ОСЕННИЕ ТОРГИ МОСКВА/ 24 НОЯБРЯ 2014/ 20:30
ОСЕННИЕ ТОРГИ Аукцион: Понедельник, 24 ноября 2014 в 20.30 Предаукционная выставка: 19-24 ноября 12.00 – 22.00 ВИНЗАВОД 4-й Сыромятнический переулок, 1 Москва Аукционист - Владимир Овчаренко
1 Владимир Марин (р. 1984) Зверушка 3, 2014 металл, смешанная техника 15 х 21 см € 200-300 (10,000-15,000 руб)
2 Сергей Зарва (р. 1973) Мир, дружба, бабалгам, 2014 бумага, масло, смешанная техника 120 х 80 см € 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)
3 Айдан Салахова (р. 1964) Без слов №1, 2014 гранит 30 х 42 х 10 см € 12,000-15,000 (600,000-750,000 руб)
Сергей Шутов в мастерской в Доме Наркомфина, фото: Евгения Филаткина
4* Сергей Шутов (р. 1955) Sky…sky, 2002 холст, смешанная техника 200 х 150 см € 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)
Александр Виноградов и Владимир Дубосарский начали работать совместно в 1994 году. Объясняя принцип работы их творческого дуэта, Владимир Дубосарский рассказывал: «Сценарий придумываем вместе. Один что-то вспомнил, другой что-то добавил. Все обсуждается, что-то зарезается, что-то наоборот. Все складывается в совместном общении плюс четыре руки». Художники прошли путь от местной до мировой известности, а самый любимый городской молодежью российский писатель Виктор Пелевин, с согласия авторов, оформил один из своих романов иллюстрациями из их произведений. Их дуэт – едва ли не самый коммерчески успешный арт-проект в современном российском искусстве. А. Виноградов и В. Дубосарский делают свои работы очень красиво и предельно понятно, вследствие чего их многочисленные творения разительно контрастируют с новаторскими тенденциями актуального искусства. Не отказываясь от традиций советской живописи, они возрождают жанр монументального тематического полотна. Работы А. Виноградова и В. Дубосарского хранятся в крупнейших мировых музеях, в том числе в Третьяковской галерее, в Русском музее, в Центре Помпиду (Париж), в Музее современного искусства (Авиньон), в Duke University Museum of Art (Дархэм, США). Неудивительно, что произведения А. А. Виноградова и В. Е. Дубосарского показывают стабильно высокие результаты на торгах; рекорд был установлен на аукционе Phillips de Pury в Лондоне 22 июня 2007 года, когда работа А. Виноградова и В. Дубосарского «Ночной фитнес», созданная в 2004 году, была продана за 132 тысячи фунтов стерлингов. Главный редактор «Художественного журнала» арт-критик Виктор Мизиано отмечал: «Есть в истории искусства особый тип художника, который может быть назван “художником поколения” или “художником эпохи”. Справедливости ради, можно оговорить, что такой художник отнюдь не обязательно является наиболее глубоким, неординарным и радикальным автором своего времени. “Художник эпохи” в первую очередь берет на себя иную функцию: в наиболее чистом виде, наиболее осознанно и программно он реализует господствующее умонастроение или то, что может быть названо воображаемым поколения. В контексте российской художественной жизни 90-х годов эту миссию реализовали в своей совместной работе Владимир Дубосарский и Александр Виноградов. Именно их творческий проект с исчерпывающей емкостью воплотил постсоветскую эпоху – ее фантазмы, желания, заблуждения и противоречия». А. Виноградов и В. Дубосарский создали узнаваемый образ «лихих» 1990-х, а потом и «стабильных» нулевых. За два десятилетия именно на полотнах этих живописцев проявилось коллективное бессознательное постсоветского общества, его герои и фантомы, артикулированные и тайные желания. Художники иронично играют с клише массовой культуры, рекламными образами, создавая нового героя – позитивного и победоносного. Их веселые виртуальные фантазии обнажают способ современного мышления со всеми его парадоксальными изгибами. Все сказанное отчетливо проявляется в масштабном по своим размерам (почти полтора на два метра) полотне «Подводный мир». Мы видим пару, плавающую под водой, нарисованную в свойственной А. Виноградову и В. Дубосарскому манере. На полотнах арт-дуэта часто присутствуют элементы популярной культуры и быта – и на этой работе в правом нижнем углу мы видим плавающий здесь же клубничный торт. Созерцая эту дышащую радостью и беззаботностью картину, забываешь о трудностях и проблемах, мысленно оказываясь на тропическом курорте, даже не уезжая в аэропорт.
5* Александр Виноградов (р. 1963) Владимир Дубосарский (р. 1964) Подарок из серии «Подводный мир», 2004 холст, масло 145 х 195 см € 30,000-35,000 (1,500,000-1,750,000 руб)
Сергей Волков получил известность на рубеже 1980–1990-х гг. как живописец, по характеру экспериментов в чем-то перекликающийся с ранним американским поп-артом – в частности, с Раушенбергом, Джонсом и Дайном. Главный вопрос, который Волков поднимает в своих произведениях, – это то, как живописный или графический жест взаимодействует с окружающей действительностью, какое место он в ней занимает, насколько постоянен или эфемерен его сегодняшний статус. Размышления об эфемерности произведения искусства с особой силой воплотились у художника в его серии скульптур, склеенных из пыли. Представляемая работа из серии «Школьные доски» развивает ту же тему, однако в более спектакулярной форме. Волков работает здесь с психологией профанного восприятия искусства: изображение как таковое в данном случае не слишком важно – принципиален сам факт того, что довольно сложное, трудоемкое произведение (в представленном примере его творчества это изображение танцующей пары) создается на основании, самой своей природой угрожающем изображению. Исполненный мелом на школьной доске рисунок заведомо обречен на уничтожение. Кратковременность, обреченность, уязвимость любого авторского жеста, исполненного на подобном основании, предопределяют зрительское отношение к нему, пусть даже, как это в данном случае, работа надежно зафиксирована на доске.
6* Сергей Волков (р. 1956) Get Well Soon из серии «Школьные доски», 1991-2010 гг. фанера, смешанная техника 150 х 120 см € 15,000-18,000 (750,000-900,000 руб)
Вид экспозиции Ивана Чуйкова «Лабиринты», 2010, ММОМА Ермолаевский Courtesy Regina Gallery, Moscow
Иван Чуйков пользуется репутацией одного из наиболее авторитетных представителей современного российского искусства. Пересекаясь в отдельных направлениях своей творческой деятельности с проблематикой московского концептуализма, Чуйков, однако, сделал основной областью своих интересов изучение природы живописного изображения. Картина, впрочем, интересует его не столько как самодостаточный замкнутый мир, сколько как результат взаимодействия различных визуальных слоев, на стыках которых рождаются сегодня важнейшие художественные смыслы. Иван Чуйков более пристально, чем кто-либо другой из отечественных авторов, анализирует внутреннее устройство и логику пространственной работы европейской картины, критически переосмысливает с позиций сегодняшней художественной оптики. Постоянно возвращаясь к ренессансной идее картины как об окне, за рамой которого простирается конечный, рационально выстроенный мир, художник противопоставляет ей иные варианты развития изображения, при которых иллюзорный мир живописного изображения то превращается в пластичную пленку, свободно растягивающуюся по любой поверхности (наиболее известным развитием этой идеи стала масштабная серия «Окон»), то сталкивается со стилистически чужеродными слоями, образуя парадоксальный пластический симбиоз. Чуйков неоднократно подчеркивает единство трехмерной реальности и изобразительной иллюзии. Одним из полемических жестов, указывающих на это единство, может рассматриваться представленная работа. Здесь художник бесцеремонно посягает на sancta sanctorum живописи, на само пространство картины, которое подвергается агрессивному вторжению чужеродного предмета - светильника. Чуйков тем самым как бы вопрошает: если картина это действительно окно в мир, так ли важно, что находится перед окном?
