Idea y concepto by Guillermo Alvarez

Nยบ Exp:20511481

DOSSIER IDEA Y CONCEPTO 2010-2011 Guillermo Alvarez Fernรกndez.

INDICE

Concepción de Arte------------------------------------------------pag.1 Tiempo y Armonía--------------------------------------------------pag.2 Sensaciones visuales---------------------------------------------pag.6 Intuición---------------------------------------------------------------pag.9 Acerca de las palabras-------------------------------------------pag.12 Proyecto personal-------------------------------------------------pag.14 Collage---------------------------------------------------------------pag.19 Ensamblaje----------------------------------------------------------pag.23 Instalación-----------------------------------------------------------pag.26 Exámen--------------------------------------------------------------pag.30

CONCEPCIÓN

Mi concepción del arte está basado en lo procesual de.las cosas,un proceso abierto en constante cambio y evolución.en el cual se desarrolla una actividad no sujeta a un mismo metodo y que puede generarse a traves de multiples puntos de partida.E incluso surgir dentro del proceso de otra obra de forma inconsciente.

Para ello mi trabajo se sustenta en dos vertientes bien definidas por un lado la instalación y por otro los medios audiovisuales.Pero casi aun más importante considero la necesidaed de interaccion del propio espectador ya sea con sus sentidos o aportando directamente a la obra.Esto se debe a la necesidad existencial que sufre la obra de recibir los sentidos del espectador para poder sentirse como tal,en ambos sentidos claro esto afecta bidirreccionalmente como en todo proceso comunicativo,y hablo de proceso comunicativo porque me ineresa ese dialogo que se establece entre las dos partes pero sobre todo la parte del receptor;la parte reflexiva.

Hablo de procesos como la erosión,la degradación,la transformación de materiales,y es en este punto donde intento desarrollar la mayor parte de mi obra tratando la degradacion,la descomposicion,y la erosión en todas sus formas posibles tanto de la materia,como el sonido o del propio ser o individuo ya sea en su carne o en su mente.

para ello trato tematicas derivadas de la violencia( entendida como degradacion del ser) que genera el propio ser contra si mismo y contra los entornos que le rodean (sociales/culturales y naturales) y de igual manera la relación inversa;es decir la violencia que ejerce la sociedad y la naturaleza sobre el individuo. el masoquismo el suicidio,la autodestruccion como descomposicion del propio ser o el asesinato,la tortura y la destruccion como degradación del ser ajeno y en consecuencia del propio.

TIEMPO Y ARMONÍA

Traducción de la acústica a la plástica,transformando el ritmo y el sonido de un fragmento musical a movimiento,espacio y tonalidad monocromática. Ritmo------------ Espacio/Movimiento Sonido-----------Tonalidad cromática Fragmentos musicales: John Cage -----“Música para Marcel Duchamp” 1947 ,6 min. Erik Satie-------”Ginopedia” 1, 2 y 3.

Mediante una tecnica similar al Dripping en la cual se ejecuta una pintura completamente gestual que va marcando el compás de la música como si de un metrónomo se tratase a base de salpicaduras de tinta negra se van generando diferentes manchas en cuyo punto central se coloca una nota musical/cromática (plastilina roja,negra,amarilla,blanca,azul) se conforma un entramado a modo de pentagrama plasmado en una linea temporal que se puede componer de forma variable.

Tiempo y Armon铆a

Bocetos iniciales de la composici贸n. Tinta china y plastilina de colores sobre papel Din A4.

Siguiendo una distribuci贸n lineal al igual que pasa en la musica se disponen los elementos a lo largo de dos paredes adaptandose a los volumenes de las columnas refiriendose tambien a esa capacidad de las hondas sonoras de adaptaci贸n a los volumenes de los espacios.

Composici贸n Final en la que se disponen los elementos combinados a traves de una pintura gestual. Tinta china y plastilina sobre Ingres. Dimensiones 50x70. A帽o 2010.

