Album de ´ recopilaciones; vestidos mås memorables
s.XX
Inicios de siglo y primera dĂŠcada: 1900-1910
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DĂŠcada de los veinte
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Decada de los treinta
24
Decada de los cuarenta
36
Decada de los cincuenta
52
Decada de los sesenta
64
Decada de los setenta
82
Decada de los ochenta
94
Decada de los noventa
Ă?ndice
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Inicios de siglo y primera dĂŠcada: Indumentaria prĂĄctica, decadencia oriental, la ilustraciĂłn de moda...
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La moda mimetiza con los cambios sociales
Vestido de tarde para el aire libre
Jacques Doucet Doucet creó indumentarias pensadas para acontecimientos sociales, y sus diseños encontraron gran aceptación entre las damas que pretendían llamar la atención de caballeros adinerados. Su pasión por lo refinado y exquisito se desbordó en sus tratos con la moda, convirtiéndolo en uno de los mejores modistos franceses durante la Belle Époque. Cubría sus vestidos de tonos pastel con puntillas, bordados y otros adornos, haciendo de ellos piezas exquisitas y refinadas. La casa era conocida por sus lujosas ofrendas, que eran usadas y codiciadas por la realeza, miembros de la élite de la sociedad en Europa y América, y actrices del escenario.
Este es un elegante vestido de tarde, adecuado para eventos al aire libre, como las carreras y otras actividades de paseo. El vestido es un excelente ejemplo de la inclinación de Doucet por las prendas de lencería, que están representadas por los delicados volantes y la gasa rosa estampada. La combinación de colores de azules con turquesa es una de las favoritas del diseñador.
1900-03
Vestido Delphos
Mariano Fortuny Estos vestidos inspirados en las prendas drapeadas de la antigua Grecia son obra del artista Mariano Fortuny, invento de 1907. Se confeccionaron a partir de 1915 en diferentes estilos. El Delphos es una prenda de seda, con su pequeñísimo plisado único en cada una de las prendas, con una técnica que todavía sigue siendo un misterio. Con ella, consiguió que la tela cayera de manera dúctil sobre el cuerpo femenino sin incorporar ningún armazón interno, considerado indecoroso para aquellos tiempos, pero la pieza impactó en la alta sociedad y todas querían lucirla. El artista nunca desveló el proceso utilizado para teñir las piezas. A su muerte, sus tintes fueron destruidos, es por esto que, a pesar de numerosos estudios en busca de la fórmula mágica, nunca más se han conseguido.
El vestido Delphos esta confeccionado en satén de seda plisado. Con cuello barco, manga caída y largo hasta el suelo. Bordeado perimetralmente por cuentas de pasta vítrea y acompañado de un cinturón decorado con una greca estarcida en dorado. Estructuralmente es un simple rectángulo de tela que apoya en los hombros y cae libremente.
1907
Vestido/falda “jupe entravée”
Paul Poiret Paul Poiret, conocido en su época como “el rey de la moda” fue el impulsor de la moda oriental a principios del s. XX. Presentó ante el público su falda tubo, la famosa jupe entravée, conocida también como “falda de medio paso” porque si bien liberaba las caderas, se estrechaba considerablemente entre la rodilla y el talón, hasta el punto de que sólo permitía a las mujeres caminar a pasitos. El modelo desató una apasionada polémica entre el público, que pensaba que la genialidad de Poiret empezaba a degenerar. Se utilizó para denominar las faldas de los vestidos de inspiración oriental, cuyo cierre en la parte inferior era mucho más evidente e intencionado.
Los primeros trajes fueron ornamentados por perlas falsas, piel negra, penachos de plumas y bordados dorados para su famosa fiesta que realizó en 1911 con motivo oriental. El creador intuía que la silueta sylphide, definida a finales del siglo XIX, se había agotado y aunque ya había lanzado varias propuestas para propiciar el cambio, sin duda, el estilo oriental fue el más rupturista.
1911
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DĂŠcada de los veinte: ExperimentaciĂłn en corte y estructura, lo moderno, indumentaria democrĂĄtica...
Comodidad y sencillez, elegancia
La diseñadora parisina a quien se le atribuye la invención de el “vestido negro”, un clásico eterno, creo esta prenda icónica que democratizo la elegancia. Aunque ya en 1913 había introducido los vestidos negros, el corte refinado y severo del vestido camisero de la década de 1920 se prestaba a los llamativos estampados geométricos de una época subyugada por el Art Decó. Fue descrito por la revista Vogue como el vestido “Ford” de Chanel, un vestido que todo el mundo llevará, en comparación con el celebre coche de la época.
1920
Versión del Black little dress de 1943, Coco Chanel.
Vestido negro “Black little Dress”
Coco Chanel Un básico infalible que podía llevar cualquier mujer, fuese cual fuese su clase social. Construido con las lineas rectas y la cintura baja, este vestido cóctel se distingue de los de día por el tejido y por los ornamentos. El negro se reservaba para el luto, pero Coco Chanel lo convirtió en una elección elegante para el recién instaurado “cóctel”, una reunión privada de las seis a las ocho de la tarde, de las que disfrutaban las flappers.
Vestido robe de style
Jeanne Lanvin La robe de style fue una de las mayores representaciones entre los ideales de feminidad más antiguos, el arte de la costura y la nueva estética de Art Déco. Su silueta era única comparada con la de los otros vestidos de la década, una muer más voluptuosa en contraposición con los ideales de la delgadez de los 20. Con una adaptación de la crinolina y los ornamentos suntuosos recuerda al Antiguo Régimen, por este echo resultaba atractivo para aquellas mujeres con ideas mas tradicionales sobre la moda.
El vestido tiene un escote en V y lleva relleno con una chemisette de seda color piel. Cintura relativamente baja, la impresión que produce es de curvas y cintura naturales. Las pinzas que siguen el cuerpo forman la falda acampanada. Los bordados de tonos metálicos, típicos del Art Déco, refleja el continuo interés por el exotismo oriental.
