YIRA-YIRA YIRA-YIRA por por la la ciudad ciudad
La Máquina no para
Editorial itorial Ed
Como toda máquina, Yira Yira necesita de aceite y combustible para que cada engranaje empiece a moverse adecuadamente a un ritmo bastante acelerado. A principios de año empezábamos de a poco a caminar y nos fuimos acostumbrando al arduo trabajo del periodismo, el cual implica muchas veces correr de un lado para otro y llegar a tiempo a cada lugar para llevarles mes a mes lo mejor de la música y del arte. Hoy nuestro combustible se nutre de diferentes coberturas que a diario realizamos y de las tantas entrevistas que hacemos manteniendo una revista de primer nivel con noticias interesantes. Entonces podemos decir orgullosamente que la máquina está aceitada y que nuestros engranajes están funcionando al pie de la letra, llevándote en este número una nota muy interesante con uno de los tríos más importantes del país como Carajo, una banda de raíz latinoamericana que trae un disco con aroma europeo como La Zurda . Otro trío que empieza a volar sin detenerse, la banda de Sebastián ‘Roger’ Cardero y su Vuelo de la Grulla, grupos que asoman con fuerza desde el under, un rapero del nivel de Emanero y un especial con una de las bandas que marcaron un antes y después a nivel mundial como Nirvana. Como dijo el Santofumador: “Demasiado grande esta está bola para que alguien la detenga”.
Yira-Yira
por la ciudad Año 1 - Nro 8 - Octubre de 2010 Distribución gratuita Dirección: Florencia Mancedo Leonel Tueso Fotografía: Diego Patrón Cristian Scotellaro. Natalia Soubielle Diseño Web: Marco Antonio Villán para www.yirayiraporlaciudad.com.ar
La Dirección
Colaboración: Luciana Villegas José Luis Tueso Producción Publicitaria: María Virginia Tueso Contactos: Florencia Mancedo: (011) 15-3819-6522 Leonel Tueso: (011) 15-5493-1277 prensa@yirayiraporla ciudad.com.ar Agradecemos a todos los que hicieron posible que este sueño se trasforme en realidad, ustedes son parte de nosotros.
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Por la ciudad
La Parka está de fiesta Un musical ecléctico que utiliza el humor negro y kitch para hacer una relectura de la condición humana donde, como los cultos mexicanos a la muerte, en lugar de temerle, la celebran. Una parka remixada, ambigua, glam y festiva, llega para darle vida a los lunes de Buenos Aires en el Espacio Teatral El Cubo. la teatralidad de la música construyen una atmósfera festiva y, a la vez, reflexiva. Además, hay que destacar la intensidad de sus coreografías y de los colores estridentes con un estilo comic de su puesta en escena, donde nada está porque sí ni está de más.
Ficha técnica
A partir de experiencias personales muy cercanas a la muerte, Diego Corán Oria y Federico Scarpelli escribieron esta parodia musical ingeniosa donde recurren al humor para hablar de un tema tan ríspido e incómodo como la muerte. Sangre joven que empieza a marcar un estilo propio en la comedia musical independiente y que nada tiene que envidiarle a las grandes producciones de Broadway. Está nominada como mejor musical off en la primera entrega de los premios Hugo al teatro musical. El argumento es simple, pero efectivo. Un joven y fachero tenista -Felipe Ferrari del Campo- irrumpe en las oficinas de la burocracia de La Muerte para reclamar que le devuelvan a su novia muerta, la taciturna Guadalupe Pérez, que espera en el interior de ese inframundo kitch, administrado por un elenco de trogloditas
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sometidos a los delirios de Gladiolo y el Ahorkado, fieles adláteres de La Parka, amo y señor del mundo de los muertos. Como en el mito clásico, La Parka ofrece una oportunidad al galán, proponiéndole un desafío: si vence, recuperará la vida de su amada; si pierde su destino será “la nada”. En el transcurso del duelo, los amantes experimentarán un viaje por un mundo alucinado, casi lisérgico, de altos decibeles y de luces estrepitosas. Así surgirá una pregunta: ¿Podrá el amor unirlos hasta en la mismísima muerte? Más allá del desopilante argumento que hinca en una reinterpretación del carácter finito de la vida, la nueva obra de Corán Oria ofrece una vuelta de rosca al género de la comedia musical: propone una fiesta que le pone humor y gracia a un género que suele abusar del romance y de los ritmos melosos. Una comedia musical para seguir al ritmo de las carcajadas. Y que sobre todo, puede leerse como una unidad donde tanto el libro, la letra, las interpretaciones como
La Parka, el musical. Libro: Diego Corán Oria y Federico Scarpelli. Letras: Diego Corán Oria. Música: Jorge Soldera. Intérpretes: Roberto Peloni, Facundo Rubiño, Pedro Velázquez, Esteban Masturini, Micaela Castelotti, Jesica Abouchain, Emmanuel Robredo Ortiz, Jimena González, Adrián Scaramella, Micaela Pierani Méndez, Ezequiel Carrone, Luciana Larocca, Federico Fernández Wagner, Jenifer Trabilsi, Juan Gentile, Juan Mende y Ana Rodríguez. Sonido: Ana de Irisarri. Escenografía: Tadeo Jones. Vestuario: Alejandra Robotti. Pelucas: Miriam Manelli. Maquillaje: Luciana Reche. Luces: Facundo Rubiño. Dirección vocal: Carlos Pérez Banega. Coreografía: Agustina Seku Faillace. Producción: Mar tín Arcidiacono y Matías Taverna. Dirección general y puesta en escena: Diego Corán Oria.
Chinos Rock and Roll
Con dos discos en su haber y más de una década destilando música por distintos puntos del país, la banda de rock platense Chinos es una clara muestra de independencia, esfuerzo y buena música, a la que definen como un “rock amplio” en donde se pueden encontrar destellos de rockabilly y rhythm and blues, siempre dejando en claro influencias como Pappo, Viejas Locas, The Rolling Stones y Chuck Berry, entre otros. Su carrera musical nació a mediados del año 1997 cuando Emanuel “Toro” Fría, líder y guitarrista del grupo, se juntó con Juan Pablo Podrecca (batería) con la idea de armar una banda de rock. Y desde entonces, no pararon. Si de establecerse en el ambiente del rock se trata, Chinos Rock and Roll va por el buen camino ya que se codeó con grandes grupos como Los Ratones Paranoicos, La 25 e Hijos del Oeste mostrando un claro crecimiento y mirando el futuro con grandes expectativas. En la actualidad se muestran como un quinteto completado por Germán Cáseres (teclado), Jorge Luis Monteiro (guitarra), Adrián Logulo (bajo y coros). El desafío llegaría con su última placa llamada “Noches Blancas” (2007) que fue presentada en un show de La 25. Quizás haya significado el despegue y la apuesta por un camino ascendente ya que tuvo muy buenas críticas. “Nuestra música no es un rejunte de influencias sino una mezcla de aportes individuales de cada integrante de la banda. Consideramos que hacemos un rock limpio y con mucha fuerza”, explican.
