YIRA-YIRA YIRA-YIRA por por la la ciudad ciudad
Trabajando duro
Editorial
Soñar, proyectar, empezar, preguntar, pensar, imaginar, proponer, charlar, discutir, indagar, conocer, investigar, buscar información, dudar, confirmar, arrepentirse y confirmar nuevamente, emocionarse, apasionarse, deprimirse, apurarse, entrevistar, disfrutar, ser veraz, realizar coberturas, sacar fotos, desgrabar, redactar, leer, releer, dudar otra vez, enojarse, reír, llorar, diagramar, diseñar, correr, caminar, buscar publicidad, invertir, terminar, imprimirla, ir a buscarla, repartirla y empezar otra vez. Yira Yira por la ciudad “Un producto independiente al alcance de tus manos”. La Dirección
Yira-Yira
por la Año 1 - Nro 5 - Julio de 2010 Distribución gratuita
ciudad
Dirección: Florencia Mancedo Leonel Tueso Fotografía: Diego Patrón Cristian Scotellaro. Natalia Soubielle Diseño Web: Marco Antonio Villán para www.yirayiraporlaciudad.com.ar Colaboración: Luciana Villegas José Luis Tueso Producción Publicitaria: Analía Lanfranco Juan Patrón María Virginia Tueso Contactos: Florencia Mancedo: (011) 15-3819-6522 Leonel Tueso: (011) 15-5493-1277 prensa@yirayiraporla ciudad.com.ar Agradecemos a todos los que hicieron posible que este sueño se trasforme en realidad, ustedes son parte de nosotros.
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Por la ciudad
El El tap tap del del under under Fotos: Daiana Valencia
Chakatá deleita con sensualidad, detalle, alboroto y diversión en cada encuentro de las Tap Sessions 2010. El ciclo de improvisación se realiza los terceros viernes de cada mes en el pub porteño Buenos Aires Club (ex Arlequines, Perú 571, San Telmo). ¿Un recital? ¿Un espectáculo de baile? Chakatá, compañía argentina de tap, ideó las llamadas tap sessions, algo así como “una jam, pero de tap”, según explicaban en sus primeras convocatorias. Es el tercer año consecutivo de este rito artístico que integra música y danza en un mismo lugar, y permite al espectador convertirse en un artista más. El menú para el viernes a la noche es siempre tentador: una pizca de teatro, una buena parte de música, generosas dosis de humor y, como siempre, el zapateo como plato principal.
Chakatá, compañía de tap integrada por las bailarinas Bárbara Gurevich, Rosario “Pocho” Ruete, Luciana Castro Sampayo y Micaela Pierani Mendez, cumple la promesa de hacer un show único en cada sesión con una variedad de ingredientes que no deja desperdicio. Con la banda estable que las acompaña en las Tap Sessions dirigida por Esteban Freytes, la música recorre desde melodías circenses, pasando por el clásico jazz, funk y se atreve al folclore,
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que irrumpe en el escenario tal como se acostumbraba en los primeros circos criollos donde no podía faltar lo gauchesco. Para el momento del folclore, las bailarinas se cuelgan las boleas en la cintura y eligen minifaldas de jean y chalequito azul para desplegarse en el escenario al compás de canciones folclóricas y jazzeras en la dulce y enérgica voz de Micaela. Ya contaron con la presencia de Potro Ballet, la compañía dirigida por Juan Javier Gardella que fue revelación en Cosquín 2009 y recorre el mundo difundiendo el malambo y el flamenco. Los ocho zapateadores de melena salvaje y mirada intensa hicieron vibrar la pista y estremecieron al público femenino. Además, para el deleite de hombres y mujeres, las Chakatá se atrevieron a una ¿payada? con cuatro de los “potros” en el escenario. Provocaciones y respuestas en el lenguaje de los zapatos y las botas. Como si esto fuera poco, las Chakatá le dieron espacio a clowns y músicos “Cualquiera” para agregar humor al show. Hasta ellas se animaron a intervenciones más teatrales y a jugar en clave de narices coloridas con invitados y demás improvisadores.
El tap se renueva de los pies de Chakatá Esta danza, en su origen norteamericano, surgió de los ritmos que hacían los esclavos negros después de la jornada de trabajo, ya que les prohibían tocar sus instrumentos de percusión para sus ceremonias religiosas. A mediados del siglo XIX, se trasladó a la comedia musical con exponentes como Fred Astaire y Ginger Rodgers, entre otros. En la escena local, entre palmas, chasquidos de dedos, instrumentos, cantos y fusión, las Chakatá ofrecen un espectáculo diferente y único en cada session. Los encuentros son los viernes, a la misma hora y en mismo lugar (00.30 en Buenos Aires Club). A ensayar músicos, bailarines y cirqueros… que, dicen por ahí, nos espera una noche de payasadas y disparates.
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200 años de humor gráfico
A ciegas con luz: otra manera de ver
Se inauguró la muestra “200 años de humor gráfico” que se podrá disfrutar hasta el 1 de agosto en el Museo de la Ciudad, Defensa 233. Los interesados en visitarla, podrán hacerlo de lunes a domingos y feriados de 11 a 20, con una entrada general de $1. La muestra es organizada por El Museo de la Ciudad y el Museo del Dibujo y la Ilustración, y reúne un importante número de ilustraciones humorísticas publicadas en diarios y revistas nacionales a lo largo de la historia. La crítica política, la actualidad del deporte, los acontecimientos diarios y todo aquello que ocupó un lugar en los titulares de los medios gráficos a lo largo de estos 200 años, se podrán apreciar a través de la mirada satírica de humoristas de la talla de Demócrito, Heráclito, Henri Stein, Aurelio Giménez, José María Cao y Mario Zavattaro, entre otros. Parte de la muestra está dedicada a las revistas del siglo XIX, como El Mosquito, Caras y Caretas o Fray Mocho, que reflejaron casi sin piedad, pero con un rigor y una síntesis admirable, la vida política y los personajes que en ella actuaban. También están presentes los grabados de César H. Bacle con las imágenes de una lejana Buenos Aires poblada de señoras tocadas por enormes peinetones que impiden la visión en el teatro o dificultan el paso de los sufridos peatones sean los que mas rápido nos lleguen a la memoria.