1926
Vionnet tendió un puente entre el trabajo esmerado y anónimo de los talleres de costura anteriores y la alta costura contemporánea como expresión de la personalidad del diseñador. Se le conoce como la inventora del corte al bies, técnica de cortar la tela en diagonal al hilo. Los efectos decorativos estaban integrados en la construcción de las prenda. Fue la primera en personalizar sus prendas y ponerles su etiqueta cosida en ellas.
1928-30
Vestido de 1932 con corte al bies, Vionnet.
Vestido al corte al bies
Madeleine Vionnet Junto con Chanel y Lanvin, contribuyó a que la moda superara los vestidos opulentos y recargados para insistir en la simplicidad dirigida a resaltar la figura del cuerpo femenino. Sus diseños fomentaban la libertad de movimientos y realzaban las curvas naturales de la mujer. En las imágenes se presentan diversos vestidos con su famoso corte al bies, los cuales fueron diseñados en 1930 y 1928
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DĂŠcada de los trenta: Glamour de Hollywood, moda y surrealismo, diseĂąo de punto...
Indumentaria masculina para mujer
Vestido Letty Lynton
Adrian Greenberg El vestido de noche blanco cargado de volantes que llevaba Joan Crowford en el melodrama Letty Lynton, de Clarence Brown, inspiro una pelotera de copias, para el mercado de masas, que pasarían a llamarse vestidos de “manga mariposa”, y puso de manifiesto el dominio del estilo de Hollywood sobre la Alta costura parisina.
Diseñado por Adrian, diseñador de vestuario oficial de la Metro Goldwyn Mayer. Confeccionado con capas de muselina de seda, el vestido largo hasta el tobillo fue un fenómeno de la moda que también influyo en los estilos europeos. Con una silueta entallada, el vestido es un derroche de todo tipo de volantes. Caderas estrechas y hombros anchos, típica de la época, donde no se intenta sexualizar ninguna parte del cuerpo. La ingenuidad de este vestido es tan alta que se acentúa aun más por el escote Peter Pan.
1932
Vestido de noche de Grès
Madame Grès Este “vestido diosa” que combina el elegante clasicismo con el glamour sensual, es típico del enfoque escultórico de la diseñadora parisina Madame de Grès en la década de los 30. En este vestido recto, creado sobre la modelo en lugar de bocetos, utiliza intrincadas técnicas de plisado, fruncido y drapeado para conseguir el efecto deseado, recordando a los drapeados clásicos de las estatuas griegas, especialmente al quitón.
Este vestido de noche está montado, en lugar de confeccionado, utilizando columnas de doble ancho de tejido de punto mate, compuestas por dos piezas de tela cosidas. Los bordes del peplo están enrollados a mano para formar un vivo con un pequeño volante, lo que acentúa la estética lencera de la prenda.
1937
Vestido de novia de Wallis Simpson
Mainbocher Wallis Simpson, Duquesa de Windsor de facto, era famosa por su fria elegancia. Cuando se comprometio con el antiguo rey Eduardo VII, decidio que el diseñador estadounidense, Mainbocher, le diseñase el traje a semejanza de su estilo. Un vestido sencillo, conservador, elegante y extremadamente de lujo, fueron las exigencias de Simpson, el resultado un vestido que combinó decoro y sencillez. Dado a la polemica que hubo entre dicha pareja, por la abdicacción y destierro de un rey descoronado, la boda tuvo mucho interes por el pueblo y sobretodo por el vestido de novia. Hoy en dia se expone en el museo Metropoilitano de Nueva York, MET, con todos los elementos y complementos que se uso dicho dia de Junio de 1937.
El vestido, de un color azul perla, perdido por el paso del tiempo, consta de una larga columna del vestido tiene una falda cortada al bies que se lleva con una chaqueta corta. La amplitud del cuerpo da forma a la esbelta figura de Wallis y esta suavemente fruncido en un cuello cerrado. La estrecha manga pegada lleva un poco de relleno y está fruncido en un cuello cerrado
1937
Vestido de Lagrimas o “Androjoso”
Elsa Schiaparelli Forma parte de la colección Circus de la genuina modista donde se presentaron con un carácter teatral y fanfarrón, muy rompedor para la época y que atrajo gran publicidad. Los vestidos de “Esqueleto” y “Lagrimas” impactaron al resto por la falta de alegría convulsiva. El vestido, de viscosa, rayón y seda, acompaña un velo con apliques desmontable. El estampado de “lágrimas” está impreso y simula pedazos de carne desgarrados, y fue ideado por uno de los máximos representantes del surrealismo, Salvador Dalí, con quien colaboró la diseñadora italiana en múltiples ocasiones. Sus prendas se basaban en el uso de la técnica artística trompe l’oleil (trampantojo) que crea ilusiones óp-
ticas de relieve, en este caso los pedazos de carne. Algunas de las pinturas surrealistas de Dalí aparecían figuras con ropas ajustadas y con heridas graves, lo que sugiere inquietantemente la carne desollada. Schiaparelli poseía una de estas imágenes, que tal vez le dio la idea de este vestido.
1938
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DĂŠcada de los cuarenta: La era de oro de la alta costura, prendas estadounidenses, estragos posguerra...
De la escasez al New Look en una dĂŠcada
Vestido popover
Claire McCardell Claire McCardell, la diseñadora que más se asocia a la ropa de confección de estilo estadounidense, redefinió el aspecto de la indumentaria moderna al llevar la funcionalidad de la ropa deportiva a la alta costura. Este periodo está marcado por la guerra y muchos de los diseños creados, responden a la insuficiencia de materiales y a la escasez de dinero, tanto en Europa cómo en Estados Unidos. La mezcla de estas diversas definiciones en torno a la silueta, conlleva a la creación de un estilo que fue denominado American Look, desligándose de las propuestas imperantes de esta década, como lo era el New Look de Dior, que trazaba una figura femenina de reducida cintura, incorporando el corsé nuevamente al clóset femenino.