Encontra a Yira Yira en
Ahora están trabajando en el sucesor de esa obra y ya tienen varios temas del nuevo CD que pronto se comenzarán a grabar. No hay dudas de que son una de las bandas que más rota en el under tratando de marcar una diferencia y queriendo superarse día a día. “Los objetivos principales son poder llevar nuestro rock a distintos lugares donde hasta ahora no hemos podido llegar, no sólo con la realización de recitales, sino también trabajando mucho en el tema de la difusión. Esperamos terminar el 2010 presentando algo de lo que será el próximo disco”, aseguran.
Mu, punto de encuentro En el interior, varias mesas de madera adornadas con manteles artesanales y algunos sillones un poco gastados componen el bar de la cooperativa; una enorme biblioteca, armada con cajones de manzanas, libros, revistas y artesanías constituyen la feria. Al fondo, unos tablones de madera forman el escenario que sirve de soporte para diversos espectáculos: jazz, folklore y percusión afroamericana marcan el ritmo que cada viernes y sábado convierte a MU en una fiesta. En esta experiencia cooperativa es sobre todo su gente, los integrantes que hacen a su vez de mozos, escritores, vendedores y periodistas, la que trasforma a este local del microcentro porteño en un verdadero espacio de encuentro. Para sus integrantes, Mu es mucho más que un bar y una feria; es un espacio en permanente construcción. Quizás sea en este mucho más donde radique, justamente, su espíritu colectivo. Porque detrás de este lugar subyace una idea de libertad que encuentra en la autogestión un mecanismo que rompe con la opresión y, en el trabajo una herramienta de acción. Talleres de crónica y derechos humanos, debates en torno al cuerpo, la identidad y el lenguaje, exposiciones fotográficas y lecturas reflexivas son algunas de las actividades libres y gratuitas que ofrece MU. Además, todo lo que se vende en el local, desde remeras y carteras hasta revistas, bizcochitos y yerba, es producido por otras cooperativas. Y en esta permanente construcción, el espacio Mu se convierte en el último eslabón de una cadena de trabajo que se inició en el 2001 cuando los periodistas Claudia Acuña, Sergio Ciancaglini y Diego Rosemberg pensaron en un canal de comunicación que, a diferencia de los medios tradicionales, les permitiera expresarse libremente y sin bajada de línea. Así surgió la cooperativa Lavaca, financiada exclusivamente por sus integrantes. En esta línea de difundir ideales, en el Espacio se dicta la Cátedra Autónoma de Comunicación Social de la Universidad de Buenos Aires con el objetivo de alentar la creación de proyectos independientes, autogestivos y plurales.
Centro de Estudio Superiores Carrera de Grafología Talcahuano 78 1ro A (CABA) centrovels@gmail.com.ar
Tel (11)5353-3007 http: www.centrovels.com.ar Pág. 5
YIRA YIRA YIRA Asomando
Desde el under escalan posiciones
Para esta ocasión Yira Yira por la ciudad presenta cuatros bandas unidas por la pasión por la música y por su paso firme en el circuito under las que vienen desarrollando un largo camino por distintos ámbitos. Estas bandas aparecen destacándose en cada show hace más de una década. Hoy les presentamos a: El Conejo de la Luna, La Ponderosa, Errante Suburbano y La Única Ruta.
El Conejo de la Luna
Con varios años en la escena de la música, “El conejo de la Luna” nació en el año 1994 con sus primeras presentaciones en el conocido Galpón de Hurlingham y en el Mocambo de Haedo. Hoy luego de trasmutar con varias formaciones el grupo está consolidado y compuesto por: Raúl Egitto (voz y letras), Juan Goria (guitarra y coros), Matías Buscaglia (bajo y coros), Agustín Ispizua (bateria), Julián Constantino (armónica) y Mariano Morales (teclados). El grupo se caracteriza por combinar diferentes sonidos demostrando en el escenario un abanico de estilos que hace muy atractiva a la banda. Ironía, humor, amor, poder y vivencias de sus integrantes son algunos de los temas que tratan sus letras interpretadas por un rock muy bien hecho. Actualmente El Conejo de la Luna está presentando su primer disco titulado “La cenizas del ocaso”. Sitio Oficial: www.elconejodelaluna.com.ar
La Ponderosa
Esta banda nace en febrero de 1999 en el sur del Gran Buenos Aires, precisamente en la ciudad de Berazategui, en donde empezaron interpretando covers de diferentes artistas y bandas por las que fueron influenciados: The Rolling Stones, The Beatles, Eric Clapton, Bob Dylan, Lou Reed, Pappo y Sumo, entre otras. Con el tiempo la banda se fortaleció y fue construyendo una identidad propia sostenida en las composiciones que constantemente tratan de abrir el espectro musical con el fin de lograr un estilo particular dentro de un género tan amplio como es el rock and roll. Actualmente están presentando por diferentes ciudades del país su último disco titulado «Sigo, sigo, sigo». Sus Integrantes son: Marcos Ferreirone (voz, guitarra y coros), Federico Varela (guitarra, voz y coros), Maximiliano Kucharski (bajo y coros), Gustavo Núñez (armónicas) y Mariano Assad (batería). Sitio Oficial: www.myspace.com/laponderosarnr
Errante Suburbano
Heredando el repertorio de La Blusarda es que nace en la localidad de Morón esta banda de blues y rock & roll compuesta por Federico Righetti (voz y guitarra), Sebastián Domínguez (bajo), Leonardo Montero (guitarra y coros) y Mariano Nonini (batería y coros). Influenciados por el rock, el blues, el funk, y el soul, la banda se ha dado el gusto de compartir escenario con Vox Dei, Las Blacanblus y La Mississippi, entre otros. Este año editaron su primer disco homónimo presentándolo por diferentes puntos del país; la obra consta de 12 temas y es altamente recomendable. El 14 de noviembre darán un show acústico en La Quadra Bar (Ramos Mejía). Sitio Oficial: www.myspace.com/errantesuburbano
La Única Ruta
La banda comienza por 1996 con el nombre de Ruta 66, al que luego cambiarían por la Única Ruta donde con el paso del tiempo empiezan a captar seguidores de todo el conurbano bonaerense. Durante el año 2005 la banda amplía su espectro musical y comienzan a ahondar en música country, rockabilly y por supuesto rock and roll, un dejo de tex mex ofreciendo un show diferente tanto en vestuario, puesta en escena y baile, para público de todas las edades. Durante su carrera musical la banda compartió escenario con Luis Robinson (armoniquista de Pappo’s Blues) y también se dieron el gusto de ser teloneros de Ratones Paranoicos, Intoxicados y Vox Dei, entre muchos más. Sitio Oficial: www.launicaruta.com.ar
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NTVG
‘Por ’Por lo lo menos menos hoy’ hoy’ No No te te va va Gustar Gustar “
La banda uruguaya que supo cosechar miles de fans de este lado del río; lanzó su sexto disco de estudio titulado “Por lo menos hoy”, sucesor de la exitosa obra “El camino más largo”. Está en las disquerías desde el 1 de octubre. El disco contiene 12 canciones perfectamente registradas en donde se puede observar que l os NTVG están en su mejor momento a nivel musical y eso se trasluce en cada tema. “Por lo menos hoy” es un material diverso pero que ahonda en las temáticas clásicas del nomento:
“Trata desde el amor a la discriminación, y del desamor a la violencia doméstica, por citar algunos ejemplos”, explicó el cantante y compositor de la mayoría de los temas, Emiliano Brancciari. “Esperamos que nuestro público disfrute de este disco como nosotros lo hicimos durante el proceso de composición, ensayo, preproducción y grabación. Ya estamos ansiosos por tocar estas canciones en vivo, pero primero escúchenlas, ojalá les gusten”, escribió en un comunicado oficial la banda.