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Tel (11)5353-3007 http: www.centrovels.com.ar
El Centro Argentino de Teatro Ciego presenta “Luces de Libertad” de Martín Bondone, la nueva puesta en escena que luego de “La isla desierta” volverá a sorprender al público en un ambiente que pone en jaque la concepción clásica del teatro. Dirigida por Omar Fanucchi, la obra se ubica en el Buenos Aires de 1810 y hace hincapié en la libertad y la utopía de la igualdad. Una forma de revivir la historia argentina a través de los sentidos. Como es característico del Teatro Ciego, el olfato, los sonidos, las sensaciones y las palabras son los protagonistas. Así el espectador se encuentra en una sala totalmente oscura y se dispone a captar las fuentes de sonido -voces, instrumentos, objetos, elementos- y a percibir aromas que lo transportan a distintos ámbitos en los que la imaginación se potencia al máximo. Con motivo del bicentenario, la obra se centra en el Buenos Aires de mayo de 1810, donde la lucha por la independencia y la libertad van a ser el eje temático. El elenco está compuesto por estudiantes de la escuela, en su mayoría ciegos. “Luces de Libertad” está planeada desde la oscuridad, permitiendo que tanto los actores como el público, ciegos y videntes, encuentren igualdad. De este modo, la experiencia de la oscuridad pasa por meter al espectador en un mundo sin luz. Sin escenario ni referencias. Y, desde ahí, desarrollar -en base a la voz, a los sonidos, a los perfumes- una obra que es única para cada espectador. Una puesta oscura que provoca a los sentidos y que permite descubrir otra manera de ver. Más información al (011) 5533-5533 o ingresando a www.tuentrada.com.
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YIRA YIRA YIRA Asomando
Desde el under escalan posiciones En esta oportunidad los invitamos a conocer cuatro bandas que poco a poco se proponen instalar en el ambiente local. Dando sus primeros pasos, traen novedad y aire fresco al mundo de la música. Estas propuestas nacen de músicos con ganas de hacer rotar su música que nos acercan su material para que llegue a tus oídos.
Gauchos Rabiosos
Es una banda clásica de rock que nace en el año 2002, luego de la disolución de Hermes. Sus virtudes son un sonido demoledor y un show de alto impacto que les abre camino en el circuito local, incluso compartieron escenario con La 25, Intoxicados y Las Pelotas, entre muchas otras bandas. Su primer CD, «La Guitarra no se Mancha» -título que parafrasea la famosa frase de Diego Armando Maradona- fue producido por Juanse (Ratones Paranoicos), con Adrián Otero y Ricardo Mollo (Divididos) y tuvo como invitados a La chiringa. Ofrece una variada propuesta musical que va del rock and roll furioso a hermosas canciones, además de incluir dos grandes versiones: Necesito tu amor (Charly García) y Mañana en el Abasto (Sumo -en la que participa Mollo-). Sitio Oficial: www.gauchosrabiosos.com
The Koalas
Desde la ciudad de Rosario, provincia de Santa Fe, empieza a expandirse el sonido de The Koalas a mediados de 2007, como un proyecto serio que une a músicos de diversas bandas. Este grupo se caracteriza básicamente por fusionar estilos como el ska, el punk y el reggae, encontrando en el uso de los ritmos un frenético ida y vuelta entre temas de carácter alegre y otros de tintes más sociales. A esto hay que sumarle sin duda una puesta en escena muy interesante donde los integrantes plantean una postal de la cual salen y entran constantemente, causando un gran impacto audiovisual. A comienzos de 2009, ‘Pipi’ el vocalista de la banda anunció su decisión de alejarse del proyecto, «por cuestiones personales». Koalas continuó adelante y en julio de ese mismo año editó su disco debut, de libre descarga a través de su página web. Sitio Oficial: www.the-koalas.com.ar
Los Albertos
Por medios de avisos clasificados en segundamano es que se forma este grupo que debe su nombre al gran Alberto Olmedo, indiscutido capocómico argentino, admirado por su espontaneidad e histrionismo. Al tiempo toman la dedición de ingresar a estudios y graban un primer simple de 3 temas, «Beat & Roll», considerado génesis del que sería el primer disco oficial del grupo. «No confundas», su primer trabajo, consta de 10 canciones, incluidas la que da nombre al disco y «Escúchame», entre las principales. Actualmente acaban de finalizar su segundo álbum, «Vamos por más», con 12 canciones de variados estilos (como es habitual en la banda), como «Country», «Balada», «Bolero», «Psicodelia», y por supuesto, «Beat y Rock and Roll». Según la banda este será un año de «volumen alto» en el cual sonarán por todos lados. www.losalbertos.com.ar
MATT
Este es el nombre del nuevo proyecto solista de Matías Salvador, quien luego de casi diez años en las rutas de la música y del rock -y habiendo pasado por diferentes bandas como Refugiados del Destino, Lascivia, 26 Cartel Rojo y Exilia2-, decide que el 2009 sea el año para poner en marcha un proyecto totalmente suyo. Este artista fusiona sus composiciones y melodías con el rock and roll y esto se deja traslucir en su primer disco titulado «Complejamente yo», que posee doce canciones donde se pueden observar influencias musicales de AC-DC, Deep Purple, Jimmy Hendrix y Led Zeppelín entre otros, pero que a su vez denota en sus letras muchas influencias del ámbito local como La Renga y Divididos. Actualmente está presentando su primer disco por diferentes escenarios de capital y Gran Buenos Aires con muy buena repercusión tanto en los medios como en la gente que lo ve en vivo. Sitio Oficial: www.rockdematt.com.ar
