El Arrebato de una pincelada. by xavier rodriguez

ArteAbstracto

El Arrebato de unaPincelada Xavier E. RodrĂguez.

AGRADECIMIENTO

Quiero darle primero las gracias a Dios y a mi familia; en especial a mi papá y a mi mamá, que han sido tan pacientes a lo largo de mi carrera, a mis amigos los que estan conmigo en cada momento, a mis compañeros de la escuela 85 que son el dia a dia en mi enseñanza, a mis profesores que nos tienen toda la fé del mundo... A mi novia, a mi crew. Todos ustedes me dan la confianza para salir a la calle con mucha humildad a demostrar lo que sabemos. Y cada dia seguir aprendiendo. Este libro es de ustedes... GRACIAS.

C 2011 Por Xavier RodrĂguez. C 2011 Ruben RodrĂguez. Impreso y encuadernado en Venezuela. Barquisimeto, Estado Lara. 2011. Editorial 5 Un (1) Ejemplar.

SUMARIO CAPITULO I

CAPITULO IV

CAPITULO VI

·La Expresión. · Siglo XX. · Modernismo. · Pintura Abstracta.

· Abstracción Lírica. · Abstracción Objetiva. · Abstracción Perseptiva. · Abstracción Postpictórica. · Painting abstract.cré-Art Non-Figuratif.

· Abstraccionismo y su Panorama en Venezuela. · Los Disidentes. · Periodos del arte en Venezuela.

CAPITULO II · Inicios. · Historia. · Artistas Iniciadores. · Abstracción Geométrica. · Descripción/ Siglo XX y XXI. · Desarrollo.

CAPITULO III · Trabajo Especial. · Su Lectura. · Revolución.

CAPITULO V · Pintura Abstracta Figurativa. · Pinturas abstractas que resultan de la supresión de las formas. · Wassily Kandinsky. · Piet Mondrian. · Similaridad vs. Significado.

CAPITULO VII · Conclusión. ·Glosario.

PRÓLOGO

Para mí, Xavier R, es un verdadero placer como estudiante de la escuela 85 (Diseño gráfico) del tecnológico Sucre, poder hacer un trabajo editorial que sé que para otra persona pueda ser de gran ayuda; este libro que verán a continuación es todo un compromiso pues muestra un poco la parte humana de algunos de estos artistas,también contiene la escencia de uno de los movimientos de vanguardia mas importantes de el siglo XX. Como tambien podrán conocer un poco mas de mi trabajo en este campo informativo.

CAPITULO I · La Expresión · El Siglo XX · Modernismo · Pintura Abstracta · Corrientes Abstractas

El Moma. exposición de arte abstracto expresionista.

LaExpresión

El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. Este usa un lenguaje de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real. Este libro nos muestra un poco la perspectiva del artista a comienzos del siglo XX sobre el reflejo de su obra y estudia la forma de expresión de este movimiento; que a su vez en la actualidad sigue siendo experiencia vanguardista. Para proceder a una lectura desprejuiciada de los logros y falencias del Movimiento Moderno y analizar cómo éstos se han propagado al arte contemporáneo, se deben revisar las circunstancias que dieron lugar a esas experiencias y comprender su metafísica, particularmente aquellas manifestaciones ignoradas o apenas mencionadas en el registro oficial del Modernismo. Este análisis se referirá a artistas y a movimientos

generados alrededor de la abstracción en ciudades clave del hemisferio occidental que presentan las características innovadoras más significativas: Múnich, París, Moscú, Ámsterdam, Berlín, Londres, Montevideo, Nueva York, Buenos Aires, San Pablo, Río de Janeiro y Caracas. Tomando en cuenta la importancia del conocimiento para comprender alguna obra entendemos el lenguaje del mismo, el libro hace referencia a algunas de las principales obras abstractas y el sentido de su expresión según la forma de vida artística en su naturaleza; que por sus argumentos y los cambios en épocas llevaron a realizar de esta manera tan representativa. La intención del texto además de conocer de historia es comprender como esta forma de arte nos muestra realidades o figuraciones como reacciones de muchas experiencias. Pues este intenta despertar el interés acerca del tema para así nunca perderle pie a ningún detalle a cerca de este pictórico movimiento artistico.

El SigloXX

El arte del Siglo XX se ve fuertemente influenciado por la situación mundial política y social del momento. Es un arte que no escapa a la realidad, sino todo lo contrario, brota de ella, como una forma de catarsis. Luego de la Ilustración, que había creado un sentimiento de confianza en el ser humano, la razón y la ciencia, estos valores entraron en crisis. Las dos guerras mundiales marcan un clima tenso e inestable, lleno de horror y destrucción. La crisis europea y la crisis de la bolsa estadounidense en 1930 impactan en la sociedad creando movimientos artísticos de protesta. Es una época de profundos y acelerados cambios, donde el progreso científico y tecnológico deja avances impensados como el automóvil, el avión, la televisión, la llegada del hombre a la luna, etc. Todo esto provoca un gran impacto en la sociedad y surgen movimientos artísticos como el futurismo. El crecimiento industrial y la vida en las ciudades también dejaron su huella en el arte, por ejemplo en el arte pop. Se pueden distinguir dos grandes movimientos en el siglo XX: Las vanguardias y luego el arte postmoderno.

Piet Mondrian.

ElModernismo

El Modernismo es un movimiento cultural y artístico dominado por el concepto subjetivo de belleza que busca la originalidad. Huye de la simetría, se inspira en el mundo de la fantasía y la naturaleza, y en todo aquello que es ondular y fugaz. Es por eso que la línea dominante del Modernismo es la curva. Esta corriente de renovación artística y contemporánea denominada Modernismo nace a finales del siglo XIX y principios del XX. Es un movimiento de origen europeo, pero de consagración latinoamericana que se produce aproximadamente entre las tres últimas décadas del siglo XIX y las dos primeras del siglo XX. El Modernismo como tal, nace en Bélgica de la mano de Van de Velde y Víctor Horta. Éste último realizó un programa estético, construyó la casa Tassel, y utilizó el hierro como material esencial en la estructura y en la decoración. Víctor Horta renueva el diseño de los espacios internos y de las fachadas de hierro. Por su parte, Henry Clemens Van de Velde (1863-1957) es uno de los primeros modernistas. El artista construye la casa Bloemenwert, pero lo más interesante es el diseño de su decoración. Tiene influencias del expresionismo alemán, y son típicos sus tejados ondulados. La insatisfacción generalizada ante el eclecticismo; la alternativa presentada por el movimiento Arts and Crafts; y el nombre creciente de arquitectos que utilizaban los nuevos materiales con una libertad expresiva absoluta, son algunos de los factores que influencian en el surgimiento del Modernismo. Aunque las fechas, las causas y los

nombres son diferentes en cada país europeo. En Bélgica recibe el nombre de Art Nouveau, en Alemania el de Jugendstil, en Austria el de Wiener Secesión, el de Liberty en Italia, y el de Modernismo en España. Los artistas crean en esta corriente lenguajes expresivos propios, con una individualidad muy fuerte, tanto que resulta difícil observar un ideario común para todos. Pero si que comparten algunos aspectos como: el deseo de crear formas nuevas y liberadas, y el bagaje de medio siglo de conquistas técnicas. Con el Modernismo se pretende también romper con el Romanticismo y el historicismo propios de aquella época. Antoni Gaudí, Otto Wagner, Lluís Munconill y Josep Puig i Cadafalch son algunos de los artistas más importantes del Modernismo.

El modernismo floreció en Europa y los Estados Unidos a finales del siglo XIX y principios del XX, reflejando las diversas características socioeconómicas de cada país. En Francia se le denominó art nouveau o estilo fin de siecle; en Bélgica estilo coup de fouet o Velde stile; en Alemania, jugendstil; Sessionstil en Austria; en Italia, sitle liberty o floral; en Gran Bretaña y los Estados Unidos se le nombró modern style; en España y los países de habla castellana, modernismo.

Paul Cezanne Mujer Estrangulada 1876.

El Instituto Valenciano de Arte Moderno de Valencia cuenta con un programa de exposiciones permanentes e itinerantes centrado en los movimientos del arte contemporáneo, recorriendo las vanguardias del siglo XX. Abstracción, pop art, informalismo europeo, nueva figuración, entre otras corrientes artísticas, tienen su espacio en el IVAM, tanto en las exposiciones, como en los seminarios, cursos y talleres. Este es uno de los museos más atractivos que ver en Valencia. Entre las exhibiciones permanentes, se pueden admirar los trabajos de Julio González y la Colección Pinazo, así como los restos de la muralla medieval de Valencia que fue derribada hace más de un siglo y descubierta durante las obras de construcción del edificio.

Museo de Arte Moderno Valencia. España.

PinturaAbstracta

Macedonio de la Torre Collard (1893-1981).

La Pintura abstracta o Abstracción (pintura) en las vertientes de Pintura abstracta no-figurativa, figurativa, expresiva y geométrica, y sus movimientos derivados; es considerado una de las primeras pinturas más representativa de los fenómenos artísticos contemporáneos, enfatizado en la Pintura contemporánea de los siglos XX y XXI.

CorrientesAbstractas Rayonismo: utiliza formas espaciales, por lo general en blanco y negro. Suprematismo: utiliza el rojo, blanco y negro. Neoplasticismo: formas geométricas y ángulos rectos, uso de colores puros (amarillos, rojos, azul) y neutros (blancos y negros). Constructivismo: formas geométricas, lineales y planas, cuenta con elementos transparentes. Informalismo: predomina el aspecto de la acción, color y formas permanecen en la superficie del espacio semi-material.

Gerrit Rietveld.

Wassily Kandinsky.

Norma,Tarjetas y Naturaleza.

CAPITULO II · Los Inicios · La Historia · Artistas Iniciadores · Abstracción Geométrica ·Descripción/Siglo XX y XXI · El Desarrollo

LosInicios

Wassily Kandinsky Cossacks (detalle) 1910.

Kandinsky, pinta la primera pintura abstracta no figurativa en 1910, un gouache (Pintura al temple), que siendo la primera obra abstracta del Arte contemporáneo del siglo XX, marca el inicio de éste movimiento. Escribió una obra abstracta: "Uber das Geistige in der Kunst" en 1912, donde describe los principios básicos de la abstracción expresiva, situando este movimiento en su augue más famoso con el 'Expresionismo abstracto', que se desarrolla entre 1945 y 1955, en la 'New York School'. En Europa el Expresionismo Abstracto equivale al 'Informalismo', el 'Tachismo', y la 'Abstracción lírica'.

En una obra acerca del Futurismo, Boccioni escribió acerca de la abstracción expresiva en 1910: “Mi ideal era un arte que expresara la idea de sueño sin representar ninguna cosa durmiente”. Su obra ‘Stati d’animo’ (Estado de ánimo) en 1911, se acerca a ésta abstracción muy paticular.

Boccioni Estado de ánimo I.

Kandinsky.

