más oscura y violenta conforme avanza la odisea de Frodo. Logra el director de Braindead y Criaturas celestiales lo que parecía imposible, que en ningún momento chirríe la adaptación, consiguiendo momentos de extraordinaria belleza, de tensión soterrada o emoción desatada a través de un dominio irreprochable de las herramientas cinematográficas. Utiliza Jackson, sin abusar, cautivadores planos rodados desde grúa, travellings frenéticos y planos y contraplanos contenidos que recrean perfectamente los diversos estados de ánimo de los personajes. Por fortuna, evita no obstante el esteticismo gratuito que está malbaratando la mayoría de las producciones del nuevo cine digital, como La Amenaza Fantasma. En La comunidad del anillo prevalece afortunadamente el deseo por contar una historia, lo que permite que hasta el más mínimo detalle generado por ordenador parezca "vivo". En este sentido, la película de Jackson hace gala de una tremenda honestidad, puesto que no se pierde tiempo en epatar al espectador con prolijas descripciones de cada una de las razas ni se alargan un minuto más de lo necesario las diferentes batallas (de coreografía primorosa y con un sentido del ritmo impagable). Lo que se pretende es acompañar a los personajes en su camino a la redención, con la mente puesta en que la película perviva como obra de arte y no como catálogo de los últimos

Peter Jackson

40 | CAPÍTULO 01 - 2001

Elijah Wood Frodo Bolsón

Ian McKellen Gandalf

Viggo Mortensen Aragorn

Sean Astin Samsagaz Gamyi

La compañía del anillo

Aragorn Viggo Mortensen

Legolas Orlando Bloom

Frodo Bolsón Elijah Wood

Hobbits

Gimli John Rhys-Davies

Samsagaz Gamyi Sean Astin

Hombres

Gandalf Ian McKellen

Pippin Tuk Billy Boyd

Elfos

Boromir Sean Bean

Merry Brandigamo Dominic Monaghan

Enanos

Magos

efectos digitales aplicados a producciones visuales. Cuenta además el filme de Jackson con una fotografía que es pura poesía fílmica, además de un diseño de producción capaz de erizar el vello. El mimo con el que está planificada la producción se extiende a todo tipo de detalles, desde la recreación de los diferentes dialectos de los personajes a la acertada elección de los escenarios naturales australianos, que abarcan desde la apacible comarca donde habitan los hobbits hasta el oscuro reino de Mordor. Dos aspectos más hacen de El señor de los anillos la más sólida producción de fantasía realizada en las últimas dos décadas. El primero es el extraordinario score compuesto por Howard Shore, que aquí se olvida de las composiciones frías y mecánicas y elabora unas partituras que envuelven la acción y contribuyen a suavizar las transiciones de la trama.

Arte conceptual de la trlogía

'Sam lucha con Ella-la-araña' El señor de los anillos: El retorno del rey

'La batalla de Isengard' El señor de los anillos: Las dos torres

'Caballero de Rohan' El señor de los anillos: Las dos torres

'Minas Morgul' El señor de los anillos: El retorno del rey

'Gandalf contra el Balrog' El señor de los anillos: La comunidad del anillo

'Merry y Pippin con Barbol' El señor de los anillos: Las dos torres

Ilustraciones: John Howe (21/08/1957.Vancouver, Canadá)

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"Independientemente de lo que me depare la vida, nnca olvidaré estas palabras; 'un gran poder conlleva una gran responsabilidad'. Esa es mi virtud y mi maldición. ¿Qué quién soy? Soy Spiderman." Tobey Maguire (Peter Parker/Spiderman)

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Spiderman Spiderman

EEUU. 121 min. Sony Pictures & Marvel Company. Director. Sam Raimi Productor. Ian Bryce & Laura Ziskin Guionista. David Koepp

Fotografía. Don Burgess Recaudación. 821,708,551 $ Montaje. Bob Murawski & Arthur Coburn Vestuario. James Acheson. Estreno. 03.Mayo.2002

Música. Danny Elfman

Estados Unidos necesitaba fortalecer su espíritu y convicciones creyendo, aunque sea en dos horas de cine, que hay un héroe capaz de protegerles y salvarles en esa insospechada vulnerabilidad, no precisamente cinematográfica, que tambaleo su orgullo el 11 de septiembre de 2001. Parece una tontería pero, aparentemente, la fantasía de que Spiderman, un superhéroe que ha rodado en tebeos a lo largo de 50 años, es un ángel guardián de la aporreada ciudad de Nueva York hizo que el 1% de la población norteamericana se atropellara en las taquillas, convirtiendo al postergado y esperado filme de Sam Raimi en la película más taquillera de todos los tiempos en su primer fin de semana hasta entonces. Rodada con un holgado presupuesto de 157 millones de euros, Spiderman casi consiguió superar su inversión con ingresos de 128 millones de euros en un glorioso fin de semana que tardara en ser olvidado por los productores y artistas involucrados en el proyecto. Detrás del estreno de Spiderman hubo una calculada campaña. La gran novedad fue que por primera vez funcionaban con igual eficacia las estrategias usuales de los lanzamientos de verano en primavera. La inversión de 56 millones de euros en publicidad, que convirtió a todo el país en una telaraña en la que era imposible ignorar la película. Después de la tragedia del 11 de septiembre de 2001, una especie de paranoia en la que cualquier referencia a las Torres Gemelas en canciones, películas y publicidades tenían que desaparecer. El sitio web de Spiderman lucia por el entonces un tráiler, en el que unos forajidos que rodaban un banco huían en un helicóptero que quedaba atrapado en una tela de araña tendida entre las dos torres. Por si fuera poco, circulaba en la red un cartel que mostraba los dos rascacielos reflejados en los ojos del superhéroe. Atendiendo a la paranoia, retiraron la promoción y la sustituyeron por una políticamente correcta que entro en la Red el día 21 de septiembre, cuando todavía reinaba la incertidumbre terrorista. Al parecer, la escena del tráiler censurado no se correspondía con ninguna de la película pero Sam Raimi tomo la sensata decisión de no borrar digitalmente de la copia final las torres de sus eventuales apariciones, aduciendo que era ridículo comportarse como si los

Sam Raimi

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Tobey Maguire Peter Parker

Kirsten Dunst Mary Jane Watson

Willem Dafoe Norman Osborn

James Franco Harry Osborn

2000 - CAPÍTULO 01 | 47

edificios nunca hubiesen estado allí. Y en un gesto solidario se permitió un guiño en una escena en la que un neoyorkino le grita al malvado Duende Verde, interpretado por Willem Dafoe: “El que se mete con uno se mete con todos”. Después de todo, el terrorismo que Bush combate era tan siniestro, poderoso y sarcástico como el mismísimo Duende Verde. Pero Spiderman subió algo más que la moral de los norteamericanos. También elevo la decaída popularidad de la Marvel, la casa de comics que lanzo en 1962 el primer Spiderman, a partir de una ingeniosa idea que siempre se había atribuido al dibujante Stan Lee. En realidad, el proyecto de hacer de Spiderman una película venia rondando desde finales de los setenta. Varios estudios se peleaban los derechos y después de una larga pelea legal, finalmente los poderosos de la Sony/ Columbia se quedaron con el apetecible proyecto, previo desembolso de 17 millones de euros por los derechos. El gran negocio del cine y su capacidad de convocatoria es aprovechado entonces por la casa editorial que intenta va volver a ganar adeptos a los comics. Durante largo tiempo el proyecto de Spiderman película estuvo en manos de James Cameron, el director de Titanic. Y aunque muchas han sido las vueltas que ha dado, el producto final sigue conservando una premisa de su invención. Desde su primera propuesta, Cameron había sido partidario de que la araña que muerde al tímido estudiante Peter Parker fuese un insecto manipulado genéticamente y no una araña radiactiva como sucedía en el tebeo. Sin embargo, la idea de Cameron era que el villano que crearía el necesario contrapunto maligno debía ser el Dr. Octopus, un papel que estaba pensaba para Arnold Schwarzenegger y no el Duende Verde, que finalmente ha ganado la batalla y aparece con la cara siniestra de Willem Dafoe. El atractivo de Spiderman, en comparación con otros superhéroes, es su carácter de humano vulnerable. Mientras Superman viene de un planeta fantástico y Batman es un excéntrico millonario, Peter Parker es un chico corriente, un huérfano de clase baja que vive en Queens con sus tíos y lleva una vida normal, incluso de poco éxito, que está enamorado de una chica imposible. Para Sam Raimi, un fanático de los tebeos y autor de películas de terror como Darkman, estaba claro que lo que debía mover toda la película era la pregunta: ¿Qué pasaría si cualquiera de nosotros tuviera la opción de convertirse en un superhéroe? Quería también que tuviera gran relevancia la historia de amor entre Parker y Mary Jane, interpretada por Kirsten Dunts, un elemento román-

Daredevil Mark Steven Johnson Ben Affleck - Matt Murdock Collin Farrell - Bullseye Michael Clarke Duncan - Kingping Daredevil #1. Abril de 1964. Stan Lee & Bill Everett

Iron Man, Iron Man 2 y Iron Man 3 Jon Favreau - Shane Black Robert Downey Jr. - Tony Stark Gwyneth Paltrow - Pepper Pots Don Cheadle - James Rhodes Tales of Suspense #39. Stan Lee, Jack Kirby, Larry Lieber & Don Heck 48 | CAPÍTULO 02 - 2002

tico que atrae a un sector del público como las adolescentes, más interesado por las pasiones amorosas que por las hazañas de un héroe. En virtud de ello, Raimi puso especial empeño en que un chico de aspecto más bien introvertido como Tobey Maguire fuera el que interpretara al arácnido, muy a pesar de la oposición del estudio y del actor, cuya carrera venia vinculada a proyectos menos aparatosos (La tormenta de hielo, Jóvenes prodigiosos) y que había confesado que nunca en su vida había leído un tebeo, algo que a los miles de fanáticos de los comics molesto profundamente. El cuadro lo cierra Willem Dafoe como el maligno Duende Verde, que en su vida humana era un químico al que le estalla una formula en la cara que le otorga grandes poderes pero conduce su cerebro a la locura megalómana. Apoyado por el talento de sus actores y el de un equipo de cualificados profesionales, que incluyen a David Koepp en la escritura del guion y al compositor Danny Elfman, usual colaborador de Tim Burton, en la banda sonora, Sam Raimi erigió una historia de Spidermans sin descuidar la vida anodina de Parker, el estudiante y fotógrafo que colabora con un periódico amarillo. El director no se ahorro esfuerzos a la hora de enfatizar la encrucijada emocional que supone para el protagonista convertirse en defensor de la humanidad. Tras ser mordido por la araña y descubrir sus superpoderes, Parker pretende seguir con su vida gris. Sin embargo, un bandolero mata a su tío y en medio del dolor de la perdida recuerda lo que él le dijo una vez: “Un gran poder conlleva una gran responsabilidad”. En ese momento, la ciudad de Nueva York se gana su defensor superdotado.

Capitan Ámerica, el primer vengador Capitan Ámerica, el soldado de invierno Joe Johnston - Anthony Russo Chris Evans - Steve Rogers Hugo Weaving - Craneo Rojo Sebastian Stan - Bucky/Soldado de invierno Capitan ámerica comics #1. Marzo de 1941. Joe Simon & Jack Kirby

Thor Thor, el mundo oscuro Kenneth Branagh - Alan Taylor Chris Hemsworth - Thor Natalie Portman Tom Hiddleston - Loki Journey into mystery #83 Agosto de 1962. Stan Lee, Jack Kirby & Larry Lieber 2002 - CAPÍTULO 02 | 49

El señor de los anillos, Las dos torres The lord of the rings, The two towers

EEUU/NZ. 223 min. New Line Cinema, WingNut & The Saul Zaentz Company. Director. Peter Jackson Productor. Peter Jackson, Barrie M. Osborne & Fran Walsh Guionista. Fran Walsh, Philippa Boyens & Peter Jackson

Música. Howard Shore Fotografía. Andrew Lesnie Recaudación. 925,282,504 $ Montaje. John Gilbert Vestuario. Ngila Dickson & Richard Taylor Estreno. 05.Diciembre.2002

El Señor de los Anillos: las dos torres es una película basada en el segundo tomo de la novela El Señor de los Anillos, del escritor británico J. R. R. Tolkien. Es la secuela de La Comunidad del Anillo y precede a la última entrega de la serie, El retorno del Rey. Fue dirigida por el director neozelandés Peter Jackson y escrita por él mismo, junto con su esposa Fran Walsh y Philippa Boyens. Los actores aportaron ideas durante el rodaje, hecho que, junto con las protestas de los fans por informaciones filtradas en Internet, hizo que el guion sufriera numerosas modificaciones. El rodaje tuvo lugar en Nueva Zelanda entre los años 1999 y 2000. La trama de la película comienza tras la disolución de la Compañía del Anillo. Boromir ha muerto a manos del jefe de los uruk-hai, Lurtz, en un intento de salvar a los hobbits Meriadoc Brandigamo y Peregrin Tuk, que acaban siendo capturados. Frodo Bolsón y Sam Gamyi parten solos hacia Mordor para destruir el Anillo Único en el Monte del Destino, mientras que Aragorn, Gimli y Legolas persiguen a los uruks con el fin de liberar a sus amigos capturados. Las dos torres se estrenó el 18 de diciembre de 2002 y recibió en general buenas críticas, convirtiéndose en la película con mayor recaudación en taquilla del año 2003: 924,7 millones de dólares. Tan sólo en su primer día, Las dos torres recaudó 42 millones de dólares (26 millones en Estados Unidos y 16 millones en otros ocho países), el doble que La Comunidad del Anillo. En carteles oficiales y otros productos, Jackson decidió usar como torres a Orthanc y Barad-dûr, las dos torres del mal, aunque Tolkien nunca dejó claro de cuáles se trataban. En una carta dirigida a Stanley Unwin, presidente por aquel entonces de la editorial encargada de la publicación de El Señor de los Anillos, George Allen & Unwin, Tolkien decía que la identidad de las torres quedaba en la ambigüedad, pues podría referirse tanto a Orthanc y Barad-dûr (las dos torres relacionadas con el enemigo), como a Minas Tirith y Barad-dûr (las dos torres más poderosas de cada bando) o a Orthanc y Cirith Ungol (las dos torres que aparecen en los últimos pasajes de los libros III y

Peter Jackson

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Elijah Wood Frodo Bolsón

Ian McKellen Gandalf

Viggo Mortensen Aragorn

Sean Astin Samsagaz Gamyi

Libro Tercero IV del tomo). El guion de la segunda película de la trilogía, escrito por Phyllipa Boyens, Peter Jackson y su esposa, Fran Walsh, fue considerado por ellos como el más difícil de elaborar. En comparación con La Comunidad del Anillo, que es más lineal, Las dos torres sigue tres líneas argumentales diferentes, dos de ellas enlazadas en la novela (libro III de El Señor de los Anillos)

La partida de Boromir

Los jinetes de Rohan

Los Uruk-Hai

Bárbol

El caballero blanco

El rey del Castillo de oro

El abismo de Helm

El camino de Isengard

Restos y despojos

La voz de Saruman

El palantir

El señor de los anillos: La comunidad del anillo

El señor de los anillos: Las dos torres

El señor de los anillos: El retorno del rey

Libro Cuarto

pero una completamente aparte (libro IV). 1

Smeagol domado

A través de las ciénagas

La puerta negra esta cerrada

historia general no se perdiera la intriga. La

Hierbas aromáticas y guiso de conejo El señor de los anillos: Las dos torres

escena inicial de la lucha entre Gandalf y el

Una ventana al oeste

El estanque vedado

Viaje a la encrucijada

ciales que se ofrecieron a Miramax e iba a ser

Las escaleras de Cirith Ungol

más larga, mostrando a un balrog hecho de

El antro de Ella-la-Araña

Las decisiones de maese Samsagaz

Los guionistas tuvieron que buscar una forma de enlazar las tres líneas de forma que en la

balrog estaba pensada desde los guiones ini-

fango debido a su caída al agua de las Mon-

El señor de los anillos: El retorno del rey

tañas Nubladas. No obstante, debido al alto presupuesto que suponían los efectos especiales de esta escena (unos 50.000 dólares según Jackson) se decidió eliminarla.9 Desde el principio, Jackson descartó incluir en Las dos torres las escenas de Ella-Laraña para evitar que coincidieran con la batalla del Abismo de Helm y el clímax de ésta se rompiera. Además, de esta forma conseguían seguir un orden cronológico que J. R. R. Tolkien no hizo en la novela, ya que los hechos ocurridos en el antro de Ella-Laraña coinciden en el tiempo con el asedio de Minas Tirith.3 El traslado de estas escenas a El retorno del Rey hizo que la historia de Frodo, Sam y Gollum perdiera fuerza, siendo éste uno de los motivos que llevaron a los guionistas a alterar la trama con Faramir y la aparición del ataque a Osgiliath. El otro motivo que les llevó a esta alteración fue que, tras tratar de convencer de que el Anillo es malvado y está consumiendo a su portador, no podían dejar que Faramir prestara su ayuda sin más a los hobbits y no se viera tentado por el poder del Anillo, siendo así una posible amenaza para la misión de Frodo y Sam. Debido a las críticas surgidas por la desaparición del personaje de Tom Bombadil en La Comunidad del Anillo, los guionistas decidieron rendirle un homenaje: trasladaron al viejo Hombre-Sauce al bosque de Fangorn para que atacara a Pippin y Merry, y Bárbol es el que se encarga de salvarles pronunciando palabras similares a las Bombadil en el libro. Esta escena tan solo aparece en la edición extendida del DVD de Las dos torres. Jackson decidió que la batalla del Abismo de Helm siguiera el patrón de la película Zulú (1964), basada en la batalla de Rorke's Drift y en la que 140 soldados británicos tuvieron que enfrentarse a 4.000 guerreros zulú.

2002 - CAPÍTULO 02 | 51



2000 - CAPÍTULO 01 | 53

54 | CAPÍTULO 03 - 2003

"Caerán las lanzas, se quebrarán los escudos, aún restará la espada, rojo será el día hasta el nacer del sol." Bernard Hill (Rey Theoden de Rohan)

2003 - CAPÍTULO 03 | 55

Big Fish Big Fish

EEUU. 126 min. Columbia Pictures. Director. Tim Burton Productor. Bruce Cohen, Dan Jinks y Richard D. Zanuck

Fotografía. Philippe Rousselot Recaudación. 122,919,055 $ Montaje. Chris Lebenzon Vestuario. Colleen Atwood

Guionista. John August

Estreno. 10.Diciembre.2003

Música. Danny Elfman

Érase una vez el ‘toque Burton’. Vendido al mejor postor, lo temíamos perdido pero volvió, desde donde deambulaba entre sombras. Estaba secuestrado. Ese hechizo, esa atmósfera. Una forma de contar historias basada en la sugestión. Nada de milongas. Nada de cuéntame un cuento y veras que contento, no. Cuéntame un cuento, Tim Burton, y arréglame esta vida. ¿Y si la historia tal vez no sea real? ¿A quién le importa? No existen las mentiras cuando hablamos de ficción. Importa el relato en sí mismo, importa que quien cuente la historia la haya hecho suya. Por eso Big Fish, una obra literaria de Daniel Wallace arraigada en la tradición sureña norteamericana (y que se publico con este inquietante subtitulo: Una novela de proporciones míticas) es la reválida perfecta para el cineasta más ilusionante de los últimos lustros. Un hombre que creía ser pez tiene la culpa. Asi de duro se ha puesto el tipo que saco a Batman de la cueva, soplo vida a un Frankenstein con dedos como tijeras, quien puso a los freaks en circulación haciendo salir de todos sus armarios a Ed Wood, asi de convincente regreso tras llevarse todos los palos del mundo haciendo el remake de El planeta de los simios, convertido en un mero delineante de estilo Sleepy Hollow y en un gamberro en la flamante tontería de Mars Attack!. Como ya no hay costumbre de dejarse mecer por historias contadas al borde de la cama, he aquí unas pocas instrucciones para dejarse seducir por un cuento hecho de muchos, y un pez grande: La historia no lo es todo. Importa mucho quien la cuente. No es lo mismo que lo haga Edward Bloom (Albert Finney), un experto contador de historias, un hombre entrañable que se hacía querer; a que intente repetirlas su hijo Will Bloom (Billy Cudrup), que nunca ha acabado de creerse las vivencias de su padre, al que nunca acabara de perdonar que pasase tan poco tiempo en casa. Oírlo para creerlo. Hay que escuchar atentamente la narración de Edward Bloom sobre su propia vida. Su juventud (interpretada por Ewan McGregor) es la fantástica historia de un jardín con

Tim Burton

56 | CAPÍTULO 03 - 2003

Ewan McGregor Edward Bloom

Billy Cudrup Will Bloom

Alison Lohman Sandra Bloom

Albert Finney Edward Bloom

caminos que se bifurcan, una mezcla de pegajoso asfalto borgiano y paisaje onírico a lo Tim Burton, pero sin su tinte negro, olvidado en casa, a pesar de la muerte de su padre, con quien Burton hijo mantenía una relación distante, tenga mucho que ver con este proyecto. No hay mal que por bien no venga. El cuentista Bloom, que vive retirado junto a su esposa (Jessica Lange) y lleva mal no ser el centro de atención que siempre fue gracias a sus historias, está enfermo de gravedad. Eso le reunirá de nuevo con su hijo, periodista en París, con el que lleva sin hablarse tres años, desde su boda, que volverá a casa a despedirse del hombre que lleno su infancia de cuentos. Será su última oportunidad para sincerarse con su padre y saber la verdad de lo que él siempre pensó que era mentiras graciosas para ganarse a la audiencia. Si Edward Bloom necesita más agua que los demás, les cuenta que tiene una especial relación con un pez gigante y mágico y, como ese animal, siempre necesito más espacio vital para crecer que el que tenía en su pueblo, puede que la corriente vaya en esa dirección. Puede que las exageraciones tengan algún sentido. Bloom es un alter ego del Tim Burton contador de historias, el que se ha puesto en manos del guionista John August, un joven con talento que demuestra que es otro pez escurridizo. Los detalles son de vital importancia. Por eso no hay que distraerse cuando Bloom narre su odisea a los Forrest Gump estilizado, desprovisto de la grasa patriotera: su encuentro revelador con la bruja, su salida de casa, su encuentro con el gigante, el paso por el paraíso de Espectro, su temporada en el circo de Danny DeVito, el cortejo a su futura esposa, el servicio militar… Aprenda a conocer el final de antemano. “Es mejor saber cómo vas a morir porque asi sabes que superas todo lo demás”. Big Fish es la historia de un camino de luminoso reencuentro con uno mismo y con los seres queridos, el retorno de Tim Burton a las quimeras dulces, a corrientes de un caudal creativo en las que dejarse sumergir

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Piratas del caribe, la maldición de la perla negra Pirates of the caribbean, the curse of black pearl EEUU. 144 min. Jerry Bruckheimer Films & Walt Disney Pictures.