El vestido popover original de lino, salió al mercado en 1942, a petición de Harper’s Bazaar, como respuesta a los estragos de la posguerra, estaba dirigido a las mujeres modernas con estilo que durante la guerra se vieron obligadas a realizar las tareas domésticas. Un vestido de denim envolvente para ser vestido sobre otras ropas. Es un vestido práctico que podía ser llevado tanto en casa cómo en momentos informales
1942
Este vestido apareció en la pelicula Tener o no tener, de 1944. Primer largometraje de la actriz Lauren Bacall conjunto Humphry Bogart. La película fue un éxito, y con ello este vestido negro que se presenta.
El vestido, de satén negro, revela una franja de piel, dividido en dos piezas, unido por un aro que une la parte superior con la falda drapeada. Tiene unos hombros estructurados, típicos de los 40.
Esta pieza potenció el diseño del cut out, corte del vestido en dos piezas, la muestra de piel del vientre, muy extravagante y polémico para aquellos tiempos que corrían, de una posguerra parca en florituras y recursos.
Lauren Bacall se convirtió en un icono instantáneo del estilo y sensualidad estadounidense. Muchos medios de comunicación dieron hincapié al estilo que “incluso las chicas del instituto están tratando de copiar su cabello y vestido”.
Bacall hizo popular un estilo de discreción elegante y estricta, de su inexperiencia y de una posguerra parca en florituras y recursos.
1944
Versión original del vestido, más corto. Para el photoshoot se alargo.
Vestido cut out de Lauren Bacall
Milo Anderson
Modelo icónico de la casa Dior, clasificado como el más famoso de la historia de la moda, por diferentes circunstancias que lo convirtieron en símbolo de una ruptura en la evolución de la manera de vestir.
Chaqueta de seda salvaje color marfil, muy entallada y largo por debajo de la cadera, escote en pico con cuello de punta y hojas del delantero vueltas a modo de solapa, con corte de pecho vertical.
Lo que proponía el New Look era volver a vestir a las mujeres como lo habían hecho sus madres, antes de que dos conflictos horrendos estuvieran a punto de acabar con todos los sueños. El traje de Dior recuperaba una silueta con cintura de avispa, busto alto y prominente, es decir, se trataba de recuperar la silueta que en antaño Coco Chanel se encargo de aniquilar en los años 20 y 30. La propuesta era revolucionaria y fue interpretada por muchos como una provocación, retrasaba la imagen de la mujer en Occidente, pero resultó ser todo un éxito entre las mujeres de todos los confines del universo.
Falda largo a media pierna realizada en tafetán de algodón mercerizado color negro. Toda ella tableada hacia la izquierda con tablas en plisado “plissé du soleil” de diferente ancho, en la cintura dos centímetros y en el bajo cuatro centímetros.
1947
Versión del traje Bar de 1957.
Traje “Bar” New Look
Christian Dior
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DĂŠcada de los cicuenta: Femenidad juvenil, el ideal de Hollywood, Italia, sencillez moderna...
La era de las estrellas caĂdas a la tierra
Vestido de noche con enaguas
Crístobal Balenciaga Balenciaga fue conocido por el uso de tejidos de naturaleza escultórica, en especial el gazar de seda. El simplificado diseño de estos vestidos de noche es típico de la evolución del modisto, quien pasó de la grandeza de ornamentos de sus anteriores diseños, a una estética casi monacal en la que el énfasis recaía en la forma. La etiqueta decretó que las mujeres no podían exponer sus hombros al aire a partir de las 20:00 horas, pero estos cócteles se celebraban de 18:00 ha dicha hora, esto dio lugar a la confección de un gran numero de prendas sin mangas y con escote.
Esta pesada y rígida seda tiene una calidad resistente y una textura mate, y es la tela que se utiliza para cerar la enagua avolantada tan famosa de color rosa a contra color con el negro seda. Esta prenda esta esculpida para que siga las líneas del cuerpo hasta la rodilla, donde se abren en forma de campana.
1951
Vestido gala de los Oscars
Edith Head/Givenchy Su sencillo pero elegante vestido de encaje blanco, con un pequeño cinturón y cuello bote era una adaptación del que le había diseñado la diseñadora de vestuario Edith Head para la última escena de Roman Holiday, film por el que ganó el galardón. Hubo controversia, pues la adaptación no la terminó la propia Head sino Hubert Givenchy, amigo intimo de la actriz. Además, luego de esos Oscars, la actriz exigió que ya no fuera Head, sino Givenchy quien se encargara de su vestuario.
Hepburn hizo lo que ninguna actriz ha hecho, de tomar un vestido que ya había usado y de forma bastante notoria y modificarlo sin necesidad de gastar miles de dólares en uno nuevo. Asimismo, ha pasado a la historia como uno de sus trajes más icónicos, demostrando que no necesariamente se requiere del vestido más caro o con la tela más lujosa para destacar
1954
Vestido gala de los Óscars
Edith Head Este es, tal vez, el vestido más reciclado de la historia de los premios. La futura Gracia de Mónaco lo llevó en el estreno de La angustia de vivir, al recoger su primer Óscar por este filme y en la mítica imagen para la portada de la revista Life (fotografía de cabeza) que la convertiría en uno de los iconos de la década. El vestido paso a la historia despues de la victoria de Kelly al recibir el Oscar por The Country Girl. Obra de la ya mencionada Edith Head, diseñadora del momento en Hollywood, en satén azul verdoso creado especialmente para ella.
Se cortó de un rollo de satén francés de 4.000 dólares el metro y se combinó con un abrigo de noche a juego. La peculiaridad del vestido es la aplicación del modelaje que se hizo encima de la actriz y que permitió dotarlo de formas naturales que se recogían para crear una cola.
1955
Vestido Nove Gonne
William Travilla El vestido fue creado para la pelicula de La tentación vive arriba, de 1955. El diseñador fue William Travilla, diseñador de vestuario. El vestido blanco es un ícono en la historia cinematográfica y la imagen de Marilyn Monroe del metro luciendo el vestido que vuela con la intensidad del aire, es reconocida como una de las imágenes y vestuarios más famosas del siglo XX.
