Ken Niimura
“Ken Niimura nos trae una recopilación de sus historias en la revista Ikki”
“Seconds”
Bryan Lee O’Malley
Ilustración Gráfica
Gary Frank Entrevista
Méliès Malika Favre es una ilustradora francesa, autora de imágenes inundadas de color que con mínimos detalles logra llegar al núcleo de la idea que quiere
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Ilustradores Promesa Pag. 3 Novelas Gráficas Pag.4 Ilustradores de Manga Pag.6 La Ilustración Pag.8 Entrevistas Pag.11 Mundos Descubiertos Pag.18
http://fc06.deviantart.net/fs70/i/2013/125/a/0/heroes_of_olympus_by_viria13-d646876.png https://sites.google.com/site/elblockdechuck/fan-art http://es.steven-universe.wikia.com/wiki/Rebecca_Sugar http://evc-wp01.s3.amazonaws.com/wordpress01.entravision.com/2014/09/Gary-Frank-confiesa-quedibujar-a-Batman-a-veces-le-eprime-su-a m%C3%B3sfera-me-invade.jpg Este es un ejercicio de clase, de la materia de Diseño Gráfico, UABC Yuliana Esparza Grupo 271
Ilustradores Promesa
Chiara Bautista Chiara Bautista, también conocida como Milk, es una artista mexicana de 32 años que vive y trabaja en Tucson, Arizona, USA, y que podemos apreciar y disfrutar de sus fantásticas ilustraciones que son una curiosa mezcla entre estilo oriental y latino, con trazos delicados y colores suaves impregnadas con un toque femenino envuelto en sufrimiento, religión, costumbres y drogas. Su obra posee una sensibilidad acusada que se ve envuelta en cierto fetichismo y sobre todo en dolorosas emociones. La poca información que se encuentra de la artista es debida a su escaso interés por la fama y el dinero, convirtiendo su trabajo en puro amor al arte. Una ilustradora originaria de Hermosillo que al parecer radica en Estados Unidos y trabaja como diseñadora editorial para el Arizona Daily Star.
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Novelas Graficas
“Seconds” Bryan Lee O’Malley El creador de Scott Pilgrim, se reinventa sin perder su esencia.
Bryan Lee O’Malley creó hace diez años y con su saga Scott Pilgrim (seis libros y una película) una extraña conjunción: asimilaba piezas (fichas, si quieren) pop vitales en nuestro crecimiento y cultura actual (la dinámica de los videojuegos), que hasta ese entonces eran referencias cool, para usarlas como perfectos y troyanos instantes de screwball en la era del emoticon. O’Malley usaba los modos del manga pero con ánimos de Woody Allen con remera de los Ramones; se notaba que había crecido fascinado por las caricaturas que lo rodeaban (modos hipster, fraseos, inmadurez, la idea de éxito, el amor en los tiempos de PS3). En su saga peregrina, O’Malley creó el primer clásico que le habla directo a una generación. Pero más allá de su capacidad de lograr identificación (o de usar la identificación caricaturesca como anzuelo),
creó con Scott Pilgrim la primera obra de la historieta del siglo XXI que quería, por sus temas y sus modos, ser popular (algo similar pero menos incisivo que la operación de Ben Stiller en Zoolander). Es decir, en sus mezclas, e incluso en sus torpezas, hay más de Howard Hawks que de cualquier artista de las historietas que le es contemporáneo: O’Malley busca reflejar un día a día palpable que sabe ser épico cuando lo necesita (piensen en Woody Allen burlando a Marshall McLuhan o sacando ese mechón del rostro de Mariel Hemingway en Manhattan: instantes que saben perfectamente qué buscan de su medio y sus sentimientos).