Fotografía. Dariusz Wolski Recaudación. 654,264,015 $

Director. Gore Verbinski

Montaje. Stephen Rivkin, Arthur Schmidt &

Productor. Jerry Bruckheimer Guionista. Stuart Beattie,Ted Elliot & Terry Rossio

Craig Wood Vestuario. Penny Rose, John Bright & Liz Dann Estreno. 09.Julio.2003

Música. Klaus Badelt

‘Si las canciones y relatos marineros, de temporales y aventuras, haga frio o calor, si las goletas y las islas con tesoros enterrados, marronajes y bucaneros, y las historias añejas, vueltas a contar exactamente al viejo estilo, deleitan como antaño, asi sea, ¡y adelante!’. Este poema, introducido antes del comienzo de la sin par novela de aventuras ‘La isla del tesoro’, fue escrito por Robert Louis Stevenson bajo el epígrafe ‘Al comprador indeciso’. Un toque de atención que parece haber recogido los responsables de Piratas del Caribe, un nuevo intento de resurrección del cine de piratas de toda la vida. Película de productor. Un concepto que se ha hecho carne en los últimos años con el cine de Jerry Bruckheimer. Pearl Harbor, Armageddon, 60 segundos, Con Air y La Roca, por poner unos cuantos ejemplos, tienen mas puntos en común de los que en principio sus tramas dan a entender. Igual ocurre con Piratas del Caribe, donde Bruckheimer y sus compinches han puesto todos los medios para que el otrora exitoso cine de piratas vuelva a resurgir. Como director contrataron a Gore Verbinski, que cosecho un buen dinero al frente de The Mexican, protagonizada por Julia Roberts y Brad Pitt. Al frente del reparto, un valor seguro hace unos años ahora un tanto a la baja: Johnny Depp. A su lado, el más que emergente Orlando Bloom. Ya solo faltaban la chica y el malo. Ella seria la desconocida de nombre Keira Knightley pero inolvidable rubia futbolera en Quiero ser como Beckham. Geoffrey Rush, Oscar al mejor actor por Shine y últimamente especializado en personalidades de oscuro cerebro, fue contratado para el papel del capitán Barbosa. Johnny Depp es el capitán Jack Sparrow, al que Barbosa le ha robado su barco, la Perla Negra. No conforme con esto, el malvado pirata secuestra a la hija del gobernador. Will Turner (Orlando Bloom) se une a Sparrow para rescatar a la chica y apoderarse de nuevo de la Perla Negra. A esta sinopsis hay que unirle los habituales tesoros, los abordajes, las maldiciones, unos cuantos fantasmas y muchas sorpresas más. Una pista más que habla del tipo de película que estamos tratando es el currículo de los guionistas, Ted Elliott y Terry Rossio: Shrek, Aladdin y La máscara del Zorro. En el Hollywood clásico, actores como Errol Flynn o Burt Lancaster y películas como La isla del

Gore Verbinski

58 | CAPÍTULO 03 - 2003

Johnny Depp Jack Sparrow

Orlando Bloom Will Turner

Keira Knightley Elizabeth Swann

Geoffrey Rush Capitán Barbossa

tesoro o Capitán Bloom estaban al orden del día, pero llego la hora del declive, igual que con otros grandes géneros como el western, y ya nadie se atrevía a gastarse un pastón en una nueva película que podía no atraer a las nuevas generaciones. Dos intentos sobresalen entre los valientes de las últimas décadas. El de ahora revitalizado Roman Polanski (El pianista), que en 1986 se dio un importante batacazo con Piratas. Y el más parecido a esta Piratas del Caribe: la isla de las cabezas cortadas (Renny Harlin, 1995), que pretendía ser tan espectacular y tener tanto ritmo que aburría de lo atronadora que era a lo largo de todo el metraje. El arranque en la taquilla americana de la película de Gore Verbinski fue muy bueno: 70 millones de euros en su primer fin de semana. Los antecedentes anteriores lo hubieran firmado de antemano. Vuelven las goletas, las canciones y los relatos marineros. Los tesoros y las islas. ¡Ron, ron, ron, la botella de ron!

Piratas del Caribe.

El cofre del hombre muerto.

2006 Gore Verbinski Johnny Depp Keira Knightley Orlando Bloom 1,066,179,725 $

Piratas del Caribe. En el fin del mundo. 2007 Gore Verbinski Johnny Depp Keira Knightley Orlando Bloom 960,996,492 $

Piratas del Caribe. En mareas misteriosas. 2011 Rob Marshall Johnny Depp Penélope Cruz Geoffrey Rush 1,033,033,768 $

2003 - CAPÍTULO 03 | 59

El señor de los anillos, El retorno del rey

The lord of the rings, The return of the king EEUU/NZ. 251 min. New Line Cinema, WingNut & The Saul Zaentz Company. Director. Peter Jackson Productor. Peter Jackson, Barrie M. Osborne & Fran Walsh Guionista. Fran Walsh, Philippa Boyens & Peter Jackson

Música. Howard Shore Fotografía. Andrew Lesnie Recaudación. 1,119,110,941 $ Montaje. John Gilbert Vestuario. Ngila Dickson & Richard Taylor Estreno. 01.Diciembre.2003

El Señor de los Anillos: el retorno del Rey (título original en inglés: The Lord of the Rings: The Return of the King) es la tercera película de la trilogía cinematográfica de El Señor de los Anillos, dirigida por Peter Jackson y basada en la tercera parte de la obra de J. R. R. Tolkien, El Señor de los Anillos. Tuvo un presupuesto de 94 millones de dólares y fue rodada del 11 de octubre de 1999 al 22 de diciembre de 2000. Los primeros dos filmes fueron El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo y El Señor de los Anillos: las dos torres, aunque en esta película se incluyen algunos eventos del libro anterior: Las dos torres. El Señor de los Anillos: el retorno del Rey está considerada como una de las películas más grandes y exitosas en la historia del cine. En octubre de 2011 la IMDb la colocaba en el puesto 10 de las 250 mejores películas de la historia. El 29 de febrero de 2004 durante la ceremonia de los Premios Óscar, El retorno del Rey ganó los once Óscar a los que fue nominada, convirtiéndose en una de las tres películas en obtener todos los premios a los que optaba (las otras dos son Gigi y El último emperador), y convirtiéndose también en una de las películas más premiadas de la historia, igualando en número de premios a Titanic y Ben-Hur. El guion de El retorno del Rey, al igual que los de la primera y la segunda entregas de la trilogía, fue escrito por Philippa Boyens, Peter Jackson y su esposa, Fran Walsh. En el guion original, la escena inicial era un sueño en el que la cámara salía de la puerta de los Senderos de los Muertos, recorría Rohan hasta el castillo de Meduseld y, en ese momento, el personaje de Aragorn se despertaba de repente.4 La escena que finalmente la sustituyó y en la que se muestra un flashback del descubrimiento del Anillo por parte de Déagol y Sméagol iba a ser incluida en Las dos torres, junto cuando Frodo le recuerda a Gollum su verdadero nombre en la Ciénaga de los Muertos. Los guionistas consideraron que esta escena era más apropiada para comenzar El retorno del Rey que la del sue-

Peter Jackson

60 | CAPÍTULO 03 - 2003

Elijah Wood Frodo Bolsón

Ian McKellen Gandalf

Viggo Mortensen Aragorn

Sean Astin Samsagaz Gamyi

Libro Quinto 1

Minas Tirith

El paso de la compañía gris

El acantonamiento de Rohan

El sitio de Gondor

La cabalgata de los Rohirrim

La batalla de los campos del Pelennor

La pira de Denethor

Las casas de curación

La última deliberación

La puerta negra se abre

El señor de los anillos: El retorno del rey

Libro Cuarto 1

La torre de Cirith Ungol

El país de la sombra

EL monte del destino

El campo de Cormallen

El senescal y el rey

Númerosas separaciones

Rumbo a casa

El saneamiento de la comarca

Los puertos grises

El señor de los anillos: El retorno del rey

Eliminado El señor de los anillos: El retorno del rey

ño de Aragorn, ya que según sus palabras le «aporta unidad» a la película al mostrar en el inicio el origen del Anillo y en el final su destrucción. Por idea de Fran Walsh, el flashback fue ampliado para mostrar el deterioro de Sméagol con el paso de los años debido a la posesión del Anillo.5 La escena del banquete en el castillo de Meduseld no aparecía en el guion, pero fue incorporada tiempo después debido a que algunos hilos argumentales no comenzaban de forma clara, como las dudas del rey Théoden sobre su capacidad para liderar o la relación entre Aragorn y Éowyn.5 Desde el principio, Jackson descartó incluir en Las dos torres las escenas de Ella-Laraña para evitar que coincidieran con la batalla del Abismo de Helm y el clímax de ésta se rompiera. Además, de esta forma conseguían seguir un orden cronológico que J. R. R. Tolkien no hizo en la novela, ya que los hechos ocurridos en el antro de Ella-Laraña coinciden en el tiempo con el asedio de Minas Tirith. Sin embargo, esta reestructuración cronológica hizo que algunas escenas perdieran tensión con respecto al libro, por ejemplo la acontecida en la Puerta Negra de Mordor con la Boca de Sauron, ya que mientras en la novela los lectores no saben si Frodo está vivo o muerto, en la película sí. En la primera versión de la escena acontecida en el Monte del Destino, Frodo empujaba a Gollum y éste se caía a la lava junto con el Anillo; sin embargo, tras verla rodada, la escena no convenció a los guionistas y finalmente hicieron que los dos personajes forcejearan por el Anillo (como espejo de la escena inicial de la película entre Sméagol y Déagol) y cayeran accidentalmente. El Saneamiento de la Comarca fue descartado pronto por los guionistas, ya que la trama de la trilogía se centraba en la destrucción del Anillo y tras eso solo querían finalizar la película. A pesar de ello, intentaron rendirle homenaje en La Comunidad del Anillo cuando Frodo ve en el Espejo de Galadriel la Comarca destruida y a los hobbits siendo apresados por orcos. La muerte del mago Saruman, que en la novela ocurre durante el Saneamiento de la Comarca, fue trasladada a lo alto de la torre de Orthanc 2003 - CAPÍTULO 03 | 61

La aldea de Bree

Isengard

Cima de los vientos

Rivendel

Lothlorien

Minas de Moria

Carhadras

Saltos de los Rauros

Fangorn

Isengard

62 | CAPĂ?TULO 01 - 2000

Emyn Muil

Edoras

Ciénaga de los muertos

El abismo de Helm

Minas Tirith

Ithilien

El sagrario

Campos del Pelennor

Puerta de Mordor

Cueva Ella-la-araña Los senderos de los muertos

Cirith Ungol Monte del destino 2000 - CAPÍTULO 01 | 63

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2000 - CAPÍTULO 01 | 65

66 | CAPÍTULO 04 - 2004

"Me encuentro mal, como si tuviera un gran peso en el pecho. Un corazón es una pesada carga" Chieko Baishô & Takuya Kimura (Sophie & Howl)

2004 - CAPÍTULO 04 | 67

El catillo ambulante Hauro no Ugoku shiro

JAP. 119 min. Studio Ghibli.

Música. Joe Hisaishi

Director. Hayao Miyazaki

Fotografía. Atsushi Okui

Productor. Hayao Miyazaki,Toshio Suzuki &

Recaudación. 235,184,110 $

Tomohiko Ishii

Montaje. Takeshi Seyama & Fukuo Suzuki

Guionista. Hayao Miyazaki

Estreno. 20.Noviembre.2004

‘El castillo ambulante de Howl’ (Hauru no ugoku shiro) sigue la línea de otras producciones del Estudio Ghibli, como ‘El viaje de Chihiro’ que le valió un Oscar al ilustrador, o ‘Laputa: El castillo en el cielo’. Con ésta última tiene muchos puntos en común, pues se trata de un castillo que, en lugar de volar, esta vez, camina. Es una película llena de fantasía desbordante y de temas recurrentes en Miyazaki, como los fantasmas y los personajes que no se sabe si son buenos o malos. Hay momentos maravillosos, escenas increíbles, personajes muy entrañables, de entre los que el espantapájaros mudo (en la parte central del cartel) quizá sea el más simpático. La inocencia y capacidad de sentir sorpresa e ilusión de Sophie, la niña protagonista, su relación con los demás seres, como el demonio del fuego, la vieja bruja o el propio Howl (en la parte alta del cartel), un personaje lleno de matices, son otros de los logros del filme.Y… ¿qué decir de los dibujos? La estética es de cuento, fascinante, los colores son suaves y variados en la ciudad y el campo, y oscuros y tétricos en otras partes donde rugen las batallas y la devastación. Miyazaki es un indudable genio para crear ambientes y cualquiera que haya visto ya alguna de sus películas sabrá de lo que estoy hablando. Lo más sensacional es un hallazgo de imaginación insuperable que consiste en que, según se gira una rueda de cuatro colores que hay en la puerta del castillo, al abrirla se encuentran en un lugar o en otro del mundo. ¿A quién no le gustaría hacer eso en su propia casa? La agilidad del castillo en sí, que es como un ser vivo más, las imágenes de semejante armatoste moviéndose por las montañas (en la parte baja del cartel), o su capacidad para transformarse por dentro y convertirse, en un momento concreto, en la casa donde vivía antes Sophie, son también conceptos geniales. Por culpa quizá de aglutinar tantas visiones de ensueño, ‘El castillo ambulante’ se le va ligeramente de las manos a Miyazaki. Suele ocurrirle a este autor que las películas se le desarman y pierden un poco la cohesión hacia el final. Las conclusiones se alargan, los filmes acaban varias

Hayao Miyazaki

68 | CAPÍTULO 04 - 2004

Jean Simmons Sophie (Abuela)

Emily Mortimer Sophie (Joven)

Christian Bale Howl

Lauren Bacall Bruja del páramo

* voces en versión inglesa/norteamericana

veces y cuesta entender cómo terminan. Aquí ocurre más aún que en sus anteriores animes. El visionado se hace un poco largo y pesado hacia la última parte. Es posible que el japonés se recree demasiado en sus personajes y en sus universos, y todo lo plantee de forma tan pausada, que la acumulación de tanta lentitud se note hacia el final con una sensación de cansancio en el espectador. También puede deberse a que no sepa bien cómo terminar unas historias tan complicadas y fantásticas. O puede tratarse de una simple diferencia cultural: que en occidente seamos más cerrados y cuadrados y, por lo tanto, nos resulte difícil comprender lo que para los japoneses es evidente. Pues, aunque el filme está basado en la novela de la escritora británica Diana Wynne Jones, probablemente Miyazaki ha transformado todos los elementos a su gusto. La prueba está en que, como ya he apuntado, vemos en esta película ingredientes comunes con muchas otras del autor. Lo que está claro es que aquí no tenemos la imaginería y la tradición fantástica tan rica que tienen en oriente. Las historias de espíritus, seres que se transforman, movimientos de energía, son allí la sal común de todos los días, mientras aquí nos siguen sorprendiendo. Gracias al cine, los manga y la literatura, las culturas se mezclan y se intercambian y ahora podemos acceder a esos mundos maravillosos que hasta hace poco eran desconocidos para nosotros.

2000 - CAPÍTULO 01 | 69

Studio GHIBLI 1985. Hayao Miyazaki & Isao Takahata. Koganei, Tokio (JP) Nausicaä del valle del viento. 1984 Hayao Miyazaki Recaudación. 10,230,214 $ 8,2/10 (www.imdb.com) Mi vecino Totoro. 1988 Hayao Miyazaki Recaudación. 17,560,894 $ 8,3/10 (www.imdb.com) Porco Rosso. 1992 Hayao Miyazaki Recaudación. 14,130,764 $ 7,8/10 (www.imdb.com) La princesa Mononoke. 1997 Hayao Miyazaki Recaudación. 116,280,542 $ 8,5/10 (www.imdb.com) El viaje de Chihiro. 2001 Hayao Miyazaki Recaudación. 229,607,878 $ 8,6/10 (www.imdb.com) El castillo ambulante. 2004 Hayao Miyazaki Recaudación. 235,184,110 $ 8,2/10 (www.imdb.com) Se levanta el viento. 2013 Hayao Miyazaki Recaudación. 121,230,356 $ (*) 8,1/10 (www.imdb.com)

70 | CAPÍTULO 04 - 2004

1986. John Lasseter & Steve Jobs. Emeryville, California (EEUU) PIXAR

Inc.

Toy Story, Toy Story 2 & Toy Story 3. 1995, 1999 & 2010 John Lasseter & Lee Unkrich

361,996,233 $(TS), 485,015,179 $(TS2) & 1,063,143,492 $ (TS3)

8,2/10(TS), 8/10(TS2) & 8,6/10 (TS3) (www.imdb.com)

Mounstruos S.A. 2001 Peter Docter, Lee Unkrich & David Silverman Recaudación. 525,366,597 $ 8/10 (www.imdb.com) Buscando a Nemo. 2003 Andrew Stanton & Lee Unkrich Recaudación. 867,893,978 $ 8,2/10 (www.imdb.com) Los increíbles. 2004 Brad Bird Recaudación. 631,442,092 $ 8,5/10 (www.imdb.com) Ratatouille. 2007 Brad Bird & Jan Pinkava Recaudación. 621,426,008 $ 8,1/10 (www.imdb.com) Wall.E. 2008 Andrew Stanton Recaudación. 521,268,237 $ 8,5/10 (www.imdb.com) Up. 2009 Pete Docter & Bob Peterson Recaudación. 731,338,164 $ 8,3/10 (www.imdb.com)

2004 - CAPÍTULO 04 | 71

Descubriendo nunca jamás Finding Neverland

EEUU/RU. 106 min. Miramax Films. Director. Marc Foster Productor. Richard N. Gladstein & Nellie Bellflower

Fotografía. Roberto Schaefer Recaudación. 118,676,606 $ Montaje. Matt Chesse Vestuario. Alexandra Byrne

Guionista. David McGee

Estreno. 24.Noviembre.2004

Música. Jan A.P. Kaczmarek

Imagínese un país donde el sol brilla en el horizonte mientras que en su casa está diluviando. Un país por el que navegar en barcos de papel agitado por las olas de cartón piedra. Un país donde volar ya no es un sueño. Ese es el paía de J.M. Barrie, un escritor cuya imaginación vuela más rápido que su pluma. El hombre que inventó Peter Pan vivió una época en la que las personas creativas eran considerados excéntricos. O locos. Marc foster, director de la magnífica Monster's Ball, se meter en los zapatos de Barrie en esta historia, Finding Neverland, y le cedió la batuta a un magnífico Johnny Depp, que encarna al personaje con total convicción. "Johnny fue nuestra primera opción. Su versatilidad y esa extraña conxión con los mecanismos de la imagincación lo convertían en el candidato número uno. Depp exprime su alma en busca del creador, y lo hace con una sencillez que desarmaría a cualquier actor de método. Me encata la película porque permite explorar la historia y las raíces de una historia tan inmortal como Peter Pan, una obra maestra de la imaginación", afirmaba Marc Foster durante el festival de cine de Venecia de 2004. Junto a Depp figura en el reparto una Kate Winslet que recuperó todo su crédito con este retrato de mujer cuya fuerza y determinación resultan decisivos para la inspiración de Barrie. "Mi personaje de Sylvia, es un viuda y lo más extraño de esta historia y quizá lo que sorprendió a J.M. Barrie es cómo ella abre su corazón al espíritu y a la fantasía de sus historias", contaba Winslet,, "No creo que ella lo seduzca,, creo que es él quien seduce, y no a ella, sino a toda su familia". Sylvia du Maurier tiene cuatro hijos, uno de ellos es Peter. Peter no cree en cuentos de hadas, vive en un mar de tristeza desde la muerte de su padre. Barrie se propone recuperar al niño que nunca dejó de ser, y en ese propósito se encuentra la semilla de su Peter Pan. Para Foster, el papel de Winslet es determinante: "El hecho de que Kate sea madre es algo decisivo para el papel. Su relación con los niños y el hecho de que consiga mantenerlos tan atados a la realidad es uno de los hilos conductores de la película". El director reconocía que para el filme (basado en la obra de teatro de Allan Knee titulada El hombre que fué Peter Pan) se acudió a la

Marc Foster

72 | CAPÍTULO 04 - 2004

Johnny Depp J.M. Barrie

Kate Winslet Sylvia Lewyn-Davies

Freddie Highmore Peter Lewyn-Davies

Julie Christie Sylvia du Maurier

correspondencia de Sylvia, que Winslet estudió para conocer mejor la psicología del personaje: "Ella estaba muy enferma y leyendo sus diarios te das cuenta del esfuerzo que tuvo que hacer para que la vida continuara de una forma normal para sus hijos. Creo que era una mujer extremadamente valiente". En el reparto, además, está Dustin Hoffman en el papel del promotor teatral Charles Frohman. "Un personaje al que Dustin le da el punto justo de cinismo"., admitía Foster.. Y para completar el panorama, Radha Mitchell, como Mary Ansell, la esposa de Barrie, más preocupada por su posición social y las habladurías que por cualquier otra cosa. Finding Neverland pasó por el festival de cine de Venecia con críticas muy positivas. Capítulo aparte merecen sus maravillos efectos especiales. "Queríamos hacer algo artesanal", cuenta el directoe, "algo que ni fuera digital y que tuviera mucho que ver con el universo personal de Barrie. Por eso se nos ocurrió mezclar técnicas e introducir esos elementos en las tomas con toda normalidad". Como en un sueño, en esos momentos en que, aunque todo carezca de lógica, a ti te parece lo más normal del mundo.