Es un vestido de cóctel en color marfil claro en un estilo que estaba de moda en los años 1950-60. El corpiño del tipo halter tiene un pronunciado escote y está conformado por dos piezas suavemente plisadas que se unen detrás del cuello, dejando al descubierto los hombros, brazos y espalda. Un estrecho cinturón está envuelto alrededor del torso, cruzado por delante y atado en un lazo en la cintura. Debajo de la banda que rodea la cintura hay una amplia falda suavemente plisada que llega hasta las rodillas.
1955
Vestido Nove Gonne
Roberto Capucci Un diseñador para la experimentación, amante de los volúmenes y de las geometrías, bajo la influencia del arte y de la naturaleza, se volvió famoso gracias a su vestido que se presenta en este apartado. Con una extensión con nueve faldas, Nove Gonne, concéntricas, inspiradas en las olas que se forman cuando cae una piedra en un estaño. La búsqueda de los volúmenes y de una nueva feminidad fueron las llaves de su gran éxito. Fue honrado con el Boston Fashion Award para su colección innovadora Box Line, de 1957, que marcaba una revolución estilística
en contraste con las tendencias de aquella época. Denominado como escultura de vestir, la técnica que empleaba era muy parecida al moulage derivado de formas matemáticas. El vestido esta compuesto de tafetán de seda rojo a lo ‘bello’, y un cinturón superpuesto en la falda. Esto fue parte de la primera presentación de la ropa de Roberto Capucci en América, en 1956. El vestido fue un gran éxito, convirtiéndose en el favorito del panorama de la época, y reconocido por figuras como Marilyn Monroe, Esther Williams, entre otras. Es uno de los mayores diseñadores que influyeron y llevaron importantes cambios en el mundo de la moda.
1956
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Década de los sesenta: Hippie de lujo, moda futurista, revolución sexual, el nuevo pret-àporter...
La revolución de las tiendas
Vestido de “Tiffany’s Breakfast”
Hubert Givenchy Givenchy diseñó a Hepburn un vestido de cóctel único para Desayuno con Diamantes, de satén negro con escote recortado a la espalda con un corte que deja al aire los hombros sin olvidar sus guantes largos y collar de vueltas de perlas de la casa Tiffany’s. Por su sencillez y elegancia traspasó las fronteras, en una época en la que revolucionó la silueta de la mujer, más sobria y estilizada que la de Hollywood. Para su filmación, ella solo quiso que fuera Hubert quien la vistiera, querían sentirse cómoda y eso solo él lo conseguía. De hecho, lo llegó a exigir por contrato.
Es un vestido con influencia a el mítico traje que revoluciono Coco Chanel en los años 30, su “Little black dress”. En esta ocasión Givenchy opta por dotarlo de largo hasta los pies. Y es que los matices y sensibilidad que el vestido transmitía conjunto a Audrey Hepburn produjo que dicha imagen se quedara grabada en todas las mentes, el vestido se convirtió en un mito.
1961
Vestido “Happy Birthday Mr. President”
Jean Louis Berthault El ajustado y sugerente vestido color carne que llevó Marilyn Monroe para cantar el famoso “Happy Birthday, Mr. President ” al presidente John F. Kennedy en 1962. Esa fue la última aparición pública de la leyenda de Hollywood antes de su muerte, por una sobredosis de pastillas para dormir. Había sido diseñado por el modisto francés Jean-Louis, a quien se lo encargó tras ver unos modelos para Marlene Dietrich. Fue subastado dos veces, llegando a los 4,5 millones de euros en el 2016.
Es un vestido de gasa de seda color nude, cubierto de lentejuelas y perlas, un total de dos mil quinientas incrustaciones cosidas a mano, que sobre el cuerpo de Monroe le hacía parecer prácticamente desnuda. Era tan ajustado que las últimas puntadas fueron cosidas mientras la actriz lo tenía puesto. Además Marilyn prefirió ponérselo sin ropa interior, lo que enfatizaba la impresión de que no llevaba nada encima.
1962
Traje Chanel rosa o “Jackie”
Coco Chanel Puede que este sea el vestido más famoso del siglo XX. Llevado por la primera dam de los Estados Unidos, Jackie Kennedy, se hizo celebré al ser el traje que llevaba cuando dispararon en plena luz del día a su marido, JF Kennedy el 22 de Noviembre de 1963. La falda y chaqueta rosa de Chanel que Jackie llevaba aquel día se hicieron conocidos por dos factores, el asesinato y su diseño y color.
Después del asesinato, Jackie se negó a quitarse el traje ensangrentado durante horas. Su secretaria le había preparado un vestido limpio cuando llegó al Air Force One para el juramento de Lyndon Johnson, pero la primera dama lo rechazó. La primera dama se lo había hecho a medida en una tienda de Park Avenue en Nueva York llamada Chez Ninon, que recibió la tela, los botones y el patrón directamente de Chanel. Jackie lo había llevado en público en al menos otras seis ocasiones. El sombrero que llevaba hace 50 años desapareció en medio del caos. Se conservan una habitación secreta de los Archivos Nacionales con las manchas de sangre en una caja libre de ácidos y a humedad constante con su blusa, zapatos y bolso azules. No tienen acceso ni los expertos de los Archivos. Hasta el 2103.
1961-63
Vestido Mondrain
Yves Saint Laurent El vestido Mondrian es un vestido de cóctel recto con cuello redondo y sin mangas. El diseñador lo utilizó como un lienzo donde se adapta de forma estratégica las figuras cuadradas en blanco, rojo, amarillo o azul limitadas por gruesas líneas negras.
Inspirado en la corriente artística denominada Neoplasticismo y en la obra Composición II; composición con azul y rojo del pintor holandés Piet Mondrian. Rápidamente el vestido Mondrian apareció en revistas como Vogue o Life; convirtiéndose en un icono de la moda en los años 60. El estilo del vestido Mondrian reflejaba el movimiento Mod que se encontraba en auge entre los jóvenes de los años 60.
1965
Vestido Casbah
John Bates Símbolo de juventud, vigor y libertad, la minifalda surgió en plena transformación social del austero conservadurismo de la posguerra a la modernidad sin concesión en la década de los 60. Los diseñadores Jhon Bates, Mary Quant y André Courrèges se disputaron la creación de la minifalda, y la revolución social que conllevo dicho diseño. Bates fue más allá y fue el primero en dotar de minifalda y mostrar el vientre al subir la cintura y acentuar la linea de las caderas, mediante recortes y materiales transparentes como el plástico.