A finales del siglo XIX se comenzaron los cambios visibles se toma elementos en el Romanticismo, Impresionismo y Expresionismo para crear este nuevo arte; y se comenzó a fusionar elementos la tecnología, ciencia y filosofía. La abstracción pura surgió a partir del año 1910, influido por la aparición de las fotografías provoco la crisis del arte figurativo, muchos lo vinculan a partir del fauvinismo y del cubismo; ya que al arte abstracto toma un poco de cada uno y lo transforma en un estilo libre, con abstracción geométrica y rechazo de la imitación o copia de modelos. Monet 1872.

Si observamos algunas de sus pinturas vemos un claro indicio, o por lo menos predecesor, de arte “abstracto”. Pollock, y otros muchos artistas de renombre, tiene en sus primeras pinturas de antes del dripping un claro influjo de Monet.

Esas obras de Monet nos pueden ayudar a darnos cuenta de lo deficientemente que realizan sus obras muchos artistas que se dedican a la abstracción hoy día y de que la abstracción no es nada tan nuevo, o al revés, el boom de la abstracción de hoy en día ha conseguido que valoremos muchas de las obras de Monet antes no tan valoradas. El propio Kandinsky dijo, cuando vio los almiares de Monet en el museo, que no supo lo que eran hasta que leyó el folleto, le pareció que era pintura por pintura, sin ningún motivo a representar ¿Y no será que Monet uso la excusa de los almiares para ese propósito?

Sin Titulo.

En cuanto conflicto entre abstracción o figurativismo, Mondrian, quien tantas ganas tenía de huir de representar la realidad, tuvo mucha fe en que Picasso lo conseguiría. Por eso, se sintió decepcionado al ver la evolución de sus obras, y es que Picasso nunca quiso dejar de representar la realidad. Él decía que partir de la realidad le era necesario y que cuánto quisiera trasformarla era cosa suya. A Bart Van Der Bech le sucede lo mismo que a Picasso, parte de la realidad y luego la trasforma, pero el la transforma hasta tal punto que ya no llegamos a reconocer de qué realidad ha partido.

Picasso tres musicians. 1921.

LaHistoria

El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sometido a la lógica de la perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de culturas distintas a la Europea se hicieron accesibles y mostraban formas alternativas de describir experiencias visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiría los cambios fundamentales que se estaban produciendo en tecnología, ciencias y filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de aquella época.

Theo Van Doesburg Composición 1917 Oleo sobre tela.

Joan Miro Personnage Etoile.

Esta se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. El distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligera, parcial o completa. El abstraccionismo existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable. La obra es arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras evidentes, puede decirse que en parte es abstracta. La abstracción total no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible. El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes.

Pero el arte figurativo y el representativo (o realista) a menudo contiene algo de abstracción parcial. Entre los muy diversos movimientos artísticos que personifican una abstracción parcial estarían por ejemplo el fauvismo en el que el color está intencionadamente alterado en relación con la realidad, y el cubismo, que claramente altera las formas de la vida real en los objetos que representa.

Kandinski.

Diferencias entre Pintura abstracta expresiva y Pintura abstracta geométrica

Pintura abstracta expresiva • Subjetiva y espontánea • Métodos de creación impulsivos e improvisados • Expresividad visualel • Capacidad sensitiva y expresiva de la factura y materiales artísticos • Composición asistemática y falta de estructura • Vaguedad, ambigüedad,sugestiidad.

Pintura abstracta geométrica • Objetiva y universal • Planificación de la obra sobre principios racionales, previa a la creación. • Prohíbe la expresividad de los elementos visuales, defendiendo el uso de los elementos neutrales, normalmente geométricos • Elimina la capacidad sensitiva y expresiva de los materiales, defiende una factura impersonal • Composición sistemática y lógicamente estructural • Claridad, precisión y objetividad.

Una obra abstracta, representa una nueva realidad, prescinde de la figuración de objetos reales. También este arte influenció la música utilizando elementos abstractos del sonido y las divisiones del tiempo.

Mondrian Composicion en Rojo, Amarillo, Azúl.

Fanny Sanon Color y Simetria.

Como tambien la abstracción pura, en la que no hay referencia alguna a realidades naturales, surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influido por la aparición de muchos elementos. Este lenguaje se elaboró a partir de las experiencias de vanguardia precedentes. Por un lado, el fauvismo y el expresionismo liberaron el color, lo que derivó hacia la abstracción lírica o informalismo. Otra vía fue la del cubismo, que hizo hincapié en la conceptualización de la forma y de la composición, lo que llevó a otro tipo de abstracción, las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica son a menudo totalmente abstractas. Por lo tanto, ya desde sus comienzos, el arte abstracto ha tendido hacia dos polos: uno, cuyos orígenes se remontan al fauvismo, es libre y lírico; Por otro lado, inspirándose más en el cubismo, es geométrico.

El concepto designa una serie de tendencias en pintura, escultura y artes gráficas, que rechazan la copia o la imitación de todo modelo exterior a la conciencia del artista. Se entiende por arte abstracto aquel que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva); según esta acepción, una obra abstracta no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.

ArtistasIniciadores

Boccioni Estado de ánimo III.

Artistas que se sitúan como iniciadores de la pintura abstracta junto a Kandinski Antes de la irrupción de Wassily Kandinsky y el Grupo Blaue Reiter, Augustus fue quizás el primero en realizar abstractos de colores, hacia 1911. En una obra acerca del Futurismo, Boccioni escribió acerca de la abstracción expresiva en 1910: "Mi ideal era un arte que expresara la idea de sueño sin representar ninguna cosa durmiente". Su

obra 'Stati d'animo' (Estado de ánimo) en 1911, se acerca a ésta abstracción. Arthur Dove en su 'Abstract Number 2' (Abstracto Número 2), en 1911. Y 'Fog Horns' (Sirenas de Niebla).

AbstracciónGeométrica Tuvo su origen en el Suprematismo de Kasimir Malevich, y las construcciones abstractas de Tatlin, Rodchenko, Popova, Rozanova, Kliun, Jean Pougny y otros; hasta 1920, y a partir de ahí en el 'Neoplasticismo' de Mondrian y Van Doesburg. Se destacaron las obras e ideas del grupo de artistas de 'Puteaux', que en las tertulias del estudio de Jaques Villon crearon entre 1911 y 1914 el movimiento 'Section D'or'. Se interesaban por las bases matemáticas de la composición, y creían que el 'Cubismo' podía desarrollarse por la vía de la abstracción no icónica. Surge de los experimentos sistemáticos del color, desde 1912 por parte de Robert Delaunay, basándose en las teorías sobre color de Eugéne Chevreul, y el movimiento paralelo del 'Sincronismo', iniciado en Francia por los Pintores estadounidenses: Patrick Bruce, Stanton Macdonald-Wright y Morgan Russell. Surge por el desarrollo de 'Arte concre-

Vitral Abstracto Beneyto.

to' por parte de algunos miembros del grupo 'Abstracción-Creación', de Max Bill y sus seguidores suizos.Influye la incursión de Picabia desde 1910 con un concepto Cubista. Leger en 1913 a 1914 con su serie 'Contrastes de Formas' En Inglaterra, Wyndham Lewis, expuso 'Timon of Athens' (Timón de Atenas) en la muestra 'Post-impresionista de 1912. En 1905 Adolf Hoelzel, elabora un sistema de colores, que se aproximó a la abstracción, con su serie en 1917 de 'Sonidos coloreados', concebidos en su relación con la música.

DescripciónSiglos XX y XXI Descripción de pintura abstracta por décadas en los siglos XX y XXI desde su aparición. 1900 Inicios. Estudios preliminares del color y la forma como elementos de abstracción. 1910 Formas geométricas complejas derivadas de la naturaleza misma. Relación del color con la música. Abstracción expresiva no-figurativa. Abstracción musical. Cubismo abstracto. 1920 1930 Formas geométricas no figurativa que nacen de Formas abstractas: expresivas, geométricas, bimórficas y lírica. Abstracción geométrica figurativa. 1940 1950 Formas complejas derivadas de otras formas geométricas básicas. Formas geométricas que no surgen de la naturaleza, y culminan en formas espontáneas creadas por interacción de la pintura física-líquida. Action painting. Expresionismo abstracto. Pintura abstracta lírica. 1960 Gusto por el realismo exagerado.

Jack Jefferson Embarkadero #2, 1962.

ElDesarrollo

Carlos manfretti Dinamismo en azul y rojo. 2008.

La pintura abstracta se desarrolló por dos vías, con artistas que la relacionan con el Arte decorativo, que podía ser artística, si se hacía expresiva. Otros artistas que vieron su relación con la música por ser análoga a la misma, como una especie de 'Abstracción musical'. Ciurlionis, artista, músico, fue Pintor abstracto desde 1905, cuando vio que pudo relacionarla con la música, y llenar el vacío que tuvo en su carrera musical. La serie 'música-color' de Scriabin, fue representativa de la abstracción de la

especie musical. Experimentos en la serie 'Órgano de colores', de los Futuristas, y otros artistas; influyeron en František Kupka, cubista checoslovaco y miembro del Grupo de Puteaux, quien elabora un sistema personal de abstracción del color cuyo objetivo habría de literalmente ´liberar el color de la forma'.

Decoraci贸n de Interiores Manfretti.

CAPITULO III 路 Trabajo Especial 路 Su Lectura 路 Revoluci贸n

Cuenca Museode Arte Abstrto.

TrabajoEspecial Su trabajo de laboratorio como genetista, le ha servido a Hunter O’Reilly como inspiración para su arte abstracto. Se define como ‘bioartista’, y en sus pinturas ha plasmado enfermedades como la malaria o el VIH-SIDA.

Genetica Hunter O’Reilly.

Como, por ejemplo, en este cuadro. Las formas naranjas del fondo representan la etapa sexual del Plasmodium, el parásito de la malaria. El mono que aparece en el centro tiene la molécula de la cloroquina representada dentro de su oído y cabeza (la cloroquina es un medicamento se empleaba como tratamiento contra la malaria hasta que los parásitos se volvieron resistentes a ella). En él también podemos observar mosquitos (los insectos que transmiten esta enfermedad) e hígados (donde se depositan los parásitos en el cuerpo de la persona infectada).

Para entender estas obras se necesita de amor por la pintura,mente abierta a nuevas ideas y un toque de imaginacion.

Genetica Hunter Oâ&#x20AC;&#x2122;Reilly.

En este otro, que representa a una mujer infectada por el virus del VIH. La estructura oval que rodea su rostro es una partĂcula de VIH.

SuLectura

Epitafios Tumbas Paul Gauguin.

El proceso del abstraccionismo en el arte pictórico subraya aquellos aspectos que pensamos como “lo formal” (color, composición, formas, etcétera.) Sin embargo, esta actitud no es nueva en el arte puesto que en las artes plásticas siempre se ha hecho abstracción. El término abstracción se define como el proceso intelectual por el cual se han separado y destacado ciertos aspectos o propiedades de un objeto, como medio para explicarlo o entenderlo mejor.

