A pleno pulmón

De la belleza del error a la metamorfosis del vidrio soplado, la artista multidisciplinar Marta Armengol reflexiona sobre lo que se esconde detrás de sus escultóricas piezas.

Marta Armengol es una enamorada de los materiales locales que le dan la medida de lo que uno "puede usar sin excederse". Arriba, parte de la colección de copas The Glass (2020), en la que cada pieza es única y diferente.

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rquitecta de formación y artista de vocación, Marta Armengol se atreve con todo: instalaciones que parecen arquitectura y objetos cotidianos que recuerdan a esculturas. Recientemente ha realizado varios proyectos para firmas como Loewe o Camper, que alterna con otros más personales e incluso con colaboraciones para estrellas del star system. Ahora está sumida en un profundo proceso de experimentación con el vidrio, con el que crea bellas piezas que no siempre acaban siendo lo que tenía en la cabeza. Y todo lo hace desde Mallorca, inspirada por su embriagador paisaje y rodeada de un entorno creativo.

¿Por qué el vidrio? ¿De dónde te viene el gusto por él y cómo comenzaste a utilizarlo?

Llevo trabajando con el vidrio desde hace unos cuatro años y no me canso de él, sigue sorprendiéndome. Todo surgió por un encargo donde vi la posibilidad de usarlo: construí una especie de cabaña casi autoportante hecha entera de vidrio. Fue muy bonito todo el proceso. Es un material que permite mucha transformación, pasando por diferentes estados. La forma resultante se produce gracias al pulmón de un ser humano, por eso cada pieza es única e irrepetible. Eso es lo que lo hace tan especial. Me gusta trabajarlo en transparente porque es como si no estuviera. Es un material duro pero muy frágil a la vez.

¿Cómo es ese proceso? ¿Qué puede aprenderse de los errores?

Empiezo formalizando una idea, transformándola del imaginario al papel. Dibujo, acoto, analizo las posibilidades y lo comparto con Ferran Collado, que es quien suele soplar el vidrio y con el que tengo ya una larga relación de trabajo y amistad. El error puede no ser un error si lo ves con otra perspectiva. En ocasiones es otra posibilidad, algo que se escapa de mi control y me enseña algo nuevo.

¿Cuánto hay en tu trabajo de reflexión y cuánto de improvisación?

En mi trabajo siempre hay una conceptualización o narrativa, una idea inicial que es la que se quiere materializar. Lo que ocurre es que muchas veces ese objeto no está al cien por cien definido, por lo que se improvisa en el momento de ejecutarlo; otras, no es posible realizar el objeto exactamente como lo había imaginado y se acaba definiendo en el proceso de producción. Dejo que esto suceda también con otros materiales, porque cada uno requiere su proceso y su técnica, y en ese punto el que manda es él. Ahí es donde surge la improvisación.

Además del vidrio, ¿con qué otros materiales estás experimentando ahora?

Ahora mismo estoy muy interesada en el textil, con el que estoy haciendo algunas investigaciones y también sigo trabajando el vidrio. Estoy abierta a muchas cosas, por lo que depende mucho de cada momento o proyecto.

¿Qué importancia tiene lo local para ti?

Mucha. Creo que trabajar con lo que uno tiene cerca es la clave para economizar recursos y ser más consciente de lo que puedes usar sin excederte.

Instalaciones, diseño, arquitectura… eres una artista multidisciplinar, ¿tienden el arte y el diseño hacia esto?

No lo sé… los límites del lenguaje ponen etiquetas a lo que uno hace. Yo hago lo que me gusta y uso las herramientas con las que me siento más cómoda para comunicarme con el mundo.

Mallorca es un foco creativo interesante. Habéis formado una pequeña comunidad local que está dando mucho que hablar: Adriana Meunié, Jaume Roig, Moredesign…¿Qué te inspira Mallorca? ¿No hace falta irse de una isla para triunfar?

Me inspira lo que tengo alrededor, ya sea la gente, el paisaje, mi día a día, mi ritmo de vida... Me alegra conocer a mucha de la gente con la que comparto lugar y que tienen tanto talento, y saber que hay mucha más que no conozco. No creo que triunfar sea nuestro objetivo, o eso espero, sino que hacemos lo que nos gusta para expresarnos.

Cuando todavía no era aún el fenómeno mundial en el que se ha convertido, trabajaste con Rosalía diseñando la escenografía de la gira de El Mal Querer. ¿Cómo fue la experiencia?

Fue muy bonito, en sus inicios de la gira. Amistad y trabajo fue el combo perfecto para que saliera todo genial. Confió mucho en nosotros y fue muy divertido y enriquecedor. ¡Me gusta ver lo que ha conseguido con todo su esfuerzo y trabajo, la admiro mucho!

Últimamente has recibido varios encargos para distintas marcas, ¿en qué estás trabajando en estos momentos?

En varios proyectos personales y en otros encargos. Todavía no puedo, pero espero poder compartirlo con vosotros

Escultura Locus Amoenus (2019). Abajo, a la dcha., pieza de la serie Mirror Glass (2021) para la galería Maniera Brussels.

In a world full of dreamers, be a

Somos como dormimos. Y por eso elaboramos camas extraordinarias: para que pueda sentir la versión más despierta de sí mismo por las mañanas. Llevamos desde 1852 persiguiendo el sueño de hacer del mundo un lugar más feliz, pacífico y armonioso, y nuestra nueva cama drēmər, diseñada por Ferris Rafauli, simboliza 170 años de artesanía, excelencia y, por supuesto, sueños.

No es lo que PARECE

por REINHARD KLAUSE

Banco de roble A la dérive para la galería neoyorquina Friedman Benda.