El vestido Casbah fue seleccionado como vestido revelación del año 1965 y fue donado al Fashion Museum of Bath. El vestido se vendió por todos los grandes almacenes Woollands a un módico precio, lo que lo convirtió en un modelo clave en todo armario de la época. Al acortarse las faldas, las posturas y actitudes cambiaron, la joven mujer podía realizar actividades mucho más amplias.
1965
Vestido rosa corto de Twiggy
Mary Quant La modelo más conocida en todo el mundo En especial, este vestido, redurante la década de los 60, quizá por su presenta el espíritu que dicha singular look, que aún hoy sigue inspirando modelo proyecto al mundo a los grandes creadores de moda. convirtiéndolo en toda una Llevar el pelo rubio platino, muy corto y revolución de moda. Echo de engominado, con raya a un lado, y sobreto- algodón con un patrón holgado por sus vestidos cortos y minifaldas de do y ancho hasta las rodillas, llamativos colores. En especial, este vestido, combina la perfecta inocencia representa el espíritu que dicha modelo de juventud y al mismo tiempo proyecto al mundo convirtiéndolo en toda una sensualidad oculta. una revolución de moda.
Se dice que Quant fue la precursora oficial de la mini-falda, aun que finalmente fue atribuida a “un invento de la calle“.
1966
Vestido placas metálicas
Paco Rabanne Es un vestido minifalda con placas de aluminio recortadas y unidas entre sí con anillas. Data del año 1966-67, época de auge en la experimentación de Paco Rabanne con los metales y su uso en las prendas de vestir. Creo una colección entre esos años inspirada en esta técnica de soldar metales y esculpir un cuerpo.
Es uno de los mejores ejemplos de los vestidos de metal que Rabanne realizó a finales de los años 60 y que han terminado por convertirse en iconos de la historia de la moda. En casi todos los museos importantes de indumentaria del mundo existe al menos un ejemplar de esta tipología de vestido.
1966-67
Esmoquin Le Esmoking para mujer
Yves Saint Laurent Hasta 1965 las mujeres podían ser imputadas por delitos penales por usar vestuario masculino, Yves rompió este esquema cuando decidió que el pantalón era una prenda de gran sofisticación que dotaría de poder y elegancia a la mujer.
Cuando el pantalón fue aceptado por las sociedades de la época, el gran maestro en el año 1967, dio un paso más creando el famoso smoking que le convirtió en una de las firmas más reconocidas y aclamadas en el mundo de la Haute Couture, demostrando que una prenda masculina puede feminizarse con el entalle correcto. Hoy la creación de Yves es un fondo de armario para cualquier mujer que se precie.
1967
Vestido Le Chou noir
Crístobal Balenciaga La creación de formas abullonadas y rígidas conformando ángulos y esculpiendo las siluetas depende totalmente del gazar. Le “Chou” (lechuga) negra, para Balenciaga colección de alta costura otoño-invierno de 1967, es un ejemplo de la utilización de este material, donde Crístobal Balenciaga creo una de sus prendas más futuristas y alternativas, demostrando su técnica para el volumen.
El vestido consta de una capa abullonada de gazar negro, en forma de lechuga, unido a una falda de tubo del mismo material hasta el suelo, con una obertura por detrás. El material se acumula alrededor del torso, enmascarando todo menos la cabeza. Puntadas de virada intermitentes forman sus pliegues similares a pétalos.
1967
Vestido de novia de Balenciaga
Crístobal Balenciaga Con un patronaje totalmente innovador, el vestido se confeccionó con gazar de seda; un tejido con cuerpo pero ligero a la vez, perfecto para realizar el corte deseado. Sin perder la feminidad ni su parte funcional, Balenciaga creó un conjunto rompedor con el que eliminó cualquier atributo relacionado con la clásica moda nupcial. El vestido fue creado con tan solo una costura y en él podemos apreciar el estilo minimalista, característica que predominaría en las creaciones posteriores del legendario costurero.
La sustitución del tradicional velo por la capucha de aspecto monástico hacía de la creación un look digno de la era espacial. Esta obra de arte fue una de las últimas piezas que el modisto español dejaría en su legado antes de retirarse por completo en el año 1968.
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DĂŠcada de los setenta: Los estilos glam y rock, la revoluciĂłn Punk, ropa segunda piel...
Aquellos maravillosos setentas
Caftán con estampado psicodélico
Emilio Pucci Emilio Pucci, nombrado con el apelativo de Príncipe de los Estampados, y se debe a sus más que identificables estampaciones que efectuó a lo largo del siglo XX, Produjo estampados abstractos policromados en remolinos psicodelicos, lo que le facilito en gran medida al gran movimiento que se produjo en esta época, hippie, transformando los excesos del recargado estampados la más digna alta costura. Creo caftanes en forma de T con colores deslumbrantes de ropa ligera que no se arrugaba.
Los caftanes más rememorables del diseñador fueron aquellos de chiffon de seda con estampados sinuosos de colores fucsias, rojos, pistachos, aguamarinas y amarillos. Esta prenda se asociaba con un pantalón de un color intenso, holgado, de pata ancha y con un estrecho dobladillo ornamentado.
1970-71
Esta prenda, perteneciente al movimiento glam rock, es una de las muchas que componen el vestuario para la gira de David Bowie llamada Aladdin Sane. Fue creada por el diseñador Kansai Ymamoto al estilo del teatro kabuki, quien argumento que estaba diseñada para ser llevada por mujeres. Los diferentes estilos que el cantante ofreció durante el periodo de Ziggy lo propulso a la fama y dio lugar a una legión de imitadores. El estilo fue tan sonado que la revista Rolling Stone publicó un articulo acerca de como imitarlo. En especial este atuendo se hizo celebre en la manera que el artista lo presentaba, debajo de una especie de capa incolora desvelaba el traje multicolor.
1973
Bowie y Yamamoto, prueba de vestuario 1973.
