PhotIMAGEN 1°Octubre 2016
FOTOGRAFOS VENEZOLANOS 1
EN UN SOLO LUGAR
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LA FOTOGRAFÍA Es el arte y la técnica de obtener imágenes duraderas debido a la acción de la luz. Tambien es el proceso de proyectar imágenes y capturarlas, bien por medio del fijado, o por un medio sensible a la luz de la conversión en señales electrónicas. Basándose en el principio de la cámara oscura, la cúal se proyecta una imagen captada por un pequeño agujero, sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido. PRESIDENTE EDITOR Márque Yeilys DIRECTORA Sonia Camos VICEDIRECTOR Alfredo Abián REDACTORA JEFE Eva Carnero ecamero@phot.com REDACCIÓN Marta Ricart, Alicia Jassanada COLABORADORES Nunia Belanga, Curro cañete, Rámo Ongil Francina Ramonet MAQUETACION Marina Alisa y Mérce Estrem EDICION GRÁFICA Laura Taisa E-MAIL Info@phot.com PUBLICIDAD DIRECTORA COMERCIAL Yolanda Casala DIRECTORA DE PUBLICIDAD Carolina Ponce COORDINADORA Teresa Sánchez Herrera DIRECTORA DE PUBLICIDAD Montse Romero EDITA Prisma Publicaciones Av. diagonal,477,2! planta 150 Venezuela Tel: 04143339505 www.phot.com Phohibida la reproducción total o parcial de cualquier articulo o fotografia Sin previa autorizacion. Los conceptos expresados en cada Trabajo son de entera responsabilidad del autor
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Fotógrafos que exponen en el otra lado del mundo PÁG 4 Y 5
El sentido de la Fotografía PÁG 9 Y 10
Fotógrafos Venezolanos
CONTENIDO
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Spencer Tunick
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Nelson Garrido
Bracci Daniel
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Claudio Napolitano 22 Ram Martínez
Antonio Briceño
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FOTÓGRAFOS QUE EXPONEN AL OTRO LADO DEL MUNDO fueron: Teresa Carreño, conocida por su trabajo como documentalista y artista conceptual, Dalia Ferreira también conocida por sus trabajos fotográficos y audiovisuales sobre la ciudad, Violette Bule y Oh Yiste, de la generación emergente de nuevos talentos creativos venezolanos.
Las obras de Teresa Carreño, Violette Bule, Dalia Ferreira y Oh Yiste, fueron presentadas al público chino e internacional el 13 y el 25 de septiembre del año 2013, en el 13º Festival Internacional de Fotografía de Pingyao – PIP, que tendria lugar en la República Popular de China. El festival se celebró en la ciudad de Pingyao, declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, situada en la provincia de Shagnxi, República Popular de China. Ese festival es considerado el evento de fotografía más grande del continente asiático y uno de los más grandes festivales de fotografía en el ámbito internacional. Alberga más de 13.000 fotografías exhibidas en espacios expositivos en el interior de viajas fabricas reacondicionas y en todos los espacios exteriores de la ciudad. La curaduría por Venezuela estuvo a cargo de Sandro Oramas, curador investigador, fotógrafo y Presidente del Centro Nacional de la Fotografía, conjuntamente con Alasdair Foster de Australia, curador del Pabellón de Latinoamérica junto con cuatro otros curadores latinoamericanos. Los artistas venezolanos invitados
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Una representación, fuertemente marcada por la participación de mujeres fotógrafas, cuyos trabajos se relacionan con temas sociales y políticas; así como, con temas alegóricos inspirados en las nuevas mitologías urbanas, todos dentro de una estética fotográfica contemporánea representativa de las nuevas tendencias de la fotografía latinoamericana. Esta selección ya ha estimulado el interés del público Chino adoptando una de las fotos venezolanas como imagen del festival.
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IRAZÚ REELABORANDO LÍMETES ENTRE EL CUERPO Y LA NATURALEZA Miguel Braceli, arquitecto venezolano, director de“Proyecto Colectivo”, un espacio de experimentación efímera entre la arquitectura, el movimiento y las personas, y ganador del salón “Jóvenes con FIA” en el año 2014 presentó hace unas semanas su última obra, realizada en Irazú, Costa Rica.La intervención se dio en marco de un encuentro internacional realizado por la escuela de Arquitectura del Tecnológico de Costa Rica (TEC) en el Museo Nacional de país. “Irazú” contó con la participación de más de setenta estudiantes del esta universidad, quienes se trasladaron al volcán, el cual está activo y es el más alto del país, un ícono de Centro América. Los participantes recorrieron el inmenso paisaje y, con una tela traslucida crearon distintas formas. La intervención fue capturada en fotografías y vídeos, y muestra la relación entre el cuerpo humano y la naturaleza en este increíble paisaje.
