Silvia Pelissero, conocida en el mundo artístico como Agnes Cecile, utiliza la acuarela y el carbón para realizar obras llenas de sentimiento que capturan al espectador con sus coloridos y en ocasiones, monocromáticos tintes. Originaria de Roma, Italia, esta artista de 21 años ha tenido un desarrollo técnico impresionante. Su proceso creativo comienza plasmando las palabras y emociones que busca transmitir en notas, escritos o frases que después transforma en bocetos rápidos y sencillos con los cuales comienza el verdadero trabajo. Cecile elige el boceto adecuado y en el añade líneas, trazos y colores nuevos. Después, lo lleva al lienzo y concreta su trabajo combinándolo con la inspiración del momento; arrebato que proviene de lo que ella llama “artes secundarias” en forma de gráficos digitales, videos y fotografías. Esta artista también es aficionada de técnicas como el speed painting, en la cual su destreza y rapidez se ponen a prueba en sus obras. Cecile siempre supo que el arte era su vocación, y que lo perseguiría hasta verlo consagrado en la escena italiana, especialmente en la ciudad de Roma. Siliva Pelissero, ese es su nombre aunque en la pagina de arte deviantart.com la pueden encontrar como agnes-cecile es una brillante artista que plasma en lienzos muchas emociones de una forma muy fascinante. A primera vista pueden parecer solo salpicones y manchas de pintura, figuras amorfas que podrían carecer de sentido pero viéndolas bien sin ningún esfuerzo podemos ver rostros generalmente, no es muy complicado darse cuenta. Silvia Pelissero es un joven artista romano con sólo 21. En la web,
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se le conoce por su nombre de pantalla. Agnes-Cecile. Ella tiene el pelo rojo fuego, la piel clara y una fuerte personalidad. En sus obras de arte, los goteos de la pintura de los cepillos para formar las caras y los ojos palpablemente emocionado, las acuarelas explotan en las luces y sombras de colores hábilmente mezclados. Le pregunté a su encuentro más de un año después de nuestra primera entrevista. Ella me invitó a su estudio en el centro de Roma, donde se acogió dos exposiciones individuales en la primavera de 2012 y en el año 2013 y donde, después de nuestra entrevista, dedicó su tiempo a nosotros para crear una cabecera increíble para Picame.
Silvia, cada vez que usted cumple estoy sorprendido por su juventud y su talento. Sus obras de arte siempre han tenido un fuerte poder emocional; en nuestra primera entrevista que le pregunté si su arte era de sentimientos viscerales sobre todo y, hace unos dos años, fue en parte. ¿Cómo crea sus obras de arte con empresas?
En el pasado, mis obras de arte más sentidas fueron los “corazonada” como los describió -, pero yo solía escuchar música o leer un libro para ayudarme a encontrar la inspiración derecha. Cuando crecí, este método se desarrolló y aprendí a usar mi propio procedimiento creativo. Cuando estoy cerca, fuera de mi entorno creativo, yo siempre escribo pensamientos, expresiones y reflexiones, que me examino de nuevo más tarde, cuando estoy en mi mesa de dibujo, para hacer luego en imágenes que refleja el propio pensamiento. Es un trabajo de investigación y recopilación que es continuo y esencial para mí.
Su presencia en la web sigue siendo muy fuerte, también gracias a algunos videos que acompañan el proceso de creación de algunas de sus obras de arte. ¿Cómo es que usted tomó esta decisión?
Me gustó la idea de mostrar la conexión que tengo con mis obras de arte, mientras que los creo Accompaying, el proceso de creación permite que la gente se relacione a este momento de intimidad. Creo que es importante comunicar la conexión entre yo y mi obra de arte: a veces lo consigo el resultado deseado sólo después de una “lucha” con la imagen, a veces es como si siempre hubiera estado allí. La web permite que yo haga esto.
Los rostros y los ojos de sus obras de arte son las de los hombres y mujeres que recuerdan los sentimientos fuertes y palpables. ? ¿Dónde te encuentras tus súbditos? Al principio, mis súbditos eran modelos, con sus expresiones frías: rostros neutros, cuyas características podrían ser alterados fácilmente. La web ha sido siempre mi fuente, entonces empezó a sentir que necesitaba más: algo que yo podía sentir más familiar, no anatómicamente pero por temperamento e íntimamente; un detalle que podría ser capaz de provocar algo en mí, no temas que terminé de percibir como extraños.
¿Lo que no puede faltar en tu caja de herramientas?
Desde mi caja de herramientas para el bolso, no puedo prescindir de una pluma de tinta negra y un cuaderno para anotar ideas y bocetos.
¿Hay una mujer artista que se sienta cerca y que ha sido una fuente de inspiración para usted?