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Ferréol Babin le encanta jugar con las expectativas. Al principio de su carrera diseñó Balance, una jarra de cristal con la base de una copa de vino; el cuerpo se une en forma de ángulo, como si no pudiera esperar a derramar su contenido. Uno de sus últimos proyectos, Noise 3, parece un jarrón con una rama y dos flores realizado con resina, pero en realidad es una luminaria bajo la apariencia de una escultura, un diseño con doble fondo. Este artista francés sabe bien lo que hace. Babin estudió arquitectura en Dijon, pero luego se decantó por el diseño industrial. Después, en 2014, pasó un año en el centro de estudios Fabrica en Treviso, Italia, lo que le ayudó a ampliar más su perspectiva. Ahora vive y trabaja en Nantes, dividiendo su trabajo en dos temporadas: seis meses los pasa colaborando con estudios de diseño franceses como Bibelo e Ymer&Malta, o Pulpo, en la localidad alemana de Weil am Rhein. El resto del tiempo lo dedica a crear obras libres, piezas únicas realizadas a mano y bajo su

Arriba, el artista Ferréol Babin y abajo, parte de la colección Spoon, una serie de cucharas únicas y diferentes entre ellas. A la dcha., lámpara Noise 3 que simula un jarrón con flores, realizada en resina de Jesmonite. propia dirección. En su taller experimenta sin límites. Seducido por la resina sintética Jesmonite –que se endurece rápidamente y no necesita disolventes–, últimamente se ha pasado a la madera, que domina con gran aplomo. Entre su abanico de obras, concibió para la galería Friedman Benda de Nueva York un banco de aspecto arcaico hecho en roble, cuyo "cojín" es del mismo material, pero teñido en negro. Como al artista no le gusta comprometerse, reinventó una segunda pieza única con un acolchado real en tela blanca de Pierre Frey. Otra de sus creaciones estrella es la colección de cucharas Spoon, una serie de utensilios diferentes entre sí al más puro estilo Ceci n'est pas une cuillère (1929) de René Magritte. No se puede comer ni cocinar con ellas, pero son una obra de arte. Una vez, Babin compartió en su perfil de Instagram una imagen de una tarta casera. ¿O se trataba de otra falsa realidad? Un seguidor le preguntó de qué era la cobertura, que parecía chocolate negro. Él respondió: "De ceniza vegetal". Que el arte nunca deje de sorprender. FERREOLBABIN.FR

Arte en HORIZONTAL

Hechas en lana de llama del norte de Argentina con técnicas milenarias, las alfombras de Lalana reinterpretan obras de artistas contemporáneos.

por BELÉN AFONSO

Arriba, detrás de Florencia Chernajovsky, fundadora de Lalana, alfombra Zigzag de Juan Stoppani y J.Y. Legavre, y modelo Flattened city (colors) de María Sánchez. En el suelo, Yellow Circuit de Victor Grippo. A la dcha., la alfombra Slice de Luis F. Benedit.

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ras volver a su Argentina natal después de doce años formándose en Literatura e Historia del Arte en París, Florencia Chernajovsky convirtió su interés por la creación multidisciplinar en su profesión. Empezó haciendo la ruta del telar por el norte del país en 2017 y dos años después lanzó su marca, una originalísima propuesta que une arte, diseño y artesanía. En su tienda se venden papeles pintados y piezas hechas en colaboración con artistas argentinos; pero su producto estrella son las alfombras, creadas en base a obras y bocetos inéditos de autores como Luis Fernando Benedit, David Lamelas o Rómulo Macció. Elaboradas con lana de llama de Jasimaná, una aldea al norte de Argentina, el trabajo de trenzado corre a cargo de familias tejedoras locales, que emplean técnicas milenarias de teñido e hilado. Así, el proceso recupera la cultura y la tradición, de principio a fin. El proyecto se ha expandido más allá de sus fronteras y ya hay artesanos de Marruecos y de Nepal que han decidido unirse. El ideario de Lalana, no obstante, sigue intacto: mezclar diferentes tipos de arte sin jerarquías para crear una nueva forma de relacionarnos con ellos. LALANA.LA

El soplo del GENIO

por GIOVANNI D’ODORICO BORSONI

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las seis de la mañana, un ruido fuerte e inconfundible retumba sobre la Laguna de Venecia, bordea los fornaci de Murano (los talleres de los maestros del vidrio) y se extiende hasta el mar. Es el sonido de los hornos que se encienden en las fábricas de la isla, mundialmente famosa por su tradición vidriera. Este ritual matutino no pertenece a la infancia de Francesco Palù y Edoardo Pandolfo, socios fundadores de 6:AM Glassworks –y ambos procedentes de Milán–, que llegaron a este frágil mundo circunnavegando toda la península. El nombre que da identidad al estudio es un homenaje

A la izda., lámpara de mesa Lina (2021), diseñada por Hannes Peer, estudio con el que colaboraron en la última edición del Fuorisalone. Debajo, Francesco y Edoardo, socios fundadores de 6:AM Glassworks.

a uno de los primeros fornaci con los que colaboró el dúo creativo y que solo tenía libre el primer turno de la mañana. No obstante, y a pesar de ser por aquel entonces unos recién llegados, Francesco y Edoardo han sabido adaptarse a la vida en Murano y han conseguido conectar a diseñadores de todo el mundo con la red de maestros existente en el territorio. "La idea nació un año antes de la pandemia", dice Francesco, "había conocido a Edoardo en la galería Plusdesign y juntos trabajamos en una serie de objetos ideados por la asociación de arte y diseño M/M París. Enseguida nos dimos cuenta de las dificultades que había para establecer un diálogo con el universo de Murano". Poco después decidieron establecerse por su cuenta y, junto a su red de artesanos, desarrollaron proyectos ambiciosos y muy diferentes. En la última edición del Fuorisalone colaboraron con el estudio de arquitectura Hannes Peer, formaron parte de Spazio RT junto a Luca Guadagnino y FontanaArte, y tuvieron presencia en los espacios de Nilufar Gallery y Cassina. "Venir del mundo del diseño y de la arquitectura nos ha dado la posibilidad de atrevernos y pensar en una nueva figura que antes no existía", explica Francesco. El dúo también realiza piezas por su cuenta. Blend, en Roma, y la Galería FUMI, en Londres, fueron las primeras en creer en sus esculturas, adquiriendo algunas de las obras de su serie 1/1/1, en la que cada objeto es único. "Crecí en una familia de coleccionistas y desde muy joven me escapaba a las canteras de Massa, donde vivía mi abuela. Ese polvo característico y de aspecto etéreo se ha quedado clavado en mi retina”, nos confiesa Francesco. Los moldes que utilizan se fabrican a base de ladrillos reciclados que, al romperse, no pueden volver a reproducirse. “Una vez que se hace la matriz y se sopla, nunca se podrá volver a recrear esa forma". 6AM.GLASS

Abajo, escultura de la serie 1/1/1 (2021), una de las primeras por la que apostaron la tienda Blend en Roma y la galería FUMI en Londres. Debajo de esta, instalación de la Galería FUMI para la 10ª edición de NOMAD en Capri.

