ÍNDICE/CONTENTS
Todo está en un sueño / It’s all in a Dream
3
Visualizando un proceso: sinergias y correspondencias / Visualizing a Process: Synergies and Correspondences
7
Mercedes Gertz & Heidi Mezzatesta
Karen Cordero Reiman
Sueños de mujeres/Women’s Dreams Mali Haddad Carmen Pérez Pineda Stacy TenHouten Mónica del Villar Mercedes Gertz Carmen Mariscal Natalia García Clark Haydée Rovirosa Echo Theohar Carmen Gaitán Lourdes Valdés Nathalie Gordon Pilar Castillo Lorena Velázquez Natalie Espinosa Adriana Medina Elizabeth Yochim Viviana Kuri María Rendón Gabriela Rochin Jimena Albert Diana Magaloni
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Cédulas y biografías/Checklist and biographies
55
Créditos/Credits
85
Vanessa Nacif Janice Melton Carla Danes Stephanie Morton-Millstein Stephanie Allen Nancy Louise Jones Erica Muralles Hazbun Heidi Mezzatesta Sandra Pani Yolanda Paulsen Anne Herlihy Andrea Puente-Catán Paola Sánchez Cecilia Ramírez-Corzo Claudia Polanco Estefanía Angeles Karen Cordero Reiman Janna Zinzi Andrea Hall Brenda Mc Donald Alma Ruiz Almudena Solana
33 34 35 36 37 38 39 40 41 42 43 44 45 46 47 48 49 50 51 52 53 54
J i me n a A lb e r t
S te ph an ie Alle n
E stefa ní a Ang el es
La belleza en la bestia
Lo que crece en la naturaleza humana puede…
Instrucciones para soñar
Muñeca de tela cosida a mano y rellena de algodón, hilo y
Yeso, papel, lija, pigmento y fieltro
Fotografía y collage sobre papel
Dormir. Sin descanso. No me despierto en la mañana deseando que empiece el día. A veces me quedo en la cama... Respiro, conscientemente, meditativamente Transformo la ansiedad en vigilia y presencia. Los sueños están atascados de listas de cosas por hacer, de listas de cosas que no hice. Sueños de hormigón y transporte, la falta de billetera, pasaporte, celular, auto. Retraso en vuelos. Aeropuertos. Estaciones de tren. Las calles de la ciudad van en todas direcciones. Habitaciones y avenidas llenas de gente. Extraños que conozco. Íntimos que no. Un juego para relacionar momentos de mis sueños con eventos reales de mi vida despierta. Una vida despierta. Despertar un verbo en lugar de un adjetivo. He luchado con este proyecto. Procrastinado con este proyecto. He resentido este proyecto. Sentido que este proyecto es una pérdida de tiempo. ¿A quién le importan los sueños cuando la policía asesina a personas negras inocentes mientras duermen en sus propias camas, deseando —mereciendo— tener sus propios sueños? ¿Qué puede hacer esto para transformar eso? Aquí estoy, haciéndolo de todos modos.
Regresaste a tu querido París con un simple pretexto: una anodina reunión de trabajo. En la reinagurada Brasserie Lutecia tomaste un café con una de tus amigas más queridas de aquel París universitario en la Sorbona. Recordaron sus viejas fotos tomadas en un fotomatón, se comieron el mundo y tu postre favorito. Te fuiste corriendo a la reunión de trabajo en aquel lugar ubicado en una de esas calles que frecuentaste cuando trabajabas allá. Llegaste sin mayor contratiempo.
Stephanie Allen (Estados Unidos, 1952) es una artista interdisciplinaria con una práctica artística ecléctica basada en la resolución creativa de problemas utilizando dibujo, escritura, yoga, surf, papel maché y mucho más. En febrero de 2020, sus cuencos de poesía de papel maché fueron parte de una exposición grupal centrada en el tema del duelo. Allen obtuvo una maestría en artes interdisciplinarias en 2012.
Estefanía Angeles (México, 1981) es abogada de formación por la Escuela de Derecho de la Sorbona y cuenta con una maestría en mediación cultural por la Escuela del Louvre. Como agregada cultural de México en Francia promovió la organización de varias muestras individuales y colectivas de mujeres artistas. Actualmente es directora de la Fundación Javier Marín que desarrolla su labor en el ámbito de la cultura y el arte.
pedazos de tela coleccionados durante los últimos tres años. Capa cosida a mano con tela reutilizada
Esta es una muñeca de tela cosida a mano con una capa de piel que le da los poderes de su animal espiritual; una bestia, su guía. Esta guía aparece cuando explora sus emociones oscuras, su tristeza, su miedo, su ira, sus frustraciones. Sin darse cuenta, convoca a la bestia porque no siente amor, porque se le acaban las formas de escapar de su dolor, de sentirse menos sola. El dolor la atraviesa como una luz que no puede controlar. Su dolor se convierte en su arma más confiable. Y su rabia la asusta. La hace retroceder por miedo a su propia imagen, la imagen que otros le mostraron. La imagen que construyeron otros. Los que no pueden ver a la bestia. La bestia se convierte en su aliada. Ella y la bestia se convierten en una y ahora puede controlar su dolor. El miedo se ha ido, y finalmente puede entrar en la oscuridad sabiendo que hay una armadura a su alrededor. Hay un espíritu abrazándola y sosteniendo su mano durante el viaje. Su espíritu verdadero que la protege de la forma que le dan otros. La forma que tiene dentro, que ella misma construyó. Su poder.
Jimena Albert (México, 1987) es una artista textil autodidacta. Entró a WSLA en octubre de 2018 y actualmente está construyendo sus propios proyectos personales y aprendiendo más sobre sí misma para expandir y darle forma a su práctica artística.
Al salir, tenías una cita con tu tía Patricia cerca del Panteón. Tomaste un taxi que no te acercó, después un metro, caminaste largamente por la Rive Droite, cruzaste el río y llegando a la Rive Gauche, subiste a pie la empinada montaña del Cinquième. Algunas calles más romanas que parisinas te parecieron extrañas. Finalmente, después de mucho buscar, hallaste la dirección, entraste por aquel portón grande, atravesaste el patio, bajaste o subiste unas escaleras y te encontraste con Paty. Recorriste aquella bellísima casa de techos altos que pertenecía a tu querido Maestro. Con el más exquisito gusto francés, la mesa estaba puesta. En ese momento feliz, te quedaste en la chorcha con tus queridos amigos. Con cariño, Tu inconsciente
J i me n a A lb e r t
S te ph an ie Alle n
E stefa ní a Ang el es
The Beauty in the Beast
What Grows in Human Nature Can...
Instructions to dream
Hand-stitched fabric doll stuffed with cotton balls, thread, and
Plaster of Paris, paper, sandpaper, pigment, felt
Photography and collage on paper
Sleep. Never restful. Don’t wake up in the morning looking forward to the day. Sometimes lie in bed... Breathe, consciously, meditatively Transform anxiety into wakefulness and presence. Dreams are clogged with my to-do lists, my didn’t-do lists. Dreams of concrete and transportation, missing wallet, passport, cell phone, car. Late for flights. Airports. Train stations. City streets go every which way. Crowded rooms and avenues. Strangers I know. Intimates I don’t. A game to match moments in the dream to actual events of my waking life. Waking life. Waking a verb rather than adjective. I’ve wrestled with this project. Procrastinated about this project. Resented this project. Felt this project a waste of time. Who gives a flying fuck about dreams when innocent Black folks get murdered by police while sleeping in their own beds, wanting to—deserving to—have their own dreams. What can this possibly do to transform that? Here I am, doing it anyway.
You returned to your beloved Paris with a simple pretext: a nondescript work meeting. At the reopened Brasserie Lutecia you had coffee with one of your dearest friends from that Paris from your years at the Sorbonne. You remembered old photos taken in a photo booth, you ate the world and your favorite dessert. You ran to the work meeting in that place located in one of those streets that you frequented when you were working there. You arrived without problems.
Stephanie Allen (US, 1952) is an interdisciplinary artist with an eclectic artistic practice based on creative problem-solving using drawing, writing, yoga, surfing, papier-mâché and much more. In February 2020, her papier-mâché poetry bowls were part of a group exhibition focused on the theme of grief. Allen earned an MFA in Interdisciplinary Arts in 2012.
Estefanía Angeles (Mexico, 1981) is a lawyer from the Sorbonne School of Law with a master’s degree in cultural mediation from the Louvre School. As cultural attaché of Mexico in France, she promoted the organization of several individual and collective exhibitions of women artists. She is currently the director of the Javier Marín Foundation.
fabric scraps collected for over three years. Hand-sewn cape made with repurposed fabric
This is a hand-sewn fabric doll with a fur hood that gives her the powers of her spirit animal; a beast, her guide. This guide appears as she explores her dark emotions, her sadness, her fear, her anger, her frustrations. She inadvertently summons the beast because she feels no love, because she ran out of ways of escaping her pain, of feeling less lonely. Her pain pierces through her as a light that she cannot control. Her pain turns into her most trusted weapon. And her rage scares her. It makes her recoil in fear of her own image, the image she was shown by others. The image that was built by others; the ones that cannot see the beast. The beast turns into her ally. She becomes one with the beast and she can control her pain now. The fear is gone, and she can finally step into the darkness knowing there is an armor around her. There is a spirit embracing her and holding her hand in the journey. Her own true spirit, that shields her from the shape given to her by others. The shape she holds inside, that she built herself. Her power.
Jimena Albert (Mexico, 1987) is a self-taught textile artist. She joined WSLA in October 2018 and is currently building her own personal projects and learning more about herself in order to shape and expand her creative practice.
When you left, you had a date with your aunt Patricia near the Pantheon. You took a taxi that didn’t get you close, then the subway, and you walked a long way along the Rive Droite, crossed the river and arrived at the Rive Gauche, you climbed the steep Cinquième mountain on foot. Some streets, more Roman than Parisian, seemed strange to you. Finally, after much searching, you found the address, entered through that large gate, crossed the courtyard, went down or up some stairs and met Paty. You toured that beautiful house with high ceilings that belonged to your dear teacher. With the finest French taste, the table was set. In that happy moment, you stayed and chit-chatted with your dear friends. With love, Your unconscious
Pi l ar C a s t i llo
Kare n C orde ro Re iman
Ca rl a D a nes
Sede
Habitando mi interior
Collage, técnica mixta
Collage
Haz nuevos amigos, pero mantén los viejos; uno es de plata y el otro es de oro
Fotografía: Jorge Arreola Barraza
Plástico, vidrio, metal, pegamento, pintura acrílica Fotografía: Chris Danes
En mis sueños, las imágenes recurrentes son de paisajes, en particular de las tierras de cultivo tropicales de la casa de mi infancia y de tsunamis junto al mar mientras corría hacia territorios más altos. En este sueño pandémico experimenté el paso del tiempo y las capas de la historia. Me encontré a la universidad estadounidense a la que asistí superpuesta sobre mi tierra ancestral en Belice. El sueño reveló mi lucha con la dualidad de la educación superior en contraste con el conocimiento ancestral, así como un sentimiento de asfixia causado por la academia y los ideales eurocéntricos. Este collage se basa en el mapa colonial de la "sede de la colonización", el punto de contacto de aquella invasión europea que reclamó nuestra tierra ancestral como si no existiéramos. Utilicé plata y oro para parcelar las tierras del Caribe y las Américas como una declaración sobre su búsqueda de un “destino manifiesto” que condujo al robo de tierras, al robo de cuerpos y, hoy, al robo de mentes. Mi trabajo tiene como objetivo contar mi historia con mi propia voz y, a nivel subconsciente, recuperar la memoria genética que me une a mis antepasados.
Pilar Castillo (Belice, 1976) es una artista que vive en Los Ángeles y representa con orgullo a la diáspora caribeña. Durante más de veinte años ha sido practicante del arte y profesional en la comunidad artística de Los Ángeles con un enfoque en el arte público. Como pintora e ilustradora, aplica procesos artesanales al diseño, desde la publicación hasta el diseño de productos.
Este collage, titulado Habitando mi interior, busca evocar los múltiples niveles de tiempo y espacio, así como la huella corpórea, de dos sueños que compartí con el taller del Libro rojo. En uno, pasé por la puerta trasera de una librería que abría hacia un departamento donde experimenté un sentido de extrañeza. Allí tuve una reunión con algunas colegas y luego —antes de que nos fuéramos— la propietaria me cachó tomando unos artículos de ropa que no eran míos. En otro sueño, paseaba con una colega en un pueblo medieval europeo durante un congreso feminista, y me encontré con un señor que vendía flores de cempasúchil (que se asocian con el Día de los Muertos en México) que formaban un campo casi infinito. La síntesis de estos recuerdos —en forma poética, más que literal— se combina con referencias a mi espacio doméstico, que durante la pandemia se transformó en la sede del proceso reflexivo y creativo por medio del cual compartimos imágenes y narraciones de nuestros sueños y las procesamos por medio del yoga y del dibujo.
Durante la pandemia de COVID-19 tuve un sueño. George Floyd, un hombre negro, acababa de ser asesinado por la policía. En Los Ángeles, las protestas se convirtieron en saqueos. El sueño tenía que ver con la amistad, pero también la ansiedad y la culpa por ser blanca estaban en el trasfondo de la narrativa.
Karen Cordero Reiman (Estados Unidos, 1957) es una historiadora del arte, curadora y escritora basada en la Ciudad de México. Es autora de numerosas publicaciones sobre el arte mexicano de los siglos XX y XXI, y ha tenido una participación continua en los museos como curadora, asesora e investigadora.
Carla Danes (Estados Unidos, 1945) asistió a la Rhode Island School of Design (BFA 1967) y trabajó como organizadora comunitaria en Carolina del Norte (VISTA 1968-69). Fue diseñadora textil (FIT, AAS, 1970) y creó una escuela para niños pequeños (Hunter College, MS, 1987). Más recientemente asistió al Otis College of Art and Design (MFA, 2001) para hacer arte, y todavía lo hace.
El sueño me recordó a una vieja canción, una ronda que aprendí cuando era niña scout y da título a esta pieza. Pinté objetos encontrados en color oro, plata y negro y los coloqué sobre un disco de plástico de dieciséis pulgadas. Los círculos mantienen el ojo en movimiento. Al cantar una ronda, para que suene musical, cada cantante escucha las otras voces, mientras se concentra en su propia voz. Podría ser una metáfora para curar nuestra democracia moribunda.