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O’Malley ha logrado, en tan solo un movimiento, sacudirse a Scott Pilgrim y crear una historieta que respira su energía, vibrante de miedos (internos y externos) y que sabe cómo transmitir su amor por sus personajes. Entonces, O’Malley enfrentaba un problema: ¿cómo seguir después de su Jesús personal, del personaje y la saga que dividió en dos su carrera, y que definió, por qué no, el indie en la historieta? Seconds es una gran respuesta. La historia es simple: Katie, chef con fama y proyectos, está esperando el final de su restaurante pero mientras tanto descubre una olla con hongos que le permiten modificar sus errores en el pasado. Incluso apelando al realismo mágico à la Belle & Sebastian, O’Malley desactiva la hipertensión de sus modos screwball y crea una fábula que lo muestra en su mejor momento como narrador. Si parte de los electrolitos de Scott Pilgrim venían de malvestirse intencionalmente de manga amateur, aquí viene por el lado de la forma en
que maneja los tiempos, en cómo delinea a los personajes que rozan lo humano sin perder lo Bugs Bunny, y en cómo trueca identificación por volumen de silencios y tensiones. O’Malley ha logrado, en tan solo un movimiento, sacudirse aScott Pilgrim y crear una historieta que respira su energía, vibrante de miedos (internos y externos) y que sabe cómo transmitir su amor por sus personajes.
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¨Historias en la revista Ikki de Shogakukan¨
Ken Niimura
El madrileño J. M. Ken Niimura nos trae una recopilación de sus historias en la revista Ikki de Shogakukan, con las que hemos disfrutado como niños.
Hace unos años Ken Niimura vino al Saló del Còmic de Barcelona y firmó en el stand de Norma Comics a la vez que alguien de mucho peso. No recuerdo si era Mignola, o Victoria Francés, o quién, pero era alguien de esos que tienen colas kilométricas. Lo que sí recuerdo es que yo fui a que me firmara Otras jaulas y un ejemplar de la revista Galaxia en el que había una ilustración suya. Él flipó al ver ese material, entre otras cosas por lo difícil de conseguir a esas alturas, pero yo recuerdo sentirme como el que consiguiera una dedicatoria de Spiegelman en los setenta. Ese
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Mientras leía este fin de semana Henshin he recordado esa sensación, y también el placer al leer Otras jaulas. Quizás sea porque, a diferencia de Soy un matagigantes, su anterior cómic, aquí vuelve a lo cotidiano y lo íntimo. Son historias cortas, autoconclusivas, todas estructuradas con un giro final, que son una demostración de su versatilidad.
J. M. Ken Niimura Henshin se podría traducir como «transformación», aunque normalmente va asociado a superhéroes o mutaciones de distinto tipo. En este caso, las transformaciones son las que se producen, o se pueden producir, por lo nimio y cotidiano de nuestra vida. Pequeñas circunstancias que nos cambian la vida, hechos intrascendentes que resultan tener una enorme trascendencia para
que nos cambian la vida, hechos intrascendentes que resultan tener una enorme trascendencia para nosotros. Para reforzar esa idea, Henshin incluye algunas historias protagonizadas por el propio Niimura, combinadas con otras de todo tipo. Es difícil decir nada sobre ellas sin caer en el spoiler debido a la estructura que decía antes con giro final inesperado, así que lo mejor será que lo leáis vosotros mismos. Quizás lo más destacable sea su aspecto gráfico, de una riqueza sorprendentey que contrasta con su aparente simplicidad de trazo. Frente a los fondos planos típicos del manga, Niimura sabe llenar las escenas de detalles que las vuelven ricas, pero, sobre todo, sabe hacerlo sólo cuando merece la pena, huyendo del barroquismo.
La consola, el interior de la cocina, el bichito en el armario… detalles que dan tridimensionalidad y realidad a la escena.
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La Ilustración
Ilustración Gráfica Para hablar de ilustración gráfica es necesario retomar la historia desde tiempos antiguos, pues esta no nació como la conocemos hoy día, sino que fue evolucionando según el contexto donde se realizaba, cumpliendo siempre distintas funciones. En la actualidad, se desenvuelve en un mundo de creación de imágenes, en el cual se fusionan dos factores primordiales: la información y la comunicación visual. Ahora bien, viendo todo desde atrás, podemos hablar que la caída de Roma fue gran pilar para combinar influencias de distintas culturas, dando origen al diseño de un rico y colorido vocabulario dentro de las artes y los oficios. Tanto los griegos y como los romanos diseñaron e ilustraron manuscritos, pero ninguno ha sobrevivido. Más adelante, durante la Edad Media, aproximadamente, los lenguajes regionales, las costumbres y las divisiones geográficas de Europa fueron reformándose y evolucionando. Factor importante fue la pérdida de la fe cristiana que se venía dando, y que, por medio de los escritos sagrados, se convirtió en el principal estímulo para la preservación de libros. Los llamados “libros iluminados”, en el sentido más estricto, son manuscritos adornados con oro o plata, realizados manualmente. Así, el empleo del decorado gráfico e ilustrativo se volvió sumamente importante y estos manuscritos se realizaban con extraordinario cuidado y sensibilidad de diseño. La producción era costosa y tomaba mucho tiempo; los colores se hacían a base de mezclas con distintos materiales y sustancias, tanto minerales, animales y vegetales.