Para quedarse a VIVIR

por LUISA RICART

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orada de paso para sus amigos internacionales, la guest room del nuevo piso de Blanca Miró invita a alargar la estancia de todo aquel que tiene la suerte de habitarla. Para que el interiorismo de un cuarto así funcione, nos cuenta, “es importante que los visitantes tengan independencia, grandes ventanales y, sobre todo, que se respire un toque ecléctico, vivido”. Con este objetivo en mente, Blanca se ha servido de los tres diseños de telas que ha dibujado para su colección Waterland junto a Güell Lamadrid. Como estallidos retro de color, las propuestas sirven para elaborar un mantel, un puf, una lámpara... o lo que surja: “Tienen un punto psicodélico aunque con un carácter elegante y fresco. ¡Como recién salidas de The Royal

Arriba a la izda., Blanca Miró posa junto a una mesa alta de Ikon Kobenhavn y un jarrón de Anissa Kermiche. Arriba a la dcha., bol de Rowse y manteles de Waterland de Güell Lamadrid. Junto a estas líneas, tanto la silla de Muuto como las sábanas y los cojines de la cama muestran el estamapado de Waterland. La lámpara Dolce Vita es de La Veste para Gropius y la mesita de noche de Sarah Lavoine, en Rue Vintage 74.

DESCUBRE NUESTRA

NUEVA

KOLLEKTION

La vida secreta de las PIEDRAS

por ELENA DALLORSO Instalación mural formada por nueve losas de ónix de colores, diseño de OMA para SolidNature. Al fondo, el baño en ónix rosa de Sabine Marcelis.

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a anécdota es tan conocida como improbable, pero cuenta la leyenda que Miguel Ángel, mirando al Moisés que acababa de esculpir para la tumba de Julio II, lo vio tan vivo que le preguntó "¿por qué no hablas?" e, irritado por su mutismo, le golpeó en la rodilla. La vida secreta de las piedras o, mejor dicho, su infinito potencial es el tema de SolidNature, una marca de diseño holandesa especializada en el trabajo de la piedra natural que, utilizando tecnología punta y en colaboración con diseñadores, arquitectos y mentes creativas de todo el mundo, realiza proyectos de 360 grados: desde espacios públicos hasta hoteles, pasando

OTRA VIDA, mismo espacio

La colección Poster de gres porcelánico de Marazzi es perfecta para dar personalidad y novedad a tus espacios.

La colección Poster de gres porcelánico de Marazzi tiene tonalidades neutras y motivos originales en matices llamativos. emodelar es optar por un cambio, un renacimiento, un redescubrimiento. Quieres funcionalidad y practicidad, pero sin renunciar a lo estético, a tus gustos. Y más cuando se trata de superficies (como suelos y paredes), siempre amplias y tan importantes para el conjunto decorativo y, sin embargo, muchas veces olvidadas. Pero una remodelación (o incluso solo la necesidad de dar un toque de novedad) es el momento ideal para pensar en esos lienzos en blanco sobre los que plasmar la casa -u oficina- que quieres. ¿Una buena opción para hacerlo? La nueva colección Poster de gres porcelánico de Marazzi. En formatos de 60x120 y 30x120 centímetros y realizado con un 40% de material reciclado, el gres porcelánico de la colección Poster está disponible en tonos neutros y de moda, como White, Ivory, Pottery, Blue y Anthracite. Esta apuesta minimalista en el color contrasta, con los motivos florales, botánicos y geométricos de tonalidades llamativas que le otorgan originalidad a los diseños y permiten dar toques únicos a paredes y suelos. Y todo en condiciones de máxima seguridad, pues la colección cuenta, además, con la tecnología Puro Marazzi Antibacterial, que elimina de las superficies microbios y bacterias nocivos. Si buscas versatilidad, tanto para dar un toque original a tu casa como para dar vida a espacios comerciales o arquitectónicos, la colección Poster de Marazzi conjuga estética y funcionalidad logrando una decoración no solo resistente, sino llena de personalidad.

Poster cuenta con la tecnología Puro Marazzi Antibacterial, que elimina de las superficies microbios y bacterias nocivos.

“LAS 'MONUMENTAL WONDERS' NACEN DE LA UNIÓN DE DOS ELEMENTOS CLAVE: EL CEREBRO DE LOS CREADORES Y LA PIEDRA".

DAVID MAHYARI

por yates, spas y residencias privadas. Su debut en la última Semana del Diseño de Milán con la exposición colectiva Monumental Wonders fue un alarde de la capacidad del estudio para crear objetos en la frontera entre el arte y el diseño. Estas "maravillas monumentales" se exponen en una instalación inmersiva en la Lavandería, uno de los espacios de Alcova —el proyecto de Valentina Ciu y Joseph Grima para rehabilitar lugares olvidados de Milán y convertirlos en espacios expositivos durante la Semana del Diseño—. Dentrose encuentran las obras de Sabine Marcelis y OMA para SolidNature: la escultura-baño de la diseñadora holandesa realizada a partir de un gigantesco monolito de ónix rosa en el que la función y la estética se unen en lo que es, a todos los efectos, una creación artística; Balance, el armario giratorio multifunción de mármol verde satinado con estantes de ónix fresh flow e Inhabitable, una cama realizada mediante el ensamblaje de una losa fija de mármol verde satinado y un bloque de ónix esmeralda oscuro que gira sobre sí mismo, ambas de OMA. "Las Monumental Wonders nacen de la unión de dos elementos clave: el cerebro de los creadores y la piedra",

En primer plano, el armario Balance, y detrás, la cama Inhabitable, ambos diseño de OMA.

explica el CEO de SolidNature, David Mahyari. "Actuamos como comisarios, proporcionando el mejor material posible a diseñadores y arquitectos. De la sinergia nacen proyectos increíbles". El material se convierte así en protagonista de los espacios gracias a la tecnología SolidNature: máquinas de tallado 3D CNC, un archivo de muestras de colores de rocas de todo el planeta y técnicas de procesamiento experimental. Entre estas, la que mezcla polvo de mármol con resina para dar vida a nuevas texturas, o la que inyecta un soplo de aire dentro de una caja con polvos de piedra natural —y que dio al ascensor de la Torre de la Fundación Prada su icónico color rosa brillante—. Lejos del modelo tradicional, SolidNature desafía lo imposible creyendo en la capacidad de los materiales —se entiende, de la más alta calidad para evitar el desperdicio—, que manipula, da forma y utiliza "sacando a la luz su belleza intrínseca", porque, como dice David Mahyari, "cada piedra es en sí misma una obra maestra. Solo hay que saber verlo". SOLIDNATURE.COM

Arriba, selección de materiales de SolidNature. Abajo a la izda., The Technological Stone, bloques de piedra natural transformados en tomas de corriente, de OMA. Abajo a la dcha., detalle de la cama Inhabitable, de OMA.