JACKSON POLLOCK

Paul Jackson Pollock (28 de enero de 1912, Cody, Wyoming, Estados Unidos - 11 de agosto de 1956, Springs, Nueva York, Estados Unidos) fue un influyente artista estadounidense y un referente en el movimiento del expresionismo abstracto. Considerado uno de los pintores más importantes de los Estados Unidos en el siglo XX. Jackson Pollock se caracteriza en su dimensión artística, entre otras cosas, por ser uno de los renovadores del concepto de la plasmación gráfica a través de una serie de técnicas de tratamiento de la pintura no experimentadas hasta entonces, y la teorización fundamentada y racional que conlleva la explicación del desarrollo de la abstracción en la realización de sus trabajos. Toda esta dimensión creada por Pollock fue la precursora del nacimiento del "Expresionismo Abstracto" como rama artística de gran peso entre la década de los 40 y 60. En esa época también conoce el celebre pintor mexicano David Alfaro Siqueiros de quien aprende mucho por sus nuevas técnicas para pintar y después de esa época siendo una de las vanguardias contemporáneas con uno de los grandes trasfondos teóricos existente en este tiempo. La creación de este estilo se daba porque la acción de pintar se producía de una forma subconsciente en sí mismo, trabajando de una forma autómata, que será lo que se denominará automatismo. Buscaba la representación dramática e irrefrenable del subconsciente. Todo esto estaba condicionado por la búsqueda de levantar emociones sobre el público expectantes, por lo que ante los nuevos acontecimientos sociales producidos en el siglo XX que no podrían ser representados a modo tradicional, realista; ya que conducía una serie de sentimientos tan radicales y desconocidos. Para ello debían surgir nuevas técnicas y maneras de tratar la pintura y el concepto artístico. Esto es lo que finalmente se dará a conocer como "Action painting".

SENSACIONES VISUALES

Describir los efectos-fisisco,energias y sensaciones visuales-que se producen al observar máquinas domésticas y objetos cotidianos decorativos.

Mediante la edición de Audio y video,creación de una imagen anóptica.creando un MIX de videos a traves de un croma,en el cual,se inserta otro video con una boca de tal forma que se observa un globo personificado que reacciona ante una llama que se encuentra situada debajo.

Obra audiovisual en la cual trato de generar una reflexion sobre la tematica del dolor fisico ,la tortura o daño autoinfligido,el masoquismo u obtencion del placer a traves del dolor propio o ajeno creando una dualidad metafórica del dolor/placer.

Sensaciones Visuales

Videoinstalaci贸n globo plastico,vela y contrachapado. A帽o 2010

TONY OURSLER

Tony Oursler (nacido en Nueva York, 1957) es un multimedia y artista de instalaciones.

Obras como la farola (1997), su serie de esculturas de vídeo de los ojos con las pantallas de televisión se refleja en las pupilas, y ominoso cabezas parlantes como compuesto Naturaleza muerta (1999). Una instalación llamada Óptica (1999) examina la polaridad entre la oscuridad y la luz en la historia de la cámara oscura. En su texto "El tiempo corriente", Oursler propuso que la arquitectura y la instalación de la imagen en movimiento se han unido para siempre por la cámara oscura señalando que los habitantes de la cueva observa el mundo como proyecciones a través de mirillas. de interés Oursler en la historia efímero de la cabeza la imagen virtual a gran escala de proyectos públicos e instalaciones permanentes para el año2000. Oursler continuación, produjo una serie de instalaciones que combinan objetos encontrados y proyecciones de video. "Judy", de 1993, exploró la relación entre el trastorno de personalidad múltiple y los medios de comunicación. Las obras de Oursler parecer efigies animadas en su propio espacio psicológico que suele aparecer a interactuar directamente con el sentido del espectador ;busca la empatía. Estas instalaciones son siempre inquietantes y fascinantes.

INTUICIÓN

Ejercicio de improvisación/Inspiración/Imaginación;utilizando objetos abstractos,insignificantes y amorfos.

Con la ayuda de un programa de Software llamado Andreamosaic y a través del tratamiento de imagenes,se logra mediante la similitud cromática campos visuales que se transmiten en agrupaciones de formas que pruducen el efecto optico de imagen a los ojos del espectador.

Intuición

Imagen digital generada por ordenador. color. Año 2010. Realización de una pieza plástica.Una imágen mosaico formada a base de imágenes de otros proyectos que tienen que ver tambien con la temática del dolor/placer,la tortura o el daño autoinfligido.