Pi l ar C a s t i llo
Kare n C orde ro Re iman
Ca rl a D a nes
Seat
Inhabiting My Interior
Mixed media collage
Collage
Make New Friends but Keep the Old, One Is Silver and the Other Is Gold
Photograph: Jorge Arreola Barraza
Plastic, glass, metal, glue, acrylic paint Photograph: Chris Danes
The recurring images in my dreams are of landscapes, in particular the tropical farmland of my childhood home, and oceanside tsunamis as I ran to higher ground. In this pandemic dream I experienced the passage of time and layering of history. I encountered the campus of the US university I attended, superimposed over my ancestral homeland in Belize. The dream revealed my struggle with the duality of higher education versus ancestral knowledge, as well as a feeling of being suffocated by academia and Eurocentric ideals. This collage draws from the colonial map of the “seat of colonization,” the very point of contact as the European invasion claimed our ancestral land as if we did not exist. I used silver and gold to parcel out the lands from the Caribbean and the Americas as a statement on the pursuit of “manifest destiny” that led to stolen land, stolen bodies and, today, stolen minds. My body of work aims to trace my own story in my own voice, and, on a subconscious level, to reclaim the genetic memory that bonds me with my ancestors.
Pilar Castillo (Belize, 1976) is an artist based in Los Angeles, and proudly represents the Caribbean diaspora. For over twenty years she has been an artist and art professional in the Los Angeles art community with a focus on public art. As a painter and illustrator, she applies handmade processes to design, ranging from publication to product design.
This collage, titled Inhabiting My Interior, seeks to evoke the multi-layered sense of space and time, as well as the corporeal imprint, of two dreams that I shared with the Red Book workshop. In one, I went through a door at the back of a bookshop that opened onto an apartment where I experienced a sense of estrangement. I had a meeting there with some colleagues and then—before we left—was caught taking some clothing that didn’t belong to me. In another, I wandered with a colleague in a medieval European town during a feminist congress, encountering a man selling marigold flowers, associated with the Day of the Dead in Mexico, that formed a seemingly infinite field. The synthesis of these recollections—in poetic rather than literal form—is combined with references to my domestic space, which became the site during the pandemic of the reflexive and creative process in which we shared images and narrations of our dreams and processed them through yoga and drawing.
During the COVID-19 pandemic I had a dream. George Floyd, a Black man, had just been murdered by the police. In LA, protests turned to looting. The dream was about friendship, but anxiety and White guilt were below the narrative.
Karen Cordero Reiman (US, 1957) is an art historian, curator, and writer based in Mexico City. She has authored numerous publications on twentieth and twenty-first century Mexican art and has had a continuous participation in museums as curator, advisor, and researcher. Currently she works on personal creative projects that relate art, literature and history.
Carla Danes (US, 1945) attended the Rhode Island School of Design (BFA 1967), and worked as a community organizer in North Carolina (VISTA 1968–69). She was a textile designer (FIT, AAS, 1970), and she created a school for toddlers (Hunter College, MS, 1987). Most recently, she attended Otis College of Art and Design (MFA, 2001) to make art and she still does.
The dream reminded me of an old song, a round that I learned when I was a girl scout and gives this piece its title. I painted found objects, gold, silver and black and arranged them on a sixteen-inch plastic disk. Circles keep the eye moving. When singing a round, in order for it to sound musical, each singer listens to all of the other voices, while focusing on her own part. It could be a metaphor for curing our ailing democracy.
Mó nica d e l V illa r
N atalie Es pin osa
Ca r men Ga i tá n
Mi silla roja
Del pellejo y el pellejuelo
¿Quién soy en el mundo del arte?
Lápiz de color sobre papel albanene
Tinta sobre papel
Collage digital
MI SUEÑO: Angustia por poder llegar a un auditorio y no encontrar un lugar donde sentarme.
Justo antes y durante la pandemia tuve tres sueños relacionados. En el primero, estoy sentada en el piso cuando de repente alguien me dice que tengo algo en el pie. Miro hacia abajo y veo que de la planta del pie me está creciendo un pequeño nopal.
Voy trazando un recorrido, subida en una plateada, equipada y elegantísima patineta; he sido intrépida y se la he arrebatado a un antiguo funcionario cultural que ostentó bastante poder en el pasado. Haciendo piruetas me deslizo por las calles del Centro Histórico de la ciudad, en el camino me topo con aquellos singulares personajes que construyeron la idea del centro como ombligo de la cultura de nuestro país. La catedral aparece majestuosa, entronizada como reina, rodeada de los edificios en los que se ostenta el poder de este país: Palacio Nacional, la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, la Suprema Corte de Justicia.
MI SILLA ROJA: Elegí una silla como una alegoría de mi búsqueda por encontrar un lugar en el mundo, en la vida. Un asiento donde tocar base y un respaldo para encontrar identidad propia y colectiva. Un rincón de confort, de ser y estar. Y el color rojo, porque me gusta verlo y usarlo. El diccionario define a la silla como “asiento con respaldo, con cuatro patas y en que cabe una sola persona”. En la simbología de arquetipos, la silla representa universalmente un símbolo de autoridad. El rojo, color primario, tiene dos elementos universales asociados con él: el fuego y la sangre. Es el color de las pasiones, del amor y de la ira. MI DIBUJO: Dibujé la silla roja de mi imaginario ya que las sillas de mercado mexicanas siempre me han gustado. La mezcla de madera con asientos tejidos me encanta, se me hace una pareja acogedora y austera para reposar. La muñeca soy yo con los brazos extendidos como señal de “quiero sentarme ahí”. El charco de agua es el origen de la vida y la vela es una luz hasta el final del camino.
Mónica del Villar (México, 1953) estudió en la UNAM y un posgrado en la universidad de Stanford, y ha trabajado en proyectos editoriales y culturales la mayor parte de su vida. Por más de diez años fue directora editorial de la revista Arqueología mexicana y actualmente es directora de proyectos especiales de la editorial Artes de México. Acaba de terminar el libro El Bosque de Chapultepec, sitio sagrado y natural de México (2020).
En el segundo sueño, un grupo de amigos y yo estamos en una casa modernista cuando, sin razón, nos comienza a perseguir una víbora gigante. Nos escondemos, y cuando miro hacia abajo veo que debajo de la piel, cerca del tobillo, hay una pequeña víbora ondeando. En el tercer sueño, una amiga me comenta que está embarazada, pero en lugar de tener una panza redonda, veo que tiene lo que parece ser un muñeco de plástico duro, con los brazos extendidos, debajo de la piel justo a la altura del pecho. ¿Qué es la piel sino un contenedor, una bolsa que toma la forma de lo que llevamos dentro? ¿Cosas que están esperando entre bastidores; cosas que necesitan crecer; cosas que podrían ser, pero no son; cosas que deberíamos dejar ir? ¿Que estás cargando? ¿Deberías sacarlo?
La piedra es imponente, labrada, barroca, es de noche, me orillo frente al edificio de Hacienda, dejó tirada la patineta, me las agencio para conseguir una escalera y la recargo en el inmueble justo abajo de las ventanas con la intención de acceder a su interior para buscar dinero y dar solución a los problemas económicos que aquejan a la cultura de mi país.
Este dibujo está inspirado en un libro llamado La Historia de la Composición del Cuerpo Humano de 1556. Específicamente en las láminas de la sección descrita como “Del pellejo y del pellejuelo y de la tela carnosa que cubre todo el cuerpo, y de la gordura, que está entre el cuero y dicha tela”. Natalie Espinosa (México, 1980) se formó como diseñadora de muebles e historiadora del diseño, pero, en su mayor parte, ha trabajado como administradora de arte en colecciones de arte y museos. Actualmente, colabora en una guía para que los museos en Estados Unidos puedan involucrar y representar de mejor forma a los latinos.
Carmen Gaitán (México, 1958) es una gestora cultural con estudios de arte en la Sorbona. Actualmente es directora del Museo Nacional de Arte, en la Ciudad de México, y miembro de la junta directiva del Association of Art Museum Directors de Estados Unidos. Previamente fue directora del Museo Nacional de San Carlos y el Museo Mural Diego Rivera.
Mó nica d e l V illa r
N atalie Es pin osa
Ca r men Ga i tá n
My Red Chair
Of Skin and Pellicle
Who am I in the art world?
Colored pencil on vellum
Ink on paper
Digital collage
MY DREAM: Anxiety about getting to an auditorium and not being able to find a place to sit.
Just before and during the pandemic, I had three related dreams. In the first, I am sitting on the floor when suddenly someone points out that there is a small cactus growing from the sole of my foot. In the second dream, a group of us are being chased by a giant snake that is slithering its way around a modern house. We hide; I look down, and find a small snake undulating under my skin, near my ankle. In the third dream, a friend tells me she is pregnant, but instead of a round belly I can see that she has a stiff plastic doll under her skin.
I am riding along on a silver and very elegant skateboard. I had been fearless and took it from a former cultural official who wielded a lot of power in the past. Doing pirouettes, I slide through the streets of Mexico City’s historic downtown. On the way, I ran into those unique characters who conceived the idea of downtown as being the navel of culture in our country. The cathedral appears majestic, enthroned like a queen, surrounded by the buildings that hold the power in this country: The National Palace, the Ministry of Finance and Public Credit, the Supreme Court of Justice.
What is skin but a container, a bag that takes the shape of what we carry within? Things that are waiting in the wings, things that need to grow, things that could be but aren’t, things that we need to let go? What are you carrying? Should it be squeezed out?
The carved stone is imposing, baroque. It is night. I stand in front of the Ministry of Finance building, I leave the skateboard on the floor, I manage to get a ladder and prop it up against the building, just below the windows with the intention of going inside to look for money and finally solve the financial problems that afflict the cultural sector in my country.
MY RED CHAIR: I chose a chair as an allegory of my quest to find a place in the world, in life. A seat where you can touch base and a backrest to find your own and collective identity; a comfort corner for just being, and the color red because I like to see it and use it. The dictionary defines a chair as a «seat for one person with a back and four legs.» In archetypal symbology, the chair represents authority. Red, a primary color, has two universal elements associated with it: fire and blood. It is the color of passion, love, and anger. MY DRAWING: I drew the red chair from my imagination since I have always liked Mexican market chairs. I love the mix of wood with woven seats, it’s a cozy and austere combination where one can rest. The traditional doll represents me, with my arms outstretched as a sign of “I want to sit there.“ The pool of water is the origin of life, and the candle is a light at the end of the road.
Mónica del Villar (Mexico, 1953) studied at UNAM and Stanford University and has worked in publishing and cultural projects most of her life. She was the editorial director of the magazine Arqueología Mexicana for more than ten years, and is currently the director of special projects at the publishing house, Artes de México. She recently finished the book Chapultepec Park, Sacred Natural Site of Mexico (2020).
This drawing is inspired by History of the Composition of the Human Body, a book published in 1556. Specifically, by plates described as pertaining to the “skin and pellicle, and the fleshy fabric that covers the entire body, and of the fattiness found between this hide and said fabric.”
Natalie Espinosa (Mexico, 1980) trained as a furniture designer and design historian, but she has primarily worked as an arts administrator in art collections and museums. Currently, she is collaborating on a guide to help museums in the US better represent and engage Latinos.
Carmen Gaitán (Mexico, 1958) is an arts administrator with art studies at the Sorbonne. Currently, she is the director of the Museo Nacional de Arte in Mexico City, and a member of the board of the Association of Art Museum Directors in the US. Previously, she was the director of the Museo Nacional de San Carlos and Museo Mural Diego Rivera.
N ata lia G a rcí a Cla r k
M e rce de s Ge rtz
N a tha l i e Gord on
La venganza de las moscas
Nombrarme
La ola
Fotografía
Fotografía
Collage digital
Se me ocurrieron varias obras al idear un proyecto para el Libro rojo. La primera fue un concierto para mosca titulado Conflicto interno, que consistió en grabar el aleteo de una mosca atrapada dentro de una caja acrílica hasta que ésta encontrara un orificio por donde escaparse. Posteriormente, Conflicto interno se expandió y se convirtió en un conjunto de piezas sonoras para las cuales estuve capturando moscas por meses.
En cuentos de hadas y sueños detecto motivos recurrentes, recordatorios de historias que me han acompañado toda la vida. Por ejemplo, el caer en un agujero, como decimos cuando nos quedamos dormidos, arquetípicamente es una expresión del descenso a un estado más profundo.
El agua es un tema recurrente en mis sueños y lo he tomado como un mensaje de mi subconsciente. En el momento en que tuve este sueño, estaba en un estado muy emocional. Mis padres se estaban divorciando, algo que nunca pensé que me pasaría, ya que sucedió cuando ya era adulta. Hubo mucha falta de comunicación y no me di tiempo para procesar los eventos o para sentarme y pensar en cómo me estaban afectando sus acciones.
Entre investigaciones y apuntes, llegué a alucinar el zumbido de las moscas dentro de mi hogar, y una noche tuve una pesadilla en la cual un grupo de ellas me atacaban mientras estaba dormida. La venganza de las moscas recrea este sueño, reemplazando mi cuerpo por un pedazo de carne que alimenta a estos insectos. El título de la obra puede aludir a una supuesta venganza de parte de las moscas por haberlas atrapado, así como al proceso alimenticio que nos une a ellas a través de la muerte.
Natalia García Clark (México, s.f.) es una artista multidisciplinaria. Se graduó del California Institute of the Arts (CalArts) en 2018 y trabaja entre la Ciudad de México y Los Ángeles. Natalia ha expuesto en la Galería Municipal de Arte de Los Ángeles, la Galería de Arte de York en Inglaterra y la Galería Nacional de Retratos del Smithsonian.
Alicia en el país de las maravillas y el mito de Perséfone han sido de gran impacto para mí. En ambas historias hay una caída al inframundo, una pérdida de la inocencia, un reclamo de individualidad o la importancia de acceder a un estado de profundidad. He pintado estos temas por más de veinte años, y mi sueño de mayo de 2020 me mostró que este tema sigue presente. Pero ahora detecto otro motivo que he representado en mi página de este Libro rojo. Lo que me llama la atención son las herramientas que aparecieron en la narrativa. El poder reflexionar y jugar con ellas me da una sensación de empoderamiento, la capacidad y la agencia para poder nombrarme a mí misma.