7* Иван Чуйков (р. 1935) Фрагмент пейзажа со светильником, 1998 холст, масло, смешанная техника 100 х 150 см € 20,000-25,000 (1,000,000-1,250,000 руб)
Владислав Мамышев-Монро, фото: Ксения Колесникова, © www.bg.ru
8* Владислав Мамышев-Монро (1969-2013) Без названия, 2004 холст, масло 120 х 120 см € 20,000-25,000 (1,000,000-1,250,000 руб)
Ушедший год назад Мамышев-Монро при жизни сотрудничал практически со всеми актуальными галереями и институциями Москвы и Петербурга, а после его кончины Русский музей посвятил ему персональную выставку. Среди его карнавально-эзотерических проектов особенно выделялись «Русские вопросы» (представленный в Русском музее в 1997 году). В марте 2006 года состоялась премьера ремейка культового советского фильма «Волга-Волга» с Владиславом Мамышевым-Монро в главной роли. Европейская пресса назвала авторов фильма «новыми дадаистами». Владислав Мамышев-Монро в этой картине воплотился в собственный идеал – актрису Любовь Орлову. В 2007 году фильм завоевал Премию Кандинского в номинации «Медиапроект года». Кира Долинина, знакомая с Мамышевым-Монро еще со школьных лет, вспоминала: «Он был весел, добр к людям, красив и бесконечно талантлив. Он как вдохнул разреженный воздух постперестроечного ленинградского андерграунда, когда все вдруг стало можно и это все было легко и весело, так и жил в нем. Начав с Мэрилин Монро, он примерял на себя личины всех подряд: Гитлера, Жанны д'Арк, Усамы бен Ладена, Ивана-царевича, Ивана-дурачка, Данаи, Штирлица, жены Штирлица, Путина, Матвиенко, Любови Орловой, королевы Елизаветы и еще сотен персонажей. Целью этих переодеваний могли быть фотографии, видео- и киносъемки или просто визит на вернисаж либо прием. В образе он мог петь и танцевать, произносить монологи, даже играть целый спектакль, но это никогда не было настоящим театром. Он всегда оставался художником, избравшим на роль холста собственное лицо. Здесь было много гротеска, но куда больше было лобовых ударов по болевым точкам времени. С возрастом художника его герои становились все более убедительны».
Рисовал Мамышев-Монро редко и мало, поэтому эта картина сама по себе представляет большой интерес. Упомянем, что второй вариант этой работы был недавно представлен в Петербурге в рамках десятой «Манифесты» – одной из крупнейших и наиболее влиятельных биеннале современного искусства. Картина поделена надвое. В верхней части представлена своего рода иллюстрация к русской народной сказке «Репка», опубликованной в 1863 году знаменитым исследователем фольклора А. Н. Афанасьевым в его сборнике «Народные русские сказки». На сюжет «Репки» создано множество иллюстраций, не всегда безобидного характера. С. Н. Сергеев-Ценский так описывал одну из карикатур времен Первой мировой войны: «Алексеев недоуменно взял журнал дрожащей рукой и не сразу смог отыскать глазами рисунок, развеселивший царя бойкостью, потому что рисунков на странице было три и изображали они известную с давних времен историю о репке, но применительно к современному положению в Европе. „Дед“, Франц Иосиф, будто бы посадив „репку“-войну, поливает ее из лейки, это был первый рисунок; „репка“-война выросла „большая-пребольшая“, и „дедка“, Франц Иосиф, пятится от нее в испуге на карачках; а третий рисунок – репку тянут Франц Иосиф, Вильгельм, султан Магомет V и Фердинанд болгарский, ухватясь один за другого, но „тянут-потянут, вытянуть не могут“, а „репка“ подмигивает им и скалит зубы». На первый взгляд непритязательный рисунок В. Ю. Мамышева-Монро на самом деле продолжает богатейшую культурную традицию. А в нижней части полотна изображены семеро членов семьи Романовых.
Георгий Гурьянов, Санкт-Петербург 2004, фото: Михаил Арсеньев
Искусство Георгия Гурьянова составляет одно из ярчайших проявлений «Новой академии изящных искусств» – сообщества петербургских художников, сплотившихся вокруг Тимура Новикова и видевших своей задачей создание «нового русского классицизма». Пожалуй, именно Гурьянову удалось приблизиться к ее реализации наиболее близко. Среди работ других «новых академиков» произведения Гурьянова отличались предельной серьезностью, техническим перфекционизмом и ясно считываемой установкой на создание положительного современного образа вкупе с некоторым дендистским самолюбованием (нередко в героях картин и рисунков Гурьянова мы узнаем портретные
черты самого автора). Предвосхитителями собственного эстетического идеала художник видит Мирона, Поликлета, Микеланджело, Жака-Луи Давида. Особое внимание Гурьянова привлекали представители неоклассической линии в искусстве ХХ века: А. Самохвалов, В. Мухина, Л. Рифеншталь, А. Брекер. Как бы объединяя себя с ними в рамках межвременного артистического союза, Гурьянов стремится к восстановлению «искусства большого стиля» в эпоху, казалось бы, максимально несовместимую с подобными творческими интересами. Это стремление оборачивается своего рода живописной аскезой – тем более странной, что соблюдается она рафинированным эстетом, денди, эталоном мужского стиля в питерском богемном обществе. Сюжеты Гурьянова неразрывно связаны с его интересом к образам гармоничного человека – как они воплотились, например, в «Строгом юноше» А. Роома или «Олимпии» Л. Рифеншталь. Его мир заселен героическими моряками, спортсменами, разведчиками, ударниками производства – художник не позволяет им кануть в прошлое вместе с рухнувшим недавно советским режимом, он решительно воскрешает их силой своего воображения. Технические приемы Гурьянова связаны с наследием советского академического искусства. Даровитый рисовальщик, он всецело подчинил интересам строгой законченной формы пластический строй своих произведений. В них нет ни экспрессивных спонтанных мазков, ни ярких цветов – подчас они кажутся скорее раскрашенными картонами к ненаписанным монументальным фрескам или же вовсе лишены цвета как отвлекающего от идейных и объемно-пространственных задач элемента. Именно к таким монохромным композициям и относится работа 2003 года «Моряки». Можно рассматривать ее как обобщенно-монументализированный парный портрет – жанр, нередко встречающийся в зрелом творчестве Гурьянова. Здесь автору удается совместить композиционное решение, напоминающее памятные «дембельские» фотографии, с репрезентацией героев с нижней точки зрения, что придает им характер монументальной скульптуры. Работа исполнена в типичной для художника технике, сочетающей графит с акрилом, позволяющей добиваться максимальной выразительности объема и законченности формы. «Моряков» можно, безусловно, оценивать как одно из важнейших программных произведений Гурьянова 2000-х гг., выдающееся по своим формальным достоинствам и принципиальное для общей характеристики петербургского искусства этого периода.