La Ilustración
base de mezclas con distintos materiales y sustancias, tanto minerales, animales y vegetales. encia, y la fabulosa biblioteca de Alejandría, donde la tardía cultura egipcia se reunió con la naciente cultura clásica. En los fragmentos de rollos ilustrados que aún se conservan, la composición utiliza numerosas ilustraciones pequeñas, sencillas y frágiles, dibujadas en el texto. La frecuencia con que estas aparecen, crea una secuencia gráfica de movimiento, algo similar a los actuales dibujos animados. Además, la evolución de los estilos de escritura constituyó una búsqueda continua en la construcción de letras más sencillas y rápidas, así como en su facilidad de escribirlas. Con la invención del pergamino y del códice, y su creciente utilización, se fueron desarrollando nuevas posibilidades del diseño e ilustración.
Aportes importantes dieron los celtas con sus dibujos abstractos y complejos, donde integraban diseños ornamentales y geométricos lineales con densas texturas visuales, yuxtaponiendo colores puros y vivos. Los manuscritos se encuadernaban en páginas enteras, llenas de dibujos decorativos y algunas con marcos o bordes ornamentales para rodear retratos y otras ilustraciones. Con el transcurso de las décadas, se fueron incluyendo en los libros las grandes iniciales (capitulares), como muestra de la necesidad de integrar las letras iniciales con el resto del texto. Mezclaron también estas letras con dibujos de figuras y animales, y surgió así una fusión entre las letras, las ilustraciones (de página entera) y el diseño general de las páginas, conformándose así grandes libros realmente elaborados. Más adelante, durante el carolingio, y gracias a la incentiva de Carlomagno, se dio una renovación gráfica general, pues se fomentó la cultura y las artes. Con excepción de la tradición celta en la realización de modelos de dibujo, en la mayor parte de Europa el diseño de libros y su
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La Ilustración
iluminación se habían sumido hasta un profundo nivel de ineptitud. Las ilustraciones eran pobremente dibujadas y compuestas y la escritura era poco creativa e indisciplinada en las manos de escribas escasamente entrenados, sin embargo, se intentaba lograr uniformidad en la composición de las páginas, estilo de escritura y decoración. Pero el alfabeto se reformó exitosamente, como modelo se seleccionó la escritura común del período antiguo tardío, y se moldeó en un tipo de escritura ordenado y uniforme, llamado carolingio minúsculo (alfabeto precursor del alfabeto contemporáneo de caja baja). Conforme el tiempo, apareció en Europa un nuevo medio de comunicación visual: la impresión en bloques de madera, la cual duró tres décadas más, antes que aparecieran los tipos movibles en Occidente. La producción de manuscritos iluminados continuó durante el siglo XV y hasta las primeras décadas del siglo XVI, pero este arte que duró aproximadamente mil años, estaba condenado a la extinción por el advenimiento del libro tipográfico. Con la invención de la imprenta de Gutemberg, se dio un salto abismal para la producción de libros, en los cuales se integraron, de manera mucho más eficaz y factible, las ilustraciones que acompañaban los textos.
Entrevistas
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Entrevista
Gary Frank
– Comencemos con una clásica pregunta, ¿Cuándo comenzaste a leer cómics? ¿Qué cómics te gustaban en tu infancia? FavoriteAñadir a favoritos Hace unos días, el autor británico Gary Frank (Bristol, Inglaterra; 1969) visitaba la Ciudad Condal de la mano de ECC Ediciones. Y a través de la editorial española pudimos tener una interesante charla con él, donde pudimos repasar toda su etapa. Agradecemos a ECC la oportunidad de poder hablar con el dibujante, además del sitio, donde nos acompañaban todas las obras de DC publicadas por la editorial hasta el momento, todas ellas de momento junto al guionista Geoff Johns. Y más gracias aún al propio Gary Frank, quien mostró una amabilidad y cercanía sin igual, mostrando que es un fuera de serie. A continuación os dejamos con la transcripción de la entrevista.