2000 - CAPÍTULO 01 | 73

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76 | CAPÍTULO 05 - 2005

"Aquél que dijo que más vale tener suerte que talento conocí la esencia de la vida" Jonathan Rhys-Meyers (Chris Wilton)

2005 - CAPÍTULO 05 | 77

Match Point Match Point

RU/LUX. 119 min. Online Films.

Carlos Gomes & Andrew Lloyd Webber

Director. Woody Allen

Fotografía. Remí Adefarasin

Productor. Letty Aronson, Lucy Darwin, Ste-

Recaudación. 85,306,374 $

phen Tenenbaum & Gareth Wiley

Montaje. Caroline Smith

Guionista. Woody Allen

Vestuario. Jill Taylor

Música. Georges Bizet, Gaetano Donizetti,

Estreno. 04.Noviembre.2005

No es una comedia. No es Nueva York. No actúa Woody Allen. pero pese a estas sorprendentes variantes dentro de la extensa filmografía de un director cuyo nombre está inextricablemente únido a Nueva York, a la comedia y a su presencia en la mayoría de sus películas. Match Point rompió con todos los esquemas. Su filme número 37 es un thriller elegante y dramático filmado en Londres y protagonizado por Scarlett Johansson y Jonathan Rgys-Meyers con el que Woody Allen, a punto de cumplir por entonces 70 años, reflexiona sobre la ambición, la culpa y el papel que la suerte ejerce sobre el destino de las personas. Y para un director que se considera 'un homre muy afortunado' la suerte también ha sido esencial de cara a un proyecto del que decía sentirse extrañamente satisfecho. "Normalmente, cuando veo mis películas tras terminarlas, me siento completamente decepcionado, pero en el caso de Match Point la ví y pensé 'es buena'", exclamaba el director durante el festival de cine de Nueva York. "En esta película todo ha sido cuestión de suerte. Escribí el guión y fue bueno inmediatamente. Necesitaba a Scarlett Johansson y estaba libre. Quería conseguir un hombre muy sexy y Jonathan Rhys-Meyers estaba disponible. Necesitaba que lloviera, y llovía. Necesitaba que hiciera sol, y hacía sol. No pude cometer un error. No pude arruinar la película aunque lo intentara con todas mis fuerzas", aseguraba con esa mezcla de expontaneidad y comicidad que impregna a los personajes que suele interpretar. Jonathan Rhys-Meyers también se sintió afortunado por haber sido elegido por Woody Allen, "Es una gran alegría, e suna bendición", aseguraba el actor que nunca fue un incondicional de Allen, pero que sin duda tendrá que darle las gracias toda la vida por haberle dado un papel que podría ser su puerta grande hacia Hollywood, tras muchos años intentando despegar definitivamente. Rhys-Meyers interpreta a un tenista mediocre de origen humilde que nunca pudo triunfar y que comienza a relacionarse con la clase alta londinense. Tras casarse con la hija de un empresario adinerado, comienza a trabajar para él y a disfrutar de todos los lujos, mientras entabla una relación con una aspirante a actriz (Scarlett Johansson) en la que la suerte jugará un papel esencial. "A mí me encontraron (un cazatalentos) en una sala de billares. pero en la vida no todo es cuestión de

Woody Allen

78 | CAPÍTULO 05 - 2005

Jonathan Rhys-Meyers Chris Wilton

Scarlett Johansson Nola Rice

Emily Mortimer Chloe Hewitt

Matthew Goode Tom Hewitt

Annie Hall 1977 Oscar a Mejor Película

Manhattan 1979 Bafta a Mejor Película

Hannah y sus hermanas Vicky Cristina Barcelona 1986 2008 Globo de Oro a Mejor Globo de Oro a Mejor Película.Comedia/Musical Película. Comedia/Musical

suerte. una vez que se presenta, tienes que elegir", aseguraba este actor de intensos ojos verde que venía de interpretar a Elvis en una miniserie de televisión y que acababa de rodar junto a Tom Cruise Misión Imposible III. Respecto al cambio de escenario, Woody Allen confesaba que cambiar Nueva York por Londres no fue una elección voluntaria sino necesaria. "Tengo problemas para conseguir financiación. Antes, en Estados Unidos, los estudios te daban el dinero, te dejaban irte y entregarles luego la película. Pero, en los últimos años, el negocio cinematográfico ha cambiado mucho. Las compañías te dicen que no quieren ser simplemente un banco: 'queremos leer el guión, saber quién va a estar en la película, también nosotros tenemos ideas creativas'.Y yo no quiero eso. En Europa, cuando consigues el dinero, hay más respeto hacia el artista. Simplemente te dan el dinero y se van. Y eso es lo que me gusta. No puedo trabjar de ninguna otra manera. Así que como conseguí dinero en Inglaterra me fui a rodar allí. Y me gustó tanto que regresé un año después y lo hice otra vez". Refiriéndose a Scoop, una comedia que reptía con Scarlett Johansson como protagonista y en la que también actúa él mismo. Con Match Point, estrenada en el Festival de Cannes de 2005, el director cosechó, por primera vez desde hacía más de una década, críticas muy positivas en su propio país. "El mundo de la crítica es caprichoso. Al principio los críticos me mimaron. Me daban mejores críticas de las que yo merecía. Después, aunque hiciera una buena película, ninguna les gustaba. Pero eso no significa nada porque nada cmabia. Manhattan o Balas sobre Broadway tuvieron éxito de crítica pero mi vida no cambió." Premios Oscar de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas Guión Original - Midnight in Paris.2011 Guión Original - Hannah y sus hermanas.1986 Director - Annie Hall.1977 Guión Original - Annie Hall.1977 Premios Bafta de la Academia Británica de la Artes Cinematográficas Guión Original - Maridos y mujeres.1992 Director - Hannah y sus hermanas.1986 Guión Original - Hannah y sus hermanas.1986 Guión Original - La rosa púrpura de El Cairo. 1986 Guión Original - Broadway Danny Rose. 1984 Guión Original - Manhattan.1979 Director - Annie Hall.1977 Guión Original - Annie Hall.1977

2005 - CAPÍTULO 05 | 79

Batman begins Batman begins

EEUU/RU. 140 min. Legendary Pictures,

Música. Hans Zimmer & James Newton

Syncopy Films & Warner Bros..

Howard

Director. Christopher Nolan

Fotografía. Wally Pfister

Productor. Emma Thomas, Charles Raven &

Recaudación. 574,218,673 $

Larry J. Franco

Montaje. Lee Smith

Guionista. Christopher Nolan & David S. Goyer Estreno. 10.Junio.2005 "Me dijeron que no había nada ahí fuera, nada que temer. Pero la noche en que mis padres fueron asesinados, por un instante vislumbré algo. Lo he estado buscando desde entonces. He recorrido. He recorrido el mundo, buscando entre las sombras. Y hay algo ahí fuera, en la oscuridad, algo terrorífico, algo que no se detendrá hasta que consiga vengarse..." Desde que en 1939 Bob Kane crease al hombre murciélago (apareció por primera vez en Detective Comics #27), como una mezcla entre la masculinidad enmascarada de El Zorro, el lado sombrío de The Shadow y la versión quiróptera de Dracula, nunca se habia conocido el origen deteallado del personaje, el lugar donde comenzó todo. Más bien asistimos, desde entonces y en las múltiples adaptaciones realizadas para la pequeña y gran pantalla, a los lances urbanos del superhéroe con sus enemigos (The Joker, el Pingüino, Dos Caras, etc.) y el apoyo de sus fieles acompañantes (Robin,Vicky Vale, su mayordomo y amigo Alfred). Era hora de regresar al principio, a esa manía del destino de alargar los plazos del impulso. Al origen de la tragedia de un superhéroe. El encargo exigía fidelidad al cómic y un conocimiento estricto de las reglas psicológicas de un hombre atormentado. Y es ahí dónde, después de barajar a candidatos afines como Joel Schumacher, Darren Aronofsky, David Fincher, Clint Eastwood, etc. sonó perfecto el nombre de Christopher Nolan, ya experimentado en la cirugía de las mentes turbulentas como Guy Pearce en Memento o la de Al Pacino en Insomnia. La de Bruce Wayne, alias humano de Batman, exigía además nuevos rasgos externos,, más jóvenes que los vistos hasta entonces, pero necesariamente igual de contudentes.Tras el experimento físico que le hizo perder 30 kilos para El maquinista, fue finalmente Christian Bale el que se impuso a otros aspirantes como Ashton Kurcher, Joshua Jackson o Billy Cudrup. Con un presupuesto de 135 millones dedólares comenzó el rodaje el 22 de mayo de 2004 en la Senate House, reflejo urbanístico elegido para recrear los tribunales de Gotham

Christopher Nolan

80 | CAPÍTULO 05 - 2005

Christian Bale Bruce Wayne

Michael Caine Alfred Pennyworth

Morgan Freeman Lucius Fox

Cillian Murphy Jonathan Crane

El inicio, tras el trauma, comien-

za con una huida. La del joven

huérfano más allá de los confines

de Gotham, en busca de consejo

del peligroso aunque honorables

líder Ra's Al-Ghul. Un periodo de

aprendizaje que, sin embargo, no lo-

gra aplacar su tormento. A su re-

greso se encuentra con una ciudad

en la que el crimen organizado y

la delicuencia controlan las riendas

del sistema y hasta de su empresa,

herencia material y millonaria de sus

padres. Esa realidad decadente y el

hallazgo de una cueva bajo su man-

sión, donde descubre el prototipo

de un extraño traje, convertirán

al hombre en superhéroe y a la

intuición, en misión nocturna. Junto

al policía Jim Gordon, Batman hará

frente al mafioso Don Falcone, al

traficante de drogas Jonathan Cra-

ne y a otra sombra igualmente oscura, pero demasiado familiar para Wayne. Michael Caine, como su fiel mayordomo Alfred, Liam Neeson como Henry Ducard, Morgan Freeman como Lucius Fox, Katie Holmes como Rachel y Rutger Hauer como Richard Earle, completan el reparto de esta superproducción, más en la línea gótica de las dos entregas de Tim Burton que del tono pop y caricaturesco de las de Schumacher. En realidad, ni siquiera los cómics originales habian contado esta historia. Solo Batman Year One (de Frank Miller), considerado junto a La broma sesina, de Alan Moore, el mejor comic de Batman hasta la fecha, se aproxima al tiempo en que sucede este relato, aunque obviaba el lapso de los sieste años previos al regreso de Bruce Wayne a Gotham. Ese factor de 'relato inédito' fue uno de los mayores atractivos para el guionista David S. Goyer, fan de Batman desde niño. Darle forma al Batman del nuevo milenio implicaba un triple reto; por un lado, había que dar una apariencia juvenil a Christian Bale en las secuencias iniciales, cuando se supone que regresa de la Universidad de Princeton y, al mismo timepo, lograr un aspecto más maduro en su faceta del millonario Bruce Wayne. Pero, sobre todo, estaba la cuestión del traje, muy en la línea de creado para George Clooney para Batman y Robin, pero haciendo desaparecer uno de sus elementos más característicos: los pezones. Cuentan que, durante el rodaje, varios miembros del equipo hicieron camiseras con la leyenda"Es oscuro, me hace sudar y da calor y dolor de cabeza", en alusión a las quejas de Bale respecto a su obligada indumentaria. Caluroso o no, lo que sí es seguro es que era extemadamente delicado, tanto, que dos personas fueron contratadas exclusivamente para trasladar al actor de un sitio a otro del set sólo para que al traje de Batman no se le pegara ni una sola mota de polvo. 2000 - CAPÍTULO 01 | 81



2000 - CAPÍTULO 01 | 83

84 | CAPÍTULO 06 - 2006

"El mejor tipo de amor es aquel que despierta el alma y nos hace aspirar a más, nos enciende el corazón y nos trae paz a la mente, eso es lo que tú me has dado y lo que yo esperaba darte siempre" Daniel Craig (James Bond)

2006 - CAPÍTULO 06 | 85

Casino Royale Casino Royale

RU. 144 min. Metro Goldwyn Meyer & Columbia Pictures.

Música. David Arnold & Chris Cornell Fotografía. Phil Meheux

Director. Martin Campbell Productor. Michael G.Wilson & Barbara Broccoli Guionista. Paul Haggis, Robert Wade & Neal Purvis

Recaudación. 594,245,624 $ Montaje. Stuart Baird Vestuario. Lindy Hemming Estreno. 14.Noviembre.2006

Veintiuno es el número que hace feliz al que juega al blackjack. Y la 21 es también esta película de Bond, Casino Royale. Al final, Barbara Broccoli y su hermano Michael G. Wilson, productores, consiguieron los derechos de la primera novela del personaje que Ian Fleming creó en 1953. Nos encontramos ante una especie de becario de agente secreto.Todavía no tiene acreditada su licencia de 00, menos todavía sabe que va a ser el número 7 de la plantilla, y no tiene porqué demostrar gustos sofisticados, aunque seguro que notarda más de media hora en adquirirlos sobradamente. Datos que justificaban por sí mismos el cambio a Daniel Craig para esta nueva era del personaje. El rodaje comenzo el 21 de enero de 2006 en Praga. Allí, durante la primera pelea entre el nuevo Bond y un sicario del malo (el actor danés Mads Mikkelsen), Craig perdió dos dientes, un dato que demuestra la entrega física del actor y que supuso la entrada de protectores de encías como parte del atrezzo, además de un motivo de mofa para sus muchos detractores. Pero para él todo forma parte del guión: "Me he estado entrenando bastante desde el año pasado. Tenía que ponerme en forma, porque hay bastante actividad física en la película". En la siguiente localización (Nassau, Bahamas), Craig sufrió serias quemaduras por el sol del Caribe. Ante tanto descalabro, Sony, compañia que explota la franquicia, organizó un viaje para la prensa internacional al set del rodaje, con la intención de aliviar polémicsa y demostrar al mundo la buena salud del nuevo agente secreto. Y es que, desde la elección de Daniel Craig para sustituir a Pierce Brosnan, un ejército de fans del agente 007 se convirtieron en enemigos acérrimos del actor británico. Craig tiene en su contra enormes taras: ser rubio, ojos azules y, para algunos, tener un aspecto algo brutote que, de algún modo, devalúa la fina imagen de Bond. Pero, mira por dónde, también apareicó un sector de fans partidario de la elección de Craig. La polémica estaba servida, y con ella una impagable publicidad para Sony. primero atacaron a los anticraig creando una página web (craignotbond.com) en la que ridiculizaban su elección, publicaron fotos por favorecidas del actor y reivindicaban la continuidad

Martin Campbell

86 | CAPÍTULO 06 - 2006

Daniel Craig James Bond

Eva Green Vesper Lynd

Mads Mikkelsen LeChiffre

Judi Dench M

de Pierce Brosnan. Llegaron incluso a pronunciarse viejas glorias que encarnaron al agente 007, como Roger Moore o Sean Connery, pidiendo un boicot a la película.Y los procraig respondieron, un poco después, con www.givecraigachance.com, en la que defendían sus dotes interpretativas que darían a 007 una dimensión más compleja y creíble. A este lado se situó un caballeroso Pierce Brosnan, afirmando: "Pienso que Daniel es muy buen actor. Estas son aguas rocosas, pero él reirá el último". La polémica se saldó a favor de estos al anunciar los productores la continuidad de Craig al frente de la franquicia. "Estamos muy contentos sobre como se desarrolla la franquicia con Craig. Han retomado la caracterización original de Bond de Ian Fleming, un agente secreto con complejidad emocional, sombrío y tenso". "Creo que lo va a clavar. Es intenso, tiene unos ojos azules increíbles. Hay algo roto en él que lo hace muy atractivo". Con todos estos piropos se desmarcó Eva Green. La actriz francesa interpreta a Vesper Lynd, la mujer que se ganará su corazón. "Ella es la primera chica Bond que no surgió de la pluma de Fleming; se trata de un personaje complejo que está al mismo nivel que Bond. Piensa igual, es masculina, ingeniosa y enigmática. Intento pensar que no es la típica chica Bond". La otra chica Bond es Caterina Murino, actriz italiana que pudimos ver en la serie Vientos de Agua, de Campanella. Ella y Green se disputarán los favores del recién licenciado agente: "No nos vamos a encontrar con un Bond suave y elegante como los precedentes,. Daniel es un killer que cuando tiene que matar, mata, y cuando tenemos escenas de mor, es increíbles, muy sensual". Murino interpreta a Solange, una rica amante de los cabllos casada con Dimitrios (Simon Abkarian), el villamo que tendrá la desgracia de enfrentarse al Bond más duro, bestia y creíble en unas escenas de acción que alcanzan su clímax en el casino de Montenegro, donde nuestro héroe pronunciara por primera vez aquello de: "Mi nombre es Bond, James Bond."

'Casino Royale' en cuatro escenas

Persecución en Madagascar

Partida de poker en el Casino Royale de Montengero

Las torturas de Le Chiffre

Escena final en Venecia, Italia

2006 - CAPÍTULO 06 | 87

Infiltrados The departed

EEUU. 151 min. Plan B Entertainment,Vertigo Entertainment & Warner Bros.. Director. Martin Scorsese Productor. Brad Pitt, Brad Grey & Graham King Guionista. Willaiam Monahan Música. Harry Gregson-Williams & Howard Shore

Fotografía. Michael Ballhaus Recaudación. 289,847,354 $ Montaje. Thelma Schoonmaker Vestuario. Sandy Powell Estreno. 26.Septiembre.2006

Martin Scorsese volvió a su andadas. Hacía casi una década, desde Casino, que la mafia había desaparecido de sus películas. Esos diez años sin crimen organizado y sin corrupción policial parecen haberse concentrado en Infiltrados. Este tenso y sangriento thriller - basado en el filme de acción asiática Infelrnal Affairs (Juego sucio en España), dirigido por Andrew Lau en 2002 con tanto éxito como para que Hollywood quisiera hacer un remake- constituye el regreso de Scorsese a un universo que, pese a serle familiar -de origen italiano, hablar de la mafia en Uno de los nuestros o Malas calles fue como pasearse por el patio de su casa- también ha tenido para él su dosis de novedad puesto que transcurre en Boston y no en su Nueva York de origen. En Gangs of New York había profundizado en los orígenes de esa comunidad, pero aquí entra de lleno su vertiete más oscura a través del inimitable Jack Nicholson, que interpreta al despiadado y acidísimo capo Frank Costello. Una trama de corrupción policial introduce al espectador en las entrañas de una ciudad conttrolada por Costello en la que se enfrentarán dos almas opuestas: el torturado Billy Costigan (Leonardo DiCaprio), que intenta huir del pasado oscuro de su familia como infiltrado para la polícia en el submundo del mafioso, y Colin Sullivan (Matt Damon), un polícia estrella que en realidad es un topo del 'padrino' irlandés. Ambos lucharán para evitar ser descubiertos por sus respectivos jefes mientras sus propias cnciencias se pelean por seguir a flote azotadas por sus dobles vidas. Las excelente actuaciones de los tres actores se complementan con la presencia de un puñado de grandes nombres como Martin Sheen, Mark Wahlberg, Ray Winstone y Alec Baldwin, en una de las mejores lecciones conjuntas de interpretación del año. La desconocida Vera Farmiga, en el papel de psicóloga de DiCaprio y novia de Damon, es la casi unica presencia femenina de una cinta en la que ella constituye además el único referente moral. Como en todo remake, tanto el director, como el guionista y los actores, se apresuraron en afirmar que Infernal Affairs sirvió sólo de inspiración para Infiltrados. El guionista, William Monahan, trató de dejar intacta la trama cambiando

Martin Scorsese

88 | CAPÍTULO 06 - 2006

Jack Nicholson Frank Costello

Leonardo DiCaprio William Costigan

Matt Damon Colin Sullivan

Mark Wahlberg Dignam

el escenario chino por el de

Boston, su viudad natal. Y luego

Scorsese aportó su interpreta-

ción personal. "Nunca pensé en

hong Kong. El cine asiático no

se puede imitar, es una cultura

y una forma narrativa muy di-

ferente a la nuestra, aunque

quisiera intentarlo no podría.