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Entrevista: La Zurda Foto Cristian Scotellaro
Puchero Sónico El grupo de Haedo acaba de presentar oficialmente su tercer disco de estudio “Aquí y ahora” en el Roxy Live, donde se reencontraron con el público argentino luego de una extensa gira por Europa. Dignos herederos de esa semilla que plantó Manu Chao, La Zurda es una verdadera coctelera de ritmos que mezcla el rock con sonidos autóctonos de las culturas de América Latina, dada por la implementación de instrumentos como el charango, el ronroco, el cajón peruano y el bombo legüero. Pero también suenan modernosos con toques tecnos y sonidos cumbiancheros. “Acá y ahora” es el nombre del tercer disco del trío de Haedo, sucesor de “Para viajar”, y fue editado bajo el sello local Pirca Records y distribuido por Universal Music. Se grabó en dos etapas durante un viaje a Europa: la primera, en los Estudios Del Cielito, en Buenos Aires; y la segunda, en Hollywood Garage, Arezzo (Italia). El disco “representa mucho el acá y ahora tan valioso, este instante que se llama vida, que pasa en un santiamén mientras no nos damos cuenta”, explica Emanuel Yazurlo, voz, guitarra y charango de la banda que completan Pág. 8
Juan Manuel Bruno (guitarra y voz) y Leonel Macaluse (batería y percusión). A diferencia de sus anteriores materiales, donde trabajaron con grandes productores argentinos como Gustavo Santaolalla (Divididos, Bersuit, La Vela Puerca, Molotov, entre otros) y la dupla Pablo Guyot y Alfredo Toth (Los Piojos, Ratones Paranoicos, Guasones, Los Tipitos, La Mancha de Rolando), para su tercer disco de estudio el destino quiso que La Zurda hiciera una vuelta de tuerca a su mestizaje y profundizara el vínculo que une a su música con Italia desde que arrancaron hace 10 años. Así, “Aquí y ahora” contó con la producción de Fabrizio Barbacci, quien trabajó con Roy Paci y Negrita -banda con la cual compartieron escenarios italianos y argentinos- y operó como una suerte de “espejo”.
en la que vivimos y al medio ambiente (“Rumbo”) y a los amores y desamores (“Me Veo A Mí” y “Nos Faltaremos”). Temáticas que no podían faltar en una banda que pone el acento en la raíz latina, aunque no se propongan “un rol conciente de politizar la palabra” como esgrime Manuel mientras Emanuel remata: “Nuestra política es hacer música”.
Basta con hacer un recorrido por el disco para respirar este mosaico cultural con letras que hacen referencia a la sociedad
Y si hay algo que queda claro es que La Zurda no tiene barreras y construye puentes con cada melodía. En efecto,
antes de su presentación oficial en el Roxy, el disco rotó por el viejo continente, durante la sexta gira de la banda por esos pagos. “Hay una comunión universal y por suerte la música puede traspasar esa barrera cultural de los idiomas, como que es todo una misma cultura de la música. Los públicos son diferentes. En Alemania hubo una aceptación buenísima con la música latinoamericana y el hecho de tocar una base hip hop, una guitarra rockera y un charango arriba o una cumbia o una vidala. El sur de Italia es muy festivo, parecido al público argentino en lo emotivo. En España hay mucha joda. Pero la verdad es que la música y esta mezcolanza musical que intentamos hacer desde el primer disco trata de romper un poco con esta idea de que el público es distinto. La música es música y no hay barreras para nosotros, por lo menos” , cuenta Emanuel. No hay dudas, tanta vuelta por el mundo impregnó un tinte europeo en esta “mezcolanza musical” -como ellos definen- de instrumentos autóctonos y sonidos modernos que hacen a la identidad de esta banda que ha sabido cultivar la raíz latinoamericana. “Hacemos lo que pinta. En el disco nuevo el primer tema es bien tecno, el segundo más rockero, hay una cumbia y otro tema más canción. No hay una forma de componer para nosotros o un estilo que queramos seguir. Cuando vamos a
Europa decimos a modo de chiste que hacemos puchero sónico: metemos en la olla lo que tenemos, hay un tambor de candombe, un charango, un bombo, una base punchi punchi y sale lo que sale. Pero sí, podríamos encasillarlo en un rock latinoamericano”, define Emanuel. ¿Y cómo ven el escenario del rock acá? ¿Creen que hay desprecio por la raíz latinoamericana? Emanuel: No, justamente cada vez hay más bandas que tienen una identidad latinoamericana. Ahora hay más lugar a ritmos nativos. Creo que eso nos da una identidad y está bueno. Afuera se ve eso. Una banda que toca una chacarera, o algún ritmo latino o autóctono, le da una identidad a cierta parte de la tierra, habla de dónde sos y de nuestros antepasados. Como hicieron los norteamericanos con el rock: una batería, un bajo eléctrico y una guitarra es propio de ellos. Y mirá qué lejos llegó que hoy en día, que está todo globalizado, es parte de nuestra cultura. Y está bueno que pase eso con un charango, que es un instrumento nativo de acá. Manuel: Hay un movimiento copado. Por ejemplo, en el oeste hay muchas bandas que recién arrancan, que quizás no tienen la posibilidad de expresarse tanto, pero hay un montón de material para ir a ver y a escuchar. Apoyamos mucho más cuando vemos que hay una identidad y un concepto de lo latinoamericano más formados. Eso nos parece muy valioso en una banda, el no ponerse a hacer una
copia de otra. Se genera una originalidad que a nosotros nos encanta. Arrancaron laburando con una gran compañía y ahora están con una barrial. ¿En qué se diferencia? Peluca: Nuestra compañía es de Haedo, es un sello chiquito que se llama Pirca, que son amigos nuestros que nos apoyan desde hace montones de años y prácticamente es como estar en familia. Tuvimos compañías grandes, pero estamos muy bien con una compañía del barrio, la verdad es como estar en casa. Ahora tenemos más libertadas. Manuel: Aunque artísticamente siempre las tuvimos. Que te condicionan artísticamente es una gran fantasía que no se quién la inventó. Quizás las hay en la parte logística de armado de fechas y esas cosas, pero en lo artístico no. No creo que pueda ir a decirle a nadie “en el estribillo este poné viva Perón”. Quizás una compañía más grande te da más difusión… Emanuel: Puede ser porque es un aparato y una estructura más grande. Pero así como tenés más difusión, estás debajo de Shakira. Tienen miles de prioridades antes que una banda de rock argentina. El mercado monopoliza la música y siempre estás atrás de miles de artistas. Ese es un beneficio de las compañías chicas, además de que, en nuestro caso, es de barrio y somos amigos. Manuel: Y que al señor presidente le tocás el timbre y está acá a la vuelta.