9* Георгий Гурьянов (1961-2013) Моряки, 2003 холст, акрил, карандаш 170 x 170 см € 80,000 - 100,000 (4,000,000-5,000,000 руб)
АССА. Коллекция Сергея Бугаева-Африки
АССА «Новые художники» давно стали легендой Питера переломных 1980-х, и предлагаемая на настоящем аукционе коллекция Сергея Бугаева-Африки представляет уникальную возможность приобрести сразу почти два десятка работ, которые и по одной-то разыскать очень непросто. Тимур Новиков, Виктор Цой, Иван Сотников, Инал Савченков, Боб Кошелохов, Олег Котельников, Вадим Овчинников, Сергей Бугаев-Африка – это первые имена «Новых художников», работы которых экспонировались в Мраморном дворце Русского музея и в Московском музее современного искусства на масштабных ретроспективах, ставших событиями художественной жизни обеих столиц 2010–2011 годов (затем весной 2013 года в ММСИ прошла монографическая выставка Тимура Новикова; до этого они проходили в Стеделийк-музее в Амстердаме, Кунстхалле Дюссельдорфа, Русском музее и Эрмитаже). В октябре 1982 года знаменитый в недалеком будущем лидер питерского андеграунда Тимур Новиков (1958–2002) создал собственную группу под названием «Новые художники», в которую вошли Иван Сотников, Олег Котельников, Кирилл Хазанович, Евгений Козлов, Георгий Гурьянов. Вскоре к ним присоединились Вадим Овчинников, Сергей Бугаев-Африка, Владислав Гуцевич, Андрей Медведев, Андрей Крисанов и Инал Савченков.
10 * Тимур Новиков (1958-2002) Ленинград, 1986 ткань, темпера 140 х 160 см € 50,000-70,000 (2,500,000-3,500,000 руб)
АССА. Коллекция Сергея Бугаева-Африки
«Новых художников» воодушевляли идеи русского авангарда, в особенности творчество всемирно знаменитого ныне Михаила Ларионова. Они стремились превратить в искусство окружающую жизнь. Перманентный творческий процесс не затихал в их галерее «АССА» (да, именно отсюда пошло название культового фильма с несравненной Татьяной Друбич, предложенное режиссеру Сергею Соловьеву снимавшемся в нем Сергеем Бугаевым), пространством которой служила комната Тимура Новикова в расселявшейся коммунальной квартире. Яркая работа Олега Котельникова (лот 13), созданная в характерном как будто «детском» стиле «Новых», служит замечательным напоминанием о времени существования этой галереи и работы над оказавшимся одним из символов эпохи фильмом. «Мастер спонтанной живописи Котельников, управляет магическими свойствами картинной плоскости, тончайшее прикосновение к которой, зернышко краски способны раскрыть космос и зажечь новый мир», – отмечала крупнейший специалист по творчеству «Новых художников» искусствовед и куратор Екатерина Андреева. (Каталог настоящего аукциона включает также еще одну работу Олега Котельникова – портрет мужчины, одиноко сидящего за столом, лот 21). Т.П. Новиков всегда был питерцем, не оставившим родной город и тогда, когда обретенная известность позволяла ему жить где угодно, поэтому созданная им картина-карта северной столицы «Ленинград» (лот 10), конечно же, – произведение знаковое для личности художника.
11 * Тимур Новиков (1958-2002) Портрет Африки, 1984 холст, масло 193 х 80 см € 60,000-80,000 (3,000,000-4,000,000 руб)
Сергей Бугаев-Африка и Тимур Новиков
АССА. Коллекция Сергея Бугаева-Африки
12
13 *
Сергей Бугаев-Африка (р. 1966) Деталь декора галереи АССА, 1980-е гг.
Олег Котельников (р. 1958) Сафари, 1980-е гг.
обои, масло 95 х 60 см
бумага, смешанная техника 62 х 94 см
€ 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)
€ 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)
АССА. Коллекция Сергея Бугаева-Африки
14 * Инал Савченков (р. 1966) Без названия, 1980-е гг. холст, масло 145 х 75 см € 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)
«Нельзя сравнивать сегодняшнюю галерейную систему с тем, что было галереей в то время. Для нас было решающим, что мы могли в «галерее» встречаться, чтобы показать друг другу свои работы. «Мы» были художниками, которые ценили друг друга за неожиданность, новизну и гениальность в искусстве. Никто не приводил просто так с собой друга, который бы потом выставлялся, для этого сначала нужно было убедиться в его таланте», – рассказывал художник Евгений Козлов. Интерес к «неискусству» у «Новых» не означал отрицания традиционных художественных техник, таких как живопись или графика. Наоборот, «обнуление» искусства как официального института в пользу альтернативного дружеского круга способствовало небывалому творческому состязанию в том, чтобы «переписать» в картинах и даже фресках весь мир вокруг. «У Тимура, вне всякого сомнения, было особое чутье, позволявшее ему определять важные тенденции в то время, и особый дар их четко формулировать», – подмечал Евгений Козлов, на протяжении многих лет близко общавшийся с ним. «Новикову едва исполнилось двадцать пять, когда он сформулировал принципы своего творчества – идею независимости и добра. К тридцати он уже придумал и воплотил в серии «Горизонты» свой «прибавочный элемент» – теорию перекомпозиции и знаковой перспективы. Знаковая перспектива стала языком нового искусства, близкого и современной компьютерной эстетике, и древней иероглифике, искусству архаики, разнообразным социо-эстетическим феноменам (татуировкам, детскому творчеству и т.п.)», – указывала Екатерина Андреева. Именно Тимур Новиков создал первые российские художественные сквоты им. Кирилла и Мефодия; устроил несколько сотен выставок десяткам российских и зарубежных художников; выпустил около сотни книг и статей.
АССА. Коллекция Сергея Бугаева-Африки
15 * Иван Сотников (р. 1961) Край картины, 1980-е гг. ткань, масло 150 х 150 см € 10,000-12,000 (500,000-600,000 руб)
АССА. Коллекция Сергея Бугаева-Африки
Тимур Новиков развивал вместе с «Новыми композиторами» музыку «техно», а вместе с Константином Гончаровым – авангардную моду, запустил первый проект отечественного видео-арта «Пиратское телевидение»… Большой (почти два метра в высоту) холст Тимура Новикова «Портрет Африки (Сергея Бугаева)» (лот 11), несомненно, имеет музейное значение, как и портрет самого Новикова, выполненный Олегом Котельниковым на полутораметровой клеенке (лот 20). Впервые фото Тимура Новикова появилось на обложке художественного журнала в России в 1989 году; на фото, сделанном в мастерской Сергея Борисова, Новиков стоял вместе с Иналом Савченковым, несколько издевательски для того времени скрестив кисть и молоток. Каталог настоящего аукциона включает две работы Инала Савченкова (лоты 14 и 17). Большая выставка этого художника, озаглавленная «Домашние и дикие», прошла в Русском музее в 2001 году. Выйдя из тени Новикова, Инал Савченков показал, что сам является первоклассным художником. К середине 1980-х годов «Новые художники» представляли собой энергичное творческое содружество, где каждый участник соединял в одном лице художника, музыканта, актера, поэта и писателя. В 1985 году «Новые» стали художниками знаменитого ленинградского рок-клуба, и именно на выставках группы показывал свои картины тогда еще не бывший кумиром миллионов Виктор Цой (1962–1990). Одна из этих картин – небольшой портрет едва ли не самого знаменитого президента за всю историю США, Джона Кеннеди, счастливо сохранившаяся до наших дней – включена в каталог настоящего аукциона. Джон Кеннеди – президент, бывший символом перемен, и чрезвычайно символично, что его портрет написал именно Виктор Цой – автор легендарной, знакомой каждому думающему по-русски человеку песни «Мы ждем перемен»… Работа это, повторим, – небольшая, но очевидно имеющая музейное значение.