Es decir, la abstracción simplifica una realidad compleja. Todo el arte de la historia ha sido posible gracias a la abstracción de una realidad compleja. Hay ejemplos muy evidentes de esto: los pictogramas de la caligrafía china antigua, el arte islámico, el arte prehispánico, toda la historia del diseño y las artes menores, el arte africano, etcétera. Dentro del ámbito europeo moderno, los artistas simbolistas (188090) creían que las formas en la pintura

deben ser significativas; no en virtud de su correspondencia con el mundo, sino según el lugar y función que cumplen dentro de la composición. El artista Paul Gaugin (1848-1903) decía que los objetos de una pintura no tienen significado como objetos en sí mismos, sino sólo en virtud de las relaciones que pueden establecerse entre ellos. El problema que hizo evidente el arte abstracto es el de la naturaleza del lenguaje artístico y éste es un problema que tiene que resolverse en cada obra artística, de cualquier periodo de la historia del arte. ¿Cómo deben “leerse” las obras de arte? Toda obra de arte, abstracta o no, tiene un significado. En el arte las formas no son como palabras ni corresponden literalmente a una imagen “real”. Se puede representar una preocupación emocional o intelectual. La tendencia abstracta en el arte moderno creía que una realidad más pura, alta, profunda, universal, se puede develar “quitando” lo que no es esencial en las cosas del mundo. El arte abstracto se asoció con la intención de “ver más allá” de la realidad. Pero lo abstracto no se debe relacionar necesariamente con esta visión esencialista.

LaRevolución ¿Puede decirse que el abstraccionismo es una corriente artística revolucionaria? Sí y no. Ya vimos que toda expresión artística, desde la prehistoria, ha sido posible gracias a la capacidad de abstracción del ser humano. Desde esta perspectiva, podemos afirmar que el arte abstracto del siglo XX no inventó un nuevo lenguaje para comunicar el impulso estético de la humanidad. Sin embargo, los abstraccionistas revolucionaron el campo del arte cuando se desligaron conscientemente del mundo visible y propusieron como tema de sus obras una realidad más allá de las apariencias: tan válida, expresiva y significativa como la que había inspirado al ser humano desde los tiempos más remotos.

Paul klee Revolving House (1922)..

CAPITULO IV · Abstraccionismo Lírico · Abstraccionismo Objetivo · Abstraccionismo Perseptivo · Abstraccionismo Postpictórica · Painting abstract-création: Art Non-Figuratif

AbstraccionismoLírico

Compocicion Lírical.

La Abstracción lírica es una tendencia dentro de la pintura abstracta que se desarrolló a partir de 1910 con la obra de Vasili Kandinsky, fecha que se toma usualmente como referencia para marcar el comienzo de la pintura abstracta: Una acuarela de este pintor titulada precisamente Primera acuarela abstracta. De este mismo año es su obra De lo espiritual en el arte. Kandinsky ejemplifica esta abstracción lírica. Llegó, entre los años 1910 y 1912, a una abstracción impregnada de sentimiento, idealmente representativa de las aspiraciones de los artistas del grupo expresionista de Múnich Der Blaue Reiter, del que él mismo formaba parte.

Cropped Pollock.

El tema que desarrollan los pintores de la abstracción lírica es, pues, la expresión de la emoción pictórica del artista, individual e inmediata. Rechazan representar la realidad de forma objetiva. La técnica preferida de estos pintores fue la acuarela, pintando igualmente bocetos y apuntes pequeños. No obstante, también elaboraron grandes telas al óleo. Predomina el color sobre la forma. Se considera que el creador de la abstracción lírica fue Vasili Kandinsky ( 1866-1944), con obras como: Impresión n.º 5 (1911, Centro Pompidou), Arco negro (1912, Centro Pompidou), Composición VIII (1923, Museo Guggen

heim, Nueva York), Composición inestable (1930, colección Maeght), Conglomerado (1943, Colección Nina Kandinsky). Otro autor al que se enmarca habitualmente dentro de la abstracción lírica es Paul Klee (1879-1940); de sus obras cabe citar: Senecio (1922, Museo de Arte, Basilea), Castillo y sol, 3 (1928) o Port et voiliers (Puerto y veleros, 1937, Centro Pompidou). En Francia, Robert Delaunay elaboró, desde el año 1912, a partir de las primeras teorías de Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores, sus Ventanas y sus primeras Formas circulares cósmicas abstractas. klee parnassum.

Paul Klee Senecio 1922.

Uno de los precursores de esta tendencia fue Frank Kupka (1871-1957), pudiendo citarse su obra Las teclas del piano (1909, Galería Nacional de Praga); expuso en el Salón de Otoño de 1912 Amorfa, fuga de dos colores y en 1913 Planos verticales azules y rojos. En la misma época, en Rusia, Mijaíl Larionov y Natalia Goncharova llevaron hasta la abstracción pura su método de transcripción del fenómeno luminoso, al que denominaron rayonismo. Posteriormente, cultivaron la abstracción lírica una serie de artistas parisinos después de la Segunda guerra mundial, en oposición a la abstracción geométrica.

Frantisek Kupka Creation 1911-1920.

Según Bernard Dorival, y su obra "Les Peintres du XX e Siécle" 1957, respecto a Robert Lapoujade y Bernard Dufour; la pintura abstracta expresiva no se deriva de la naturaleza, ni sugiere formas de ésta. Respecto a Paul Kallos y Serge Rezvani; su preocupación fue por la estructura formal más que los propios precursores del Informalismo, como Wols y Hartung. Pierre Cabanne y Pierre Restany (escritores), en su obra 'L' Avant-garde au XXe Siécle' (1969); daban el nombre a una escuela dedicada a la pintura abstracta expresiva llamada 'Tachismo', en reacción a la pintura abstracta geométrica de Wols, Mathieu, Hartung, Atla y Dubuffet; teniendo como precursor a Bryen y Fautrier. Estos escribieron: "Fautrier, Bryen, Wols, Hartung; nos llevaron al corazón mismo de la aventura lírica, atravesada como por el resplandor del relámpago, por la indiscutible brillantez de Mathieu... La revelación de la Escuela Americana que empezó a mostrarse a partir de 1952, apareció como argumento adicional a favor de la abstracción lírica. Admitir una segunda abstracción lírica en los años 50 con Tal-coat como máximo representante, tomando elementos del estilo 'All-Over', de los EE. UU., y el misticismo de San Francis.

Galerie Thierry Mercier Artfinding Nature Morte.

AbstracciónObjetiva

Experimento de artistas ingleses en 1930, con la transformación de objetos y escenas de la naturaleza, con diseños coloreados. Relacionados con la pintura abstracta expresiva, derivada de la obra de Monet, Bazaine y Manessier, reflejan la impresión óptica y no el objeto en si. Añadieron una idea romántica, de expresar un sentimiento de la naturaleza desde formas abstractas. La influencia fue mayor con la obra de J. M. W. Turner que con el 'Impresionismo'. En el grupo estaban: William Coldstream, Graham Bell, Victor Pasmore, Rodrigo Moyhihan e Ivon Hitchens; en el que sólo Hitchens quedó fiel el estilo. Y en 1934 se celebró la exposición 'Objective Abstraction' en la Zwemmer Gallery.

Es la representación de un mundo móvil y cambiante en un medio estático e inalterable (lo que supuso una de las preocupaciones de los principales Futuristas), a la plasmación de un mundo tridimensional, sobre un medio bidimensional, y a la utilización de la amplísima gama de colores.

Abstracci贸nPerceptiva

Se refiere a varias escuelas abstractas, sucedidas del 'Expresionismo abstracto', como: 'La pintura de zonas de color', 'La pintura Hard Edge', 'El Minimalismo', y 'El Op Art'. Monet.

Se creó un cambio desde la calidad expresiva y pictórica, hacia la claridad y precisión de la percepción, de ahí el nombre de Abstracta perceptiva.

AbstracciónPostpictórica Miro.

En el catálogo de la exposición de Pintura contemporánea, en 1964, en el County Museum de los Ángeles, llamada "Post-Painterly Abstraction", se suscribe éste movimiento, por el crítico estadounidense Clement Greenberg. Representa una generación de artistas

de ruptura con el 'Expresionismo abstracto', y no con la pintura figurativa. Lo representan: 'Morris Louis, Kenneth Noland, Jack Youngerman, Leon Polk Smith, Frank Stella, Ells-worth Kelly, Larry Poons, Al Held y Jules Olitski.

Características • Repudian la pincelada expresiva. • Es de factura personalizada. • Sustituyen el 'Action painting' por áreas de color sin modelar, fríamente proyectadas y claramente definidas. • Suprimen la calidad táctil. • Suprimen la calidad de tipo ilusionista.

• Enfatizan el realismo de los materiales artísticos. • Tienen como objetivo alcanzar un arte de colores ópticos. • Identifican la obra física de arte con la imagen del cuadro. • Eliminan ciertas asociaciones.

Weber Pastel 1940.

Painting Abstract CréationArt Non-Figuratif Característica • Fomentaba la abstracción creativa, de obras derivadas de formas no-figurativas o geométricas, y no de la naturaleza misma.

Kandinsky Composición 7.

no 88 Bow to the Night Pony 5.

Grupo de Pintores abstractos y Escultores abstractos o No objetivos, formados en París en febrero de 1931, luego de la primera exposición de arte abstracto celebrada en el mismo lugar en 1930. Fue el heredero del grupo Cercle Et Carré, fundado en 1930. Un grupo que llegó a 400 miembros aceptando artistas de cualquier nacionalidad. El grupo publicaba un anuario: 'Abstraction-Création: Art non-figuratif' desde 1932 a 1936, editado cada número por una persona distinta, y realizaba exposiciones colectivas. Abarcaba obras desde el 'Constructivismo' de Gabo, Pevsner, Lissitzky, y el 'Neoplasticismo' de Mondrian, Vordemberge-Gildewart y Domela, Magnelly y Gleizes, que llegaban a la pintura abstracta no-figurativa

desde el 'Cubismo'; la pintura abstracta expresiva de Kandinsky, la pintura abstracta biomórfica de ARP, y algunas del 'Surrealismo Abstracto'. Por el peso del 'Constructivismo' y 'La escuela de D' Stijl'; se inclinó hacia la pintura abstracta geométrica, en las corrietes expresivas y líricas. Debido a la marcha a Inglaterra de los constructivistas más importantes; el movimiento decayó en 1936. La exposición "Abstraction-Création", se celebró en Munster en 1978 en honor al movimiento Painting abstract-création, luego se trasladó al Museum d' Art Moderne de la Ville de París. Gladys C. Fabre recopiló documentos detallados del movimiento. Artistas: Gorin, Herbin, Helion entre otros.

CAPITULO V · Pintura Abstracta Figurativa · Pinturas abstractas que resultan de la supresión de las formas · Wassily Kandinsky · Piet Mondrian · Similaridad vs. Significado

Pintura en diamante en rojo, amarillo y azúl.

