CARLOS SALAZAR.
Historia de la Arquitecturra III.
WILLIANNY ALFONZO.
CHRISTY ANDREW.
El Modernismo y sus orígenes.
Kenzō Tange. Frank Lloyd Wright. Le Corbusier. Ludwing Mies van der Rohe. Alvar Aalto.
CHRISTY ANDREW
C.I: 22653195
OCTUBRE
2015
Kenzō Tange
Los proyectos de Tange reflejan su convicción de que la arquitectura debe tener algo que llega al corazón de las personas. Aun así, las formas, los espacios y el aspecto deben responder a una lógica.
“Los arquitectos de hoy tienden a depreciarse a sí mismos, a considerarse como no más que los ciudadanos comunes sin el poder de reformar el futuro.” - Kenzō Tange
Biografía Nació en Sakai el 4 de septiembre de 1913, pero pasó la mayor parte de su infancia en la ciudad natal de su padre, Imabari, en la Prefectura de Ehime de Japón. De adolescente no había pensado en ser arquitecto, pero tuvo ocasión de conocer la obra de Le Corbusier, que le impresionó y le llevó a la determinación de ser arquitecto. Estudió en la facultad de arquitectura de la Universidad de Tokio, donde llegó a ser profesor en 1946. Su tesis doctoral versó sobre la estructuración de los espacios en las grandes ciudades, considerando los desplazamientos que se producen entre los lugares de trabajo y los de residencia. En 1946 se convirtió en profesor adjunto en esta misma universidad y organizó el llamado Laboratorio Tange, donde él y sus alumnos diseñaban proyectos.
Universidad de Tokio
Entre sus estudiantes se encontraban arquitectos que más tarde también serían famosos, como Arata Isozaki. En esta época se le encargó a Tange dirigir la reconstrucción de Hiroshima.
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Diseñó el Parque y el Centro de la Paz, que constituyen símbolos de la aspiración humana por la paz. El Centro de la Paz (1949) tiene gran influencia modernista. Su construcción, efectuada en hormigón armado expuesto, y su porte monumental, apoyado sobre pilares, evocan los principios planteados por Le Corbusier. A sus costados se ubican dos edificios más pequeños, correspondientes a la Biblioteca y el centro de conferencias.
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"La arquitectura debe tener algo que apela al corazón humano, pero aun así, las formas, los espacios básicos y aspectos deben ser lógicos.” - Kenzō Tange
Durante la década de 1950 proyectó edificios públicos, palacios de congresos, bibliotecas y ayuntamientos. Su estilo se consolidó en 1958 con las oficinas para la Prefectura de Kagawa en Takamatsu, un edificio de nueve plantas en el que dejó a la vista el sistema de vigas y pilares de hormigón pretensado.
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El Plan de 1960 para Tokyo llamó poderosamente la atención de la comunidad de arquitectos en todo el mundo por su concepto innovador que dirige el crecimiento de la ciudad hacía la bahía, utilizando puentes, islas artificiales y aparcamientos flotantes. Para los Juegos Olímpicos de Tokio de 1964 construyó dos pequeños estadios, caracterizados por la disposición de cubiertas suspendidas.
Su catedral católica en la capital nipona (1965) se centra en una aguja helicoidal de hormigón y vidrio, flanqueada por cuatro cubiertas parabólicas de acero inoxidable.
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Para diseñar la nueva catedral de Tokio, Tange visitó numerosas catedrales medievales y góticas en Europa. Al ver su grandiosidad apuntando hacia el cielo y sus espacios místicos, dice el propio Tange, se imaginó la nueva catedral con grandes espacios diseñados según el estilo moderno.
En 1967, cuando su prestigio ya había trascendido las fronteras de Japón, Tange recibió el encargo de diseñar en Italia el recinto de la feria de Bolonia y una nueva ciudad con capacidad para 60.000 habitantes en Sicilia. Aunque realizó obras en diversos lugares del mundo, la mayor parte se encuentran en su Japón natal, sobre todo en Tokio. Tange fue profesor invitado en el Instituto de Tecnología de Massachusetts (Boston, Estados Unidos), e impartió seminarios en las universidades de Yale, Princeton, Berkeley y Washington, entre otras, así como en el Instituto de Tecnología de Illinois.
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"(...) Me siento muy afortunado de haber atestiguado la transformación de Japón desde la devastación de la guerra hasta su crecimiento actual. Como arquitecto, no deseo repetir lo que ya he hecho. Creo que cada proyecto es un puente para el próximo, por lo que es muy importante rescatar el pasado para cambiar el futuro (...)“ - Kenzō Tange
Fue el responsable de la planificación general de la Exposición Universal de 1970 celebrada en Osaka, y a partir de este encargo dio un giro a sus planteamientos estilísticos, evolucionando hacia una arquitectura más orgánica.
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Entre sus proyectos más visionarios destaca el plan de ampliación de Tokio, basado en la ocupación de su bahía, aunque el más monumental sea el de las torres gemelas para las oficinas del Gobierno Metropolitano de la ciudad (1991).
Estos edificios de Kenzō Tange, no solo parecen decorados pertenecientes a novelas futuristas, sino que también son algunas de las megas estructuras más originales del mundo. Tange es uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX. Su obra combina elementos tradicionales japoneses con soluciones arquitectónicas modernas. Kenzo Tange falleció el 22 de marzo de 2005 en su domicilio de Tokio a los 91 años.
Galardones
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• Medalla de Oro del RIBA en 1965 (Royal Gold Medal) de arquitectura es otorgada anualmente por el Real Instituto de Arquitectos Británicos (Royal Institute of British Architects, RIBA) en representación del monarca británico, en reconocimiento de una contribución sustancial (individual o colectiva) a la arquitectura internacional.
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Medalla de Oro del AIA en 1966. Es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA) otorgado "por el Comité nacional de Directores del AIA en reconocimiento de un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura".
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Medalla Thomas Jefferson en 1970. Las Medallas Thomas Jefferson se entregan desde el año 1966 a aquellos personajes que contribuyen desde sus actividades profesionales al bien común, dentro de tres categorías, Leyes, Liderazgo y Arquitectura.
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El Premio Pritzker 1987. En la arquitectura es el reconocimiento concedido anualmente y patrocinado por la fundación norteamericana Hyatt. Es hasta hoy en día el premio de mayor prestigio y más peso de los galardones otorgados a los arquitectos. •
• Praemium Imperiale 1993. Es un premio internacional de arte otorgado desde 1989 por la familia imperial japonesa en nombre de la Asociación de Arte de Japón en los campos de la pintura, la escultura, la arquitectura, la música, y el teatro/cine.
Obras Representativas •
Museo Memorial de la Paz de Hiroshima.
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Fuji Television building en Odaiba.