Un artista cuyo proceso de creación que he estado dedicando es a ella fotógrafo Francesca Woodman, cuyos autorretratos he estado siguiendo últimamente. El método que utiliza para auto-retrata siempre me ha intrigado, pero lo más importante que se inspiró a partir de un video que documenta una foto de ella, donde se podía ver a su ensayo
de un encuadre. Me gustó la forma en que ella se regocijaba después de ver el resultado, me conmovió su auténtico entusiasmo. A pesar de lo que le pasó, me inspiré por su serenidad, mientras que la creación de sus obras de arte. Yo vivo y trabajo con serenidad, así, y quiero seguir así.
¿Dónde podemos encontrar Agnes Cecile pronto?
Ahora me gustaría pensar que estoy de vacaciones, volver a respirar después de un período intenso, aunque no puedo dejar de dibujar... así que digamos que estoy tomando un descanso de las relaciones públicas.
Se dice que este hombre lleva el diseño y la tipografía grabados en el ADN. Y es que su abuelo, Joan Trochut, al que por cierto nunca conoció, fue un respetable tipógrafo allá por los años cuarenta.
Alex Trochut se graduó en Diseño Gráfico en la escuela ELISAVA de Barcelona, comenzando su actividad profesional en Berlín, trabajando en los estudios Moniteurs y Xplicit, para posteriormente regresar a Barcelona y trabajar en el estudio de diseño Toormix a su llegada, y más tarde en el de Vasava, estableciéndose por su propia cuenta en 2007. Su obra se caracteriza por la importancia que otorga a la tipografía, convirtiéndola en un elemento de expresión gráfica, así como la variedad y cambios de técnica en cada proyecto, manteniendo en todos ellos como rasgos comunes la fusión entre geometría y formas fluidas. Ha realizado proyectos para Apple, Arctic Monkeys, Nike, The Rolling Stones, Adidas, Coca-Cola, British Airways, Pepsi, Starbucks o The En 2012 desarrolló el proyecto artístico conocido como Binary Prints, resultado de las investigaciones llevadas a cabo en el campo de la dualidad, para el que patentó una técnica que recibe el mismo nombre, mediante la que dos imágenes diferentes podían ser mostradas en una misma superficie, una con luz y otra con oscuridad. A través de dicha técnica, y en colaboración con artistas de música electrónica como James Murphy, John Talabot, Carbou, Damian Lazarus o Acid Pauli, entre otros, ilustró los carteles del festival Sónar en 2013.
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Sus creaciones conocidas internacionalmente han catapultado al joven diseñador gráfico catalán hasta convertirlo en toda una referencia en la materia, en Europa. Trochut nació en Barcelona. Estudió diseño gráfico en la Escuela Superior de Diseño Elisava, y empezó a trabajar como diseñador e ilustrador freelance a escala mundial. En 2011 publicó el libro titulado More is More en el que se recogen todos los proyectos que ha realizado desde 2006 hasta ese momento. Con sólo 30 años, Alex Trochut es uno de los diseñadores españoles con más proyección internacional. Tipógrafo e ilustrador, Trochut nos muestra en este libro su lado más íntimo, más personal y a la vez, profesional. Trochut habla de sus influencias profesionales como Dalí y Miró y por supuesto de sus trabajos pero también del proceso de su creación. En este libro encontraremos toda una serie de bocetos y de las transformaciones que van sufriendo las ideas desde su cabeza hasta el papel.
“De niño ya consumía mucha imagen, pero no entrené demasiado la mano, fue de adolescente cuando pude dar cabida a algo creativo”. Era una cuestión de necesidad “la de poder expresarse” afirma. Alex reconoce que esas ganas de expresarse le llevaron a pensar en el diseño gráfico como vía de escape “no era mucho de estudiar” así que vio en el diseño gráfico un filón donde “dar cabida a las inquietudes que tenía”, afirma al diario español El Mundo.
En la era digital, al contactar dos distintos (vista, sabor, oído) directamente con el ordena- pero equiparables en su proceso creativo. dor, ¿se pierden emociones? Es una pregunta interesante. Soy un artesano digital. Viciado con lo digital, vaya. Trabajando a mano consigues muchas cosas; una pieza única, original. Con el ordenador, todo se vuelve más rutinario, no cabe la sorpresa. Las posibilidades de lo digital son infinitas, pero aún más en lo físico, donde hay muchos más accidentes y sorpresas. Al final, vamos como un péndulo, nos quedaremos en el medio.
¿Cuál es la tipografía más expresiva?
Elegir bien un traje para cada ocasión. Esa es la idea. Saber estar en cada lugar. Igual que no irías a una boda con un chándal… Pues lo mismo.
Tu abuelo, Joan Trochut, fue un reconocido tipógrafo. ¿El tipógrafo nace o se hace?