Perret ÍNTIMO

Una exposición muestra por primera vez el piso parisino del arquitecto Auguste Perret. Junto a las obras de 30 artistas invitados, se abren al público, del 15 al 23 de octubre, las puertas de este icono del .

Mobalco Barcelona C/ Bori i Fonestà 21 / Mobalco Bilbao Alameda de Recalde 32 / Mobalco Madrid C/ Castelló 8 / Mobalco Mallorca C/ Miguel Arcas 9 / Mobalco San Sebastián C/ San Martín 6 / Mobalco Santiago Avda. Rosalía de Castro 154 / Mobalco Valencia C/ Cirilo Amorós 29 / Mobalco Vigo C/ Velázquez Moreno 40

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n 1932, el visionario arquitecto y pionero del hormigón armado Auguste Perret tenía casi 60 años. En esa época, ya había construido el edificio de la rue Franklin, el Garage Ponthieu, el Teatro de los Campos Elíseos, la Salle Cortot y estaba preparando el Mobilier National y el Palais d'Iéna. Con el 51 rue Raynouard, en la colina de Passy, firmó una obra de madurez. Este edificio de madera y hormigón refleja la quintaesencia de su arte hasta en los más mínimos detalles del mobiliario, mosaicos, espejos y apliques. El maestro de la escuadra instaló su oficina en la planta baja y, en el séptimo piso, su apartamento privado con vistas panorámicas al cielo de París. Raynouard se convirtió en el epicentro de su vida parisina y su apartamento en el escenario de numerosas recepciones a las que asistían amigos artistas, escritores y músicos. Allí vivió hasta su muerte en 1954, cuando su mujer donó el piso a la Asociación Auguste Perret —creada por antiguos alumnos del arquitecto— que lo ha conservado hasta hoy en su estado original. Comisariada por la conservadora, consultora y escritora Marion Vignal –responsable de la asociación Genius Loci–, esta obra maestra del art déco, de madera y hormigón, se revela al público por primera vez a través de una exposición que pretende ser una muestra de la gran personalidad del arquitecto. Genius Loci, L'Appartement d'Auguste Perret –del 15 al 23 de octubre– invita a los visitantes a descubrir a un constructor que supo reinterpretar la arquitectura a través de sus pasiones (como lo fueron la escultura, la poesía, la naturaleza o los ángeles), al tiempo que reúne creaciones de talentos emergentes y grandes figuras del arte y el diseño contemporáneos que comparten escena con piezas únicas de Auguste Perret y con obras de sus amigos artistas de su colección personal. El espíritu de Raynouard vuelve así a cobrar vida a través de la pintura, la escultura, la instalación, el mobiliario, pero también el arte digital, la música y

Arriba, exterior del apartamento de la rue Raynouard construido por Auguste Perret en el año 1932, obra maestra del art déco de madera y hormigón. Debajo, escultura Ouvert de Benoît Maire. En la página anterior, arriba, de izda. a dcha., Cheise Argent de Christian Biecher, escultura Château de Benoît Maire y vaso Cornet de Robert Mallet-Stevens. En el medio a la izda., escultura Plume de Nadège Desgenétez. Abajo a la izda., Cheise Ice, de Paul Mathieu y Michael Ray. A la dcha., las tres esculturas Totems 12.74 de Thomas Devaux.

De pura RAZA española

por MARÍA NOVAL-QUÍLEZ

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ubo un tiempo en el que hablar del mueble castellano era casi como invocar al coco. En el que nos llevábamos las manos a la cabeza sin entender en qué estaban pensando nuestros padres y abuelos cuando decidieron decorar sus casas con esas piezas tan pesadas, tan serias y tan oscuras. Pero como no podía ser de otra manera –las modas son cíclicas dicen por ahí–, el mueble castellano protagoniza el gran regreso de la temporada. Y han sido precisamente nuestros vecinos europeos los que, gracias a la distancia de lo ajeno, han sabido devolverle la gloria. Hablamos de aquel mueble fabricado en los años sesenta, setenta u ochenta, de formas rotundas en las que se repiten los cuarterones, los diseños vegetales y las bisagras enormes de forja. Obras a medio camino entre lo rústico y lo caballeresco que se inspiraban en los de las grandes fincas que miraban, a su vez, a las formas del Plateresco de los siglos XVI y XVII. “Estos son los más

El mueble castellano debe su aspecto a aquellos que se usaban en los siglos XVI y XVII, de un estilo propio de la época en la que reinaba Carlos I y con los que se decoraban palacios y casas señoriales. Hechos a base de madera maciza y oscura, poseen grabados vegetales, medallones o cuarterones. Lo podemos ver, por ejemplo, en la casa de Mario Antón y Kenneth López.

difíciles de encontrar, los llamamos los Santos Griales. La mayoría de los que están en el mercado, y en las casas hoy, son los fabricados en la segunda mitad del siglo XX, que no son totalmente de madera maciza, sino que tienen una parte de contrachapado”, explica Bartosz Zygmunt, de Fargo Furniture (un equipo formado por Zygmunt, Marc Casamajo Gibert y Marcos Di Carlo que, desde su taller showroom de Barcelona y a través de las redes, trabajan para dar a conocer el mejor diseño español). Son los británicos y los belgas, con ojo superdotado para adivinar lo que vendrá, sus principales compradores. “Se venden al momento”, asegura Bartosz. La mayoría de las piezas que encuentran no necesitan más que un pequeño lavado de cara, como unificar el tono de la madera o arreglar alguna zona levantada, aunque, en ocasiones, el diseño se amolda con pequeños cambios a los gustos de hoy.

@ FARGO_FURNITURE_

Arriba y a la derecha, muestras de algunas de las piezas de Fargo Furniture. A la izda., el restaurante del hotel The Madrid Edition, en el que se recupera la estética tradicional castellana.

ANTES

La luz cenital transforma

tu espacio preferido

EL CONSEJO PRO

Almudena López de Rego

Arquitecta

A menudo es difícil que entre luz sólo por la fachada de la casa. La combinación de ventanas verticales en la fachada, junto con ventanas de tejado, crean una habitación luminosa y abierta al exterior que ofrece la percepción de un espacio mucho más amplio.