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El El ‘Gran ‘Gran Salmón’ Salmón’ en en el el Luna Luna res noches le bastaron a Andrés Calamaro para que su ultimo disco “On The rock” explotara en el mítico ‘Palacio de los Deportes’. La nueva obra fue presentada los días 11, 12 y 14 de Junio en el Luna Park con entradas agotadas. Desde sus inicios con la banda Los Abuelos de la Nada hasta la actualidad, que cerró su serie de shows, Andrés Calamaro recorrió un largo y fructífero camino que lo llevó a ser uno de los artistas más reconocidos en la escena local. La mítica banda de Miguel Abuelo, Los Rodríguez, y sus últimos trabajos como solista demuestran una vez más la calidad artística de este exponente del rock nacional. El «Salmón» despidió sus shows en la capital porteña en medio de un estadio fervoroso, repleto en su mayoría por público joven. El tema que dio comienzo a la gran velada fue «Los divinos», primer corte de difusión de su última obra «On the rock». Así, la noche fue tomando un clima festivo y la gente no paraba un segundo de demostrar el gran amor por el cantante. El recital fue muy para arriba. No hubo ni un solo segundo de descanso para un Andrés Calamaro que no paraba de dedicarles éxitos a sus fans. Además de repasar su último trabajo, el artista recorrió grandes éxitos de sus discos anteriores como «Mi rock perdido», «El salmón», «Carnaval de Brasil», «Revolución turra», «Nunca es igual» y «Más duele».También hubo lugar para covers de éxitos internacionales como «Get Up Stand Up» de Bob Marley, «Walking on the moon» de The Police. Más cerca del Río de la Plata, el autor también le dio paso al intérprete con el tango «Volver».
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Entrevista: Las Pastillas del Abuelo
“Nuestro crecimiento fue intenso y vertiginoso” Fotos Cristian Pirovano
Después de llenar dos Luna Park a principio de año, la banda prepara el lanzamiento de un disco acústico grabado en el programa Cuál es? (Rock&Pop). Será de edición limitada con el arte de Yo No Fui, una asociación civil que trabaja en proyectos artísticos y culturales con las internas del penal de Ezeiza. Para el cuarto trabajo de estudio, la familia pastillera tendrá que esperar un poco más. Según Piti Fernández (voz), el año que viene sale el nuevo disco que se promete como continuidad de la obra conceptual que empezó con “Crisis” (2008), último material que encuentra en la duda existencial un motor de transición y que significó una bisagra en la historia de un grupo que tiene cuerda para rato. Intenso y vertiginoso. Así fue el desembarco de Las Pastillas del Abuelo en la escena del rock nacional. Sin embargo, lejos de quedarse en la fugacidad del Sensei que los hizo explotar, la banda de Caballito supo asegurar el anclaje con letras que cuentan historias mínimas y un mosaico rítmico que sin perder el rock como base se fusiona con otros estilos como el reggae, el candombe, la chacarera y el country.
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Frente a una realidad que los instala en la tradición del rock local, atrás parecen haber quedado las pintadas en la calle y el under. En medio de la gira pastillera que recorre las rutas argentinas, Piti charló con Yira Yira a horas de cruzar el charco para presentarse en Montevideo. ¿Qué se siente tocar en un lugar tan emblemático como el Luna? ¿Cómo fue la experiencia? Es increíble, retumba como en ningún
otro lugar. Es impresionante en ese sentido: a nivel auditivo, te mata. Después, pasaron cosas muy locas. Como que bajé del escenario, me puse a caminar por Corrientes y parecía el abogado del diablo, no había un alma. Habíamos tocado veinte minutos atrás. Eso tiene Buenos Aires y el Luna Park: un chispazo de violencia intenso y fugaz También el llanto, es hermoso poder llorar así de alegría.
¿Sienten que les queda chico? No. Nosotros vamos eligiendo lugares tratando de que no quede ningún hueco, pero también intentando que sea justo. En un momento, cuando hicimos el primer Luna Park, nos decían que hiciéramos dos. Decidimos hacer uno solo. En estos dos, nos dijeron de hacer cuatro; e hicimos dos. Mucha gente. La idea es mantener la relación lugar-gente de la manera más equilibrada posible. ¿Creen que como músicos tienen cierta responsabilidad social? En el Luna subieron dos personas a hablar sobre la minería a cielo abierto y sobre la juventud y la reinserción social, ¿es una forma de asumir ese rol? La responsabilidad es enorme. A mi público le digo, siempre que puedo, que me ayuden con este tema en el sentido de que yo soy responsable de decir lo que digo, pero que ellos se sepan responsables de escuchar lo que escuchan. Que no siempre es lo mismo. Que sean responsables de su escucha y que sean libres de elegir. Pero la responsabilidad que asumo la siento grande y hermosa. De todas formas, la responsabilidad social está en el ser humano, más allá de nosotros como músicos. Todos deberíamos tenerla desde nuestros lugares. ¿Por qué creen que cada vez los sigue más gente? Puede tener que ver la difusión radial, pero también creo que paralelamente sigue habiendo un boca a boca copado de lo que se siente en los recitales, la energía y la gente que no termina de gritar nunca. Hay un poco de boca en boca y algo de difusión radial que ayuda, e internet también. ¿Qué pasó desde que entraron al mundo del rock hasta el éxito de El Sensei por internet? ¿Tuvieron miedo
a los prejuicios o a quedar pegados en ese tema y no poder moverse de ahí? La verdad que, como dice un compañero, nuestro comienzo fue paulatino, se dio todo como un proceso. Y sí, pasa que tenés miedo de eso, como todo. Pero a través de Internet nuestro crecimiento fue intenso y vertiginoso. ¿En qué momento se encuentra la banda? ¿Sienten que están entrando a las grandes ligas? ¿Piensan que dejaron el under? La verdad, sí. Hay mucha gente que escucha a las Pastillas, pero no somos la banda más escuchada. No sé a qué llamarle “grandes ligas”. Lo bueno que te puedo decir es que tenemos mucho laburo. ¿Temen que la masividad y el éxito comercial les jueguen en contra como les pasó a grandes bandas? Algún temor siempre hay de no poder manejar lo masivo. Se te pueden subir los humos a la cabeza. Pero el temor a eso sirve para estar alerta cuando suceda. ¿Cómo se maneja el ego en esta carrera, cómo se mantienen los pies sobra le tierra? Ojalá yo los tuviera. Ni idea, pero supongo que como en todas las carreras: con gente que te quiere, con la familia cerca, con amigos que te dicen la verdad y con gente de buena leche al lado. Hace poco grabaron un acústico en “Cuál Es?”, ¿cómo fue la experiencia? Fue muy interesante, todo el material técnico fue insuperable. El salón de grabación, la sala. Todo el packaging es artesanal, a mano, lo hacen las chicas de Yo No Fui. Va a salir próximamente pero creo que igual ya está dando vueltas.