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Entrevistas
– ¿Como y cuando empezaste a dibujar? ¿Cuando decidiste que querías que el dibujar fuera tu carrera? ¿Tus estudios estuvieron relacionados con el dibujo?
Cuando terminé el instituto, no quise hacer una carrera universitaria. Empecé a tener varios trabajos sin relación alguna con los cómics, y entonces envié mi carpeta con mis dibujos a Marvel. A Marvel US y a Marvel UK. Y entonces Marvel, Marvel UK, me dio piezas para dibujar. Fue por el 1994 con The Incredible Hulk, creo que con veintipocos años, que empecé a tener trabajos regulares. La primera serie regular de Gary Frank La primera serie regular de Gary Frank, The Incredible Hulk junto a Peter David – Comentas que empezaste con Marvel, con Marvel UK. ¿Recuerdas tus primeros proyectos?
Lo primero que hice fue para Marvel UK, concretamente para una serie de televisión, William Tell. Y Marvel solía hacer anuales de tapa dura, y me pidieron hacer 4 o 5 ilustraciones para ese anual. Fue mi primer trabajo pagado en el mundo de los cómics, aunque no fue tan siquiera un cómic, sólo ilustraciones sueltas. – Tus trabajos han estado ligado con vari-
– Los guionistas con una elevada reputación. Con Peter David, trabajaste en The Incredible Hulk en Marvel y años después en Supergirl para DC Comics. ¿Como fueron ambas experiencias? Brillantes. Peter es fantástico. Cuando estaba trabajando en Marvel UK era divertido, estaba trabajando en industria. Pero cuando era pequeño, siempre había deseado hacer cómics estadounidenses, de Marvel USA. Así que cuando pude hacer Hulk, fue fantástico. No sólo porque era Hulk, y porque era cómic estadounidense,
Entrevistas sino también porque Peter David era, en aquella época, uno de los escritores más populares del momento. La gente lo adoraba, yo también, no podía imaginar un mejor proyecto en el que trabajar. Siempre fue genial conmigo, muy acogedor, siempre queriendo saber que quería dibujar, que era lo que me gustaba, que era lo que me interesaba. Fue muy bien, realmente bueno trabajar con él. – Otro nombre importante de la industria con el que has trabajado ha sido J. Michael Straczynski, primero en Midnight Nation (Image) y luego en Supreme Power y Squadron Supreme (Marvel). ¿Como fue trabajar con él?
Bueno, la verdad es que no hablábamos mucho, porque siempre tenía la sensación que él tenía otras cosas que hacer. Por una parte estaba intimidado, porque ya sabes, era J. Michael Straczynski. No hubo conversaciones telefónicas, simplemente me limité a dibujar lo que él me pedía. Portada sin color de Midnight Nation (Top Cow/Image), uno de los trabajos junto JMS Portada sin color de Midnight Nation (Top Cow/Image), uno de los trabajos junto a JMS – Con Geoff Johns has tenido muchos trabajos en los últimos años. El primero de ellos fue en Action Comics, donde vimos un rediseño visual de la Legion de Superhéroes. ¿Cuál fue la inspiración para ello?
La idea era que la Legión había sido unos nuevos chicos frescos, felices. Eso se había desvanecido, vivían bajo tierra, eran perseguidos y cazados, no eran la misma gente que antaño. Tenían miedo y estaban prácticamente rotos, destrozados. Y entonces Superman los lideraba, era su inspiración, así que la idea visual para ellos fue mostrar que ya no eran unos chicos felices.
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m u y apegado a si mismo. Pero aun así puedes notar su humanidad, pero Brainiac está vacío. Él es, simplemente, un monstruo. Así que lo que creo que se debe hacer con Brainiac, es olvidar justificaciones. Incluso Zod, o el gran villano de Batman, el Joker, tienen un interior retorcido y roto, pero aún así, son humanos, son algo que podrías llegar a entender. Pero Brainiac no es nada de esto. Es malvado de una forma inimaginable. Él consume, y consume, hasta consumirlo todo.
