Drawn by Ana Miranda

Edici贸n No. 01 / 2014

Editorial

Sumario Editorial...................................02 La ilustración...........................04 - 05

Gabriela Miranda Editora Revista Drawn

La ilustración es una de las tantas maneras en que el ser humano puede llegar a expresarse de forma sublime y creativamente, en lo personal, este campo ha sido él que me ha abierto puertas, no solo profeisonalmente sino también personalmente. A muy corta edad inicie con el largo trayecto de lo que es la ilustración, cabe destacar que mis primeros dibujos eran trazos simples y un poco deformes -risasin embargo tenía un significado y es así como poco a poco fui puliendo lo que ahora considero mi pasión y trabajo formal. Drawn, es una revista 100% enfocada al mundo de la ilustración, en nuestra primera edición abarcaremos desde un inicio básico el concepto de esta, tendencias del pasado y así mismo exponentes que han dejado huella a lo largo del tiempo.

Ilustración por Gabriela Miranda

El Art Nouveau........................06 - 07 Genndy Tartakovsky...............08 Agustina Guerrero...................09 Wawa Studio...........................10 En la Web................................11

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la ilustración

ARTICULO PRINCIPAL

Las ilustraciones son imágenes asociadas con palabras. Esto significa que podemos producir imágenes que llevan un mensaje, como las pinturas rupestres, y los mosaicos religiosos. Un buen punto de partida son los manuscritos medievales. Un aspecto importante de la ilustración es el uso de diseños bidimensionales, a diferencia de las imágenes pintorescas y espaciales que tratan de captar la tercera dimensión.

e denomina ilustración al dibujo o imagen que adorna o documenta el texto de un libro. Ilustración (v.Latin, lat. illustrare), (de ilustrar) sust. Estampa, grabado o dibujo que adorna ó documenta un libro. Componente gráfico que complementa o realza un texto.

Se trata de un movimiento relativamente moderno. En sus primeros momentos tuvo mucho que ver con la pintura de caballete, con la decoración arquitectónica y con los dibujos realizados para las revistas ilustradas. El uso cotidiano de la ilustración ha sido básicamente el de la publicidad, prestándose a hacer anuncios de cualquier tipo de producto, a decorar la portada de un libro, un cómic, de un juego de ordenador, o a hacer aparecer la imagen descrita en un libro de cuentos. Por supuesto no solo el de la publicidad es el único uso de la ilustración; en los años 80, edad de oro de la ilustración, y aún en nuestros días, muchos artistas optan por hacer suyo este estilo a la hora de crear su obra, como es el caso del maestro Frank Frazetta, Burne Hogarth, Tim White, Berni Wrightson, H. R. Giger, Olivia, Dave McKean, Liberatore, Milo Manara, Esteban Maroto, Boris Vallejo, Julie Bell, Luis Royo, Oscar Chichoni, Alex Ross, John Romita Sr., Vicente Segrelles, y un largo, larguísimo, etcétera. No se trata sino de otra corriente más dentro de la época contemporánea, un movimiento artístico, quizá de menos envergadura y aceptación que muchos otros, pero que sin duda ya está siendo tenido en cuenta por la Historia del Arte, al ser un medio de comunicación visual creado para las masas, como puede ser la fotografía, el cómic, el cartel o el cine. Entendemos por ilustración, en términos generales, cualquier obra dibujada con acuarela, tinta china a plumilla, óleo o aerógrafo (y prácticamente cualquier otra técnica artística), con características parecidas o iguales a las del cartel y el cómic. La influencia del

cartel es clara: los dos están destinados al mundo del producto y del consumo. La ilustración se muestra llamativa hacia el espectador para que compre por ejemplo un cómic o un libro simplemente por la portada. En la ilustración y en el cartel las formas se muestran de un modo maravillosamente exagerado, rozando la fantasía, normalmente la imagen aparece generosamente coloreada, con mucha luz, y que contiene un mensaje icónico preparado para una percepción instantánea del mensaje, un mensaje que debe ser impactante, que llame la atención del espectador. Con una composición ordenada armónicamente para que los distintos elementos del dibujo lleven a una correcta y rápida lectura de la obra. Según Chichoni (ilustrador y dibujante de cómics) “... En un cierto género de pintura se plantea un hecho prevalentemente estético, donde la composición y el uso del color suelen tener una preponderancia sobre la anécdota. En la ilustración, en cambio, existe siempre una carga narrativa más evidente y directa. Por lo tanto creo que una ilustración es una suma de calidad estética, buena técnica y originalidad narrativa”.