AbstracciónFigurativa Es la representación de un mundo móvil y cambiante en un medio estático e inalterable (lo que supuso una de las preocupaciones de los principales Futuristas), a la plasmación de un mundo tridimensional, sobre un medio bidimensional, y a la utilización de la amplísima gama de colores. Se creó un cambio desde la calidad expresiva y pictórica, hacia la claridad y precisión de la percepción, de ahí el nombre de Pintura abstracta perceptiva.

Girl With a Mandolin Pablo Picasso 1910.

Pinturas abstractas que resultan de laSupresión de las formas

Ranchossmall.

• La pintura abstracta deliberada, se realiza con fines estéticos y por artistas consciente. Esta es propia del siglo XX. • La pintura abstracta voluntaria, impuesta por el medio o la moda en uso, es propia de la antigüedad y la edad media. • La pintura abstracta geométrica, supone una supresión de detalles de forma individual para poner el tipo genérico al que pertenece el objeto, ejemplo: Con fines productivos: Brancusi y su obra 'Maiastra', 'Pájaro en el espacio', 'La foca', etc; 'Los puristas y sus objets types'. Con fines decorativos y estéticos los bodegonistas: Morandi, Georgia O' Keefe y William Scott. Con paisajes urbanos o industriales: Feininger y L. S.

• La pintura abstracta publicitaria, supresión de detalles para crear un texto o imagen y lograr dar un mensaje. Ejemplo: 'Muralistas mexicanos', 'Realismo socialista'; obras: 'Neue Sachlichkeit' de Grosz, Dix y Beckmann, y de Ben Shahn y Jack Levine. • La pintura abstracta estética y decorativa, supresión de detalles con fines decorativos, ejemplo: obras de Matisse, Arshile Gorky y Stuard Davis. Que influenciaron a Raoul Dufy, Cornelius Van Dongen, Elie Nadelman, y la obra tardía de Bernard Buffet.

• La pintura abstracta orientada hacia un 'estilo', es la supresión de detalles para generar un estilo artístico único, ejemplo: 'El Art Nouveau', con su ritmo curvilíneo; 'El Fauvismo', con sus colores de fuertes contraste; 'El Expresionismo Alemán', con sus trazos ásperos y angulosos; 'El Cubismo', propenso a las formas geométricas; 'El Cubo-Futurismo Ruso', 'El Precisionismo Estadounidense', 'El Vorticismo', 'El Rayonismo' y 'El Purismo'. La abstracción por estilo pueden ser individual (eje. las formas pesadas, cilíndricas, semejantes a máquinas, de Léger, o las tenues formas de Giacometti) o de un grupo de artistas.

WassilyKandinsky El 4 de diciembre de 1866 nació en Moscú Wassily Kandinsky. De joven, soñador y romántico, fue un apasionado por la pintura en sus primeros treinta años. Después de realizar una brillante carrera de Economía y Derecho, se trasladó a Munich en 1896 para dedicarse de lleno a la pintura, siendo para el entonces uno de los centros artísticos más activos de Europa, en donde el Jugendstil, versión alemana del modernismo, se proyectaba como el movimiento artístico del momento. Kandinsky se convirtió en promotor de exposiciones entre pequeñas asociaciones de artistas modernos de obras modernistas, impresionistas y simbolistas, estilos que predominan en los primeros manifiestos del artista. Entre 1906 y 1908 conoce el cubismo y el fauvismo recorriendo Europa, y en 1909 funda la Nueva Asociación de Artistas de Munich, conocida como NKVM por sus siglas en alemán, en tiempos en que comienza a gestarse en Kandinsky un despertar ideológico hacia el sentido de la parte abstracta.

En 1914 al estallar la Primera Guerra Mundial regresa a Rusia, a pesar de no encajar su modo de sentir artístico con el radicalismo de suprematistas y constructivistas, pudo ocupar en el nuevo Estado soviético importantes cargos en la administración cultural y artística, dedicándose a fundar museos por toda Rusia, igualmente en programas de enseñanza artística. Para 1921 regresa a Alemania disciplinando su estilo, añadiendo color a la geometría e interactuando con la forma. En 1933 con el ascenso del nazismo abandona Alemania

Kandinsky Improvisación.

instalándose en Neully, cerca de París, nuevamente se encuentra en desacorde con el estilo predominante en la escena francesa, pero encuentra apoyo con el galerista Jeanne Bucher, quien durante la ocupación alemana le organizó exposiciones semiclandestinas, en donde su obra se aleja de la geometría, optando por multiples formas de la biomórficas y orgánicas. Wassily Kandinsky no pudo disfrutar en los años de posguerra su definitiva consagración tras el triunfo de la abstracción, al morir el año de 1944. Padre de la Abstracción.

PietMondrian Piet Mondrian (1872-1944), puede considerarse el artista de la geometría, originario de Holanda, es considerado como el pintor abstracto por excelencia, sus primeros trabajos, paisajes y bodegones eran relativamente realistas. “El árbol gris”, anuncia lo abstracto, que era una transición a su obra geométrica; no obstante, también enseña una postura precisa en el mundo real de la vida y la muerte. “El árbol gris” es arte realista que a la vez es el comienzo de lo abstracto. Si ignoramos el título nos encontramos con una pintura abstracta, si lo consideramos, tenemos un árbol gris. El pintor afirmaba que había hecho estos cuadros para ganarse la vida; no obstante, poseen una frágil delicadeza, preciosa y excepcional.

Mondrían buscaba un estilo donde privaba lo honesto, su más ferviente anhelo era obtener la pureza personal. Evitar lo que agradaba a las mentes estrechas y acceder a una simplicidad, si se quiere, divina. Puede percibirse monótono, pero él realizaba su obra con una lírica seguridad y equilibrio que convierte su arte en una expresión tan pura como él deseaba.

El Árbol Gris.

Broadway Boogie Woogie Piet Mondrian.

Piet Mondrian fue riguroso con las reglas de trabajo que se impuso. Sólo utilizaba colores primarios, blancos, negros y formas de lados rectos. Sus teorías y estilo son una triunfante reivindicación de la austeridad. “Pintura en diamante en rojo, amarillo y azul” pareciera estar desprovista de espacio tridimensional, pero de hecho se trata de una obra increíblemente dinámica.

Las grandes figuras resultan densas por su tensión cromática, El diferente grosor de los bordes negros las contiene en un balance perfecto. Se integran continuamente al observarlas lo que atrapa la atención del vidente. Se experimenta una sensación de encontrarse con una visión de cómo se supone deben ser las cosas, pero que nunca lo son.

Similaridad vs.Significado Cerca del año de 1917 el artista Theo van Doesburg pintó este cuadro (óleo sobre tela) y lo tituló Composición; actualmente pertenece al Museo de Arte Moderno de Nueva York. Composición es una obra que se ubica dentro de la corriente artística del abstraccionismo, que se manifestó a partir de la segunda década del siglo XX en Europa, especialmente en Alemania, Austria, Holanda y Rusia. ¿Qué ves en esta obra? ¿Cuál te parece que sería su significado? ¿por qué crees que se inscribe dentro de la corriente del abstraccionismo pictórico?

Generalmente nos referimos a las obras como “abstractas” cuando no encontramos ninguna relación de similaridad con la realidad visible. Es decir que se puede nombrar una obra como “abstracta” porque “no se parece a nada” y, por lo tanto, el motivo o tema de la obra es difícil de identificar. Para mostrar el significado de su cuadro Composición, Theo van Doesburg realizó el siguiente diagrama del proceso artístico que siguió:

Según plantea este esquema, van Doesburg vio una vaca y la interpretó pictóricamente a partir de formas geométricas que si bien no retratan a una vaca, de algún modo refieren al animal (podemos identificar las patas, el cuello y la cabeza). Sin embargo, el segundo y tercer cuadro que realizó van Doesburg está aún más lejos de una vaca como se ve en el mundo, porque el artista hizo estas obra a partir de su propia interpretación del animal (primer

Theo Van Doesburg Composición 1917 Oleo sobre tela.

cuadro) y dejó de basarse en la vaca misma. La cuarta obra pictórica de esta serie es el cuadro Composición, donde no hay ninguna referencia a una vaca. Cuando viste esta obra al inicio del texto, ¿encontraste una vaca? ¿Qué es lo que nos quiso decir Theo van Doesburg mostrándonos la secuencia creativa que siguió desde que vio la vaca hasta que pintó Composición? ¿Porqué crees que decidió eliminar en sus obras toda “similaridad” con una vaca?

Aparentemente, el esquema de van Doesburg explicaría que podemos conocer el significado de su pintura si logramos ubicar el objeto o motivo de la realidad (en este caso la vaca) del cual partió el artista para construir su obra. El proceso de la abstracción implicaría la secuencia de transformaciones que las intenciones del artista ejercen sobre la imagen “original” y el resultado “abstracto” de la composición. Pero qué pasa si sólo vemos el resultado final de la serie de cambios de la imagen: ¿veríamos una vaca?, ¿encontraríamos significado en la obra? ¿Será que van Doesburg elaboró su esquema de realización del cuadro Composición precisamente para demostrar que no es necesario que el espectador sepa cuál es referente “real” de su pintura para que encuentre en ella significado, o bien que la aprecie como obra de arte?

El ojo inocente Mark Tansey.

Concierto Calido delia solari.

Estamos acostumbrados a relacionar las imágenes artísticas con el mundo visible, a pensar si corresponden o no con la apariencia de las cosas y a leer intenciones en las similaridades y diferencias. El arte abstracto confrontó al espectador con esta manera tan limitada del concebir al fenómeno artístico. Para los artistas afiliados al abstraccionismo, es completamente innecesario que la apreciación artística dependa de que el público sepa o busque “a qué se parece” su obra. Desde su perspectiva, el significado del arte abstracto depende más bien de las relaciones internas de la obra misma, atendiendo a las diferencias entre formas, colores, textura, composición, etcétera. Es decir en la

sintaxis plástica. En una obra abstracta, como en toda obra de arte, todos sus elementos plásticos son expresivos: el ritmo compositivo, la combinación de colores, la intención gráfica, la relación de las formas, la densidad plástica, etcétera. Asimismo, como con toda obra de arte, podemos aproximarnos al significado histórico y conceptual de una obra de arte abstracto sólo si nos “apropiamos” de ella a través del conocimiento: ¿quién la hizo?, ¿cuáles eran sus ideas artísticas?, ¿cuándo realizó esta obra?, ¿cuál fue su intención al realizarla? En otro sentido, el goce estético o intelectual no depende necesariamente de que sepamos “a qué se refiere” o “a qué se parece” una obra abstracta.