‘Irazú’ explora el vínculo del individuo con su entorno natural, a la vez que inscribe en el paisaje un eje reflexivo en torno a los binomios permanentes de la condición humana: vida y muerte, creación y destrucción, finito e infinito, efímero y eterno. En ‘Irazú’ más que una voluntad de posesión sobre la naturaleza, se pone en juego una dialéctica permanente con el concepto estético del paisaje y su materialidad plástica.
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Miguel Braceli Leyla Dunia 500 ML de Tela, 70 personas. Estudiantes de arquitectura del TEC TEC de Costa Rica
EL SENTIDO DE LA FOTOGRAFÍA
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SENTIDO La fotografía es un arte bastante reciente desde el punto de vista histórico. Tiene algo más de 150 años. Cada arte tiene la función de ayudarnos a reflejar el mundo de una manera propia, ver en él algo que ntes no veíamos o no nos fijábamos, conocer algo que antes no conocíamos.Pero la fotografía también tiene una función especial, su propia misión. Como las fotos son sencillas de sacar y no importa si se trata de un daguerrotipo o las fotos digitales, puede parecer que es una cosa muy fácil, un entretenimiento ligero que da la posibilidad de descansar con una cámara buena o no en la mano. Pero con el paso de los años cada negativo y cada archivo digital adquiere un sentido especial ya que guarda una copia exacta de un momento en la vida, implica un sentimiento especial para el fotógrafo y, por supuesto, para los que están en la foto o los que simplemente la miran.A mi modo de ver el sentido principal de la fotografía como un arte es la nostalgia especial que despierta por aquél momento que
nunca volverá.Ahora voy a contestar a las preguntas más frecuentes que me hacen. ¿Cuánto llevo haciendo fotos? Me aficioné a la fotografía hace mucho tiempo. Por primera vez me interesé hace unos treinta y cinco años. Tenía una bonita cámara que se llamaba Smena-8M. Los que hacían fotos en aquella época saben que era la cámara soviética más sencilla, más barata, con la peor óptica, o mejor dicho, la óptica más ordinaria. Y era la más difícil de manejar. No tenía telémetro y había que determinar la distancia y la exposición a ojo. Tampoco tenía otros dispositivos para hacer las fotos mejores. Pero al mismo tiempo era una cosa buena que fuera sencilla, no sofisticada. Había que esforzarse para sacar una foto aceptable y aprender como utilizar la exposición, la luz y la profundidad de campo. Era toda una experiencia, el método era de ensayo y error. Y, por supuesto, luego el proceso del negativo. Primero revelar, después fijar, luego imprimir y secar. Es una parte de mi vida que nunca olvidaré.
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EL SENTIDO DE LA FOTOGRAFÍA ESTÁ EN LA NOSTALGIA ESPECIAL DE UN INSTANTE QUE NUNCA VOLVERA
La capacidad fundamental de estas estructuras simbólicas está precisamente en, por un lado “estructurar y orientar la percepción”, pero por otro “estructurar y orientar el actuar”. Se trata entonces de sistemas que son “principios organizadores, a la vez, de la percepción y del comportamiento. La Fotografía reproduce al infinito únicamente ha tenido lugar una sola vez: repite mecánicamente lo que nunca más podrá repetirse existencialmente”. La foto muestra “lo Real en su expresión infatigable”. La foto es la realidad, esa sea su cualidad.
“Quiero hacer retratos tan intensos como las personas” Richard Avedon
La foto, como ya se ha dicho, es un reflejo del alma.Cierto, no hay nada más arriesgado que mostrar una foto; es una invitación a recorrer laberintos personales, ocultos, espacios interiores fuertemente custodiados con múltiples candados. Las puertas mejor resguardadas por nosotros mismos muestran su fragilidad al enseñar una imagen. Por eso exponer es exponerse, publicar una foto es hacer público algo muy privado. En una imagen queda impreso mucho más allá de lo que se ve, el papel retienesentimientos, valores, sensaciones, jerarquías, proyectos, opciones de vida.
