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STAFF DIRECTOR Y REDACTOR Viviana Rueda Cardona PROFESOR William Medina PROYECTO PARA Critica de cine UNIVERSIDAD DEL TOLIMA 2018
❖THE DISASTER ARTIST
❖BASADA EN HECHOS REALES ❖BIG BAD WOLVES
❖TANGERINE ❖NOVEMBER ❖LA VIDA DE CALABACIN ❖EL BOTON DE NACAR
THE DISASTER ARTIST Año: 2017 Duración: 106 min. Dirección: James Franco Guion: Scott Neustadter, Michael H. Weber Música: Dave Porter Fotografía: Brandon Trost Género: Comedia | Cine dentro del cine Premios: 2017: Premios Oscar: Nominada a mejor guion adaptado 2017: Festival de San Sebastián: Concha de Oro (mejor película) 2017: Globos de Oro: Mejor actor en comedia (James Franco)
En un mundo tan polarizado y lleno de cuestionamientos, nace la diferencia, la libertad y con ella la libre expresión, esa misma que nos ha permitido salir de los estereotipos, de ir más allá o simplemente dedicarnos a ser felices, a vivir como nos plazca.
Es allí donde nos preguntamos si la mejor forma de realizar cine es prepararnos para recibir cuestionamientos de “críticos” o expertos en el séptimo arte; quienes en últimas son los que brindan el aval para catalogar un buen o mal film. ¿Y si nos salimos de los parámetros podríamos brindar una buena película? Ese puede ser claramente el cuestionamiento que se podría dejar en el aire, afortunadamente y para el gusto de muchos, el cine hoy a tomado rumbos distintos y ha sido capaz de marcar diferencia a toda costa. The Room, fue calificada como una de las peores películas de todos los tiempos, enlistada por la crítica, historiadores del cine, analistas y otros expertos como "las peores películas jamás hechas”. Es la película hecha, dentro de la película que a continuación vamos a detallar y es que, sin verla previamente, James Franco logró crear la sensación ya de haberla vivido, disfrutando a carcajadas por quien se atreva a sumergirse en The Disaster Artist.
Y es que es un film hecho con un elenco de maravilla, logró convertir lo triste en alegría, lo negro en blanco, lo aburrido, según algunos críticos, en la mejor manera de sacar provecho, de hacer buen cine y de paso lograr pescar unos buenos galardones en las academias más grandes y estudiadas del mundo. James sacó lo mejor de las cenizas
Franco lo hunde a uno en el viaje significativo de la narración verdadera del séptimo arte, cosa que solo logra un buen director. Y es que su vasta experiencia lo ponen hoy en lo más alto del cine. Con películas bien dirigidas, que dan ganas de ver y, además, galardonadas y calificadas con las más altas distinciones en el mundo fílmico. The Disaster Artist, producida, dirigida y protagonizada por Franco, fue galardonada con la Concha de Oro del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. También ganó el Globo de Oro al mejor actor Comedia o musical y Oscar al mejor guion adaptado. Definitivamente el sello de Franco se nota, es respetable y reconocido por las grandes academias.
Sacar lo mejor de las cenizas se convirtió para este gran director en su mejor estrategia. ¿Quién se imaginaría que, de la peor película, se extrajera el mejor néctar para la que hoy es considerada la mejor historia de todas? Eso solo lo logra un grande del cine. Cine dentro del cine La historia narra las vicisitudes por las que pasan dos jóvenes para realizar un filme, Es así como un joven actor de Estados Unidos, que hacia fines de la década del 90 no encuentra rumbo en su carrera, hasta que se encuentra con Tommy Wiseau, un hombre del que nadie sabía su edad, su nacionalidad ni tampoco de dónde provenía todo el dinero que tenía. Juntos viajan con el objetivo de ingresar en Hollywood, pero rápidamente les fueron cerradas las puertas. Es por eso que deciden filmar su propio largometraje, el que se convertiría en el peor de todos los tiempos según estudiosos de la industria. Excelente se queda corto como calificativo para honrar a uno de los más grandes creativos que actualmente tiene el cine, James Franco. Quien además de entregar esta joya, nos dice constantemente que los sueños, por muy lejos que se vean, si se pueden lograr.