– Brainiac sería algo así como el hombre del saco espacial por antonomasia. Si si, totalmente. Él no tiene nada que ofrecer. Él ni siquiera cree que tenga la razón, no le importa, el tomará todo lo que se le ponga al alcance, lo absorberá y lo tomará. El contundente Brainiac de Geoff Johns y Gary Frank en Action Comics
– Hemos hablado de los proyectos que ha realizado con Peter David, JMS y Geoff Johns, y ya has comentado un poco como era cada uno de los escritores. Pero nos gustaría un poco más de profundidad las principales diferencias que hacen únicos a estos escritores. De acuerdo, sobre estos 3 escritores. JMS tiene una visión muy clara de lo que quiere. Él me manda la historia, yo dibujo la historia. Peter David está más dispuesto darme rienda suelta, a tener una visión más amplia y pasárselo bien. Es más colaborativo y abierto a las cosas. Geoff Johns es totalmente el extremo opuesto, completamente abierto, completamente colaborativo. No tiene ningún límite, escucha cualquier idea venga de donde venga, es fantástico. Es simplemente fantástico trabajar con él. – Otro de los trabajos con Geoff es Batman: Earth One. Ya hemos podido disfrutar del primer volumen, ahora mismo estás trabajando en el segundo. ¿Como es trabajar en
Entrevistas progresas para nada. Que no estás haciendo nada. Porque en lo que estás trabajando no se muestra en los shows, nadie ve tu trabajo, y quizás, quien sabe, ellos se han olvidado de mí. Así que cuando puedes mostrar por ejemplo una portada, es como decir “Hola, sigo aquí” a la gente – risas -. Pero es un gran proyecto. Este segundo volumen tendrá más páginas que el primero. El anterior fueron unas 130 páginas o así, quizás 140 páginas, y este tendrá al menos unas 154 páginas. Va a ser algo grande.
– Volviendo un momento para atrás, aunque con vistas al futuro. Has dibujado y rediseñado a la Legión y a Shazam, así como trabajado en series de Superman, Batman, Hulk… ¿Hay algún otro personaje de DC Comics, o de Marvel Comics, con el que te gustaría trabajar y rediseñarlo?.
No lo sé. Cuando empecé, quería hacer personajes, porque ya los conocías. Así que cuando empecé a hacer dibujos, lo más importante eran los personajes. Así que dibujaba a Hulk, a los X-Men, etc… Personajes. Ahora, en este punto de mi carrera, los personajes siguen siendo interesantes, pero el o los personajes por sí mismos ya no son lo más importante, sino el escritor. El escritor lo es todo. He dibujado a Silver Surfer. Muy bien, he dibujado a Silver Surfer. Pero eso es lo mejor de mi trabajo. Lo mejor es recibir el guión, disfrutar el guión, ver la historia completamente desde ambos lados, y poder ir más allá. Si algo está bien construido y la historia es buena, eso lo es todo para mí. Así es como ahora obtengo satisfacción con mi trabajo. Los personajes son menos importantes que el escritor.
–¿Estarías abierto a hacer nuevamente proyectos propios como Kin (Top Cow/Image, 2000)?.
Todo dependería de cual fuera la historia, cual fuera el proyecto y esas cosas. Ahora trabajo con Geoff Johns en exclusiva, y es posible que en el futuro Geoff se canse de mí y ya no me necesite más – risas -, y tenga que buscarme otra cosa. Pero por ahora, hago lo que Geoff me pida hacer. Ahora mismo estoy en el equipo más divertido en el que podría trabajar. Nos compenetramos tan bien porque ambos queremos hacer lo mismo, con los personajes, queriendo contar la misma historia. Y son historias sobre gente. Hay historias sobre trajes, sobre el espacio, sobre luchas. Son cosas que están en la historia, pero la historia es sobre gente. Y a Geoff le encantan las historias sobre las personas al igual que yo, y por eso disfruto tanto trabajar con él. – Escuchando esto, se podría decir que uno podría notar esa comunión entre Geoff y tu en las historias.