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Sede principal de Olivetti en Japón (Tokio, Japón)
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Conjunto del nuevo Ayuntamiento (Tokio)
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Centro cultural (Nichinan, Japón)
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Expansión de Tokio, Plan de 1960 (Tokio, Japón)
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Escuela Tohin (Tokio, Japón)
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Museo de Arte (Yokohama, Japón)
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Sede central de la Universidad de las Naciones Unidas (Tokio, Japón)
Centro de radiodifusión y prensa (Kofu, Japón) •
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Catedral de Santa María (Tokio, Japón)
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Torre del Overseas Union Bank (Singapur)
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Estadio Olímpico (Tokio, Japón)
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Viviendas pareadas (Ichinomiya, Japón)
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Torre de GB (Singapur)
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Ayuntamiento (Kurashiki, Japón)
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Centro de telecomunicaciones (Singapur)
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Centro de Arte Sogetsu (Tokio, Japón)
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Instituto Tecnológico Nanyang (Singapur)
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Hotel Akasaka Prince (Tokio, Japón) Museo de Historia Prefectural de Hyogo (Kobe, Japón)
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Ampliación del Museo de Arte (Minneápolis, Estados Unidos)
Conjunto monumental por la Paz (Hiroshima, Japón)
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Recinto de la Feria (Bologna, Italia)
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Nueva ciudad en Catania (Sicilia, Italia)
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Embajada de Japón en México (Ciudad de México, México)
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Embajada de Japón en España (Madrid, España)
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“Consideraciones tecnológicas son de gran importancia para la arquitectura y la ciudad en la sociedad de la información.” - Kenzō Tange
BibliografĂa
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https://es.wikipedia.org/wiki/Kenz%C5%8D_Tange
http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/9242/Kenzo http://www.frasesgo.com/autores/frases-de-kenzo_tange.html https://es.wikipedia.org/wiki/Medalla_de_Oro_del_AIA
https://en.wikipedia.org/wiki/Thomas_Jefferson_Medal_in_Architec https://es.wikipedia.org/wiki/Premio_Pritzker https://es.wikipedia.org/wiki/Praemium_Imperiale https://en.wikipedia.org/wiki/University_of_Tokyo http://proyectoflm.blogspot.com/
http://www.dezeen.com/2013/09/04/google-japan-pays-tribute-to-
CHRISTY ANDREW
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OCTUBRE
2015
Frank Lloyd Wright
“Si la cosa sigue así, al hombre se le atrofiarán todos los miembros salvo el dedo de apretar botones.” - Frank Lloyd Wright
Biografía
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Nació el 8 de junio de 1867 en Richland Center (Wisconsin). En el seno de una familia de pastores de origen británico, pasó su infancia y su adolescencia en una granja de Wisconsin, donde vivió en estrecho contacto con la naturaleza, algo que condicionó su posterior concepción de la arquitectura. Ingresó en la Universidad de Wisconsin en 1887 para estudiar ingeniería, pero tras dos cursos, se trasladó a Chicago, donde entró en el estudio de Ll. Silsbee; como éste era un arquitecto demasiado convencional, no se sintió a gusto y lo abandonó para trabajar como dibujante en el estudio de Adler and Sullivan. Uno de los socios de esta compañía, L. H. Sullivan, con quien colaboró estrechamente a lo largo de seis años y ejerció una importante influencia en las obras de Wright , siempre lo recordó con respeto y afecto.
L. H. Sullivan
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“La forma sigue a la función – esto ha sido mal interpretado. Forma y función deben ser uno, unidos en una unión espiritual.” - Frank Lloyd Wright
Su primera obra en solitario fue la Charnley House de Chicago (1892), a la cual siguió, algo más tarde, toda una serie de viviendas unifamiliares que tienen en común su carácter compacto y la austeridad decorativa, en oposición al eclecticismo de la época.
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En estas primeras realizaciones de arquitectura doméstica, conocidas como prairies houses o «casas de las praderas», están presentes algunas de las constantes de su obra, como la concepción predominantemente horizontal, el espacio interior organizado a base de dos ejes que se cruzan y la prolongación del techo en alas que forman pórticos. En 1893 abrió su propio estudio de arquitectura en Chicago. Wright acuñó el término de arquitectura orgánica, cuya idea central consiste en que la construcción debe derivarse directamente del entorno natural. Desde los inicios de su carrera rechazó los estilos neoclasicistas y victorianos que imperaban a finales del siglo XIX. Siempre se opuso a la imposición de cualquier estilo, convencido como estaba de que la forma de cada edificio debe estar vinculada a su función, el entorno y los materiales empleados en su construcción. Este último siempre fue uno de los aspectos donde demostró mayor maestría, combinando con inteligencia todos los materiales de acuerdo con sus posibilidades estructurales y estéticas.
Otra de sus aportaciones fundamentales a la arquitectura moderna fue el dominio de la planta libre, con la que obtuvo impresionantes espacios que fluyen de una estancia a otra. Este concepto es evidente entre la Martin House en Buffalo (Nueva York, 1904), la Coonley House en Riverside (Illinois, 1908) y la Robie House en Chicago (1909). Martin House
Coonley House
Robie House
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Wright abandonó a su familia en 1909 y viajó a Europa. El año siguiente presentó sus trabajos en una exposición de arquitectura y diseño en Berlín, donde obtuvo un gran reconocimiento. Una publicación que se editó sobre sus obras influyó a las nuevas generaciones de arquitectos europeos. En 1910 se autoexilió en Europa, acosado por problemas personales y enemistades profesionales. De regreso a los Estados Unidos diseñó su propia vivienda, Taliesin, que en el transcurso de los años se quemó en tres ocasiones, y que Wright reconstruyó siempre de nuevo.
Los años comprendidos entre 1900 y 1910 abarcan la denominada etapa clásica, durante la que escribe varios libros y dicta algunas conferencias. Wright fue el pionero en la utilización de nuevas técnicas constructivas, como los bloques de hormigón armado prefabricados y las innovaciones en el campo del aire acondicionado, la iluminación indirecta y los paneles de calefacción. El Larkin Building en Buffalo (Nueva York), proyectado en 1904, fue el primer edificio de oficinas en disponer de aire acondicionado, ventanas dobles, puertas vidrieras y muebles metálicos.
“interpretar nuestra vida, puesto que los edificios se hacen para ser vividos y para ser vividos con felicidad; se construyen para contribuir a esta alegrĂa de vivirâ€?. - Frank Lloyd Wright
La fábrica Larkin, de carácter monumental, estructura rectangular y fachada de ladrillo. Para este edificio diseña también el mobiliario, adecuándolo a su función laboral. La pérdida de su familia lo afectó de tal modo que decidió abandonar Estados Unidos y trasladarse a Japón, donde edificó, al estilo de los castillos tradicionales, el Hotel Imperial de Tokio. Durante los años 1915 a 1922 Wright trabajó junto a Antonin Raymond en el proyecto del Hotel, para el cual desarrolló un nuevo método de construcción resistente a los terremotos, que consistía en una estructura de voladizos apoyada en unos cimientos de soportes basculantes hidráulicos. El edificio se concluyó en 1922 cuya eficacia se vio comprobada tras permanecer intacto después del terremoto que devastó la ciudad en 1923. Aunque no sufrió ningún daño en el terrible terremoto, este hotel fue demolido en los años 60.
Poco a poco fue obteniendo el merecido reconocimiento internacional, aunque los encargos más importantes tardaron en llegar. Siguió una época de reflexión y de planteamientos más teóricos que prácticos, antes de volver a la actividad con obras en las que desempeña un papel fundamental el hormigón armado. Entre ellas ocupa un lugar destacado su creación más famosa, la Casa Kaufmann o Casa de la Cascada de Pennsylvania en el año 1937, que se adapta a la perfección al escalonamiento del terreno y prolonga hacia el exterior el espacio interior en una búsqueda de integración entre arquitectura y naturaleza.
A raíz de esta construcción, Bruno Zevi definió el concepto de arquitectura orgánica u organicismo, corriente de la que Wright es considerado el máximo exponente, pese a que no la formuló teóricamente.
Su carrera de precursor de la arquitectura moderna, que se prolongó a lo largo de más de sesenta años. En 1959 concluyó el edificio helicoidal para el Museo Solomon Guggenheim en Nueva York, donde el arquitecto experimentó una nueva concepción del espacio, basada en el desarrollo orgánico de plantas curvas o circulares en un continuum.
Entre sus aportaciones también destacan sus numerosos escritos, entre los que se incluyen: •
An Autobiography (Autobiografía, 1932, revisada en 1943)
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An Organic Architecture (Arquitectura orgánica, 1939)
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Natural House (Casa natural, 1954).
También escribió otros libros y numerosos artículos, algunos de los cuales se han convertido en clásicos de la arquitectura de nuestro tiempo. Wright además estudió con gran atención la arquitectura maya y aplicó un estilo reminiscente maya a muchas de sus viviendas, conocido como Revival Maya.
En los últimos años de su vida realizó sobre todo proyectos, algunos de los cuales se convirtieron en realidades concretas después de su muerte. Wright murió el 9 de abril de 1959 en Phoenix (Arizona) El legado arquitectónico de Wright puede resumirse en dos conceptos que constituyen el centro de su reflexión: la continuidad exterior del espacio interior dentro de la armonía entre naturaleza y arquitectura y la creación de un espacio expresivo en el interior de un volumen abstracto.
La influencia internacional de Frank Lloyd Wright fue grande, y en Estados Unidos su concepción de la arquitectura orgánica es seguida por muchos arquitectos que la opusieron a la concepción racionalista. La versión europea de esta última concepción entró en Estados Unidos a través de Walter Gropius y Mies van der Rohe, que llegaron allí en 1937, emigrados de Alemania, para hacerse cargo, respectivamente, de la dirección de la Facultad de Arquitectura de Harvard y del Instituto Armour de Chicago.