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Fotógrafo y mente inquieta….. Siempre intentando mejorar y aprender día a día en este mundo de las imágenes y los momentos, y siendo exigente con sus trabajos, trata de encontrar el “momento decisivo” en cada una de sus fotografías. Trabajando en un ambiente profesional pero distendido en el caso de retratar almas, buscando ese grito o expresión en los conciertos y sacando lo mejor de la luz en interiores y encontrando rincones escondidos en las calles y sus gentes…
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SPENCER TUNICK
Es un controvertido fotógrafo estadounidense de origen judío cuya especialidad es fotografiar masas de personas desnudas en disposición artística. Obtuvo una titulación en Ciencias por el Emerson College en 1988 y ha recorrido Europa y América en pro de su arte escénico.
EXPASIÓN DE SU OBRA
Tunick comenzó en el año 1992 fotografiando personas desnudas por las calles de Nueva York. Sus fotos rápidamente se hicieron populares y decidió ampliar su trabajo por otros estados de Norteamérica, en su proyecto denominado Naked States (Estados desnudos). Más tarde hizo una gira internacional, a la que denominó Nude Adrift (Desnudo a la Deriva) tomando fotografías por ciudades como: Buenos Aires, Brujas, Londres, Lyon, Melbourne, Montreal, Caracas, Santiago, 1 México, São Paulo, Newcastle, Bogotá o Viena.
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CARACTERÍSTICAS DE SU ARTE Es muy conocido por sus fotografías de grandes masas de personas desnudas dispuestas en artísticas formaciones a menudo situadas en localizaciones urbanas y conocidas como Instalaciones. Surgen de estas imágenes una serie de tensiones al observador entre los conceptos de: lo público y lo privado, lo tolerado y lo prohibido, la moral y lo inmoral o lo individual y lo colectivo. muchos de los lugares donde Tunick ha realizado su proyecto artístico ha surgido un debate sobre si estas instalaciones son realmente un arte o no. Diversos grupos califican estos actos como meras manifestaciones sociales, en apoyo a la libertad de expresión.
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BRACCI DANIEL
y defienden al ciudadano. Hace 5 años hizo unas fotos a Gledys Ibarra, Erika de la Vega, Ana María Simon, pero no fueron resaltadas, como sucedió últimamente ha raíz de los sucedido este año, “por eso se retomé el auge de esta campaña”. Confesó que le encantaría sumar a su lista de personalidades a Capriles Radonski, Carlos Ocariz, Leopoldo López y así hasta llegar a unas caras internacionales.
El fotógrafo profesional y creador de la campaña ‘Un Mundo sin Mordaza’, Daniel Bracci, en el estudio de Noticias24 Radio, explicó cómo surgió esta iniciativa: “Es un proyecto que tiene dos años, y fue la forma de expresar mi reclamo ante lo que estaba pasando”. “Todo comenzó hace dos años con un trabajo para la revista Exceso, del diario El Nacional, titulado Las Famosas Gritan. En principio seleccioné a mujeres, ya que considero que son las más aguerridas y luchadoras. Son ellas las que siempre están al frente de las marchas”, expresó el fotógrafo venezolanos Daniel Bracci respecto a su serie Los Famosos Gritan. Una iniciativa donde personalidades de diversas áreas del país, plasman su mayor expresión sobre cómo se sienten en estos momentos en su país. Y lo que comenzó como un trabajo específico para una revista, se convirtió en una cadena de fotografías donde todos quieren participar. Con este trabajo el joven se desligó de sus actividades habi-
tuales, para dedicarse a un proyecto personal, como una manera de aportar su granito de arena a su país. Actualmente es una referencia gráfica de sentimientos encontrados en una Venezuela que grita por un cambio. Para el fotógrafo “el hilo conductor de la fotos es un mecate, es un fotografía muy de closet up, se demuestra la realidad de la calle”, por eso retrata a políticos y periodistas porque considera que son ellos quienes llevan la información
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ANTONIO BRICEÑO
Antonio Briceño (Caracas, 1966) ha desarrollado una serie de retratos videográficos de algunas personas que han sido víctimas del uso excesivo de la fuerza por cuerpos de seguridad durante las protestas que han tenido lugar en Venezuela entre febrero y marzo de 2014. Briceño les a ha pedido que miren a la cámara y recuerden en silencio las experiencias vividas durante esos días. Cada uno de esos rostros es un testimonio mudo, un soliloquio de miradas fluctuantes, que se balancea entre la introspección y la remembranza Nada más aterrador que el silencio. El silencio pétreo, desolador, impenetrable a toda realidad. El silencio que no se atreve a ser roto; que vio, pero mejor no. Silencio de miedo, silencio de indiferencia, silencio de interés, silencio de complicidad. De ahora tú, luego yo. Silencio denigrante, repulsivo, abyecto. Vergüenza para la especie. Toda una era glacial congelando alaridos. Los jueces, los
compinches, los argumentadores, los dogmáticos, los evasivos, los medios (que quedan) Los gobiernos, las naciones, las instancias continentales y mundiales. Todos congelados. Hay demasiado petróleo acá como para que se oiga; demasiado dinero como para que puedan escuchar. Aún no les llega el grito atronador de sus semejantes. No les asoma el dolor de los abusados. No les sonroja la vejación ni aún cuando se perpetra a la luz pública. Omertà general, mientras les den sus barriles. La petrolera era del silencio. Vergüenza para la historia..