BASADA EN HECHOS REALES Año: 2017 (Francia) Duración: 105 minutos Director: Roman Polanski Guion: Roman Polanski, Olivier Assayas Música: Alexandre Desplat Género: Drama Reparto: emmanuelle seigner, eva green, vincent perez, noemie lvovsky y dominique pinon.
Basada en Hecho Reales es un Film Francés, bajo la dirección y guion de Román Polanski, es una película que narra la historia de Delphine de Vigan (Emmanuelle Seigner, pareja del Director) quien es una exitosa escritora que cruza su camino con Elle (Eva Green) una joven físicamente atractiva pero con toques siniestros en su mirada, quien se acerca en un principio como una fans enamorada de su más reciente novela, pronto ambas se convierten en grandes amigas y Elle se gana la confianza de Delphine, abriéndole las puertas de su casa y de su vida. Delphine de Vigan, la autora de la novela en la que se basa el último filme de Román Polanski, ha relatado en varios libros sus propias experiencias y las de su familia. La protagonista de Basada en hechos reales también se llama Delphine y todo parece indicar que estamos ante un texto autobiográfico, en este caso centrado en la relación entre una novelista de éxito, un poco atormentada por crear nuevas ideas y una mujer más joven que se cruza en su vida, interviniendo en todos sus asuntos personales y laborales, Elle se aprovecha de lo vulnerable que vive Delphine, lejos de sus hijos y su pareja, y se convierte en su inquilina y su fiel confidente.
La relación de delphine y Elle crece a medida que avanza la película, y se convierte en algo intenso, ya que lo que comenzó con una simple salida a tomar café, se convirtió en un juego de seducción y posesión entre las dos mujeres. Elle es una influencia, tal vez, negativa para la escritora, ya que se toma atribuciones que no le corresponden, como se vio en el momento que ella decide escribirle a todos sus contactos, amigos y conocidos laborales, diciéndoles que por favor se mantuvieran alejados de ella con el pretexto de que Delphine necesitaba concentrase para escribir su nueva novela, de la que no sale nada aun, pues al sentarse a redactar, solo resalta la hoja blanca de Word.
La protagonista mientras busca nuevas ideas para su reciente novela, la atormentan una serie de anónimos amenazantes que la desequilibran; su sensibilidad la hace más vulnerable y es allí que Elle se aprovecha y logra manipularla a su antojo, hasta llegar al punto de una dependencia que luego al final se convirtió en algo enfermizo. Polanski y Olivier Assayas coadaptaron la novela de Delphine de Vigan en la que el tema del doble y la apropiación de la identidad es un tema clave, elle logra su cometido y se aprovecha de toda la confianza ganada para desquiciar a Delphine poco a poco. Su Director Román Polanski es reconocido como uno de los cineastas más importantes de la segunda mitad del siglo XX y principios del XXI, y uno de los más grandes que siguen vivos. Entre sus obras más destacadas están Repulsión (1965), El cuchillo en el agua (1962), Él bebe de Rosemary (1968), Barrio chino (1974), y El Pianista (2002) y su ultima obra basada en hechos reales que se estreno mundialmente en el festival de Cannes en el año (2017). Este Director es reconocido en el mundo del cine por su excepcional manejo de intriga y siempre se ha destacado por ser muy detallista en todo lo que desea lograr, y especialmente en esta producción se evidenció su delicadeza al contar la historia y su esfuerzo por lograr una puesta en escena limpia y clara, manteniendo un ritmo narrativo y una atmosfera de tensión y misterio en cada uno de sus personajes.
La historia se sostiene a partir de un suspenso continuo, momentos de angustia y paranoia que nos invitan a no perder de vista nunca la pantalla. Toda esta zozobra he incertidumbre que nos siembran a nosotros como espectadores se logra en gran medida gracias a la música de Alexandre Desplat, la cual subraya el sentimiento de tensión creado, pues todo el tiempo palpita la sensación de que algo malo está a punto de ocurrir. Y al mismo tiempo, consigue poner sobre la mesa la soledad desprendida de un trabajo individual totalmente dependiente de la imaginación y las ideas. Esta producción cuenta con pocos personajes, pero cada uno de ellos juega un papel fundamental, quizás el director quería dejar muchas cosas a la imaginación y en momentos no se era claro con las intenciones de algunos personajes. En la historia hay momentos obvios y otros que si provocan sorpresa e inquietud. Así mismo hay momentos donde la tensión se describe de manera sutil frente a otros en que resulta mucho más ingenioso. Su final termina siendo ambiguo y esperado por las personas que conocen el trabajo de Polanski, no tiene ninguna sorpresa y a estas alturas resulta siendo un cliché, todo el suspenso que se mantuvo en la película, cayo a pique y su final termino siendo flojo y sin gracia.