La película original de Andrew

Lau es el instrumento y la tra-

ma, la idea. Pero a lo que yo

intenté responder fue al guión

de Monahan, a ese tipo de vida,

de actitud, de mirada hacia una

sociedad cerradda. Yo siempre

me siento atraído por historias

sobre la confianza, la traición,

la verda y por eso me interesó

esta historia", explicó Scorsese

en Nueva York. El veterano

director apareció en el hotel

Regency flanqueado por Matt

Damon y Leonardo DiCaprio,

su actual 'musa', protagonista

de sus tres últimas películas y

probablemente también de la

siguiente, The Rise of Theodore

Roosevelt. "Yo veo a Scorsese

como mi mentor. Uno de los

primeros actores en los que me

fije fué Robert DeNiro y eos

me llevó a las películas de Mar-

tin. He sido lo suficientemente

afortunado para aprender de

él", aseguraba DiCaprio, cuya

actuación en este filme fue lo

más aplaudido por la crítica de

EEUU. Él es además quien comparte

más escenas con jack nicholson,

quien según el joven actor, le

aportó al rodaje 'lo inesperado'

y lo lleno de 'momentos inolvidables, como actor y como ser humano'. Además, según Matt Damon, las ideas bizarras de Jack Nicholson también ayudaron a que el guión diera sutiles giros. "Su trabajo fue fundamental para aportar autenticidad a la historia" recordó Damon, criado en Boston, pasó mucho tiempo en su ciudad natal investigando para su papel de policía mientras que DiCaprio se quejó de las constricciones del presupuesto, que limitaron el rodaje en esa ciudad a unos pocos días. Poco importa que Scorsese dispusiera de 90 millones de dólares. Filmar en Nueva York desgrava impuestos así que todas las escenas que se pudieron falser -la mayoría- se rodaron allí. "La violencia no es algo cercano a mí. Pero eso es lo que haces cuando eres actor, si no puedes sacar información de tu propia vida, te vas a buscar a la gente que hace esas cosas. Y por eso me fui a Boston, necesitaba conocer a la gente del sur de la ciudad. Es un submundo muy interesante porque es un microcosmos, todos se saludan, se conocen y hay que entender como son y cómo piensa. Deberíamos haber rodado allí, para conocerles y escuchar sus historias", se quejó DiCaprio. Con esta película Martin Scorsese cerró heridas abiertas durante toda su carrera con la Academia de Cine, ya que 'Infiltrados' obtuvo 4 galardones, incluyendo el de Mejor Película y, tras varias nominaciones, el de Mejor Director. Esto crea cierta controversia ya que 'Infiltrados' no es, presumiblemente, la mejor película de Scorsese, (Taxi Driver,Toro Salvaje, Uno de los nuestros etc.) pero es la única, por ahora, por la que ha sido galardonado.

2006 - CAPÍTULO 06 | 89

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2000 - CAPÍTULO 01 | 91

92 | CAPÍTULO 07 - 2007

"En muchos sentidos el trabajo del crítico es facíl. arriesgamos poco porque gozamos de una posición que está por encima de los que exponen su trabajo a sí mismos y a nuestro criterio. nos regodeamos en las críticas negativas que son divertidas de escribir y de leer. Pero el hecho más amargo que debemos afrontar los críticos es que a la hora de la verdad, cualquier producto mediocre tiene probablemente más sentido que la crítica en la que lo tachamos de basura" Peter O'Toole (Anton Ego)

2007 - CAPÍTULO 07 | 93

Rataouille Ratatouille

EEUU/FRA. 110 min. Walt Disney Pictures

Música. Michael Giacchino

& Pixar Animation Studios.

Fotografía. Robert Anderson & Sharon

Director. Brad Bird

Calahan

Productor. Brad Lewis

Recaudación. 623,722,818 $

Guionista. Brad Bird, Jim Capobianco & Jan

Montaje. Darren Holmes & Stan Webb

Pinkava

Estreno. 29.Junio.2007

La maravillosa historia de Ratatouille, una rata de alcantarilla transportada ala ciudad del amor, Paris, es una combinación perfecta entre el cine y la cocina. Complace mucho saber que esta comedia familiar es una creación ciertamente graciosa, entretenida y creativa.Tiene una gran fuerza expresiva y pos supuesto es una obra bastante original. La idea de que un animal que rebusca entre la basura resulte tener madera para ser un Bocusse es paradójicamente brillante. La película cumple con el entorno físico adecuado para la historia distinguiendo así dos espacios como son la ciudad de parís donde se encuentra la casa de Linguini y el restaurante donde se producen la mayoría de las acciones; y el entorno de las ratas compuesto por alcantarillas, basureros y calles de la ciudad. En cuanto a las imágenes que ofrece Ratatouille, sobra decir que son asombrosas. El logro de Pixar llega más allá de simplemente crear objetos y lugares indistinguibles de la realidad. La animación de los personajes es perfecta. Se conserva el comportamiento real de dichos animales. Con esto quiero decir que visten a un personaje genérico con un disfraz de animal como sucede con Ratatouille, y además no solo se comporta como una rata real sino que logra congraciarse con la audiencia y mostrar un lado más familiar y amable. Parece que el directo eligió específicamente a un animal para muchos desagradable para demostrar que cuando la historia y los personajes son tan buenos, no importan los prejuicios del espectador. Quizá la desventaja que tiene la película es el suspense y la decepción que se crea cuando Remý comete el error de abrirle las puertas del restaurante a sus hermanos para devorar toda la comida y como consecuencia Linguini lo despide y se queda solo en los peores momentos, pero enseguida Rémy rectifica y pide perdón a su compañero para juntos trabajar en la creación de nuevos platos a valorar por el temido crítico gastronómico Ego, lo que supone algo totalmente emocionante. Dicho todo esto, resalto que esta película es una comedia divertida y entretenida perfectamente apropiada para toda la familia donde abunda el humor y los momentos de acción y aventuras para lograr un objetivo, porque Ratatouille muestra valentía y perseverancia al seguir el consejo del chef Gusteau de “Cualquiera puede cocinar” para cumplir su sueño.

Brad Bird

94 | CAPÍTULO 07 - 2007

Patton Oswald Remý

Brian Dennehy Alfredo Linguini

Peter O'Toole Anton Ego

Jeneane Garofalo Colette Tatou

2000 - CAPÍTULO 01 | 95

Personajes de Pixar Inc. Woody. Juguete Voz: Tom Hanks Sherriff. Toy Story (1995) Toy Story 2 (1997) Toy Story 3 (2010)

Rayo McQueen. Coche Voz: Owen Wilson Coche de carreras. Cars (2006) Cars 2 (2011)

Buzz-Lightyear. . Juguete Voz: Tim Allen Justiciero espacial Toy Story (1995) Toy Story 2 (1997) Toy Story 3 (2010)

Remý. Rata. Voz: Patton Oswald Cocinero de Gusteau's. Ratatouille (2007)

Familia Parr. Humanos Voces: Craig T. Nelson Mérida. Humana Holly Hunter Voz: Kelly McDonald Sarah Vowell Princesa guerrera. Spencer Fox Brave (2012) Superheroes. Los Increíbles (2004) Mike Wachowski James P. Sullivan. Nemo y Dory. Peces Mounstruos Voces: Albert Brooks Voces: Billy Cristal Ellen DeGeneres John Goodman Padre de familia y pez perdida Mounstruos asustadores. Buscando a Nemo (2003) Mounstruos S.A. (2001) Buscando a Dory (2016 Mounstruos University (2011) Walle.E & E.V.A. Robots Voces: Ben Burtt Elissa Knight.

Robor compactador de basura Evaluador de vegatación alienígena

Wall.E (2008)

96 | CAPÍTULO 07 - 2007

Carl Fredricksen Russell. Humanos Voces: Edward Asner Jordan Nagai Jubilado aventurero Explorador Up (2009)

Across the universe Across the universe

EEUU. 133 min. Columbia Pictures Director. Julie Tamor Productor. Jennifer Todd, Suzanne Todd & Charles Newirth Guionista. Julie Tamor, Dick Clement & Ian LaFrenais

Música. Elliot Goldenthal Recaudación. 24,343,676 $ Montaje. François Bonnot Vestuario. Albert Wolsky Estreno. 13.Septiembre.2007

El film está lleno de guiños, como el sello discográfico que en vez de ser una manzana (y ojo al dato porque el primer boceto que el protagonista coge es una manzana) es una fresa que hace de portada de disco también. un cd del que hay dos versiones, la comercial y la extendida con tódas las canciones íntegras interpretadas en el film. Un total de 31 cortes que son maravillosos. Renovaciones en temas y formas diferentes de cantarlo, pero como ya he dicho, contando una línea argumental. Los protagonistas con Jim Sturgess y la guapisima e hiper tremenda Evan Rachel Wood. Son ellos los que cantan, junto a artistas que se cuelan como Joe Cocker haciendo doble papel o Bono haciendo del Doctor Roberts, interpretando el I Am The Walrus y para los créditos el Lucy in the Sky Diamonds. Y los nombres de los protagonistas nos hablan ya de por sí sobre la temática Beatle. Evan Rachel Wood es Lucy, Jim Sturgess es Jude, T.V. Carpio es Prudence, Dana Fuchs es Sadie, Martin Luther McCoy es Jo-Jo... Son todos nombres de canciones de los chicos de Liverpool, o lo que es lo mismo, la mejor banda del planeta habida y por haber. Es dificil elegir una canción sola pues todas son muy buenas y cuenta con el plus de que cada tema de los Beatles fue numero uno, por lo que es indiscutible la calidad de las partituras.Ya conocemos los problemas que ha tenido con el Musical de Broadway de Spiderman, por lo que al final ha tenido que desistir. La controvertida directora es una amante de la escenografía y las imágenes rodeadas de color, misterio y absurdez. Prueba de ello lo tenemos con su primer film,Titus o con la venidera La Tempestad. En éste musical hay una gran muestra de calidad y decorados como el tema I Want You en el que Joe Anderson va a ingresar en el ejercito sin el quererlo. Una escena llena de baile, decorados y precisión. No tiene precio. La chica, Lucy, es una jovencita muy segura de ella misma hasta que su independencia le hace "madurar" en un sentido opuesto convirtiendola en una rebelde, incluso dejando de lado al que es el amor de su vida, Jude. Por desgracia estas cosas pasan, aunque finalmente en la película acabe todo bien...

Julie Tamor

Jim Sturgess Jude Feeny

Evan Rachel Wood Lucy Carrigan

Joe Anderson Max Carrigan

Robert Clohessy Wes Huber

2007 - CAPÍTULO 07 | 97

El ultimatum de Bourne The Bourne ultimatum

EEUU. 111 min. Universal Pictures. Director. Paul Greengrass Productor. Frank Marshall, Patrick Crowley & Paul L. Sandberg

Fotografía. Oliver Wood Recaudación. 442,824,138 $ Montaje. Christopher Rousse Vestuario. Dinah Collin

Guionista. Tony Gilroy

Estreno. 25.Julio.2007

Música. John Powell

El diccionario ya no sirve. Hay que ir al cine. Paul Greengrass ha inventado con imágenes la nueva acepción de la palabra “trepidante”. Él es el auténtico cineasta “de masas”: la calle es suya, nadie como él para colocar la(s) cámara(s) entre la multitud, en un juego a tres bandas entre verismo, velocidad e imaginación. Nadie como él para impregnar de pura realidad, palpable como un paseo por los orines del Madrid de Bourne, una ficción imposible: a la ya de por sí esperanzadora nueva imagen de las películas de agentes secretos que nos dejó El caso Bourne (Doug Liman, 2002), Greengrass, director de Bloody Sunday y Vuelo 93, dos imprescindibles estallidos de realidad, le añadió su sello en El mito de Bourne (2004) y convirtió a James Bond en Sancho Panza, como paso previo para coronar a Bourne 3 como la mejor película de este verano. Directa al Top 5 del año. Saquemos pancartas a la calle para que Paul Greengrass dirija una cuarta parte.Y que el inmenso (siempre lo fue, ¿o no recuerdan ya su Ripley?) Matt Damon vuelva a plasmar la lucha de contrarios en la CIA, en EE UU, en el mundo, un enfrentamiento que lo mueve todo (cambio climático y debate Menotti-Bilardo incluidos). Sus personajes cierran la puerta al salir del coche y no parecen turistas rodeados de extras por medio mundo. Está pasando, lo estás viendo.Y si el guión de los tres Bournes es de Tony Gilroy, que no es ningún crack, el mérito tiene que ser de este hombre empeñado en hacernos creer todo lo que sucede en pantalla, incluso que un hombre vuele por los tejados de Tánger o que los coches barran N.Y. Jason Bourne ya sabe quién es (le faltan los porqués). Nosotros, no tanto, pero empezamos a intuirlos. Y, como a él, no nos gusta nada lo que hay. Sólo él es responsable de haberse entregado voluntariamente a la CIA para lo que fuese menester. También los norteamericanos son responsables de su voto. Greengrass, sibilino, lo deja caer. Como si quisiera que, de golpe, alguien recobrase la vergüenza perdida.

Paul Greengrass

98 | CAPÍTULO 07 - 200

Matt Damon Jason Bourne

Joan Allen Pamela Landy

David Strathairn Noah Volsen

Julia Stiles Nicky Parsons

Londres, UK (UE) El ultimátum de Bourne

Berlín, ALE (UE) El mito de Bourne

Nueva York, NY (EEUU) El ultimátum de Bourne

Moscú, RUS (UE) El mito de Bourne

Zurich, SUI (UE) El caso Bourne

París, FRA (UE) El caso Bourne

Goa, IND (AS) El mito de Bourne

Tánger, MAR (AF) El ultimátum de Bourne

Mykonos, GRE (UE) El caso Bourne

Madrid, ESP (UE) El ultimátum de Bourne

Nápoles, ITA (UE) El mito de Bourne 2007 - CAPÍTULO 07 | 99

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2000 - CAPÍTULO 01 | 101

102 | CAPÍTULO 08 - 2008

"Hay personas que no buscan algo lógico, como el dinero. No se las puede comprar ni amenazar, ni se puede razonar o negociar con ellas. Algunas personas solo quieren ver arder el mundo" Michael Caine (Alfred Pennyworth)

2008 - CAPÍTULO 08 | 103

El caballero oscuro The dark knight

EEUU/RU. 152 min. Lengendary Pictures,

& David S. Goyer

Syncopy Films, DC Comics,Village Roadshow

Música. Hans Zimmer & James Newton Howard

Pictures & Warner Bros..

Fotografía. Wally Pfister

Director. Christopher Nolan

Recaudación. 1,004,558,444 $

Productor. Emma Thomas, Charles Raven &

Montaje. Lee Smith

Chrsitopher Nolan

Vestuario. Lindy Hemming

Guionista. Jonathan Nolan, Christopher Nolan

Estreno. 14.Julio.2008

El atraco a un banco marca el ritmo de ‘El caballero oscuro’. A partir de ese momento y hasta el último minuto de proyección, incluidos los títulos de crédito, la película no decae ni un sólo instante, no flojea ni lo más mínimo. Pero su director va mucho más allá. La fotografía es luminosa, brillante, no perdemos ni un sólo detalle de lo que acontece. Terminada esta secuencia, en la que están presentes todas las cartas (nunca mejor dicho) de lo que acontece en el resto del film, la luz va disminuyendo hasta llegar a encontrarse con la oscuridad, en su tramo final. Un sorprendente ejercicio narrativo, de absoluta y aplastante coherencia, con el que Nolan se descubre como uno de los mejores narradores del cine actual. ‘El caballero oscuro’ sigue, como perfecta secuela que es, lo narrado en ‘Batman Begins’. Batman se ha convertido en el azote de la delincuencia en la ciudad de Gotham. Los villanos temen su presencia y son pocos los que salen a hacer sus fechorías cuando la sombre del hombre murciélago planea sobre ellos. Pero alguien aparece para dar una posible solución: el Joker. Un ser sin escrúpulos, cuyos orígenes son totalmente desconocidos, y que propone a la mafia de Gotham la posibilidad de matar a su único y verdadero problema: Batman. Mucho se está hablando de ‘El caballero oscuro’, auténtico fenómeno social que parece estar por encima del bien y del mal. Llamarla la mejor película de la Historia me parece exagerado, pero es que esa expresión me parece exagerada, o mejor dicho inapropiada, para cualquier película, desde ‘Casablanca’ a ‘Million Dollar Baby’, pasando por ‘El padrino II’. Hablamos de cine, algo que para muchos de nosotros es como el aire o el agua, pero que en el fondo ni arregla el hambre en el mundo ni nos soluciona la vida, aunque muchas veces hace que nos evadamos de nuestros problemas y creamos en su poderosa magia. ‘El caballero oscuro’ es Cine al 100%, una poderosa maquinaria, pensada al milímetro, capaz de desplegar todas sus armas para que el espectador se sienta abrumado, emocionado, fascinado y todos los buenos adjetivos terminados en “ado” que se os ocurran. Sí, es una película para que un servidor utilice todos los inútiles epítetos de los que he hecho gala

Christopher Nolan

104 | CAPÍTULO 08 - 2008

Christian Bale Bruce Wayne

Heath Ledger The Joker

Aaron Eckhart Harvey Dent

Michael Caine Alfred Pennyworth

2000 - CAPÍTULO 01 | 105

miles de veces. Se los merece, porque Nolan ha sabido dar en clavo una vez más, repitiendo personaje (más que sobado) y hacer lo que pocas veces se ha hecho: superar el film original. Antes de su estreno se dijo que ‘El caballero oscuro’ era como ‘El imperio contraataca’ o ‘El padrino 2’.Y es verdad, pues realiza la misma operación que esas dos secuelas: llega al fondo de los personajes presentados en el film original, presentándolos ante nuevos y más oscuros dilemas con la incursión de nuevos personajes que ayudan al dibujo psicológico de los primeros, enriqueciéndolos todavía más. Para ello, Christopher Nolan toma una historia escrita tiempo atrás por Davis S. Goyer (el guionista de ‘Batman Begins’) y recurre a su hermano, Jonathan Nolan (que ya le escribió el libreto de ‘El truco final, el prestigio’, y actualmente trabaja en ‘Terminator Salvation’), y juntos construyen un guión fuerte e impenetrable. Un guión que sirve a Nolan para multiplicar hasta casi el infinito todas las virtudes del film anterior, recalcando sobre todo el fuerte realismo de la cinta, que lleva a una poderosa credibilidad, tratando temas como la moral y el sentido de la justicia.Y es que ‘El caballero oscuro’ es ‘Batman Begins’ aumentada en todos los aspectos. Sirvan como ejemplo, las espectaculares escenas de acción, vibrantes como pocas, y en concreto la excelente persecución protagonizada por varios camiones, coches y una peculiar moto (momentazo éste). Escenas de una gran tensión, incluso emocional. Al igual que en su predecesora la emoción es el plato fuerte del menú, lograda

Joker, The Joker Nombre: Desconocido ¿Jack Napier? Batman nº1. 1940. Bill Finger & Bob Kane Heath Ledger & Jack Nicholson El caballero oscuro (2008) & Batman (1989)

gracias a una puesta en escena que refuerza el guión. Una puesta en escena sobria y rotunda, que a su vez, está vestida por la presencia de un reparto en total estado de gracia. Nolan planifica a unos actores que llenan cada una de las secuencias en las que salen. Christian Bale se muestra más seguro con su personaje, el cual ya no necesita ningún tipo de presentación. Morgan Freeman y Michael Caine siguen siendo, en cierta medida, las cuerdas voces que Batman/Wayne necesita oír de vez en cuando para no caer en los abismos de la locura por su incansable búsqueda de justicia. Gary Oldman tiene la oportunidad de lucirse aún más que la vez anterior con un personaje lleno de aristas. Maggie Gyllenhaal le demuestra a Katie Holmes cómo hay que suplir las carencias de un personaje sin duda pobre (excelente la elección que los Nolan toman con él). Aaron Eckhart se convierte en uno de los vértices de la historia

106 | CAPÍTULO 08 - 2008

con un personaje, Harvey Dent, que bien podría ser una mezcla del propio Batman más el Joker, y que sufre una lograda evolución muy bien mostrada por el actor. Por supuesto, Heath Ledger se merece todos los aplausos por ser el verdadero rey de la función. Un antagonista perfecto para Batman, el Joker, un villano casi de otro mundo al representar todo aquello que odiamos y al mismo tiempo nos fascina. Un mensajero del caos, un practicante de la anarquía más peligrosa, un bufón que se ríe de todo y de todos, utilizando las debilidades de los demás como arma contra ellos. Alguien a quien sólo le importa él mismo, y que no busca ni la fama ni la riqueza, simplemente disfruta, como bien dice uno de los personajes en el film, viendo arder el mundo. A este complicado y fascinante servidor del mal más puro, se entrega con total devoción y convicción, un Heath Ledger en perfecta armonía con las intenciones del film. Ledger es el Joker, y el Joker es Ledger. Un payaso nada payaso que atemoriza con su risa y nos hace temer lo peor. La tan comentada nominación al Oscar para Ledger está más que cantada, el premio en sí ya es otro tema, aunque existen los precedentes de Peter Finch (mejor actor por ‘Network’) y Conrad L. Hall (mejor fotografía por ‘Camino a la perdición’) como Oscars póstumos. En cualquier caso, Ledger se merece el premio, aunque no pueda recogerlo. ‘El caballero oscuro’ es un impresionante film, el más grande jamás hecho sobre superhéroes. Una obra maestra capaz de sobrepasar los límites del propio cine, y hacer que sintamos fascinación por lo oscuro, lo malvado, lo terrorífico, y que caminemos por la finísima línea que separa el bien del mal, y ver hasta donde seríamos capaces de cuestionarnos nuestros valores frente a la posibilidad de matar a un semejante con tal de salvarnos nosotros mismos. Nolan contesta por todos en el clímax de los Ferrys, donde se ampara

Bane Nombre: Desconocido Batman:Vengeance of Bane nº1. 1993. Chuck Dixon & Graham Nolan Tom Hardy & Robert Swenson El caballero oscuro, la leyenda renace (2012) & Batman & Robin (1997)

en la esperanza, ésa que de vez en cuando (me atrevería a decir que muy de vez en cuando) perdemos cuando se trata de tener fe en el ser humano. Y una vez más, Hans Zimmer y James Newton Howard, en uno de sus mejores trabajos (de ambos) nos llevan al límite, vistiendo la película con un nervio pocas veces visto, en la que navegan desde el intimismo hasta la épica, añadiendo siempre una poderosa inquietud.