Mercedes Gertz (México, 1965) tiene un doctorado en Psicología Profunda del Pacifica Graduate Institute. Desde el 2001 ha trabajado en práctica comunitaria y ha impartido talleres sobre arte para familias latinas en Los Ángeles. También ha ofrecido talleres enfocados en el estudio de los sueños y los cuentos de hadas como lenguaje simbólico en México, Los Ángeles y París. Su trabajo ha sido exhibido en México, Estados Unidos y Europa.
Hice esta pieza después de pensar el sueño una y otra vez. Este collage representa las cosas que destacan para mí: el papel de mi madre y la unidad entre mi hermano y yo en tiempos difíciles.
Nathalie Gordon (Gran Bretaña, 1980) es una fotógrafa que utiliza un estilo hiperrealista inusual pero fantástico. Su trabajo es provocador y está lleno de alto brillo, pero siempre mantiene una representación realista y creíble de sus sujetos. Nathalie actualmente reside en Los Ángeles y trabaja como fotógrafa artística y comercial en Los Ángeles y Londres.
N ata lia G a rcí a Cla r k
M e rce de s Ge rtz
N a tha l i e Gord on
The Revenge of the Flies
The Naming
The Wave
Photograph
Photograph
Digital collage
There were several works that occurred to me when devising a project for the Red Book project. The first was a concert for a fly entitled Internal Conflict, which consisted of recording the flapping of a fly trapped inside an acrylic box until it found a hole through which to escape. Later, Internal Conflict expanded and became a set of sound pieces for which I was capturing flies for months.
In fairy tales and dreams, I detect recurrent motifs, reminders of stories that have been my companions throughout my life. For example, the idea of falling into a hole, like when we “fall” asleep is archetypally an expression for lowering into a deeper state.
Water is a recurring theme in my dreams, and I have taken them as messages from my subconscious mind. At the time this dream took place, I was in a very emotional state. My parents were going through a divorce, which, as an adult, I never thought would happen to me. There was a lot of miscommunication and I didn’t give myself any time to process the events or to sit and think about how their actions were affecting me.
Between doing research and looking at my notes, I even hallucinated the buzzing of flies inside my home, and one night, I had a nightmare in which a group of them attacked me while I was asleep. The Revenge of the Flies recreates this dream, replacing my body with a piece of meat that feeds these insects. The title of the work alludes to a supposed revenge on the part of the flies for having trapped them, as well as to the feeding cycle that unites us to them through death.
Natalia García Clark (Mexico, n.d.) is a multidisciplinary artist. She graduated from the California Institute of the Arts (CalArts) in 2018 and works in both Mexico City and Los Angeles. She has exhibited at the Municipal Gallery of Art in Los Angeles, the York Art Gallery in England, and the Smithsonian’s National Portrait Gallery.
Alice in Wonderland and the myth of Persephone have been hugely impactful for me. In both stories there is a fall into the underworld, perhaps a loss of innocence, a claim for individuality or the importance of accessing a deeper state. I have made paintings with this theme for more than twenty years. My dream from May 2020 proved to me that this theme is still present. However, now I detect another motive, represented in my page of this Red Book. What is calling my attention are the various tools that appeared in the narrative. Thinking about them and playing with them gives me a feeling of empowerment, the ability and agency to be able to name myself.
Mercedes Gertz (Mexico, 1965) has a PhD in Depth Psychology from the Pacifica Graduate Institute. Since 2001 she has worked in community practice, giving workshops to Latino families in Los Angeles. She has also offered workshops in Mexico, Los Angeles, and Paris on the study of dreams and fairy tales as a symbolic language. She has exhibited in museums and galleries in Mexico, the US, and Europe.
I created this piece after replaying the dream in my mind over and over again. This collage depicts the unique things that stand out for me. It highlights my mother’s role, and the unity between my brother and I in times of trauma.
Nathalie Gordon (Great Britain, 1980) is a photographer who shoots with an unusual but fantastic hyper realistic style. Her work is packed with high sheen and edge, yet she is able to maintain a realistic and believable representation of her subjects. She currently resides in Los Angeles and works as both a commercial and fine art photographer in LA and London.
Mali H a d d a d
An dre a Hall
Anne H erl i hy
Caos
Sueño #1
Ramificación
Lápiz, tinta, plumón y calcomanía sobre papel
Pintura digital
Cianotipia
El paisaje es polvoriento, muchedumbre de polvo ¿de hombres? ¿De sombras de hombres, tal vez también mujeres? O de sombras de muertos, de aparecidos. ¿Puedo franquear esa muralla de polvo? ¿O me toparé con un muro compacto de polvo, de sombras cuajadas (o de sombras de polvo cuajado)? Páramo de sombras compactas vuelto piedras. Bruma espesa, se puede cortar. ¿Será que quiero ir hacia allá, encontrarme con “mes morts les plus chers” como quería Baudelaire en Les Fleurs du Mal? Será como Orfeo con Eurídice ¿que al mirarlos desaparezcan? Dice Borges que el alma sin cuerpo juega, goza de libertad.
En mi sueño de abril de 2020, estoy caminando de noche en la Zona Rosa de la Ciudad de México. Voy hacia el restaurante de mi familia, La Fonda El Refugio, que abrió en 1954 y cerró recientemente. En mi sueño, las calles estaban decoradas como para una fiesta de aniversario del restaurante. Había velas y flores. Pregunté quién había hecho esa decoración y me dijeron que mi hermana, una hermana que no sabía que existía. La busqué y cuando la conocí era muy chaparrita y me tuve que doblar para abrazarla. Lloré. Se llamaba Norma (el nombre de la ex esposa de mi novio). En uno de los cuartos del restaurante, Memo, mi esposo, está sentado en una mesa con Ana, una compañera de trabajo que, como él, murió no hace mucho. Yo floto encima de ellos. Durante la cena me doy cuenta de que habían tenido una relación y me siento traicionada. Me da una frustración tremenda porque no están aquí para que los pueda confrontar.
En el sueño con el que elegí trabajar, di a luz un extraño objeto escultórico. Parecía una forma orgánica formada por vainas de semillas y ramas angulares. Lo separé en cuatro partes distintas, y luego cada una se transformó en un bebé. Los bebés corrieron en todas direcciones y los perseguí, con la ayuda de mi esposo Ben y mi amiga Holly. Al procesar este sueño, consideré los significados que los bebés evocan para mí: potencialidad, nuevos comienzos, inocencia, pero también responsabilidad. La responsabilidad de nuevos proyectos, de los frutos de mi trabajo, de las decisiones que tomo. Esto me resuena porque a menudo siento que voy por todos los caminos a la vez. Igual que como los bebés corrían en direcciones distintas y yo los perseguía a todos.
No sé si eso es lo que está detrás de esas puertas infranqueables, de esa oscuridad, de esa pesadilla, de ese caos. No hay luz sin oscuridad, ni creación sin destrucción. La terrible diosa de los mexicas, Coatlicue, revestida de cráneos, de serpientes, propicia la fertilidad, la vida nueva, a partir de la muerte.
Mali Haddad (México, 1944) es promotora de causas sociales y culturales impulsadas por distintas instituciones como el Centro Naturista El Solaz en Querétaro; la Sociedad Mexicana Pro Derechos de la Mujer; el Centro Cultural del Bosque; y la Fundación del Centro Histórico de la Cuidad de México donde desarrolló el programa de oficios para jóvenes desempleados o sin acceso a la escuela. Actualmente escribe, cocina y crea.
Poco después de mi sueño me di cuenta de que la traición que sentía era porque ambos estaban muertos, en un universo muy distinto al mío. Y el restaurante también está, de cierta forma, muerto. Otra cosa por la que estoy en duelo. Pero también, creo que le tengo agradecimiento a la ex esposa de Juan Carlos (mi novio), porque al haberse separado de él, me permite tener felicidad con alguien que está vivo.
Andrea Hall (México, 1965) estudió arte en la Academia de Arte en San Francisco y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas en la Ciudad de México. Después de dedicarse principalmente a la pintura, empezó a hacer fotografía, y a partir de la pandemia de COVID-19, descubrió la posibilidad de pintar digitalmente.
El sueño fue divertido y emocionante, pero también a veces difícil y abrumador. Para procesarlo usé animación, dibujo y grabado (nuevamente, me moví en muchas direcciones). Al analizar el sueño, me di cuenta de que cada uno de los medios se me hizo muy satisfactorio. No es necesario elegir, pero cada uno requiere toda mi atención. Y, a veces, está bien colaborar, recibir ayuda.
Anne Herlihy (Estados Unidos, 1957) se graduó de Wellesley College y vivió en la ciudad de Nueva York. En 1991 se mudó a Santa Mónica y continuó su carrera como diseñadora de productos y artista. Trabaja principalmente con el dibujo y el grabado, pero también realiza proyecciones a gran escala y películas a pequeña escala.
Mali H a d d a d
An dre a Hall
Anne H erl i hy
Chaos
Dream #1
Branching Out
Pencil, ink, marker, and sticker on paper
Digital painting
Cyanotype on paper
The landscape is dusty; a crowd of dust, of men? Of shadows of men, perhaps also shadows of women? Or shadows of dead people, of ghosts? Can I cross that rampart of dust? Or will I run up against a compact wall of curdled shadows or of shadows of curdled dust? Wasteland of compressed shadows turned to stone. Heavy mist one can cut through. Do I want to go towards it, to reunite with “mes morts les plus chers,” as Charles Baudelaire put it in Les Fleurs du Mal? Will it be like Orpheus with Eurydice, that when I look at them, they’ll disappear? Borges says that the soul without the body plays, delighting in its liberty.
In my dream of April 2020, I am walking at night in the Zona Rosa in Mexico City. I go to my family’s restaurant, La Fonda El Refugio, which opened in 1954 and recently closed. In my dream, the streets were decorated for what seems to be the restaurant’s anniversary party. There were candles and flowers. I asked who had decorated it so beautifully and they told me that it was my sister, who I did not know existed. I looked for her, and when I met her, she was very short, and I had to bend over to hug her. I cried. Her name was Norma (the name of my boyfriend’s ex-wife). In one of the rooms of the restaurant, Memo, my husband, is sitting at a table with Ana, a co-worker who, like him, died not long ago. I float above them. During dinner I realize that they have been in a relationship, and I feel betrayed and tremendously frustrated that they are not here for me to confront them.
In the dream I chose to work with, I gave birth to a strange sculptural object. It looked like an organic form made up of seed pods and angular radiating branches. I separated them into four distinct parts, and then each one transformed into a baby. The babies ran in all directions and I chased them, with the help of my husband Ben and my close friend, Holly. In processing this dream, I considered the many meanings that babies evoke for me: potentiality, new beginnings, innocence, but also responsibility—for new projects, for the fruits of my labor, for the choices I make. This resonates with me because I often feel that I am going down all roads at once. Just as the babies ran in separate directions and I chased them all.
I don’t know if that is what is behind those impassable doors, that darkness, that nightmare, that chaos. There is no light without darkness, nor creation without destruction. The terrible goddess of the Mexicas, Coatlicue, dressed in skulls and serpents, promotes fertility, a new life, on the basis of death.
Mali Haddad (Mexico, 1944) is an organizer for social and cultural causes in different institutions such as the Centro Naturista El Solaz in Querétaro; the Mexican Society for Women’s Rights; the Centro Cultural del Bosque; and the Foundation for the Historic Center of Mexico City where she developed a program to provide life skills to unemployed young people, or those without access to schooling. She currently writes, cooks, and creates.
Soon after I had that dream, I realized that the betrayal I felt came from the fact that they were both dead and in a universe that is very different from mine. The restaurant, in a certain way, is now also dead. Another thing I’m grieving for. But I am also thankful to Juan Carlos’s ex-wife, probably because by leaving him, it allowed me to be happy with someone who is alive.
Andrea Hall (Mexico, 1965) studied art at the San Francisco Art Academy and at the Escuela Nacional de Artes Plásticas in Mexico City. After mainly dedicating herself to painting, she began to go into photography, and after the COVID-19 pandemic, she discovered the possibility of digital painting.
The dream was funny and exciting, but also at times difficult and overwhelming. To process it, I used animation, drawing, and printmaking (again, many directions). In analyzing the dream, I realized that each of the mediums was highly satisfying. There is no need to choose, but each one requires my full attention. And at times, it is okay to collaborate, to have help.
Anne Herlihy (US, 1957) graduated from Wellesley College and lived in New York City. In 1991 she moved to Santa Monica and continued her career as a product designer and artist. She works primarily with drawing and printmaking, but she also does large-scale projections and small-scale films.
N an cy L o u is e Jo nes
V ivian a Ku ri
D i a na M a g a l oni
Mito de la realidad
Autorretrato
La mirada del cuervo
Cuadro de animación digital
Cuadro de video, 2’ 19’’
Escultura realizada con materiales encontrados
Sueño hacia la luz, hacia un espacio brillante Escaleras subiendo, hasta el resplandor. Hola mamá Estudio nuevo, 2 habitaciones. Espacio despejado, lienzos listos Lista, flota, espacio, pensamientos agitados, instinto. Pausa, decrescendo, ¿qué era esa pieza? Ah, sí, la cuarta de Schumann. Leonard, ¿es esa tu batuta? Pura alegría. Asciende, 2 habitaciones resplandecen, los lienzos se han ido. Desciende.
De risa fácil, abría la boca en carcajada franca y contagiosa, y sin vergüenza asomaba unas encías rosas, desnudas. No tenía dientes. Un par quizá, pero se reía mucho, ante cualquier pretexto.
Soñar es mirar la mente manifestada dentro de mí. ¿Dónde termina el mundo? ¿Dónde empiezo? Ahora soy un cuervo. Con alas negras que brillan con destellos verdes, azules y morados. A través de mis ojos El mundo se abre Como una granada madura. Cada grano es un ojo Que mira desde dentro Cada ojo mira desde diversos puntos de vista
Me contó que alguna vez tuvo cinco hijos. Hacía años que no sabía de ellos, ni dónde estaban. Ahora estaba sola. Una vez abrí la puerta de su cuarto que mantenía siempre cuidadosamente atrancada. Descubrí una montaña de ropa, trapos y basura, y si es que había una cama, estaba sepultada, invisible, entre los cacharros. Me arranqué los cuatro dientes frontales, los incisivos superiores. Lo hice porque era necesario para que pudieran bajar y crecer los nuevos. De pronto tuve miedo ante la duda: ¿Qué tal si esos eran los buenos? ¿Qué tal si me arranqué los definitivos y me quedo chimuela? Llegaron a verme unas extrañas que en el sueño reconocía. “Ay qué pena,” les decía, “me acabo de arrancar los dientes”. “Ay no te preocupes, ni se te nota”, me decían para tranquilizarme. Al final del sueño, menos mal, me crecieron los dientes buenos. Fuertes.