Eso espero. Él realmente entiende al hombre, profundiza bien hondo en el personaje, y es esa humanidad lo que hace que las historias de Geoff conecten tan bien con los lectores. Ven a una persona que pueden entender, alguien quien te pueda importar. Y a Geoff le gustan los personajes los cuales puedes sentir que te importan. Y para mi eso es lo
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Entrevistas
más me gusta. Y yo cuando dibujo, quiero dibujar emociones, me gusta dibujar gente que sientan. Eso es lo más satisfactorio para mí.
– ¿Cual sería tu proyecto soñado? Por una razón u otra, si soñases con un cómic, ¿con quien y sobre que trataría?
Es una pregunta complicada, ahora mismo soy absolutamente feliz en lo que hago. Pero siempre he dicho que Hulk acabará volviendo alguna vez a mi vida, así que diría Hulk. Gracias a Hulk empecé mi carrera artística, y amo el personaje, así que diría volver a trabajar con Hulk. Pero ahora mismo estoy absolutamente feliz trabajando en DC. – Y llegamos a la última pregunta y pregunta clásica en ZN. Suponemos que eres lector de cómics además de dibujante de modo que ¿Cuáles son las historias o novelas gráficas que estás leyendo ahora mismo? ¿Con cuáles te estás divirtiendo más?
¿Cuaá fue lo último que leí? La verdad es que DC me va enviando volúmenes de tapa dura, y se van acumulando en mi mesa del escritorio. Cojo uno, le pego un vistazo, y luego veo el trabajo que tengo por hacer, y me digo que no puedo seguir justificando el estar leyendo, así que lo dejo nuevamente en su sitio antes que el tiempo haya pasado volando. Es duro, porque cuando estás todo el día haciendo cómics, al terminar la jornada, deseas hacer algo distinto – risas -. Ya me entiendes, jugar con mis hijos, ver Doctor Who, cosas así – más risas -. Así pues, lo último que recuerdo haber leído en los últimos meses, que fuera muy divertido, fue en concreto una reimpresión. El Sweet Tooth de Jeff Lemire, ha sido lo que más he disfrutado de los últimos años que haya podido leer recientemente.
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Mundos Descubiertos
Fanart o fan art
http://fc06.deviantart.net/fs70/i/2013/125/a/0/heroes_of_olympus_by_viria13-d646876.png
“Un fanart o fan art es un concepto proveniente del inglés comúnmente usado para denominar aquellas obras de arte, principalmente visuales, que están basadas en personajes, épocas, vestuarios u otros que el artista toma de universos previamente creados por un tercero. El término usualmente se refiere a las imágenes construidas por este medio, creadas con el objetivo de generar nuevas narraciones
fanático adopta y que le sirve como regla y punto de partida para proponer una nueva creación. Algunas personas usan el término fanart para cualquier arte hecho adoptando cierto estilo o estrategia visual, por ejemplo el dibujo estilo manga o anime, sin embargo es una apreciación incorrecta en vista de que una referencia a cierto estilo no lleva necesariamente implícito un trabajo de cita y estudio de estética que sí son nece¨Ya sea por medio del dibujo de cómic, sarios e importantes en la creación de un elemento que es reconocible y tiene idenla ilustración o la fotografía¨ con los elementos de historias previamente existentes, por lo
tidad
Estrictamente hablando, el término “fanart” significa “arte hecho por fans”, lo cual denota que es un derivado visual de otros medios que necesariamente no lo son, como cómics, libros o películas, pero también indica que la creación den-
Leo Valdes /saga Percy Jacson
La mirada a través de una gran autora
Mundos Descubiertos
Rebecca Sugar
porada de Hora de Aventura y se retiro del equipo en la quinta temporada.
Rebecca Sugar es la creadora de Steven Universe. Ella es una artista, compositora y directora, quien es conocida más por su premiado cortometraje de animación “Singles” y su novela gráfica “Pug Davis”. Ella era la escritora Annie-nominado y nominada al Emmy y artista del guión gráfico asociado con Adam Muto en las temporadas dos y tres, y con Cole San-
Cartoon Network tiene recientemente luz verde para la producción de Steven Universe, convirtiéndose en la primera mujer, creadora de dibujos animados en la historia de Cartoon Network. Rebecca Sugar dejó Hora de Aventura después de Ser Mas, un episodio de la quinta temporada para trabajar en Steven Universe.
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