Ilustración por Ana Gabriela Miranda Pérez.

Ilustración por Meago Kania.

En efecto, la estética narrativa de la ilustración es la que compara y hace hermanos de fondo a ésta y el cómic. El cómic ejerce una influencia innegable en la ilustración. El tomo completo de un cómic ha de resumirse en la portada. Toda una secuencia de viñetas se puede narrar en una sola imagen ilustrada, y a su vez, se puede decir que cada viñeta es una ilustración, pues recoge un tiempo real transcurrido en una sola imagen. Es por ello que casi todos los ilustradores tratan igualmente el arte del cómic y viceversa: casi todos los dibujantes de cómics crean ilustraciones. En definitiva, la ilustración se trata de un dibujo icónico-gráfico destinado normalmente a la difusión masiva en copias mecánicas idénticas entre sí sobre soporte plano y estático. La ilustración, como ya se ha dicho, es un medio de comunicación visual creado para las masas. La bibliografía que el estudio de este modo de comunicación (la fotografía, el cartel, el cómic, la ilustración, la televisión, etc) ha generado a lo largo del siglo XX es inmensa, incluso mayor que la de algunos géneros artísticos tradicionales, y sin embargo, la Historia del Arte ha permanecido en cierto modo ajena a este fenómeno, y ello a pesar del desarrollo de algunas metodologías que podían haberse manifestado más afines, como la Historia Del Arte Social.

En el ámbito de la Historia del Arte español resultó pionero el ensayo del profesor J. A. Ramírez sobre Medios de masas e Historia del Arte, cuyo prefacio lleva la fecha de 1976, en el que por vez primera se prestaba atención no sólo al estudio de los medios de comunicación de masas sino de modo especial a lo que implicaba su aparición y estudio en el contexto de la Historia de Arte. Ya decía entonces el profesor Ramírez:” Es absurda la oposición arte-medios de masas: lo comparable a la pintura y la escultura del Renacimiento o el Barroco, no es el arte de nuestras galerías, sino las imágenes de los cómics, de los carteles (y por tanto de la ilustración) del cine o la televisión”. La ilustración es un campo fantástico donde puede desarrollarse un arte figurativo de altísima calidad y con un amplio espectro de modalidades. Cada artista puede ejercerlo a su manera; desde el clásico concepto de la ilustración como interpretación visual, generalmente de un escrito, a la libre creación de un universo propio de un terreno tal vez más cercano a la pintura. Información tomada de: http://es.wikipedia.org

TIPOS DE ILUSTRACIÓN: Ilustración científica.

Ilustraciones de libros científicos, en donde se aclara mediante una imagen lo que se explica en el texto de un modo realista. Por ejemplo ilustraciones de anatomía o ingeniería.

Ilustración literaria.

Fue importante para el desarrollo cultural en el siglo XVIII. Tuvo un número importante de lectores de mediana edad y por tanto un gran número de artistas que creaban dichas imágenes. De especial importancia fue el movimiento Arts and Crafts en Inglaterra, a partir de mediados del Siglo XIX. A comienzos de la época moderna comienza a usarse la ilustración para libros infantiles.

Ilustración publicitaria.

En los últimos 50 años la ilustración publicitaria ha resultado ser importantísima. No sólo para la creación de carteles, sino también para envases y productos variados, ya que ofrece al espectador una visualización rápida de la información a explicar.

Ilustración editorial. Mas información de este tema en: Ilustración

Otra área es la ilustración editorial, utilizada en periódicos y revistas de todo tipo, así como páginas web.

l Art Nouveau fue un estilo decorativo internacional que prosperó durante las dos décadas (18901910) que envolvieron el final del siglo. Comprende todas las artes del diseño, arquitectura, diseño de mobiliario y productos, moda y gráficas, y, por consiguiente, abarcó todos los aspectos del entorno hechos por el hombre: carteles, empaques y anuncios; teteras, platos y cucharas; sillas, marcos de puertas y escaleras; fábricas, entradas del subterráneo y casas.