2008 - CAPÍTULO 08 | 107

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2000 - CAPÍTULO 01 | 109

110 | CAPÍTULO 09 - 2009

"No puedes atribuirle un gran significado cósmico a un simple suceso terrenal. Una coincidencia,eso es todo lo que cualquier cosa siempre es , nada más que una coincidencia" (Narrador)

2009 - CAPÍTULO 09 | 111

Avatar Avatar

EEUU. 162 min. 20th Century Fox.

Fotografía. Mauro Fiore

Director. James Cameron

Recaudación. 2,782,275,172 $

Productor. James Cameron, Jon Landau & Rae Montaje. James Cameron, John Refoua & Sanchini.

Stephen E. Rivkin

Guionista. James Cameron

Vestuario. Meyes C. Rubeo & Deborah Scott

Música. James Horner

Estreno. 10.Diciembre.2009

Avatar es una película de ciencia ficción estadounidense de 2009, escrita, producida y dirigida por James Cameron y protagonizada por Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver, Stephen Lang y Michelle Rodríguez. Ambientada en el año 2154, los acontecimientos que narra se desarrollan en Pandora, una luna del planeta Polifemo habitada por una raza humanoide llamada na'vi, con la que los humanos se encuentran en conflicto debido a que uno de sus clanes está asentado alrededor de un gigantesco árbol que cubre una inmensa veta de un mineral muy cotizado y que supondría la solución a los problemas energéticos de la Tierra: el unobtainium. Jake Sully, un marine que quedó parapléjico, es seleccionado para participar en el programa Avatar, un proyecto que transporta la mente de los científicos a unos cuerpos artificiales de na'vi para que la comunicación con los nativos resulte así más sencilla. A pesar del fin científico del proyecto, el coronel Quaritch, quien dirige la defensa de la base humana en Pandora, convence a Jake para que le proporcione información sobre los nativos en caso de que fuera necesario recurrir a la fuerza para que se marchen. En un principio, Jake cumple profesionalmente su misión, pero se enamora de una de las nativas, Neytiri, y se da cuenta de que éstos jamás renunciarán a su tierra, haciendo inevitable un conflicto armado; él deberá decidir de qué lado está. El presupuesto oficial de Avatar fue de 237 millones de dólares,1 aunque algunas estimaciones lo sitúan entre los 280 y los 310 millones, más otros 150 millones dedicados al marketing. La película se estrenó el 18 de diciembre de 2009 en gran parte de Europa y en Estados Unidos, así como en Chile, México, Paraguay,Venezuela y Uruguay, aunque en algunos países se proyectó en fechas distintas, tanto anteriores como posteriores, al estreno internacional. Algunos de ellos fueron Perú, Bélgica, Francia, Indonesia, Jamaica y Egipto, donde pudo ser vista desde el 16 de diciembre, mientras que en Argentina, China e Italia fue estrenada el 1, 2 y 15 de enero, respectivamente.

James Cameron

112 | CAPÍTULO 09 - 2009

Sam Worthinton Jake Sully

Zoe Saldana Neytiri

Sigourney Weaver Grace

Albert Finney Edward Bloom

2000 - CAPÍTULO 01 | 113

En Cuba fue estrenada el 6 de febrero de 2010. El día de su estreno Avatar logró una recaudación de aproximadamente 27 millones de dólares, aumentando esta cifra hasta los 241 millones tras su primer fin de semana en taquilla. Diecisiete días después de que se estrenara, se convirtió en la película que más rápido ha alcanzado la cifra de mil millones de dólares en recaudación y, transcurridas tres semanas, se situó como la película con mayor recaudación de todos los tiempos, superando así a Titanic (1997), también de James Cameron. Avatar consiguió superar esa marca en menos de seis semanas, convirtiéndose en la película más taquillera de la historia del cine hasta la fecha, logrando además ser la primera película en sobrepasar la barrera de los 2.000 millones de dólares en recaudación. En 2010, fue nominada al premio Oscar a la Mejor película. Y ganó el Premio Oscar en las categorías de Mejores efectos visuales, Mejor dirección de arte, y Mejor fotografía. La película se reestrenó en Estados Unidos el 27 de agosto de 2010 en salas 3D y IMAX 3D, con algunas escenas inéditas. James Cameron escribió un scriptmentnota 1 de ochenta páginas sobre Avatar en 1994 y según sus propias palabras lo hizo en tan sólo dos semanas.Esta primera versión de la historia estaba protagonizada por Josh Sully, en vez de Jake Sully, aunque todas las ideas principales del guion definitivo ya aparecían.En agosto de 1996, Cameron anunció que después de terminar el rodaje de Titanic tenía intención de filmar Avatar, donde quería emplear actores sintéticos o imágenes generadas por computadora. Su intención era que el proyecto costara cien millones de dólares y que hubiera al menos seis personajes diferentes «que parecieran reales, pero no existieran en el mundo real». La empresa de efectos especiales Digital Domain, con la que Cameron está asociado, comenzó a trabajar en el proyecto, cuya producción se supone que debía empezar en el verano de 1997 para que la película pudiera estrenarse en 1999. No obstante, y según las propias palabras del cineasta, la tecnología de la época no estaba lo suficientemente avanzada como para realizar su visión de la película y decidió concentrarse en la realización de varios documentales y en el perfeccionamiento de la tecnología para los próximos años.

Películas más taquilleras de la historia

1. Avatar. 2009. James Cameron. 2,782,275,172 $ 2. Titanic. 1997. James Cameron. 2,185,372,302 $ 3. Los Vengadores. 2012. Josh Whedon. 1,511,757,910 $ 4. Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2. 2011. David Yates. 1,328,111,219 $ 5. Iron Man 3. 2012. Shane Black. 1,212,795,474 $ 6. Transformers 3, el lado oscuro de la luna. 2011. Michael Bay. 1,123,746,496 $ 7. El señor de los anillos, el retorno del rey. 2003. Peter Jackson. 1,119,929,521 $ 8. Skyfall. 2012. Sam Mendes. 1,108,348,855 $ Fuente. www.imdb.com/boxoffice. Recaudaciones fecha 04/2014.

114 | CAPÍTULO 09 - 2009

En junio de 2005 Cameron confirmó que estaba trabajando en dos películas, Battle Angel y Project 880, y en diciembre del mismo año anunció que tenía previsto filmar la primera a mediados de 2007 y estrenar la segunda en 2009. En febrero de 2006 dijo que había cambiado sus planes, de forma que Project 880 se estrenaría

Películas más caras de la historia

1. Piratas del Caribe, en el fin del mundo. 2007. 300 millones $

en 2007 y Battle Angel en 2009. Poco después indicó que posiblemente el estreno de Project 880 se atrasaría hasta 2008. Finalmente Cameron reveló que Project 880 era en realidad «una versión re2. Enredados.2010. 260 millones $

masterizada de Avatar», una película que ya había tratado años atrás. El cineasta eligió Avatar frente a Battle Angel después de haber realizado una prueba de cámara durante cinco días. El guion inicial de Avatar, que Cameron realizó tiempo atrás, estuvo varios años circulando por Internet, pero fue eliminado de todos los sitios web cuando el proyecto se reanudó. Entre enero y abril

3. Spiderman. 2002. 258 millones $

de 2006, Cameron trabajó en el guion y desarrolló la cultura na'vi. El idioma de la raza alienígena fue creado por el doctor Paul Frommer, lingüista y director del Centro de Gestión de Comunicación de la Universidad del Sur de California, formando alrededor de mil palabras, de las cuales una treintena fueron inventadas por el propio Cameron. Los fonemas de la lengua incluyen consonantes ejecutivas (así como «kx» en skxawng) que fueron encontradas en el idioma amhárico de Etiopía y la inicial «ng», que Cameron podría haber

4. Harry Potter y el misterio del príncpe. 2009. 250 millones $

tomado del maorí, hablado en Nueva Zelanda. Como relato clásico de aventuras fantásticas, Avatar funciona en varios niveles, desde la fábula ecológica y las redes sociales hasta el 5. Avatar. 2009. 237 millones $

mito del Héroe, referencias religiosas y demás. La siempre reconocida influencia del anime japonés en Cameron se puede rastrear hasta Mononoke Hime de Hayao Miyazaki. James Horner fue el encargado de componer la banda sonora de la película, siendo esta su tercera

Fuente. www.cinemania.com/. Presupuestos fecha 04/2014. *presupuestos empleados unicamente en la creación de la película, sin incluir presupuesto de marketing y publicidad.

colaboración con James Cameron tras Aliens y Titanic. En marzo de

"Tienes que competir codo con codo con los otros épicos títulos de

2008, Horner grabó partes de la

fantasía y ficción, los Tolkiens, Star wars y Star Treks. La gente desea

partitura con un pequeño coro

tener una realidad alternativa con la que involucrarse y quieren que

cantando en el idioma de los na'vi, creando a partir de ella, lo que finalmente fue la cultura na'vi.

tenga el nivel de detalle que la hace rica y justifica la inversión del tiempo en ella. Quieren vivir en otro lugar. Como Pandora". James Cameron

2009 - CAPÍTULO 09 | 115

(500) días juntos

(500) days of summer EEUU. 95 min. Fox Searchlight Pictures.

Música. Michael Danna & Rob Simonsen

Director. Marc Webb

Fotografía. Eric Steelberg

Productor. Mason Novick, Jessica Tuchinsky,

Recaudación. 60,722,734 $

Mark Waters, Steven J.Wolfe & Scott G. Hyman

Montaje. Alan Edward Bell

Guionista. Scott Neustadter & Michael H.

Vestuario. Hope Hanafin

Weber

Estreno. 17.Julio.2009

Esta es la historia de chico conoce a chica. Pero no es una historia de amor. ¿Qué intenta decirnos (500) Días con Ella? Sin duda, debajo de cada película hay un mensaje y en este caso no podría ser distinto. Pero ¿cuál es? Es en realidad otra historia de amor con aire indi? Vayamos por partes. Día 488. La película comienza con ese narrador en voz en off asegurándonos que no es un historia de amor, mientras una mirada acaramelada y una manos tiernamente unidas nos dicen lo contrario. Sin que lo sepamos todavía, estamos viendo la inevitable deriva que lleva al fin. Día 290. Crack. La magia se rompe. Summer ha decidio "romper" (por así decirlo, porque no estaban saliendo) con Tom y volver a su estado de amistad. Un estado al que Tom se niega a retroceder. Su hermana pequeña, Rachel (interpretada por una increíblemente resuelta, madura y creíble Chlöe Grace Moretz), le consuela y pregunta qué quiere hacer ahora. El protagonista está decidido a recuperarla y pondrá todos sus medios en el proceso. En una cinta normal este es el momento en que comienzan los altibajos, el protagonista toca fondo y luego rebota para quedarse con la chica. Pero de nuevo; esto no es un historia de amor ¿verdad? Día 290-488 (y 500). ¿Hacía falta salir a comprar comida basura en bata? Seguramente no. Día 1. Tom conoce a Summer. Tom se enamora perdidamente de Summer. Tom y Summer se acercan más y más cada día hasta la noche en que hay una fiesta de trabajo en un karaoke y él confiesa que ella "le gusta" aunque Summer haya aclarado antes que no cree en el amor y que no está buscando nada serio en absoluto. Entre medio tenemos canciones en el ascensor y besos apasionados en la fotocopiadora. Es sin dudas la parte más bonita de la película porque GordonLevitt y Deschannel tienen una química que se desborda por los cuatro costados. A ello ayuda la buena banda sonora, el gran trabajo de edición (me enamora el paisaje hecho boceto) y la deliciosa originalidad en que está contada la historia (que nos ayuda a saltar de tiempo a tiempo gracias a un

Marc Webb

Joseph Gordon-Levitt Tom Hansen

116 | CAPÍTULO 09 - 2009

Zooey Deschanel Summer Finn

Clark Gregg Vance

Chlöe Grace Moretz Rachel Hansen

curioso contador). El idilio ha comenzado y, aunque no es perfecto porque ambos protagonistas no buscan lo mismo, Tom se siente el hombre más feliz del mundo. Tom. He ahí la clave. De toda la cinta en general. Esto no es una historia de

Banda Sonora Original 'A story of boy meets girl' - Michael Danna & Rob Simonsen 'Us' - Regina Spektor 'There is a light that never goes out' - The Smiths 'Bad Kids' - Black Lips 'Please, please, please let me get what I want' - The Smiths 'There goes the fear' - Doves

amor. Como dice el propio poster de la

'You make my dreams' - Hall & Oates

película; es una película sobre el amor. El

'Sweet disposition' - The Temper Trap

amor que siente Tom hacia Summer. Por

'Quelqu'un m'a dit' - Carla Bruni

eso la película funciona tan bien incluso

'Mushaboom' - Feist

cuando el personaje de ella se niega a

'Hero' - Regina Spektor

comprometerse o llega a parecer frío

'Bookends' - Simon & Garfunkel

y distante: lo único que necesita el es-

'Vagabond' - Wolfmother

pectador es ser Tom. Narra el tiempo que Tom y Summer pasan juntos aunque el protagonista acabe destrozado y

'She's got you high' - Mumm-Ra 'Here comes your man' - Pixies by Meaghan Smith

solo. Nos enamoramos de la historia de amor perfecta porque Tom se enamora de ella. Y porque todos hemos pasado

'The infinite pet' - Spoon 'She's like the wind' - Patrick Swayze 'Sugar town' - Nancy Sinatra

por esa etapa en que nos imaginamos un número musical a nuestro paso por la calle. Se nos rompe el corazón cuando las cosas se truncan a la mitad y, por mucho que el protagonista intenta agarrar cada cabo, todo termina desmontándose poco a poco. ¿Por qué? Porque en realidad es así como es la vida. Sí la cinta llega tanto en los momentos de alegría, hunde todavía más cuando lanza su mensaje: el amor verdadero está ahí, y hay que seguir intentando encontrarlo, ya sea con una Summer o con un Autumn, pero hay veces que ponemos todas las cartas sobre la mesa y lamentablemente esa no es la persona con la que estamos destinados a vivir el resto de nuestros días. ¿Deprimente? Mucho. Cuanto más apuesta el protagonista por la relación más entristece que el cascarón esté vacío y que Summer haya volado tan rápido. Pero tiene su moraleja. Y más allá de la divertida voz en off, los peculiares personajes, la gran interpretacón de Gordon-Levitt, el Reality vs. Expectations, los numerosos saltos temporales que evitan que la historia se estanque en la depresión, los números de baile y la cuidada cinematografía ideada para resaltar los enormes ojos de Deschannel, es eso lo que hace la película tan buena. El hecho de que sea capaz de enamorarte y de destrozarte igual que la vida misma. Es un grito que te anima a intentarlo y a terminar aullando a la gente por la calle cuando las cosas no salgan bien. Y tiene mucho sentido (por triste que sea) volver a ver el principio y darse cuenta que la primera escena es en realidad la última. Al igual que el final de una relación puede ser el principio de una nueva. 2000 - CAPÍTULO 01 | 117



2000 - CAPÍTULO 01 | 119

120 | CAPÍTULO 10 - 2010

"Cuando se llega a la orilla del subconsciente se pierde el sentido de la realidad" Leonardo DiCaprio (Dominic Cobb)

2010 - CAPĂ?TULO 10 | 121

Origen

Inception EEUU. 148 min. Legendary Pictures, Syncopy

Guionista. Christopher Nolan

Films,Village Roadshow Pictures & Warner

Música. Hans Zimmer

Bros.

Fotografía. Wally Pfister

Director. Christopher Nolan

Recaudación. 825,532,764 $

Productor. Emma Thomas & Christopher

Montaje. Lee Smith

Nolan

Estreno. 08.Julio.2010

Dos de nuestros terrores milenarios integran la esencia del nuevo opus de Christopher Nolan: 1. Carecemos de control sobre nuestras vidas, y 2. La realidad tal y como la conocemos no existe. Conciliando los puzles brillantemente diseñados de Memento y El truco final y el caos y la anarquía orquestados por el Joker en El caballero oscuro –el propio Nolan es un Joker, siempre urdiendo planes para jugar con nosotros–, I sucede en gran parte en un(os) paisaje(s) subconscientes(s) donde ladrones de mentes libran sangrientos combates para confirmarnos qué fundados son esos miedos. Los sueños que Nolan ha creado no incluyen imágenes surrealistas ni diálogos disparatados ni cambios ilógicos de escena. No son sueños que parecen sueños porque en realidad son una forma de realidad, bien un mundo habitable configurado a base de pensamientos y memorias o bien un refugio, un santuario. En ese sentido, Origen es una deconstrucción de los motivos y los significados que asignamos a nuestra conducta onírica –culpa, evasión, miedo, pena–, y por eso Nolan a menudo nos impide saber la diferencia entre la realidad y los sueños, y los sueños dentro de sueños, y los sueños dentro de sueños dentro de otros sueños. Como Kubrick en 2001 –una de las obras a las que Origen recuerda pese a ser una película totalmente única–, utiliza magistralmente nuestra confusión como una pieza más de un rompecabezas, que encaja perfectamente con todas las demás. Todo significa algo en el relato, tan complicado que Nolan explica constantemente las reglas del juego, en una sucesión de alardes expositivos que, afortunadamente, no empantanan el relato sino más bien avanzan una nueva pirueta u otro quiebro a nuestras expectativas. Establece las reglas de su universo mental y luego se recrea contradiciéndolas o destruyéndolas, convirtiendo sus propias dudas en cuanto a coherencia, lógica o moralidad en herramientas argumentales. Origen se sustenta en ideas, contagiosas, poderosas, y en cómo éstas configuran nuestra forma

Christopher Nolan

122 | CAPÍTULO 10 - 2010

Leonardo DiCaprio Dominic Cobb

Joseph Gordon Levitt Arthur

Marion Cotillard Mal Cobb

Cillian Murphy Robert Fisher

2000 - CAPÍTULO 01 | 123

de vivir. Por ello, puede parecer una película más admirable que disfrutable, más comprometida con la mente que con el corazón.Tal vez, pero al mismo tiempo, nos muestra cómo París se pliega sobre sí misma, una brutal pelea en una habitación de hotel ingrávida, y, al final, una de las secuencias de acción más increíbles y hermosamente sostenidas que se recuerdan, que ahoga el relato en tumulto y desesperación mientras los mundos se desploman, las cuentas atrás se completan y, en el centro, un hombre roto trata como puede de reparar daños. Por un lado, su infierno personal convierte Origen en la poesía romántica que nutre otras fantasías subconscientes como ¡Olvídate de mí! y La Jetée. Por otro, que luche contra él construyendo sueños es una obvia metáfora de la creación artística misma. Si el cine es algo así como un sueño comunal, Nolan es uno de sus más audaces e inagotablemente inventivos.

Dominic Cobb Extractor

Arthur Hombre clave

Yusuf Químico

Eames Falsificador

Ariadne Arquitecta

Saito Inversor

Robert Fisher Objetivo

Mal Cobb Proyección

124 | CAPÍTULO 10 - 2010

La arquitectura de 'Origen'

2000 - CAPĂ?TULO 01 | 125

La red social

The social network EEUU. 120 min. Columbia Pictures & Sony

Música. Trent Reznor

Pictures.

Fotografía. Jeff Cronenweth

Director. David Fincher

Recaudación. 224,920,315 $

Productor. Michael DiLuca, Scott Rudin &

Montaje. Kirk Baxter & Angus Wall

Kevin Spacey

Vestuario. Jacqueline West

Guionista. Aaron Sorkin

Estreno. 24.Septiembre.2010

Para mapear los orígenes de Facebook, el grn fenómeno social del siglo XXI, La red social se pregunta si su cofundador, el billonario postadolescente Mark Zuckerberg, es o no un capullo. En todo caso, aunque deja claro todo el daño que Zuckerberg causó en su ascenso, David Fincher y el guionista Aaron Sorkin se resisten a representarlo como un Anticristo tenólogico. Fincher dijo una vez que los cuatro rasgos ideales para un cineasta son la beligerancia, la paranoia, el miedo al fracaso y la necesidad de ser querido, y considerando que esos atributosson precisamente los que definen al protagonista de La red social, se intuye que las simpatias del director se alinean con ese monstruo social y no con todos aquellos a quienes pisoteó. Además, ésta es la película que Zuckerberg habría hecho de no saber que era sobre sí mismo. Se entiende, pues, que el gran tema de este clásico instantaneo tenga menos que ver con la concepción del medio social que con otro tipo de circuito cerrado igual de complejo: el ego masculino. Zuckerberg, imagina Sorkin, reconfiguró el tejido virtual para impresionar a una chica (Rooney Mara), que se llama Erica pero bien podría llamarse Rosebud. Pero no es ése el único motivo, tampoco el dinero. Además este relato en primer plano, La red social logra ser una monumental panorámica, el paisaje del zeitgesit. Fincher ha creado la película que mejor define a quienes han definido nuestro tiempo -es, pues, un evento cinematográfico imprescindible- , empujandonos a vivir nuestras vidas online y convirtiendosnos en una sociedad de narcisistas, obsesionados por remodelar constantemente nuestro perfil para ser más populares. Que mientras creaba la herramienta ideal para hacer amigos , Zuckerberg se aislara más y más no sólo resulta irónico, también añade tragedia a la intriga. porque eso es La red social, un misterio poliédrico, un intrigante rompecabezas que Sorkin nos presenta a través de una narración intrincada como una nido y una frenética sucesión de agresivas voleas verbales que suenan como una retahíla de correos electrónicos.Y Fincher se rinde a la maestría del guión.Y quizá por eso mismo, tal vez sea la mejor película que ha hecho.