Ambas cosas. Debe haber una memoria genética. Yo creía que mi abuelo había sido impresor (nunca lo conocí); descubrí su profesión porque los profesores me lo dijeron. El convertirme en diseñador no fue un objetivo, salió de manera natural. Me di cuenta de que me apasionaba. Y luego vi el trabajo de mi abuelo. Fue una mezcla.
Has comentado que, de no haber sido tipógrafo, te hubiera gustado ser cocinero o músico. ¿Cuál es la conexión?
Se trata de procesos creativos. Mezclar colores y formas es como juntar sabores, sonidos. Son tres senti-
¿Qué consideras que se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña?
Pienso que la escuela es una base necesaria, pero realmente lo que te define es el mundo profesional. Me pregunto si sería posible una mayor incorporación del mundo laboral dentro de la enseñanza. Aprendiendo a adaptarte a las necesidades y sabiendo ser uno mismo dentro del encargo.
¿Recuerdas el primer trabajo profesional por el
que te pagaron?
Recuerdo que no me lo pagaron, y que trabajé mucho y que lo único que me dijeron fue que como no lo usaron no tenían por qué pagarme. Los principios nunca son fáciles… Ahora me río, pero en ese momento me frustraba mucho no encontrar al cliente que supiera valorar lo que para mí tenía un valor.
Lo más complicado de tu día a día como diseñador… Motivarme, entrar en un estado de concentración intensa
Lo más gratificante…
Conseguir llegar a lo que uno se propone.
“Hay gente que cuenta historias…Yo, no tanto.” Por eso nos inquietó Alex Trochut, uno de los nombres catalanes que más resuenan en el panorama del diseño internacional. Lo suyo es visualizar e ir al grano, nada de rollos. Corazones abiertos de par en par, tablas de skate un tanto particulares… Es totalmente directo sobre el ordenador, y transparente en la conversación. Lo que ves es lo que hay, sin más; pero es que lo que hay es mucho. Hablamos un rato; una conversación interesante en la que casi arreglamos el mundo, filosofando un poco. Nos contó que está aburrido de los encargos repetitivos, que está metido en un proyecto personal que presentará el año que viene sobre retratos de músicos. Su eterno dilema, como el de muchos, la frontera que separa el diseñador del artista. No cree que encaje en esta última definición, aunque nosotros pensamos que sus diseños tienen un alma genuina. Aunque sea solamente dibujada. Posee la capacidad de vestir, enamorar, incluso de suicidar a las letras, juega con los tipos, con su ligereza, pesadez y fuerza. Alex Trochut no es un diseñador de los que narra, eso está claro, pero sabe jugar con las curvas. Estamos deseosos de ver sus próximos pasos en un terreno más introspectivo, que le permitirán quitarse algunas espinas que tiene clavadas, como nos confiesa él mismo.
Además de ilustrador, es fotógrafo y diseñador gráfico, es nacido en Virginia, Estados Unidos en 1975. Sus ilustraciones se mueven entre la inocencia, la sensualidad, el fetichismo y la mera perversión. Levesque dejó los estudios para dedicarse al diseño gráfico y de ahí paso el resto de sus facetas artísticas. Jason Levesque alias “stuntkid” es un ilustrador norteamericano de Norfolk, Virginia, USA. Comenzo su carrera en la adolescencia dibujando los modelos de la revista Playboy y ahora realiza impresionantes ilustraciones y fotografías a color. Su impecable trabajo se caracteríza por un estilo y colores atractivos que realiza utilizando lápiz y photoshop. Entre sus recientes trabajos la portada de “The Many Loves of the Amazing Spider-Man.” La rutina de un ilustrador consiste en: despertarse, pensar en arte, crear arte, comer, crear más arte, dormir y soñar con arte. Así define su día Jason
Levesque, fotógrafo e ilustrador de anatomías humanas traslúcidas que cobran vida conforme un grupo de coloridos caracoles avanza y cubre el cuerpo de bellas doncellas. La colección del artista norteamericano presenta cuerpos traslúcidos que muestran el interior de cada uno de ellos, desde el esqueleto, órganos e incluso la vida materializada por la naturaleza. Jason Levesque con un estilo que va desde el art nouveau al cómic, tiene un estilo bastante interesante con trazos muy orgánicos y fluidos, algo que nos hace recordar a un artista e ilustrador mexicano, el cual también tiene una excelente técnica y obra. Sus obras reflejan la pasión por lo que hace, aquí él habla sobre cinco puntos que cualquier artista/ilustrador debe considerar, para seguir con el trabajo creativo:
1) Solo te harás mejor con la práctica. Toma miles de horas desarrollar alguna habilidad, dibujar no es la excepción. Si no sabes que dibujar, dibuja lo que sea. Mantén el lápiz en movimiento. 2) Reconoce la crítica. Lo que la gente te dice a la cara, lo dicen mas a seguido a tus espaldas. Reconoce la diferencia entre crítica constructiva y el veneno de gente malintencionada. Si alguien 6
no está sugiriendo alguna mejora, haz caso omiso a su opinión. Ellos son el ruido de fondo que desaparecerá con el tiempo. 3) Nunca “llegarás”, crear arte es un viaje. Progresarás lentamente, y a veces progresarás muy rápido, pero nunca llegarás a “ese lugar” deseado. Acéptalo, siempre habrá gente atrás y adelante de ti. 4) Motiva a otra gente. Mientras vayas mejorando, recuerda lo doloroso que fueron tus primero años artísticos. Siempre busca a aquellos que están donde tú alguna vez estuviste y aconséjalos para que encuentren motivación cuando te sea posible. 5) Trata de no casarte con algún proceso que no te deje crecer. Los ilustradores y los artistas necesitan un producto que pueda ser reconocible, pero algunos de forma casi literal se pintan a ellos mismos en un esquina y nunca progresan.