Art Nouveau

La arquitectura moderna,

el diseño gráfico e industrial,

el surrealismo y el arte abstracto tienen sus raíces en la teoría y conceptos fundamentales del Art Nouveau

La calidad visual que identifica al Art Nouveau es una línea orgánica en forma de planta. Liberada de raíces y gravedad, puede ondular con energía cambiante o fluir con gracia elegante a medida que define, modula y decora un cierto espacio. Las ramas de las enredaderas, las flores (como las rosas y lirios), las aves (particularmente pavos reales) y la forma de la mujer fueron motivos frecuentes desde los cuales fue adaptada esta línea fluida. Degradar al Art Nouveau como una decoración superficial es ignorar la importancia de su papel en la evolución de todos los aspectos del diseño. El Art Nouveau es el estilo transicional que evolucionó a partir del historicismo que dominó al diseño la mayor parte del siglo XIX. Al remplazar al historicismo, que usaban de manera casi servil las formas y estilos pasados en vez de la invención de formas nuevas para expresar el presente, con innovación, el Art Nouveau se convirtió en la fase inicial del movimiento moderno, y preparó el camino para el siglo XX borrando del diseño este espíritu del pasado. Ideas, procesos y formas en el arte del siglo XX son testimonio de esta importancia catalítica. La arquitectura moderna, el diseño gráfico e industrial, el surrealismo y el arte abstracto tienen sus raíces en la teoría y conceptos fundamentales del Art Nouveau. En las gráficas del Art Nouveau, los movimientos lineales orgánicos, frecuentemente dominan el área espacial y otras propiedades visuales, como el color y la textura. En los inicios del diseño tridimensional con frecuencia los ornamentos fueron sólo elementos decorativos aplicados a la superficie de un edificio u objeto, pero en el Art Nouveau los objetos, las formas básicas y contornos fueron formados por, y evolucionaron con, el diseño de los ornamentos. Éste fue un nuevo principio de diseño que unificó a la decoración, estructura y función proyectada. Como las formas y líneas del Art Nouveau a menudo fueron inventadas en vez de copiadas de la naturaleza o del pasado, ocurrió una revitalización en el proceso de diseño que apuntó hacia el arte abstracto.

APRENDIENDO MÁS... 06

Tal vez el genio seminal del movimiento fue el arquitecto belga barón Victor Horta (1861-1947). Su casa de campo para Emile Tassel de 1892 fue unificada por las redes curvilíneas zarcillosas diferentes de cualquier cosa vista hasta ese entonces en Inglaterra o en el continente europeo. “ Durante este periodo hubo una estrecha colaboración entre los artistas visuales y los escritores. El movimiento francés

simbolista en la literatura de las décadas de 1880 y 1890, con su rechazo del realismo a favor de lo metafísico y sensual, fue una influencia importante y condujo a los artistas hacia actitudes simbólicas y filosóficas. En una era de escepticismo con un racionalismo científico en aumento y creencias religiosas tradicionales y normas sociales bajo asalto, el arte era visto como un vehículo potencial para un muy necesario rejuvenecimiento. El nacimiento, vida y muerte; crecimiento y decaimiento se convirtieron en temas a considerar. La complejidad de esta época y su movimiento han permitido interpretaciones contradictorias: debido a su decoración algunos observadores consideran al Art Nouveau como una expresión de la decadencia del siglo XIX; otros, sin embargo, debido a la búsqueda del Art Nouveau de valores estéticos y espirituales, lo consideran como una reacción contra la decadencia y materialismo de la época. Los diseñadores gráficos e ilustradores del Art Nouveau intentaron hacer del arte una parte de la vida cotidiana. Sus estudios en las finas artes los habían educado en las formas del arte y métodos desarrollados principalmente por consideraciones estéticas. Al mismo tiempo adoptaron entusiastamente las técnicas del arte aplicado que habían evolucionado con el desarrollo de los procesos de impresión comercial. Como resultado, pudieron mejorar en forma significativa la calidad visual de las comunicaciones en masa. El carácter internacional del Art Nouveau fue acelerado por los avances en la tecnología de transportación y comunicaciones. El contacto entre los artistas y varias naciones por medio de la comunicación impresa y exposiciones internacionales, permitieron que ocurriera una fertilización cruzada. La mayoría de las publicaciones de arte de la década de 1890 sirvieron para este propósito, al tiempo que se introducía el nuevo arte y diseño a un público mayor. Información tomada de: http://sites.google.com/site/historiadeldisenografico1/elsiglo-xix/estilos-del-siglo-xix/artnouveau

Alfons Mucha, mayor exponente del Art Nouveau.

Mas información de este tema en: Art Nouveau

ILUSTRADORES DE HOY

Genndy Tartakovsky

El director Genndy Tartakovsky nació el 17 de enero de 1970 en la ciudad de Moscú (Rusia). De familia judía, su padre, Boris, trabajaba como dentista para funcionarios del gobierno y un equipo de hockey ruso. Su madre, Miriam, era asistente del director de una escuela. Genndy tiene un hermano dos años mayor, que en la actualidad es consultor informático en Chicago.

ntes de emigrar a los Estados Unidos, su familia se mudó a Italia, donde residieron junto a una familia alemana. Allí, Tartakovsky se interesó por primera vez al arte, inspirado por la hija de un vecino.