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Entrevista: Carajo
Recargados Foto Cristian Scotellaro
El power trío conformado por Andrés «Andy» Vilanova, Hernán «Tery» Langer y Marcelo «Corvata» Corvalán, acaba de lanzar «El mar de las almas», su cuarto álbum de estudio y digno sucesor de «Inmundo» (2007) que será presentado oficialmente en Capital en noviembre. Para muchos es el disco del año.
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No hay dudas que a lo largo de casi diez años, Carajo ha sabido construir una identidad y una artística en torno a la potencia. Con un sonido demoledor y letras que siempre ahondan en la verdad, la justicia y la paz. Se han ganado un lugar de referentes del punk rock metal argentino. Sin embargo, cuando ya parecía que estaba todo definido en el universo Carajo, ellos mismos nos sorprenden con «El mar de las almas», un material innovador e imprevisto, pero sobre todo tiene ese sabor a madurez que les permite consolidarse con un disco introspectivo, punzante y desgarrador. No hay dudas que el trío se reinventa, y cómo.
representado en una grabación. En este disco tratamos que las canciones representen lo mejor posible lo que somos. Si bien hay cosas que se sobre grabaron, tratamos que el 80 % de las canciones sea el trío bien al frente y mostrando lo que somos capaces de hacer. Tratamos de no descontrolar mucho los sonidos. Y si no nos gustaba lo que grabábamos, lo volvíamos a hacer, como se grababan antes los discos grosos. Todas esas cosas hicieron que el disco transmita esta frescura, crecimiento y madurez. Fue proponérnoslo como un método.
banda pasa por ahí: no es caprichosa cada canción: la elección tenía que tener algo contundente por lo que se ganara un lugar en el disco. Y tuvimos que sacrificar muchas canciones que nos gustaban. Y esta apertura de la que hablaban también se reflejó en los video garage que iban subiendo a la web, donde la gente podía seguir la cocina… Corvata: Mostrarle a la gente de qué se trata Carajo, cómo somos en la intimidad porque hay muchos mitos y la gente se imagina cosas. Hay cosas únicas que pasan en ese momento nada más y si justo las pudiste captar son valiosísimas a futuro hasta para nosotros mismos. Se aproximan los 10 años y hay un montón de material del proceso de grabación y de giras que quedó a fuera y que se puede aprovechar. Tery: Además habíamos decidido no tocar tanto porque nos abocamos a la grabación y los video garage eran una buena forma de no perder contacto con el público. Andy: La gente termina siendo parte en algún punto, haciéndose cómplice. Es una manera de abrirle la puerta al que le interese. Es un canal, una comunicación directa y tratamos de aprovechar eso. Y la gente respondió. Por ejemplo, cuando hicimos la firma del lanzamiento del disco, se comunicó mucho por Facebook y vino muchísima gente. Tery: El seguidor está como muy pendiente de esas cosas. Andy: A parte les mostrás algo que no está prefabricado, algo que la gente no espera y que nos gusta ver a nosotros de las demás bandas. Corvata: Y teniendo canales de comunicación como Youtube y Facebook, hay que usar esas herramientas como excusas para generar, sino queda en un círculo vicioso de hablar boludeces y mandarse saluditos cuando en realidad está bueno aprovechar toda esa llegada. La idea es usar esas herramientas para ofrecer cosas artísticas. Pero sobre todo la intención era llegar a la gente y no escondernos tanto tiempo y desaparecer.
Carajo ¿Qué nos pueden contar de «El mar de las almas?» Corvata: A diferencia de los otros, fue grabado, producido y mezclado por Ale Vázquez y Carajo en nuestro propio estudio (Joder). Hay un concepto bastante propio y personal que va desde la composición, el sonido y todo el resultado final de «El mar de las almas». Es algo nuevo esto de ver el resultado al que llegamos por nosotros mismos, teniendo todo más controlado. ¿Cómo fue la experiencia de grabar en su propio estudio y de dónde surge esta necesidad? Tery: Estábamos componiendo el disco y siempre teníamos la idea de grabarlo en nuestro propio lugar, pero implicaba tener que invertir en hacer el estudio, horas, tiempo y eso se iba interponiendo a medida que íbamos haciendo las canciones. Fue un desafío. Ale nos había dicho que estaría buenísimo y nos embarcamos en el emprendimiento propio de la banda de tener un lugar en el cual justamente contáramos con el tiempo y si teníamos ganas de grabar algo lo hacíamos...
¿Por qué «El mar de las almas»? Corvata: Salió como el título de una canción y se fue ganando el lugar de ser un título que representa el concepto del disco. «El mar de las almas» está lleno de vivencias y de cosas personales: desde cómo nació; el haber armado nuestro propio lugar muy paso por paso; cómo se compuso el disco hasta el arte de tapa que lo hicimos nosotros con ideas propias; el diseño que hizo un amigo y la fotografía que estuvo a cargo de la hermana de Andy. Todo eso representa «El mar de las almas». Ese mundo de personas y sentimientos. A diferencia de los discos anteriores, nos animamos a mostrar ese lado más profundo de Carajo. ¿Cuál es la búsqueda artística que hay detrás de este disco? Tery: Siempre hay una búsqueda en cuanto a tratar de poner algo nuevo: traer un elemento, una canción, algo que denote una especie de novedad o, por lo menos, ver al trío haciendo algo distinto. Parte de nuestra búsqueda tiene que ver con haber hecho 30 canciones y seleccionar las que están, que no fueron elegidas caprichosamente sino que tienen un por qué y creemos que quedaron las mejores justamente porque aportan algo distinto. Por ejemplo, «Limbo» es un tema instrumental y nunca lo habíamos hecho antes en otro disco. Eso ya trae otra diferencia, ver cómo a la gente le empezó a pegar un tema instrumental de Carajo, que al principio suena raro pero después le parece interesante. «Luna herida» va también por otro lado y «Frágil», también. Son todos temas que aportan algo nuevo. Las que están tienen el sello nuestro, pero renovadas. Creo que la artística tiene que ver con esa búsqueda musical, después tratamos de acompañarlo con lo sonoro, pero me parece que el que escucha el disco identifica Carajo. Corvata: Creo que también se trata de buscar, sobre todo hoy que todo es tan veloz, un disco como una obra, un concepto. Tratar de lograr que cada canción transmita algo y te atrape, que te deje como enganchado, que te provoque alguna sensación, que sea fuerte y extremo en ese sentido. La apuesta como
Carajo ¿No es lo mismo cuando están alquilando por hora un lugar? Tery: Exactamente. Y lo que pasó fue que conseguimos muy buenos resultados e, inclusive, mejores que en estudios de mejor categoría. No nos gusta descuidar la parte del audio y más allá de lo musical hay un estándar que nos gusta conservar, pero no sabíamos cómo iba a salir hasta último momento. Teníamos grandes expectativas y la verdad es que nos sorprendió a nosotros mismos. Es un disco muy power, donde se nota un laburo muy a conciencia en lo que respecta al sonido, al cuidado en los arreglos, en sonidos experimentales… Corvata: Siempre estuvimos muy encima de las cosas. A veces es difícil dejarlo
¿Qué expectativas tienen con este disco? Corvata: Creo que es un muy buen disco para tocar en vivo, por lo menos todo el arranque son temas hechos bien en punto para nuestros shows, Para la gente que le gusta el rock fuerte, para el pogo, son canciones que vienen bárbaras y tenemos muchas ganas de ver la reacción de la gente en vivo y sabemos que se van a divertir. Tenemos la expectativa de ver hasta dónde nos llevan las presentaciones. Nosotros también nos vamos a ir afianzando a medida que las vallamos tocando y la gente va a tener el disco más escuchado y las va a conocer mejor. Sobre todo, para noviembre en las presentaciones en el Teatro, llegar en el momento justo… Pág. 11
Carajo El mar de las almas El disco habla por sí solo. Impacta desde una oscura «Intro» que mezcle el llanto de un bebé con ráfagas de viento y penetrantes violines para pasar, sin descanso alguno, al corte de difusión «Ácido» donde una desgarradora furia se apodera de la voz de Corvalán. «En el fin, a un paso de la eternidad, solo el amor me sostendrá. En el fin, ante la inmensa eternidad, solo el amor te juzgará», sangrará en «Luna Herida», una melodía cuidadosamente cargada de arreglos, para luego regalar seis minutos y medio de ascendente suspenso con unos enajenados riffs de guitarra de Tery en «Fantasmas». Con «Libres» se descarga la furia de la mano de la bata de Andy. La sorpresa llega con la hipnótica «Limbo», primer tema completamente instrumental que compone Carajo. Para cerrar con el tema que le da nombre a la placa, «El mar de las almas», es quizás la canción más reflexiva que resume el concepto del disco: «La vida es como un gran océano. Al mar de las almas me voy a arrojar. En el mar de las almas, tocar fondo o flotar…».