BIG BAD WOLVES País: Israel (2013) Dirección: Aaron Keshales, Navot Papushado Género: Comedia negra Reparto: Lior Ashkenazi, Rotem Keinan, Tzahi Grad, Doval'e Glickman, Menashe Noy Fotografía: Giora Bejach
Big Bad Wolves (2013) es una película israelí, escrita y dirigida por Aharon Keshales y Navot Papushado, este dúo de directores une fuerzas nuevamente después de haber realizado su primer éxito llamado Rabies (2010), el cual incentivo a realizar este nuevo film que ha dado mucho de que hablar. El trabajo realizado por estos dos israelitas es magistral, ya que la película desde un inicio te atrapa y te sorprende de una manera excepcional.
Su historia gira alrededor de un tema crudo y difícil de tratar, pero que logran llevar a cabo de una manera ingeniosa y divertida, brindando una dosis perfecta de misterio, sangre y humor, es una de las razones por las que Quentin Tarantino otorgo a este film el título de la mejor película del año 2013. La historia comienza tras la aparición del cadáver de una niña salvajemente mutilada y asesinada, desencadenando que la vida de tres hombres se una, ellos son el padre de la víctima, sediento de venganza; un detective de policía que opera fuera de los límites de la ley con deseo de justicia y el principal sospechoso de los homicidios, un profesor de religión que tiene cara de todo menos de asesino.
Big Bad Wolves atrapa al espectador desde un comienzo, dando uso de escenarios bien pensados que logran un momento de tensión, el uso de la cámara lenta crea un suspenso que marca un momento de total relevancia en la película, en la que vemos un grupo de niños jugando al escondite en los alrededores de una casa abandonado, una niña de aproximadamente 10 años corre y se esconde en un closet del que nunca se ve salir, solo se visualiza uno de sus zapatos rojos, dejando claro su desaparición. Posteriormente aparece decapitada con claros indicios de abuso y agresión física por parte de un psicópata pedófilo. El guion es tan inteligente que te hace empatizar con cada uno de los personajes, por un lado, el padre de la victima obsesionado con encontrar el culpable del asesinado de su hija, es tal su desesperación que esta lo lleva a raptar y torturar al presunto culpable, a lo largo de la película su personaje sufre una trasformación, crece y coge tal fuerza que es el encargado de darle un hilo conductor a la historia, convirtiéndose en una copia del mismo asesino, ya que lleva a cabo sus mismas maniobras sangrientas para sacar respuestas que nunca obtuvo .
En segundo lugar, tenemos al detective de policía que quiere cumplir con su labor y encontrar respuestas claras, siendo víctima al final de su propia investigación, y por ultimo tenemos al presunto asesino, el profesor de religión, un personaje bien desarrollado que siembra duda tras duda, ya que en algunas escenas logra dar lastima, ya que pierde su empleo y su reputación a base de puras especulaciones y en otras simplemente lo odias, como es el caso del final que suelta su sonrisa descarada y fría antes de su último suspiro, dando señales evidentes de su culpabilidad. La película está bien pensada, planificada, y ejecutada, contiene muy buena fotografía y una banda sonora excelente compuesta por el compositor israelí Frank Ilfman quien anteriormente ya había trabajado con Aharon Keshales y Navot Papushado en (Rabies) realmente un grupo que funciona y que no debería separarse. La temática de esta película es realmente cruda y toca un tema complicado y espinoso, no se andan con rodeos y siempre van al punto. De principio a fin nos tienen comiéndonos las uñas, siempre esperando un desenlace con todas las respuestas. Es realmente interesante como la película Big Bad Wolves juega constantemente con las expectativas del espectador llevándonos a sospechar, a reflexionar, a hacer suposiciones, y a tomar una u otra postura y aun así, nos sorprendemos con su final. Un final inesperado que te responde algunas dudas, pero también te deja mucho a la imaginación, a lo mejor una segunda parte sería interesante, quizás analizar el comportamiento del profesor y su cuadro psicológico daría para más.