¿Para cuándo el nuevo disco de estudio? Para el año que viene seguro. No lo queremos estirar mucho más. También queremos que sea lo más conceptual posible, que sea una obra. Dándonos un tiempo para producir el material que seguramente va a salir a principios de año. ¿Sobre qué conceptos? La obra conceptual de Pastillas del Abuelo empezó en “Crisis”. Pero como no está todavía terminado, nunca se sabe. Éste disco es justo para que cierre mejor. Mismo las canciones de “Crisis” no tenían nombre hasta un mes antes de que saliera el disco. ¿Próximos proyectos? El disco acústico y después el próximo que está en mi cabeza todos los días.
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Entrevista: La Vela Puerca
Con las tripas en la mano Recién llegados de Europa y a punto de encarar la gira por Argentina, la banda uruguaya presenta «Normalmente anormal», una compilación de un disco en directo -grabado durante los conciertos del estadio Ferrocarril Oeste en Buenos Aires (2007) y en el Teatro de Verano de Montevideo (2008)-, un DVD documental -que recorre sus 15 años de trayectoria- y un EP con contenido extra inédito. El sábado 17 de julio se presentan en el Estadio Malvinas Argentinas en el marco de una gira por el país que se extenderá durante un mes y medio. Atentos en todos los rincones porque habrá paradas en Córdoba, Tucumán, Salta, Neuquén, Trelew y Rosario, entre otros destinos. Hay historias que parecen de novela. La de La Vela Puerca cier tamente se ajustaría a los cánones del género: jóvenes músicos uruguayos que encontraban en las zapadas en la calle una forma de pasar el tiempo. Fueron cultivando sueños en un garage hasta que escucharon del concurso Generación 96
y por qué no, probaron suerte. Salieron en la tele y grabaron su primer CD. Un día decidieron cruzar el charco y trajeron su música a la Argentina. Siguieron abriendo rutas y llegaron a Europa. Hoy suman 15 años de trayectoria y las mismas ganas de siempre. Como toda pequeña gran historia, aunque
el azar siempre intervenga, no sucede porque sí. Siempre están sus protagonistas que con mayor o menor atino mueven las fichas en el tablero. Se trata de saber identificar cada momento. También hay algo de intuición y de sangre en el proceso. Y quizás aquí radique el secreto: las historias normalmente anormales sólo se construyen con las tripas en la mano. Con la producción de Agustín Ferrando «Normalmente Anormal» hace más que recopilar momentos, cicatrices y kilómetros recorridos de un grupo que supo hacerse desde las entrañas. «Es la historia de nuestras vidas» , resume Sebastián «Cebolla» Cabreiro (voz) en una charla con Yira Yira por la ciudad antes de la llegada al país de la banda que completan Sebastián «Enano» Teysera (voz), Nicolás Lieutier (bajo), Rafael Di Bello (guitarra), Alejandro Piccone (trompeta), José «Pepe» Canedo (batería), Santiago Butler (guitarra) y Carlos Quijano (saxo). Vuelven de una gira europea, ¿cómo los tratan allá? La verdad es que este es el séptimo año
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que estamos por Europa. Allá por el 2003, cuando empezamos con esto, nos habíamos creado el prejuicio estúpido de pensar que los alemanes iban a ser de tal manera. Pero encontramos una movida muy grande, gente muy abierta y dispuesta a la cultura hispano parlante. Entienden la idiosincrasia, les gusta nuestra cultura y nos fuimos dando cuenta que no se trataba de un mundo desconocido sino que es un circuito acostumbrado a bandas en español. Nos dieron vuelta la historia de un sopapo. Como que hay un código universal del lenguaje de la música que hace que se pueda llegar a gente quizás con otra cabeza… Exactamente. El lenguaje de la música puede con todas las barreras. En la primera gira tocamos en Alemania para 36 personas y hoy llegamos a las 500. Ahora nos encontramos con un público que nos sigue, que sabe las letras. La verdad es que fuimos con un prejuicio realmente estúpido y nos encontramos con gente con la mente totalmente abierta y con unos valores increíbles. Nos sentimos muy mimados allá. ¿Qué esperan de la gira por Argentina? ¿Qué se va a encontrar la gente que los vaya a ver? Hacemos lo que hacemos siempre. Tratamos de tocar en vivo las canciones que componemos desde el primer día. Hacemos la misma música. Vamos a estar presentando Normalmente Anormal. El show va a ser como todos los de la Vela, tocando una recopilación de todos los discos y tratamos de dejar algo en el corazón de la gente. ¿Qué tiene de distinto «Normalmente Anormal»? Es la primera vez que sacamos un DVD. Ahí la Vela muestra lo que hace, los shows, la cocina, donde se gestó la banda y la nueva etapa. Además tiene un disco en vivo, que es la primera vez que grabamos algo así y tiene cinco temas nuevos -cuatro viejos, pero versionados, que nunca habían sido editados y uno nuevo-. Refleja esta etapa que estamos pasando y cada disco que hemos grabado