Galardones • Medalla de Oro del RIBA en 1941 (Royal Gold Medal) de arquitectura es otorgada anualmente por el Real Instituto de Arquitectos Británicos (Royal Institute of British Architects, RIBA) en representación del monarca británico, en reconocimiento de una contribución sustancial (individual o colectiva) a la arquitectura internacional.
•
Medalla de Oro del AIA en 1949. Es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA) otorgado "por el Comité nacional de Directores del AIA en reconocimiento de un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura".
Obras Representativas • 1893-1894. Casa William H. Winslow, (River Forest, Illinois) • •
Casa para Isabel Roberts (River Forest, Illinois) 1900. Casa en Prairie Town, para la revista Ladie's Home Journal (proyecto).
• 1901-1902. Casa William G. Fricke (Oak Park, Illinois). • Casa Darwin D. Martin (Búfalo, Nueva York) • 1902-1903. Casa Ward W. Willitts (Highland Park, Illinois). • Casa Northome de Francis W. Little (Nueva York) • Edificio de la Prensa (San Francisco) • 1903-1905. Edificio Larkin (Búfalo, Nueva York). • 1905-1907. Templo Unitario (Oak Park, Illinois). • 1907-1908. Casa Avery Coonley (Riverside, Illinois). • 1908-1909. Casa Frederick C. Robie (Chicago, Illinois). • 1909. Casa de Mr. Thomas Gale (Oak Park, Illinois). • 1912-1913. Casa de juegos A. Coonley (Riverside, Illinois). • 1911-1959. Taliesin (Spring Green, Wisconsin). Casa, finca y estudio de Wright.
• 1912-1914. Casa Francis W. Little. ``Northome´´ (Minnesota). •
Centro Cívico Marin (San Rafael, California)
• Casa de Frank J. Baker (Witmeth, Illinois) • Casa de Robert Evans (Longwood, Virginia) •
Centro Educacional Corbin (Wichita, Kansas)
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1923. Hotel Imperial de Tokio (Tokio, Japón)
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1935. Casa de la Cascada (Fallingwater) (Ohiopile, Pensilvania)
• 1936-38. Edificio Administrativo Compañía Johnson & Son (Racine, Wisconsin) • 1936-37. Casa Jacobs •
1937. Taliesin West (Frank Lloyd Wright Foundation) (Scottsdale, Arizona)
• 1945. Casa Sundt • 1947. Casa Jacobs • 1959. Museo Guggenheim, (Nueva York) • Auditorio Grady Gammage (Tempe, Arizona) • Teatro Kalita Humphreys (Dallas, Texas) • Casa Walker (Carmel, California) • Edificio Sede Principal de Johnson Wax (Racine, Wisconsin) • Hotel Imperial (Tokio, Japón) •
Edificio de National Insurance (Chicago)
Bibliografía http://www.escolar.com/lecturas/bellas-artes/artemoderno-americano/frank-lloyd-wright.html http://www.frasesypensamientos.com.ar/autor/frank-lloydwright.html http://www.frasesypensamientos.com.ar/autor/frank-lloydwright.html https://es.wikipedia.org/wiki/Frank_Lloyd_Wright http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=177 http://www.biografiasyvidas.com/biografia/w/wright.htm http://www.plataformaarquitectura.cl/cl/tag/frank-lloydwright
“La Arquitectura es el juego sabio, correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz”
BIOGRAFIA INFLUENCIA DE SUS DISEÑOS EN LA ARQUITECTURA MODERNA OBRAS IMPORTANTES GALARDONES
Padre del racionalismo, uno de los más influyentes arquitectos de la historia, presenta un gran legado, base de muchas construcciones actuales, con criterios ligados a su obra.
LE CORBUSIER • • • •
AUTOR: CARLOS SALAZAR C.I:24.876.095
LE CORBUSIER Figura importante de la arquitectura. Personaje de trazos multidimensionales. Arquitecto y urbanista suizo creador de un estilo muy propio. Sus diseños y planos, construcciones, edificios, monumentos y obras son reconocidos en el mundo entero. Su nombre: Charles Edouard Jeanneret, mejor conocido como Le Corbusier. ¿Quién fue Le Corbusier? Le Corbusier ha sido uno de los arquitectos que más influencia ha tenido en la arquitectura moderna. Sus obras se conocen por doquier: desde Europa hasta América, desde Francia y España hasta Finlandia, desde Suiza e Italia hasta Hungría y Budapest, su capital; desde Portugal a Pakistán; desde México a Canadá, y desde Belice y Guatemala hasta Brasil. Le Corbusier es el seudónimo de Charles Edouard Jeanneret, quien naciera en un pueblecito suizo, Le Chaux-de-Fonds, cerca de Neuchâtel, en 1887. Un niño inquieto, nervioso, rebelde, aquél que sería el futuro arquitecto de innumerables obras de trazo moderno, atrevido y fuera de lo común.
LE CORBUSIER Le Corbusier [6 de octubre de 1887 - 27 de agosto de 1965], nació en la localidad de La Chaux-de-Fonds, en la Suiza francófona con el nombre de Charles Edouard Jeanneret-Gris. A los 29 años se trasladó a París donde adoptó el seudónimo -Le Corbusier-, variación humorística [ya que evoca a la palabra cuervo] del apellido de su abuelo materno: Lecorbésier. Su padre se dedicaba a lacar cajas de relojes para la industria relojera de su ciudad natal, y su madre fue pianista y profesora de música.
En 1900 Le Corbusier comenzó su aprendizaje como grabador y cincelador en la Escuela de Arte de La Chaux-de-Fonds, en Suiza. Uno de sus profesores, Charles L'Eplattenier, le orientó hacia la pintura y después hacia la arquitectura. En 1905 diseñó su primer edificio, una casa unifamiliar para un miembro de la Escuela de Arte, la Villa Fallet. En los próximos diez años hizo numerosos edificios, que todavía no llevan su sello característico posterior, y que él mismo no incluyó en el registro posterior de sus obras. Ya en París, trabajó durante quince meses en el estudio de Auguste Perret, arquitecto pionero en la técnica de construcción en hormigón armado. A continuación viajó a Alemania para estudiar las tendencias arquitectónicas de ese país. Allí trabajó en la oficina de Peter Behrens, donde se estima que puede haber coincidido con Ludwig Mies van der Rohe y Walter Gropius, quienes también trabajaron ahí en esa época. Visitó también Estados Unidos, donde se familiarizó con la obra de Frank Lloyd Wright, que por aquel entonces comenzaba a ser apreciada en Europa. El año 1911 lo dedicó por completo a viajar. Desde Viena fue a Rumanía, Turquía, Grecia e Italia y a su regreso fue profesor durante dos años en el departamento de arquitectura y decoración de la Escuela de Arte de París.
LE CORBUSIER En 1922 Le Corbusier abrió un despacho de arquitectura con su primo Pierre Jeanneret, con el cual mantuvo su asociación hasta 1940. Inicialmente los dos diseñaron casi exclusivamente edificios residenciales. Uno de sus grandes proyectos de estos años, en este caso como urbanista, es su diseño conceptual de una ciudad de tres millones de habitantes, la Ville Contemporaine [Ciudad Contemporánea]. En octubre de 1929 Le Corbusier dictó en Buenos Aires un ciclo de diez conferencias, invitado por la Asociación Amigos del Arte. En este viaje también visitó Río de Janeiro, Asunción y Montevideo. En referencia a la primera de las ciudades citadas dejó bien clara su percepción de urbanista al expresar -Buenos Aires es una ciudad que le da la espalda a su río-, aludiendo con esto a algo de lo que aún adolece tal ciudad: pese a tener una extendida costa frente al gran estuario del Río de La Plata se ha privilegiado ediliciamente un área que no permite la vista a tal estuario, más aún el acceso al mismo se halla obstaculizado por instalaciones de antiguos puertos, un aeropuerto, tramos ferroviarios a nivel y autopistas.
INFLUENCIA DE SUS DISEÑOS EN LA ARQUITECTURA MODERNA Le Corbusier, padre del racionalismo, uno de los más influyentes arquitectos de la historia, presenta un gran legado, base de muchas construcciones actuales, con criterios ligados a su obra. Un postulado clave en su obra que repercutió en la arquitectura posteriormente fue la arquitectura señalada como una máquina de habitar, poniendo en énfasis no sólo la componente funcional de la vivienda, sino que esta funcionalidad debía estar destinada al vivir, comprendiéndose esto último desde un punto de vista metafísico. Le Corbusier creía que el objetivo de la arquitectura es generar belleza también reflejado en su frase: ”la Arquitectura es el juego sabio, correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz”, complementándose para repercutir en la forma de vida de los ocupantes de los propios edificios.