Nancy Louise Jones, (Estados Unidos, 1952) recibió su licenciatura en arte de UCLA. Mientras estaba en la escuela, estudió con William Brice, experiencia que consolidó su compromiso con las artes, especialmente en las ramas de la pintura y el dibujo. Sus obras se encuentran en colecciones privadas e institucionales a nivel internacional. Ha exhibido sus pinturas y dibujos en Estados Unidos y en el extranjero.
Viviana Kuri (México, 1970) es curadora de arte moderno y contemporáneo. Desde 2013, ha sido directora y curadora en jefe del Museo de Arte de Zapopan (MAZ), un museo de arte contemporáneo en Guadalajara, México. Recientemente ha estado aprendiendo a escuchar a sus sueños, a su cuerpo y a Tope, su perro pastor alemán.
Hay un nido Con un ser humano envuelto en su interior El cuervo deposita comida en el borde del nido Como ofrenda Luego se va volando Disfrutando de los coloridos patrones de los resplandores de sus alas contra el cielo La mirada del cuervo Entiende Todo está conectado No hay una sola historia sino múltiples Como los ojos de la granada ¿Es este el nido de una madre protectora? ¿Es esta nuestra casa después del divorcio? ¿Estás enredado en medio de él, o soy yo? ¿Creamos este enredo juntos? ¿Por qué solo un ser reside dentro del nido? ¿Eso es estar atrapado? ¿O es una crisálida a punto de abrir las alas y volar?
Diana Magaloni (México, 1961) es una historiadora y conservadora del arte que se especializa en el arte y las culturas de la América indígena. Como investigadora, su trabajo se centra en comprender las elecciones materiales y técnicas realizadas por los antiguos artistas de América como una forma de comprender su visión del mundo. Actualmente trabaja como curadora en jefe en LACMA y como directora del Centro de Conservación. Escribe poesía y ficción.
N an cy L o u is e Jo nes
V ivian a Ku ri
D i a na M a g a l oni
Myth of Reality
Self-Portrait
Raven’s Gaze
Still from digital time lapse
Still from video, 2’ 19’’
Sculpture made with found materials
Dream into the light, into a bright space Stairs ascending, up to the glow. Hi Mom New studio, 2 rooms. Clear space, canvases set to go Ready, float, space, thoughts roiling, instinct. Pause, decrescendo, what was that piece? Ah yes, Schumann’s 4th. Leonard is that your baton? Pure joy. Ascend, 2 rooms aglow, the canvases are gone. Descend.
She opened her mouth in a burst of forthright, infectious laughter, revealing, without embarrassment, her bare pink gums.
Dreaming is looking at the manifested mind within myself. Where does the world end? Where do I begin? I am now a Raven. With black wings that flash green, blue and purple glows. Through my eyes. The world opens Like a ripe pomegranate. Each grain is an eye That looks from within Each eye gazes from diverse vantage points
She told me she had once had five children. She hadn’t heard from them for years, didn’t even know where they were. Now she was alone. Once, I opened the door to her room, which she always kept firmly bolted. I discovered a pile of clothing, rags, and trash. If there was a bed there at all, it was invisible, buried under the junk. I pulled out my four front teeth, the upper incisors. I did it so that there would be room for the new ones to grow. But suddenly, I was apprehensive. What if those were the good ones? What if I had pulled out my permanent teeth and left myself toothless? Some strange women arrived, whom I recognized in my dream. “I’m so sorry,” I told them, “I just pulled out my teeth!” “Oh, don’t worry,” they replied to reassure me, “You can’t even tell.” It was just as well. At the end of the dream, my good teeth grew in. Strong ones.
Nancy Louise Jones, (US, 1952) received her Bachelor of Fine Arts degree from UCLA. While in school, she studied with William Brice, an experience which solidified her commitment to the arts with a specialty in painting and drawing. Her artwork is in private and corporate collections internationally. She has exhibited her paintings and drawings throughout the United States and abroad.
Viviana Kuri (Mexico, 1970) is a contemporary and modern art curator. She has been the director and chief curator of the Museo de Arte de Zapopan (MAZ) since 2013, a contemporary art museum in Guadalajara, Mexico. Recently she has been learning to listen to her dreams, her body and her German Shepherd, named Tope.
There is a nest With a human being wrapped inside it The Raven deposits food at the edge of the nest As an offering Then flies away, Enjoying the colorful patters of the glows of its wings against the sky The Raven’s gaze Understands Everything is connected There is not one single story but multiple Like the eyes of the pomegranate Is this the nest of a protective mother? Is this our house after the divorce? Are you entangled in its midst, or is it me? Did we create this entanglement together? Why does only a single being reside inside the nest? Is that being trapped? Or is it a chrysalis about to open its wings and fly?
Diana Magaloni (Mexico, 1961) is an art historian and conservator who specializes in the art and cultures of Indigenous America. As a researcher, her work is centered in understanding the material and technical choices made by ancient American artists as a way to understand their worldview. She currently works as a head curator at LACMA and as the director of the Conservation Center. She writes poetry and fiction.
C ar men M a r isc a l
Bre n da M cDon ald
Ad ri a na M ed i na
¿O, quizá el espejo ya no era mío?
Casa
Video y collage
Papel, fotos y negativos
Ojo del Ser Yo del Ser Fotografía, palabras y video
El collage nació de fotografías tomadas durante un performance privado que realicé utilizando la máquina de escribir de mi suegra que encontré en la casa a donde pasé el confinamiento. Esta máquina de escribir es idéntica a la que tenía mi abuelo cuando yo era niña. El confinamiento en Francia fue muy estricto, podíamos salir únicamente con un permiso a comprar comida y medicinas. Durante ese angustiante tiempo soñé que me encontraba al prefecto de disciplina del colegio de mis hijos en mi estudio, él estaba tecleando frente a una máquina de escribir. A través de una puerta escondida aparecieron decenas de clones del prefecto, hombres idénticos tecleando sin parar. Terminé el sueño con la pregunta: ¿O, quizá el espejo ya no era mío? Días después, me dediqué a escribir la pregunta una y otra vez con la máquina, como los niños que deben repetir algo como castigo. No entendí por qué esta pregunta. ¿Quizá porque estaba en medio de objetos que no me pertenecían, en un país que no es el mío? ¿Quizá porque ya no me reconozco en la imagen que veo? ¿Quizá por que ya no importa quién está reflejada en la imagen ni quién la posee?
Carmen Mariscal (Estados Unidos, 1968) investiga la memoria, la fragilidad y el encierro a través de la fotografía, la escultura, el sonido, el cine, escenografías e instalaciones teatrales. Actualmente es candidata a doctorado en el Royal College of Art y está trabajando en el diseño de una escenografía teatral para una obra basada en la escritora isabelina Mary Sidney. Vive en Londres.
En el día que me llaman a Casa, Mi padre y mi hermano vienen por mí. Mi cuerpo, un salto por delante de mi mente ya ha comenzado a rendirse. Astillas emplumadas, iridiscentes a la luz, toman vuelo. Mi madre aparece brevemente. La criatura madre, con poco instinto maternal, se mueve por dentro del tejido de mi mano y continúa por mi brazo. Asegurándome que ha estado conmigo siempre, dentro de mí, como una vez estuve dentro de ella, amándome, protegiéndome. Estamos reconciliadas, somos una. Me saludan extraños y amigos, me invitan a unirme con ellos.
Sueño que el edificio donde estoy se derrumba por un temblor. Mi mente permanece tranquila en todo momento, presente… No me toca ni un solo polvo del derrumbe. Estoy en un triángulo de seguridad, en la planta baja, junto a la entrada principal. Ella me dice: “Mantener el corazón y la mente tranquilos pase lo que pase…” Él me dijo: “Nada es lo que parece…” Eso me guía internamente, la transparencia de la mente. Despierto. Mi mente sigue en ese mismo estado; presencia y tranquilidad.
Caminamos por un paisaje extraño, pero familiar. Mis pensamientos continúan uniéndome a este mundo mientras me llevan al siguiente. Me muestran mi escape, mi salida, mi entrada, abarrotada de diversiones. ¿Son reales? ¿Prevalecerán mis pensamientos? Mis guías están ahora varios niveles abajo, pidiendo confianza… respiro, doy un paso. ¡Me elevo!
Brenda McDonald (Estados Unidos, 1957) es psicoterapeuta con una práctica privada. Sus herramientas terapéuticas incluyen el análisis de los sueños, la terapia artística y el trabajo con collage. El WSLA ha sido su introducción a la expresión artística personal. Está agradecida por el privilegio de estar asociada con estas gentiles y talentosas mujeres.
Adriana Medina (México, 1981) es una artista interdisciplinaria. Sus principales lenguajes artísticos son la fotografía, el clown teatral y la experimentación vocal. Ha compartido su trabajo artístico en México, Estados Unidos, Cuba y China. Es cofundadora y codirectora de Yo S oY Semilla Clown. Sus pasiones son respirar, la contemplación, la ecología y una taza caliente de té.
C ar men M a r isc a l
Bre n da M cDon ald
Ad ri a na M ed i na
Or maybe the mirror was no longer mine?
Home
Video and collage
Paper, photos, and negatives
Eye of the Self I of the Self Photography, words, and video
This collage is made with photographs taken during a private performance I made using my mother-in-law’s typewriter, which I found in the house where I spent the confinement. This typewriter is identical to the one my grandfather had when I was a child. The lock down in France was very strict, we could only go out to buy food and medicine, and always with a permit. During that distressing time, I dreamed that I had a meeting in my studio with the prefect of discipline of my children’s school. He was typing at a typewriter. Through a hidden door, dozens of clones of the prefect appeared; identical men typing without stopping. The dream ended with the question, “Or, maybe the mirror was no longer mine?”
On the day I am called Home, My father and brother come for me. My body, a leap ahead of my mind, has already begun to surrender. Feathered slivers, iridescent in light, taking flight. My mother briefly appears. The mother creature, with little mothering instinct, crawling inside the tissue of the web of my hand and continuing up my arm. Assuring me she has been with me always inside me, as I was once inside her loving me, protecting me. We are reconciled, we are one. I am greeted by strangers and friends, invited to join them.
Days later, I typed the question over and over again, like a child that had been assigned to repeat it as a punishment. I did not understand why I had dreamed of this question. Maybe because I was in the midst of objects that did not belong to me, in a country that is not mine? Maybe because I no longer recognize myself in the image I see? Or maybe because it no longer matters who is reflected in the image or who owns it?
We walk through strange, yet familiar landscape. My thoughts continue to bind me to this world as I am led to the next. I am shown my escape, my exit, my entrance, cluttered with diversions. Are they real? Will my thoughts prevail? My guides are now several levels below, urging trust…I breathe, I step. I soar!
Carmen Mariscal (US, 1968) investigates memory, fragility and confinement through photography, sculpture, sound, film, theatre set designs and installations. Currently she is a PhD candidate at the Royal College of Art, and she is working on the set design for a play based on the Elizabethan writer Mary Sidney. She lives in London.
Brenda McDonald (US, 1957) is a psychotherapist with a private practice. Her therapeutic tools include dream analysis, art therapy, and collage work. The WSLA has been her introduction to personal art expression. She is grateful for the privilege to be associated with these gracious, talented women.
I dream that there’s an earthquake that makes the building I’m in fall down. My mind remains at peace every moment, present… Not even a dust particle touches me. I am in a triangle of life, in the lobby of the building, right next to the main entrance. She tells me: “Remain with your heart and mind at ease whatever happens…” He told me: “Nothing is what it seems…” This guided me internally, the transparency of the mind. I wake up. My mind remains in that inner state, present and at ease.
Adriana Medina (Mexico, 1981) is a multidisciplinary artist. Her main artistic languages are photography, theatrical clowning, and voice experimentation. She has shared her work in Mexico, the US, Cuba, and China. She is the co-founder and co-director of Yo S oY Semilla Clown. Her passions are breathing, contemplation, ecology, and a hot cup of tea.
J an i ce M elt o n
He idi M e zzate s ta
Step ha ni e M orton-M i l l stei n
MI padre y los momentos de aprendizaje
Inconcluso
Pequeños monstruos
Collage de diferentes papeles, lino y pintura para tela sobre
Arcilla
Cerámica esmaltada
El sueño que compartí con el WSLA ofrece un aspecto dual. El primero se expresa en la actividad de explorar el universo en busca de una nueva vida, mirando hacia afuera, impulsado por el ego y el narcisismo; la conexión con el arquetipo del patriarcado capitalista supremacista blanco donde el objetivo es conquistar y controlar. La segunda parte del sueño ofrece una oposición a la primera parte: el arquetipo del femenino oscuro, en este caso la "solterona judía". La imagen está envuelta en los aspectos “avergonzados” de lo femenino: solterona, musaraña, no deseada, forastera, simple y desaliñada. Las dualidades del sueño son compensatorias y reveladoras. Los arquetipos de masculino y femenino se encuentran para avergonzar y socavar. Sin embargo, ambas partes del sueño revelan potenciales: una pepita que se ve en la pantalla que muestra el universo que representa la nueva vida: una representación del proceso interior e introvertido, por un lado, y un bolso sagrado robado, dañado y restaurado; un símbolo que representa encontrar y mostrar la propia identidad o sentido de sí mismo en el otro.