Despierta el Luna La banda que lidera Germán Daffunchio, tuvo su esperado debut en el Luna Park, tras 20 años de trayectoria. Las Pelotas presentó su última obra “Despierta” con invitados de lujo como Fernando Ruiz Díaz, Roberto Pettinato y Gillespi, que desfilaron en una noche que va a ser recordada tanto por los músicos como por sus seguidores. Sin una escenografía brillante Las Pelotas demostró su calidad de banda, de esas que juegan en primera, interpretando casi todo el material del disco “Despierta”, clásicos de Sumo y repasando temas de sus dos décadas de vida en más de tres horas de show y 36 canciones impecables.
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Varias son las postales de este primer show que brindó el grupo en el Palacio de los Deportes. Quizás la perlita haya sido cuando la gente recordó al gran “Bocha” Sokol y pidió que le dedicaran el show “al cantante que ya no está y que lo mira desde el cielo”. De pronto, Daffunchio paró a todos y dijo: “Están equivocados, el “Bocha” está acá mostrando su amor a su amigo y compañero de ruta de toda su vida”.
Con Las Pelotas bien puestas Un párrafo aparte se merece la bajista Gabriela Martínez cuando cambió su instrumento predilecto, agarró una guitarra y junto a Sebastián Schachtel, tocó “Menos mal”, track de “Para qué?”. El estadio enmudeció y una de las ovaciones máximas se hizo escuchar al finalizar el tema.
Lanzamientos
Lanzamientos La 25 Desde el 15 de octubre los fans de la banda de Quilmes pueden conseguir el nuevo álbum en las disquerías. Se llama “Shoc”, es el sucesor de “Mundo Perfecto” (2006) y fue grabado durante un show en el Teatro de Flores en donde se repasaron sus mejores temas y se presentaron dos canciones inéditas: “25 horas” y “Como un extraño”. Además, la obra tendrá la particularidad de que gozará con su sustento en DVD.
Eruca Sativa
Mimi maura Días de Sol es el octavo disco de Mimi Maura. Fue grabado en estu dios de Argentina, Jamaica y Puerto Rico y fue mezcla do, en Jamaica, por Steven Stan ley, quien ha trabajado con reco nocidos solistas y grupos tales como Talking Heads, Tom Tom Club, Grace Jones, B-52 y los Fabulosos Cadillacs, entre otros. Incluye dos covers: “Olas y arenas”, de Silvia Rexach; y “Amor”, del también boricua Rafael Cortijo. Canción a Nereida es el tema de Mike Acevedo, padre de Mimi.
Vicentico
La banda cordobesa integrada por Lula Bertoldi en voz y guitarra, Brenda Martin en bajo de cinco cuerdas y coros y Gabriel Pedernera (De Bueyes) en batería y coros lanzó su nuevo material discográfico; el tan esperado «ES», inaugurando su propio sello discográfico MTM (Marca Tus Marcas). El disco se grabó en MCL Records, Capital Federal, la producción artística estuvo a cargo del grupo.
“Solo un momento” es el nombre del cuarto disco solista del frontman de Los F a b u l o s o s Cadillacs. Se trata del sucesor de “Los pájaros” (2006) y ya está en las bateas de todo el país. A diferencia de sus materiales anteriores, donde dominaba el sonido caribeño y los ritmos bailables, en este disco se destaca un alto contenido melódico. Por supuesto, no podía faltar el sello inigualable de Vicentico como cantautor y hacedor de canciones en temas de alto impacto popular que suenan destinadas a ser cortina de éxito televisivo.
Las pastillas del abuelo Registrado en vivo en el programa radial de M a r i o Pergollini, llegó a las disquerías, “Versiones”, el nuevo material de Las Pastillas del Abuelo. Se trata de una edición limitada de 5 mil copias, realizadas en forma ar tesanal por la ONG “Yo No Fui”, entidad que trabaja para reinsertar en la sociedad a mujeres que aprendieron el oficio del diseño durante su permanencia en alguna cárcel de mujeres. Cuenta con 10 canciones de las favoritas de su público, reversionadas.
Los Rancheros Festejando sus veinte años de trayectoria, Los Rancheros presentaron “Estimulante”, flamante material discográfico que ya se encuentra en disquerías de todo el país. Esta nueva producción independiente se convierte en el noveno trabajo de estudio del grupo y cuenta con la distribución a nivel nacional de EPSA Music.