INFLUENCIA DE SUS DISEÑOS EN LA ARQUITECTURA MODERNA Si se analiza el edificio manantiales nos encontramos con estas características plenamente latentes en sus criterios arquitectónicos, considerando que se trata de un edificio de oficinas, y que su programa se basa en plantas libres para vender el máximo espacio posible, punto fundamental si se considera que el barrio el Golf posee el suelo más caro de Chile, por lo que el máximo aprovechamiento del terreno en función de su rentabilidad resulta primordial; entonces asociamos inmediatamente la distribución espacial ligada al habitar del edificio.
INFLUENCIA DE SUS DISEÑOS EN LA ARQUITECTURA MODERNA Hoy en día la obra y el razonamiento espacial de Le Corbusier siguen vigentes tanto en la práctica como en la enseñanza y en la teoría de la arquitectura. Como una de las figuras clave de la arquitectura moderna, la continuación del movimiento tiene en él y en sus obras un referente directo. Como uno de los precursores del brutalismo, sus trabajos posteriores han servido de base a corrientes arquitectónicas II apoyadas en la tectónica (expresión de los materiales y sistemas constructivos) y en diferentes enfoques regionalistas. Si bien para muchas figuras del pensamiento arquitectónico contemporáneo, la modernidad es un movimiento obsoleto, y por lo tanto las obras y premisas de su arquitectura no deben continuarse, hay un grupo importante de arquitectos (llamados neomodernos o simplemente modernos) que continúan haciendo arquitectura en el espíritu de Le Corbusier. Introdujo la proporción áurea en muchas de sus obras, por ejemplo se puede apreciar en el módulo de la Capilla de Notre Dame du Haut.
INFLUENCIA DE SUS DISEÑOS EN LA ARQUITECTURA MODERNA Ha influido de manera muy importante en arquitectos de todas partes del mundo. En México fue su seguidor Mario Pani Darqui. En Brasil Oscar Niemeyer. En Argentina, Antonio Bonet, Juan Kurchan, Jorge Ferrari Hardoy, Amancio Williams y el primer periodo creativo de Clorindo Testa. En Uruguay, los docentes y teóricos urbanistas Justino Serralta y Carlos Gómez Gavazzo. En España, Francisco Javier Sáenz de Oiza. En Colombia, Germán Samper Gnecco, Rogelio Salmona y Dicken Castro. En Estados Unidos, Shadrach Woods. En Chile, Emilio Duhart, Roberto Dávila, Enrique Gebhard.
Por otra parte, en la tendencia actual de las ciudades sostenibles, reconocidos urbanistas y especialistas del tema como Jane Jacobs, Jeff Speck y Brent Toderian coinciden con los efectos negativos que tiene en la movilidad de las ciudades la arquitectura urbana, y su expresión urbana, la ciudad industrial. Debido a que el modelo separa las tres principales funciones de la ciudad: residencia, trabajo y recreación, se induce al aumento de la distancia que deben recorrer las personas. Si bien la distancia promedio de un viaje a pie de una persona es de 400 metros, una distancia mayor a esta es impráctica realizarla a pie. En el caso de una urbanización basada en la arquitectura moderna, el ciudadano debe recorrer una distancia mucho mayor a esta, con lo que se ve inducida a usar un medio de transporte motorizado. Para la mayoría de los casos, al no haber transporte público, la primera alternativa es el automóvil privado. Para contrarrestrar estos efectos la corriente de movilidad sostenible estudia formas de mejorar las condiciones de movilidad, teniendo como bandera el .Desarrollo Orientado al Transporte
INFLUENCIA DE SUS DISEÑOS EN LA ARQUITECTURA MODERNA En 1926 Le Corbusier presenta un documento donde expone en forma sistemática sus ideas arquitectónicas: los llamados «cinco puntos de una nueva arquitectura» representan una importante innovación conceptual para la época, aprovechando las nuevas tecnologías constructivas, derivadas especialmente del uso del hormigón armado (hasta entonces este material se usaba en viviendas y monumentos disfrazándosele de piedra esculpida con molduras): • La planta baja sobre pilotes: para Le Corbusier, la planta baja de la vivienda, al igual que la calle, pertenecía al automóvil, ya sea para circulación o aparcamiento, por este motivo la vivienda se elevaba sobre pilotes para permitir el movimiento de los vehículos. • La planta libre: a partir de la estructura independiente, aprovechando la tecnología del hormigón armado genera una estructura de pilares en la que apoyan losas, de esta forma el arquitecto decide dónde poner los cerramientos, siendo independientes de un nivel al otro. • La fachada libre: el corolario del plano libre en el plano vertical. La estructura se retrasa respecto de la fachada, liberando a ésta de su función estructural y permitiendo libertad en su composición independientemente de la estructura. • La ventana alargada: por el mismo motivo del punto anterior, también los muros exteriores se liberan, y las ventanas pueden abarcar todo el ancho de la construcción, mejorando la relación con el exterior y permitiendo un mejor asoleamiento de los espacios interiores.
INFLUENCIA DE SUS DISEÑOS EN LA ARQUITECTURA MODERNA • La terraza-jardín: para Le Corbusier la superficie ocupada a la naturaleza por la vivienda debía de ser devuelta en forma de jardín en la cubierta del edificio, convirtiendo el espacio sobre la vivienda en un ámbito aprovechable para el esparcimiento, que además permitía mantener condiciones de aislamiento térmico sobre las nuevas losas de hormigón. Y hay un elemento más que Le Corbusier pondera en la obra arquitectónica nueva, '"La promenade arquitectónica"': el edificio debe invitar a ser recorrido y a partir de eso se lo podrá comprender en su totalidad.
Su arquitectura resulta ser altamente racionalista, depurada (con el uso de materiales sin disimularlos; nota la posible belleza de las líneas depuradas, sin adornos, sin elementos superfluos) y con un excelente aprovechamiento de la luz y las perspectivas de conjunto, dando una sensación de libertad (al menos para el desplazamiento de la mirada) y facilidad de movimientos.
CREACIONES EMBLEMÁRTICAS Las siguientes son algunas de las obras arquitectónicas que Le Corbusier ha dejado como legado alrededor del mundo: • Pabellón del Esprit Nouveau en París (1925)
El pabellón representa una nueva forma del "espacio habitable", descartando toda noción decorativa. Le Corbusier trata de mostrar que la arquitectura está siempre presente en todo, desde el más humilde equipamiento doméstico, a la mansión, el barrio, la ciudad, etc. Se trata de hacer la demostración de las posibilidades que ofrecen el hormigón armado y el acero para la arquitectura y en particular para la vivienda en serie (en un momento donde los materiales son considerados como indignos por los maestros de la arquitectura) y de probar que la industrialización de la construcción por elementos estandarizados no es incompatible con el arte.
CREACIONES EMBLEMÁRTICAS • Villa de Monzie en Garches (1927)
El arquitecto en las "Cuatro composiciones" manifiesta la concepción desde la volumetría de las casas por él realizadas a modo de repertorio, de modelaje del sólido. La casa Stein, según esta reflexión, forma parte del segundo tipo del que dice:" El segundo tipo revela la comprensión de los órganos en el interior de una envoltura rígida, absolutamente pura. Problema difícil, acaso delectación del espíritu; gasto de energía espiritual en medio de las trabas que se han impuesto". Este es un ejercicio donde la intuición de la forma exterior del edificio es anterior a su distribución espacial y funcional, en una imposición de reminiscencias clásicas, y que se resuelve según los criterios previos establecidos por el ideario del Movimiento Moderno.
CREACIONES EMBLEMÁRTICAS • Villa Savoye en Poissy (1929-1931)
La Villa Savoye fue proyectada por Le Corbusier como paradigma de la vivienda como machine à habiter (máquina de habitar), de forma que las funciones de la vida diaria en ella se vuelven fundamentales para su diseño. El movimiento de los coches para entrar al interior de la vivienda (un motivo que apasionaba a Le Corbusier desde hacía años) es el detonante para la concepción del edificio. También en este término se engloba el hecho de que la vivienda se conciba pretendidamente como objeto que se posa sobre el paisaje, siendo totalmente autónomo del mismo y pudiendo ser colocado en cualquier lugar del globo. La arquitectura sigue de este modo a aeroplanos, automóviles y paquebotes, y con el objetivo final declarado de lograr producir las viviendas en serie. La planta baja sobre pilotis también avanza en este sentido, ya que independiza la Villa de su jardín, y fue recogido como uno de los puntos fundamentales de la primera generación de la Arquitectura Internacional.