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NELSON GARRIDO
Nelson Garrido Currículo Vitae 1952, Caracas, Venezuela. Cursó estudios de primaria y secundaria en Italia, Francia y Chile y estudios de Fotografía en el taller del artista Carlos Cruz Diez, en París, en los años 1966-67. La ONG (Organización Nelson Garrido) Espacios para la Creación, recoge sus experiencias y metodología propia como docente de fotografía. La ONG, escuela de fotografía, centro cultural alternativo, se ha convertido en punto de referencia obligada en la práctica artística venezolana actual, expandiéndose cada vez más hacia toda Latinoamérica. Garrido ha creado en su trabajo artístico un lenguaje iconográfico mezcla de religión, sexo, humor e imaginería popular. Violenta e irreverente, su obra se basa en una constante experimentación de medios expresivos y un profundo cuestionamiento
del sistema de normas y creencias socialmente aceptado. La puesta en escena fotográfica es su punto de partida; la estética de lo feo, el erotismo revisado en términos de sacrificio religioso y la violencia como detonante de reacciones, son algunas constantes en su obra. Es el primer fotógrafo venezolano distinguido con el Premio Nacional de Artes Plásticas (1991). Ha participado en innumerables exposiciones individuales y colectivas alrededor del mundo, siendo la más reciente Mapas Abierto y la Bienal de Arquitectura de Venecia.. Por un lapso de casi una década (1971-1980), realiza diversas actividades comunales y culturales en el sector Carapita, en Caracas. Durante esos años fue profesor del Instituto de Diseño Neumann bajo la tutela de John Lange y Christian Belpaire. Desde 1978 trabaja como fotógrafo para la
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revista M de la Fundación Neumann y en 1979 para la Fundación Bigott. En 1981 viaja a Europa para perfeccionar sus técnicas.A partir de 1982 realiza un trabajo doble: por un lado, uno antropológico documental que se desarrolla conjuntamente con sus labores en la Fundación Bigott; por otro, el desarrollo de un lenguaje plástico que comienza a destacarse en algunas exposiciones y que ha continuado hasta el presente.
Los ejes fundamentales que mueven mi obra, son tres: la muerte, la religiĂłn y el sexo; y esa trilogĂa se mueve permanentemente. Uno lo que hace es que reactualiza temas tocados, permanentemente, por la humanidad.
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CLAUDIO NAPOLITANO Para empezar por “el principio”, cuéntanos un poco cómo llegaste a la fotografía. Qué buscabas entonces y qué buscas ahora. : Llegue buscandome a mi mismy o escapandome del mundo de las matematicas y ahora simplemente busco ayudar y poner el granito que me toque desde el sitio que me toque. ¿Desde cuándo eres fotógrafo? Desde que tenia 17 años pasando por todas las etapas desde el nivel llevando café ¿Cómo comenzaste tu carrera como fotógrafo? Era miembro juvenil de la Parroquia de Cumbre de Curumo y ahí se
desarrollaban muchos talleres entre los cuales me tope por casualidad con una exposicion de fotografia y ese dia me entere que habia gente que podia vivir de eso ¿Qué descubriste o te impulso para dedicarte profesionalmente a la fotografía? La necesidad de transmitir pensamientos sin palabras pues la palabra no es mi fuerte siempre tengo q estar corrigiendo lo que quize decier o digo cosas fuera de lugar o sin sentido en cambio con la fotografia lo dices todo.
RAM MARTÍNEZ Siempre he pensado que en la fotografía uno pasa por etapas, hasta que te quedas en la que mas te sientes identificado, por ejemplo, el fotógrafo la mayoría de las veces comienza con la fotografía documental y de ahí pasa a hacer publicidad, otros buscan hacer sociales como bodas cumpleaños, etc, no muchos buscan hacer moda, y desde que comencé con la fotografía me ha llamado la atención esto último porque es un campo que te permite crear y hacer cosas diferentes todo el tiempo, la moda es siempre muy ecléctica y divertida a la vez y siempre que me preguntan que hago, mi respuesta es “Soy fotógrafo de moda”.
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