George Seurat

Georges-Pierre Seurat (2 de diciembre de 1859 - 29 de marzo de 1891) fue un pintor francés y el fundador del Neoimpresionismo. Su trabajo Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte es uno de los íconos de la pintura del siglo XIX.

Seurat nació en París, Francia. A pesar del humilde trabajo de su padre, que era alguacil, su familia poseía una serie de tierras que generaban unos buenos ingresos. Su padre era nativo de Champaña y su madre era parisina. En 1875 Seurat ingresa en la escuela municipal de dibujo, en la clase del escultor Justin Lequien. Aquí conoce a Edmond Aman-Jean, con el que mantuvo una estrecha amistad toda su vida. En 1878, gracias a Edmond, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de París, donde estudiará hasta 1879. A pesar de su buena voluntad, Georges no destaca por su talento artístico, obteniendo unos resultados mediocres. Consciente de ello, inicia su trabajo en el Louvre con gran intensidad copiando las obras maestras de Rafael, Holbein y Poussin. Interesado en adquirir mayores conocimientos técnicos estudia con detenimiento "La loi du contraste simultané des couleurs", y aplica sus conocimientos técnicos en su arte. Seurat creó la técnica de puntillismo que fue utilizada sólo por él.

ACERCA DE LAS PALABRAS

Traducir y analizar el significado de las palabras/frases y transformarlas en imágenes plásticas.

Selección de una señal restrictiva que hace referencia a un mensaje “Memes Ahead” que será la base y origen del desarrollo de varias obras posteriores. “Memes”,del griego mensajes hace referencia a la reflexión y transmisión de las Ideas.

Acerca de las palabras

Imagen refernte se帽al restricci贸n.

Acrilico sobre pared. 2x2m.

Modificaci贸n del original por medio de software de ordenador.

PROYECTO PERSONAL

-Observaci贸n y analisis de los ejercicios realizados anteriormente.

-Ensayar y profundizar en los trabajos observados y analizados.

-Dar mayor amplitud y posibilidad al trabajo a realizar (concepto,idea,t茅cnica y materia).

Proyecto personal/Ex谩men

Modificaci贸n de la imagen original por Mitsuo Miura.

pintura mural original 2x2m. 15

CONCEPTUALIZACIÓN

Se trata de una obra interactiva en la cual el espectador es participe de la elaboración de una base de datos .A través de un teléfono (grabadora) se presenta un medio de recopilacion de información para crear una reflexion sobre la semantica del lenguaje y asi crear una base de datos sobre insultos. Para ello se dispone un telefonillo el cual puede ser accionado para grabar audio,junto al telefono se encuentra una guia de consulta de insultos asi como un manual de instrucciones para manejar el teléfono junto a la definición del termino”insultar”·. Acompañado de una estetica grafica de señales de balizamiento restrictivas(parental advisory) y de advertencia(caution,danger,beware of dog,caution memes ahead,caution mind your head).

Instalación Teléfono intervenido con grabadora + 15 señales impresas papel A4 2 x 1.80 m Año 2010

Detalle de las instrucciones de uso del teléfono. acompañada de una definición del termino “insultar”.

Marta Minujín

Marta Minujín (n. Buenos Aires, Argentina, 30 de enero de 1943) es una artista plástica argentina. Ha usado siempre la frase "todo es arte", que sintetiza la concepción de la creadora, convertida en el paradigma de su generación. Oriunda del barrio porteño de San Telmo en 1943. A la edad de 16 años se casa en secreto con el economista Juan Carlos Gómez Sabaini, con quien comparte una relación especial, teniendo en cuenta el contraste de personalidades de ambos. Llevan más de cincuenta años de casados, y tienen dos hijos. Comenzó sus estudios en las escuelas nacionales de bellas artes de Buenos Aires. Presentó su primera exposición personal en 1959 en el Teatro Agón. En 1960 obtuvo una beca del FNA que le permitió instalarse en París. MINUPHONE (1967) Con la colaboración de Pier Biorn, ingeniero de los laboratorios de la Bell Company. Howard Wise Gallery. New York. Estados Unidos. Cabina de teléfono electrónica que produce efectos sensoriales de acuerdo con el número discado: cambios de luces, humo, brisas, ascenso de agua coloreada, deformaciones de la voz, transmisión de la imagen del hablante por circuito cerrado de televisión a un monitor en el piso de la cabina. El monitor muestra la cara de la persona que ingresa y, gracias a sus matices vocales, cambia el color de las paredes y envuelve al usuario en una humareda verde al tiempo que le toma una Polaroid. La utilización de los medios de comunicación y de los circuitos cerrados de información también está presente en sus obras Minuphone (1967) y Minucode (1968). En Minuphone, Minujín presentaba una cabina telefónica similar a las presentes en las calles de Nueva York, que sorprendía a sus visitantes con una serie de efectos especiales aleatorios que convertían la experiencia en algo fuera de lo convencional: "un modelo desalienado", como lo definía la artista. En la presente exposición, se podrá ingresar a la cabina original.