TANGERINE Año: 2015 Duración: 88 min. País: Estados Unidos Dirección: Sean Baker Guion: Sean Baker, Chris Bergoch Fotografía: Sean Baker, Radium Cheung Género: comedia drama Premios: 2015: Festival de Mar del Plata: Selección oficial largometrajes a concurso 2015: Premios Independent Spirit: Mejor actriz secundaria (Mya Taylor) 2015: Premios Gotham: Mejor nuevo actor/actriz (Mya Taylor). 3 nominaciones Tangerine es un film estadounidense grabada por medio de un móvil que revoluciono el cine en el año 2015, su director Sean Baker conocido por la realización de películas como Starlet (2012) y The Florida Project (2017) se destacó en esta producción por innovar su técnica cinematografía, debido a su falta de presupuesto decide filmar su película con tres teléfonos iPhone 5s.
se entera que su novio y también proxeneta le fue infiel con una mujer prostituta, esto la pone muy mal y pasa todo el día del 24 de diciembre buscando a la chica para confrontarla y esclarecer la situación; Alexandra (Mya Taylor) es su mejor amiga, cuenta con una personalidad más tranquila, siempre acompaña, aconseja y calma a sindee.
Esta película se sitúa en los ángeles en época navideña y es allí donde un par de amigas transexuales buscan aclarar el rumor que apunta a que el novio de una de ellas le ha sido infiel mientras pasaba tiempo encerrada en prisión. De este rumor se desencadena una serie de sucesos divertidos y escandalosos.
Por otra parte, Sean Baker nos cuenta la historia de un taxista que recorre la ciudad, y tiene un gran interés en encontrar a sin- dee, su gran amor. El problema radica en que el taxista es casado y tiene una pequeña hija, sus gustos sexuales son un secreto, y a lo largo de la historia su suegra se encarga de desenmascararlo.
Sus personajes son muy reales. El film gira alrededor de tres diferentes historias que al final se unen y forman una escena problemática, llena de disgustos y reclamos. Su protagonista es Sin- dee (Kitana Kiki Rodríguez) esta chica es caprichosa, habla sin parar y sin ningún tipo de filtro, ella después de pasar 28 días en prisión,
Tangerine es una película particular, conto con bajo presupuesto y aun así no perdió su calidad. el hecho de utilizar un celular en vez de grandes cámaras o equipos, brinda a las actuaciones y a la ambientación general de cierta naturalidad. Igualmente es evidente que toda la historia se desarrolla en un mismo día, de esta manera el director se ahorró dinero en el cambio de vestuario, viáticos y demás.
Este film nos deja ver de manera cruda y sin censura la vida que llevan los transexuales, sean Baker le dio mucho colorido a la imagen y trato de contarnos una historia algo caótica, pero sin dejar de lado la comedia. Para la filmación se utilizó la aplicación Filmic Pro, para controlar el enfoque, apertura y la temperatura de color, así como para capturar videos a una mayor tasa de bits y un adaptador anamórfico de Moondog Labs para grabar en pantalla ancha. También usaron un estabilizador Steadicam Smoothee de Tiffen para capturar escenas en movimiento, es claro que el uso del móvil logro un considerable ahorro, pero el trabajo que implico esta gran producción fue enorme. El cine independiente siempre se ha destacado por contar historias diferentes y en este caso Baker quiso mostrarnos por medio de unos personajes poco convencionales como es la forma de vivir y la problemática que viven día a día los transexuales. Su ambientación es muy realista y muestra la miseria de un barrio lleno de prostitutas, drogas y delincuencia, aunque es de resaltar que el director hace un buen manejo del tema y nos lleva a la risa constante.
El director tiene la habilidad de no caer en el melodrama que el tema podría sugerir, juega en un inicio con la música y con ella le da un ritmo a la historia, muchas de las escenas las graba en plano secuencia y esto logra que acompañemos a cada personaje y se logre una empatía, porque quizás se habla y se muestra un tema crudo, pero su trasfondo es mas simple, y termina primando el valor de la amistad. Tangerine demuestra que se puede hacer cine de otra manera, brindando la oportunidad de contar historias distintas, que sean reales y que sorprendan al espectador.