Jason Levesque, mejor conocido como Stuntkid, es originario de Norfolk, Virginia, Estados Unidos, su trabajo se caracteriza por la utilización de dos herramientas, una clásica y otra tecnológica: el lápiz para sus bosquejos, y photoshop para imprimir color, profundidad y sombras. Desde muy pequeño el artista se mostró interesado por el dibujo, por lo que alentado por su familia, lo que sería un entretenimiento infantil terminó por ser su vida. La fotografía es una de sus actividades favoritas, de hecho en la realización de algunas de sus ilustraciones toma fotografías o busca entre las que ya tiene y las relaciona con la idea que le llegó a la mente, es, entonces, cuando toma su lápiz y empieza a ilustrar. A pesar de ser un gustoso de esta técnica, Levesque ha declarado que prefiere pasar la mayor parte del tiempo dibujando que fotografiando. Para inspirarse, usualmente lee libros sobre biología y ciencia, lo que resulta evidente en la mayoría de sus ilustraciones, ya que se presentan chicas en ambientes acuáticos o constituidas por elementos relacionados con la vida marina. Los artistas que le han influenciado son: Ashley Wood, Joao Ruas. Erik Jones, Conrad Roset, Tom Bagshaw, y uno que otro clásico como Ernst Haeckel.
Además de realizar ilustraciones de anatomía humana, igualmente dibuja bocas y chicas en diferentes situaciones. En pocas palabras el trabajo de Levesque resulta ser bello, onírico e, incluso, surreal, razón por lo que recientemente le han solicitado para realizar la portada del cómic. Siempre le estado intereso el arte. Creo que eso es probablemente cierto para todos. Entendemos dibujos mucho antes de que entendemos la palabra escrita. De niños, todos nos basamos. A 5 años de edad con una historia que contar puede ilustrar una situación con más detalle que ese niño puede escribirlo. En algún momento, un montón de niños deja de dibujo, ya sea por falta de interés o la decepción en la lentitud con la habilidad se está desarrollando. No era muy bueno para el dibujo como un niño, pero me gustó mucho. También tuve la suerte de crecer en una familia que me animó no sólo con elogios, pero con el ánimo de mejorar. Para inspirarse suele sentarse y pensar en lo que va a dibujar. Por lo general, las ideas vienen al azar o en la cama mientras está durmiendo. Ha leído un montón de libros de ciencia donde encuentra mucha inspiración en aprender cosas nuevas, biológicos y de otra manera. Una vez que tiene una idea, va a pasar por sus miles de fotos de referencia que he disparado y buscar un buen partido. Le encanta hacer la ilustración comercial. Gana más dinero con menos trabajo cuando haca trabajo de la comisión. Las limitaciones del proyecto a menudo lo empujan a aprender cosas nuevas, o dibujar tema que está familiarizado. Puede ser una experiencia de aprendizaje enorme. Muy a menudo el trabajo se perderá en la comisión con demasiadas voces tomar decisiones creativas. Cuando eso sucede se encuentra separado de la obra y establecer sus metas simplemente haciendo lo mejor que puede hacer en el tiempo determinado. El trabajo comercial es a la vez la mejor y la peor parte de ilustrar.
Me siento como que he pasado por tantas fases a lo largo de los años. Mis intereses e influencias se han desplazado tan salvajemente, me siento como que es difícil ahora para describir el camino que tomé para llegar aquí. Influencias como Akira, mi influencia más temprana y artistas posteriores como Klimt Mucha y han permanecido conmigo. No sé si puedo describir mi trabajo ahora en términos estilísticos. Estoy seguro de que alguien más puede hacerlo, probablemente con facilidad. Estoy demasiado cerca.