David Fincher

126 | CAPÍTULO 10 - 2010

Jesse Eisenberg Mark Zuckerberg

Andrew Garfield Eduardo Saverin

Rooney Mara Erica Albright

Justin Timberlake Sean Parker

La historia de

Mark Zuckerberg White Plains, EEUU. 14/05/1984

Eduardo Saverin Sao Paulo, Brasil. 19/03/1982

thefacebook Mark Zuckerberg lanza la primera versión de la red social: en sus primeras horas cuenta con 1200 02/2004 usuarios de la universidad. Durante los siguientes meses se expande a más universidades.

Sean Parker Herndon EEUU. 03/12/1979

'Inicia seción' para todos Comienza a permitir el registro de cualquier usuario con un mail. La popularidad de la red crece día a 09/2006 día y comienza a recibir oferetas de compras por parte de Google y Yahoo!

Los comienzos Mark Zuckerberg desarrolla, desde 10/2003 su habitación en Harvard, Facemash; que comparaba a las chicas de su universidad

Dustin Moskovitz Ganesville, EEUU. 22/05/1984

Cambio de nombre A principios de 2005 la red social pasa a llamarse facebook.com, y 09/2005 empieza a extenderse a colegios secundarios. En septiembre del mismo año se extiende poco a poco alrededor del mundo

2008 Facebook compró Instagram La red social realizó la compra más importante hasta el mometno. En abril de este año adquirió la 04/2012 red social de fotografía Instagram por 1000 millones de $. En 2014 compra la aplicación Whatsapp por 13.800 millones de euros

Chris Hughes Hikory, EEUU. 26/11/1983

Expansión global Facebook comienza a crecer en popularidad alrededor del mundo. Abre una oficina en Dublín, Irlanda para controlar el tráfico europeo. La empresa tenía un valor estimado en 41 mil millones de dólares.

Facebook sale a Bolsa La empresa realizó una oferta pública de acciones por 5 mil millones de $ con una valor por acción 05/2012 de 38 $. La compañía recaudó finalmente 16 mil millones de $ y se consolidó como la tercera más grande de la histori de EEUU.

Actualidad 1.110 millones de usuarios registrados 110 idiomas 3.771 millones de $ en ingresos Sillicon Valley, San Francisco (EEUU) 2010 - CAPÍTULO 10 | 127

Shutter island Shutter island

EEUU. 138 min. Paramount Pictures. Director. Martin Scorsese Productor. Martin Scorsese, Bradley J. Fischer, Mike Medavoy & Arnold W. Messer

Fotografía. Robert Richardson Recaudación. 294,699,747 $ Montaje. Thelma Schoonmaker Vestuario. Sandy Powell

Guionista. Laeta Kalogridis

Estreno. 13.Febrero.2010

Música. Robbie Robertson

'Shutter Island' trata de dos federales, Teddy Daniels y Chuck Aule, que llegan a una isla donde se ha edificado una carcel psiquiatrica para enfermos mentales situada en la costa de Boston para investigar la desaparición de una de las pacientes reclutas: Rachel Solando, interpretada por Emily Mortimer. Durante la busqueda, Teddy Daniels empieza a sufrir alucinaciones debido a dolores de cabeza, y Chuck se va dando cuenta de cual es el motivvo real por el que Daniels ha aceptado la investigación. A veces es mejor parapetarse detrás de una novela. Se está más cómodo. Con un par de destellos, pasas inadvertido y, si la historia es buena, entretenida, siniestra... a triunfar. Y a engordar el currículum. Puede que no sea tanta casualidad que Martin Scorsese haya abandonado las malas calles con gangsters y pastrami de Nueva York para instalarse en Boston, la ciudad más literario al Norte del Río Bravo. literaria, sí, pero no al estilo Macondo, sino más bien un rollo tertulia del Café Pombo en versión criminal. Cosas de Poe, Hawthorne y melville, que por allí pasaron en el XIX. O de Dennis Lehane, el escritor de Mistic River y Adiós, pequeña, adiós, que también se llevó su Boston al Baltimore de The Wire, y que situó la isla de Shutter en la costa de la capital de Nueva Inglaterra.. Hasta allí ha nadado Marty entre los tiburones de Hollywood, agarrado a su tabla de salvación en la industria, un tal leonardo DiCaprio, con aquella brújula para atravesar la niebla literaria que encontró en tiempos de 'La edad de la inocencia'. En esta prisión psiquiatrica se cuece una nueva lucha scorsesiana entre el bien y el mal que, sin embargo, incorpora unas nuevas coordenadas entre la cordura y la locura que convierten el giro final de la historia en el negativo perfecto del thriller psicologico al uso. La terna pesadilla del cuerdo que entra en un manicomio de visita y acaba encerrado contra su voluntad gritando: "¡No estoy loco!", un argumento muy de capítulo de Alfred Hitchcock presenta..., encuentra aquí, entre alucinaciones, una variante que anula el suspense y prima la reflexión del desasosiego: ¿qué es peor, morir como un loco o vivir como un cuerdo?, se plantea el protagonista (que ya podia haberselo preguntado a los personajes de El cabo del miedo).

Martin Scorsese

128 | CAPÍTULO 10 - 2010

Leonardo DiCaprio Teddy Daniels

Mark Ruffalo Lester Chian

Ben Kingsley John Cawley

Michelle Williams Dolores Chanal

Premios Oscar de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas Director - Infiltrados. 2007 Premios Bafta de la Academia Británica de la Artes Cinematográficas Guión Adaptado - Uno de los nuestros.1990 Director - Uno de los nuestros. 1990 Globos de Oro de la Asociación de la prensa extranjera de Hollywood Director - La invención de Hugo. 2012 Director - Infiltrados. 2007 Director - Gangs of New York. 2002 Festival Internacional de cine de Cannes Director - After Hours. 1986 Palma de Oro - Taxi Driver. 1976 Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia Director - Uno de los nuestros. 1990

Y así el suspense acaba ahogandose en la propia sustancia de la que están hechas las pesadillas. Con todo eso, Scorsese ha filmado su película más brumosa, más sinuosa, más diífcil de reconocer. No es su forma, deudora de los clásicos con gabardina de los 40 y 50, entre la RKO y Tourneur, con el pánico nuclear como presencia ineludible, el suspense de Hitchcock en la retina y sus habituales guiños a Powell y Pressburger (del color subliminado a la escalera de caracol de 'Las zapatillas rojas'). Como si fuera un capítulo extra de la serie El cine según Scorsese. Por allí pasean en bata un sudoroso Leonardo DiCaprio y un asustadizo Mark Ruffallo que, si bien bordean a veces la imagen de Abbot y Costello, acaban resultando el único refugio entre tanto rostro sospechoso. Hasta el fantasma de Hannibal Lecter pasea por las mazamorras. Eso sí, ni rastro de 'Alguien voló sobre el nido del cuco, este elogio de la locura se parece más a 'Las horas' que a 'Psicosis'. "No estoy acabado", ha vuelto a gritar Martin Scorsese con su mejor pulso cinefilo. Pero cuanto más alto lo grita, más negra se cierne la sombra sobre el creador.

La invención de Hugo 2012

El aviador 2004

Gangs of New York 2002

Casino 1995

Uno de los nuestros 1990

Toro salvaje 1980

Taxi Driver 1976

Malas calles 1973

2010 - CAPÍTULO 10 | 129



2000 - CAPÍTULO 01 | 131

132 | CAPÍTULO 11 - 2011

"Hay una razón por la que Harry puede hablar con serpientes. Hay una razón por la que puede entrar en la mente de Lord Voldemort. Una parte de Voldemort vive dentro de él" Michael Gambon (Albus Dumbledore)

2011 - CAPÍTULO 1 1 | 133

Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2 Harry Potter and the deathly hallows, part 2 EEUU. 130 min. Heyday Films & Warner Bros..

Fotografía. Eduardo Sierra Recaudación. 1,328,111,219 $

Director. David Yates Productor. David Heyman & David Barron Guionista. Steve Kloves

Montaje. Mark Day Vestuario. Jany Temime Estreno. 07.Julio.2011

Música. Alexandre Desplat

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte 2 (título original en inglés: Harry Potter and the Deathly Hallows - Part 2) es una película de acción y fantasía dirigida por David Yates.2 Es el segundo episodio de la séptima película de Harry Potter, basado en la novela homónima de J. K. Rowling. A pesar de ser dos películas se les trató como una sola, ya que se basan en el mismo libro. El guion estuvo a cargo de Steve Kloves y fue producida por David Heyman, David Barron y Rowling. Fue estrenada en la mayor parte del mundo el 15 de julio de 2011, pero en algunos países su estreno fue recorrido un día antes, mientras que en China se hizo presente hasta el 4 de agosto de 2011. La película fue convertida totalmente al formato 3D y fue presentada en dicho formato y también en 2D y IMAX. Este largometraje recibió tres nominaciones a los Premios Óscar: mejor dirección artística, mejor maquillaje y mejores efectos visuales. Se posicionó como la tercera película con mayor recaudación en la historia consiguiendo 1.341 millones, siendo posteriormente superada por The Avengers (2012, 1.511 mill). La duración total de la película es de 276 minutos (4 horas 36 minutos), siendo este episodio los restantes 130 minutos (2 horas 10 minutos), además de ser el de la duración más corta de toda la saga. Rodaje El rodaje principal empezó el 19 de febrero de 2009. La Parte 2 fue filmada continuamente con la Parte 1, se grabó hasta el 12 de junio de 2010, continuando el rodaje para la escena del Epílogo tomada en los estudios Leavesden Film el 21 de diciembre de 2010. El director David Yates, quién filmó la película con el director de cinematografía Eduardo Serra, describió la Parte 2 como «extravagante, colorida y orientada a la fantasía», una «gran ópera con grandes batallas».4 5 Escenarios En una entrevista con Architectural Digest, el diseñador de producción Stuart Craig remarcó en

David Yates

134 | CAPÍTULO 11 - 2011

Daniel Radcliffe Harry Potter

Emma Watson Hermione Granger

Rupert Grint Ron Weasley

Ralph Fiennes Lord Voldemort

2000 - CAPÍTULO 01 | 135

la creación de los escenarios para la Parte 2. En el banco mágico de Gringotts, él dijo, «nuestro sala de banca, como cualquier otro, está hecha de mármol y grandes columnas de mármol.Y han tenido gran fuerza. El hecho de que los duendes son los banqueros y cajeros en el mostrador de ayuda entrega esa sensación de grandeza y de solidez y grandes proporciones. Ese fue la parte de la diversión del escenario. Nosotros exageramos el tamaño de eso, exageramos el ancho de eso, e incluso exageramos el brillo del mármol. Sobre la multiplicación del tesoro en uno de las bóvedas del banco, él noto: «Hicimos literalmente miles de piezas para esto y el vacío metalizándolos a ser oro y plata brillante. John Richardson, el supervisor de efectos especiales, hicieron un suelo que fuera capaz de alzarse en diferentes niveles, para que ahí existiera una clase de crecimiento del tesoro». Craig habló sobre la Batalla de Hogwarts a la revista Art Insights, diciendo que «el gran desafío es la destrucción de Hogwarts. El sol levantándose detrás del humo... Los grandes escombros de los muros destruidos, la sala de entrada, la entrada hacia la Sala Común, parte del suelo de la Sala Común completamente desapareció. Hay un gran desafío, y uno muy divertido realmente —quizás esto ayude a los chicos y a mí en el departamento de arte prepararse para el final... Destruimos esto antes que esto haya sido golpeado completamente. Cuando se preguntó sobre la escena de King Cross cerca del final de la película, Craig dijo: «Experimento un montón, honestamente, Quiero decir que era un proceso bastante prolongado, pero realmente nos hizo experimentar la sensación de que está muy muy quemado en blanco - por lo que experimentaron con pisos iluminados, hemos experimentado con diferentes tipos de blanco que cubre todo: pintura blanca, tela blanca, y el camarógrafo estuvo involucrado en la cantidad de exponerlo, y una serie de pruebas de cámara se realiza, por lo que llegamos allí, pero con una gran cantidad de preparación e investigación».

1. Diario de Tom Riddle. Harry Potter y la cámara secreta. 2002. Destruido por Harry en la cámara de los secretos con un colmillo de basilisco. 2. Anillo de Sorvolo Gaunt. Harry Potter y el príncipe mestizo. 2009 Destruido por Dumbledore con la espada de Gryffindor. 3. Guardapelo de Slytherin. Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 1. 2010 Destruido por Ron Weasley con la espada de Gryffindor. 4. Copa de Hufflepuff. Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2. 2011 Destruido por Hermione Granger con el colmillo de basilisco. 5. Diadema de Revenclaw. Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2. 2011 Destruido por Crabbe con fuego maligno en la Sala de los Menesteres. 6. Nagini, la serpiente de Voldemort. Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2. 2011 Destruida por Neville Longbottom con la espada de Gryffindor. 7. Harry Potter, Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2. 2011 Destruido por Lord Voldemort con Avada Kedraba. 136 | CAPÍTULO 11 - 2011

Las mejores escenas de la saga Partido de Quiddich. Harry Potter y la piedra filosofal. 2001.

Lucha con el basilisco. Harry Potter y la cámara secreta. 2002 Ataque de los dementores. Harry Potter y el prisionero de Azkaban. 2004

La segunda prueba. Harry Potter y el cáliz de fuego. 2005. La muerte de Sirius. Harry Potter y la orden del fénix. 2007.

Dentro de la cueva. Harry Potter y el misterio del príncipe. 2009. La mansión de los Malfoy. Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 1. 2010

La batalla de Hogwarts, Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2. 2011

Las reliquias de la muerte La varita de sáuco

Pasó desde Gellert Grindewald a través de Dumbledore y Draco Malfoy hasta Harry

La piedra de la resurrección Se encuentra en el anillo de Sorvolo Gaunt hasta la muerte de Dumbledore que la introudce en la snitch dorada

La capa de invisibilidad

Herencia de Harry desde Ignotius Peverell

2011 - CAPÍTULO 11 | 137

X-men: Primera generación X-men: First class

EEUU/RU. 132 min. 20th Century Fox & Marvel Entertainment.

Música. Henry Jackman Fotografía. John Mathieson

Director. Matthew Vaughn Productor. Gregory Goodman, Simon Kinberg, Lauren Shuler Donner & Brian Singer Guionista. Ashley Miller, Zack Stentz, Jane Goldman & Matthew Vaughn

Recaudación. 353,624,124 $ Montaje. Eddie Halmilton & Lee Smith Vestuario. Sammy Sheldon Estreno. 25.Mayo.2011

Que la memoria no nos engañe. Puede que el último recuerdo cinematográfico relacionado con la Patrulla X sea agridulce –X-Men: La decisión final–, porque pudo haber sido un cierre genial y acabo como un informe de guerra, repleto de bajas, heridos y desaparecidos en combate. De este último grupo el más notorio fue el director de las dos primeras entregas, Bryan Singer, que dejó la saga tras dotar a las dos primeras de la buena cabeza que le faltó a la tercera parte. Insisto, que el paso del tiempo no nos haga olvidar algo fundamental: las películas de los mutantes, y no era fácil conseguirlo, molaban. Retratos de personajes excelentes, relaciones y rivalidades ricas en matices, fiel al espíritu de las historias originales y acertada en las traiciones que se permitían respecto al cómic, escenas de acción con pulso, espectacularidad y sentido dentro del argumento... Singer lo hizo tan bien que abrió definitivamente las puertas del cine a los personajes de Marvel. Sin X-Men no habría películas de Spider-Man, Iron Man, Thor, Capitán América... Prometió resetear la saga mutante, hacer su propio Batman Begins con los chicos de Xavier, pero Singer, más listo que el hambre, ha hecho trampa. Ejerciendo como productor-ideólogo y junto a Matthew Vaughn (Kick-Ass: Listo para machacar) detrás de la cámara, no sólo no ha desechado el material previo, si no que le ha dado una segunda vida y lo ha conectado con la trama de X-Men: Primera generación. La película arranca con una escena idéntica a la de X-Men; Magneto-Erik, un niño judio en un campo de concentración nazi, revelando la naturaleza de su don mutante. Eso es lo que se dice maximizar recursos, pensará un ejecutivo agradecido de Fox. ¿Cómo iba a desaprovechar mi legado?, sostiene Singer. No es la única sorpresa que depara el binomio Vaughn-Singer, porque X-Men: Primera generación es un inesperado contenedor de algo más que referencias o guiños al género del espionaje, el cine político –la mejor crisis de los mísiles cubanos documentada en pantalla grande; ¡chúpate esa, Oliver Stone!–, el artefacto pop, la película de científicos locos, el movimiento por los derechos civiles, el pánico nuclear, las hazañas bélicas… Amplía y contextualiza el origen del universo mutante, da entidad a personajes anecdóticos en los cómics, rediseña sin miedo la personalidad de otros cuyas biografías creíamos sabernos de memoria, y conecta todo esto con lo ya conocido. ¿Cómo lo han conseguido? No tengo la más mínima idea, pero tiene que haber truco. Uno maravilloso.

Matthew Vaughn

138 | CAPÍTULO 11 - 2011

James McAvoy Charles Xavier

Michael Fassbender Erick Lensherr

Jennifer Lawrence Raven Darkholme

Rose Byrne Moira McTaggert

James McAvoy Charles Xavier (Profesor X)

Michael Fassbender Erik Lensherr (Magneto)

Jennifer Lawrence Raven Darkholme (Mística)

Nicholas Hoult Hank McCoy (Bestia)

Lucas Till Alex Summers (Kaos)

Caleb Jones Sean Cassidy (Banshee)

Kevin Bacon Sebastian Shaw

Rose Byrne Moira Mactaggert

January Jones Emma Frost

Jason Flemyng Azazel

Alex González Janos Quested (Riptide)

Edi Gathegi Armando Muñoz (Darwin)

Patrick Stewart Charles Xavier (Profesor X)

Ian McKellen Charles Xavier (Profesor X)

Hugh Jackman Logan (Lobezno)

Kelsey Grammer Hank McCoy (Bestia)

Halle Berry Ororo Monroe (Tormenta)

Shawn Ashmore Bobby Drake (Iceman)

Ellen Page Kitty Pride (Shadowcat)

Omar Sy Lucas Bishop

Evan Peters Pietro Maximoff (Mercurio)

Anna Paquin Marie D'Acanto (Pícara)

Peter Dinklage Bolivar Trask

Daniel Cudmore Piotr Nikolaievitch (Coloso)

X-men: Primera generación. 2011 Matthew Vaughn

X-men: Días del futuro pasado. 2014 Brian Singer

2011 - CAPÍTULO 11 | 139



2000 - CAPÍTULO 01 | 141

142 | CAPÍTULO 12 - 2012

"Cualquiera puede ser un héroe. incluso un hombre que hacía algo tan sencillo y reconfortante como ponerle un abrigo en los hombros a un niño, para hacerle saber que la vida continúa" Christian Bale (Bruce Wayne/Batman)

2012 - CAPÍTULO 12 | 143

Los vengadores The avengers

EEUU. 142 min. Marvel Studios, Paramount Pictures & Walt Disney Pictures.