NOVEMBER Año: 2017 País: Estonia Director: Rainer Sarnet Reparto: Rea Lest, Jörgen Liik, Arvo Kukumägi, Katariina Unt,Taavi Eelmaa, Heino Kalm. Fotografía: Mart Taniel Género: Fantástico. Drama
En noviembre se celebra la fiesta de todos los santos, donde el culto a la muerte está presente de una u otra manera. Es un mes lleno de nostalgia, donde los días son más cortos y la noche lo envuelve todo, es un mes de contradicciones, donde lo sagrado, lo profundo, el bien y el mal se hacen notar, pasando ante nuestros ojos a blanco y negro. November es una película realizada en Estonia, (república báltica situada en el norte de Europa) adaptada a la época feudal. Este país se enorgullece de ser una de las naciones más ateas de Europa, junto con los checos y los islandeses, pero no se dan cuenta de que el vacío que deja la falta del sistema religioso se llena con la más extravagante superstición, es por ello que abunda toda clase de creencias paganas. Su desarrollo se da en una pequeña aldea donde adoraban a los dioses y, por ende, rechazaban o desconocían la creencia en un Dios único, allí se convive con hombres lobos, plagas y espíritus. El principal problema de los aldeanos es cómo sobrevivir en el frío y oscuro invierno. Y, para lograrlo, no existe tabú alguno; la gente está dispuesta a vender su alma a unas extrañas criaturas llamadas kratts. Allí se narra una historia de abusos de poder sobre un pueblo desolado y a la deriva donde entre el hambre, la pobreza y las creencias paganas también hay espacio para los más puros sentimientos. Si bien una película de estas características puede resultar algo confusa y demasiado alejada de la realidad, hay dos factores que le dan equilibrio. Una es la carga simbólica que tiene la imagen, y la otra es como se logra cautivar al espectador con su típica historia de amor que no es correspondido. Este film nos narra una historia de desamor envuelta en un ambiente de magia negra, paganismo y extrañas situaciones, una campesina llamada liina (Rea Lest) es una joven que se enamora perdidamente de Hans (Jörgen Liik) su vecino, el no corresponde su amor ya que solo tiene ojos para la hija del Barón al que el pueblo sirve, en ese contexto liina decide a toda costa lograr su cometido y aprovechará las fuerzas mágicas que existen en la zona para convertirse en una bruja y hacer que Hans se enamore de ella, aunque esto implique recurrir a la magia negra.
Este film es escrito y dirigido por Rainer Sarnet, se estrenó en el año 2017 en estonia y es una adaptación cinematográfica de la novela estona Rehepapp, escrita por Andrus Kivirähk y publicada el año 2000. Esta historia contempla la posibilidad del amor en el más oscuro de los caos en un mundo sin dioses. Su director Rainer Sarnet tambein es recordado por las siguientes películas: The idiot (2011) Where Souls go (2007) y Libahundi needus (2005) siempre dispuesto a realizar un cine alternativo. Filmada a blanco y negro, con una fotografía de Mart Taniel que logra impactar, November nos transporta a un mundo surrealista, donde combina el simbolismo y la imaginación. Es impresionante como te atrapa su imagen, y como se logran escenas muy bellas, con planos interesantes, igualmente se maneja una atmosfera y un nivel estético excepcional, donde nos muestra un ambiente de pobreza y suciedad, y que, gracias a la buena interpretación de sus personajes, enriquecen el film y hacen de él algo extraordinario. Sus escenas que representan la vuelta de los muertos o cuando venden su alma al diablo están brillantemente filmadas con muy pocos medios, pero mucha imaginación, en la historia existe cierta burla a Dios y esto se evidencia en el momento en que la hostia se escupe después de la misa y se guarda como amuleto junto con una bala cuando se va de caza, para asegurarse de que se da en el blanco. el director trata de crear una imagen del mas allá, en esta aldea suceden toda clase de delitos, y así sobreviven, robándose entre ellos y dándole el poco pan que poseen a sus muertos, incapaces de abandonar el misticismo y el folklore del lugar mágico que habitan. Llega un momento en el que los aldeanos se vuelven adictos a esta vida delictiva y hacen todo lo posible por perpetuarla.
el planteamiento es interesante pero su desarrollo es lento y difícil de seguir pues se basa en antiguas tradiciones, todo es muy místico y hay momentos donde no se dice nada, pero al final todas las historias se entrelazan y sorprenden al espectador, porque como se dijo en un inicio noviembre es el mes de las animas malditas.