16 * Виктор Цой (1962-1990) Портрет Джона Кеннеди, 1980-е гг. бумага, фломастер 35 х 15 см € 4,000-6,000 (200,000-300,000 руб)
АССА. Коллекция Сергея Бугаева-Африки
18 * Владислав Гуцевич (р. 1949) Всадники скачут, 2010 холст, масло 95 х 145 см € 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)
17 * Инал Савченков (р. 1966) Без названия, 1980-е гг. холст, масло 130 х 132 см € 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)
АССА. Коллекция Сергея Бугаева-Африки
Георгий Гурьянов и Сергей Бугаев-Африка
19 * Евгений Козлов (р. 1955) Портрет Г. Гурьянова, 1980-е гг. мешковина, масло 290 х 105 см € 20,000-25,000 (1,000,000-1,250,000 руб)
АССА. Коллекция Сергея Бугаева-Африки
Трудно пройти и мимо огромного (почти три метра в высоту) портрета эталона дендизма в кругу «Новых» Георгия (Густава) Гурьянова (1961–2013), созданного Евгением Козловым (лот 19). Гурьянов был другом Виктора Цоя и с 1984 года – ударником, аранжировщиком и бэк-вокалистом группы «Кино». Подражая западным «новым романтикам», Густав играл на барабанах стоя; из его басовой партии родилась знаменитая песня группы «Кино» «Мама, мы все тяжело больны». Также он принимал участие в «Поп-механике» Сергея Курехина, а в конце 1980-х стал одним из основателей российского рейв-движения, привив на ленинградскую почву хаус и техно.
Тимур Новиков и Сергей Бугаев-Африка
20 * Олег Котельников (р. 1958) Танцующий Тимур Новиков, 1980-е гг. клеенка, акрил, фломастер 155 х 135 см € 12,000-15,000 (600,000-750,000 руб)
АССА. Коллекция Сергея Бугаева-Африки
21 * Олег Котельников (р. 1958) Без названия, 1980-е гг. бумага, масло 60 х 103 см € 5,000-7,000 (250,000-350,000 руб)
22 * Боб Кошелохов (р. 1942) Композиция, 1980-е гг. обивочная ткань, масло 123 х 178 см € 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)
АССА. Коллекция Сергея Бугаева-Африки
24 * Вадим Овчинников (1951-1996) Без названия, 1980-е гг. холст, масло 55 х 85 см € 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)
23 * Баби Бадалов (р. 1959) Житомир в твоем желудке, 1980-е гг. дерево, масло 40 х 90 см € 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)
АССА. Коллекция Сергея Бугаева-Африки
За прошедшие годы искусство «Новых художников» не подверглось девальвации. Семьдесят пять работ «Новых», вошедших в 1991 году в собрание Русского музея, не растворились в его огромном фонде, но оказались естественным продолжением золотого фонда русской авангардной живописи. Стало очевидным, что творчество «Новых», в первой половине 1980-х развивавшееся за железным занавесом, изначально было созвучно интернациональному художественному языку нео-экспрессионизма или «Новой волны», на котором писали Жан-Мишель Баскиа, Франческо Клементе и другие художники, чьи произведения уверенно вошли в канон актуального искусства. Пластические открытия «Новых» («Горизонты» Новикова, экспрессионизм Котельникова и Сотникова, концептуальные коллажи и живопись Овчинникова) чем дальше, тем яснее открывали свое родство с искусством немецких «Новых диких», итальянского трансавангарда, американского ньювэйва и французской свободной изобразительности.
25 Сергей Бугаев – Африка (р. 1966) Без названия, 1980-е гг. клеенка, маркер, коллаж 160 х 175 см € 12,000-15,000 (600,000-750,000 руб)
Интерьер галереи АССА
АССА. Коллекция Сергея Бугаева-Африки
26 Сергей Бугаев – Африка (р. 1966) Из серии «Анти-Лисицкий», 1991 оргалит, акрил 100 х 150 см € 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)
27 Сергей Бугаев – Африка (р. 1966) Из серии «Анти-Лисицкий», 1991 оргалит, акрил 100 х 150 см € 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)
28 Сергей Бугаев – Африка (р. 1966) Из серии «Анти-Лисицкий», 1991 оргалит, акрил 100 х 150 см € 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)
АССА. Коллекция Сергея Бугаева-Африки
29 * Сергей Ануфриев (р. 1964) Из серии «Красная нить», 2009 холст, масло 100 х 130 см € 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)
30 * Владлен Гаврильчик (р. 1929) Двое, 2000 фанера, масло 85 х 60 см € 6,000-7,000 (300,000-350,000 руб)
АССА. Коллекция Сергея Бугаева-Африки
32 * Геннадий Зубков (р. 1940) Без названия, 2000-е гг. дерево, масло 170 х 145 см € 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)
31 * Геннадий Устюгов (р. 1937) Без названия, 2000-е гг. коллаж 56 х 127 см € 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)
АССА. Коллекция Сергея Бугаева-Африки
33 * Геннадий Устюгов (р. 1937) Девушки и осень, 2005 холст, масло 100 х 100 см € 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)
34 * Глеб Гавриленков (р. 1982) Из серии «Природа восприятия», 2013 холст, масло 160 х 110 см € 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)
Владислав Мамышев-Монро, известный широкому зрителю, прежде всего, как мастер перевоплощения, добивавшийся подчас пугающего самоотождествления с осваиваемым образом, оставил после себя значительный ряд живописных произведений, относящихся главным образом к позднему периоду его творчества. Крупноформатное полотно 2006 года «За все, за все тебе спасибо! товарищ Генеральный секретарь!!!» принадлежит к числу важнейших, программных картин Мамышева, ярко демонстрирующих его интересы как живописца. Подобно многим другим произведениям художника представляемая картина манифестирует его любимый образ, его alter ego - голливудскую кинозвезду Мэрилин Монро. Нарративный ряд, выстроенный здесь автором, восходит к знаменитой сценой поздравления президента Джона Ф. Кеннеди с днем рождения, пропетого актрисой и ставшего для многих злых языков безоговорочным свидетельством их связи. Мамышев переносит действие в Большой театр, подменяя Кеннеди Хрущевым (его лысый затылок обращен к зрителю). Рядом с ним в восторженном состоянии показан Л.И. Брежнев. Мэрилин исполняет свое поздравление, стоя на трибуне, украшенной гербом СССР. Именно остроумное построение сюжетной интриги и определяет в данном случае успех работы. Разработка собственно пластических аспектов живописного искусства носит здесь подчиненный характер. Однако нужно признать, что настоящее полотно относится к наиболее завершенным и тщательно проработанным его станковым вещам. Стилистически было бы уместно сблизить его с произведениями петербуржских «просвещенных» неопримитивистов, входящих в арт-секту «Колдовские художники» - к примеру, Н. Копейкина.