Fotografía. Seamus McGarvey Recaudación. 1,518,594,910 $

Director. Joss Whedon

Montaje. Jeffrey Ford & Lisa Lassek

Productor. Kevin Feigo

Vestuario. Alexandra Byrne

Guionista. Joss Whedon

Estreno. 11.Abril.2012

Música. Alan Silvestri

En sus casi 50 años de historietas, Los Vengadores se han enfrentado a los enemigos más duros de este y otros universos. Dr. Muerte, Ultrón o los Skrull, ninguno supuso sin embargo una amenaza tan inquietante para su existencia como una asamblea acalorada. Sentados en torno a esa mesa icónica –la que tenía una A de Avengers en el centro–, los miembros de la organización revelaban sus debilidades, ponían en entredicho liderazgos, se echaban en cara actos reprobables, devolvían el carné de vengador, tiraban alguna silla por los aires… Una terapia de (súper) grupo en toda regla. Por suerte –y renuncias varias– el hombre al que le cayó el encargo de juntar las piezas diseminadas en cinco películas es Joss Whedon, alguien que ha alcanzado la categoría de gurú en Marvel porque nunca olvidó que fue primero un fan. Ahora que hasta Kenneth Branagh asegura que alternaba Shakespeare con Stan Lee, no está de más subrayarlo. Otro habría sucumbido a la presión del estudio, preñando de apocalipsis generados por ordenador Los Vengadores, haciéndola imposible de diferenciar de Transformers 3, Battleship o Invasión a la Tierra.Whedon sabía que la acción tenía más que ver con lo que sus héroes dijeran que con lo que rompieran. Los lectores de estos cómics llegamos por la aventura, pero nos quedamos por lo que había dentro de los bocadillos. Aplicando esa regla a la película, ahí está Hulk –ahora interpretado por Mark Ruffalo–, que consigue con una frase y un cómico puñetazo a Thor darle una dimensión y personalidad a este brutote que no llegó ni a rozar en ¡dos películas enteras! Aunque encontrar a un Bruce Banner /Hulk en condiciones sea motivo de alegría, no hay razones para destacar a un personaje por encima de otro. Los Vengadores explota con inteligencia su gran fuerte, una galería de personajes carismáticos interpretado por un reparto que se ha adueñado de ellos. Están todos los que son, son todos los que están, y todos tienen protagonismo suficiente y

Joss Whedon

144 | CAPÍTULO 12 - 2012

Robert Downey Jr. Tony Stark

Chris Evans Steve Rogers

Mark Ruffalo Bruce Banner

Tom Hiddleston Loki

2000 - CAPÍTULO 01 | 145

Los Vengadores (Stan Lee & Jack Kirby) Septiembre 1963

Capitán América Steven Rogers Capitán America #1 (1941)

Chris Evans Sudbury, Massachusetts (EEUU) 13/06/1981

Iron Man Anthony Stark Tales of suspense #39 (1969)

Robert Downey Jr. Manhattan, Nueva York (EEUU) 04/04/1965

Thor Thor Journey into mystery #83 (1962)

Chris Hemsworth Melbourne,Victoria (AUS) 11/08/1983

frases memorables para justificar su póster individual. De nuevo,Whedon demuestra entender que la esencia del grupo es que tanto debe aportar un Dios nórdico como una espía sexy, sí, pero sin superpoderes y un tipo con mucha puntería. Por expresarlo de una manera gráfica, el director no se olvida de jugar con ninguno de sus muñequitos. ¿Algún pero? Definitivamente Loki no es un villano que dé bien en pantalla. Ya tiene cuernos, pero ni con rabo resultaría diabólico. Mal menor si recordamos que el verdadero enemigo está en casa –”¡maldito gobierno!”; como en los viejos tiempos de la serie– , y subsanable si atendemos a la sorpresa que, como no podía ser de otra manera, aguarda tras los créditos finales. Aunque, como deja caer un eclipsado Nick Furia (Samuel L. Jackson se queda al margen), estos héroes cabalgarán solos de nuevo, pero ya tienen un lugar en el que reunirse.

146 | CAPÍTULO 12 - 2012

Mark Ruffalo Kenosha, Wisconsin (EEUU) 22/11/1967

Hulk Bruce Banner The incredible Hulk #1 (1962)

Scarlett Johansson Nueva York, Nueva York (EEUU) 22/11/1984

Viuda Negra Nathasa Romanoff Tales of suspense #52 (1964)

Jeremy Renner Modesto, California (EEUU) 07/01/1971

Ojo de halcón Clint Barton Tales of suspense #57 (1964)

Próximos Vengadores. Avengers: Age of Ultron (2015)

Mercurio Pietro Maximoff Uncanny X-men vol. 1 #4 (1964)

Bruja escarlata Wanda Maximoff Uncanny X-men vol. 1 #4 (1964)

Aaron Taylor Johnson Holmer Green, Buckinghamshire (ING) 13/06/1990

Elizabeth Olsen Los Ángeles, California (EEUU) 16/02/1989

2012 - CAPÍTULO 12 | 147

The amazing Spider-man The amazing Spider-man

EEUU. 136 min. Marvel Studios, Lura Ziskin

Música. James Horner

Productions & Columbia Pictures.

Fotografía. John Schwartzman

Director. Marc Webb

Recaudación. 752,216,557 $

Productor. Avi Arad, Laura Ziskin & Matt

Montaje. Alan Edward Bell & Pietro Scalia

Tolmach

Vestuario. Kim Barret

Guionista. James Vanderbilt, Alvin Sargent &

Estreno. 03.Julio.2012

Steve Kloves Ahí va una perogrullada: Spider-Man no es Batman. Al héroe más icónico de Marvel le han casado, le han matado, le han clonado, le han puesto armadura; hasta, impensable, ¡le han dejado envejecer! En la Casa de las Ideas llevan cincuenta años estrujándose las meninges para presentar de maneras distintas a un personaje que, en lo esencial, no han podido mejorar. La versión primigenia de Stan Lee y Steve Ditko era tan buena –adolescente acuciado por las inseguridades, las deudas y su innegociable sentido de la responsabilidad– que ha prevalecido sobre cualquier otra. Muy poderosa tiene que ser una reinvención, perdón, un reboot, para convencernos de que Peter Parker puede tener otra cara. Muy buenas tienen que ser tus referencias para hacernos creer que su historia es distinta a la que conocíamos. En su trilogía de adaptaciones, Sam Raimi, salvo algún sonoro desvío, siguió la senda trazada por Lee-Ditko. Ya fuera por erosión creativa o por reajustar la dimensión presupuestaria de la saga, se optó por abandonar ese hilo (de araña) y tirar de uno nuevo. Marcarse un Spidey Begins, por resumirlo mal y pronto. El problema es que, insisto, Spider-Man no es Batman. Ni Marc Webb es Christopher Nolan. Probablemente tampoco ha tenido el director de (500) Días juntos la libertad para escoger los ingredientes con los que elaborar su visión del héroe. Lo que es seguro es que no disponía de tantos y tan buenos como Nolan. Si un personaje de cómic se ha beneficiado de las aportaciones de sucesivos autores (Frank Miller, Jeph Loeb, Grant Morrison…) ha sido Batman. Spider-Man tiene otras cosas geniales, pero sólo una personalidad. ¿Y cuál es la gran contribución de esta película al legado del trepamuros? Pues que Peter Parker no es un pringao empollón que se sienta solo en el autobús escolar, sino que es un rebelde inteligentísimo subido a un monopatín. Con unos retoquitos más en la historia de origen que aprobarían por los pelos en un examen de remakes, The Amazing Spider-Man no consigue que olvidemos el original que Raimi canonizó. Premio para Andrew Garfield, que, solo ante el peligro –Emma Stone parece cohibida bajo su caracterización, Rhys Ifans como Lagarto está directamente perdido–, pone todo de su parte para

Marc Webb

148 | CAPÍTULO 12 - 2012

Andrew Garfield Peter Parker

Emma Stone Gwen Stacy

Rhys Ifans Curt Connors

Denis Leary Capitán Stacy

Los enemigos de Spider-man Norman Osborn/Duende Verde. Spiderman. 2002.

Dr. Octopus/Otto Octavius. Spiderman 2. 2004. Hombre de arena/Flint Marko. Spiderman 3. 2007

Venom/Eddie Brock. Spideman 3. 2007. Lagarto/Dr. Curt Connors. The amazing Spider-man. 2012.

Electro/Max Dillon. The amazing Spider-man 2, el poder de electro. 2014. Duende Verde/Harry Osborn. The amazing Spider-man 2, el poder de electro. 2014

Rhino/Mikhailovic Sytsevich. The amazing Spider-man 2, el poder de electro. 2014 convencernos de que es nuestro amistoso vecino, lucha por llenar con carisma el vacío desolador que deja en el estómago el pobre argumento de la película. No alimenta la imaginación y ni siquiera su “continuará” provoca ansiedad. “Spider-Man como nunca lo habías visto”, dicen sobre la película.

Próximos estrenos de Marvel Studios

Ant-Man (2015) Edgar Wright

Paul Rudd - Scott Lang

Avengers, Age of Ultron (2015) Joss Whedon Robert Downey Jr, Chris Evans...

The Fantastic Four (2015) Josh Trank

Kate Mara, Michael B. Jordan, Michael Tellers & Jamie Bell

2012 - CAPÍTULO 12 | 149

El caballero oscuro, la leyenda renace The dark knight rises

EEUU/RU. 165 min. Columbia Pictures & Sony Pictures.

Música. Hans Zimmer Fotografía. Wally Pfister

Director. Christopher Nolan Productor. Emma Thomas, Christopher Nolan & Charles Raven Guionista. Jonathan Nolan, Christopher Nolan & David S. Goyer

Recaudación. 1,081,041,287 $ Montaje. Lee Smith Vestuario. Lindy Hemming Estreno. 16.Julio.2012

Habíamos creado un monstruo. El Batman de Nolan, una mezcla de Golem sagrado y refinadísimo artefacto de evasión, la sublimación intelectual del superhéroe. O eso pensábamos.Y ahora llega el cotejo de nuestras expectativas con las rebajas, dispuestas a golpearnos con efectismos de blockbuster industrial y preocupaciones mundanas de auteur consciente de su talento. Y nos choca. La culpa, en parte, también es de los que hallaron oasis filosóficos más allá del horizonte fílmico real: el crescendo tenebroso que comenzó en Batman Begins y alcanzó su cumbre con El caballero oscuro no tenía por qué acabar en el infierno argumental que intuíamos ni en la obra maestra que anhelábamos. En realidad va a bastar con una buena película de acción para coronar la mística de una trilogía que ha merecido mucho la pena, pero cuyo final, tal que El padrino III, no ha estado a la altura de lo que se esperaba cuando se magnificó su impronta. Sin embargo, hay que huir de la decepción: ni tanto ni tan calvo. Hay que aclarar quizá que estamos ante una rotunda película, la versión definitiva, sobre una bomba que está a punto de estallar. Cierta pose del actual Hollywood con pretensiones alumbra una pesadilla recurrente: duele imaginar a John Ford (hay versiones con Welles y Wilder y sus filmes) retomando el personaje de Ethan Edwards en una secuela de Centauros del desierto, y tratando de incluir en ella todos los ríos de tinta que se han vertido interpretando su obra maestra. En este mal sueño, Ford acaba muriendo por agotamiento, maldiciendo a Peter Bogdanovich y sus secuaces, eso en lo que nos hemos convertido los cinemaníacos del mundo. Las lecturas post 11-S de Batman Begins (2005) y las digresiones al hilo de unos valores que se hundían en la crisis económica de Wall Street a la vez que El caballero oscuro en su pozo de remordimiento (2008) fueron interpretaciones con un lógico tinte oportunista que incluso el propio Christopher Nolan ha terminado por creerse hasta incluirlas en su tercera entrega del hombre murciélago. La tentación de ir más allá del juego entre el bien y el mal que establece la sombría figura de Batman se le ha vuelto en contra cuando ha tratado de reunir la voladura de Gotham, el robo a la Bolsa y hasta la revolución de las clases populares en un cóctel en el que sobre todo, y con eso ya valía, el ingrediente fundamental es el escapismo.

Christopher Nolan

150 | CAPÍTULO 12 - 2012

Christian Bale Bruce Wayne

Anne Hathaway Selina Kyle

Tom Hardy Bane

Michael Caine Alfred Pennyworth

Nolan, extrañamente, no ha tenido cuidado en el mensaje político con esa mixtura entre el himno americano y la dictadura fallida del proletariado, que podría llevar a nuevas interpretaciones reaccionarias del conjunto, que por lo demás es un sensacional canto a la desmesura, en el metraje, en la banda sonora omnipresente de Hans Zimmer, en el desbordante reparto y en el habitual despliegue visual del director. Sucede que no tenemos ya al Joker, el mejor villano del último cuarto de siglo de cine, un malvado tan bueno que hace crecer a su oponente. No es exactamente el caso de Bane, un malo con ecos lecterianos y vestigios de forzudo del cine mudo, perfecto para la acción pura y dura pero no para rescatar la exquisitez del mal absoluto. El caos que pretende Nolan esta vez está mucho más ordenadito, domesticado, enmarcado entre un sensacional inicio a lo Bond y un final atado y bien atado, modélico en su conformismo para acariciar el gusto del gran público, ese que tiene que llenar las salas al margen de los irreductibles fanáticos de Nolan. Algunas risibles apariciones (Matthew Modine, Liam Neeson, una Anne Hathaway que parece haber llegado para rodar el remake con látex de Atrapa a un ladrón) estarían en la línea de unos giros al estilo Misión imposible. Incluso se permite algún leve rastro de humor en una trilogía (y en toda la filmografía de Nolan, me temo) que siempre se tomó muy en serio a sí misma.Todo ello redunda en un entretenimiento del bueno, pero no así en la fuerza estilística ni en la altura de miras del conjunto. Queda, pues, una evasión inteligente, pero evasión.Y resta la mano mecedora de Nolan ante un héroe en retirada, que ha vuelto sólo para salvarse y dejar de compararse a su anterior némesis. Batman vuelve a ser un superhéroe con ganas de quitarse de en medio y pensar en sus cosas, eficaz, pero sin la altura moral de hace cuatro años. Por eso traspasa los trastos (y las dudas éticas) y hasta el estoque de matar al fundamental personaje de Joseph Gordon-Levitt, la cota máxima del filme. Por el camino, durante la cuenta atrás en que se convierte la película, acaba uno dándose cuenta de que esta es una película de Batman sin Batman. O sin el Batman que nosotros mismos habíamos creado y ha acabado por fugarse. Escapismo, esta vez sí, sublimado.

2000 - CAPÍTULO 01 | 151

Skyfall Skyfall

EEUU. 126 min. Columbia Pictures.

Recaudación. 122,919,055 $

Director. Tim Burton

Montaje. Chris Lebenzon

Productor. Bruce Cohen, Dan Jinks y Richard

Vestuario. Colleen Atwood

D. Zanuck

Estreno. 10.Diciembre.2003

Guionista. John August Música. Danny Elfman Fotografía. Philippe Rousselot La clave estaba oculta en el sketch que la reina Isabel II se prestó a protagonizar junto a su agente secreto favorito en la inauguración de los JJ OO de Londres. En tiempos de crisis, Su Graciosa Majestad tenía que dar la cara. Nos pareció una broma, pero no nos habíamos dado cuenta, como algunos gobernantes con brotes verdes, de que 007, que cumple 50 años desfaciendo entuertos, volvía a estar en serios apuros.Y aquella era un prueba de que esta crisis va en serio. Los problemas de identidad de James Bond parecieron resolverse hace unos años, cuando Daniel Craig se prestó a aportar al personaje ese tono de gravedad ensombrecido por el peso del destino e inédito en la saga (sólo George Lazenby y Timothy Dalton, dos agentes rechazados por el gran público y rescatados por la cinefilia, lo apuntaron). Craso error. Con el tiempo y las películas, esa estampa ha terminado por revelarse definitivamente como una somatización de la inmensa dificultad de seguir buscando justificación para su trabajo en pleno siglo XXI. Si Casino Royale nos descubrió íntimamente al asesino (con causa y remordimientos, eso sí) que hay en Bond, Quantum of Solace desparramó el concepto hasta desvirtuarlo casi por completo intentando evolucionarlo hacia ninguna parte (o más bien hacia todas partes). Quedaba pues una apuesta por la involución que comenzó este verano en el palacio de Buckingham y que continúa con la inteligente apuesta de Sam Mendes en Skyfall, el auténtico Rosebud del personaje de Ian Fleming. El retorno a los orígenes de James Bond no es sólo un regreso físico, con referencias inéditas a su infancia, con raspazos dolorosos al Aston Martin y bromitas hacia la tecnología, sino también una necesaria reivindicación de aquella época en la que todo alrededor de Bond funcionaba con naturalidad. Como en los viejos tiempos, ese sería el mantra que repite el personaje para encontrarse a sí mismo en esta nueva crisis de identidad, que coincide con una especie de ERE en el MI6. Sólo el pasado puede mantenerle a salvo del desguace.Y aquí el filme ataca con todo lo que tiene a mano (excepto quizá el desfile innecesario y el destape de chicas Bond, aquí más bien controlado) para que el clasicismo envuelva al personaje, tras un inicio en la línea más convencional de la saga, que sorprendente y subterráneamente acabará derivando en la aventura más oscura (y más británica, de Londres a una Escocia prereferéndum, no vaya a ser que le quede poco al actual Reino

Sam Mendes

152 | CAPÍTULO 12 - 2012

Daniel Craig James Bond

Javier Bardem Raoul Silva

Ralph Fiennes Gareth Mallory

Judi Dench M

Sean Connery 1962·1983 Dr. No (1962) Desde Rusia con amor (1963) Goldfinger (1964) Thunderball (1965) Solo se vive dos veces (1967) Diamantes para la eternidad (1971) Nunca digas nunca jamás (1983)

Roger Moore 1973·1985 Vive y deja morir (1973) El hombre de la pistola de oro (1974) La espía que me amó (1977) Moonraker (1979) Solo para tus ojos (1981) Octopussy (1983) Panorama para matarr (1985)

Pierce Brosnan 1995·2002 Timothy Dalton 1987·1989

Goldeneye (1995)

007:Alta tensión (1987)

El mañana nunca muere (1997)

Licencia para matar (1989)

EL mundo nunca es suficiente (1999) Muere otro día (2002)

Unido) de un James Bond marcado sin duda por los Batman de Nolan y con vocación de precuela en alguna de sus subtramas. Empeñados en devolver al origen a 007, Mendes y sus guionistas cambian el trineo de Kane por una escopeta de caza de la familia. A falta de otra cantera de enemigos, es un ex agente el que pone patas arriba el sistema y compite con Bond por impactar a la figura de M (Judi Dench), un personaje capital en el filme, una figura materna para los dos rivales, cuyas carencias afectivas quedan expuestas ante un síndrome edípico de campeonato. Capítulo Bardem: villano de pelucón oxigenado y tentetieso, el actor español necesita moderar una aparición demasiado afectada. A medida que pasa el metraje y sobre todo desde que muestra su verdadero rostro, Bardem se va conteniendo. Así, la desmesura inicial en su ambigüedad, casi cómica, acaba ajustándose poco a poco, hasta acabar ofreciendo un trabajo terroríficamente humano, más incluso que el propio agente doble cero de Daniel Craig.

Estambul, Turquía

Shangai, China

Villa Skyfall, Escocia

Londres, Inglaterra 2012 - CAPÍTULO 12 | 153



2000 - CAPÍTULO 01 | 155

156 | CAPÍTULO 13 - 2013

"Me llamo Jordan Belfort. El año que cumplí los 26 gané 49 millones de dólares,y eso me cabreó porque solo por 3 no llegué al millón a la semana" Leonardo DiCaprio (Jordan Belfort)

2013 - CAPÍTULO 13 | 157

El lobo de Wall Street The wolf of Wall Street

EEUU. 179 min. Red Granite Pictures, Appian Guionista. Terence Winter Way Productions, Sikelia Productiosn, Emjag

Música. Howard Shore

Productions & Paramount Pictures.

Fotografía. Rodrigo Prieto

Director. Martin Scorsese

Recaudación. 340,040,234 $

Productor. Riza Aziz, Joey McFarland, Leonardo Montaje. Thelma Schoonmaker DiCaprio, Martin Scorsese, Emma Koskoff &

Vestuario. Sandy Powell

Alexandra Milchan

Estreno. 17.Diciembre.2013

La paciencia tiene recompensa. También la confianza. DiCaprio, una estrella huérfana de películas que le hicieran sentirse actor, un día se puso en manos de Scorsese, un cineasta al que no recibía ningún director de banco. “Utilízame”, le dijo el primero al segundo. Y lo hizo a conciencia, sacándose todas las espinitas clavadas. ¿Un proyecto infilmable? Ahí estaba Leo avalando Gangs of New York. ¿Homenajes a los maestros Welles y Hitchcock? Ahí estaba él haciendo acto de fé con El aviador y Shutter Island.“Leo, no tengo ni un Oscar que echarme a la boca”. Con Infiltrados además recuperó puestos en el box-office. Llegados a su quinta colaboración, El lobo de Wall Street, basada en las memorias de Jordan Belfort, uno de esos seres sin escrúpulos que florecían en la jungla financiera, DiCaprio ha puesto las cartas sobre la mesa, obligando a Marty a jugar una partida que conoce mejor que nadie. Donde había gángsters y violencia en Uno de los nuestros o Casino, el actor quería poner brókers y excesos. La diferencia entre esos chicos listos que daban palizas y planeaban golpes, y los estafadores de El lobo… es casi un matiz, una cuestión de escenario. Lo que importa, la obscenidad de unos comportamientos delictivos y su enorme poder de seducción siguen ahí. La sucesión de acontecimientos de los últimos años sea la que ha cambiado la perspectiva, pero el enfoque de Scorsese continúa siendo el mismo. ¿Hay que recordar que cuando se estrenó Wall Street en 1987 muchos hombres de negocios vieron en Gordon Gekko más un referente que una amenaza? ¿Quién le habría negado un honoris causa al engominado Mario Conde? Cronológicamente, para Scorsese primero fue la mafia, luego el juego y ahora, en 2014, las dos cosas juntas y revueltas. Si Robert de Niro tuviera un máster en empresariales hablaríamos de trilogía sin dudarlo, pero en su lugar está DiCaprio que ya no necesita imitarle para reivindicar su categoría como actor gigante. Tampoco el resto de actores –Matthew McConaughey vuelve a robar una película con un papel de menos de 10 minutos–, que han mamado las puestas en escena y los diálogos de las películas de Marty, pero que entienden que el valor de ese trabajo estaba en la improvisación, no en la imitación. Ahí tiene mucho que ver Jonah Hill, un secundario protagonista

Martin Scorsese

158 | CAPÍTULO 13 - 2013

Leonardo DiCaprio Jordan Belfort

Jonah Hill Danny Porush

Matthew McConaughey Mark Banna

Margot Robbie Naomi Lapaglia

al nivel del mejor Joe Pesci, que hace del desfase método. Hay escenas con DiCaprio –el vuelo a Suiza, la planificación de la fiesta en la oficina…– que están desde ya entre los greatest hits del director de Taxi Driver. Dura tres horas y desearías que durase otras tres más, porque Scorsese domina el tempo y sabe cómo secuestrar tu atención con sus batallitas de gángsters. También conoce el efecto hipnótico del exceso en el cine, el atractivo irresistible de una montaña de coca, un maletín lleno de billetes o una fiesta con escorts de lujo. “No os separéis de mí y no os pasará nada”, parece decir mientras te cuela en yates y salas de juntas. Puede que haya sido la última vez que sale de farra, pero no lo olvidaremos nunca. Jordan Belfort nació en Bronx, Nueva York en 1962. Se graduó en Biología por la American Univeristy. Su primer trabajo fué en LF Rothschild como corredor de bolsa, pero en 1988 la empresa quebró.