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Especial: Nirvana
Revolución Grunge Muchos son los grupos que nacen, pero muy pocos son los recordados en forma masiva por todo el mundo. Sin dudas, uno de ellos es Nirvana por haber marcado un estilo propio en la escena de la música y por la trágica historia que los envolvió. Una banda que transitó a un ritmo vertiginoso que duró poco tiempo hasta la muerte de su líder Kurt Cobain, desde entonces representante del célebre “vivir rápido, morir joven” . Vital compositor, referente mundial del punk underground y del rock alternativo y padre del movimiento grunge, Cobain dejó una marca difícil de borrar. Oriundos de Aberdeen, una pequeña ciudad dentro de la localidad de Washington, el grupo nace en 1985 de la unión Kurt Cobain y Krist Novoselic, compañeros de escuela que admiraban a la mítica banda de la escena grunge, The Melvins. Luego de varios intentos fallidos por formar un grupo -e incluso participaron de uno que versionaba canciones de Greedence Clearwater Revival-, al dúo se le sumaría Dale Crover, baterista de The Melvins que tocaría en las primeras presentaciones, cuando todavía no se llamaban Nirvana. Para la búsqueda del nombre del grupo pasaron por varios desde Skid Row, Bliss, Pen Cap Chew en 1987 y Ted Ed Fred a principios de 1988. En febrero de ese año Nirvana, propiamanete dicha, entra en escena con Chad Channing,
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como nuevo baterista quien llegó a la banda a través de un aviso colocado en un periódico de Seattle que rezaba: «Banda de punk rock con influencias de Aerosmith, Led Zeppelin, Black Sabbath, Black Flag, Scratch Acid y Butthole Surfers busca baterista». El primer show de Chad con Nirvana fue a fines de mayo de 1988 en The Vogue en Seattle. Con el correr del tiempo el grupo tomó más notoriedad y sumó más seguidores haciendo que la banda se transforme en una revelación de la música punk rock. Entonces fue que firmaron su primer contrato con la discográfica Sub Pop, por medio de la cual lanzaron su primera obra titulada “Bleach” (1989), grabada en sólo seis días con un costo total de 606 dólares. Otra novedad que posee el álbum fue que en los créditos aparece el guitarrista Jason Everman aunque no tuvo participación en el mismo, sólo pagó la sesión de grabación. Fue a raíz de la explosión de la banda que el rock alternativo se convirtió en un género dominante en la radio y la tv musical. A comienzos de los ’90 ya establecidos como banda, el grupo empieza a trabajar con un productor para grabar el segundo álbum con la compañía DGC Records. Se llamó “Nervermind” (1991) y hoy es considerado un clásico. En efecto, la popularidad del rock alternativo, así como el fin de la era del hair metal, son atribuidos a este disco que cuenta con la mítica “Smeels like teen spirit” y
“Breed” y que recibió la certificación de triple platino en los Estados Unidos en menos de seis meses. Con su tercer álbum de estudio “In Utero” (1993) la popularidad de Nirvana disminuyó, aunque buena parte de su audiencia lo alabó después de su presentación de la mítica emisión del MTV Unplugged. Con este disco, la banda también se enfrentó a la censura porque cadenas de almacenes como Walt-Mart se negaron a tener en sus “familiares” estanterías a un álbum, para ellos, “controvertido”. La banda aceptó cambiar el arte del disco, lanzando una versión «limpia». Sin embargo, con la excepción de la mezcla de Litt de «Pennyroyal Tea», la música incluida era idéntica al lanzamiento común. El 8 de abril de 1994 murió Kurt Kobain (ver recuadro La voz de una generación). La vorágine de esos tiempos hizo que el grupo se disolviera, aunque su influencia se inmortalizó en toda una “generación X”.
En 2004 fueron rankeados en el puesto 27 en la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. Vendieron más de 50 millones de álbumes a nivel mundial, incluyendo 10 millones de ejemplares de Nevermind en los Estados Unidos y 25 millones en todo el mundo.
La voz de una generación
El 8 de abril del año 1994 Kurt Cobain, fue encontrado muerto en su casa de Seattle. Las circunstancias de su muerte siguen siendo motivo de un apasionado debate, ya que se especula si realmente se suicidó o si fue víctima de un asesinato. La versión oficial indica que, agotado de la vida que llevaba, decidió quitársela. Tenía 27 años. Muchos lo recuerdan como “el último mártir del rock”, pero sobre todo como el exponente de una cultura generacional. Durante su vida, Kurt luchó contra la depresión, la bronquitis crónica, contra un intenso dolor físico debido a una condición estomacal crónica y contra la adicción a la heroína. El icónico cantante, compositor y guitarrista de Nirvana, transformó la música de los ´90 con la llegada del tema “Smells Like Teen Spirit”, un irónico ataque de Cobain al aburrimiento de los slackers -término con el que se designaba a los individuos con personalidad indiferente, pertenecientes a la llamada Generación X o Generación Perdida-. Esta canción no tardó en convertirse en un himno generacional que lo inmortalizaría como la voz de la “Generación X”. Desde entonces, la escena del rock alternativo -y su subgénero el grunge- cambió para siempre. La fama súbita y el reconocimiento público de su talento tuvieron un costo devastador. «El circuito comercial nos chupó», dice su compañero Novoselic. “Kurt sentía muchísimo desprecio por el circuito comercial. De eso se trataba “Smells Like Teen Spirit”: de la mentalidad masiva del conformismo.»Cuando el circuito comercial se apoderó de Cobain, le dio vergüenza. Por todos». Kurt Cobain fue posicionado en el puesto número 12 entre los mejores 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos en 2003 y en el puesto 45 de los 100 cantantes más grandes de todos los tiempos en 2008, según la revista Rolling Stone.
Ciro y Los Persas en el Luna El tan esperado debut de Andrés Ciro Martínez se hizo esperar en Capital Federal, pero por fin llegó. Fueron tres noches con toda la fuerza y una puesta en escena alucinante, como era de esperarse de un príncipe de Persa, para la presentación de “Espejos”, su primer material solista. Con velos y turbantes, cambios de vestimenta y una escenografía armada al mejor estilo piojoso, donde se destacaban videos al ritmo de la música. Una exquisita banda antes del comienzo del show ya calentaba los motores del gran Palacio de los Deportes. «Antes y después», corte de difusión del disco, dio inicio a la velada y renovó la sensación del público al grito de “Qué placer verte otra vez nos decimos sin hablar, hoy todo vuelve a empezar y será lo que ya fue”. Luego seguiría “El viejo”, tema de Pappo, al que lo acompañaría «Te diría» canción que no podía faltar en un reencuentro con la gente de Buenos Aires. Su gran debut había sido en el “Orfeo Superdromo” de Córdoba ante una gran cantidad de seguidores que disfrutaron de cada una de las canciones-. Los temas pasaban y la gente no paraba de arengar. La ovación máxima fue cuando apareció Micky Rodríguez para dar comienzo a “Paso a Paso”, un reggae con un mensaje de protesta, al que luego se le sumaría el patrón de La Chiringa, Daniel Buira, para dar comienzo a «Verano del ’92". Todo un mini ritual que despertó en los más nostálgicos cánticos de tipo “Olé, olé, olá, sólo te pido que se vuelvan a juntar”. A lo que Ciro respondió con un sugerente “Si acabamos de juntarnos…”, para luego seguir con “Malambo para Luca” y la fiestera “Chucu Chu”, con la banda haciendo trencito sobre el escenario.
Foto Natalia Soubielle
No hay dudas de que “Espejos” gustó, y mucho. También es cierto que los clásicos de los piojos son pequeños momentos que la gente atesorará en algún lugar del recuerdo. Cada show tuvo su perlita e invitados de lujo a lo largo de tres memorables noches, en la cual Manuela Martínez (hija del cantante) interpretó “Vas a bailar” y Jimmy Rip (ex guitarrista de Mick Jagger, actualmente en Jimmy Rip & the Trip) dejó boquiabirtos a casi todos los presentes. Ciro y Los Persas ya agregaron fechas para el 17 y 18 de diciembre en el Luna Park. Ciertamente, la gente se quedó con ganas de más.