Vestuario de Ziggy Stardust
Kansai Yamamoto El maillot de cuerpo entero está elaborado por completo con hilo para tejer, proporcionando la elasticidad necesaria para que fuera realmente ajustada, para enfatizar el escuálido y asexual aspecto de Bowie. Confeccionado con hilo de lúrex metalizado, se coloco por toda la prenda para que brillase bajo la iluminación del escenario.
Vestido naked para los MET Gala
Bob Mackie Uno de los looks más icónicos que se recuerda de la cita anual de los Met Gala. Cher acudió al segundo baile de la historia del MET con un diseño arriesgado, diseñado por Bob Mackie, su diseñador de confianza. La cantante brilló con este diseño transparente con plumas cosidas comenzando el fenómeno de los naked dress e inspirando a todos los que han seguido, incluido el Roberto Cavalli de Kim Kardashian de 2015, o el Givenchy que llevó Beyoncé aquel mismo año. Mackie vio a posterior su posible inconsciente referencia al nude del vestido de mrailyn Monroe de 1962.
El reluciente vestido de telaraña de la cantante, cosido a mano todas sus incrustaciones y plumas a posteriori, para cubrir las partes estrategicas y ganar más densidad de carne. Realizado con una fina tela de seda color beis casi trasnparente, Mackie afirmó el riesgo de rasgo de este vestido dado a su delicada tela.
1974
Camisa Anarchy para la Sex
Vivienne Westwood&McLaren La camisa Anarchy es uno de los diseños mas importantes de Sex, ya que encarna el atrevido e inventivo enfoque con el que McLaren y Westwood se acercaron a la moda. La tienda Sex era propiedad de Vivienne Westwood y Malcolm, inaugurada en 1974. En ella había una mezcla de ropa nazi, fetichista y de temática elegante, esto atrajo a una multitud de jóvenes errantes y descontentos. Encabezaron el movimiento Punk como nadie, y a día de hoy Westwood sigue diseñando con este estilo. Ella era considerada por excelencia la creadora de la estética asociada al punk y al New Wave, por el uso del tartán escoces y la reincorporación del corsé.
Esta prenda surge de la modificación de una camisa anterior básica de rayas, fue entonces cuando Westwood decidió personalizarla pintándole rayas con sprays. McLaren transformó aún más la prenda al añadirle imágenes políticas, con lo que se convirtió en una camisa completamente diferente. Cada pieza era única, se teñían de rojo con rayas marrones pintadas a mano. La camisa Anarquía fue un provocador collage de símbolos contradictorios y de fuertes connotaciones, incluida la esvástica.
1976
Traje blanco de Fiebre del Sábado noche
Patrizia Von Brandenstein Este traje, hecho de, según palabras de la diseñadora, un horrible poliéster para que la luz reflejada brillase más, del vestuario de la película Fiebre del sabado noche, protagonizada por Jhon Travolta, de 1977. Este traje se convirtio de inmediato en un simbolo de la decada de la musica disco, y hoy en dia es reconocido como un icono, un pedacito de historia, y una nueva manera de vestir para los hombres, al ser copiado y parodiado hasta la saciedad. Se trata de un traje de tres piezas en color blanco con la tela muy sutilmente ensuciada para dar aspecto de uso, esfuerzo y sudor.
Las claves del look están en las solapas puntiagudas, la cinturilla estrechísima (de 71 cm) y el talle alto, que daba mayor longitud a las piernas. Es una mezcla de épocas; el blanco era típico de la ropa de verano de clase alta de los años veinte, que con la camisa negra rememoraba a los gánsters de la década posterior, la pernera de los pantalones bebían del uniforme de marino, y el cuello era puro estilo de la calle
1977
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Década de los ochenta: Las valquirias de la moda, diseño radical, ropa para el éxito...
Extravagancia y lujo de los ochenta
Vestido de novia de Lady Di
David&Elizabeth Emanuel El vestido de novia de lady Diana es uno de los más contradictorios de todos los vestidos de las bodas reales.
Es un diseño voluminoso de gran falda y mangas abullonadas, escote con volantes y cola de casi 8 metros de largo desmontable.
Fue un preludio de todos los excesos que acometería la moda de los años ochenta. Hay quién lo defiende alegando precisamente la época pero lo cierto es que este vestido rompió con las pautas que marcaban las pasarelas en ese momento
Confeccionado en tafetán de seda marfil, encaje antiguo y bordado con lentejuelas y más de diez mil perlas.
Sus diseñadores David y Elizabeth Emanuel, buscaban algo “adecuadamente dramático para hacer impresión y cayera en la historia” y lo consiguieron.
Todos los materiales y tejidos con los que se confeccionó provenían de artesanos exclusivamente tradicionales ingleses.
1981
Vestido de novia para MTV de Madonna
Maripol Los encajes, las puntillas, los ligueros, las transparencias, esto hace que el look nupcial de la canción Like a Virgin sea el más imitado, reinterpretado y copiado de Madonna. El famoso vestido de novia fue obra de la diseñadora Maripol, y fue realizado a prinicipios de 1984 exclusivamente para este fin. La pieza consta de pollera abultada de tul blanco con corazones bordados, un top de corsetería en encaje elaborado a mano, y un par de guantes de encaje largo. Completaban el look el famoso y ya casi una marca registrada en Madonna, cinturón “Boy Toy”.
Maripol se negó rotundamente a que el vestido fuera usado en el vídeo, por eso Madonna pudo lucir en vivo y en directo la pieza, durante la primera entrega de los MTV Video Music Awards. A lo largo de los años se han hecho múltiples guiños al vestido de la diva pero el más reconocible es el que hicieron Britney Spears y Christina Aguilera en la gala de los premios MTV de 2003.