CAPITULO VI 路 El Abstraccionismo y su Panorama en Venezuela 路 Los Disidentes 路 Periodos del Arte en Venezuela

La abstracción y su panorama enVenezuela

102

En pleno apogeo del movimiento realista en el siglo XIX, Gustave Flaubert (novelista francés) decía: "el arte será algo que se situará a mitad de camino entre el álgebra y la música". Faltaban para entonces solo diez años para empezar el movimiento impresionista y unos cincuenta para la primera obra de carácter abstracto de Vassily Kandinsky. Pero Flaubert no hablaba en falso; se estaba gestando entonces una nueva concepción del mundo. Si nos situamos en un plano real, podríamos decir que realmente no existe ninguna obra totalmente abstracto, pues están compuestas de formas, colores y movimientos concretos en su esencia. Por otro lado, toda obra contiene rasgos abstractos, incluso la reproducción más fiel de un retrato, pues se abstraen rasgos propios de una persona para representarlos por secciones. Es por ello que el término "arte abstracto" es blanco de muchas críticas, pero se le ha preferido denominar así a la abstracción de ciertas representaciones del espacio exterior. Dentro de la abstracción encontraremos la abstracción geométrica que consiste en la representación de figuras geométricas con diversas gamas de colores que conforman figuras de verdadero interés visual. Es precisamente en este tipo de arte abstracto en el que podemos situar el desarrollo del arte abstracto en Venezuela. Sus mas grandes exponentes, Jesús Soto

Carlos Cruz Diez.

y Carlos Cruz Diez, Muestran obras que además de tener cierto carácter impresionista, presentan la realidad como una abstracción en colores, rectas y figuras geométricas. De hecho, la presencia de rectas conforma una factor muy peculiar en el abstraccionismo venezolanos. Al revisar a Cruz Diez encontraremos obras como el Aeropuerto Internacional Simón Bolívar en Maiquetía, Estado Vargas, Venezuela. En esta obra se intenta engañar al ojo humano con la utilización de rectas de diversos colores que corren por toda la superficie del piso, llegando a escalar las paredes laterales, provocando así una sensación de mayor espacio y relajación. Soto, por su parte, nos presenta una colección que si bien es cierto no tuvo las mismas características durante toda su trayectoria, deja translúcido el desarrollo de una técnica que parecía tomar vida por sí sola. Empezó por el abstraccionismo expresado en plano y terminó con sus representaciones más vivas: sus penetrables. En ellos les es permitido a las personas navegar dentro de inmensas estructuras colgantes que juntas dan un significado especial a la obra, esto claro, sin dejar de mencionar que las personas mismas se convierten en parte esencial de la estructura. Jesús Soto.

103

"Ambientación de Color Aditivo", es la obra del artista plástico venezolano Carlos Cruz Díez que destaca en el pasillo de Salidas del aeropuerto Internacional Simón Bolívar de Maiquetía, estado Vargas, Venezuela.

Parque del este en Caracas. EstĂĄ ubicada en la autopista Francisco Fajardo.

JesĂşs Soto.

losDisidentes Fue fundado en parís por un grupo de artistas venezolanos: Alejandro Otero, Mateo Manuare, Pascual Navarro, Herminy Perán, Rubén Núñez, J. M. Guillermo Péres, Luis Guevara Moreno, y Carlos Gonzáles Bogen, que se adhirieron a las nuevas propuestas del arte abstracto. Fundaron una revista con el mismo nombre, que apenas duró cinco números. El programa de los disidentes se redujo al enjuiciamiento de la cultura tradicional existente en Venezuela, y de las instituciones como el Museo de Bellas Artes, los salones oficiales, y las escuelas de artes plásticas. Por lo tanto, fue un movimiento de protesta que criticaba las estructuras culturales de nuestro país, pero sin proponer un planteamiento estético-cultural renovador. En cambio, fue mayor su aporte cuando regresaron al país, y gestaron el movimiento abstracto a partir de 1951.

108

109

El Museo de Ciencias es un museo de la ciudad de Caracas, Venezuela, se encuentra ubicado en la Plaza Los Museos, acceso principal al Parque Los Caobos en Bellas Artes, en lo que se conoce como el circuito cultural de la ciudad.

Periodos del ArteVenezuela

112

No se ha establecido en la historiografía sobre artes visuales en Venezuela una periodización que responda a las particularidades de tal área del conocimiento. Podemos mencionar un esfuerzo expositivo que conocemos, se propuso abarcar en una visión panorámica el lapso histórico nacional que comprendió desde el período colonial (lapso histórico que excluyó las manifestaciones estéticas de nuestras culturas aborígenes) hasta las expresiones artístico estéticas más contemporáneas, nos referimos a la exposición temática titulada "Indagación de la Imagen (La Figura - El Ámbito - El Objeto) 1680-1980, realizada en la Galería de Arte Nacional, en 1980, de la cual, en su presentación señala Manuel Espinoza que es: ... "una exposición ambiciosa, cuyo eje atraviesa varios siglos de la historia plástica venezolana, buscando la coherencia, las variaciones y las constantes en una investigación cumplida por generaciones de creadores"... (Manuel Espínoza, Catálogo Exposición Indagación de la Imagen, primera parte). Sin embargo, aún con lo valioso que resultó la muestra, el intento de establecer denominaciones que enunciaran períodos artísticos, no permite visualizar un criterio unificador y coherente que pudiera, a través de un hilo conductor observar metodológicamente el proceso de desarrollo ininterrumpido de los capítulos que identificaron en períodos estancos la producción artística criolla, es así que se trató, siempre con distinta autoría de: Posteriormente, en la segunda parte de la exposición se asumió la denominación "La figura en los

años setenta", dándole mucha importancia al dibujo y enunciado el carácter fragmentario de la década en cuanto a la multiplicidad de expresiones artísticas que colocan en situación de crisis con las nuevas figuraciones que surgen en escena (Marla Elena Ramos "La figura en los años setenta" en: Catálogo Indagación de la Imagen, segunda parte). Tales enunciados destinados a identificar en una visión general nuestro quehacer artístico, especialmente pictórico, que ha sido el más estudiado, se sustentan bajo diversas concepciones de diferente orden, político, cronológico, estético, sin que en el conjunto del análisis se haya partido exclusivamente de la naturaleza misma del objeto artísticoestético, vale decir que en ningún momento tampoco se proponen expresamente hacerlo. La bibliografía consultada no aborda el problema explícitamente ni con una metodología dirigida al tratamiento del tema. Sólo el historiador Alfredo Boulton, a través de los tres tomos de su autoría, establece tres grandes bloques para el estudio de la pintura en Venezuela, identificándolos bajo los títulos Historia de la pintura en Venezuela, Tomo 1, época colonial; Historia de la pintura en Venezuela, Tomo II, época nacional e Historia de la pintura en Venezuela, III, época contemporánea Esta bibliografía considera que nuestra producción artística se inicia a partir del proceso histórico que se provoca con la presencia hispana en nuestro territorio, la cual se concretiza con la producción del arte colonial, del cual el enlace con el período

que continúa, lo produce el artista Juan Lovera, dando pie a la época nacional que abarca hasta la producción plástica de Armando Reverón. La pintura contemporánea se iniciaría después del advenimiento al poder del General Juan Vicente Gómez, comprendiendo desde la obra de Marcos Castillo hasta Jesús Soto, impulsor del movimiento cinético. Para nuestros efectos, como se verá más adelante, esta proposición, ampliada en cuanto a la contemplación en la inclusión de otras manifestaciones artísticas además de la pintura, será la más apropiada a los fines que perseguimos. Antes, sin embargo, debemos mencionar una obra que tiene que ver con el asunto que tratamos y cuyo autor es Carlos Silva, de su proyecto de escribir una Historia de la Pintura en Venezuela, nos ofrece por ahora el Tomo III, referido a la contemporaneidad, a la cual se ingresaría hacia los años cincuenta (Carlos Silva, Historia de la Pintura en Venezuela). Debemos reseñar que existen periodizaciones parciales sobre períodos, tal es el caso del siglo XIX, Anna Gradowska en su libro reseñado en nuestra bibliografía "Cristóbal Rojas un siglo después y otros ensayos", al referirse a la historiografía venezolana del siglo XIX en el campo artístico refleja dos concepciones metodológicas las cuales somete a una revisión muy somera en cuanto resultan discutibles, se refiere por un lado a autores como José Nucete Sardi, Juan Calzadilla o Alfredo Boulton quienes recorren cronológicamente el período destacando a los artistas que consideran más relevantes; por otro lado, Cornelis Goslinga propone una secuencia de etapas estilísticas, después de distinguir un largo período colonial, desde 1810 hasta 1845, que considera un período neoclásico. Posteriormente, señala las etapas Romanticismo I, II

y Modernismo. (Anna Gradowska, op. cit). Sólo fue posible realizar para los presentes fines una consulta oral superficial a algunos de nuestros estudiosos del arte venezolano a fin de conocer sus opiniones sobre los criterios que podrían utilizarse en la formulación de una periodización del arte nacional. Los consultados fueron la Dra. Milagros Bello, (Md) historiadora del Arte, (V. Sorbonne- París); (Ph.D.) Sociología del Arte (V. de París 7-Jussiev), ex docente de la Universidad Central de Venezuela, en la Escuela de Arte; el Dr. Roberto Guevara, Director General Sectorial de Museos del Consejo Nacional de la Cultura y la profesora Anna Gradowska, historiadora y crítico de arte. Egresada de la Universidad de Varsovia donde obtuvo el título de Magister en Arte; jefe del Departamento de Arte Europeo, Medieval y Moderno en el Museo de Bellas Artes de Caracas; docente de la Escuela de Arte de la Universidad Central de Venezuela; autora de varios libros y artículos en Venezuela, Inglaterra y Polonia; Perán Erminy, crítico de arte e historiador; sus opiniones reflejaron criterios diferentes en torno al tema, en particular al arte del siglo XX sobre el cual específicamente buscamos información por considerarlo el más complejo. Las sugerencias variaron en cuanto optar provisionalmente por una periodización cronológica hasta contar con un respaldo conceptual apropiado; otras seccionar el siglo XX hasta 1950 considerándolo período moderno y hasta nuestros días denominarlo contemporáneo, o indicar los últimos 10 años arte actual; en fin como mero arqueo evidenció que es un tema discutible y sobre el cual no existe un único consenso. Es así que la complejidad que significa establecer una periodización en el campo de las artes visuales en Venezuela, rebasa las posibilidades que enfrenta el presente trabajo, el tiempo