35 * Владислав Мамышев – Монро (1969-2013) За все, за все тебе спасибо, товарищ Генеральный Секретарь!!!, 2006 холст, масло 195 х 145 см € 20,000-25,000 (1,000,000-1,250,000 руб)
Ирина Корина окончила факультет сценографии Российской академии театрального искусства, после чего училась в академиях искусств в Швеции и в Австрии. По словам арт-критика Елены Голубцовой, «Ирина Корина – одна из немногих художников, состоявшихся в нулевые, одна из ключевых репрезентантов молодого российского искусства за рубежом, работает с сегодняшней реальностью, которая, как всегда бывает с любым „здесь и сейчас“, не только остро нуждается и в осмыслении, и в визуализации, но и очень трудно этой визуализации и анализу поддается. Однако предмет анализа не ставит художника в тупик, а, напротив, наполняет ее работы все новыми и новыми смыслами». В 2008 году была удостоена государственной премии в области современного искусства «Инновация». Вошла в число финалистов Премии Кандинского 2014 года. Персональные выставки Ирины Кориной прошли в Музее современного искусства в Москве, в галерее XL, Stella Art Foundation и на других площадках. Как пишет Валентин Дьяконов, «художнице, с ее удивительным чутьем на фактуру, удается убрать все ненужное и случайное. Она совмещает символы власти с эстетикой массовых развлечений, с попкорном и полиэтиленом. Художница обращает наше внимание на несоответствие между серьезностью, реальной и потенциальной, политической жизни и отношением к ней в обществе. В ее работах узнаются банальная городская жизнь и дешевая красивость, которые скрывают зловещую пустоту или даже угрозу… Художница всегда старалась выбить из колеи тех, кто жаждет простых ответов и легко считываемых эффектов. Теперь же она совсем близко придвинулась к созданию атмосферы фильма ужасов, где и овцы, и волки политических баталий – совсем не то, чем кажутся». Этот неповторимый стиль отличает и работу с ироничным названием «Ласковый Октябрь». Перед зрителем предстает девушка с ядовито-желтыми волосами, одетая в кричаще-розовую кофту с огромным гербом Советского Союза и надписью «СССР». Героиня полностью отвернулась от зрителя и уткнулась лицом в безответную стену безысходного бурого цвета. Художница, выросшая в 1990-е годы, словно показывает нам глубокий нравственный кризис поколения, которому пришлось взрослеть на сломе эпох – тех, кто жил в двух эпохах и не может найти себя ни в одной. Недаром сам заголовок отсылает зрителя и к памяти о революционном Октябре, и к названии популярной в годы перестройки подростковой группы «Ласковый май». Это люди, которые потеряли одни ориентиры и не обрели другие, поэтому они оказываются в тупике, не имея возможности понять, как и с какими ценностями им теперь жить, и ответом на все их вопросы и искания становится бурое молчание глухой стены.
36 * Ирина Корина (р. 1977) Ласковый октябрь, 2004 холст, масло 30 х 24 см € 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)
Сергей Братков
37 Сергей Братков (р.1960) Регистрация, 2014 цветная фотография 70 х 190 см тираж 2/5 € 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)
Валерий Кошляков, Москва 2009, © Winzavod Art Review
В российской художественной среде не так уж много авторов, подчеркивающих собственную приверженность традиционным пластическим искусствам и большим историческим стилям. Именно к таким редким художникам и относится Валерий Кошляков. Вошедший в отечественное искусство на рубеже 1980–1990-х, Кошляков как творческая личность оказался противоположен подавляющему большинству представителей своего поколения. Пока его сверстники создавали самое радикальное явление в российской художественной истории – московский акционизм, Кошляков, как будто игнорируя актуальную ситуацию в искусстве, пустился в продолжительную артистическую одиссею, охватывая своим вниманием все новые территории – от классической античности до советской провинциальной архитектуры. Это творческое исследование могло принимать различные формы: картина, коллаж, тотальная инсталляция, скульптура. Что бы ни делал Кошляков, он неизменно тяготел к масштабной форме. Исполненная в смешанной технике архитектурная фантазия «Городские врата» из серии «Империя» является характерным примером воплощения этого интереса. Увлеченный жанром живописного каприччио и бумажной архитектурой XVIII века, Кошляков здесь находит возможным связать их с совершенно иным культурным феноменом – советской тоталитарной архитектурой, так называемым сталинским
ампиромПарадоксально, что в качестве способа реализации этой связи художник избирает восходящую к Р. Раушенбергу стратегию «комбинированной» картины – создавая коллаж из стилистически разнородных элементов, он затем приводит его к завершению живописными и графическими средствами. В сравнении с другими подобными работами Кошлякова степень задействования его авторской кисти здесь не столь заметна – как в связи с точным подбором коллажных элементов, органично взаимодействующих друг с другом, так и благодаря деликатной манере проработки деталей, использованной художником для объединения композиции. Свойственная многим холстам Кошлякова экспрессивная подача мотива в данном случае уступает место сдержанности и точному расчету, необходимому для оформления авторского высказывания – городские врата оказываются в буквальном смысле монументальным порталом из классицизма XVIII столетия в классицизм тоталитарного режима, причем естественность взаимоперехода одного из этих культурных явлений в другое поначалу делает их почти неотличимыми друг от друга. Кошляков тем самым находит возможность пластически отобразить естественную связь различных художественных эпох, с обескураживающей легкостью вступающих в диалог даже на территории современного искусства.
38 * Валерий Кошляков (р. 1962) Городские врата из серии «Империя», 2004 холст, акрил, смешанная техника 200 х 240 см € 40,000-50,000 (2,000,000-2,500,000 руб)
39 Александр Бродский (р. 1955) Птицы, 2014 рубероид, тушь 100 х 163 см € 12,000-15,000 (600,000-750,000 руб)
«Парадная парсуна» Бориса Орлова, входящая в серию «Ретроспекция», принадлежит к наиболее заметным произведениям, созданным им в минувшее десятилетие. Этот гротескный бюст представляет зрителю новый виток полистилистических экспериментов Орлова. Реализуя «Парсуну», Орлов задействует свои ранние наработки по созданию бюстов: он вновь использует типичный для себя прием контрастного противопоставления непропорционально мелкой, лишенной каких бы то ни было индивидуальных черт головы персонажа с монотонным геометрическим массивом, набранным орденскими планками. Раньше, как правило, художник покрывал их яркой эмалью, ориентируясь на оригинальную расцветку. Теперь же декоративная мощь этого наградного паттерна оказывается едва ли не полностью уничтоженной. Прежние бравурные краски сменяются едва нюансированными серыми оттенками, безжалостно подавляемыми новым художественным элементом – орнаментом, в последние годы все активнее проявляющимся в творчестве Орлова. Тонкий знаток больших художественных стилей прошлого и внимательный аналитик актуальных процессов культуры, Орлов не может не понимать, что работа с орнаментом представляет один из самых серьезных рисков для современного автора. Для модернистов орнамент был позорнейшей стигмой искусства, усилиями А. Лооса, Ле Корбюзье, М. ван дер Роэ, наконец, излеченной и, казалось бы, благополучно забытой. Орнамент как носитель декоративного начала рассматривался как синоним мещанского пристрастия к украшательству, несомненный симптом дурного вкуса. В трактовке же Орлова орнамент вновь обретает свою выразительную мощь: художник возвращает этому отверженному герою мирового искусства его подлинную роль – носителя изначальной, имперсональной, творческой природы. Орнамент у Орлова становится освобожденной, ярящейся стихией, поглощающей культурные клише и штампы недавнего прошлого и очищающей в своей неукротимой круговерти пространство для новой художественной жизни.