1984
Vestido/corsé de PVC
Issey Miyake Issey Miyake fue impulsor de una renovación en la moda internacional basada en nuevas definiciones sobre la sexualidad, el estatus y la creatividad mostrando un estilo antimoda, austero y deconstructivo desafiante con la moda ochentera.
otoño-invierno de 1980, una serie de prendas experimentales y escultóricas que culminaron en la exposición Miyake’s Bodyworks que galerías en Tokio, Londres, Los Ángeles y San Francisco entre 1983 y convirtiendolo en un icono de la firma
Este bustier se puede considerar como una escultura pura pero, al mismo tiempo, usable. Fue una de las primeras prendas de la colección
La prenda es un corsé moldeado con la impresión anatómica del busto, el torso hasta el ombligo, donde crea unos volantes simulando un tejido. Recubierto de esmalte rojo duro y liviano. El bustier o corsé se corta debajo de los brazos y las curvas alrededor del costado del cuerpo. El recubrimiento interior es negro con una superficie flocada. Moldeado en forma humana, este bustier se hizo en colaboración con un fabricante de maniquíes. Jugando con la idea de que la ropa normalmente se oculta, Issey Miyake creó una segunda piel de metal brillante.
1980-83
Vestido capucha Summer sewing
Azzedine Alaïa Con capucha y fabricado en satén, es uno de los diseños más emblemáticos del tunecino diseñador. Con él evidenció su destreza para trabajar los tejidos con la minuciosidad de un artesano, se le domino como el escultor de la moda, capaz de esculpir en ropa cualquier curva. Las coordenadas de este vestido se caracterizan por e fuerte ceñimiento del cuerpo y a la misma vez un ahuecamiento por las partes posteriores.
Se convirtió en todo un hito en la moda por haberlo lucido Grace Jones en James Bond: A View to Kill (1985), no se olvidarán jamás. Posteriormente Alaïa creo una colección fuera de fecha, basándose en las características y concepto de dicho vestido. Y de esta cualidad se desprende su posicionamiento en contra del ritmo voraz impuesto por el calendario de la moda.
1985-86
Falda le pouf Lacroix
Christian Lacroix En 1987 Lacroix lanzó su propia marca personal. Habían pasado 20 años sin que una casa de Alta Costura abriera sus puertas en París. Las críticas lo favorecieron en gran amplitud de medios, lo que le convirtió en el diseñador más comentado de ese año. Inició su marca revolucionando las pasarelas con un estilo desenfadado, lujoso y a la vez juvenil, donde brilla la maestría de los artesanos de la costura. La falda Le Pouf dejó su huella a través de la idea de un ruedo en forma de globo. Adornó todo tipo de vestidos, metalizados, lamé, otros de ins-
piración mediterránea y alta costura al por mayor, además de otros más juveniles y coloridos. Fue su insginia clave en el mundo de la moda, al igual que el traje chaqueta para Chanel. Pero en especial, la de su primera colección de alta costura es la más recordada y versionada por la misma firma. Esta es una falda en forma de globo, con multitud de capas para recrear la forma redondeada, con un estampado de rayas verticales en negro y blanco.
1987
Moschino se esforzó por romper el sistema de valores de la moda elitista, usando los principios del dadaismo y pop art. Vestir prendas con juegos de palabras visuales tanto para criticar como para aprovechar el consumismo de la moda. Era la época de la “logomanía”, un periodo en que las marcas lo utilizaban para identificarse como empresa. En 1988, Moschino presentó su primera colección de difusión, Cheap and Chic, obteniendo un gran éxito comercial internacional.
En esta misma colección otoño-invierno de 1988 presentó su más celebre y comercial concepto, el osito de peluche echo vestido. El teddy bear dress consiste en un vestido corto negro, ironizando una vez mas la casa Chanel, con una franja de osos de peluche en su escote, mangas y/o cabeza. Existen diversas versiones de la época y actuales, donde le nuevo director creativo Jeremy Scott decidió utilizarlo como identidad visual de la firma.
1988
La aristócrata, Gloria von Thurn, lo popularizó tras salir por TV.
Vestido teddy bear
Franco Moschino
Mugler transformo la esfera de la alta costura introduciendo conceptos como princesa guerrera, mujer-soldado y dominadora sexual en una curiosa mezcla de pasado, presente y futuro. Los vestidos-corsés automovilístico que creó Thierry Mugler se inspiró en el estilo de los vehículos de Detroit de la década de 1950.
1989-1992
Corsé de un Cadillac, por Mugler en 1989.
Corsé/vestido de motocicleta
Thierry Mugler El corsé enfatiza sus sexualidad a la vez que la defiende como una armadura. En concreto esta inspirado en una moto de la década de los años 60, en especial una Harley con motivos de fuego, recordando el estilo Motero de esos años. La cantante de rhythm and blues Beyoncé Knowles, gran amante del diseñador utilizó este corsé para la promoción de su gira de 2009, donde también encargo uno nuevo al propio Mugler, tras haberse retirado de la moda.
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DĂŠcada de los noventa: Decadencia y exceso, lujo minimalista, antimoda, estilo urbano...
La dĂŠcada de los diseĂąadores
Corsé/vestido de conos
Jean Paul Gaultier Su creador fue el diseñador francés Jean Paul Gaultier que se encargó del vestuario de la gira Blonde Ambition, y uno de los hitos de esa gira fue el corsé con conos puntiagudos y en color dorado. Esta pieza detonó la fiebre exhibicionista luego de que en el pico más alto de la carrera, el francés lo convirtiera en pieza clave del guardarropa de Madonna. Este controvertido dúo dio una serie de atuendos escandalosos que cuestionaban los principios del buen vestir, impuestos antes de la segunda guerra mundial. El icónico corset fue de las prendas que definieron el comienzo de una nueva era y la que puso al creativo en la mira de quienes, hasta enton-
ces, no se consideraban aficionados de la moda. Era de lamé vintage de los años 30 en un tono dorado y con la zona del pecho con forma puntiaguda. 20 años después, el francés replicó sus creaciones para el MDNA Tour y después, dos de los originales fueron subastados en Londres por la impactante cantidad 77,000 dólares. El recuerdo de la rubia contenida por la sexy confección quedó tatuado en la historia.