LA VIDA DE CALABACIN Dirección: Claude Barras Título original: 'Ma vie de Courgette' País: Suiza Duración: 66 minutos Año: 2016 Género: Animación Música: Sophie Hunger Montaje: Valentin Rotelli Basada en: Autobiographie d'une Courgette de Gilles Paris Existen 170 millones de niños huérfanos en el mundo, una cifra absurda que no para de crecer, esta problemática aqueja todos los países del mundo, quizás unos más que a otros, pero no distingue razas ni condición social, la vida de calabacín es una película Franco-Suiza que nos habla de esta realidad, dando uso de la animación stop-motion nos trasporta a conocer distintas historias de pequeños niños que han sido víctimas del desamparo, donde cada menor encarna una herida diferente, que nos toca el alma.
'La vida de Calabacín' es el primer largo de Claude Barras, un suizo que lleva años trabajando en el campo de la animación de cortometrajes, en el año 2016 se estrenó este film que nos impactó, puesto que en él se toca un tema espinoso, pero bien resuelto, demostrándonos que el dibujo animado es el recurso perfecto para plasmar una realidad demasiado frágil para ser abordada desde unos personajes de carne y hueso, todo este esfuerzo se reflejó con la nominación a mejor película animada en los premios Oscar del año 2017. Este film está protagonizado por un niño de nueve años llamado Ícaro y apodado Calabacín que, tras la repentina muerte de su madre, de la mano del policía Raymond, un hombre noble que se convertirá en su amigo y protector a lo largo de la historia, ingresa en un orfanato llamado Les Fontaines donde conocerá a otros niños que, como él, buscan un lugar en el mundo. Son siete los niños que se encuentran en el orfanato, ellos se encargan de contar diferentes historias de violencia, abuso y abandono, las cuales han tenido que padecer, Claude Barras aborda estos temas con mucho tacto, reflejando como por medio del juego y la inocencia propia de la niñez, estos pequeños se olvidan de todo lo que ocurre a su alrededor, siempre manteniendo viva la esperanza de un mejor mañana. En esta historia la inocencia y la imaginación cobra mucho sentido, y eso lo podemos notar en varias escenas del film. Una de ella es al inicio, donde Calabacín juega con las incontables latas de cerveza que vaciaba su madre, construyendo su propio rompecabezas, y es una de esas latas la que simboliza el recuerdo de su difunta madre, igualmente ocurre con el padre ausente, quien cobra vida en la imagen de un superhéroe perfilada en las paredes del dormitorio y también en esa cometa que vuela como un espíritu protector sobre el niño.
Es claro que los protagonistas son estos siete niños, porque los adultos pasan a un segundo plano, conozcamos un poco de cada personaje. Alice, con su rostro tapado por el flequillo, tiende a sufrir movimientos compulsivos; Simón sabe que su padre le hacía cosas malas, pero no cuáles exactamente. Jujube siempre necesita una banda porque le duele la cabeza; mientras, su progenitora recibe tratamiento psiquiátrico. A Bea la ha dejado desamparada la política, su madre fue expulsada del país y retornada a África. Ahmed se hace pis en la cama desde que su padre está en la cárcel: el hombre fue detenido durante un atraco para conseguir dinero a fin de regalarle unas zapatillas Nike a su hijo. A Camille, la última en llegar, su papá le enseñó a utilizar una pistola, antes de disparar contra la madre delante de ella. En este ambiente marcado por el dolor y el sentimiento de abandono, Calabacín aprende a rehacer los vínculos de afecto y compañerismo. Allí encuentra el amor y grandes amigos, que a medida que trascurre el tiempo se convierten en hermanos y cómplices de divertidas aventuras, que alegran al espectador con un humor tierno e infantil. Es clara la pasión de las personas que se encargaron de realizar esta película, todo esta tan bien pensado, los elementos visuales, narrativos y sonoros nos hacen volar nuestra imaginación, logran construir complejos entornos emocionales, llenos de ingenuidad e inocencia. Sus personajes son tiernos, humorísticos e infantiles, Barras y su grupo de creadores, se encargaron de darle vida a este Stop-Motion con una paleta de colores sencillas y rasgos faciales similares a las de los dibujos de la niñez, con ojos enormes que trasmiten un sin fin de sentimientos, desde la alegría hasta el más profundo dolor.