40 Борис Орлов (р. 1941) Парадная парсуна из серии «Ретроспекция», 2004 дерево, эмаль 90 х 130 см € 25,000-30,000 (1,250,000-1,500,000 руб)
Константин Звездочетов, фото: Таня Зоммер, © www.bg.ru
41 * Константин Звездочетов (р. 1958) Выход, 2006 холст, акрил 150 х 203 см € 25.000-35,000 (1,250,000-1,750,000 руб)
С начала 1980-х годов Константин Звездочетов входит в число наиболее активных и влиятельных авторов отечественного искусства. Участник молодежных творческих объединений «Мухоморы» и «Чемпионы мира», один из создателей знаменитого «Золотого альбома», ставшего своего рода идеальным саундтреком для среднего советского человека и, по сути, первым советским микстейпом, Звездочетов и в своем индивидуальном творчестве сохраняет бойкую юношескую задиристость высказывания. Уже сам круг проблем, на которых фокусирует свое внимание художник, показывает его как оригинального исследователя местной низовой культуры, различных ее форм и проявлений, ее мифов, ее носителей и безвестных творцов. Именно Звездочетов открывает современному российскому искусству многообразные возможности языков, долгое время воспринимавшихся как маргинальные – язык журнальной карикатуры, рукописного объявления, пропагандистского плаката, провинциальной киноафиши, лубка рекламного постера и т. д. Эта показная легкомысленность и нарочитое снижение жанра в действительности более всего указывают на Звездочетова как на полноправного наследника непреодолимого влечения авангарда к низовым формам искусства – достаточно вспомнить одержимость Ларионова и Зданевича примитивом. Как бы опровергая обвинения в непритязательности и поверхностности собственных выразительных средств, Звездочетов с предельной серьезностью и вниманием анализирует изменения в сегодняшней российской жизни: в его работах неизменно отражаются социальные и культурные конфликты нашего времени. Представленные на торги произведения художника созданы в разное время, но близки по характеру изобразительного языка. Он восходит к приемам иллюстрации, использовавшимся в оформлении советских сатирических журналов («Крокодил» и др.). Крупноформатная композиция «Выход» представляет зрителю едва не идиллическую сцену в советском универсальном магазине. Сатирический язык журнальной графики намеренно лишается здесь художником своей изначальной остроты – Звездочетов прозорливо отмечает наметившееся в российском обществе ностальгическое восприятие советского прошлого: даже карикатура из «Крокодила» теряет теперь всякую критическую функцию, превращаясь лишь в статичную художественную форму, декоративную по сути дела и востребованную сегодня зрителем именно как элемент украшения.
Картину из цикла «Утраты» можно рассматривать как итог авторских размышлений об актуальности классического художественного наследия. Хрестоматийное полотно В. М. Васнецова «Богатыри» представлено Звездочетовым «в развитии» – знакомые каждому с детства образы сказочных витязей с добродушной иронией представляются автором как носители не менее знакомого российского порока – пристрастия к зеленому змию. Богатырский патруль никак не может совладать с силой гравитации после очередного возлияния, в результате чего оригинальная композиция искажается: Алеша Попович, Илья Муромец и Добрыня Никитич в буквальном смысле сползают в левый угол холста.
43 * Константин Звездочетов (р. 1958) Без названия из серии «Утраты», 2005 75 х 80 см холст, акрил € 9,000-12,000 (450,000-600,000 руб)
42 * Константин Звездочетов (р.1958) Без названия, 1996 холст, акрил 46 х 46 см € 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)
«Гражданская оборона» – пример критической интерпретации популярного советского мифа о том, что общество наводнено шпионами и вредителями. Пользуясь языком журнальной карикатуры, художник создает увлекательную сцену преследования доблестными участниками «Гражданской обороны» банды злоумышленников, повинной как минимум в изнасиловании и организации газовой атаки, если судить по представленной в верхней части композиции сцене сношения и специальной униформе вредителей, в комплект которой предусмотрительно включен противогаз.
Леонид Соков и Александр Косолапов, 1967, фото: Борис Орлов
Один из ведущих представителей соц-арта, советский и американский художник Леонид Соков наиболее известен своими скульптурными произведениями. Тем не менее на протяжении всего своего творческого пути Соков систематически обращался к живописи, создав целый ряд картин, принципиальных для характеристики состояния отечественного искусства последней трети прошлого века. Работа 1994 года «Что? Где? Когда» принадлежит к числу наиболее значимых живописных вещей Сокова. Как это нередко можно наблюдать в деятельности художника, в основу его положена хорошо узнаваемая цитата – одно из самых знаменитых полотен из коллекции Государственной Третьяковской галереи, «Грачи прилетели» Алексея Саврасова. Существенно укрупненный в размере, переписанный в нарочито небрежной манере, прославленный саврасовский шедевр в трактовке Сокова оказывается своего рода пластичной пленкой, способной обтянуть любую форму – в том числе и массивный объем вопросительного знака, ставший одним из символов популярной телевизионной передачи «Что? Где? Когда?». Произведение может рассматриваться как остроумная творческая интерпретация формальной и идейной проблематики «картины-объекта», заложенной представителями раннего американского поп-арта – прежде всего Джаспером Джонсом и Джимом Дайном. Однако иконам западной массовой культуры и товарного потребления Соков, опирающийся на опыт жизни в советском обществе, иронически противопоставляет символы местного культурного ширпотреба.
44 Леонид Соков (р. 1941) Что? Где? Когда?, 1994 холст, масло 180 х 135 см € 20,000-25,000 (1,000,000-1,250,000 руб)
Ян Вермеер Дельфтский Девушка, читающая письмо у окна, 1657 Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden
В советское время Виктор Пивоваров достиг широкой известности как чрезвычайно изобретательный и плодовитый иллюстратор детской литературы. Будучи главным художником популярнейшего журнала «Веселые картинки» (именно Пивоваров придумал знаменитый логотип этого издания), он затрагивал своим творчеством беспрецедентную по масштабу охвата аудиторию. Однако на территории «серьезного искусства» имя Виктора Пивоварова оказалось неразрывно связанным с наиболее серьезным и влиятельным неофициальным художественным направлением – московским романтическим концептуализмом. В его рамках художнику удается создать целый ряд альбомов, вместе с работами Ильи Кабакова сформировавших концептуалистский альбом как отдельный жанр. На протяжении многих лет Пивоваров серьезно занимается живописью. Представленное небольшое полотно под названием «Письмо» – характерный пример его позднего творчества, характеризующегося филигранной живописной техникой и интересом к парадоксальному синтезу множества художественных языков. Любопытно, что данное произведение является свободной версией знаменитой одноименной картины великого голландского художника XVII века Яна Вермеера Дельфтского. При этом автор столь далеко отходит от оригинала, что узнаваемый мотив одинокой женской фигуры полностью преображается, становясь, как часто бывает в работах Пивоварова, своего рода стилистическим контрапунктом этой собранной из разных визуальных пластов композиции – с виртуозным мастерством художник сводит в единое целое упрощенный язык советской книжной иллюстрации, трехмерные сегменты проунов Эля Лисицкого и пейзажный мотив, восходящий к живописи Возрождения.