1990
Vestido negro de Liz Hurley “THAT Dress”
Gianni Versace Elizabeth Hurley lució un Versace, conocido también como ”THAT dress”, cuando acompañó a su entonces novio Hugh Grant al estreno de la película Cuatro bodas y un funeral. El vestido estaba sostenido a los lados por varios imperdibles de oro de gran tamaño.El traje es quizá la creación más conocida de Versacey es ampliamente considerado el responsable de lanzar a Hurley a la escena global. El traje fue un favor del diseñador italiano a la artista. Creo una gran controversia al parecer demasiado indecente, revelador y de mal gusto para el público. En respuesta, Hurley, expresó que Versace celebra la forma femenina en vez de eliminarla.
El vestido inicio la tendencia de que actrices y cantantes lucieran diseños cada vez más atrevidos para presentaciones y eventos. El ceñido vestido fue hecho de piezas de seda y lycra, con imperdibles de oro de gran tamaño ubicados en sitios estratégicos.Con una amplia abertura frontal y lateral, con escote en pico y dos tirantes delgados en cada hombro. Se dice que el vestido estuvo inspirado en el “neo-punk”.
1994
El icónico traje amarillo de dos piezas de Cher marcó un antes y un después, con un estilo clásico pero juvenil, conjunto que sigue siendo un referente para los amantes de las películas. Este outfit pasó finalmente a ser conocido como traje Clueless. Las adolescentes venían de referencias grunge, con pantalones rasgados, camisas a cuadros y pelo enma-
El personaje que interpretaba Alicia Silverstone creo una tendencia que perduraría durante toda la década de los 90 e hizo que las jóvenes de los 90 quisieran ser un poco más femeninas y sobre todo más rubias. El estampado escocés o prendas con patrones geométricos eran indispensables para cualquier joven. Medias largas con zapatos de taco bajo y algún bolso de mano para terminar el conjunto. El traje a sido versionado múltiples ocasiones, hasta en nuestros días.
1995
Cole´cci´ón Versace Ready to Wear, Fall 2014
Vestido/traje tartán Clueless
Mona May
Vestido ass dress
Thierry Mugler Para celebrar el 20º aniversario de la firma, Mugler celebro su famoso desfile de 1955 en el Cirque d’Hiver. Thierry Mugler, ya conocido como un showman que se dedico a trastocar el concepto de alta costura, nos presentó un espectáculo memorable, que la propia revista Vogue atribuyo de “detalles de corte de bisturí y aerodinámicos”.
Uno de los desfiles más inolvidables de los noventa. Este vestido en cuestión presentaba un factor sorpresa. Realizado de diferentes tejidos como terciopelo negro y tafetán blanco, se nos presentaba como un modelo simple, elegante y clásico, hasta que la modelo se daba la vuelta para enseñar un escote el la parte trasera. Esta peculiar obertura provoco una imagen aterradora y tentadora para todos, más allá de la liberación y fetichismo del diseñador
1995
Vestido Union Jack
Karen Halliwell Fue vestido por la cantante Geri Halliwell de las Spice Girls en los Premios BRIT de 1997. Las imágenes del vestido aparecieron en la portada de varios periódicos de todo el mundo, y ahora es recordado como uno de los momentos pop más emblemáticos de los años noventa. La historia del vestido es que la cantante tenia programado ponerse un mini vestido negro de Gucci, pero argumento que era demasiado aburrido para ella, y decidió encargarle un vestido a su hermana, amante de la costura.
1997
Reproducción del vestido por Roberto Cvalli, 2007.
El argumentó fue que quería “celebrar el ser británica”, por lo que le pidió a su hermana que cosiera una toalla de té Union Jack al frente como gesto patriótico.
El resultado fue el celebre mini vestido de la Union Jack, presentaba una bandera del Reino Unido, en el frente, y un símbolo de paz blanco estampado en la parte posterior del vestido de color negro. En el 2007 se hizo una replica, esta vez realizada por el diseñador Roberto Cavalli, en el que reproducía la bandera con miles de cristales Swarovski. El vestido llegó a la cima en una encuesta en línea de 2010 para encontrar los 10 vestidos más emblemáticos de los últimos 50 años, en el que quedó tercero. Es un icono del movimiento y espíritu de los años 90, del GirlPower.
Vestido pintado con spray, Num. 13
Alexander McQueen La forma en que McQueen desafiaba las ideas tradicionales de belleza es tan conocida como el dominio de su oficio y el dramatismo de sus trajes y desfiles. Este vestido en especial, conjuga estos principios de manera perfecta explorando el mundo complejo y creativo del diseñador. Primavera de 1999, la colección estaba ya en marcha, habían transcurrido un total de 12 vestidos en el escenario, el número 13 fue el momento de un vestido que jamas se olvidara en la historia de la moda. A modo de performance, la modelo subida en una tarima giratoria, presentando un vestido blanco puro, se disponía a ser pintada por dos maquinas de alta tecnología que iban realizando el mismo recorrido mientras la modelo giraba a si misma. El resultado fue una combinación de arte, tecnología moderna, performance y sobretodo, moda.
La estructura del vestido es de una forma acampanada, con múltiples capas que crean el volumen interno, esta sujeta por el escote, en forma de palabra de honor, con un elemento de sujeción, un cinturón. El motivo del vestido es de color negro y verde lima intenso, conjunto el blanco roto de la base de la prenda.
1999
Vestido objeto mesa
Hussein Chalayan Hussein Chalayan es tal vez el mayor visionario de la moda contemporánea. Su visión del vestido se centra como una transformación humana y la prenda más que ornamento, se hace prótesis y extensión corporal. Chalayan se inspira en teorías arquitectónicas, la ciencia y la tecnología. está claro que una fotografía inmóvil no hace justicia a la prenda, pues la prenda no es un objeto inmóvil sino una extensión del gesto humano. Tiene una perspectiva de desfile como un espacio Living o Performance Art. Para la colección de este atuendo/ objeto reflexionó sobre el vestuario como espacio de habitación humana, con una escena doméstica que se convertía en moda a medida que las modelos se acercaban a los muebles y desarmaban un juego de sillas y una mesa para vestirse con ellas.
En concreto, el atuendo que se presenta es un objeto, una mesa, transformable en vestido con un mecanismo en forma de prisma, donde adquiere esta forma.
1999-00
Xavi Castell.