Dibujo - Pintura Grabado - Escultura Profesor Sergio Tueso 4621-8086 sergio_tueso@hotmail.com Pág. 15
Entrevista: El Vuelo de la Grulla Escrito por Leonel Tueso
«Identikit» de un trío que empieza a volar alto Con la fuerza de un ave muy poderosa que vuela miles de kilómetros sin detenerse y que pregona la lealtad con sus compañeros de ruta, Sebastián “Roger” Cardero, ex baterista de Los Piojos, presenta, tras un año de silencio, El Vuelo de la Grulla, junto a su hermano Fernando Cardero, en bajo, y Guillermo Cudman, en guitarra y voz.
“Algo que viene, busca salida. Sólo nos queda volver a empezar”, dicen con una potencia desgarradora en el estribillo de “Agua de mar”, tema que integrará el disco debut de El Vuelo de la Grulla y que refleja el espíritu de este trío que combina la ira del grunge de lo ’90 con el rock psicodélico de los ´70 y, a la vez, suena moderno, bailable, oscuro y furioso. Una propuesta artística totalmente distinta. Habla de una identidad que estos tres impecables -e implacables- músicos comenzaron a forjar en los senderos de la Grulla. Claro está: algo se venía y por suerte, llegó para quedarse. Para el caso el nombre de la banda resulta para nada azaroso. En efecto, en la simbología oriental, la grulla representa el honor, la lealtad, la fidelidad y el
compañerismo. Pero sobre todo, es un animal cuya fortaleza lo hace salir airoso, incluso, en una batalla contra un tigre. No hay dudas que la potencia de este grupo se hace eco de todos estos adjetivos, para plasmarlos en su música. “Identikit”. Su primer corte de difusión suena arrollador y muestra a una banda compacta, que nada tiene que envidiarle a las más consolidadas. Así sorprende, particularmente, una identidad y una artística tan marcadas en un trío que arrancó hace apenas nueve meses. Una vez instalados en el nido del pájaro, Seba nos da la bienvenida y, con ella, el privilegio de escuchar en vivo “Agua de Mar”, durante un ensayo para lo que sería su primera presentación en vivo junto a La Franela y Revelados.
“Desde el cielo caen misiles, cambia el juego, el tiempo, el lugar”, cantan en “Misiles”, tema que también integrará el disco, y que ahonda en esta atmósfera de transición en la que se gestó la banda. Empieza la mateada y la historia de cómo nace EVG. “Estábamos los tres revoloteando. Fer y yo revoloteábamos con Audire, que en ese momento estaba en un parate, y Seba estaba, con el parate de Piojos y nos juntábamos a zapar. Además, a veces hacíamos producciones juntos”, cuenta Guille mientras que Seba agrega: “Yo venía de un fin de año movido a nivel familiar y me había tomado enero. En febrero arranqué; hicimos con Guille un laburo para un solista y ahí nació la idea de empezar a zapar. Y los temas encajaban con lo que queríamos tocar y empezaron a cerrar los tiempos porque Fotos Cristian Scotellaro
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estábamos todos liberados. Todos teníamos ganas de cambiar la cabeza. Nos gustó lo que sonaba. Creo que el formato nos llevó a ser hoy la Grulla”. ¿En qué momento se dieron cuenta que eran El Vuelo de la Grulla? Guille: Creo que salió mucho de la necesidad de los tres de hacer la misma música. Un día Seba me dice que tenía ganas de armar un trío, algo más rockero. Y nosotros con Fer estábamos en un momento muy difícil de transición, de cuatro meses de no tocar con un proyecto de mucho tiempo como Audire. Creo que fue la necesidad de hacer esta música lo que hizo que hiciéramos la artística rápido y que nos juntemos a tocar. Luego de una década con Los Piojos, ¿Cómo te encontrás con el formato trío? Seba: Me siento bien. La verdad es que fue productivo porque me da más aire, estoy como respirando mejor. Para mi Los Piojos terminaron cuando se fue Piti y cerraron el 30 de mayo con el último River. Fue duro mentalmente; muy duro. Y lo que pasó fue que me encontré con Tavo (ex guitarrista de Los Piojos) viendo que hacer, pero mentalmente yo no estaba bien. Vos ibas a tocar con Tavo en Revelados… Seba: Claro. Nos juntamos con Tavo, Chango y Pablo Guerra, pero realmente estaba como tapando una cosa que no era. Sentía que quería una continuidad. Y no estaba rindiendo lo que yo era como músico. Le dije a Tavo que necesitaba parar, pero no porque Revelados no me gustara. Sentía que estaba buscando tapar las heridas y por eso me alejé de Revelados. Fue una decisión excelente porque me hizo hacer el duelo de Piojos bien e hizo que hoy pueda tener el proyecto que tengo y pueda estar al 100 por ciento. ¿Por qué El Vuelo de la Grulla? Guille: Fue una búsqueda. Empezamos a investigar un poco el tema de la grulla. Las características del animal fueron las que nos llevaron a elegir el nombre, creíamos que tenía bastante que ver con la música que hacíamos. Es un animal muy grandote, como un pájaro grande que hace tiros de vuelo muy largos. Vuela de Alaska al Polo Sur sin bajar. Es muy particular. Además, es el símbolo de la lealtad y del honor en Japón porque convive con sus compañeros y es muy fiel, tiene una simbología muy interesante que nos pareció que tenía que ver con armar un grupo nuevo. Seba: El tema del vuelo tiene que ver con volar a otro lado, buscar otro lugar, otro rumbo para los tres. Además el animal es tan fuerte y poderoso y me quedó esa imagen.