45 * Виктор Пивоваров (р. 1937) Письмо, 2002 дерево, масло 56 х 62 см € 20,000-25,000 (1,000,000-1,250,000 руб)
Виталий Комар известен прежде всего как один из создателей соц-арта, наряду с его творческим партнером в течение многих лет Александром Меламидом. И если творчество каждого из участников этого художественного дуэта после его распада легко проследить по регулярным выставкам и критическим публикациям, то ранние этапы их деятельности до сих пор остаются едва проявленными. Тем интереснее представляются произведения, подобные небольшому холсту Виталия Комара 1961 года «Девочка с шахматной доской». Небольшая юношеская картина еще весьма далека от соц-арта 1970-х и позднейших полистилистических опытов Комара и Меламида, однако здесь заложены характерные черты художественного мышления автора, которые достигнут полного развития в его дальнейших работах – как в составе дуэта, так и вне его. Организуя композицию, Комар демонстрирует явный вкус к стилистическим контрастам: исполненная с оглядкой на постдейнековскую монументальную живопись (Б. Милюков, Б. Тальберг и др.) обобщенная вытянутая фигурка девочки, заполняющая весь формат по вертикали, резко противопоставлена абстрактному квадрату шахматной доски, решенному в темной тональности, за счет чего картина почти распадается на два самодостаточных стилистических слоя. Окончательное расслоение стилистической ткани предотвращают лишь мастерски исполненные руки девочки, изображение которых показывает виртуозное владение рисунком. Очевидно, что настоящее произведение Комара принципиально для формирования его творческих методов. Оно радикально противоречит общему развитию отечественного искусства начала 1960-х с его выраженным индивидуализмом и установкой на уникальность творческой манеры. Работа Комара подчеркнуто имперсональна, она тяготеет к парадоксальному сопоставлению противоположных стилистических решений, что выводит ее за пределы позднемодернистской по сути своей проблематики 1960-х и делает ценнейшим свидетельством надвигающихся изменений художественной мысли следующего десятилетия.
46 * Виталий Комар (р. 1943) Девочка с шахматной доской, 1961 дерево, холст, масло 105 х 35 см € 14,000-17,000 (700,000-850,000 руб)
Сергей Шаблавин занялся живописью, успев окончить факультет кибернетики в МИФИ. Его путь художника начался в 1960-е годы с абстрактной живописи и графики. В начале 1970-х, после знакомства с Эриком Булатовым и Олегом Васильевым, творческая манера Сергея Шаблавина изменилась: в его работах появилось характерное для московских концептуалистов сочетание реалистической манеры письма с геометрической четкостью композиции. Вслед за Эриком Булатовым внимание художника стало привлекать внутреннее пространство картины, ее соотношение с действительностью и восприятием зрителей. Сергей Шаблавин находится в поиске строгих соответствий между конструктивистскими блоками и встроенным в них ландшафтом, чаще всего морским или равнинным. В его центробежных картинах два аспекта собираются воедино, создавая ощущение покоя, незыблемости видимого мира. С. Шаблавин часто изображает мир как будто отраженным в выпуклой линзе или зеркале наблюдения, обычном аксессуаре супермаркетов. Эта выпуклость стягивает пейзаж, превращает его в микрокосм, а не фрагмент реальности. Многие работы С. П. Шаблавина напрашиваются на сравнение с символом баланса энергий инь и янь.
47 * Сергей Шаблавин (р. 1944) Растворение 2, 2006 холст, масло 80 х 140 см € 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)
Семен Файбисович фото: Александр Лепёшкин
«Это единственный случай, когда я использую не свою съемку, а анонимную фотку дурного качества, что появилась на ленте Фейсбука после крымского референдума и изображает его празднование. Название навеяно формами спящей, что отсылают к характерным фигуркам архаических венер. А еще тем, что Крым, до того как стать "нашим", когда-то какое-то время успел побыть древнегреческим». С. Файбисович
48 Семен Файбисович (р. 1949) Венера Таврическая, 2014 холст, смешанная техника, масло 150 х 235 см € 35,000-45,000 (1,750,000-2,250,000 руб)
49 Юрий Аввакумов (р. 1957) Мост Красная Горка, 1996 металл 125 х 43 х 186 см € 18,000-22,000 (900,000-1,100,000 руб)
50 Юрий Аввакумов (р. 1957) Мост Красная Горка, 1987 шелкография 70 х 96 см тираж 2/8 € 2,000-3,000 (100,000-150,000 руб) фрагмент
Эти особенности его стиля ярко проявляются в работе «Москва», где на квадратном синем поле, зачеркнутом проложенными крест-накрест белыми линиями, в которых угадываются силуэты кремлевских башен, старинных улиц и сталинских высоток, как бинтами, по всем четырем сторонам проходит название столицы. Цвет букв переходит из синего в фиолетовый и красный, и в их яркости есть что-то праздничное: на темном фоне они смотрятся как салют на вечернем небе. Такое ощущение, что художник выразил в этой простой надписи весь радостный блеск огромного города и преподносит его зрителю как подарок, упакованный в обертку и перевязанный блестящими белоснежными лентами, которые переливаются тенями, напоминающими московские пейзажи. Человеческие фигуры у Шаблавина встречаются редко, но если они есть, то предстают перед зрителем в спокойном одиночестве; шаблавинский человек не демиург, но наблюдатель, осознающий тщету и умозрительность жестких структур, нелепость конфронтации с природным началом. Арт-критик Александра Юргенева, отмечая «молчаливую гармонию» работ Сергея Шаблавина, писала: «Художник-концептуалист обращается к формам круга, эллипсиса и ромба, в которые вписывает городское пространство, романтические русские пейзажи и человеческие фигуры на фоне морской глади».