La vida de Calabacín se adapta a una realidad dolorosa a través del dibujo y la imaginación. La perspectiva general del film se mantiene siempre a la altura de los niños, de manera que su propia inocencia, su sentido del humor y su capacidad para regenerar los lazos afectivos se convierten en los principales antídotos ante el horror que han experimentado.
EL BOTÓN DE NÁCAR País: Chile 2015 Duración: 82 min Director: Patricio Guzmán. Guion: Patricio Guzmán. Género: Documental.
El agua es un órgano mediador entre las estrellas y nosotros, nos dice una profunda voz en off mientras observamos la Tierra desde el espacio exterior. Con imágenes tan bellas que nos quitan el aliento, así da comienzo El botón de nácar, un documental firmado por el chileno Patricio Guzmán. Desde el principio es fácil apreciar que nos hallamos ante una verdadera joya visual, un paseo por las entrañas, los recuerdos y la historia reciente de Chile, enterrada bajo el mar por la dictadura, sepultada por la xenofobia y el imperialismo. Un océano que guarda estrecha relación con la ya desaparecida población indígena, una civilización tranquila y sabia, en eterna comunión y vínculo con el agua. El mismo océano en el que las víctimas yacen con el peso de la injusticia, mientras, quizás, sus almas brillan en alguna constelación lejana. “El Botón de Nácar”, dirigido por el reconocido documentalista chileno Patricio Guzmán, es la segunda parte de una trilogía que comenzó con “Nostalgia de la Luz” (2010) y que terminará con un largometraje llamado “La Cordillera de los Andes”, todos unidos bajo el objetivo de explorar la geografía de Chile en busca de los vestigios de su historia. Premiado en el Festival de Cine de Berlín con el Oso de Plata al mejor guion, este proyecto cinematográfico rescata del olvido la historia y el genocidio de los antiguos habitantes de la Patagonia chilena y de los prisioneros políticos asesinados por el gobierno de Pinochet. Únicamente quedan a día de hoy alrededor de veinte descendientes directos, guardianes de su lengua y su memoria. Guzmán utiliza la espectacularidad de la geografía chilena y las violaciones a los derechos humanos, pero los interrelaciona de una forma tan sutil, con una narración tan bien hilada, que uno termina convencido de que todo está relacionado, reducido en un solo punto, un botón.
A través de dos botones el director logra trazar el vínculo entre los indígenas y los prisioneros políticos. El primer botón, el que un capitán inglés le ofreció a un yagán para convencerlo de que se subiera a su barco para llevarlo a Inglaterra, y el segundo, el botón de nácar. Último vestigio de un detenido desaparecido arrojado al mar junto a un riel. De algún modo éste último encierra el misterio de la vida. Todo eso y más encierra algo tan simple como un viejo botón.
“El Botón de Nácar” demuestra que es posible hablar de la memoria de un país desde un punto de vista contemplativo y mágico, combinando masacre con paisajes de ensueño, injusticias con sonidos relajantes propios del entorno. Su tipo de relato, el que se sostiene a partir de las experiencias y recuerdos del autor, consigue que lo narrado trascienda la pantalla y genere empatía con el espectador, otorgando un punto de vista particular sobre ciertos hechos históricos imposibles de desconocer. Este documental engancha por su magnética belleza y sorprende por sus cambios de ritmo, con el agua como hilo conductor del relato, allí se destaca una poética audiovisual pensada en torno al silencio, los ruidos de la naturaleza, las imágenes de los observatorios, del universo, y claro, de los paisajes chilenos. Todo bastante bien estructurado con la narrativa de Patricio Guzmán, quien nos trasmite con su voz en off su melancolía y con una fotografía abrumadora tiene la responsabilidad de contarnos esta historia. Patricio Guzmán es capaz de descubrirnos a la vez el horror del exterminio y la espiritualidad ancestral de una cultura en paz con la naturaleza. Un pueblo que no tenía miedo al mar, pues el mar era su familia. Un pueblo capaz de predecir las inclemencias meteorológicas y que soñaba con que su alma, tras la muerte, se quedase en la luz de las estrellas.