COLLAGE

Adherir sobre un soporte base una configuración de diversos materiales y elementos/objetos para representar una idea.

Mediante una tecnica de fotocomposición y a través de un conjunto de varias imagenes recreación de una imagen anóptica.Un paisaje postapocaliptico donde la tierra ha sido devastada por las industrias y el consumo,los entornos naturales y los ecosistemas destruidos dando lugar a desiertos y rios que emanan cadaveres en un futuro en guerra por los escasos recursos como el agua,las energias o las materias primas.

Collage

Paisaje apocaliptico original.Recortes de fotografia en ByN sobre cartulina blanca 1.70x80cm

Modificaci贸n 1 por ordenador de la imagen original. 20

Modificaci贸n 2 del original.

Dibujo de collage. 21

Ives Krief

Su obra es una mezcla de fotografías y gráficos: un universo formado por una multitud de posibilidades que ha encontrado su lugar en el restaurant galerie atípica Renoma Maurice, el Renoma Café Galería. En el ambiente de Nueva York arte de la calle del lugar donde se despiertan los sentidos y la imaginación, el mundo de "photograff Yves Krief y el" Maurice Renoma modographe están en armonía: dos personajes que aman libertad de no ser como los demás, sobre todo, la pregunta y la sorpresa. Yves Krief es un compositor cuyas puntuaciones no se hacen de las notas musicales, sino un photographique.Chacun mezcla de sus pinturas, a la que llamó como "Un centenar de títulos, es el resultado de la fusión de una multitud imágenes captadas durante sus numerosos viajes (París, Nueva York, Londres, Cuba ..). Empatizar con nuestro tiempo, todos los detalles de la asamblea constituyente abre la puerta a nuestro subconsciente. Por lo tanto, la imagen de nuestros sueños, cada composición es la suma de una multitud de símbolos que se llaman entre sí, a pesar de que describe el autor de los mundos habitados, extraño y fascinante. "Al componer, quiero expresar a través de una variedad de imágenes simbólicas de la suma de todas nuestras fantasías", dice el compositeur.Dissimulé detrás de las apariencias engañosas, ya que cumplir con la nada primera vista, para entregar su vida privada, cada mesa se prevé como un sueño, que resuena con nuestro trabajo imaginaire.Si propia toma su origen en la expresión de su vida privada, libre de cualquier forma de narcisismo obsesivo sus obras han adquirido su propia autonomía y parte de un simbolismo universal que deja a todos la oportunidad de leer su propia historia.

ENSAMBLAJE

Configurar o ensamblar diversos objetos,fragmentos y medios para representar una idea.

Disponiendo en 5 agrupaciones de objetos diferentes materiales de deshechotales como escayola,plastico,ojalata,cristal y cer谩mica se propone un dialogo directo entre objeto e imagen referente haciendo alusi贸n cada una de las imagenes al material que se encuentra bajo ellas.

Habla de la erosi贸n , el desgaste y la destrucci贸n de los objetos que dan lugar a la ruina o residuo que se acumula y se aparta en vertederos y demas espacios destinados a este fin.

Ensamblaje

Disposici贸n de las im谩genes en dialogo con los objetos. Instalaci贸n. Escayola,plastico,ojalata,cristal y ceramica. A帽o 2011

Dibujo por ordenador de Ensamblaje.

INSTALACIÓN

-Significación y condicionamiento del espacio público y privado. -Concepción de una obra en función de un espacio concreto.