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da cuenta de los momentos vivido. Después de 15 años sentimos que era el momento. Marca un punto de terminación y un punto de principio nuevamente. Ahora estamos componiendo nuevas canciones para un nuevo disco y estamos intentando darle el perfil que está sintiendo la banda hoy en día. Reflejar en tres discos los 15 años de trayectoria… Fue muy loco. Es la historia de nuestras vidas. Fue algo tan inconsciente que resultó difícil asumir lo que estábamos viviendo. ¿Qué cosas cambiaron en la banda desde que arrancaron? ¿Qué cosas quedan de ese espíritu de las zapadas en la calle? Seguimos teniendo todo lo que es el vivo que es lo que más nos representa. Creo que lo que se ve de nosotros y lo que queremos mostrar son las canciones. La gente que nos sigue se lleva una banda que trata de dejar todo, que trata de cantar las canciones con las tripas en la mano y con mucha sangre. Y eso es lo que nos mantiene vivos y por supuesto, esperemos que no cambie. ¿Por qué «Normalmente Anormal»? Justamente lo que nos pasó en Uruguay era como imposible. Generalmente no pasa lo que nos sucedió a nosotros. Eso ya estaba en un tema de la Vela, en Escobas. Y fue como anillo al dedo. La nuestra es una historia normalmente anormal.
Y en esa anormalidad, era normal que un día decidieran «cruzar el charco» con la certeza de que era la única forma de sobrevivir. No sólo lo lograron sino que además se instalaron en el ámbito local, abrieron rutas hacia Europa y, sobre todo, dieron un gran impulso al rock uruguayo.
cuenta de que teníamos que hacer el chequeo saliendo para afuera y que la única manera de salir si no te llaman es comprándote el pasaje y estar en el primer lugar donde se escuchan los parlantes. Esa es la actitud de la Vela Puerca. Nos mandamos un día para Buenos Aires con cuatro discos y una carpeta. Fui personalmente a buscar recitales y ahí conseguimos nuestra primera fecha en el Salón Pueyrredón, hace 10 años. Además de ser el primer lugar que nos abrió la puerta hoy en día es el bar amigo. Haber salido es lo que nos permitió seguir viviendo y seguir abriendo rutas, que es lo que estamos haciendo ahora. ¿Cual puede ser el desencadenante inicial de este gran impulso que recibió hace algunos años el rock uruguayo? En realidad siempre hubo movida, lo que pasa es que siempre crecimos a la sombra de Brasil y de Argentina. En su momento nosotros tomamos la decisión de pagarnos el pasaje y cruzar el charco. Como banda tuvimos la inquietud de movernos de Uruguay porque sabíamos
¿Cómo fue abrirse camino en la Argentina? ¿Encontraron más público para el rock acá que en Uruguay? Nosotros en un momento, cuando ya éramos de alguna manera conocidos en Uruguay y tocábamos en el festival de rock más importante del país, nos dimos
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El Palomar
Profesor Sergio Tueso 4621-8086 Pág. 11
Entrevista: La Vela Puerca que no íbamos a sobrevivir y acá a la gente le picó la curiosidad de ver a un grupo que tenía un montón de cosas para decir. Sabíamos que con esto le abríamos la puerta a un montón de bandas que ya la venían luchando y a otras que recién empezaban. Y en Argentina también se dio por entonces que el cantinero de bandas dejó de producir tanta música y empezaron a mirar al otro lado del charco y se dieron cuenta de que había un montón de cosas para ver y para escuchar. Y eso también llevó a que el rock uruguayo sea lo que es hoy. ¿Piensan que pueden llegar a ocupar el espacio que dejaron grandes bandas referentes del rock argentino como Los Piojos y la Bersuit? Sí. Siempre hay alguien que reemplaza a otro y siempre hay alguno mejor que otro. Por suerte en las bandas pasa lo mismo que en la selecciones de fútbol que; se fue Maradona y ahora está Messi. Nadie es para siempre y está bueno que así sea. Las bandas tienen sus motivos para separarse o para juntarse y lo bueno es que haya otra banda que venga, que se lo tome en serio y que siga tirando del gran carro del rock.
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Lanzamientos
Lanzamientos La Mancha de Rolando
Las manos de Filippi “Los Métodos piqueteros” es el nombre que da vida al último trabajo de las Manos de Filippi, un material que con temas reversionados sigue apostando a la protesta social con humor como marca de identidad independiente. Fieles a su estilo, esta banda contestataria con más de 25 años de carrera, lanza este CD que incluye trece canciones de sus temas más conocidos con toda la música que supieron cosechar durante más de dos décadas de trabajo.
Gatillazo “Sex Pastels” es el tercer y último trabajo de esta banda española que contiene 15 temas. Este material cuenta además con un DVD con 32 canciones grabadas en vivo en la sala de ensayo don de repasan toda su carrera, ade más de una en trevista, varias fotos y el video clip del tema «Nº1 en USA», del reciente disco, editado en nuestro país.
“Caballo Loco” es el compilado de la banda nacida en el sur del Gran Buenos Aires. La Mancha presenta este disco con los mejores temas de su trayecto
Ciro y Los Persas
ria remasterizados, mientras su nuevo trabajo está en proceso de grabación. «Caballo Loco» se encuentra a la venta en todas las disquerías del país.