La familia se mudó luego a los Estados Unidos cuando él tenía 7 años de edad, ya que su padre quería una mejor vida para sus hijos. Alli se incorporó al tercer grado de la escuela Eugene Field Chicago. Su padre murió cua n en el prestigioso California Institute of the Arts (CalArts). Mientras estaba en CalArts, Tartakovsky dirigió y animó dos cortometrajes, uno de los cuales sirvió como base para la idea de su serie “Dexter’s Laboratory”. El personaje de Dee Dee fue inspirado por su hermano mayor, Alex, que a m enudo estropeaba los planes de su hermano menor Genndy (como Dee Dee hace con Dexter). Genndy sólo asistió a Cal Arts durante dos años, debido a sus elevados costos. Después, encontró trabajo en Madrid, España, trabajando en la producción de la serie animada “Batman”. Cuando su empleador se declaró en quiebra, Tartakovsky regresó a California, donde consiguió un trabajo en HannaBarbera Studios, en el momento en que la compañía estaba estudiando la posibilidad de fundar Cartoon Network.

Unos 50 animadores fueron invitados a mostrar sus trabajos con un piloto de siete minutos. Tartakovsky mostró algunas de sus piezas al ejecutivo Mike Lazzo. Entre ellas estaban los personajes creados cuando estaba en CalArts. Lazzo quedó inmediatamente impactado y, en 1995, “Dexter’s Laboratory” debutó en Cartoon Network, convirtiéndose en una pieza central del canal. El show se emitió hasta el 2003 y ganó varias nominaciones al Emmy. Tartakovsky, de hecho, ha sido nominado a los Emmy en ocho ocasiones, aunque nunca ha ganado. En 2001 se estrenó “Samurai Jack”, otra creación de Genndy, que se convirtió inmediatamente en un éxito. Con los años, el director ha tenido varios otros éxitos y se desempeñó como productor y director de algunas de las series de mayor audiencia de la cadena, como fue el caso de “Powerpuff Girls”. Una oportunidad única en su vida fue producir para George Lucas una serie de cortos de dibujos animados sobre la saga Star Wars, emitidos por la cadena entre 2003 y 2004. “Clone Wars” estaba destinada a cubrir parte de la historia entre el Episodio II y el Episodio III de la saga. A continuación se le encargó escribir, producir y dirigir las cinco episodios de 12 minutos que continuarían la historia comenzada en los microepisodios. Su última creación es la serie animada “Sym-Bionic Titan”, emitida por Cartoon Network entre 2010 y 2011. También recientemente se ha estrenado su largometraje animado “Hotel Transilvania” (2012) y actualmente se encuentra trabajando en los proyectos cinematográficos de las populares historias de “Popeye” y “Samurai Jack”. En su vida personal, él y su esposa Dawn David, contrajeron matrimonio en octubre del año 2000.

Mas información:

Información tomada de: http://www.biografias.es/famosos/genndy-tartakovsky.html

Ahora mismo se encuentra dibujando. Agustina es así, una mujer que expresa todos sus sentimientos y se desarrolla a través del lápiz y el papel. “Dibujo en la calle, dibujo en el trabajo, dibujo en el baño, dibujo comiendo, dibujo durmiendo. ¡Dibujo porque lo disfruto!” -dice en su blog. Admite que no siempre fue muy buena para dibujar, pero asegura que es una mujer dedicada y constante, y por eso le sale lindo lo que hace. Agustina Guerrero es la ilustradora que está detrás del “Diario de una volátil”, blog que relata de manera acertada, espontánea, y divertida, la cotidianidad de una mujer. Agustina es quien se piensa a la volátil, pero es esta última realmente, la que le da vida a Agustina en el papel y en la pantalla. Nació en Argentina, en una pequeña ciudad llamada Chacabuco, y hace 11 años reside en España. Cuando quiso cruzar el océano todavía era muy joven, y la vida le fue añadiendo años hasta llegar con 30 bien puestos y distribuidos a Barcelona, ciudad que la tiene enamorada. Comenzó sus estudios de Diseño Gráfico en la Universidad de Buenos Aires, pero atrás quedaron los parques bonaerense, el mate, el Puerto y Caminito, para vivir con Jandro, su novio y coprotagonista de sus viñetas.