GALARDONES La fama de Le Corbusier se extendía por todas partes. A su taller de París llegaban jóvenes arquitectos de todas partes del mundo entero, deseosos de tomar parte en sus vastos planes de urbanismo. Sus proyectos crecían, al mismo tiempo que su popularidad iba en aumento. En 1928 obtuvo el primer premio por su proyecto para el Palacio del Centro Soyuz, en Moscú. (Algo tan importante así, como el Centro Espacial de la NASA, en los Estados Unidos). Fue casi al mismo tiempo, también, que le encargaban (1929-1932), la construcción de un importante edificio (el edificio central), de la Universidad de París. Su fama se extendió por otros confines, otros continentes. Primeramente en Europa con su famoso edificio multifamiliar de Marsella, luego el edificio de las Naciones Unidas, en Nueva York, la fama y prestigio de Le Corbusier iba cada vez más hacia los cielos. Diseños impresionantes y atrevidos como los ya citados, originalidad en detalle como la capilla de Ronchamp, Villa Saboya, y muchos otros más dieron a nuestro personaje un sitio importante en la historia. Nombrado doctor honoris causa, la fama de este hombre siguió hasta su muerte. Charles Edouard Jeanneret moriría en 1965, a la edad de 78 años. Todos le recordarían con el nombre de Le Corbusier.
BIBLIOGRAFIA http://www.venamimundo.com/GrandesPersonajes/LeCorbusier.html http://noticias.arq.com.mx/Detalles/16468.html https://es.wikipedia.org/wiki/Le_Corbusier http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=93 http://www.arquitectura.com/historia/protag/corbu/indice.asp https://venezuelaoctavaisla.wordpress.com/tag/le-corbusier/
AUTOR: CARLOS SALAZAR C.I:24.876.095
Octubre 2015 Willianny Alfonzo. C.I. 26.344.461
Lu d wig Mie s va n d e r Le s s is m orRoh e . (Meen. os e s m รกs ).
El hombre que dibuj贸 la faz de EE UU estaba obsesionado con construir. Por ello abandon贸 a su mujer y apoy贸 a los nazis.
Juventud.
No son pocos los arquitectos que se inventaron una vida, pero Mies van der Rohe se la construyó. “No se hizo a sí mismo, se creó”, contó su hija Georgia. Y no lo hizo sólo para progresar socialmente. Buscaba cuadrar la relación entre persona y obra. En eso consiste su arquitectura: en restar hasta que todo encaja. El máximo representante de la sobriedad moderna no estudió arquitectura. Ni siquiera se sacó el bachillerato. Hijo de un cantero, Maria Ludwig Michael Mies (Aquisgrán, 1886Chicago, 1969) comenzó a trabajar con 15 años haciendo florituras para un fabricante de cornisas y la modernidad la pillo al vuelo, en el azar de una revista –Die Zukunft (El Futuro)–, lo cuenta su último biógrafo, el arquitecto Detlef Mertins. Profesor en la Universidad de Pennsylvania, Mertins falleció en 2011, antes de ver publicada Mies (Phaidon, 2014), la monumental biografía a la que dedicó diez años y que ahora ve la luz. Allí trata de defender al hombre frente al personaje, pero no pasa por alto las aristas de un creador clásico y moderno a la vez, perfectamente reconocible y, sin embargo, difícilmente imitable. Un arquitecto que dejó un legado de tantas obras maestras como nociva fue su huella en la proliferación de rascacielos de vidrio y acero.
Comienzos. Un joven Mies, vestido con bata blanca, posa junto a Walter Gropius en el alféizar de una ventana del estudio de Peter Behrens, director artístico de la empresa AEG. De él heredaría la querencia por la sobriedad. De Berlín, el amor hacia la metrópolis, los trajes a medida y el éxito. Mertins concluye que a Mies sólo lo movió un objetivo: construir. Por hacerlo apoyó a los nazis, abandonó a su mujer o, consumido por la artritis, acudió a las obras en silla de ruedas durante dos décadas. Pero merece la pena ir despacio. A pesar de no tener estudios, Mies leyó toda su vida. Su primer cliente, el filósofo Alois Riehl, le inculcó la costumbre. Era un joven de provincias de 20 años cuando le encargó su casa en Postdam, a las afueras de Berlín, y le transmitió una idea: la transformación del individuo como requisito para la transformación de la sociedad.
Menos es más. Menos es más. La célebre frase convertida en mantra sintetiza la gran aportación de Van der Rohe, sin embargo, ¿qué significaba para él menos? La obra de arte total, sin descuidos, cerca de la peligrosa pureza formal, tenía monumentalidad y detalle. Corría 1912 cuando Mies comenzó a cortejar a la ilustrada y rica Ada Bruhn, con la que tuvo tres hijas. Los padres de Ada mantuvieron a la pareja durante la Primera Guerra Mundial, cuando él ingresó en la infantería para combatir en Rumania. Puede que fuera allí, en el campo de batalla, donde incubó el cambio. Al regresar, defendió una arquitectura “de piel y huesos” con tres rascacielos de vidrio con esqueleto de acero para la Friedrichstrasse de Berlín. Luego le pidió a su ayudante, Sergius Reuenberg, que tirara todos sus dibujos de proyectos neoclásicos. También se separó de su mujer. Apareció Mies van der Rohe, el conjuntivo holandés y el apellido de la madre sirvieron para adornar a un hombre que odiaba el ornamento y que se reinventó a sí mismo al reinventar la arquitectura.
Combatió en la infantería en la gran guerra y puede que allí, en el campo de batalla, incubara el cambio a una arquitectura “de piel y huesos”
Su primer reto como nuevo arquitecto fue meter la naturaleza en los edificios. Lo hizo con vidrio. En viviendas como la casa Tugendhat en Brno o rascacielos como las torres de Chicago se vive con más intensidad lo que ocurre fuera. “A veces sublime, a veces temible”, describió Janet Abrahms, la inquilina del piso 22-A frente al lago Michigan. Esa intensidad exige sacrificios. Así, a pesar de que buscó valores espirituales con sus edificios, la arquitectura de Mies sufrió, para el crítico Manfredo Tafuri, “la incurable enfermedad de la modernidad”. El lado optimista fue que sus espacios servían para volver a empezar. Sabía de qué hablaba.
El pabellón de Barcelona para la Exposición Universal de 1929 representaba la Alemania moderna. Mies se puso chistera para recibir allí al rey Alfonso XIII. El edificio – cuya reconstrucción puede visitarse en Montjuïch– parecía un mondrian en tres dimensiones. Tal vez por eso el monarca preguntó si estaba terminado. Fue la primera vez que pronunció esta definición: “La belleza es la manifestación de la verdad”. Esa idea de san Agustín se convertiría en su otro mantra. A finales de los años treinta Mies ya estaba con Lilly Reich, una diseñadora excepcional que firmaría con él el mobiliario de la casa Tugendhat, la vivienda a la que dedicó más desvelos. También la más celebrada por sus dueños Fritz y Grete Tugendhat. Los acaudalados padres de ella les regalaron un solar en una colina junto a su vivienda en Brno (Checoslovaquia). Mies ideó lavadoras, un inolvidable jardín de invierno y un sistema para levantar una cristalera de más de cinco metros. La casa es sobria, pero el muro de onyx que separa el salón de la biblioteca costó el equivalente a un bloque de viviendas sociales de la época. ¿Es la casa Tugendhat habitable? Se preguntó un crítico de la época. “La austeridad evita que pierdas el tiempo”, contestó Grete.