No Te Va Gustar La banda uruguaya no se detiene. Luego de girar por todos lados durante más de un a ñ o , empezaron a darle forma a su nuevo disco que se llamará “Por lo menos hoy”. NTVG lanzó un comunicado en el que anuncian que hace un mes arrancó la grabación de su sexto trabajo de estudio, con Juanchi Baleirón como productor. La idea es que salga a principios de septiembre, en simultáneo en Uruguay, Argentina, México, España y EE.UU.
Confirmada la fecha de lanzamiento del primer disco solista del ex líder piojoso Andrés Ciro Martínez, quien a través de una red social anunció que el 20 de julio estará en las bateas “Espejos”. Contará con catorce temas y la presentación oficial será el 14 de agosto en la ciudad de Córdoba, en el estadio Orfeo. Las entradas ya están a la venta en los distintos puntos del país.
El Negro García López El exquisito guitarrista presenta su disco titulado “Esta vez invita el negro” el jueves 15 de julio en el ND Ateneo. Este músico tocó con consagradas figuras a nivel nacional e internacional como Charly García y Joaquín Sabina, entre otros. El disco fue producido por Jorge Rossi y Adrián «Burbuja» Pérez, ex integrantes de Intoxicados. Las bases de este material fueron grabadas en el estudio Circo Beat.
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Especial: Gustavo Cerati
Gracias totales «Sé, nunca falla, y el universo está a mi favor», se jactaba Cerati en Magia, canción de su último disco “Fuerza Natural”. Y algo de atino hay en esta frase. Hablamos de un tipo con un cuarto de siglo de grabaciones y giras, y de alguien que siempre se pensó global pero que responde al eco personal de un rock argentino clásico. Intrépido e innovador siempre supo ver más allá del pentagrama, desarrollando una solidez musical, una madurez lírica y una arrogancia escénica que lo consagraron como artista. Un hombre en permanente búsqueda que supo encontrarse como solista luego de integrar una de las bandas referentes del rock nacional.
El 16 de mayo, Gustavo Cerati, sufrió un accidente cerebrovas cular (ACV) luego de un show de promoción de su último material «Fuerza Natural» en Caracas, Venezuela. Según el último parte médico, Cerati presenta «un infarto extenso en el hemisferio cerebral izquierdo». Si bien la escasa información acerca de su estado de salud despertó todo tipo de rumores -incluso se llegó a asegurar que había muerto-, al cierre de esta edición, el ex Soda Stereo continuaba internado en terapia intensiva del Instituto FLENI de Buenos Aires en estado inconsciente, sin sedación farmacológica y con asistencia mecánica respiratoria. Mientras tanto sus miles de seguidores esperan que, una vez más, el universo esté a su favor.
de la música nacional de la época. Con una estética muy cuidada, Gustavo Cerati (voz y guitarra), Zeta Bosio (bajo) y Charly Alberti (batería) pronto se transformaron en esos chicos de los raros peinados nuevos que inunda ron la escena local -y la latinoamericana- con un sonido que combinaba la energía del punk-rock con las melodías del reggae y el ska, para ir volviéndose más pop con una fuerte y absorbida cultura del rock en el devenir de los discos.
Sueño Stereo
Es el primer álbum de estudio y marcó el debut de esta banda, que llegaría a ser una de las más populares de Latinoaméri ca. El álbum presenta un estilo soft-rock, que se enmarca dentro del pop-rock ochentoso.
Herederos de la new wave impulsada por bandas como The Police y Television, en 1982 nació Soda Stereo. Y no tardó en marcar un estilo propio que iba a convertirse en emblema Pág. 14
Discografía: Soda Stereo (1984)
Además muchas canciones muestran influencias postpunk y ska.
Nada personal (1985)
Vivíamos al palo, parecía que estábamos lejos del arte y sin embargo fue uno de nuestros discos más profundos, quizás porque no la estábamos pasando bien”, explicaba Cerati.
Ruido Blanco (1987)
Este álbum marcó una evolución de la banda hacia un estilo cada vez más propio, aunque manteniéndose aun en la línea del pop-rock de los años ’80.
Signos (1986)
Es un disco grabado en vivo en Argentina, Chile, Perú, México y Venezuela en una época en la que la banda se estaba dando a conocer a nivel latinoamericano.
Doble vida (1988)
Fue el primer disco del rock argentino producido en formato de compact disc (CD). Uno de los mejores álbumes de estudio de la banda: «Escribí todas las letras de un tirón.
Con un sonido más rockero y
psicodélico, es el cuarto álbum de estudio de la banda.
comunicado de prensa. Al día siguiente, el Suplemento Sí de Clarín publicó lo que sería La carta del adiós de Gustavo Cerati:
Languis (1989)
Zona de promesas (1993)
Es un EP que cuenta con una nueva versión de «Languis» (canción incluida en Doble vida) y un tema nuevo llamado «Mundo de quimeras», los que fueron editados junto a versiones remixadas de «En el borde» y «Lo que sangra (la cúpula)». Luego de editado el disco, Soda realizó dos presentaciones, con entradas agotadas, en The Palace de Los Ángeles, convirtiéndose en la primer banda de rock en español en presentar un espectáculo en territorio estadounidense.
Canción animal (1990)
Explora un sonido más crudo y rockero que los anteriores. Para muchos, el mejor disco de la banda. Sin lugar a dudas representó un emblema del rock nacional.
Rex Mix (1991)
Es un disco compilatorio que reúne versiones de temas entre 1984 y 1993. Incluye una canción nueva con el nombre del álbum.