Hice dos cabezas de cerámica; cada una de seis pulgadas de alto con múltiples capas de esmalte. Al procesar el sueño que compartí para el Libro rojo, lo que descubrí fue una gran cantidad de miedo inconsciente en torno a la maternidad proveniente de traumas de mi niñez. Durante mi sueño, cuando encuentro los dos huevos abriéndose en la habitación de mis hijos, no tengo miedo, pero elijo separarme y fingir que nada está sucediendo. La elección representa un comportamiento de evitación y uno en el que estoy interesada en investigar más, tanto en mi vida real como en mi estado de sueño activo.
madera
Tuve este sueño por primera vez cuando tenía siete años, después de los asesinatos de Martin Luther King y Robert Kennedy, y hasta el día de hoy todavía lo tengo. Parece ser el funeral de mi padre, pero no me da miedo ni tristeza. Se siente como un momento feliz en el que todos aquellos que conocieron y respetaron a mi padre rodean un largo autobús escolar amarillo que lleva su cuerpo. Un hombre negro, nacido y criado en Los Ángeles, mi padre era profesor. Durante su larga carrera, impartió clases para niños durante el día y para adultos por la noche. Realmente amaba su trabajo. Su semblante tranquilo imponía respeto y autoridad, pero también ofrecía empatía y orientación a quienes querían aprender. Les enseñó a las personas a ayudarse a sí mismas. Él era políticamente activo y se sintió obligado a llevarme a los Disturbios de Watts cuando era niña para que pudiera presenciar la historia. Me he dado cuenta de que nuestro tiempo juntos, ya sea a través de actividades estructuradas u ocasiones improvisadas, a menudo eran momentos de aprendizaje.
Janice Melton (Estados Unidos, 1961) tiene una licenciatura en práctica artística de la Universidad de California, Berkeley y ha estudiado en la Otis School of Art and Design y en la New School de la ciudad de Nueva York. Su trabajo artístico previo incluye The Box Project con el WSLA.
En el proceso de encontrarme con este sueño en el contexto de otros sueños y momentos sincrónicos, me encuentro con una imagen familiar: un bloque, la cosa que continuamente se remodela, se destruye, se disuelve y se integra.
Heidi Mezzatesta (Estados Unidos, 1961) es psicoterapeuta. Escucha las historias de personas heridas, curiosas y valientes, y facilita el nombramiento del monstruo molesto. Ella cree que la psicoterapia ofrece la oportunidad de desarrollar una relación con el monstruo, de comprender su propósito y significado en nuestras vidas.
Stephanie Morton-Millstein (Estados Unidos, 1970) es una artista apasionada por mantener el arte en las escuelas públicas y trabaja como profesora de arte voluntaria, activista y defensora de la igualdad en la educación. Admira la obra de la fotógrafa Diane Arbus, la pintora expresionista abstracta Helen Frankenthaler y la escultora Louise Bourgeois.
J an i ce M elt o n
He idi M e zzate s ta
Step ha ni e M orton-M i l l stei n
MY Father and the Teachable Moments
Unfinished
Little Monsters
Collage of various papers, linen, and fabric paint on wood
Clay
Clay
The dream reported to WSLA members offers a dual aspect. The first is expressed in the activity of exploring the universe for new life, outward facing, ego driven, and narcissistic—the connection to the archetype of White supremacist capitalist patriarchy where the goal is to conquer and control. The second part of the dream offers an opposition to the first part—the archetype of the dark feminine as named “Jewish spinster.” The image is cloaked in the “shamed” aspects of the feminine: spinster, shrew, unwanted, outsider, plain, and dowdy. The dualities of the dream are compensatory and revealing. The archetypes of masculine and feminine meet to shame and undermine; however, both parts of the dream reveal potentials: a nugget seen on the screen displaying the universe representing new life—a depiction of the interior, introverted process, on the one hand, and a stolen, damaged, and restored sacred purse—a symbol of finding and displaying one’s identity or sense of self on the other.
I created two ceramic sculpture heads. Each one is six inches tall with multiple layers of glaze. As I processed the dream I shared for the Red Book, I discovered a large amount of unconscious fear around motherhood stemming from childhood trauma. During my dream, I find two eggs hatching in my children’s bedroom, but I am not scared, I choose to detach and pretend that it didn’t happen. The choice represents avoidant behavior, which I am interested in investigating further, both in my daytime life and in my active dream state.
panel
This dream first came to me when I was seven years old, after the assassinations of Martin Luther King and Robert Kennedy, and it still comes to me today. It appears to be my father’s funeral, but it is not scary, nor does it make me sad. It feels joyous as those who knew and respected my father surround a long yellow school bus that carries his body. A Black man born and raised in Los Angeles; my father was a teacher. During his long career, he taught children during the day and adults at night. He truly loved his vocation. His quiet demeanor commanded respect and authority, yet he also offered empathy and guidance to those wanting to learn. He taught people to help themselves. He was politically active and felt compelled to take me to the Watts Riots when I was a small child so I could witness history. I’ve come to realize that our time together, whether via structured activities or impromptu occasions, were often teachable moments.
In the process of meeting this dream in the context of other dreams and synchronistic moments, I meet a familiar image: A block— the thing to continually reshape, destruct, dissolve, and integrate.
Janice Melton (US, 1961) holds a BA in Art Practice from the University of California, Berkeley and has studied at the Otis School of Art and Design and the New School in New York City. Previous work includes The Box Project with the WSLA.
Heidi Mezzatesta (US, 1961) is a psychotherapist. She listens to the stories of individuals who are wounded, curious, and courageous, and she facilitates the naming of the burdensome monster. She believes psychotherapy offers an opportunity to develop a relationship with the monster, to understand its purpose and meaning in our lives.
Stephanie Morton-Millstein (US, 1970) is an artist who is passionate about keeping art in public schools, working as a volunteer art teacher, activist, and advocate for equality in education. She admires the work of Diane Arbus, abstract expressionist painter Helen Frankenthaler, and sculptor Louise Bourgeois.
Eri c a M ur a lles Ha zbun
Van n e ssa Nacif
Sandra Pani
Sin título
Encontrando mi luz
Mi tórax
Bordado con hilo de plata
Lápiz y plumas de pájaro sobre lienzo
Lámina de plomo con hoja de oro grabada y perforada
Para esta pieza partí de un sueño. Entré a una habitación blanca vacía para meditar y comunicarme con seres de otro planeta, ellos me ayudaron a moverme hacia otra realidad. Una vez allí, nadé en una sustancia gelatinosa rodeada de formas irregulares y colores extraños; podía hacer lo que quisiera, nadie sabía que estaba allí, me sentía feliz. Después, me desconectaba de la meditación y me encontraba en la habitación blanca vacía, tal como estaba cuando entré por primera vez.
El 23 de marzo del 2020 me visitaron, en mi sueño, varios animales poderosos. En su momento no tenía idea de su significado. Cuando empecé a investigar sobre el significado de estos animales místicos, me impacto leer sobre su intuición. Estoy convencida que mi sueño fue como un mensaje del más allá y de mi propia intuición. El jaguar me estaba preparando para los cambios que estaban por venir y para seguir adelante sin miedo. El halcón me trajo el mensaje que confiara en mi intuición y en mi poder espiritual. El búho anunció la muerte. El cuervo me estaba alentado y recordando que hay luz dentro de la oscuridad, y también, pidiéndome que escuchara y pusiera atención a mi poder personal. Una vez más, los insectos me informaron que estuviera consciente. La botella verde simbolizó mi corazón y la lluvia hizo una limpia. Lo que no sabía en el momento, es que mi papi moriría dos meses después. El 21 de mayo le dio un ataque fulminante. Y aunque estoy segura de que él está en paz, esto cambió mi vida para siempre. Este sueño me recordó del poder de los animales y que debo escuchar a mi voz interior.
Es increíble los alcances de los mensajes que el inconsciente nos envía, auténticos regalos. Estoy trabajando aún sobre un sueño que tuve en el 2007. En él aparece la figura de Cristo, y la búsqueda del cuadro El descendimiento de Rogier van der Weyden, relacionado a la transformación a través del sufrimiento encarnado. El sueño ya dio para la creación de toda una serie de dibujos llamada De ser árbol.
Vannessa Nacif (México, 1974) es la más chica de tres hermanas. Su madre es judía-norteamericana y su padre mexicano-libanés. Lleva dieciséis años de casada y tiene dos hijos maravillosos. Los sueños son una de sus grandes pasiones y, de hecho, le han apasionado desde los siete años.
Sandra Pani (México, 1964) realizó sus estudios en Londres en la Chelsea School of Art y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas en México. Su trabajo se ha centrado en la búsqueda de la identidad a través de la exploración de la corporalidad y el sufrimiento encarnado. Editorial Turner publicó una monografía de su obra en 2020.
Hice dos piezas. En el primer bordado interpreto la parte de entrar en el espacio en blanco, como la necesidad de comunicarme conmigo misma. La representación se realiza en forma de círculos, evocando actividades mentales en las que se tiende a dar vueltas de forma repetitiva. En el segundo bordado, me baso en algunos análisis e interpretaciones dadas por el grupo de mujeres con las que trabajé. Específicamente en un cuestionamiento: ¿es posible que esto haya sido real? Por eso, bordé la forma de las cicatrices que tengo en mi cuerpo como evidencia de algo que sucedió, aunque se haya dejado atrás.
Erica Muralles Hazbun (Estados Unidos, 1982) es una artista cuyas exposiciones individuales recientes incluyen Sound-Space (2015) y Cualquier otra realidad (2017), en la Galería de Arte Contemporáneo Sol del Río en Guatemala. También ha participado en más de veinte exposiciones colectivas, entre ellas la X Bienal Centroamericana que se llevó a cabo en la Galería Despacio en Costa Rica. Vive y trabaja en la ciudad de Guatemala.
Hoy, trece años después, aún sigo trabajando con la energía del sueño. Estas obras surgen a raíz de una radiografía de tórax, calada, siguiendo el patrón de las ramas de unos árboles que están en la ventana donde coloqué la radiografía. Este es del tórax de mi abuela, por lo que es una metáfora de las heridas y la transformación de lo femenino. Por un lado, las ramas como cicatrices o heridas, pero al mismo tiempo con todo el potencial de sanar. Toda mi obra está formada de una especie de acumulación de imágenes, de sensaciones, de estados psíquicos y la simultaneidad de éstos. Al final, el oro en la herida como resultado de la trascendencia del sufrimiento. Cada obra como huella, impresión o registro de una sensación.
Eri c a M ur a lles Ha zbun
Van n e ssa Nacif
Sa nd ra P a ni
Untitled
Finding My Light
My Thorax
Embroidery with silver metal thread
Pencil and bird feathers on canvas
Engraved and perforated lead sheet with gold leaf
For this piece I began with a dream. In my dream I entered an empty white room to meditate and communicate with beings from another planet, they helped me move into another reality. Once there, I swam in a gelatinous substance surrounded by irregular shapes and strange colors; I could do whatever I wanted, nobody knew I was there, I felt happy. Afterwards I would disconnect from meditation and find myself in the empty white room, just as it was when I first came in.
On March 23, 2020, in my dream, I was visited by powerful animals, which did not mean much at the time. As I began to research spirit animals and their meanings and messages, I was quite surprised to read how intuitive all these animals are. I came to realize that my dream was a wake-up call, a message, an omen from my own intuition or from higher powers. The jaguar was telling me there would be great changes in my life and to move forward without fear. The hawk brought me the message to remember to connect with my intuition and my higher self, as the owl announced a death would be coming. The raven was telling me to have courage and find the light within the darkness that was to come, to listen and pay attention to my personal power. The insects were again telling me to be aware. The green bottle symbolized my heart and the rain was there to cleanse it all. What I didn’t know then, that I know now, is that my father would pass away on May 21, from a sudden and peaceful heart attack that would change my life forever. I have been reminded to be in touch with the animal world and listen to my inner voice.
The scope of the messages that the unconscious sends us is incredible, they are real gifts. I am still working on a dream I had in 2007. In it, the figure of Christ appears, and I am searching for the painting The Descent from the Cross by Rogier van der Weyden. The dream has already led to the creation of a series of drawings called De ser árbol.
Vannessa Nacif (Mexico, 1974) is the youngest of three sisters. Her mother is Jewish American and her father, Mexican Lebanese. She has been married for sixteen years and has two amazing kids. She has been passionate about dreams since she was seven years old, and she still is!
Sandra Pani (Mexico, 1964) studied at the Chelsea School of Art in London and at the Escuela Nacional de Artes Plásticas in Mexico. Her work has focused on the search for identity through the exploration of corporeality and embodied suffering. In 2020, Editorial Turner published a monograph of her work.
I made two pieces. In the first embroidery I interpreted my entrance into the blank space as the need to communicate with myself. I represented this by embroidering circles over and over again, evoking repetitive mental activity. For the second embroidery, I relied on some of the associations and interpretations given to me by the group of women I worked with. Specifically, a question if this had been real. For that reason, I embroidered the shape of the scars I have on my body as the evidence of something that took place, even if it was been left behind.
Erica Muralles Hazbun (US, 1982) is an artist whose recent solo exhibitions include SoundSpace (2015) and Any Other Reality (2017) at the Sol del Río Contemporary Art Gallery in Guatemala City. She has also participated in more than twenty collective exhibitions, including X Central American Biennial, at the Despacio Gallery in Costa Rica. She lives and works in Guatemala City.
Today, thirteen years later, I am still working with the energy from that dream. These works are based on an X-ray that I placed by a window. I pierced it following the pattern of the branches of the trees behind it. The X-ray is of my grandmother’s thorax, so it is a metaphor for the wounds and the transformation of the feminine. On the one hand, the branches are scars or wounds, but at the same time they have all the potential to heal. All my work is made up of a kind of accumulation of images, sensations, psychic states and their simultaneity. In the end, the gold in the wound represents the transcendence of suffering. Each work is the trace, impression or record of a sensation.
Yol a nd a P a u lsen
Car me n Pé re z Pin e da
Cl a ud i a P ol a nc o
Quinto movimiento
Aprendiendo a volar
Rojo
Tinta sobre papel
Tela y bordado
Collage digital
Sueño
Coser tiene un gran valor y significado para mi... une cosas. Y es metamórfico. Puedes crear algo nuevo a través de la transformación de nuevos materiales, y de igual forma te permite modificar algo que ya existe y darle una nueva vida. Pero lo que es más importante, es que me inspira a arreglar algo que está dañado o roto.
Mientras navego por este mundo en un momento de transición crucial, una vez más me he encontrado rodeada por el color rojo, el color que me acompañó en mis sueños, noche tras noche, durante mi infancia.
Entré a un pequeño templo, iluminado solo por la luz del exterior. Tenía unas bancas de madera. Una amiga de la infancia me esperaba. Nos saludamos y caminé hacia un mueble ancho del que saqué una charola que contenía piezas de joyería cubiertas con una tela de algodón empolvada. Obra Este verano he estado observando a la naturaleza en un estanque que está en el campo. Descubriendo sus tesoros que se van develando poco a poco, como las distintas criaturas, grandes y pequeñas, que habitan este gran recipiente con agua que se transforma según va llegando, el sol, la luna, la lluvia o las estrellas.