Bauhaus. Mertins asegura que no hay evidencia de que fuera antisemita o racista. “No apoyó ni la guerra ni la violencia”. Pero la libertad que defendía era más artística que social. Como arquitecto moderno fue atacado por los conservadores, pero también fue criticado por la izquierda, por insistir en esta misión de la arquitectura. Con todo, Mies se sumó al grupo de defensores del nacional-socialismo. Como director llevó estabilidad (neutralidad) a la Bauhaus. Cuando aceptó dirigir esa escuela cambió los estatutos, expulsó a 30 alumnos de izquierdas y prohibió las actividades políticas. Fue entonces cuando Philip Johnson llegó a Europa y creyó que Mies representaba el summum de la modernidad. El Museo de Arte de Nueva York, donde trabajaba, acababa de inaugurarse y le encargó a Mies el interior del apartamento que tenía alquilado en Nueva York. Luego Johnson se puso a trabajar. Escribió en The New York Times que el alemán disgustaba a los comunistas con su búsqueda de valores elevados y lo incluyó en la exposición Modern Architecture.
Cuando aceptó dirigir la bauhaus expulsó a 30 alumnos de izquierdas y prohibió las actividades políticas. no se afilió, pero fue tibio con los nazis.
Bauhaus y el nazismo. Con los nazis en el poder comenzó la persecución de judíos y comunistas y del “arte degenerado”. 16.000 obras de Kandinsky o Klee fueron retiradas de los museos. La retórica antimoderna adquirió tintes racistas y los proyectos de los alumnos de la Bauhaus se volvieron políticos. En abril de 1933 la escuela cerró. La segunda mujer de Lászlo Moholy-Nagy, Sybil, historiadora, denunció que Mies se había pasado al fascismo. En opinión de Mertins, “no dijo nada de otros, como Walter Gropius, porque le había dado trabajo a su marido”. Para el último biógrafo de Van der Rohe, con sus propuestas (fallidas) para edificios para el Gobierno nazi trató de expresar el carácter inhumano de ese Gobierno, no de apoyarlo. Curiosa manera de complacer a un cliente. Sin embargo, hasta Hitler – que había empezado a estudiar arquitectura– llegó a defender “un funcionalismo claro como el cristal” para la arquitectura nazi. Puede que esa idea sedujera a Mies.
Bauhaus y el nazismo. Para 1933, 40.000 judíos habían emigrado. No era fácil tomar esa decisión. La gente se identificaba con su ciudad tanto como con su religión. Pero los profesores de la Bauhaus se exiliaron sin excepción. Kandinsky marchó a París, Klee a Suiza y Grosz a América, como André Kertész o Josep y Anni Albers. Marcel Breuer fue a Londres, Kurt Schwitters a Noruega y los Moholy-Nagy a Holanda. Mies se quedó. Al final se iría, pero toda su vida lo criticarían por no haberse ido antes. Nunca se afilió al partido nazi, pero sí firmó una petición de respaldo a Hitler. Aun así, era demasiado tibio con los nazis, no tenía ánimo para oponerse y le faltaba decisión para emigrar. Sólo lo hizo cuando le ofrecieron dirigir el futuro Illinois Institute of Technology (IIT) en Chicago y Alfred H Barr Junior, el director del MOMA, logró que la mujer de uno de los patronos del museo le encargara una casa en Wyoming. Comenzaba la tercera vida de Mies van der Rohe.
Los primeros rascacielos que levantó Mies, los Lake Shore Drive de Chicago, le llegaron tras una discusión filosófica. El joven Herbert Greenwald había estudiado filosofía antes de convertirse en promotor. Fue el mejor cliente de Mies. Las torres de Chicago habían hecho despegar su carrera hacia las alturas. Phyllis Bronfman Lambert, tenía 27 años cuando vio en el Herald Tribune el edificio que iba a levantar su padre, dueño de la destilería Bronfman, en Park Avenue, y le rogó que encargara un rascacielos “mejor que el mechero que le habían diseñado Pereira & Luckman”. Su padre le pidió que buscara al arquitecto y ella encontró a Mies. En Nueva York, no le dejaron afiliarse al American Institute of Architects porque no presentó el graduado escolar, de modo que se asoció con Philip Johnson que, por entonces, a su profesión de historiador había sumado estudios de arquitectura, y recibió la propuesta con lágrimas en los ojos.
Rascacielos y final. En Park Avenue “todo lo que hizo Mies fue dejar el hueco”, dijo Phyllis describiendo la plaza frente a la torre Seagram. Al contrario que los apartamentos de Chicago, la primera torre de oficinas de Mies costó el doble que las habituales. No era innovadora, pero su elegancia aumentó la reputación de la compañía, las ventas y el precio del whisky. Es frente al Seagram donde Audrey Hepburn – interpretando a Holly Golightly en Desayuno en Tiffany’s– dice que quiere volver a allí. Mies había alcanzado el éxito por el que lo había sacrificado todo. Se acercaba a su última década cuando regresó finalmente a Berlín. Lo hizo como uno de los arquitectos más importantes del siglo XX para construir la Galería Nacional de la ciudad. Son muchos los que consideran esa galería como la catedral que Mies nunca llegaría a construir.
Lista de obras. Canadá • Toronto-Dominion Centre - Complejo de torres de oficinas, Toronto • Westmount Square - Complejo de torres de oficinas y viviendas, Westmount • Nuns' Island - 3 torres de viviendas y la gasolinera Nun's Island (cerrada), Montreal (c.1969) República Checa • Casa Tugendhat - Vivienda, Brno (1930) Alemania • Casa Riehl - Vivienda, Potsdam (1907) • Casa Perls - Vivienda, Zehlendorf (1911) • Casa Werner - Vivienda, Zehlendorf (1913) • Casa Urbig - Vivienda, Potsdam (1917) • Casa Kempner - Vivienda, Charlottenburg (1922) • Casa Eichstaedt - Vivienda, Wannsee (1922) • Casa Feldmann - Vivienda, Wilmersdorf (1922) • Rascacielos del Friedrichstraße (1922) - No construido • Casa Ryder - Vivienda, Wiesbaden (1923) • Casa Mosler - Vivienda, Babelsberg (1926) • Liebknecht-Luxemburg-Monumento 'Revolutionsdenkmal'Monumento Berlín (1926) • Weissenhofsiedlung - Concurso de viviendas coordinado por Mies y con contribución del mismo, Stuttgart (1927) • Casa Lemke - Vivienda, Weissensee (1932) • Casa Lange/Casa Dr. Ester - Vivienda y museo de arte, Krefeld • Neue Nationalgalerie - Museo de arte moderno, Berlín (1968)
Lista de obras. España • Pabellón alemán - Pabellón de la Exposición Internacional, Barcelona (1929) Estados Unidos • Cullinan Hall - Museo de Arte, Houston • Apartamentos The Promontory - Complejo residencial de apartamentos, Chicago • Biblioteca Memorial Martin Luther King, Jr. - Biblioteca pública del distrito de Columbia, Washington, DC • Richard King Mellon Hall of Science - Universidad de Duquesne, Pittsburgh (1968) • IBM Plaza - Torre de oficinas, Chicago • Apartamentos Lake Shore Drive - Torres de apartamentos, Chicago • Edificio Seagram - Torre de oficinas, Nueva York (1958) • Alumni Memorial Hall - Instituto de Tecnología de Illinois (1945) • Carr Memorial Chapel - Capilla del Instituto de Tecnología de Illinois (1949) • Crown Hall - Colegio de Arquitectura del Instituto de Tecnología de Illinois (1956) • Adminsitración de la Escuela de Servicios Sociales de la Universidad de Chicago - Chicago (1965) • Casa Farnsworth - Vivienda, Plano, Illinois (1946) ad de México
Lista de obras. Chicago Federal Center Dirksen Federal Building - Torre de oficinas, Chicago Kluczynski Federal Building - Torre de oficinas, Chicago United States Post Office Loop Station - Oficina general de Correos, Chicago • One Illinois Center - Torre de oficinas, Chicago • One Charles Center - Torre de oficinas, Baltimore, Maryland • Casa Condominio Highfield | 4000 North Charles Condominio de apartamentos, Baltimore, Maryland • Apartamentos Colonnade and Pavilion - Complejo residencial de apartamentos, Newark, Nueva Jersey (1959) • Lafayette Park - Complejo residencial de apartamentos, Detroit, Michigan (1963) • Apartamentos Commonwealth Promenade - Complejo residencial de apartamentos, Chicago (1957) • Edificio Caroline Weiss Law, Cullinan Hall (1958) y Brown Pavilion (1974), Museo de arte, Houston • Edificio Richard King Mellon (1968) en la Universidad de Duquesne, Pittsburgh • Edificio American Life - Louisville, Kentucky (1973; terminado tras la muerte de Mies por Bruno Conterato) México • Oficinas Bacardi (1961), Ciud • • • •
BIBLIOGRAFIA http:// elpais.com/elpais/2014/07/01/eps/1404216940_722852.html https://es.wikipedia.org/wiki/Ludwig_Mies_van_der_Rohe http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/mies.htm http://miesbcn.com/es/el-pabellon/mies-van-der-rohe/
http:// www.plataformaarquitectura.cl/cl/02-23757/2g-n%25c2%25b04849-m
Willianny Alfonzo. C.I. 26.344.461
Alva r Aa lt o.