Sueño Stereo (1995)
Último disco de estudio de la banda. Temas como «Paseando por Roma», «Zoom», y el primer corte de difusión «Ella usó mi cabeza como un revólver», se escucharon en las radios y motivaron el regreso de la banda a los escenarios porteños. Entre 1996 y 1997 editaron Confort y música para volar (disco en vivo grabado para los MTV Unplugged) y Chau Soda (álbum recopilatorio que reunía toda su trayectoria).
La carta del adiós
Tras batir el récord de 14 funciones agotadas en el teatro Gran Rex de la Ciudad de Buenos Aires, surge de estos shows el EP Rex Mix, con las mejores versiones en vivo de esas funciones, remixes y un tema nuevo: «No necesito verte (para saberlo)».
Dynamo (1992) Es el sexto disco de estudio de la banda donde se muestra un claro interés por explorar nuevos sonidos, con especial énfasis en la música electrónica.
Luego de “Sueño Stereo”, Soda entró en un silencio que sólo se vio interrumpido por las versiones no oficiales de su separación definitiva. Mientras tanto Gustavo conformó Plan V junto a tres músicos chilenos no profesionales (Andrés Bucci, Guillermo Ugarte y Christian Powditch). Este proyecto electrónico se plasmó en dos discos: «Plan V» (1996), de origen trasandino, y «Plan Black V Dog» (1998), que fue compartido con los ingleses Black Dog. El 1 de mayo de 1997, Soda Stereo anunció oficialmente su separación mediante un
“Estas líneas surgen de lo que he percibido estos días en la calle, en los fans que se me acercan, en la gente que me rodea, y en mi propia experiencia personal. Comparto la tristeza que genera en muchos la noticia de nuestra separación. Yo mismo estoy sumergido en ese estado porque pocas cosas han sido tan importantes en mi vida como Soda Stereo. Cualquiera sabe que es imposible llevar una banda sin cierto nivel de conflicto. Es un frágil equilibrio en la pugna de ideas que muy pocos consiguen mantener por quince años, como nosotros orgullosamente hicimos. Pero, últimamente, diferentes desentendimien tos personales y musicales comenzaron a comprome ter ese equilibrio. Ahí mismo se generan excusas para no enfrentarnos, excusas finalmente para un futuro grupal en que ya no creíamos como lo hacía mos en el pasado. Cortar por lo sano es, valga la red, hacer valer nuestra salud mental por sobre todo y también el respeto hacia todos nuestros fans que nos siguieron por tanto tiempo. Un fuerte abrazo.” Durante los meses de agosto y septiembre de ese año emprendieron una gira latinoamericana por México, Venezuela y Chile. La despedida oficial se realizó en Buenos Aires el 20 de septiembre en el Estadio de River Plate ante más de 70 mil personas. El registro de este show fue plasmado en El último concierto «A» y «B» (1997), dos discos editados a fin de ese año.
Fuerza Natural Luego de la separación del grupo, Gustavo alternó entre la composición de un nuevo álbum de canciones, la experimentación en el campo de la electrónica y la participación en el disco
homenaje latino a The Police «Outlandos D´Americas» (1998)- interpretando una versión de su autoría del tema «Bring on the Night» junto a Andy Summers (miembro original de The Police) y el reconocido baterista Vinnie Colaiuta. Además, antes de la edición de su primer trabajo solista, compuso un material electrónico a dúo con el músico Flavio Etcheto. Con el nombre de Ocio, editaron el disco «Medida Universal» (1999).
Etapa solista; Discografía Amor amarillo (1993)
“No estoy pensando en desarrollar una carrera solista, simplemente hice un disco solo”, se refería Cerati a Amor amarillo, un material hecho en plena etapa de fricción con Soda Stereo.
Bocanada (1999)
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Especial: Gustavo Cerati Significó el comienzo oficial de su carrera solista. Este material fue grabado parcialmente en los Abbey Road de Londres y contó con la participación de Flavio Etcheto en teclados, Leo García en coros y voz, Fernando Nalé en bajo y Martín Carrizo en batería. Para el tema «Verbo Carne» fue convocada una orquesta de 48 músicos.
Este año realiza la banda sonora de la película «+ Bien», una producción independiente de Eduardo Capilla -director de videos y realizador audiovisual.
11 episodios sinfónicos (2001)
«Crimen» y ganó el premio a la mejor canción rock en los Grammy Latinos.
Fuerza Natural (2009)
Siempre es hoy (2002)
Una placa que tiene más groove y hip hop en lo rítmico, así cómo más pop en lo melódico. Según Cerati: “Un disco más confesional, directo y descarnado”. Lanzado en formato CD y cassette, fue disco de oro en Argentina. Luego de su edición, en 2003 y 2004 presentó «Reversiones: Siempre es Hoy», un compilado que propone versiones remixadas por distintos artistas sobre los temas del disco «Siempre es Hoy».
+ bien (2001)
Es un disco en vivo grabado en el Teatro Avenida de Buenos Aires, en agosto de 2001. Siguiendo los pasos de otros artistas pop, Cerati reeditó 11 canciones suyas y de su banda Soda Stereo y les dio un giro sinfónico.
Es un álbum conceptual y el quinto en su etapa como solista. Se propone como una sucesión de historias rodeadas por la magia del folk, la vibración del pop, el poderío
Canciones elegidas 93-04 (2004)
del rock, la manipulación electrónica, el color de la psicodelia y la calidez de los sonidos acústicos. Fue certificado disco de oro en Argentina por vender más de 20 mil copias en su primera semana de lanzamiento.
Me verás volver Regreso de soda El 2007 trajo un regreso esperado tanto para las generaciones que crecieron con su música como para los que nunca habían tenido la oportunidad de verlos en vivo: volvía Soda Stereo. Se trató de un retorno histórico que los llevó a realizar 22 conciertos en nueve países: Argentina, Chile, Ecuador, México, Estados Unidos, Colombia, Panamá, Venezuela y Perú. Casi 1 millón de personas vivieron la gira.