113

114

es el principal factor que impide realizar cualquier proposición en este sentido; es por ello, que consideramos pertinente, asumir hasta que se establezca una concienzuda investigación al respecto, la periodización esbozada en forma esquemática por el Departamento de Investigaciones de la Fundación Galería de Arte Nacional. Bajo similares denominaciones, coinciden con las que identifican la obra de Boulton en lo que se refiere al período colonial; período nacional y período contemporáneo. Estos son a su vez subdivididos en enunciados que en forma global comprenden cada período. El Departamento de Investigaciones de la Fundación Galería de Arte Nacional introdujo el período prehispánico e indígena actual. Es de hacer notar que cada período no es delimitado en el esquema a precisiones cronológicas, más bien se deduce este aspecto del contenido temático que incluye además de pintura, otras manifestaciones del quehacer artístico. Nos inclinamos por el esquema que seguidamente transcribiremos textualmente porque consideramos que a los objetivos de la Fundación Galería de Arte Nacional le corresponden, por su misma definición: ... "es la institución museística del Estado, que al más alto nivel y jerarquía, está consagrada plena y específicamente a difundir, preservar, estudiar y fomentar las artes plásticas venezolanas de todos los tiempos. Se entiende por arte venezolano todas aquellas obras de carácter plástico en interés creativo rea- lizadas por venezolanos, originarios y de adopción, tanto en el país como fuera de él, tales como pintura, escultura ( .. ) desde los tiempos de nuestros aborígenes hasta la época actual". (Galería de Arte Nacional, Un destino para el arte venezolano). Es así, que siendo de su pertinencia institucional consideramos que nadie

más autorizado para profundizar y desarrollar una investigación que concluya en la formulación de una periodización del arte venezolano por ahora sólo esquematizada. Dicha periodización fue realizada bajo la coordinación del investigador Roldán Esteva-Grillet, jefe del Departamento de Investigación. En la elaboración de la propuesta participaron Ana Tapias (quien suministró la presente información), Luis Ángel Duque y William Niño entre otros. Este esquema de periodización nunca tuvo carácter definitivo y está en revisión y ajuste a fin de precisar con cada período su fecha. Se hizo este trabajo para apoyar documentalmente la exposición Lecturas del Arte Nacional de la que se haría un documental audiovisual, encargado por el Consejo Nacional de la Cultura que no se llegó a realizar. Se puede derivar de la presente y brevísima experiencia en el acercamiento a conocer este tema de la periodización en el arte venezolano que se requiere desarrollar un proyecto multidisciplinario que lo aborde y que ofrezca una proposición suficientemente fundamentada, lo cual escapa al propósito del presente trabajo, limitado por razones de tiempo y de respeto a las normas metodológicas que deben regir en un trabajo de investigación serio y documentado, por lo cual consideramos prudente ajustarnos provisionalmente a la voz más autorizada y reseñada anteriormente, veamos pues seguidamente el esquema referido. PERÍODO PREHISPÁNICO E INDÍGENA ACTUAL Poblamiento aborigen - paleontología y puntas de flecha. El jobo. Cronología arqueológica. Yacimientos arqueológicos, cerámica funeraria, ornamental, utilitaria. Técnicas de elaboración y ornamentación:El modelado, la incisión, la policromía. Idolillos,

vasijas, tallado de piedra, huesos y caracoles, instrumentos musicales.Petroglifos, pictografía Diseño geométrico y figuración estilizado. Obra de ingeniería (montículos, calzadas, campos elevados, mintoyes, chuipa). Manifestaciones indígenas actuales (de raíz histórica). Arquitectura: shabono, churuata, palafito. Cestería warao, textilería guajira, tallas de madera warao, ornamentación corporal e a base de pinturas, algodones, plumas (yanomami). PERÍODO COLONIAL I Disposiciones urbanísticas: el trazado regular. Arquitectura religiosa: capillas de indios o misioneros, iglesias matrices, conventos, la torre. Arquitectura militar: las fortificaciones portuarias, las murallas, el fortín. Araya, Orinoco, Golfo de Maracaibo. Los ingenieros militares y la tipología caribeña. PERÍODO COLONIAL II a) Pintura Siglo XVII y XVIII: influencias flamencas, españolas e italianas. Las estampas, Iconografía cristiana La producción criolla. El Pintor del Tocuyo. Escuela de Caracas Francisco de Lerma y Villegas, Zurita, Juan Pedro López, los Landaeta. Escuela de Mérida (José Lorenzo de Alvarado). Escuela de Río Tocuyo. b) Esculturas: Tallas en madera, Figuras. Santos de vestir, relieves. c) Artes decorativas o aplicadas (artesanías artísticas): ebanistería religiosa (retablos, confesionarios) y doméstica (parihuelas, armarios, sillones). La marquetería (Domingo Gutiérrez). Orfebrería y platería, (Pedro Ignacio Ramos); Textiles (alfombras, vestidos); fundición (campanas), pintura mural. PERÍODO NACIONAL Siglo XIX (I) Tradición colonial e iconografía republicana: Juan Lovera y Pedro Castillo. Nuevas Técnicas: Litografía y fotografía. Descubrimiento del paisaje y la sociedad. La formación académica. El retrato, la historia. Artistas extranjeros:

retratistas (Ker Porter), paisajistas (Melbye) dibujantes y pintores naturalistas (Bellermann, Coering). Un visitante especial: el joven Pisarro. El mecenazgo Guzmancista, Martín Tovar y Tovar, Arturo Michelena, Cristóbal Rojas, A. Herrera Toro, Emilio Mauri. Entre el realismo burgués y el social. Los pintores menores: Celestino Martínez, Ramón Bolet Peraza. El costumbrismo. La decoración finisecular: el Palacio de Miraflores, Julián Oñate, A. Michelena. PERÍODO NACIONAL SIGLO XIX (II) La escultura. La tradición colonial de la talla religiosa (José de la Merced Rada, Manuel González) a la estatuaria republicana (Eloy Palacios, Rafael de la Cova). la estatuaria bolivariana de importación. El modelo neo- clásico y romántico. El ornato urbano: plazas, boulevares, arcos triunfales. La nueva arquitectura del poder. Los estilos históricos: neo-renacimiento, neo-barroco, neo- gótico. Arq. Hurtado Mendoza, Muñoz Tebar, Esteban Ricard; el eclecticismo. La arquitectura palaciega y la villa: El Paraíso, Miraflores y la presencia del hierro. EL PERÍODO CONTEMPORÁNEO SIGLO XX (I) La tradición académica. Tito Salas, Lorenzo González, Manuel Pérez Mújica. El Círculo de Bellas Artes y la valoración de la luz en el paisaje. Cabré, A. E. Monsanto, Emilio Boggio y Armando Reverón: El personaje y su obra. Ferdinandov y la decoración art. monsean. El dibujo modernista - Leo, Federico Brandt, Alejandro Chataing y la arquitectura eclecticista. Pioneros de la modernidad arquitectónica: Manuel Mujica Millán y Carlos Raúl Villanueva. El neocolonial: Malausena. PERÍODO CONTEMPORÁNEO SIGLO XX (II) El realismo social y la estilización criollista. Francisco Narváez, Héctor Poleo,

115

116

César Rengifo. El indigenismo y el nacionalismo alegórico: Pedro Centeno Vallenilla, Alejandro Colina. La influencia mexicana de Rivera y Siqueiros. Americanismo vs. universalismo. Taller libre de Arte (Abreu, Vigas). Abstracción vs. figuración. Los disidentes (Otero, Guevara Moreno). La integración de las artes (UCV). Cinetismo (Soto, Cruz Diez). El informalismo (Hung) y la nueva figuración. (J. Borges, A. Rodríguez). El nuevo auge del grabado. Las artes del fuego. La arquitectura populista .P (Fruto Vivas). La explosión urbana de Caracas. PERÍODO CONTEMPOPÁNEO SIGLO XX (III) La arquitectura internacional y la postmodernista. La fotografía artística. El arte conceptual, arte de video, instalaciones, nuevo dibujo. Nuevos materiales: industria, naturaleza e imaginación. PERÍODO CONTEMPORÁNEO SIGLO XX (III) La arquitectura internacional y la postmodernista. La fotografía artística. Los pioneros de la estética (A Boulton, F. Gómez), Documentalismo crítico y testimonial (P. Gasparini, C.G. Rojas). La sátira social (F. Fernández, L. Brito). Las últimas tendencias: intimistas (J. Vengoechea, F. Beaufrand) y como medio escenográfico (N. Garrido, A. Apóstol). EL ARTE CONCEPTUAL El arte como idea (C. Perna) y como evento colectivo (D. Barboza). La síntesis del conceptualismo,(H. Fuenmayor, L. Villamizar). El "performance" como evento informacional (M.A. Ettedgui) o psicoanalítico (A. Terán). Nuevos materiales y objetualismo. Metáforas poéticas (G. Morera), de la naturaleza (M. von Dangél) y popular (C. Zerpa). Instalación. Utilización de materias fundamentales y del espacio positivo (A. Colmenarez, H. Abend). Naturaleza e indagación del nuevo paisaje (M. Becerra, Yeni & Nam). El, nuevo dibujo: el dibujo conceptual (R.

Obregón); el dibujo expresionista (J. Pizzani); el dibujo académico (P. Quilici). La tecnología domesticada: El video-arte en sus categorías de video-creativo (N. Ochoa, 0. Molinari); video-instalación (S. Cucher, L. Arráiz) y video-escultura (J.A. Hernández Diez). La imaginación como tópico (J. G. Fernández; A. González). PERIODO CONTEMPORÁNEO SIGLO XX (Años 60-90) a) La arquitectura internacional; "El tardo moderno" (años 60-70) La influencia Corbusiana, el brutalismo arquitectónico los volúmenes de concreto a la vista. 1.- Tomás José Sanabria, entre otros. La sede del INCE, el Banco Central de Venezuela, La Electricidad de Caracas, 2.- Jesús Tenreiro, la influencia "formalista"; Luis Kahn como referencia. La Sede de Edelca (ciudad Guayana); la arquitectura del lugar, el manejo de la sombra. 3.- José Miguel Galia, la búsqueda de una arquitectura tropicalizada e internacional, La Sede de Seguros Orinoco.4.- Carlos Eduardo Gómez, la arquitectura tardo moderna, los edificios de vidrio, la imagen corporativa y transnacional El Cubo Negro, Carlos Eduardo Gómez. 5.- Tomás Lugo, el último bastión de la arquitectura brutalista, los grandes y expresivos volúmenes de concreto; El Teatro Teresa Carreño; Tomás Lugo. b) La arquitectura "PostModerna" (años 75-80) La influencia historicista, la decoración y el ornamento desvergonzado. 1.- Carlos Brillenbourg. El renacimiento como referencia espacial; Palma Sola. 2.- Celina Bentata. La arquitectura neoclásica y victoriana, el recurso de la bóveda y el frontón. 3.- Enrique Feldman, la presencia del espacio ritualizado (Villa Sebucán).c) La arquitectura "Neo Populista" Felipe Delmont. Las referencias a la tipología coloniales, las casas de tejas y estructuras de bahareque "La

Comarca" d) La arquitectura Neo-Tropicalizada La visión desde una perspectiva industrializada. Corka Dorronsoro "El edificio sede de Metalúrgica. El sistema de montaje constructivo, en una membrana de sombra, la U.C.V 2.- Helen de Garay, la Caja de Penumbra, El edificio de la Fosforera Nacional, espacio realizado con bloques calados. 3.- José Rigamonti, la calle en sombra, La Sede de Carbonorca, Ciudad Guaye) La Ciudad Recuperada, intenciones urbanas que retoman el rostro de la ciudad, así como "la calle" para una nueva perspectiva espacial. 1.- Max Pedemonte; Estación de la Hoyada, el edificio múltiple, el Cubo Fracturado, Estación de Petare; el templo como estación terminal. 2.- Carlos Gómez de Petare, El Templo como estación Terminal 3.- Carlos Gómez De Llarena, El Parque Vargas, la axialidad y la monumentalidad, como recursos historicistas en la ciudad contemporánea. 4.- Manuel Delgado; Boulevard Ruiz Pineda, La calle como tipología del barrio. 5.- Oscar Tenreiro, La Plaza del Bicentenario, la construcción como terraza urbana. f) La referencia tipológica como claves de la arquitectura. 1.- "El Corredor" como tema, Jimmy Alcock, La Rivereña. 2.- "El Patio", como tema, Casa Boteme. 3.- "El Claustro", como tema, Jesús Tenreiro, Monasterio Benedictino. g) La arquitectura conceptual 1.- La alegoría al nacimiento de la ciudad. Gorka Dorronsoro, "Proyecto de la Gobernación de Caracas", La membrana de protección y fuente de luz. 2.- La Plaza del Sol y de la Luna (Ciudad Cuayana), la alegoría al ciclo ecológico del agua, Esther Añez y L. Delgado.