Octubre 2015
Alvar Alto. (Kuortane, 1898 - Helsinki, 1976) Arquitecto finlandés, uno de los más importantes del siglo XX. Completó la educación recibida en Finlandia con viajes por el extranjero. Durante la década de 1920 estuvo influido por el gran maestro del funcionalismo, Le Corbusier, y él mismo fue un pionero de este movimiento en Finlandia. Pronto logró el reconocimiento internacional, y desde 1940 hasta 1949 fue profesor del Instituto de Tecnología de Massachussets, en Cambridge (EE UU). En 1955 ingresó en la Academia Finlandesa. Entre los primeros trabajos de Aalto en Finlandia hay que citar el sanatorio de Paimio (1933), la biblioteca municipal de Viborg (1935) y los pabellones finlandeses para las exposiciones internacionales de París (1937) y Nueva York (1939). En estas obras, así como en la famosa Villa Mairea de Norrmark (1939), Aalto utilizó un material tradicional en Finlandia, la madera, consiguiendo notables resultados artísticos. Además de construir edificios, realizó también proyectos municipales y regionales, como el complejo residencial e industrial de Sunila (1936-1939), en las afueras de Kotka, con sus fábricas y viviendas, o el proyecto urbanístico de Rovaniemi (1945). Entre los últimos edificios que construyó en Finlandia hay que destacar el ayuntamiento de Säynätsalo (1952), el Colegio de Pedagogía de Jyväskylä (1953-68) y las iglesias de Imatra y Seinäjoky (1958).
Biografía. Hay numerosos ejemplos del estilo de Aalto en Helsinki, la capital de Finlandia. Sobresalen entre ellos el Centro Cultural (1955-58), con su auditorio inspirado en el estilo setecentista, el Instituto de Tecnología de Onäs (1960-64), el Palacio del Libro (1969) y el auditorio y la sede de congresos de Finlandia (197071). El museo de Århus, en Dinamarca, es una de las contribuciones de Aalto a los países nórdicos vecinos. Otras obras destacables son la residencia de estudiantes del MIT (1949), en Cambridge, un rascacielos en Hansaviertel (1957), en Berlín, el Centro Cultural de Wolfsburg (1959-62), en Alemania, y el Museo de Arte de Bagdad (1958), en Irak. En la arquitectura de Alvar Aalto el uso de formas geométricas básicas revela el racionalismo funcionalista del que partió en sus obras tempranas y que nunca abandonó. Sin embargo, la utilización conjunta de líneas sinuosas tiende a romper la ortogonalidad de la caja arquitectónica a la vez que acentúa la corporeidad del edificio, para cuya composición no hay fórmulas fijas.
“Hacer más humana la arquitectura significa hacer mejor arquitectura y conseguir un funcionalismo mucho más amplio que el puramente técnico”
Cuando decidió ser arquitecto, él viajó a Helsinki, luego de haber vivido varios años junto a su familia en Jyväskylä, ya que ahí se encontraba el único lugar académico donde se ofrecía la carrera de arquitectura; la Universidad de Tecnología de Hensilki. En otoño de 1923, luego de casarse con Aino Marsio, una arquitecta con la cual trabajó durante 25 años, Aalto estableció una oficina en Jyväskylä, donde, como su lugar de niñez, presumió que recibiría mucho trabajo, y así fue.
Comienzos. Desde siempre sus diseños estuvieron marcados por constantes búsquedas y transformaciones, partiendo desde el clasicismo nórdico, pasando por el funcionalismo puro, hasta convertirse en un referente para el Movimiento Moderno a nivel internacional, utilizando conceptos como la forma orgánica, materiales naturales. Como parte de los miembros del CIAM, este renombrado arquitecto ha sido el único arquitecto de la segunda generación del Movimiento Moderno en ser reconocido como maestro.
Luego de todos estos cambios y transformaciones, Aalto finalmente llegó a tener una visión de la arquitectura como una obra de arte completa, considerando desde los muebles hasta el manejo de la luz y el espacio. Así se hizo conocido por ser diseñador de proyectos de todas las escalas, como su Jarrón Savoy, o el edificio principal de la Universidad Politécnica de Helsinki (1953-1966). En general su arquitectura se caracteriza, como se mencionó anteriormente, por el uso de materiales naturales integrados con el cristal y el hormigón y con la eficacia funcionalista.
Se opuso a la idea de que la arquitectura era solo para la gente rica y solo unos pocos especialistas podían comprenderla.
Cuando Aalto ya se había convertido en el arquitecto que pasaría a la historia, cuando ya había construido la Villa Mairea y la Biblioteca de Viipuri, regresó a la escuela de Jyväskylä donde había estudiado de niño. Lo hizo para hablarles a los alumnos de la importancia de una educación humanista, de la necesidad de ir más allá de uno mismo y de la posibilidad de mirar hacia atrás para rescatar nuevas ideas. Eso había hecho él. Había fundado su primer despacho en esa ciudad al norte de Helsinki después de una infancia complicada en la que perdió a su madre con ocho años y ganó otra madre cuando su tía Flora se casó con su padre. De adolescente también vio cómo su país se independizaba de Rusia tras la revolución. No tenía 20 años cuando luchó en la guerra civil finlandesa, en el bando de los blancos, el ganador. El 1% de la población murió en esa contienda. De esos 30.000 muertos, solo una cuarta parte perecieron en el campo de batalla; el resto, tras juicios sumarísimos.
Juventud. Con 25 años, cuando corría el año 1923, inau-guró un despacho de Arquitectura y Arte Monumental. Entre sus primeros trabajos firmó el dormitorio de un tal señor Steinbäck y algunas lápidas para tumbas. Luego llegarían las viviendas, las reparaciones de iglesias y hasta un hospital en Alajärvi. Fue entonces cuando otra arquitecta, Aino Marsio, llegó a la ciudad para trabajar en el estudio de Gunnar Achilles Wahlroos. Solo un año más tarde se casaría con Aalto. Convertida en su socia, esposa y madre de sus dos hijos, tuvo siempre con su pareja una relación de igual a igual. Esta afirmación puede parecer una obviedad, pero no lo es. Fue más bien una excepción. Presten atención de nuevo a la fecha. Aino y Alvar Aalto firmaron juntos todos y cada uno de los proyectos que realizaron hasta la temprana desaparición de la arquitecta en 1949. Y si bien es cierto que ella tenía una mentalidad más práctica (sus cristalerías encajan unas dentro de otras para ahorrar espacio en los armarios; las de Aalto tendían a expandirse evocando la forma de los lagos), ambos trabajaron mano a mano en diseños que todavía vende la empresa Artek (hoy propiedad de la alemana Vitra). En su casa de Munkkiniemi, a las afueras de Helsinki, uno puede abrir la pequeña alacena y comprobar que el orden no es ajeno a las formas redondeadas. Los arquitectos que peregrinan hasta esa vivienda construida en 1935 también pueden ver cómo Aino trabajaba en la mesa principal, con las mejores vistas, al lado del salón, mientras que Alvar dibujaba en un rincón de la buhardilla.
Comprensión de la arquitectura. Con todo, la igualdad en la vida de Aalto no estaba solo presente en el trato hacia su mujer o hacia los arquitectos del estudio. El portugués Álvaro Siza considera que esa fue, precisamente, su mayor contribución: “Oponerse a la idea de que la arquitectura es solo para la gente rica o que está tan especializada que no la puede entender todo el mundo”. Hoy parece pura lógica. En los años veinte resultaba excepcional no solo que un arquitecto diera explicaciones, sino también que obtuviera sus ideas de escuchar a la gente y atender al paisaje además de a las tradiciones. Así, hoy la arquitectura de Aalto se comprende al momento, pero no se termina de mirar nunca. No está hecha para los ojos, escapa a las fotografías. Hay que visitarla, caminarla, tocarla, entrar en ella. Más allá de la igualdad, también la modernidad estaba presente en el espíritu con el que los Aalto se relacionaron con el mundo. Para su luna de miel volaron hasta Estocolmo, para luego continuar hasta Italia, el país que más les fascinó y, curiosamente, con el que más afinidades desarrollaron. Puede parecer extraño que un nórdico aprenda a construir en su país a partir de lo que ha visto junto al Mediterráneo. ¿Cómo es posible que una casa en un bosque de pinos finlandeses remita a Italia? ¿Cómo responder a los lugares y, a la vez, acercarse al mundo?