Recopila temas de su carrera solista e incluye un DVD con todos los videoclips realizados hasta ese momento. Además, contó con el tema inédito «Tu locura», que fue la cortina del programa de TV «Locas de amor».
Ahí vamos (2006) Representa una vuelta a sus raíces, con una concepción y estructura sonora que parte de la guitarra. El primer sencillo del álbum fue
No publicitar es ceder espacio 15-3819-6522 (Florencia) 15-5493-1277 (Leonel) prensa@yirayiraporlaciudad.com.ar www.yirayiraporlaciudad.com.ar Pág.16
Encontranos en
Decadentes Irrompibles
Foto Diego Patrón
Los Auténticos Decadentes volvieron al Luna Park para presentar oficialmente “Irrompibles”, su último disco. Cucho Parisi (voz y teclados), Jorge Serrano (voz y guitarras) y compañía prometían una noche de fiesta y cumplieron a estadio lleno. Ni bien se apagaron las luces el piso empezó a vibrar y aparecieron globos, papel picado y hasta gorros de cotillón. Lookeados al mejor estilo cowboy, como en las fotos oficiales del nuevo material, festejaron los 24 años de la banda -aunque la bandera en el escenario decía 20- y recorrieron los clásicos de siempre como “Vení Raquel”, “La guitarra” y “Pendeviejo”. Como invitados estuvieron Joaquín Levinton y Pica Bosco de Sponsors, Dany Suárez y Cóndor Sbarbati de Bueyes, Los Super Ratones, Bebe Contepomi y Emanuel Horvilleur. La gran sorpresa fue escuchar la versión más reggae de “Besándote” junto a Mariano Castro, más conocido como Dread Mar I. Bailarines murgueros acompañaron “Tribus urbanas”, bailarinas clásicas vestidas de blanco interpretaron la pegajosa “Un osito de peluche” y hasta dos conejitas de Playboy subieron al escenario en “Los piratas”. Para finalizar la noche eligieron “Loco (tu forma de ser)” y se despidieron con “No puedo”, dejando al público con ganas de más.
Kanikama Jeans - Zufriategui 726 - Ituzaingó - Tel 4624-0666 Pág. 17
El disco en peligro de extinción Frente al avance de la tecnología y la desvalorización del disco como objeto, el arte independiente marca la diferencia con su packaging. Según CAPIF, organización que representa a la industria argentina de la música, por segundo año consecutivo las ventas de CDs y otros soportes bajaron un 15 %, luego de la recuperación que se había experimentado a partir de la crisis de 2001. Internet es la herramienta tecnológica más importante de los últimos veinte años. Con ella se pueden hacer infinitas cosas: mantener un diálogo con alguien que está en la otra punta del mundo, conocer virtualmente cientos de ciudades, descargar todo tipo de películas, trabajar desde un bar tomando un buen café y por qué no obtener con un solo click toda la discografía completa de las mejores bandas de la historia de la música como The Beatles y The Rolling Stone y guardarla simplemente en un pequeño archivo MP3. La actualidad muestra esta herramienta como un objeto del que dependen millones de personas ya que brinda la posibilidad de llegar a lugares impensados, pero también quita aspectos esenciales como interactuar frente a frente con otra gente, vivir realidades fuera del mundo virtual y poder tener entre manos el arte de un disco de música. En este punto, el disco no constituye simplemente un soporte de canciones sino, y sobre todo, encierra el trabajo de cientos de personas. Músicos, fotógrafos, dibujantes, diseñadores, repartidores y hasta el muchacho que envuelve el CD en celofán integran esta cadena de producción que se ve amenazada con el avance de la tecnología. Una vez más la funcionalidad de la máquina va en desmedro del trabajo artesanal. Hoy las ventas ilegales y las descargas de discos en internet son moneda corriente causando a las discográficas perdidas millonarias. La Federación Internacional de la Industria Fonográfica reveló un dato alarmante: estima que a nivel mundial, en el año 2016, la venta de música a través de Internet podría desplazar a todos los medios
físicos existentes de música digital. El estudio también arrojó su consejo para las compañías discográficas: los insta a pensar seriamente qué uso le darán a los discos de vinilo y a los CD´s dado que para entonces serán obsoletos y objetos de colección. Frente a semejante avance de la tecnología, ¿dónde queda el arte y el trabajo de los artistas? Con respecto al tema Rodrigo Manigot, cantante de “Ella es tan Cargosa” va más allá: “El hecho de que el objeto disco se ha dejado de vender implica que las discográficas ideen contratos mucho más chotos que en los años ‘90 y ni que hablar de los ‘80 y ’70. Entonces una discográfica a la hora de firmar un contrato se va a meter en tu difusión y hasta en el manejo de tu banda y, de acuerdo a tu fortaleza y a tu debilidad, vas a tener que negociar con el revolver de ellos en la mesa. Negarlo sería tonto”. Así no sólo se compromete laburo y arte sino también la independencia artística. Y es en este aspecto donde las bandas independientes -aquellas que no cuentan con el padrinazgo de una compañía discográfica- pueden marcar la diferencia. Si hay algo que llama la atención de estas bandas es el arte de sus discos, más allá de su música. Alucinantes y llamativos diseños que están a la altura de cualquier grupo de elite. Basta con observarlos a simple vista para notar el cuidado y la búsqueda de originalidad y de concepto que hay detrás de estos materiales. Y es que el arte no para de surgir y trata de sobrevivir en esos trabajos discográficos, con numerosas fotos, dibujos, amplia variedad de estuches y colores, conforman un packaging que vale la pena disfrutar. De eso se trata la cuestión, de hacerle frente a la tecnología con algo tangible que sea objeto de gusto, de colección y de disfrute, porque nada más lindo que tener tu librito, tu disco original y que el trabajo de tus ídolos esté al alcance de tus manos.
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