Agustina Guerrero Esta devota de la causalidad, extrovertida, aunque confiesa ser muy tímida, soñadora, ingenua y romántica empedernida, nació en Chacabuco, una pequeña ciudad de la provincia de Buenos Aires y es la creadora de la viñeta “Diario de una volátil” que con tan sólo seis meses de existencia, ya cuenta con más de 40.000 seguidores en Facebook.

Agustina es romántica y tranquila. Quedo con la impresión de haber charlado con una mujer que cree, al igual que yo, en la libertad del espíritu, por eso me asegura que no sabe cuánto tiempo más estará en Barcelona pues cree que la vida la irá llevando por los mejores caminos y tiene una muy buena relación con el presente.

ace diez años que reside en España y cuatro en Barcelona pero siempre recuerda como, inicialmente, la elección de vivir aquí se presentaba como momentánea y pasajera, ahora, siente haber echado raíces sin habérselo propuesto.

A los 17 años inició la carrera de Diseño Gráfico en la Universidad de Buenos Aires y considera que haberse tenido que instalar sola, en la gran ciudad, para estudiar, es uno de los hitos de su vida. “…Ha sido uno de los grandes pasos de mi existencia, compartía piso con una amiga… Ha sido realmente la etapa en la que comencé a conocerme y a formarme como Agustina…”. Después surgió la posibilidad de venir a España porque era donde vivía su padre y aunque no había terminado de estudiar, decidió, de todos modos, cruzar el océano. “Voy a probar un año, ¿a ver qué pasa?” se dijo y ya han pasado diez… Finalmente concluyó sus estudios en Barcelona, los años fueron pasando y nunca sintió verdaderas ganas de volver. Estuvo cuatro años sin ir de visita a Argentina, ahora, aunque intenta ir todos los años, siente que no es de allí pero tampoco de aquí.

Conoce mas de su trabajo en: facebook/diariodeunavolatil Información tomada de: http://www.thesoulreport.com/agustinaguerrero.html

Gabriela Miranda Ilustradora Oficial

ací un 30 de junio de 1992 en la ciudad capital de Guatemala, desde pequeña tuve la oportunidad de tener el apoyo de mis padres, en hacer lo que más me gustaba, dibujar. Por alguna extraña razón lo único que podía dibujar en ese entonces eran “Sirenas” y “Princesas”, supongo que tuve una infancia muy rosa.

Mi mamá por su parte siempre me animaba a seguir dibujando, comprándome crayones, papeles, libros de colorear, etc. Por otro lado mi papá era mi punto “crítico” ya que él me corregía y opinaba sobre el dibujo que le hiciera, todo con el fin de mejorar en mis trazos. Algo que debo agradecerles es que nunca estuve presionada a “Aprender” una técnica a la fuerza o a asistir a un curso porque sí, realmente los videojuegos, mis series de caricaturas y cuentos infantiles, fueron los que me inspiraron a seguir mis sueños de ser en un futuro caricaturista o animadora.

¿Qué significa Wawa Studio?

Conoce mas:

FB/wawa.studio

Wawa realmente significa lo que tú quieres que signifique, ya sea que te den risas los dibujitos que hago o que te sorprendan las caritas gorditas que caracterizan el estilo de dibujo, Wawa es todo lo que uno quiera que sea. “Personalizable” en otras palabras, el fin de todo esto es que los clientes puedan identificarse con la marca con el sentimiento que tuvieron la primera vez en adquirir o conocer el proyecto. Mi objetivo, es el crear un ambiente y un lugar amigable, no solo para unos cuantos, sino para cada uno de nosotros, un lugar en donde un padre de familia pueda entrar con sus hijos y comprar productos alegres y divertidos. Una tienda y un lugar donde todos puedan aportar un granito de arena, en donde puedan expresar su arte y demás. Así mismo una de las metas a largo plazo de Wawa Studio es el poder implementar nuevos artistas dentro del estudio, para poder dar a conocer el arte cómico, lindo, amigable que muchos guatemaltecos poseen en sus venas. Y por último pero no menos importante, es poder llevar este proyecto al nivel de poder crear una academia de arte y creatividad a nivel nacional, en donde cada uno de nosotros pueda estar orgulloso de ir a aprender, conocer y así mismo aportar los talentos que cada uno poseemos.

EN LA WEB

Meago Kania / Polonia Ilustraci贸n & Comics - DEVIANTART/Meago - FACEBOOK/Meagolicious

Rosina Marisin / M茅xico Ilustraci贸n & Comics - WEBSITE/Ross.mx - FACEBOOK/RossMarisinMX

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