117

CAPITULO VII

路 Conclusi贸n 路 Glosario

Conclusión

120

La elaboración de un glosario sobre en este caso sobre Pintura Abstracta, que en forma de documento teórico cumpla las veces de manual como herramienta de trabajo para el registrador de bienes culturales de un museo, o de inventario de colecciones como es el objetivo del presente trabajo, debe centrar su esfuerzo en precisar las características o versiones que tipifiquen la realidad artístico-estética-creativa venezolana a fin de que cumplan una verdadera función en la tarea de catalogación de aquellos bienes a inventariar. En el presente esfuerzo esto se logró apenas parcialmente. Razones fundamentalmente de tiempo, impidieron que se ampliara y profundizaran las fuentes de documentación, en este caso omitimos las consultas hemerográficas sobre todo contemporáneas, periódicos y revistas especializadas hubieran permitido mayores aportes y luz al análisis e interpretación de aquellas manifestaciones artísticas inspiradas en realidades foráneas, pero de carácter universal y que se dieron muy particularmente en nuestra historia artística. Lo mismo con la consulta de fuentes orales a nuestros historiadores, críticos de arte, artistas, etc., cuyo testimonio por informados o no que estuviesen, nos hubieran acercado a apreciar mejor el fenómeno, especialmente de nuestro arte contemporáneo. Señalamos que se logró parcialmente establecer tal conexión porque en algu-

nos casos, por razones de experiencia y conocimiento profesional y referencias se hacía evidente la versión criolla de tal o cual creación artística, así como los planteamientos o agrupaciones nacionales surgidas como necesidad vernácula. Realizar una investigación que establezca las complejas imbricaciones filosóficas, técnicas, temáticas, conceptuales-formales- plásticas, etc., requiere de otras condiciones que probablemente en un futuro próximo se tomarán en cuenta para el desarrollo del presente proyecto. Aún cuando nos sentimos satisfechos de esta primera aproximación al problema, debe considerarse seriamente la formación de recursos humanos aptos para desempeñar tan delicada función como lo es, tener en sus manos la responsabilidad de tratar con la colección, que es el principal patrimonio de cada museo. Así mismo, suponemos que debe revisarse las políticas de adquisición de obras de arte dirigidas a conformar colecciones, ya que como ductoras del público que se nutre recreativa y formalmente de una fuente cultural, no debe permitirse que toda creación sea objeto de tratamiento artístico sin merecerlo, ello redundará en una confusión lamentable para quienes confían en los criterios educativos y didácticos de las instituciones. Si este documento cumple una función didáctica debe obligatoriamente apoyarse con la conformación de una biblioteca bási-

ca referencial y específica. Así mismo, concebimos el presente trabajo con un carácter experimental que debe ser sometido a prueba, alimentado, modificado o criticado por quienes harán uso de él a fin de tomar las medidas correctivas posibles conjuntamente. Por último, se deduce la necesidad de concertar un encuentro evaluativo que retrate la realidad de esta experiencia para que en un esfuerzo común se avance en una salida provechosa y positiva para todas las partes.

121

GLOSARIO

122

ABSTRACCIONISMO: Corriente artística contrapuesta a la figuración que opone a la carga descriptiva, anecdótico y literaria el predominio de la forma y el color. Será un polo referencial ante la constante histórica de representación objetiva, que postula la libertad en la creación, el arte como un fin en sí mismo; la vigencia moderna de esta tendencia surge con el artista ruso Vasily Kandinsky en 1910. El abstraccionismo en Venezuela se hace presente hacia fines de los años 40 y en la década del 50 a raíz de la vinculación de la joven generación artística criolla a Francia, centro de las vanguardias artísticas del momento, en donde, el abstraccionismo se encontraba en pleno apogeo. ABSTRACCIONISMO GEOMÉTRICO: Constituye una de las dos vertientes en que se ha convenido en estructurar el abstraccionismo; con el término se refiere al de índole racional que no subraya el estado anímico del artista. En Venezuela se manifiesta con fuerza en la década del 50, manteniendo vigencia a través de individualidades artísticas. ABSTRACCIONISMO LÍRICO: Constituye una de las dos vertientes en las que suele dividirse el abstraccionismo. Se manifiesta como un tratamiento de la materia, del signo y del gesto. Se oponen al orden racional y a beneficio de la expresividad íntima del individuo. ANÓNIMO: Ausencia de identificación en la autoría de una obra, particularmente en la producción artística del período colonial y

hasta mediados del siglo XIX, cuando el arte cumplía funciones de catequización cristiana y el artista era el medio para lograr una finalidad. También se indica como autor desconocido. ARTE CONCEPTUAL: Consiste en el predominio de la idea o concepto, especulación estética o proposición teórica sobre las habituales actividades de producción, contemplación y apreciación artística. Se sobrepone a un contexto más amplio de preocupaciones intelectuales el hecho de deber producir o diseñar objetos de acuerdo a los criterios establecidos. Esta corriente irrumpe en Estados Unidos hacia 1970 y el término lo acuña Edward Kienholz, ya hacia 1974- 75, sus planteamientos se agotaron provocando en las nuevas generaciones una revisión hacia el arte tradicional. ATRIBUIDO: Aproximación a la identificación del autor o autores de una obra particularmente en la producción artística del período colonial a través del procedimiento denominado "comparación de estilo" mediante el cual, se estudian comparativamente los rasgos plásticos y técnicos comunes a una misma mano, inclusive se utilizan denominaciones que ante la ausencia de la identificación real, permitan remitirse a características diversas que vinculen determinada creación a una misma autoría, por ejemplo, pintor del Tocuyo. CINETISMO: Medio expresivo cuyo principio básico es el movimiento, que puede ser virtual

o real, mecánico, óptico o ambiental, previsto o aleatorio, produce la forma, color, luminosidad, ritmo o relieve. Surgió en 1920 con el manifiesto realista de Pevsner y Gabo. (Vicente Aguilera, Diccionario del Arte Moderno, p.110). En el arte venezolano fue una tendencia que se desarrolló principalmente en Europa asociado hacia los años 50 con el abstraccionismo geométrico y las derivaciones de la obra de Mondrian (Juan Calzadilla, Obras singulares del Arte en Venezuela, p.LXVIII). CIRCULO DE BELLAS ARTES: Generación de artistas que a partir de 1912 se constituyeron en una agrupación opuesta a la práctica y principios pictóricos establecidos por la Academia del siglo XIX. Las búsquedas se dirigieron a la aplicación de algunos principios impresionistas y a la pintura al aire libre. El paisaje fue el tema predominante. El crítico Juan Calzadilla distingue dos etapas del Círculo, la primera abarca de 1909 a 1918 como período de búsquedas de aplicación de algunos principios del impresionismo y de pintura al aire libre. La segunda etapa sería de afirmación, madurez y de aporte al arte venezolano, comprendiendo los años veinte y treinta (Juan Calzadilla, obras singulares del arte en Venezuela, p.XXII). CONSTRUCTIVISMO: Expresión plástica que da énfasis a los aspectos constructivos, apropiándose de materiales de origen industrial como acero laminado, metales, corcho, plástico, etc. Tuvo dos focos principales, el ruso y el holandés. El primero aspiraba su pleno desarrollo como experiencia escultórica integrada a la arquitectura. El holandés, bajo quienes el constructivismo se denominó neoplasticismo y propugnaban un arte visual total; en Venezuela estas corrientes arraigaron desde finales de los años cuarenta y la década del cincuenta con los artistas

vanguardistas de tendencia abstracta involucrados en la experiencia de integración de las artes. DISIDENTES: Movimiento que surge en los años cincuenta, creado por un grupo de jóvenes artistas que van en contra de los esquemas derivados de la escuela paisajista, tradicionalmente utilizados por las Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas. Sus creencias en la limitación del desarrollo de la plástica nacional marcan sus planteamientos, que consisten en una búsqueda hacia lo patriótico y americano, expresado con una verdadera conciencia estética, hacen uso de innovaciones artísticas donde las tendencias se acercan al abstraccionismo geométrico de Kandinsky y sobre todo el neo-plasticismo de Mondrian. Dentro de los cuales se definen dos corrientes principales: El Arte Cinético y el Geometrismo Neoplasticista. ESCUELA DE CARACAS: Término acuñado por Enrique Planchart para denominar a una segunda generación paisajística posterior a la del Círculo de Bellas Artes. El tema más común tratado por ellos fue el Ávila. Por derivación ese término designó a todos aquellos artistas cuyas obras asumieron las características del estilo paisajista. ESCUELA DE LOS LANDAETA: Denominación asignada a un grupo de pinturas vinculadas con varias obras firmadas por los Landaeta, desde inicios del siglo XVIII y hasta bien entrado el siglo XIX. Se caracteriza desde el punto de vista técnico y plástico por la repetición de una misma fórmula para la representación pictórica de la iconografía religiosa: uso de los colores ocre rosa en los rompimientos de gloria, que son los fondos de los temas, los destellos de las aureolas son hechos en base a diferentes líneas de luz de variable intensidad y separados por espacios casi transpa-