Siguiendo los parámetros del proyecto anterior,nueva disposición de los elementos en el espacio. A modo de vertedero se seleccionan varios emplazamientos y se “marginan” los residuos por diferentes puntos aislados haciendo referencia a esa tendencia de aislar los deshechos y residuos apilados en montañas fruto de la industria y el consumo modernos,que limita la vida de los objetos para poder mantener un mercado autosostenible.

Instalaci贸n

Michelangelo Pistoletto

Pintor y escultor italiano. Se inicia tempranamente en el arte de la mano de su padre, restaurador de cuadros. Su obra se encuadra dentro del arte povera y también en la corriente del nuevo realismo, surgida en la década de los sesenta como reacción al ..."cansancio y la esclerosis de todos los vocabularios existentes, de todos los estilos"..., en palabras del propio teórico del movimiento, el francés Pierre Restany. Para los nuevos realistas, el mundo se revela como un cuadro, una gran obra maestra, de la que extraer determinados fragmentos dotados de significado universal. Dentro de este contexto se engloban las pinturas de espejo que tanta fama le han dado. En muchas de ellas aparecen figuras humanas sobre las que también se reflejan el espectador y el resto de la sala, la cual pasa a formar parte de la obra. El objetivo es crear una tensión entre el reflejo móvil del espectador y la imagen congelada de la imagen pintada, jugando al mismo tiempo con el concepto de doble. Por otro lado realiza obras con materiales como el plexiglass o la piedra miliaria. Dentro de sus trabajos más conocidos está el gran conjunto de esculturas e instalaciones Oggetti in meno (1965 - 66). De la segunda mitad de esta década son asimismo Monumentino y La Venus de los trapos (1968) y ya dentro de los años ochenta destaca la serie Imagen (1989). El GAM de Turín le dedica una retrospectiva en el año 2001.

EXAMEN

-Seleccionar un trabajo de los ejercicios anteriores y realizar un nuevo trabajo,profundizando en la idea anterior con carácter de exámen.

Mediante la combinación de imágenes a través del software de adobe photoshop se generan otras nuevas imágenes,inquietantes por su misterio ya que se encuentran filtradas por la superposición de la imagen “Memes” ya vista en proyectos anteriores.

+ =

Esta obra trata de generar una reflexión sobre el ser humano y su contexto en el mundo y el universo mediante una serie de imagenes (40 aprox.) que se van encadenando unas con otras desde teoria como el big bang,o las teorias darwinistas pasando por acontecimientos que marcaron la historia del hombre como la conquista el espacio,la segunda guerra mundial(Auszwitz) o la creación de la bomba atómica hasta la degradación de los ecosistemas. Pretende contextualizar al ser humano como un ser que en parte se ha creado a si mismo,a construido su propia realidad,capaz de las mayores azañas y de las mayores desgracias. 30

Exámen

Instalación. Impresión DinA1 Color +40 imágenes ByN DinA4. dimensiones 3x2m. Año 2011.

Detalle de las imágenes transformadas. 31

Aby Warburg

Nació el 13 de junio de 1866, en el seno de una familia de banqueros judío alemanes de Hamburgo (Alemania). Por ser el hijo primogénito de Max Warburg, le correspondía a Aby hacerse cargo de la fortuna familiar, pero éste declinó en su hermano Max esa responsabilidad, asegurándose una disponibilidad económica para sus estudios e investigaciones. Estudió filosofía, historia y religión en universidades alemanas, francesas e italianas.

Mnemosyne es el gran proyecto al que Aby Warburg dedicó los últimos años de su vida y que debía resumir y coronar toda su obra. Para ello, recopiló unas 2.000 imágenes articuladas en 60 tablas en un magno atlas que quedó sin terminar a su muerte. A pesar del interés que había despertado entre sus contemporáneos y de los intentos llevados a cabo por los colaboradores de la Biblioteca Warburg después de su traslado a Londres, el material no vio la luz hasta la edición de la Akademie Verlag llevada a cabo por Martin Warnke, uno de los más prestigiosos historiadores del arte de las últimas décadas. Sus obras completas se recogen en varios tomos, pero su más ambicioso proyecto, denominado Atlas Mnemosyne, lo constituye una colección de imágenes con nada o, en su defecto, muy poco texto, mediante la cual pretendía narrar la historia de la memoria de la civilización europea.