Fer: El que puede definir nuestro estilo es la gente que nos escucha. Tenemos una coctelera que junta cosas. Nosotros hacemos rock, todo lo que está adentro del rock está acá, de ahí en adelante puede pasar cualquier cosa. Seba: Para mi es rock. Hoy hacemos lo que nos sale porque es lo primero que estamos haciendo. Hoy es la Grulla y no se parece a nada. Es la mejor definición que puedo dar. Hay muy poco gestado, con el primer disco tampoco va a estar la identidad completa. Vamos a tener que tocar mucho en vivo para ver cómo lo siente la gente y cómo nos sentimos nosotros. ¿Para cuándo sale el disco? Seba: Calculo que en diciembre estará terminado completamente. Ya estamos cerrando con una compañía. Y estaría saliendo en marzo-abril. Lo está produciendo Pablo Romero, el cantante de Árbol. Se me ocurrió sumar a una cuarta cabeza para que nos explote bien. Llamé a Pablito que lo conozco hace mil años y le llevé el demo, le gustó muchísimo y se sumó como la cuarta cabeza en el grupo. Hoy estamos con el disco casi terminado. Pablo hizo un laburo impecable. Le encontró la vuelta y nos sacó el jugo a los tres individualmente y como banda. Creo que es una persona que apostó mucho al proyecto y se jugó un montón. Guille: Y al principio está bueno que alguien te ayude porque sino podés irte al carajo, o irte de foco. Mucho del sonido tiene que ver con él. Seba: Lo conocía como productor y como músico y la verdad es que es un tipo que se juega muchísimo y va para adelante como loco y eso está buenísimo. Ahora está rotando “Identikit”, que por suerte tuvo buena aceptación en los medios. La idea es que quede dando vueltas todo el verano y que cuando salga disco, suene el segundo corte con un video. ¿Expectativas? Guille: Yo estoy re contento con la banda. Mis expectativas artísticas están colmadas. Tocar con Seba y con Fer, que me parecen dos músicos de la concha de la lora. Eso para mi ya es todo. Fer: Lo importante es terminar de
moldear este disco que nos gusta y lo que pase afuera hay que esperarlo. Seba: Hay que disfrutar el hoy. Estoy muy contento con lo que está pasando con la Grulla y espero que la gente lo reciba de esa manera. ¿Y cómo es reencontrarte con la gente? Seba: Hace un mes y medio que me armé un facebook para conectarme un poco con la gente. Hace un año que me guardé y no salí a dar ninguna nota porque necesitaba bajar un poco, estar tranquilo. Ahora me conecté con la civilización para empezar a reencontrarme con la gente y comunicar un poco lo que se estaba gestando y la respuesta que empecé a recibir realmente fue muy buena. Una cosa es el apoyo personal de la gente piojosa de hace 10 años hasta hoy y todas las cosas
¿Cómo definen su estilo? Guille: Hay una impronta de los ’90 y ’70, pero el sonido es actual. Pág. 17
que me dicen, y no paro de agradecer todos los días. Y que te sigan apoyando ahora con la Grulla debe ser fuerte… Seba: A nivel musical Los Piojos fueron los mejores 10 años de mi vida. Punto y a parte. Lo mejor que me pasó. Creo que para mí y creo que para mis compañeros también. Y que hoy en día a la gente le interese lo que estoy haciendo, me sobrepasa. Es como que los tipos apoyan a la persona, nos bancan en nuestros proyectos, hay como una necesidad de seguir apegados a la persona. Y ahora que escucharon lo que estoy haciendo, la gente flasheó. Les explico que soy esto hoy y que quizás siempre lo fui. Cuando entré a los piojos hace 10 años, entré aportando este estilo capaz. Lo que pasa que dentro de una banda de siete tipos,
cada uno de nosotros era muy diferente y eso hacía que Los Piojos fueran lo que fueron. Ahora teniendo un trío, compongo desde la batería y se hace más agresivamente. Tengo más espacio, más aire y eso se nota. Guille: Creo que se van a sorprender escuchando a Seba porque es un batero muy formado que por ahí en Piojos se lo veía tocando dentro de una estructura de siete músicos y acá se lo va a poder apreciar más en trío. Hoy cuentan con el apoyo de la gente que seguía a Los piojos, quizás el desafío sea renovar ese apoyo en esta nueva etapa… Fer: Es un desafío, ni hablar. Pero nosotros somos legítimos con lo que hacemos y la verdad es que tratamos de hacer lo mejor posible. De ahí en
adelante, uno no puede contener las expectativas de los demás. Seba: No puedo negar que hay un piso de gente por haber estado 10 años en Piojos, que hay un interés por ver lo que cada uno de nosotros está haciendo individualmente. Si ese piso se mantiene y les gusta, mejor. Si con mi banda puedo mostrar una diferencia y que el que es piojoso empiece a parar las orejas para otro lado, está buenísimo porque quizás si no fuese yo no le darían tanta bola. Y hoy está pasando eso.
Hip Hop made in Argentina Tiene 23 años y aprendió a rimar sentado en el cordón de su barrio. Aunque su primer acercamiento con la cultura del hip-hop vino de la mano del skate -“muy rapero por entonces” - que le regalaron a los 10 años. Con letras simples que invitan a la reflexión, Emanero ha logrado desarrollar una puesta hip-hopera cuanto menos sugerente y para muchos ya es la promesa del género. “Arjé” es su segundo material discográfico y su corte de difusión “Más tenemos, más queremos” suena en la cortina musical del programa que conduce la Negra Vernaci por la Rock & Pop. Este disco contó con participaciones especiales de artistas nacionales e internacionales como Piro de Karamelo Santo y la cantante y rapera brasilera Nega Gizza en el tema “Lluvia Poética”, y Celeste Bono con quién realizó el tema “Nada es lo mismo”. ¿En qué se diferencia de tu primer trabajo “Bienvenidos a mi mundo”? Las letras son más elaboradas y la música, más trabajada. La metodología de composición no la cambié: sigo siendo yo en mi cuarto escribiendo y haciendo música. La evolución más grande estuvo en nuevos conocimientos musicales y más experiencias vividas reflejadas en letras. Durante su composición usé diferentes matices para que cada canción sea una obra independiente y a su vez el disco entero tenga un concepto. ¿A qué apuntan tus letras? Mis letras apuntan a la reflexión. No quiero darle a la gente una ideología armada, sino que quiero las ridiculeces actuales para que ellos mismos se planteen un cambio. Me gusta contar sobre lo que veo, sobre lo que me va
sucediendo como artista cada día y sobre lo que me pasa como persona frente al mundo. ¿Cuáles son tus influencias? Al principio conocí lo que sonaba en MTV que eran todas bandas estadounidenses. Después me influenció mucho el rap chileno en mis comienzos -bandas como Tiro de Gracia fueron de lo primero que escuché en castellano-. Después conocí otras bandas latinas como: Cartel de Santa (México) y Orishas (Cuba) y por último llegué al rap español que se convirtió en uno de mis favoritos hoy en día por su gran evolución. ¿Cómo es tu estilo de rap? Simple y entendible. Trato de no ser agresivo si no hace falta y de decir las cosas de la manera más sintética posible para el que mensaje sea claro y la gente se quede con algo en la cabeza. ¿Cómo ves el estilo hip hop en la Argentina? ¿Hay mercado? Hay un montón de gente en la cultura y está habiendo cada día más y se nota mucho. Creo que el mercado no es una condición sino un resultado de lo que se haga, mientras se sigan sacando discos y mientras siga habiendo gente desarrollando los 4 elementos del hiphop el mercado se va a armar y vamos a poder vivir de lo que amamos.
Un año sin “La Negra” Hace un año, el 4 de octubre del 2009, el mundo quedaría en silencio y sentiría un vacio muy grande tras recibir la noticia de que “la negra” Mercedes Sosa había fallecido a los 74 años, luego de 13 días de internación debido a un problema hepático que le afectaba los riñones y los pulmones. En conmemoración del primer aniversario de su fallecimiento fue lanzado un disco con canciones en vivo durante su última gira por América y Europa y dos temas inéditos, al tiempo que se le realizaron homenajes en diferentes puntos del país. La cantante que fue un símbolo de la cultura popular argentina y de gran parte de Latinoamérica y famosa en el mundo entero. Compartió escenario con los artistas más grandes de la música como el tenor Luciano Pavarotti, Charly García, Joaquín Sabina, Gustavo Cerati y León Gieco, entre otros. Su mejor momento fue en la década de 1990 cuando fue consagrada como una de las mejores cantantes del mundo y comenzaron a llamarla «La Voz de América».
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