1990's funda Stratton Oakmont junto a Danny Porush Stratton era una empresa que vendía acciones al centavo. Estaba compuesta por 1000 corredores de bolsa. Participaban en la emisión de nuevas acciones. Llevó la OPV faudulenta de Steve Madden Ltd.

En 1998 es acusado de fraude de valores, lavado de di nero y manipulación del mercado de valores. La condena fué de 22 mese de prisión, la pérdida de 200 millones de dolares y una indemnización de 110'4 millones a sus antiguos clientes

Después de salir de la carcel escribe dos libros acerca de su vida durante los años que trabajó como corredor de bolsa: 'The wolf of Wall Street' y 'Catching the wolf of Wall Street'

Actualmente (2014) vive en Manhattan Beach y se dedica a dar conferencias motivacionales y como entrenador de alto rendimiento para vendedores.

2013 - CAPÍTULO 13 | 159

Star Trek en la oscuridad Star Trek into the darkness

EEUU. 133 min. Bad Robot Productions, K/O Roberto Orci Paper, Skydance Productions & Paramount

Música. Michael Giacchino

Pictures.

Fotografía. Daniel Mindel

Director. J.J. Abrams

Recaudación. 497,771,488 $

Productor. J.J. Abrams, Alex Kurtzman, Damon

Montaje. Maryann Brandon & Mary Jo Markey

Lindelof, Roberto Orci & Bryan Burk

Vestuario. Michael Kaplan

Guionista. Alex Kurtzman, Damon Lindelof &

Estreno. 02.Mayo.2013

La caja misteriosa de abrams, ésa que de niño prefirió no abrir para alimentar su imaginación, parece que poco a poco se está haciendo de metacrilato. Los secretos, los giros rompecinturas, los juegos de ingenio, los cruces de referencias que hay en la segunda parte de su redimensionada Star Trek los ha adivinado media blogosfera antes de que ocurriesen. Perdida la sorpresa y con la historia de origen ya contada, ¿qué nos queda? Su extraordinaria habilidad para contar historias con cuatro elementos y la evocación constante de esas películas-acontecimiento que marcaron infancias. Basta ese prólogo adrenalínico, una carrera en la que en cualquier momento podría cruzarse el Indy de En busca del arca perdida. O esa elipsis silente sobre el padre de la niña enferma que recuerda poderosamente a aquella de A. I.: Inteligencia Artificial. ¿Dos spielbergs en una película de Abrams? En cualquier caso, más que suficiente como para seguir con interés la odisea galáctica de Kirk y los suyos, ¿no? Casualidades de la vida, no sólo la desmedida anticipación y el spoileo de bola de cristal conecta En la oscuridad con Skyfall, la última de 007. Ambas secuelas además comparten una duda como argumento para el héroe de turno –”¿estoy realmente del lado de los buenos?”– y una resolución más convencional de lo que los antecedentes de sus responsables nos harían esperar. Sin embargo, son perfectamente coherentes con la tradición que continúan. La acción de En la oscuridad no transcurre nunca en paralelo, siempre es una línea continua. En la Enterprise las cosas nunca pasan al mismo tiempo, sino una detrás de otra.Y si Kirk está presente para levantar acta, mejor que mejor. Cuestión de orden, cronológico y jerárquico. Ni siquiera la irrupción de un imperial Benedict Cumberbatch (Sherlock), que hace una versión mejorada del Loki de Los Vengadores, tiene permiso para robar plano a Chris Pine, muy cómodo saltando al abismo escena tras escena. El fandom trekkie se puede pegar con un canto en los dientes. No sólo se lleva un puñado de guiños más o menos sutiles, entre la sonrisa cómplice y la carcajada por lo forzados; también tiene motivos de sobra para esperar que la franquicia continúe con o sin Abrams. Que En la oscuridad por momentos transcurra con la suavidad de una nave que lleva el piloto automático es también una buena no-

J.J. Abrams

160 | CAPÍTULO 13 - 2013

Chris Pine James T. Kirk

Zoe Saldana Nyota Uhura

Benedit Cumberbatch Khan

Zachary Quinto Spock

ticia: se ha creado una dinámica propia que resulta perfectamente identificable. Quedan nuevas fronteras por alcanzar –¿soy yo el único que se queda con ganas de una batalla épica con los klingon?–, pero serán dentro de un universo cuyas bases ya se han sentado, y junto a un grupo de, no digas compañeros, viejos amigos.

La tripulación del USS Enterprise

Chris Pine James T. Kirk Capitán

Zachary Quinto Spock Teniente comandante

Anton Yelchin Pavel Chekov Navegador

Karl Urban Leonard McCoy Director Médico

John Cho Hikaru Suhu Oficial y piloto

Zoe Saldana Nyota Uhura Oficial de comunicaciones

Simon Pegg Montgomery Scott Ingeniero jefe

Oficiales Operaciones Ciencias

Benedit Cumberbatch Khan

2013 - CAPÍTULO 13 | 161

Los juegos del hambre, en llamas The hunger games, catching fire

EEUU. 146 min. Color Force & Lionsgate.

Fotografía. Jo Willems

Director. Francis Lawrence

Recaudación. 861,819,813 $

Productor. Nina Jacobson & Jon Kilik

Montaje. Alan Edward Bell

Guionista. Simon Beaufoy & Michael Arndt

Vestuario. Trish Summerville

Música. James Newton Howard

Estreno. 22.Noviembre.2013

Los juegos del hambre: En llamas continúa donde acaba 'Los juegos del hambre' y nos sitúa de nuevo en el país de Panem: Katniss Everdeen vuelve a casa sana y salva después de ganar los 74º Juegos del Hambre anuales junto a su compañero Peeta Mellark. Participar significa dejar atrás familia y amigos y hacer ambos el Tour de la Victoria por los diferentes distritos. A lo largo del camino, Katniss se da cuenta de que se está gestando una rebelión, pero en el Capitolio todo sigue bajo control: el Presidente Snow organiza los 75º Juegos del Hambre, El Vasallaje, una competición especial con una inesperada novedad que cambiará Panem para siempre. El Capitolio contraataca. Jennifer Lawrence, también. Lo dice Patrick Stewart, así que debe ser verdad: “30 años de Shakespeare fueron un gran entrenamiento para Star Trek”. Aunque la carrera de Jennifer Lawrence no abarque aún una década, y aunque en ella no haya ni rastro de clásicos isabelinos, esta chica de Kentucky tiene algo que nos hace recordar la enseñanza del maestro inglés. La capacidad de apropiarse de un material presuntamente menor, transmutando sus virtudes en un recital de carisma, es una ordalía que requiere talento, y que la intérprete de Katniss (esa Diana cazadora y proletaria) supera con creces. Si no fuera así, Los Juegos del Hambre: En llamas nos merecería muchos menos elogios. Gracias a una Lawrence asida de su arco con mucha propiedad, esta secuela tiene ya una buena parte del trabajo hecho: los fans entregados la amarán con delirio, y otros agradecerán una vez más que sus hijas, sobrinas o hermanas pequeñas puedan fijarse en su heroína en lugar de en la Kristen Stewart de Crepúsculo. Lo cual no permite obviar los defectos de un filme cuya condición de encargo salta a la vista, pero sí nos recuerda los logros del director Francis Lawrence en la muy irregular Soy leyenda. Ante un triángulo amoroso con los vértices tronchados y una narración a la que se le ven las costuras del resumen se contraponen escenas de violencia mucho más certeras

Francis Lawrence

162 | CAPÍTULO 13 - 2013

Jennifer Lawrence Katnnis Everdeen

Josh Hutcherson Peeta Mellark

Woody Harrelson Haymich Abernathy

Phillip Seymour Hoffman Plutarch Heavensbee

Gloss (D1)

Cashmere (D1)

Finnick (D4)

Brutus (D2)

Mags (D4)

Enobaria (D2)

Johanna (D7)

Beetee (D3)

Katniss (D12)

Wiress (D3)

Peeta (D12)

que las del filme de 2012. Amén de un empaque físico poco común en la era del CGI, y de un desarrollo capaz de eludir la exposición innecesaria, permitiéndose diseminar momentos intensos (y memorables, a veces) sin estancarse ni enfangarnos con presuntos clímax. Para sus personajes, En llamas es una sucesión ininterrumpida de abusos, físicos y emocionales, que pueden repercutir en el espectador a poco que este busque un producto industrial bien hecho. Para este crítico, su valor al no dar cuartel ni pedirlo, su combinación de excesos tanto en lo kitsch como en lo sórdido y los secundarios que consiguen hacerse un hueco en la memoria podrían ser la norma de los blockbusters en una dimensión paralela, más racional y menos estúpida que esta. Porque, resumiendo, no estamos ante una gran película, sino ante una que tal vez inocule a sus jóvenes espectadores la noción del cine como territorio para el exceso, la pasión y las fantasías que duelen o irritan. En tiempos de crisis, el amor romántico no es un arma contra el orden de las cosas, pero la amistad y la camaradería sí pueden serlo.

12h-1h. Rayos

1h-2h. Lluvia de sangre

2h-3h. Niebla corrosiva

11h-12h. Insectos mutos

? ?

10h-11h. La ola

3h-4h. Mutos de monos

9h-10h. Desconocido

8h-9h. Desconocido

7h-8h. Desconocido

4h-5h. Charlajos

5h-6h. Desconocido

6h-7h. La bestia

2013 - CAPÍTULO 13 | 163

El hobbit, la desolación de Smaug

The hobbit, the desolation of Smaug

EEUU/RU/NZ. 161 min. Metro Goldwyn Meyer, NewLine Cinema, WingNut Films & Warner Bros. Director. Peter Jackson Productor. Carolynne Cunningham, Zane Weiner, Fran Walsh & Peter Jackson Guionista. Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson & Guillermo del Toro

Música. Howard Shore Fotografía. Andrew Lesnie Recaudación. 949,946,593 $ Montaje. Jabez Olssen Vestuario. Bob Buck, Ann Maskrey & Richard Taylor Estreno. 02.Diciembre.2013

Las canciones fueron lo más criticado en la primera entrega del viaje en tres partes que Peter Jackson ha concebido para adaptar esta especie de precuela de El señor de los anillos que es su versión de El Hobbit. Y si atendemos a uno de los títulos que barajó para esta segunda parte, El hobbit: la batalla de los cinco ejércitos, todo indica que podría haber concebido esta continuación del viaje en una clave más épica y menos cantarina que el comienzo del camino que pudimos ver en 2012. La secuela de El hobbit: un viaje inesperado, continúa las aventuras de la compañía de enanos y sus aliados por el Bosque Negro, también conocido como el Gran Bosque Verde. En él habitanarañas gigantes y los elfos del rey Thranduil. Bilbo, Thorin y su compañía de enanos, tendrán que atravesar la peligrosa extensión verde, en la que Bombur se arriesga a conocer las propiedades de sueño y olvido que proporcionan las aguas del río Encantado y tendrán que enfrentarse a hordas de arácnidos poco amistosos y de los elfos amigos del vino. El viaje prosigue en Esgaroth sobre el Lago Largo, una ciudad de hombres al este del Bosque Negro, construida totalmente de madera y con reminiscencias vikingas y lacustres en sus edificios, al sur de Erebor, la Montaña Solitaria que Bilbo y Thorin intentan recuperar de las garras de Smaug. Además se encontrarán con Beorn y Bardo, el arquero. En esta segunda entrega el director intenta sacarse además la espina de los que opinaron que la primera no estaba a la altura de su trilogía de los anillos, ilustrando en imágenes lo que el propio Jackson define como la parte más complicada del relato, la película de 'en medio'. Sin embargo, los precedentes juegan a su favor. Pocos aficionados de Star Warsdiscuten que El imperio contraataca, la película de la mitad de la primera trilogía, es la mejor de toda la saga.Y lo mismo podría decirse de Las dos torres, la segunda entrega de El señor de los anillos. Además, todo apunta que en La desolación de Smaug ha aplicado la misma estrategia narrativa que presidió su segunda entrega de El señor de los anillos. Según él mismo señala, la ventaja de la segunda entrega es que los personajes ya están presentados, y además la historia comienza en plena cción, con división de tramas e historias que nos permiten seguir a distintos personajes a medida que la trama se hace más interesante

Peter Jackson

164 | CAPÍTULO 13 - 2013

Martin Freeman Bilbo Bolsón

Ian McKellen Gandalf

Richard Armitage Thorin

Cate Blanchett Galadriel

y suben las apuestas en el destino de los protagonistas. Enanos, elfos, humanos, orcos, goblins y el dragón Smaug se dan cita en esta pieza intermedia de la propuesta épica de la Tierra Media. Galadriel, interpretada por Cate Blanchett, fan de las novelas de Tolkien y que al final de esta ssaga habrá aparecido en las seis películas de la Tierra Media, convertidas en las más taquilleras de su filmográfia, regresa para poner el toque femenino en una historia que la actriz considera muy masculina. Entre las nuevas incorporaciones al reparto de El Hobbt, una de las más esperadas por los seguidores de El señor de los anillos es sin duda la del elfo Legolas, personaje con el que Orlando Bloom alcanzó la popularidad necesaria para lanzar su carrera como actor. Peter Jackson se ha tomado la licencia de ampliar el elenco de personajes de la novela de Tolkien para poder rescatar a algunas de las figuras más representativas de su anterior visita a la Tierra Media. Orlando Bloom empuña nuevamente el arco en la segunda y tercera parte entrega de la trilogía. El entusiasmo del actor le permitió, según afirma Jackson, pasar las últimas doce horas de su participación en la trilogía de El Hobbit peleando con orcos, enfretamiento que, sin embargo, no veremos hasta la tercera parte , con estreno en diciembre de 2014. Jackson afirma que el regreso de Legolas tiene sentido aunque no esté en la novela original, porque Legolas es el hijo de Thranduil, que si aparece en El Hobbit, y dada la longevidad que disfrutan los elfos, puede existir contemporáneamente a Bilbo y los enanos, y es el personaje para introducir a los elfos del reino del bosque en la historia. Según apunta Bloom, Legolas tiene buenas escenas de acción y hay quien espera que tenga una relación sentimental con la otra figura elfa destacada entre las nuevas caras del reparto, Tauriel, papel protagonista interpretado por Evangeline Lilly, protagonista de la serie Perdidos. La actriz temía en principio que la rechazaran porque se trata de un personaje inventado por Jackson para la película, pero confiesa que no pudo rechazar la oportunidad de entrar en la historia de la Tierra Media, y 2000 - CAPÍTULO 01 | 165

la guionista Philippa Boyens apuesta que se va a convertir en uno de los personajes favoritos de los espectadores. En la novela de Tolkien, Bardo el arquero, es el encargado de dar caza a Smaug. Es una de las incoporaciones más destacadas entre los humanos que habitan la Ciudad del Lago en esta segunda parte del viaje de Bilbo. Héroe de la resistencia contra el dragón merced de su arco de tejo, está interpretado por Luke Evans, quien ha señalado que su personaje tiene más papel y protagonismo en la película del que tiene en la novela original. La otra presencia destacada entre los paladines de La desolacion de Samug es el rey de los elfos, Thranduil, encarnado por el actor Lee Pace. Asegura que su personaje es un reflejo del Bosque Negro: "Es un rey peligroso en un lugar peligroso". Martin Freeman asegura que Bilbo Bolsón ha evolucionado mucho en estas egunda entrega de la saga. Es el mismo personaje, pero lo que ha vivido hasta el momento en el viaje en la primera entrega lo ha cambiado respecto a cómo era cuando vivía plácidamente en la Comarca. Es diferente -como los veteranos que regresan de un conflicto bélico-, un tipo de registro que Freeman conoce bien a través de su papel como el médico militar retirado Watson que interpreta en la serie Sherlock. De hecho, su compañero de reparto en esa serie, Benedit Cumberbatch, es el encargado de prestar la voz e interpretar al dragón Smaug. Freeman preparó sus escenas con el dragón ayudado por el entrenador de voces de la producción, que le daba la réplica interpretando al dragón en un micrófono amplificado, para provocar en el actor las emociones de someterse al vozarrón de la bestia alada con aliento de fuego.. Conocer la voz de Cumberbatch por su trabajo en Sherlock le ayudó a hacer un trabajo más realista en esa interactuación. Por su parte, benedit Cumberbatch no solo pone la voz, sino también la interpretación física del dragón sometiéndose a la misma técnica de captura de movimiento que permite a Andy Serkis dar vida a Gollum. Cumberbatch apunta que su experiencia interpretando a la criatura de Frankestein en una representación del Teatro Nacional dirigida por Danny Boyle le ha aportado una experiencia de interpretación corporal que ha aplicado a Smaug, papel para el que se ha entrenado físicamente con el fin de alcanzar mayor flexibilidad en los movimientos. La entrada de Smaug en la trama propicia un tono más oscuro para la historia, según apunta Richard Armitage, encargado de interpretar a Thorin, el héroe enano de la saga, personaje que empieza a mostrar su debilidad a medida que se acercan al dragón y al oro, de manera que tampoco Thorin es el mismo de la película anterior, su confianza en Bilbo ha aumentado, el hobbit se convierte en su confidente, preparando el momento dramático que pondrá a prueba su amistad. 166 | CAPÍTULO 13 - 2013

La compañía de Thorin, escudo de roble

Balin Ken Stott

Bombur Stephen Hunter

Bofur James Nesbitt

Dori Mark Hadlow

Dwalin Graham McTavish

Oin John Callen

Bifur William Kircher

Nori Jed Brophy

Gloin Fili Peter Hambleton Dean O'Gorman

Thorin Bilbo Richard Armitage Martin Freeman

Ori Adam Brown

Kili Aidan Turner

Gandalf Ian McKellen

Smaug Benedit Cumberbatch

Bardo Luke Evans

Tauriel Evangeline Lilly

Legolas Orlando Bloom

2013 - CAPÍTULO 13 | 167

ÍNDICE DE PELÍCULAS

# 500 días juntos 100

A Avatar 96 Across the universe 81 Amelie 18 amazing Spider-man, The 132

B Big Fish 40 Batman begins 64

C Casino royale 70 castillo ambulante, El 52 caballero oscuro, El 88 caballero oscuro: la leyenda renace, El 134

D Descubriendo Nunca Jamás 56

G Gladiator 8

H Harry Potter y la piedra filosofal 22 Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2 118 hobbit: la desolación de Smaug, El 148

I Infiltrados 72

J juegos del hambre: en llamas, Los 146

L lobo de Wall Street, El 142

M Match point 62 Memento 12

O Origen 106

P Piratas del caribe: la maldición de la perla negra 42

R Ratatouille 78 red social, La 110 Requiem por un sueño 13

S señor de los anillos: la comunidad del anillo, El 24 señor de los anillos: las dos torres, El 34 señor de los anillos: el retorno del rey 44 Shrék 21 Shutter island 112 Skyfall 136 Spiderman 30 Star Trek en la oscuridad 144

U ultimatum de Bourne, El 82

V vengadores, Los 128

X 168 | CAPÍTULO 01 - 2000

X-men: primera generación 122

A Aronofski, Darren 13 Adamson, Andrew 21 Allen, Woody 62 Abrams, J.J. 144

B Burton, Tim 40 Bird, Brad 78

C Columbus, Chris 22 Campbell, Martin 70 Cameron, James 96

ÍNDICE DE DIRECTORES

Tamor, Julie 81

V Verbinski, Gore 42 Vaughnn, Matthew 122

W Webb, Marc 100, 132 Whedon, Josh 128

Y Yates, David 118

F Foster, Marc 56 Fincher, David 110

G Greengrasss, Paul 82

J Jackson, Peter 24, 34, 44, 148 Jenson,Vicky 21 Jeunet, Jean-Pierre 18

L Lawrence, Francis 146

M Miyazaki, Hayao 52 Mendes, Sam 136

N Nolan, Christopher 12, 64, 88, 106, 134

R Raimi, Sam 30

S Scott, Ridley 8 Scorsese, Martin 72, 112, 142

2000 - CAPÍTULO 01 | 169

170 | CAPÍTULO 01 - 2000

2000 - CAPÍTULO 01 | 171

El cine en el s. XXI Siempre se tratsa de engrandecer los grandes clásicos del cine, pero el cambio de siglo trajo consigo una serie de películas que se encuentran enrte las más grandes, por su temática, por su repercusión social y cultural, y, más que nada, por su calidad tanto narrativa como visual. A través de una serie de capítulos, en los cúales cada uno representa un año de este siglo, vamos viendo la amplia variedad de títulos elegidos, desde dramas como pueden ser “La red social” (2010), “Infiltrados” (2007) o “Match Point” (2005), hasta filmes puramente

visuales y dedicados al espéctaculo como son “Avatar” (2009), “Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2” (2011), pasando por cine de animación (Ratatouille, 2007) y ciencia-ficción (Star Trek: en la oscuridad, 2013). Este inicio de siglo ha servido, además, para consagrar a una serie de cineastas que ya tenían su estatus establecido o, por contra, estaban en el inicio de sus carreras: Martin Scorsese, Christopher Nolan, Peter Jackson, David Fincher o Ridley Scott.

Pero ante todo este libro es un libro de cine para aquellos que aman el cine, para que se sumergan es estas páginas y descubran datos y curiosidades de las películas que han marcado los inicios de siglo XXI.