EL PODER DE LA LUZ CENITAL

Una ventana de tejado ilumina 2 veces más que una ventana vertical

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Instalación rápida y profesional

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LA LUZ CÓMPLICE

LA CASA-ESTUDIO DEL FOTÓGRAFO BARCELONÉS LEOPOLDO POMÉS ILUMINA LA ÚLTIMA COLECCIÓN DE KAVE HOME.

por MARIO SUÁREZ

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o más importante en mi vida ha sido mirar”, decía el fotógrafo Leopoldo Pomés, quien dedicó su existencia a observar con tino, a perfilar un refinado universo de sensualidad y hedonismo, a crear escenas preciosistas y eróticas que agitaron la España franquista en los años sesenta y setenta. Premio Nacional de Fotografía en 2018, un año antes de fallecer, el creador barcelonés, que también fue el publicista responsable de icónicos anuncios como el de las burbujas Freixenet (entre otros), vivió como supo, como le dio la gana, con elegancia y sofisticación. Pomés estampó su sello en todo lo que ideó, ya fuera una campaña comercial o el interiorismo de sus restaurantes Il Giardinetto o Flash Flash de Barcelona. Siempre rodeado de un buen núcleo de amigos, del grupo Dau al Set, formado por nombres como el pintor Antoni Tàpies o el filósofo Arnau Puig, a los que retrató, el diseñador Oscar Tusquets o el fotógrafo Ramón Masats.

“LA CASA ES UNA ESPECIE DE ESCENARIO MAGNÍFICO PARA QUE PASEN COSAS Y LA GENTE QUE ENTRE EN ESCENA ESTÉ GUAPA Y DISFRUTE”.

JULIET POMÉS

La colección de Have Home A View of Hedonism refleja el hedonismo de la casa-estudio de Leopoldo Pomés, en el barrio barcelonés de Gracia. A la dcha., retrato del fotógrafo barcelonés. En la otra página, el patio exterior de inspiración italiana. Su vida social era también parte de su obra, y esta, a su vez, también se reflejaba en su casa-estudio del barrio barcelonés de Gracia. Más de 400 metros cuadrados distribuidos en dos plantas, con un patio de inspiración italiana, que había pertenecido a Modest Urgell, pintor y paisajista catalán al que Pomés admiraba y del que coleccionaba sus cuadros. “La búsqueda de la belleza fue una constante en la vida de nuestro padre, y no solo en su obra sino en todo lo que le rodeaba en el día a día”, recuerda su hija Juliet. “Fue una persona de una gran humanidad, con muchísima curiosidad por todo y en especial por las personas, a las que seducía sin remedio y hacía sentirse únicas. Disfrutaba mucho con gente en casa, hecho determinante también al proyectar la vivienda. El salón, la joya de la corona, es en efecto la guarida que evoca su mundo particular, pero es una guarida para ser compartida, una especie de escenario magnífico para que pasen cosas y la gente que entre en escena esté guapa y disfrute”. Esta vivienda, que el fotógrafo reformó junto a los arquitectos Federico Correa y Alfonso Milá en los años setenta, hoy permanece tal y como él la abandonó, con el elemento intacto que Pomés más requería y admiraba: la luz. “La belleza acecha y la luz es su cómplice”, solía decir. Una gran claraboya que también ha iluminado en esta ocasión la última campaña de la firma Kave Home, A view of hedonism, junto al estilismo de Estudio Cobalto. Lo dijo su amigo Joan Brossa: “Si me quisieras siempre, serías la plenitud”. Amamos, por supuesto.

LUIS SENDINO

Abogado, comisario y coleccionista, es el alma (y los ojos) de SIDE GALLERY: un espacio divergente que promueve lo mejor del DISEÑO contemporáneo.

por MARINA P. ASINS 1. ¿Cómo es su casa? Un espacio en constante transformación. 2. ¿Cómo describiría su estilo en materia de decoración? No creo en la decoración, sino en rodearse de piezas que tengan valor. 3. ¿Quiénes han sido sus maestros? Lina Bo Bardi, Oscar Niemeyer, Luis Barragán, Geraldo de Barros o Joaquim Tenreiro. 4. ¿Qué le inspira? Soy una persona esencialmente curiosa. Cuando ese interés se encuentra, además, con la excelencia, supongo que surge algo parecido a la inspiración. 5. La regla nº 1 de su profesión es... El compromiso con los diseñadores a los que representas, con los coleccionistas y con uno mismo para no sucumbir a las tentaciones del mercado. 6. ¿Es coleccionista de algo? Colecciono mobiliario desde que tengo uso de razón. Y sigo haciéndolo con la misma energía. 7. ¿Qué es lo último que ha comprado para su casa? Una colección de piezas únicas de Sérgio Rodrigues y Joaquim Tenreiro. También la butaca Capitolio de Studio 65, el sofá Montanara de Gaetano Pesce, varias sillas Luisa de Franco Albini y un espejo del diseñador checo Tadeas Podracky. 8. ¿Y cuál es su posesión más preciada? Siempre admiré la obra de Lina Bo Bardi. En su momento formé una importante colección que se ha dividido por todo el mundo, pero tengo varias de las piezas que diseñó para el edifico SESC Pompeia.

9. Una pieza que le gustaría tener pero todavía no ha conseguido es…

Los diseñadores Gonzalo Córdoba y María Victoria Caignet realizaron los interiores de muchos edificios oficiales en Cuba durante la revolución, sustituyendo el antiguo mobiliario por nuevas creaciones. Conseguir esas piezas sería un sueño.

10. Próximamente tiene planeado iniciar un idilio con La Macarrona, la casa diseñada por Fernando Higueras inspirada en la bailaora del mismo

nombre. ¿Por qué es tan especial? Conocía la obra de Higueras desde hacía años pero fue a raíz de la exposición en el museo ICO de 2019 cuando empecé a profundizar más en su trabajo. Cuando tuve la posibilidad de adquirir una de sus obras, no lo dudé ni un momento. Desde Side Gallery siempre estamos buscando emplazamientos alejados del habitual cubo blanco normativo y este, sin duda, es uno de ellos.

Arriba a la izq., jarrón de cerámica Stained Nightie de Virginia Leonard. A la izda., retrato de Luis Sendino. Sobre estas líneas, mesa diseñada por Oscar Niemeyer en 1971 para la Casa das Canoas.