123

124

rentes, las coronas las representaron de cuatro brazos adornadas de perlas gruesas; las 12 estrellas que circundan las aureolas son de ocho radios. (Alfredo Boulton, Historia de la pintura en Venezuela, época colonial). ESCUELA DE MÉRIDA: Núcleo pictórico regional ubicado en el occidente del país de carácter popular cuya producción corresponde al período colonial. Se desarrolla a partir de las enseñanzas de José Lorenzo de Alvarado. En relación a su contemporánea Escuela de Río Tocuyo, se caracteriza por la utilización de colores más opacos, sin transparencias, por el uso de la témpera sin voladuras y por el tratamiento de los marcos divididos en franjas horizontales de distintos colores. ESCUELA DE RÍO TOCUYO: Núcleo pictórico regional ubicado en el occidente del país, de carácter popular cuya producción corresponde al período colonial. Se caracteriza por la utilización de tonalidades primarias de mucha intensidad, coloración obtenida en base a los pigmentos de origen mineral y vegetal propios de la zona. Utilizaron la témpera y el óleo logrando darle a las superficies una calidad esmaltada. El marco podía ser tratado como parte de la obra. ESCULTURA MODERNA: Se individualiza en Venezuela con la producción escultórica de Francisco Narváez hacia la década de los cuarenta, cuando se inscribe su obra dentro de las corrientes internacionales. Se extiende en los años cincuenta y su máximo apogeo es a mediados de esta misma década. Destaca la influencia cubista y abstracta, de integración artística a la arquitectura. ESTILO BARROCO: Estilo artístico que se inició en Italia a fines del siglo XVI extendiéndose por Europa hasta finales del siglo XVIII. Se ca-

racteriza por su variedad y movimiento, búsqueda de soluciones efectistas que exciten la piedad de los fieles, ya que el arte de la contrarreforma religiosa católica tenía un objetivo catequizador. Fue traído por las órdenes religiosas a la América. En Venezuela se aprecia fundamentalmente en la producción artística colonial. EXPRESIONISMO: Movimiento artístico surgido en Alemania a principios del siglo XX, según el cual se transfiguraba la realidad a partir de la subjetividad del artista, apoyado en datos de la realidad que podían suscitarse por razones religiosas, de compromiso social, situaciones psicológicas. El lenguaje pictórico utilizado recurrió a grandes dimensiones, a la deformación de la expresividad así como a un lenguaje directo. EXPRESIONISMO ABSTRACTO: Se inicia en los años cincuenta y sesenta en Estados Unidos y Europa, propugna una pintura emocionalmente abstracta, de renuncia a lo objetivo. Se asocian vinculaciones con el surrealismo simbólico y el automático así como la relación color-forma acuñada por Kandinsky (Karin Thomas, Diccionario del Arte Actual). FIGURACIÓN: Constituye la tendencia expresiva del arte que representa, aún partiendo de enfoques plástico formales y conceptuales distintos, una reproducción de la realidad circundante en forma objetiva. Ha estado presente históricamente desde el origen de la humanidad. IMPRESIONISMO: Es considerada la última versión del realismo: la naturalista lleva implícita el principio de la subjetividad de la representación, de las sensaciones cromáticas; el nombre se deriva de una obra de Monet titulada Impresión. El abordaje plástico residió en escultura impresionista, que observa directamente

el fenómeno de la luz en la naturaleza misma, la gestualidad de la pincelada, el mantenimiento del color puro. El movimiento surgió en 1874 al agruparse su primera exposición. En Venezuela se discute si sus antecedentes se remontan a experiencias aisladas de fines del siglo XIX, pero lo que si es evidente es que a través del Círculo de Bellas Artes se practica la experiencia airelibrista así como algunos elementos propios del impresionismo. INFORMALISMO: Tendencia plástica expresiva de artistas nacionales que se agrupa hacia 1960, aún cuando no tuvo una duración muy larga (10 años) marcó una etapa dentro de la modernización del arte nacional, siendo su aporte fundamental la incorporación de la improvisación directa y del azar como medio de expresión; una especie de cartografía rápida y espontánea además de la tendencia texturalista, donde se muestran las rugosidades del material distribuido en la superficie de la tela. La corriente más opuesta al informalismo en Venezuela fue la del abstraccionismo geométrico. INTERVENCIÓN DEL ESPACIO: El artista utiliza el espacio exterior de la ciudad, el espacio urbano, ocupa e interviene con los más diversos materiales las cosas ya hechas; calles, puentes, plazas, fachadas, adornos. Podría denominarse a esta tendencia "arte de la calle". Su presentación para efectos de inventariar esta expresión es como proyecto susceptible de ser recreado de acuerdo a indicaciones específicas por parte del artista. MINIMALISMO: Tendencia artística que surge en los años 60 en Estados Unidos, predominantemente conceptual y tiene como forma de expresión el orden y la repetición de estructuras simples, geométricas por lo general producidas en serie, y basadas

en el módulo cúbico o prismático y sus posibles variaciones. El minimalismo se contrapone al lenguaje directo del Popart. En las obras minimalistas la atención del observador se dirige hacia aspectos donde se juega con la función y el espacio, es decir, el espacio arquitectónico. De todas las especulaciones conceptuales se derivan diversas tendencias como el Land Art, Art Language, Body Art, ete. Su expresión en Venezuela se refleja en experiencias individualizadas en la década del 90. MODERNISMO. Art Nouveau o Modern Style o Liberty, son algunos de sus sinónimos. Es un lenguaje artístico que rechaza lo industrial. Se manifiesta artísticamente por su apego a expresarse basándose en la morfología de la naturaleza, en la revalorización de los materiales, los procedimientos de trabajo; se imbricó a esta experiencia aportes del arte chino y japonés; se apreciaron como lenguaje plástico las líneas ondulantes, florales y la estilización curvilínea. Esta posición conceptual reivindicó una nueva estética funcional de mejora, de la calidad de vida. Surgió y se desarrolló a finales de siglo y primeras décadas del presente. NEO-EXPRESIONISMO: Expresión artística caracterizada en Venezuela, en la década de los ochenta, por la realización de una pintura de gran formato, en la que destaca la gestualidad, el gusto por la materia, el regreso a formas figurativas, de búsqueda de temáticas basadas en imágenes infantiles o primitivas, en el ámbito de la mitología, la fauna y la vegetación americana, en el mundo del comic y los mass-media (Mariana Figarella "Los años 80 Panorama de una década". En: Los 80 Panorama de las Artes Visuales en Venezuela). NEOCLÁSICO: Estilo artístico inspirado en la dignidad y grandeza de las antiguas civilizaciones

125

126

griega y romana. Fue un estilo dominante en Europa a finales del siglo XVIII y comienzos del XIX. Se considera como una reacción contra el barroco y el rococó. El neoclasicismo manifiesta inclinación hacia las formas simples, el pensamiento racionalista en orden a aportar nociones funcionales en arquitectura. El arte era una operación intelectual cuyo arquetipo lo constituía el arte griego, siendo el arte superior a la naturaleza. No se limitó a la pintura y escultura sino que se extendió al mobiliario, artes decorativas y a la moda. En Venezuela, se considera que existió... "un neoclasicismo diluido y primitivo, derivado español del davidianismo francés" ... correspondiente al período que va desde 1810 hasta el septenio guzmancista, sin incluirlo. (Cornelis Goslinga, Estudio biográfico y crítico de Arturo Michelena). NUEVOS MEDIOS: Expresiones creativas contemporáneas que incorporan medios electrónicos en sus propuestas. OP ART: Es la abreviatura de Optical Art. Surge en Europa y Estados Unidos; en 1965 comienza a usarse el término a partir de la exposición "El ojo sensible", realizada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York; su propósito es activar la visión proporcionando experiencias retinales lo más fuerte que sea posible. Ellas pueden ser la distorsión de la perspectiva, imágenes consecutivas, vibración cromática, interacción de los colores, utilización de medios mecánicos, etc. Es considerada una etapa anterior al Cinetismo. PINTURA REALISTA: Inspirada en el pensamiento positivista formulado por Augusto Comte (17981857), se manifestó en el arte del siglo XIX en un apego a la veracidad descriptiva tomada de la realidad, esto incluye su aspecto banal y feo. En Venezuela

esta tendencia se hizo presente desde fines del siglo pasado hasta inicios del presente con el tratamiento temático de lo social, religioso, costumbrista y algunos antecedentes paisajísticos desde el siglo XIX más comunes al principio del siglo XX. POP-ART: Estilo artístico que representa como tema predominante los productos efímeros de la sociedad de consumo, utilizando colores vivos y en una nueva escala y estatus de objetos como el comics y los desperdicios. Surgió en los años sesenta en Estados Unidos e Inglaterra. POST-IMPRESIONISMO 0 NEOIMPRESIONISMO: Surge en Francia hacia 1884 con la fundación por Seurat y Signae de la Sociedad de Artistas Independientes. Se concibe el arte como una actividad específica con reglas y realidad propia, distinto al entendimiento del arte como reproducción ilusoria de la realidad. Se elimina la perspectiva en profundidad, se descompone la corporeidad de los objetos a elementos geométricos básicos; se crea la teoría científica de los colores denominada cromoluminarismo. En Venezuela con el Círculo de Bellas Artes se tomaron elementos de esta tendencia. ¿POS-POST? MODERNISMO: Movimiento ideológico internacional equiparado a las vanguardias existentes actualmente, uno de los intentos por definir este término señala que un retorno al pasado, incorporando elementos clásicos de valor histórico a la creación artística actual. Establece una ruptura con el "movimiento moderno" o con la modernidad y todo su legado tecnológico, filosófico y artístico. Otro punto de vista indica que no existe una ruptura entre lo moderno y post moderno, sino que este último es la expresión final del pri-

mero. En Venezuela ésta discusión está planteada actualmente y, permanece abierta a la necesidad de profundizarla y establecer su expresión artística. REALISMO CONCEPTUAL: Término utilizado por Aquille Bonito Oliva, aplicado a la realidad de los años noventa. Considera que la producción de imágenes, como idiomas individuales tienen una connotación informativa y lingüística; es una dimensión alternativa en el cual la obra producida induce a un proceso de interpretación, de confrontación directa con los aspectos sociales y materias humanísticas (Mariluz Cárdenas, en Catálogo 1, Salón Pirelli, p. 16). REALISMO SOCIAL: Propuesta pictórica y moralista inspirada en el muralismo mejicano que propugnaba un arte de denuncia de la realidad social. En Venezuela se desarrolló esta propuesta entre 1934 y 1945, posteriormente hacia 1952 para enfrentar las posiciones del arte de vanguarda-abstracta del momento y en 1952 se intentó imponer a partir del Taller de Arte Realista un muralismo de contenido social comprometido, lo cual quedó reflejado en algunos planteles educativos del interior. SURREALISMO: Surgió en Francia en la década de 1920-30. En el Manifiesto de 1924, André Breton proclama la validez de concebir como realidades el sueño y la visión alucinada y su transformación en expresión plástica, no dando cabida al entendimiento organizativo. Este movimiento fue el más difundido y controvertido entre las dos guerras mundiales. En Venezuela no se expresó el surrealismo como movimiento o agrupación, sino de individualidades, en particular hacia la década del cuarenta y cincuenta aproximadamente.

TALLER LIBRE DE ARTE: Asociación artística constituida entre 1948-52 por un grupo de egresados de la Escuela de Artes Plásticas en Caracas, y algunos renuentes a ella se confrontaban experiencias que dieron forma colectiva a nuevas búsquedas de la pintura joven a partir de los años 19451947. Las tendencias más generalizadas fueron el Fauvismo, el Expresionismo y algunos aspectos del Cubismo, lo más novedoso que existía en el momento; además con influencia directa de pintores figurativos de Europa. TRANSVANGUARDIA: Es una de las coordenadas de las que se genera el arte actual, preconizadas desde los años ochenta, se trata del ... "Subjetivismo exacerbado de una pintura visceral, gestual y artesanal, la transvanguardia preconizada por Aquile Bonito Oliva y otros discursos neoexpresionistas... (Ruth Auerbach: "Salón Pirelli: primera aproximación al arte joven en la década de los noventa en Venezuela". En: Catálogo Primer Salón Pirelli de jóvenes Artistas del siglo XX).

127