Yolanda Paulsen (México, 1963) es una artista visual que vive y trabaja en Winnipeg, Canadá y la Ciudad de México. A través de la escultura, la instalación y el dibujo explora cómo todas las cosas, animadas e inanimadas, están interconectadas y forman una unidad.
Esta pieza es una especie de amasijo de girones de tela de una vieja funda de almohada e hilos que representan acontecimientos que te forman como persona, que definen tu personalidad. El sueño trata sobre aprender a volar, aprender a vivir, a lidiar con traumas y a resolverlos. Adquirir control sobre algunas situaciones de mi vida a lo largo de los años me ha dado control sobre mis sueños.
Hablé de este sueño, pensando que no era muy profundo ni significativo, y, por lo tanto, era intrascendente. Estaba equivocada. Me di cuenta de la presencia constante y a veces abrumadoramente insistente de este color en mi vida. Es el color de la sangre, la pasión, el dolor y la vida. Apareció en mi investigación cuando me enteré de la Habitación roja de Louise Bourgeois y en las notas de mis hijos que eran rojas como la sangre. Me di cuenta de que tengo muchos lápices labiales rojos que siempre me quito antes de salir. Me encontré con un recipiente de plástico ordinario con restos de tintura de color rojo brillante, lo más básico. La última pieza de mi vida aún no se ha creado, me encuentro en las etapas básicas de mi despertar, soy como ese recipiente casi vacío, con tanto espacio y potencial, y una pizca de un poderoso color primario listo para convertirse en algo; nacer de algo con tanta fuerza, nacer del rojo.
Carmen Pérez Pineda (España, 1976) estudió negocios y moda. En Londres trabajó como consultora de moda. Después de mudarse a Los Ángeles en 2011, fundó Cats with a Heart, que recicla las telas de diseñadores, emplea y capacita a mujeres en prisión y lucha contra el trabajo infantil. El proyecto ahora está enfocado en la Ciudad de México, donde pasa la mayor parte de su tiempo.
Claudia Polanco (México, 1974) ha contado historias delante y detrás de la cámara, y actualmente crea videos para apoyar a su comunidad local y escena artística. Ella cree que los niños son la fuerza impulsora del mundo y por eso aboga por ellos. Es la fundadora de Kids Have Power, un programa de inteligencia emocional y una escuela en línea que empodera a los niños.
Yol a nd a P a u lsen
Car me n Pé re z Pin e da
Cl a ud i a P ol a nc o
Fifth Movement
Mastering Flying
Red
Ink on paper
Fabric and embroidery
Digital collage
Dream: I entered a small temple, lit only by the light of the street. There were wooden benches. A friend from my childhood was waiting for me. We exchanged greetings and I walked over to a large cabinet from which I took a tray with pieces of jewelry that were covered with a dusty cotton cloth.
Sewing and stitching have a strong and meaningful significance to me. They put things together, and they are metamorphic. While with sewing you can create something by transforming raw materials into a new object, sewing also allows you to alter something that already exists, giving it a new life. What’s more, it allows me to fix something that is damaged or broken.
As I navigate this world in a crucial transitional time, I have once more found myself surrounded by the color red, the color that accompanied me in my dreams, night after night, throughout my childhood.
Work: This summer I have been observing nature in a pond in the forest. I have been discovering treasures that slowly show up as the day progresses; the different creatures, big and small, that live in this vessel of water. I see how life transforms as the sun, moon, rain and stars arrive.
This piece is a sort of an amasijo (jumble) made of strips of an old pillowcase and thread representing all the events in life that alter and form you as a person. My dream was about learning to fly, about learning to live, to deal with trauma and to heal from it. Gaining control of the things that have happened in my life over the years, gave me control in my dreams.
Yolanda Paulsen (México, 1963) is a visual artist who lives and works in Winnipeg, Canada, and Mexico City. Through sculpture, installation, and drawing, she explores how all things, animate and inanimate, are interconnected and form a unity, a whole.
Carmen Pérez Pineda (Spain, 1976) studied business and fashion. In London, she worked as a fashion consultant. After moving to Los Angeles in 2011 she started Cats with a Heart, which upcycles fabrics used by designers, employs and trains women in prison, and fights against child labor. The project is now focused in Mexico City where she spends most of her time.
I spoke about this dream, thinking it was not very deep or meaningful, therefore, inconsequential. I was wrong. I became aware of the constant and sometimes overwhelmingly insistent presence of this color in my life. It’s the color of blood, passion, pain and life. It appeared in my research as I learned of Louise Bourgeois’s Red Room, and in the red bloodlike notes from my children. I realized that I own many red lipsticks that I always wipe off before stepping out. I came across an ordinary plastic vessel with the remains of bright red tincture, as basic as it gets. The final piece of my life has yet to be created, I find myself to be in the basic stages of my awakening, I am like that nearly empty vessel, with so much room and potential, and a pinch of a powerful primary color ready to be converted into something; being born from something with so much strength, being born from red.
Claudia Polanco (Mexico, 1974) has told stories in front and behind the camera, and currently creates videos to support her local community and art scene. She believes children are the driving force of the world and she advocates for them. She is the founder of Kids Have Power, an Emotional Intelligence program and online school that empowers children.
A n d re a P uent e- Ca t á n
Ce cilia Ramíre z-Corzo
M a rí a R end ón
¿Qué mantiene la vida y la muerte separadas?
Cómo estar en dos lugares al mismo tiempo. (Parte 2) Sueña para tonificar
Resucitando a Mini
Fotografía
Pintura acrílica y vinílica sobre papel
Sonido, acuarelas, papel de seda
Después de abril de 2011, cuando mi esposo, el compositor de ópera mexicano Daniel Catán murió repentinamente de un ataque al corazón, el mundo de los vivos y los muertos se hicieron borrosos por un delgado velo transparente. Cuatro días después de su muerte, comencé a tener sueños recurrentes. Estoy tocando las orquídeas que están floreciendo en un gran árbol. Yo las toco por un lado y veo que Daniel las toca por el otro lado. Es extraño, pero estamos tocando la misma flor. Me sonríe. Le devuelvo la sonrisa. Me siento nostálgica y melancólica, triste. De repente, estoy acostada y entra el viento. La temperatura es muy agradable. Estoy acostada en el suelo con los brazos abiertos y las piernas estiradas. Siento que soy la base de mi casa. Todavía veo el velo transparente que separa a las orquídeas. Me siento tranquila, en paz. Diez años con estos sueños, pero esta es la primera vez que me siento serena al aceptar que es posible que los vivos y los muertos compartan el mismo velo transparente, las mismas orquídeas y el mismo cielo.
Andrea Puente-Catán (México, 1963) es arpista, recaudadora de fondos, productora de música clásica y defensora de la cultura hispana. Actualmente es directora del departamento de Donaciones Mayores y Asuntos Hispanos de la Ópera de San Diego. También supervisa la iniciativa binacional Opera en Español.
Dormir tiene que ver con lo pasajero, estar aquí pero no estar aquí, o estar en dos lugares al mismo tiempo; físicamente en un lugar y “mentalmente” en un lugar completamente distinto. Para mí, esta es la parte más interesante de dormir y soñar. El sueño llega en un instante y aparecer es inesperado. Todo lo que nos separa de estar despiertos y dormidos es un respiro. El sueño que elegí para este proyecto es el primer sueño que tuve la primera noche que dormí en mi nueva casa. En este caso, mi cuerpo físico y mi cuerpo de sueño estaban en el mismo lugar pero en un momento diferente, lo que significa que la ubicación del sueño era la misma casa en la que estaba durmiendo. Una sobreposición de distintos tiempos y espacios. Elegí algunos elementos relevantes del sueño. Luego le asigné un color y una frase a cada elemento. A partir de ahí improvisé una secuencia de sonidos (composición musical) que a su vez traduje en colores. Los tonos de cada composición se tradujeron en un color y un dibujo específicos. Todos los elementos del sueño se convirtieron en tonos y finalmente amalgaciones de color.
Cecilia Ramírez-Corzo (México, 1979) es licenciada en arquitectura por la Architectural Association de Londres. Recientemente terminó el diseño y la construcción de dos casas en Kioto, Japón. Recientemente ha trabajado en Japón, Estados Unidos y México.
En mi sueño, de mediados de marzo del 2020, encuentro a mi perrita Mini (que ya falleció) en una estructura de madera en muy mal estado. La encuentro sucia con tanto polvo cubriendo su pelo blanco que inmediatamente la levanto y pienso, “tengo que bañarla”. Cuando salimos de esa estructura, que está en una parte alta del paisaje, veo el mar a lo lejos. Caminamos juntas hacia la playa hasta que la dejo ir. Ella corre hacia el agua y de pronto la veo acercarse a una persona que me lanza una pelota rápidamente. Cacho la pelota y en ese momento escuchó la voz de mi esposo que me dice, “¡bien cachado!” Y me despierto. El tema principal de mi pieza es corregir la negligencia. Soy una pintora a la que no le importaba tirar los plásticos llenos de pintura que protegían el piso de mi estudio. Recientemente, estos materiales, que antes ni siquiera consideraba, me sirven como punto de partida para mis pinturas sobre papel. Descartamos muchas cosas y, a menudo, no nos damos cuenta del potencial que tienen todas las cosas que nos rodean. Decidí usar este proceso para mi obra final para reflexionar acerca de esta actitud.
María Rendón (México, 1965) es artista. Obtuvo licenciaturas en la Universidad Anáhuac y Art Center College of Design, y una maestría en la Universidad de California en Santa Bárbara. Sus pinturas e instalaciones exploran temas de transformación, hibridación, experiencia ritualista y paisaje.
A n d re a P uent e- Ca t á n
Ce cilia Ramíre z-Corzo
M a rí a R end ón
What keeps life and death separated?
How to be in two places at the same time. (Part 2) Dream to Tone
Resurrecting Mini
Photograph
Acrylic and vinyl paint on paper
Sound, watercolors, tissue paper
After April of 2011, when my husband, Mexican opera composer Daniel Catán, died suddenly from a heart attack, the worlds from the living and the dead became blurred by a thin transparent film. Four days after his passing, I started to have recurrent dreams. I am touching the orchids that are blossoming in a big tree. I see that I feel them from one side, and that Daniel is touching them from the other side. It is strange, but we are touching the same flower. He smiles at me. I smile back. I feel nostalgic, and I feel melancholy, sadness. Suddenly, I am lying down, and the wind comes in. The temperature is very comfortable. I am lying down on the floor with my arms open and straight legs. I feel that I am the foundation of my house. I still see the transparent film that separates the orchids. I feel calm, peaceful. I have these dreams for ten years, but this is the first time that I feel serene, accepting that it is possible that the living and the dead share the same transparent veil, the same orchids and sky.
Andrea Puente-Catán (Mexico, 1963) is a harpist, fundraiser, classical music producer, and advocate for Hispanic culture. Currently she is the Major Gifts and Hispanic Affairs director at San Diego Opera and oversees the bi-national Opera en Español initiative.
Sleeping is about impermanence, being here but not being here, or being in two places at the same time; physically in one place and mentally in a completely different place. I think this is the beautiful part about sleeping. Sleep comes in a moment and its time is unexpected. All that separates us from being awake and being asleep is one breath. The dream that I chose for this project is the first dream I had the first night I slept at my new home. In this case, my physical body and my dream body where both in the same place at a different time, meaning that the location of the dream was the same house I was sleeping in. Layer upon layer of time and space. I chose some relevant elements from the dream. Then I assigned a color and a phrase to each element. From there, I improvised a sequence of sounds, which I then I translated into colors. The tones of each composition were translated into a specific color and drawing. All of the dream’s elements became tones and finally layers of color.
Cecilia Ramírez-Corzo (Mexico, 1979) is an architecture graduate from the Architectural Association in London. She recently finished the design and construction of two houses in Kyoto, Japan. She has worked in Japan, the US, and Mexico.
In the dream I had in mid-March of 2020, I find my late dog Mini in a run-down wooden structure. I find her with so much dirt covering her beautiful white fur that I immediately take her into my arms, and I think, “I must give her a bath.” When we leave that structure, which is at a high point in the landscape, I see the ocean far away. We walk on a path towards the shore, and, at some point, I let her go. She runs towards the water and I see her approach a person that throws a ball at me really fast. I catch the ball. At that point my husband says, “Good catch!” and I wake up. Repairing neglect is the main theme of my piece. I am a painter who used to think nothing of throwing away the paint-covered drop cloths that protected my studio floor. Recently, these once-neglected materials serve as the starting point for my paintings on paper. We dismiss so much, and often fail to notice the potential in everything and everyone around us. I decided to use this process for my final piece as an attempt to rectify carelessness and to honor nurturing.
María Rendón (Mexico, 1965) is an artist. She holds a BFA from the Universidad Anáhuac and Art Center College of Design, and an MFA from the University of California Santa Barbara. Her paintings and installations explore themes of transformation, hybridity, ritualistic experience and landscape.
G ab r iela R o ch in
Hayde é Roviros a
Alma Ruiz
Enhebrando un sueño # 1
El propio sueño no es más que una sombra
La trilogía de sueños
Suéter de cachemira hecho con máquina de tejido manual y
Cuadro de video
Texto
Un sueño es como un libro cuyas páginas no contienen palabras sino símbolos que constantemente van evolucionando y nos van revelando diferentes significados con el correr del tiempo. Los sueños son como libros que se pueden leer una y otra vez y nunca son los mismos.
Muchas veces solo recuerdo una pequeña parte de un sueño y es la que he grabado en mi pensamiento y en mi memoria para luego traducirla en palabras. Los que he recordado vívidamente son los sueños que he escrito y de los cuales he hablado en este proyecto.
Haydeé Rovirosa (México, 1950) obtuvo un doctorado en mitología y se ha desarrollado en varias áreas, desde investigación y curaduría, hasta diseño museográfico y enseñanza de arte contemporáneo. Fue curadora en Ex Teresa Arte Actual, fundadora de Temístocles 44, y directora de Art & Idea en la Ciudad de México y en Nueva York. Es miembro de la mesa directiva del Patronato de Arte Contemporáneo.