11. ¿Qué espera del espacio? El diseñador Guillermo Santomà es el encargado de llevar la casa a este nuevo episodio en el que espero que se convierta en un punto de encuentro para amantes del diseño y la arquitectura. 12. ¿Un hito de su carrera? La primera participación de la galería en Design Basel con un stand dedicado a la obra de Oscar Niemeyer. 13. ¿Cuál será el libro o película de la temporada? Scritto di Notte de Ettore Sottsass, publicado por Adelphi.

14. ¿Qué es lo que debe tener un diseñador para llamar su atención?

Un lenguaje propio, identificable y alejado de las supuestas modas. Y una historia interesante y actual. 15. El sofá perfecto… El Malitte de Roberto Sebastián Matta. 16. ¿Su pieza de diseño favorita? La cómoda que Luis Barragán creó para la casa Prieto López en El Pedregal. 17. ¿Su época imprescindible en antigüedades? La galería nació para mostrar el diseño latinoamericano del siglo XX y señalar que las artes decorativas no son un territorio exclusivo de países como Francia o Italia. 18. ¿Un nuevo talento o artista que debamos seguir? Mac Collins, un diseñador británico emergente de origen jamaicano que celebra la belleza inherente de los materiales con los que trabaja, aportando una narrativa muy personal. 19. ¿Con qué personaje iría a tomarse una copa si pudiera? Elegiría a Rafa Nadal y cambiaría las copas por un partido. 20. ¿En qué ciudad le gustaría vivir una época de su vida? En Río de Janeiro me siento como en casa, pero si tuviese que decir otra, optaría por una pequeña comunidad en algún lugar de África o Latinoamérica.. SIDE-GALLERY.COM

Arriba a la izda., imágenes del archivo de la Fundación Fernando Higueras de La Macarrona (la icónica vivienda que se convertirá este invierno en la nueva sede de Side Gallery en Madrid), en las que se ve la fachada y la escalera interior del edificio. Sobre estas líneas, silla modelo SESC de Lina Bo Bardi, Marcelo Ferraz y Marcelo Suzuki. A la izda., sistema de asientos Malitte, de Roberto Sebastián Matta.

ESTILO TOP GUN

Blancpain amplía su línea deportiva (e inspirada en el mundo de la aviación) Air Command (29.000€) con un nuevo modelo de cronógrafo en titanio de grado 23 –una calidad excepcional raramente utilizada en relojería–, oro rojo y correa azul de cuero. Solo apto para muñecas intrépidas.

TUTÚ

Grassy se inspira en los acordes del violonchelo de Julie Sévilla-Fraysse, de la Ópera Nacional de París, y en los pliegues bicolor de los trajes de las bailarinas para crear su colección más musical hasta la fecha: sortijas, pulseras y pendientes en oro rosa, pavé de brillantes arlequín y piedra de luna.

EL IMPRESCINDIBLE

De inspiración cubista y corte preciso, las piezas que ensamblan el modelo Puzzle mini (1.650€) de Loewe tuvieron un carácter premonitorio. No en vano, el primer bolso diseñado por el irlandés Jonathan Anderson para la casa fue el preludio de una época de éxitos que todavía continúa.

WISHLIST

n a et de uces infnitas, e augurio de un uen por enir, a nosta gia de sonido m s puro o e deseo de dominar e tiempo n octu re nos o emos unam u istas para na egar entre e a er e ho

CULTURA POP

El hábito de escuchar música en casa vuelve a nosotros gracias al comeback de la década: el vinilo. El tocadiscos portátil de maletín Record player pop (70€) de Create, con entrada USB y conexión Bluetooth incorporada, rescata la estética retro con el punto justo de modernidad. ¡Dale al play!

BOMBÓN SOBRE RUEDAS

Atractivo y tentador, el nuevo Megane E-Tech 100% eléctrico (desde 36.000€) de Renault es de los que para el tráfico al pasar. ¿Será por su cuerpo de berlina compacta estilo crossover o por sus detalles cromados en dorado? Sea por lo que sea, es imposible dejar de mirarlo.

La casa PARAGUAS

La Umbrella House de Kazuo Shinohara, todo un referente de la arquitectura tradicional japonesa, estaba condenada a derrumbarse en plena pandemia. ero a frma itra a sa ahora puede isitarse

por PABLO GANDÍA

Exterior de la Umbrella House, inspirada en las construcciones residenciales tradicionales japonesas. El techo, con forma de paraguas, imita el de los templos de Nara, por los que Shinohara se matriculó en la Facultad de Arquitectura de Tokio. Abajo, el interior del techo de paraguas, de cuatro metros de altura. En la otra página, el salón, separado de la sala de tatamis, que está ligeramente elevada, por cinco puertas correderas decoradas con los grabados de la artista Setsu Asakura.

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a historia de Vitra ya ha ratificado en numerosas ocasiones que lo suyo es de otro planeta. Lo hizo por primera vez en 1981, cuando un incendio acabó con su complejo de naves industriales en el pueblo de Weil am Rhein, en la frontera al sur de Alemania: en vez de reemplazar aquel polígono con más edificios de pladur, los hijos del fundador construyeron un campus sin precedentes. A Frank Gehry le propusieron levantar uno de los primeros museos de diseño de Europa, razón por la que Tadao Ando aceptaría después construir un pabellón de congresos justo al lado.

Arriba, la cocina con mesa de comedor incorporada. Abajo, el salón, en el que se pueden ver los muebles originales confeccionados por el arquitecto en colaboración con el diseñador Katsuhiko Shiraishi. Y si lograron aquello, teniendo en cuenta que el arquitecto jamás había trabajado antes fuera de su Japón natal, ahora no sorprende que Vitra haya instalado en el complejo una de las primeras viviendas de Kazuo Shinohara. La que el japonés diseñó en 1961 en Tokio, y que en 2020 iba a ser demolida para dar paso a una carretera. Sí, ¡una carretera! Por suerte, meses antes de que aquello pasara, el equipo del campus desmontó la vivienda cuidadosamente, embaló su estructura de madera –de ciprés y pinos japoneses y de Oregón– y, junto con el resto de componentes, se la llevó a Weil am Rhein. Un año han tardado en levantar de nuevo la estructura tal y como era. Ha hecho falta la colaboración del Tokyo Institute of Technology –donde Shinohara estudió y daba clases– para que su formato transmitiera en Europa la misma idea con la que el arquitecto resolvió esta obra apodada "casa paraguas". En ella se perciben muchas de las cosas por las que el japonés abogaba, como que el comedor estuviera anexo a la cocina o que la circulación fuese bastante corta y sin pasillos. En 55 m2 se condensan la cocina, el salón, un baño y una sala con tatamis; y sobre esta, una zona de media altura a la que se accede mediante una escalera de madera. Una auténtica joya del pasado que comienza una segunda vida y que puede visitarse en el campus de la firma suiza. VITRA.COM