Comprensión de la arquitectura. Aalto creía que la arquitectura era un ave migratoria. Estaba convencido de que las soluciones constructivas podían viajar de una cultura a otra. Y lo demostró edificando un patio mediterráneo en la isla de Muuratsalo, donde levantó la casa experimental en la que puso a prueba los materiales que usaba. La línea orgánica de Aalto es, aún hoy, un modelo para generaciones. La mezcla de lo local y lo global, el uso de materiales autóctonos, el reconocimiento a las ideas de otras culturas y el cuestionamiento de una vanguardia desarraigada definen su obra: un mundo de referencias regionales e influencias internacionales. En 50 años, más de 300 arquitectos de 20 países diferentes trabajaron en su estudio. Él mismo lo hizo, además de en Finlandia y los países nórdicos, en Alemania, Estados Unidos, Francia, Suiza, Líbano, Irán, Arabia Saudí e Italia, donde una iglesia póstuma le rinde homenaje en Riola di Vergato.
Alvar Aalto, arquitectura orgánica, arte y diseño. Esa trayectoria puede seguirse en la exposición Alvar Aalto, arquitectura orgánica, arte y diseño –organizada por el Vitra Design Museum–, que, tras pasar por Caixaforum Barcelona, se inaugurará en la sucursal madrileña el 30 de septiembre. Además, la muestra relaciona por primera vez el legado del arquitecto que cuestionó el movimiento moderno por inhumano con el arte de su tiempo. Hoy, cuando sus lámparas y butacas todavía se fabrican y sus edificios están en los cimientos del hacer de los mejores arquitectos actuales, el comisario Jochen Eisenbrand sostiene que el arte fue clave para que Aalto tradujera las formas de la naturaleza en diseños y arquitectura. Un retrato de un Aalto de 14 años frente a sus lienzos de paisajes lleva a la historiadora Eeva-Liisa Pelkonen a afirmar que el arquitecto finlandés siempre pensó en sí mismo como en un artista.
Muebles. Pero esta exposición explica que fue en Atenas en 1933, durante el congreso de arquitectos defensores de una arquitectura moderna (CIAM), cuando Aalto escuchó al pintor Fernand Léger reclamar más color en la arquitectura. Y no lo olvidó. Ese mismo año mostró en la Triennale de Milán y en los almacenes Fortnum & Mason de Londres las sillas que había diseñado para el sanatorio de tuberculosos en Paimio, al este de Helsinki. El camino fue de ida y vuelta: cuatro años después, Artek organizó la primera exposición de arte moderno en Finlandia. Braque, Chagall, Matisse y Picasso pudieron verse por primera vez en Helsinki. Y un año más tarde eran los muebles de los Aalto los que llegaban al MOMA de Nueva York.
Artesanía y dibujo.
“Para el finlandés, la arquitectura era un ave migratoria.Las soluciones constructivas podían viajar de una cultura a otra.”
La huella en el trabajo es una de las claves de la arquitectura de este matrimonio. Tiene que ver con los materiales y con el diseño. “Una columna clásica lleva en el fuste la huella de sus orígenes de madera. Aunque se construya con piedra, las cualidades humanas convierten lo material en símbolos culturales”, escribió Aalto. Algo parecido opina el historiador Kenneth Frampton cuando recuerda que para Aalto la arquitectura era artesanía. Por eso, los obreros tenían una importancia clave en el resultado final del edificio. “No es que se opusiera a la producción de soluciones estandarizadas, Aalto se oponía a la burocratización de los estándares, a la práctica que lleva a buscar únicamente el máximo provecho económico para decidir el tipo de elementos que se fabrican”.
Finales. Con cada una de sus mujeres Aalto construyó una casa. La levantada con Aino es, todavía hoy, un lugar cargado de su presencia. No es el piano que ocupa el centro de la sala o el retrato de la tía Flora que preside el rellano lo que habla de ellos. La presencia de la pareja está en la manera en que las ventanas están preparadas para acercar las plantas a la luz; en cómo la cocina está junto al comedor, conectada por una ventana, para facilitar la vida de la familia. La segunda casa, en la isla de Muuratsalo, fue directamente un experimento. Tras enviudar y casarse con la arquitecta Elissa Mäkiniemi, la construyó para poner a prueba la resistencia de más de cien tipos de ladrillos y cerámicas. También levantó un muro blanco para encerrar aquel patio colorista, tal como había visto en el Mediterráneo. Aalto creía, y lo demostró con sus edificios, que la mejor arquitectura es, efectivamente, un ave migratoria.
Lista de obras. • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •
Asociación Juvenil de Alajärvi (1919) Casa Terho Manner, Töysä (1923) Club de trabajadores de Jyväskylä (1924-1925) Apartamentos Aira, para trabajadores del ferrocarril, Jyväskylä (1924-1926) Casa Laurén, Jyväskylä (1925) Villa Väinölä, Alajärvi (1926) Cuerpo de Defensa de Jyväskylä (1926-1929 Cooperativa de Agricultores, Turku (1927-1929) Biblioteca de Viipuri (1927-1935) Periódico Turun Sanomat, Turku (1928-1929) Sanatorio antituberculoso en Paimio (1928-1933) Casa del médico jefe en el Sanatorio de Paimio (1930) Silo para la fábrica de celulosa Toppila, Oulu, Finlandia (1931) Casa Tammekann, Tartu, Estonia (1932) (Reconstruida en 1999-2000) Casa y estudio de Alvar Aalto, Helsinki (1935-1936) Estación de autobuses de Sunila (1936) Factoría de Celulosa Sunila, Isla de Pyötinen, Kotka (1936- ) Viviendas de la Factoría Sunila, Isla de Pyötinen, Kotka (1936- ) Pabellón finlandés de 1937, París (1936-1937) Viviendas adosadas para la compañía A. Ahlström, Kauttua (1937) Pabellón Metsä en la Expo de Lapua (1938)
Lista de obras. • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •
Villa Mairea, Noormarkku (1938-1939) Pabellón finlandés de 1939, Nueva York (1938-1939) Pabellón Artek, Hedemora (1945) Residencia Universitaria Baker, Instituto de Tecnología de Massachusetts (Boston) (1947 – 1948) Ayuntamiento de Säynätsalo (1949-1952) Universidad Técnica de Otaniemi, Espoo (1949-1966) Universidad de Pedagogía en Jyväskylä (1951-1959) Casa experimental en Muuratsalo (1952-1953) Edificio Rautatalo, Helsinki (1953-1955) Instituto Nacional de Pensiones de Finlandia, Helsinki (19541957) Estudio propio, Helsinki (1955) Edificio de 78 viviendas en Hansaviertel, Berlín (1955-1957) Iglesia de las Tres Cruces, Imatra (1955-1958) Casa de la Cultura en Helsinki, (1955-1958) Maison Louis Carré, Yvelines, Francia (1957-1960) Iglesia Lakeuden Risti, Seinäjoki (1957-1960) Edificio de apartamentos en Neue Vahr, Bremen, Alemania (1958-1962) Sede de Enso-Gutzeit, Helsinki (1959-1962) Centro Cultural de Wolfsburgo (1959-1962) Ópera de Essen (1959 – 1988) Museo de Finlandia central, Jyväskylä (1960-1962) Central térmica de la Universidad Técnica de Otaniemi, (1960-1962, 1962-1964) Finlandia Hall, Helsinki (1962 – 1971)
BibliografĂa. http:// elpais.com/elpais/2015/09/09/eps/1441824427_153424.html
https://www.google.co.ve/search?q=Alvar+Aalto,+arquitectura+org arte+y+dise%C3%B1o&es_sm=122&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ve https://es.wikipedia.org/wiki/Alvar_Aalto