Alma Ruiz (Guatemala, 1952) es curadora independiente y Senior Fellow del Center for Business and Management of the Arts de Claremont Graduate University. Fue curadora senior en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, donde realizó numerosas exposiciones centradas en el período de posguerra en Italia y América Latina y en proyectos con artistas emergentes.
técnica de intarsia
En mi sueño, estoy sentada en un sofá con mi perro Cali. Detrás de una cortina, sin previo aviso, aparece un gato negro con rayas color azul rey. Nunca me han gustado los gatos, pero dejo que Cali juegue con él. La habitación se oscurece cuando abre la boca. Tengo miedo, pero no hago nada para evitar que se trague a Cali. Siento como si estuviera renunciando a algo o simplemente rindiéndome a lo que es inevitable. Leí sobre el simbolismo de los gatos y de los gatos negros, y lo que aprendí resonó conmigo. Así que, en lugar de rechazar al gato, decidí serlo. Ser más paciente (esperar el momento adecuado para actuar), independiente, valiente, y curiosa para explorar lo desconocido y lo inconsciente. He comenzado un viaje de autodescubrimiento en "modo gato". Al trabajar el sueño con las mujeres de WSLA, decidí diseñar un suéter con la ayuda de tejedoras de Stitching Borders. Me puse el suéter y me fotografié representando al misterioso gato junto a mi perro Cali.
Gabriela Rochin (México, 1968) trabajó durante más de veinte años como productora en diversos proyectos audiovisuales. Junto con sus esfuerzos profesionales y la crianza de sus dos hijos, el tejido ha sido una parte importante de su vida. En 2017 fundó Stitching Borders, una marca de prendas tejidas a mano con sede en Los Ángeles.
Los dibujos que he hecho durante la clase de Al compartir nuestros sueños, tuvimos acceso yoga y el laboratorio de los sueños han sido a una biblioteca que contiene todos los seun ejercicio que me ha sorprendido mucho cretos y las claves para conocernos a nosotras porque es la primera vez que tengo esta mismas y entender qué significa ser mujer. experiencia. Al final de la clase tenemos que hacer un dibujo sobre un sueño que hemos Durante el aislamiento impuesto por la pantenido o sobre un momento de la clase, algo demia me embarqué —a través de mi proque nos ha inspirado, que nos ha hecho pio sueño y los sueños de este grupo de pensar, o que nos hace reaccionar. Mientras mujeres— en un viaje a lo desconocido, una uno espera su turno, tiene que completar un aventura como ninguna otra, visité el inframu- dibujo, así que ha sido un ejercicio de concenndo, miré al diablo directo a los ojos, sobretración y de expresión. Al no saber dibujar, he viví temblores y estuve enterrada bajo ruinas, recurrido a la abstracción. Esta ha sido una esatravesé el espejo, conocí a Alicia, fui violada, pecie de salvación en la expresión de lo que abusada y rota, pude volar, sentí el amor en su he querido decir. La dificultad de poder realiexpresión más pura, vi la luz y supe quien soy zar dibujos que la gente pueda reconocer me y a donde pertenezco. ha llevado a expresarme de manera diferente y lo he hecho a través de la abstracción. Estando en aislamiento me sentí más acompañada y conectada que nunca, muy cercana a estas mujeres a quienes muchas de ellas no conozco en persona y sin embargo fueron y seguirán siendo mis compañeras de viaje, mis cómplices, mis amigas y mis maestras.
G ab r iela R o ch in
Hayde é Roviros a
Al ma R ui z
Threading a Dream #1
A Dream Itself is but a Shadow
The Dream Trilogy
Cashmere sweater made with manual knitting machine and
Video still
Text
A dream is like a book whose pages contain not words, but symbols that are constantly evolving and revealing different meanings over time. Dreams are like books that can be read again and again without ever being the same.
Many times, I only remember a small part of a dream, and that is what I have recorded in my thoughts and my memory, and I then translate into words. The dreams that I can vividly remember are the dreams that I have written and talked about in this project.
When women share dreams, we gain access to an entire library of secrets and clues to know ourselves and understand what it means to be a woman.
The drawings that I made during the Yoga and Dream Lab have surprised me a lot because it is the first time I have had this experience. At the end of class, we have to draw a picture of a dream that we had or about a moment in class, something that has inspired us, that has made us think, or that made us react. While you wait for your turn, you have to complete a drawing, so it has been an exercise in concentration and expression. Not knowing how to draw, I have resorted to abstraction. This has been a kind of salvation in the expression of what I have wanted to say. The difficulty of being able to make drawings that people can recognize has led me to express myself differently, and I have done it through abstraction.
intarsia technique
In my dream, I am sitting on a couch with my dog Cali. From behind a curtain, unannounced, a black cat streaked with royal blue stripes appears. I have never liked cats, but I let Cali play with it. The room darkens as it opens its mouth. I am scared but I do nothing to prevent it from swallowing Cali. It feels like I am giving up or surrendering to what is inevitable. After that dream, I read more about the symbolism of cats, and specifically black cats. What I learned resonated with me. So instead of rejecting the cat, I wanted to be it. I want to be more patient (wait for the right moment to act), independent, courageous, and curious about exploring the unknown and the unconscious. I have embarked on a journey of self-discovery in “cat mode.” As I workshopped the dream with the women from WSLA, I decided to design a sweater with the help of knitters from Stitching Borders. I wore the sweater and photographed myself portraying the mysterious cat alongside my dog Cali.
Gabriela Rochin (Mexico, 1968) worked for more than twenty years as a producer of various audiovisual projects. In addition to her professional endeavors and raising her two children, knitting has been an important part of her life. In 2017, she created Stitching Borders, a handmade knitwear brand based in Los Angeles.
During the isolation imposed by the pandemic, I embarked on a journey to the unknown. A journey like never before, through my own dream and the dreams of this group of women. I visited the underworld; I looked the devil right in the eye; I survived earthquakes and was buried in ruins; I crossed to the other side of the mirror, I met Alice; I was raped, abused and broken; I could fly; I felt love in its purest expression; I saw the light, and I knew who I was and where I belonged. Rather than isolated, I felt more connected than ever, so very close to these women, many of whom I have never met in person. They were and will remain my travel companions, my partners, my friends, and my teachers.
Haydeé Rovirosa, (Mexico, 1950) has a PhD in Mythology and has worked in a variety of areas related to art, as a curator, exhibition designer, and professor of contemporary art. Previously, she was a curator of Ex Teresa Arte Actual, founder of Temístocles 44, and director of Art & Idea in Mexico City and New York. She is a member of the board of directors of the Patronato de Arte Contemporáneo.
Alma Ruiz (Guatemala, 1952) is an independent curator and senior fellow at the Center for Business and Management of the Arts at Claremont Graduate University. She is a former senior curator at The Museum of Contemporary Art, Los Angeles, where she curated numerous exhibitions focusing on the postwar period in Italy and Latin America as well as emerging artists.
Paol a S á nch ez
Almu de n a S olan a
Sta c y TenH outen
Las fábricas destilan flores
La revolución de la sonrisa
Té de huesos
Video y fotografía
Técnica mixta de textiles y palabras
Pintura acrílica y acuarela
En las fábricas se destilan flores y de las chimeneas ahora sale vapor con olor a todas las flores que cultivaste en mi.
Este sueño es un viaje a la ausencia, después de la muerte de mi padre, a un mundo sin sonido, al hueco que existe entre las ramas de los árboles y los recuerdos. Un viaje a espacios vacíos, sin sonido, ni brillo. Sin embargo, es un viaje que transforma la vida, pasando de la tristeza a la felicidad.
Tuve un sueño sobre mi madre que me dejó confundida acerca del significado de nuestra relación. Conmovida por la emoción, asumí que el sueño servía para validar sentimientos que había cargado toda mi vida con respecto a lo que mi madre sentía por mí. La confusión no desapareció al sentarme con este sueño lo que, para mí, significaba que el sueño representaba algo mucho más profundo que una validación de sentimientos. Para estar en relación con mi sueño a través de una lente menos reactiva, sabía que tenía que sacar el sueño de mi cuerpo. Decidí grabar el sueño y escucharlo como un cuento. Al escuchar el sueño, comenzaron a saltarme imágenes a las que antes no había prestado atención. Empecé a dibujar y esculpir estas imágenes. Usé la imaginación activa y comencé a fotografiar escenarios con estas imágenes. Surgieron nuevos sentimientos y los representé en un cortometraje. Fue después de hacer esta película que se reveló un significado más profundo del sueño. Se produjo una liberación y le siguió una explosión de creatividad y productividad.
Las fábricas destilan flores es una pieza que corresponde a un proyecto que decanta mi relación con figuras familiares a partir de los sueños y mis recuerdos de la niñez. Mis sueños están plagados recurrentemente de ambientes fabriles, y aunque en la actualidad no tengo relación con esos entornos, los temas relacionados a éstos aparecen constantemente de manera tangencial. Los encuentros que el entorno laboral de una fábrica propician, son temas que hoy siguen manifestándose de alguna u otra manera en mi quehacer cotidiano. Ajardinado y fabril, entornos opuestos, aparentemente, que amalgaman la relación entre mi padre y yo, entre mis sueños y mi presente. Parecen opuestos, como el cálido color amarillo de las flores y el frío azul del cielo. Estos colores que nos unen mientras duermo están dedicados a él, que, a pesar de su tránsito, sigue alimentando todos los sueños que vivo actualmente.
Paola Sánchez (México, 1982) es artista visual, gestora cultural y cofundadora del estudio transdisciplinario Primal y del colectivo de arte Limit. Como Primal, actualmente expone su obra en la Sala de Arte Público Siqueiros, y se encuentra desarrollando el proyecto Leer un Jardín, en residencia en el Laboratorio Arte Alameda, ambos en la Ciudad de México.
¿Por qué? Porque también hay recuerdos alegres, como fuegos artificiales sin sonido que bailan junto a la tristeza, como una cortina que se mueve detrás de la ventana. Este video muestra el proceso conceptual de mi trabajo que concluye en una síntesis final: Smile Revolution (la revolución de la sonrisa). La reiteración de las palabras, un homenaje a la obra de dos artistas, John Baldessari y Adam Greener, es la bandera que guía la narración. Sin embargo, más allá de las palabras, los símbolos ganan mucha autoridad a partir de las imágenes y los objetos, de ahí el bolígrafo sin tinta, el pequeño globo terráqueo, el lápiz, la goma de borrar, los labios… Es posible mezclar tejidos y poesía. Fabric Poetry, como un lenguaje artístico, nos cuenta la historia desde los labios que solían besar. El proceso nos muestra el puente que separa la tristeza de la alegría. En ese momento, los seis besos que aparecen en mi sueño se convierten en labios que nos animan a seguir adelante.
Almudena Solana (España, 1963) es doctora en periodismo, artista y autora de cuatro novelas. Una de sus novelas fue traducida al inglés y adaptada a una obra de teatro en Inglaterra. En 2013 creó el concepto Fabric Poetry para contar historias a través de pañuelos únicos. Vive entre Madrid y Los Ángeles.
Stacy TenHouten (Estados Unidos, 1969) es escritora y profesora de yoga enfocada en la sanación de traumas. Es la autora de La casa con dos historias, un cuento de hadas que nació en un taller de sueños. Actualmente está trabajando en una colección de piezas relacionadas con su sueño del Libro rojo.
Paol a S á nch ez
Almu de n a S olan a
Sta c y TenH outen
The factories distill flowers
Smile Revolution
Bone Tea
Video and photography
Mixed media, textiles, and words
Acrylic and watercolor
The factories distill flowers and from the chimneys steam now emerges with the fragrance of all the flowers that you grew in me.
This dream is a trip to absence after my father’s death, to a world without sound, to the gap that exists between the branches of trees and memories. A trip to empty spaces, lacking sound and brightness. Nevertheless, it is a life-changing journey, going from sadness to happiness.
I had a dream about my mother that left me feeling in turmoil over the meaning of our relationship with one another. In my emotion, I assumed that the dream served to validate feelings that I had carried all my life with respect to how my mother felt about me. The turmoil did not disappear as I sat with this dream, which, to me, meant that the dream represented something far deeper than a validation of feelings. In order to be in a relationship with my dream through a less reactive lens, I knew I had to get the dream outside of me. I decided to make an audio recording of the dream and listen to it as a story. In listening to the dream, images began to stand out to me that I had not paid attention to before. I began to draw and sculpt these images. I used active imagination and began photographing scenarios with the images. New feelings came up and I acted out these feelings in a short film. It was after making this film that a deeper meaning to the dream was revealed. A liberation happened and an explosion of creativity and production transpired.
The factories distill flowers is part of a project based on my relationship with my own family members, taking as a starting point dreams and childhood memories. Factory environments recurrently plague my dreams, and although, at present, I have no relationship with those environments, the issues related to them constantly appear. The encounters that the work environment of a factory creates continue to manifest themselves, in some way or another, in my daily work. Garden and factory environments, apparently opposites, amalgamate the relationship between my father and me, between my dreams and my present, an apparent opposition, such as the warm yellow of the flowers and the cold blue of the sky. These colors that unite us while I sleep are dedicated to him, who despite his transit, continues to feed all the dreams that I currently have.
Paola Sánchez (Mexico, 1982) is a visual artist and arts administrator. She is a co-founder of the transdisciplinary studio Primal, and the art collective Limit. With Primal, her work is currently exhibited at the Sala de Arte Público Siqueiros, and she is developing a project titled Leer un Jardín for the Laboratorio Arte Alameda, both in Mexico City.
Why? Because there are joyful memories too, like muted fireworks dancing alongside sadness, like a curtain moving behind the window. As part of my final work, I made a video that shows the conceptual process that concludes in a final synthesis: Smile Revolution. The reiteration of words, a tribute to the work of two artists, John Baldessari and Adam Greener, is the flag that guides the narration. However, beyond the words, symbols gain a lot of authority from images and objects, hence the pen without ink, the small globe, the pencil, the eraser, the lips. It’s possible to mix fabrics and poetry. Fabric Poetry, like an artistic language, tells us the story from the lips that used to kiss. The process shows us the bridge that separates sadness from joy. In that moment, the six kisses featured in my dream become lips that encourage us to keep going.
Almudena Solana (Spain, 1963) holds a PhD in journalism. She is an artist and author of four novels. One of her novels was translated into English and adapted to become a play in England. In 2013, she began Fabric Poetry to tell stories through unique scarves. She lives in Madrid and LA.
Stacy TenHouten (US, 1969) is a writer and yoga teacher who focuses on healing trauma. She is the author of The House with Two Stories, a fairytale that was birthed in a dream workshop. She is currently working on a collection of works related to her Red Book dream.