Cuestión de NATURALEZA

tudio ssidiana frma en os a ses a os un museo en e que comparten espacio e land art, e mar as personas, con e que se intenta recuperar un ecosistema perdido

por VALENTINA RAGGI

Arriba, Pabellón del Arte M., ubicado en la ciudad holandesa de Almere. Se divide en tres partes: un puerto, un escenario y un observatorio. Materiales como el terrazo surf and turf pavimentan el museo y la pasarela, que marca los doce segmentos (o meses) del paseo del puerto. A la dcha., Giovanni Bellotti y Alessandra Covini, alma de Studio Ossidiana.

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on menos de medio siglo de vida, la ciudad holandesa de Almere, constituida oficialmente en la década de 1980, se sitúa en Flevoland, la duodécima y última provincia de los Países Bajos. Este territorio, resultado del mayor proyecto de recuperación de tierras del mundo desde los años veinte, es el fruto de la construcción de un dique que transformó el mar interior de Zuiderzee en el lago IJseelmeer, con el objetivo de proteger a las localidades costeras de futuras inundaciones. Una negociación desigual con la naturaleza que destruyó parte de un ecosistema que, afortunadamente, ahora se está intentado recuperar. Entre las iniciativas más recientes para lograrlo está el parque ideado por el estudio de arquitectura MVRDV para Floriade 2022, la exposición mundial de floricultura y horticultura que se celebra cada diez años en distintos puntos del país y que en esta ocasión acoge Almere. En su interior se encuentra el Pabellón de Arte M., un museo de land art y multimedia diseñado por Studio Ossidiana, formado por los italianos afincados en Róterdam Alessandra Covini y Giovanni Bellotti. "La zona de Flevoland alberga la segunda mayor colección de land art después de la de Estados Unidos, con obras de Serra, Morris y Gormley, entre otros. Nuestra idea era unir la vida artística y natural", explican. En un contrapunto lógico, han diseñado una especie de cuna ecológica cuya estructura consta de tres círculos: el primero funciona como puerto, un estanque para eventos que también está abierto a barcos y bañistas. El segundo, una terraza/escenario con vistas a este. Por último, hay un pabellón cilíndrico, un observatorio apoyado en el mar cuyas ventanas están alineadas con los solsticios de verano e invierno. "Aquí el término 'comisariado' encuentra nuevos significados, desde las exposiciones hasta el ecosistema", dicen los diseñadores. Planetario en el interior, calendario marino en el exterior, lugar social y natural, este museo es un espectáculo en

Arriba, el interior del museo, que se caracteriza por una cortina que envuelve todo su perímetro con cortes de diversas formas que permiten que la luz se filtre de diferentes maneras. A la izda., el terrazo Surf and Turf, que incorpora materiales marinos y agrícolas.

Armarios & Vestidores exclusivos

REVIVIR el arte

La galería madrileña José de la Mano rescata la última etapa abstracta del pintor valenciano Manolo Gil y cómo su amistad con e escu tor orge tei a infu en e a

por ÁNGELA G. CAJIGAS Sin título (Estudio de formas), 1957, collage sobre papel impreso. Abajo, Manolo Gil y José Martínez Peres en la cafetería del Ateneo Mercantil de Valencia junto al mural abstracto firmado por el pintor valenciano, hacia 1956.

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erano de 1956. Surge una gran amistad (y a aire creativo) entre el escultor vasco Jorge Oteiza y el pintor Manolo Gil. Es tal la conexión entre ambos que Gil, una de las figuras clave en la escena artística valenciana de mitad del siglo XX, le da un giro de 180 grados a su enfoque y comienza a flirtear con la abstracción. ¿La técnica elegida? El collage basado en la descomposición serial de figuras geométricas. Hasta entonces, su trayectoria había estado marcada por el expresionismo (que él mismo llamó "pintura negra"), el arte figurativo y una ferviente actividad muralista en su ciudad natal. Desafortunadamente, lo que pintaba como un presente y un futuro muy prometedor se vio truncado. Manolo murió de forma repentina en 1957, con solo 32 años. Ahora, la galería José de la Mano (Zorrilla 21, Madrid) revive la última etapa del pintor a través de más de cuarenta trabajos –de las series Estudios de formas y Cartillas de figuras regulares– en la exposición Manolo Gil [1957]... en la estela de Oteiza, hasta el 16 de octubre. "Es uno de los grandes descubrimientos de la historia de nuestra galería", afirma Alberto Manrique, su codirector. El tiempo siempre pone a cada uno

Estudio BRUTAL

El escultor Hermann Rosa levantó una casa-estudio alrededor de 1960 en Múnich, una construcción que hoy es uno de los grandes ejemplos de la arquitectura brutalista.

por ULRICH CLEWING

Arriba, la casa-estudio de Hermann Rosa, que a día de hoy se puede alquilar para eventos y sesiones fotográficas. A la dcha., retrato del escultor.

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ace 60 años, la calle Osterwaldstrasse, en el barrio Schwabing de Múnich, se convirtió en un experimento arquitectónico sin precedentes. Allí, el escultor Hermann Rosa levantó un estudio tan bien pensado y proporcionado que hay pocos que se le asemejen en toda Alemania. Rosa no era arquitecto, pero tampoco le hacía falta. Cantero de profesión, a finales de 1950 construyó por sí mismo dos casas-estudio en Friemann, al norte de la ciudad. Para este proyecto contó con la ayuda de su amigo, el escultor de madera Ludwig Spegel, dos carpinteros, su mujer María y su

La luz era lo más importante para Hermann Rosa, de ahí que la estructura se componga de paredes acristaladas de siete metros de altura y una colosal claraboya en el techo.

hijo Veit, que por aquel entonces tenía 15 años. Todos empezaron a formar parte de un edificio que, según los expertos, se trata de un gran ejemplo de la arquitectura brutalista. "Mi padre decía que había que 'sentir' el material", recuerda Veit Rosa. "Se puede percibir esa sensación en las superficies crudas y sin pulir de sus esculturas de bronce, por eso eligió el hormigón visto para la construcción". Una de sus ventajas es que permite crear espacios que pueden prescindir de soportes que distraigan la atención, como la escalera, que parece flotar en la estructura. "Para él, el concepto de lo corpóreo tenía un gran significado", asegura Veit. Hermann Rosa nació en Sajonia en 1911 y se trasladó a Múnich en 1947. Era amante de las rutinas fijas: todos los días desayunaba a las seis de la mañana y se ponía a trabajar hasta las dos, momento en el que se iba a la biblioteca durante horas. Se veía a sí mismo como un eterno estudiante, de ahí que corrigiese una y otra vez sus esculturas y, si

Arriba, la escalera parece flotar en la estructura. Abajo a la izda., el baño situado en el exterior, que construyó con posterioridad. A la dcha., Hermann Rosa también usaba el estudio para impartir allí clases de escultura.

Zona de trabajo de Hermann Rosa, donde se puede apreciar el hormigón visto hasta en el techo.

“MI PADRE DECÍA QUE HABÍA QUE 'SENTIR' EL MATERIAL, Y LO DEMOSTRÓ ELIGIENDO EL HORMIGÓN VISTO PARA CONSTRUIR ESTA CASA-ESTUDIO".

VEIT ROSA

era necesario, empezaba de cero. En un principio, el alemán quiso construir un simple cubo con una base rotatoria para que el edificio girase según la hora del día y la posición del sol. Se rechazaron los planos por considerarlos demasiado complicados y un tanto inadecuados para una zona residencial, por lo que Hermann optó por un cuadrado con tejados a dos aguas, un tragaluz circular y dos lados acristalados con un tamaño total de 100 m2. "La luz era especialmente importante para él", cuenta Veit. "Le ayudaba en su trabajo porque podía observar cómo influía en sus esculturas a lo largo del día". Rosa comenzó a levantar el estudio en 1960 y lo acabó en 1968. El hecho de que el hormigón cambiara con el paso del tiempo le encantaba. Como con sus esculturas de bronce, la pátina marca la diferencia. ATELIERROSA.DE

Pain au chocolat SUIZO

La primera edición de la feria Paris+ par Art Basel se celebrará del 20 al 23 de octubre y busca en la capital francesa su nuevo epicentro del arte.

por MIRA WIESINGER

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arís, sin duda, es uno de los escenarios artísticos por excelencia en el mundo. Y para reforzar aún más la posición de la metrópoli francesa como epicentro cultural, se celebrará la primera edición de Paris+ par Art Basel del 20 al 23 de octubre. Según Clément Delépine, director del evento, “el objetivo no es hacer una feria diferente, sino algo mucho mejor”. A través de la “precisión suiza” y de una red que la institución ha ido tejiendo alrededor del planeta desde los años setenta, la infraestructura de Art Basel se desplaza a la ciudad de la luz con las exigencias que un evento así requiere. Hace poco menos de un año se nombró a París como cuarta sede de la feria (junto a Basilea, Miami y Hong Kong), y con ello, el codiciado Grand Palais Ephémère como centro principal, antes utilizado por la FIAC. Todos los centros secundarios del que fue el encuentro de arte contemporáneo y moderno más importante de Francia –como el Parque de las Tullerías, la Place Vendôme y el Museo Delacroix– también se han trasladado. Un hecho que ha provocado sentimientos encontrados pero que, a pesar de su orientación global, Paris+ busca la continuidad: además de la feria temporal, se van a establecer puntos regionales (un total de 156 galerías procedentes de 30 países, el 30% de ellas francesas) y se va a mantener el concepto de Art Basel de combinar obras históricas con otras de vanguardia, pintura y escultura con fotografía y arte digital. En medio de esta rica muestra, el Hôtel Marcel Dassault acogerá la exposición de la serie de subastas Generation 21 by Artcurial, que en los últimos años se ha centrado –con bastante éxito– en el siglo XXI con arte urbano y contemporáneo africano.

Arriba, Clément Delépine, director de Paris+ par Art Basel. Debajo, la obra Sunset de Matthew Wong. A la izda., el Grand Palais Éphémère de Jean-Michel Wilmotte en el Campo de Marte. En la otra página, la obra French Cuisine, de Edgar Plans.

por HELENA PIÑEIRO

AGENDA

CUBISMO EN LAS COSTURAS

DESDE EL 11 DE OCTUBRE

A la dcha., obra Mujer frente al mar, realizada por Picasso en 1922. En el medio, fotografía de algunos actores de la obra El tren Azul (1924) de Picasso. Abajo, tres vestidos de Chanel que formarán parte de la muestra y serán colocados sobre maniquíes sostenibles hechos a medida. En la otrapágina, obra Arlequín con espejo, realizada por Picasso en 1923.

PICASSO/CHANEL

Dos de los grandes nombres del siglo XX protagonizan la nueva exposición del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Un homenaje a la relación de respeto y amistad que compartieron ambos creadores.

HASTA EL 15 DE ENERO 2023

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ogar de artistas, el París de los años veinte del siglo pasado –como diría Hemingway– “era una fiesta”. Allí se conocieron Picasso y Chanel en 1917, en plena vorágine cultural de Vanguardias. “Ella fue rompedora en su mundo, igual que lo fue él. Pero además Chanel iba absorbiendo el arte del momento y lo adaptó a su campo”, explica Paula Luengo, comisaria de la exposición. La muestra se divide en cuatro partes que, además de evidenciar las influencias entre ambos –“Los dos utilizaban materiales nuevos, colores monocromos, formas geométricas simples…”, explica–, indaga también en un plano personal. Olga Khokhlova, mujer de Picasso, y Jean Cocteau, escritor, son los nexos indispensables de la exposición. Retratos de Olga vestida de Chanel y un acercamiento a las dos ocasiones en las que los artistas trabajaron juntos gracias a Cocteau –en la obra Antígona y en el ballet El tren azul– estructuran el recorrido. La exposición abrirá las puertas a la vida personal de una pareja de genios que se cruzaron. “Los dos han conseguido convertirse en clásicos dentro de lo modernos que eran, pero sobre todo seguir siendo actuales”, explica la comisaria. Estas muestras consiguen atraer a otros públicos, pero, ¿es la moda arte? “Depende”, responde Paula, “al igual que con el arte no todo vale, con la moda tampoco; por eso elegimos grandes creadores y los relacionamos con grandes artistas”. MUSEOTHYSSEN.ORG