Ec h o T heo h a r
Lou rde s Valdé s
L orena Vel á z q uez
Sin título
Sueño 66.99-02
Testimonio
Dibujo hecho con medios digitales
Fotografía y collage digital
Fotografía intervenida y video
Para el verano de 2020 comencé a soñar con más frecuencia. Los temas de mis sueños parecían alimentarse de las neurosis que había desarrollado en respuesta al COVID-19. Nunca ha sido fácil para mí dormir. Sin embargo, el cansancio que se acumuló al volver a aprender mi rutina diaria en el contexto de la cuarentena me permitió una especie de sueño profundo e irregular. Al principio, los sueños que me vinieron no parecían ser notables. Ejercicios a cámara lenta en respuesta a desastres naturales, pérdida de dientes, etcétera. Sueños típicos de ansiedad, como era de esperarse.
Mi sueño comienza en color sepia, estoy vestida con uniforme de piloto de la fuerza aérea de la década de los años cuarenta, atrás, a mis espaldas está un espectacular avión de hélices con dos compartimientos, uno delantero y otro trasero, en el cual van de pasajeros mis dos hijos, Emil y Michel, de 13 y 10 años. Me dispongo a levantar el vuelo y pilotearlo, oficio que conozco a la perfección, pero en esta ocasión me cuesta un enorme esfuerzo despegar, eso es muy extraño, no es el peso del avión sino el mío, con mucho trabajo logro despegar, e inmediatamente se aligera el vuelo, comienza la diversión, y entonces… el sueño se torna a colores, un predominante azul índigo del cielo nos rodea. Con asombrosa destreza logro hacer unas increíbles acrobacias y descensos en picada, a todos se nos sume el estómago pero disfrutamos la adrenalina a tope de emoción y nos divertimos en grande.
El confinamiento nos orilló a sentir a flor de piel, a retomar y recordar sensaciones y sentimientos. Como muchas mujeres, fui violentada de niña y viví con ello en silencio. Trabajé años en terapia para erradicar eso que me carcomía, pero en este hito histórico de encierro por el COVID-19, después de meses de no soñar, tuve un sueño revelador que me hizo remontarme a esos años de silencio y recordar el asco, el miedo, sensaciones que durante años no compartí con nadie. En 2020 puedo denunciar esto sin ser señalada.
Un sueño me llamó la atención recientemente. Si bien la narrativa no es demasiado importante para mí, las imágenes eran densas y ricas. Decidí utilizar las partes que se me hicieron más visualmente interesantes. Si bien las imágenes que he elegido son comunes y arquetípicas, no puedo evitar encontrar encanto en procesarlos como parte de mi práctica visual. Las imágenes que resultaron se asemejan a una caricatura o botarga y eso hace que sea más fácil relacionarse con ellas o proyectar sobre ellas. Este proceso de simplificación me reconforta.
Llega el momento de aterrizar, lo tengo que hacer en el periférico de la ciudad de México, es un imponente reto para mis habilidades pues no debo chocar contra los vehículos ahí circulando, necesito también atravesar angostos túneles; milagrosamente lo consigo con éxito y me siento muy feliz.
Efectivamente el ataque me marcó y en el sueño convertí las cicatrices en tatuajes. Este libro representa la impotencia del paso de ser niña a mujer rasgada, parchada, torturada, martillada y silenciada. Tuve que callar para sobrevivir. Gracias por invitarme a trabajar mi sueño, gracias a cada una de las organizadoras y participantes por este tiempo de gran intimidad, enriquecedor y por ende sumamente valioso. Gracias a Jung, a su legado y a su Libro rojo.
*El título del sueño son las fechas de nacimiento de mis hijos y la mía.
Echo Theohar (Estados Unidos, 1993) es artista e investigadora que trabaja en Los Ángeles. Se ha desempeñado como tecnóloga comunitaria y conferencista en lugares como LACMA, The College Art Association, The Armory, The Mistake Room, Women's Center for Creative Work, Coaxial, Processing Community Day, UCLA, Humboldt (Berlín) y AUP (París). Su trabajo ha sido expuesto a nivel local e internacional.
Lourdes Valdés (México, 1966) es fotógrafa y artista visual. Su obra se desarrolla en torno a la naturaleza, con particular interés en especies en extinción y el cambio climático. Estos últimos años el tema de la discriminación ha sido también motivo de inspiración para la elaboración de varios proyectos. Actualmente trabaja en las reservas de Cuicatlán-Tehuacán y Bosque de Niebla, en México.
Lorena Velázquez (México, 1964) es una artista visual que utiliza la fotografía como su principal medio de expresión, y se ha especializado en la creación de libros de artista bajo su propia editorial. Su más reciente exposición individual Livres Débordés se realizó en el Instituto Cultural Mexicano en la ciudad de París en 2019. Su obra se encuentra en distintas colecciones públicas y privadas en México, Estados Unidos y Francia.
Ec h o T heo h a r
Lou rde s Valdé s
L orena Vel á z q uez
Untitled
Dream 66.99-02
Testimony
Drawing made with digital media
Photograph and digital collage
Intervened photograph and video
By the summer of 2020 I began to dream with more frequency. The themes of my dreams seemed to feed from the neuroses I had developed in response to COVID-19. It has never been easy for me to sleep. However, the exhaustion, which accumulated from re-learning my daily routine in the context of quarantine, allowed me a deep, fitful sort of sleep. The dreams that came to me felt unremarkable, at first. Slow-motion exercises in natural disaster response, the loss of my teeth, etcetera; typical anxiety dreams, as was to be expected.
My dream begins in sepia, I am dressed in an air force pilot uniform from the 1940s, behind me is a spectacular propeller plane with front and rear compartments, in which my two children are passengers on board, Emil and Michel, 13 and 10 years old. I am about to take off and fly away, a job that I am very familiar with, but strangely enough, this time it takes huge effort to go airborne, it is not the weight of the plane but mine, with a lot strain I manage to take off, and immediately the flight lightens, the fun begins, and then ... the dream turns to colors, a predominant indigo blue of the sky surrounds us. With amazing skill I manage to do some incredible stunts and swooping descents, we all feel a void in our stomachs but we all enjoy the adrenaline rush and we had a lot of fun.
During the lockdown we were forced to wear our feelings on our sleeves, remember sensations and emotions. Like many women, I was sexually abused when I was a child; I lived with this secret for many years. I was completely silent about what happened. In therapy, I worked for years to eradicate the trauma left by this unfortunate event, to erase what was consuming me. But while I was confined in my house, and after months of not dreaming at all, I had an eye-opening dream that made me remember those years lived in silence. I could clearly remember the revulsion, the fear, and all the sensations that, for years, I kept to myself. In 2020 I can raise my voice without being pointed at.
One dream caught my attention recently. While the narrative of it is not too important to me, the imagery was dense and rich. I have decided to elevate the parts that are visually interesting to me. While the visuals I have chosen are common and archetypal, I can’t help but find charm in processing them as part of my visual practice. The resulting images resemble caricatures, or mascots, and it becomes easier to relate to them, or project onto them. This process of simplification is comforting to me.
It is time to land the airplane, in the outskirts of Mexico City, it is an important challenge for my skills because I must not collide with the vehicles circulating there, I also need to go through narrow tunnels; miraculously I succeed and I feel very happy.
This book symbolizes my impotence. The passage from a child to a tortured, silenced woman. I had to remain silent in order to survive.
two children and mine.
Thank you for inviting me to work on my dream. Thank you to the organizers and each one of the participants for sharing with me this moment of great intimacy, which was enriching, and therefore extremely valuable. Thank you to Jung for his legacy and particularly to his Red Book.
Lourdes Valdés (Mexico, 1966) is a photographer and visual artist. Her work revolves around nature, with a particular interest in endangered species and climate change. Additionally, in recent years, issues concerning discrimination have become an important theme for the development of various projects. Currently, she works in the Cuicatlán-Tehuacán and Bosque de Niebla natural reserves, in Mexico.
Lorena Velázquez (Mexico, 1964) is a visual artist who uses photography as her main means of expression, and she has focused on the creation of artist’s books under her own publishing house. Her most recent solo exhibition Livres Débordés was held at the Mexican Cultural Institute in Paris in 2019. Her work is part of various public and private collections in Mexico, the United States and France.
*The title of this work is a composite of the birth dates of my
Echo Theohar (US, 1993) is an artist and researcher working in Los Angeles. She has served as a community technologist and lecturer at venues such as LACMA, The College Art Association, The Armory, The Mistake Room, Women’s Center for Creative Work, Coaxial, Processing Community Day, UCLA, Humboldt (Berlin), and AUP (Paris). Her work has been exhibited both locally and internationally.
This attack marked me as a young woman, but in my dream, I turned my scars into tattoos.
El i za b e t h Yo chim
Jan n a Zin zi
Elevándose hacia el cielo
Sólo quería descansar
Video e impresión digital
Collage de técnica mixta
27 de marzo de 2020. Cuatro días de resguardo.
Mi sueño: tenía prisa por hacer un viaje, pero primero me detuve a visitar a mi novio en su peluquería. Por alguna razón, me secuestró y lo apuñalé para escapar. No hizo nada, ni siquiera se inmutó cuando le clavé un cuchillo en el estómago. Luego me encerró con otras mujeres y personas no binarias en una habitación blanca. No pudimos encontrar una salida. Volvió para amenazarnos, pero su amigo corrió a compartir que Drake acababa de lanzar un nuevo álbum. Ambos se entusiasmaron y salieron corriendo, dejándonos solos. Volvimos a la conspiración, planeamos derribar la puerta trasera y me desperté a carcajadas.
Me pregunto si es algo que hice, porque ella no me habla, me ignora. ¿Qué es lo que pude haber hecho? Tengo guías que se me aparecen más y más seguido, guiándome más y más. Hay un hombre negro, alto, muy articulado, elegantemente vestido en un traje de tres piezas y una capa. Enfrente de nosotros hay un documento, pero no es claro lo que está escrito. Lo que recuerdo es sentir que él está a punto de revelarme algo. Le presenté un texto que escribí sobre las artes, sobre mi trabajo en las artes. El dijo, “ya no hay tiempo, las fuerzas y la atención a la guerra son tan grandes y la destrucción tan enorme”. Le dije que comprendía pero que yo había sido elegida para esto, para este trabajo. Sabía que añoraba algo, añoraba a una persona que ya se había ido. Di la vuelta a la esquina para buscar algo, no recuerdo que, y cuando regresé lo vi cubierto por una figura sombría, y se elevaban hacia el cielo, se iban. Y grité, y entonces desperté diciendo “Todos me están abandonando”.
Elizabeth Yochim (Estados Unidos, 1973) es bailarina, artista de performance multimedia, maestra y cineasta. Crea actuaciones individuales y en grupo en monumentos históricos, a lo largo de las calles de la ciudad y en el entorno natural. Su trabajo se centra en la naturaleza de la conexión y desconexión humana mediante el sonido, el movimiento y la creación de rituales. Sus temas son la extinción, el amor familiar y el renacimiento.
La masculinidad tóxica es agotadora. Además, los roles de género son basura. Siento que he estado luchando toda mi vida contra eso, en la vida real y en línea. No quiero pelear; quiero descansar, especialmente en este momento de la pandemia. Como mujer negra, duele más cuando se trata de hombres negros y morenos. Durante los levantamientos raciales, el asesinato de Breonna Taylor, WAP, y los disparos contra Megan Thee Stallion, quiero que las mujeres negras se sientan libres, sean vistas y cuidadas.
Janna A. Zinzi (jaz) (Estados Unidos, 1980) es una artista multidisciplinar, bailarina de burlesque y escritora. Ha enseñado burlesque a nivel internacional y espera poder hacer representaciones en el extranjero. Su trabajo se centra en la liberación, la raza, el feminismo y la sexualidad. jaz ama a Los Ángeles, pero siempre ha sido una neoyorquina de corazón.
El i za b e t h Yo chim
Jan n a Zin zi
Soaring towards the sky
I just wanted to rest
Video and digital print
Mixed media collage
March 27, 2020. Four days into sheltering in place.
My dream: I was rushing to go on a trip, but first I stopped to visit my boyfriend at his barbershop. For some reason, he kidnapped me, and I stabbed him to get away. It did nothing; he didn’t even flinch when I drove a knife into his stomach. Then he locked me up with other women and non-binary people in a white room. We couldn’t find a way out. He came back to threaten us, but his boy ran in to share that Drake just released a new album. They both got hyped and ran out, leaving us alone. We got back to plottin’, and we planned to bust down the back door and I woke up cracking up.
I wonder if it is something I did because she doesn’t talk with me, doesn’t engage with me. What is it that I could have done? I have these guides and they are appearing to me more and more and guiding me more and more. There is a tall, elegantly dressed Black man, very articulate, in a three-piece suit and a cape. There is a written document in front of us, but what is written isn’t so clear. What I remember is the feeling that he is about to reveal something to me. I presented a piece of writing to him about the arts, about my work in the arts. He said, “there’s no more time anymore, that the forces and attention to war are just so great, and the destruction so great. I told him that I understood but that I was chosen for this, I was chosen for this work. I knew that I had a longing for something, a longing for a person who had passed on. I went around the corner to get something—I can’t remember what—and when I came back, I saw him embraced by this shadowy figure, and they were soaring towards the sky, they were taking off. I cried out, and I actually woke up saying, “Everyone is leaving me.”
Elizabeth Yochim (US, 1973) is a dancer, multi-media performance artist, teacher, and filmmaker. She creates solo and group performances in historical monuments, throughout city streets, and in the natural environment. Her work focuses on the nature of human connection and disconnection using sound, movement and ritual-making. Themes are extinction, familial love and rebirth.
Toxic masculinity is exhausting. Also, gender roles are garbage. I feel like I’ve been fighting my whole life against it, IRL and online. I don’t want to fight; I want to rest especially in this time of the pandemic. As a Black woman, it hurts more when it comes from Black and Brown men. During racial uprisings, Breonna Taylor’s murder, WAP, and Megan Thee Stallion getting shot, I want Black women to feel free, be seen and be cared for.
Janna “jaz” Zinzi (US, 1980) is a multidisciplinary artist, burlesque dancer, and writer. She has taught burlesque internationally and hopes to perform abroad. Her work focuses on liberation, race, womanism, and sexuality. jaz loves LA but is forever a New Yorker at heart.