51 * Сергей Шаблавин (р. 1944) Москва (пересечение), 2005 холст, масло 90 х 90 см € 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)
52 * Юрий Альберт (р. 1959) Я не Джаспер Джонс из серии «Демократическое искусство: Искусство для слепых», 2000 холст, энкаустика 45 х 70 см € 10,000-12,000 (500,000-600,000 руб)
К настоящему времени Юрий Альберт, еще в 1980-е годы входивший в состав знаменитого ныне горкома графиков на Малой Грузинской, – признанный мэтр, в 2011 году получивший Премию Кандинского в номинации «Проект года», а в 2014 году – премию «Инновация» в номинации «Произведение визуального искусства» за выставку «Что этим хотел сказать художник» в ММСИ, куратором которой выступила Екатерина Деготь. Юрий Альберт сравнивает произведения искусства с точками в трехмерном пространстве, которые связаны между собой воображаемыми линиями традиций, аналогий и влияний. «В российском искусстве Юрий Альберт – один из самых последовательных концептуалистов в международном смысле. Он методично и неустанно задает хрестоматийные, но отнюдь не получившие исчерпывающих ответов вопросы: что такое искусство, каковы условия восприятия произведения публикой, что такое сегодня быть художником, а точнее что такое сегодня быть русским художником-концептуалистом», – отмечала известный арт-критик Ирина Кулик. Художник постоянно исследует условия, при которых объект может быть назван произведением искусства, а расположение объектов в пространстве – выставкой. Его интересуют отношения между произведением и его интерпретацией, производством искусства и его потреблением, трудозатратностью и мгновенностью эффекта, между видимым и невидимым в искусстве. Многих зацепила его работа-манифест «За что меня не любят», сотканная из критических замечаний в адрес его творчества, которые как бы сами по себе выстроились в законченное художественное высказывание. В 1981 году Юрий Альберт продемонстрировал на одной из квартирных выставок картину «Я не Джаспер Джонс», где скопировал манеру письма этого ныне всемирно знаменитого и безумно дорогого американского художника, однако название вписал кириллицей: автор использовал стиль Дж. Джонса для заявления, что он им не является (ныне это полотно находится в собрании Государственного центра современного искусства). Затем были созданы работы, продолжавшие ту же линию, в которой Ю. Альберт вел аналогичный диалог-отрицание с лидером московского концептуализма
Ильей Кабаковым, классиками поп-арта Энди Уорхолом, Роем Лихтенштейном и другими. В 1996 году Юрий Альберт создал второй вариант работы «Я не Джаспер Джонс», в 1997-м – третий (он находится в собрании фонда культуры «Екатерина»). Перед нами, таким образом, четвертый, наиболее «продвинутый», вариант, к которому сам художник шел двадцать лет. Название же «Демократичное искусство» напоминает об одноименном проекте художника Михаила Федорова-Рошаля (1956–2007). Работа выполнена в приглушенных, почти монохромных тонах. Сам Ю. Альберт говорил: «Мне всегда нравилась монохромная абстрактная живопись, ее неопределенное, невербализуемое, неагрессивное, но такое сильное воздействие на зрителя…» Для Юрия Альберта важно не только, «что хотел сказать художник», но и что означает быть зрителем. В нескольких сериях работ он использует азбуку Брайля и ручную азбуку – соответственно, для слепых и глухонемых посетителей. Первая работа в серии «Живопись для слепых» была создана Ю. Ф. Альбертом еще в 1987 году; владеющие азбукой Брайля могли прочесть фразу «Непонятное по форме, понятное по содержанию». Художник водил экскурсии по выставкам, завязав глаза зрителям («Автопортреты с завязанными глазами», галерея Paperworks, Москва, 2011). В 1989 году только с использованием азбуки Брайля Ю. Альберт выполнил работу «Я не Тимм Ульрихс». Подобным способом создана и предлагаемая работа. Она, как и ряд картин самого Джаспера Джонса, состоит из одних английских букв, но здесь – редчайший случай в творчестве Юрия Альберта! – латиница наложена на буквы азбуки Брайля, достигая, таким образом, невозможного: что хотел сказать художник, может узнать любой зритель, в том числе и полностью потерявший зрение. Эта картина о том, что современное искусство может быть понято всеми – нужно лишь приложить для этого необходимые усилия, причем не только зрителям, но и самим художникам.
54 * Андрей Ройтер (р. 1960) The green still life, 1993 холст, масло 30 х 35 см € 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)
53 * Андрей Ройтер (р. 1960) Potato body, 1994 холст, масло 35 х 25 см € 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)
Дмитрий Гутов, Москва 1991, фото: Игорь Мухин, © www.igormukhin.com
Живописные работы Дмитрия Гутова сложно воспринимать в отрыве от многогранной личности этого художника. Для искусства 1990–2000-х значение Гутова сложно переоценить. Основываясь на марксистских эстетических установках, мобилизуя философское наследие советских мыслителей (прежде всего М. Лифшица), Гутов находит в советской культуре прочную платформу для собственного художественного высказывания, объединяя на этой мировоззренческой основе элементы, позаимствованные из различных художественных традиций – от античной вазописи до восточной каллиграфии, от офортов Рембрандта до графического дизайна 1960-х гг. «Схема линий», созданная в 2013 году, относится к обширной группе произведений Гутова, в которых техническая схема, чертеж, пояснительная записка, заголовок на папке с документами внезапно приобретают самостоятельную пластическую ценность, преображаясь в тщательно выстроенной цветовой гармонии. На первый взгляд неброская манера художника при внимательном рассмотрении проявляет достоинства, редко встречающиеся в сегодняшней живописи. Так, Гутов проявляет себя как тонкий и оригинальный колорист, достигающий сложных хроматических и фактурных эффектов за счет последовательного наложения красочных слоев. Цветовой строй представленного полотна организован соподчинением насыщенных теплых оттенков: светло-охристого, красного, коричневого. Исключительное внимание художника к собственно пластической стороне работы превращает служебные по своему назначению графические знаки в выразительные акценты, формирующие лаконичную формальную композицию.
55 Дмитрий Гутов (р. 1960) Схема линий, 2013 холст, масло 120 х 80 см € 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)
56 Юрий Лейдерман (р. 1963) Читающий «Искру», 2014 холст, масло 150 x 150 см € 10,000-12,000 (500,000-600,000 руб)
Авдей Тер-Оганьян и его работы. Москва, середина 1990-х
Авдей Тер-Оганьян – одна из наиболее примечательных фигур российского искусства 1990-х гг. Широкое общественное внимание он привлек своими провокационными перформансами (наиболее известен «Юный безбожник» 1998 г.). Однако большую долю в его творчестве составляет станковая живопись, типичный пример которой, «Клод Моне. На пляже в Трувиле. 1870» представлен на торги. Картина интересует Тер-Оганьяна не как самодостаточная замкнутая форма, но скорее как способ изложения собственных размышлений об историческом развитии искусства и его восприятии зрителем. Тер-Оганьян задается вопросом, как может существовать сегодня такой феномен как художественный авангард. Как может выглядеть в наши дни подлинно авангардный творческий жест? Решение предлагается с позиций анонимного провинциального художника, стремящегося к постижению истории искусства и наивно, без всякой рефлексии и критической оценки, копирующего страницы монографий, посвященных ее главным героям. Подобный, едва ли не идиотический подход уравнивает в данном случае один из самых известных ранних пленэрных этюдов Клода Моне с пояснительным текстом. Таким образом, неспособность «отфильтровать» изучаемый материал позволяет вымышленному персонажу Тер-Оганьяна миновать плагиат: «по недомыслию» он сообщает работе Моне новый прибавочный элемент, позволяющий рассматривать как самостоятельное авторское высказывание.
57 * Авдей Тер-Оганьян (р. 1961) Клод Моне. На пляже в Трувиле. 1870, 2002 холст, масло 145 х 110 см € 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)
58 Владимир Архипов (р. 1961) Сито Ивана Чеботаря, г. Жуковский, 2014 смешанная техника 68 х 84 х 10 см € 1,000-1,500 (50,000-75,000 руб)
Член-корреспондент Российской академии художеств Владимир Дубосарский сегодня – один из самых известных и востребованных художников страны; работы, созданные им совместно с Александром Виноградовым, хранятся в Третьяковской галерее, Русском музее, в парижском Центре Помпиду и других крупнейших собраниях. «Когда мы начинали в 1994 году, мир, по крайней мере в России, был жестким и неприглядным, опасным и тяжелым – депрессивным, – рассказывал В. Дубосарский. – А мы решили, не стесняясь, писать новый рай». Полотно «Зима» завораживает именно задушевными воспоминаниями времен казавшегося таким светлым и спокойным советского детства. На картине изображена пара ребятишек, которые после уроков с восторгом катаются с ледяной горки на опушке леса. Казалось бы, в этом сюжете нет ничего особенного, но, если приглядеться, можно понять, что это не просто мимолетная зарисовка, а скорее воспоминание из далекого прошлого. Дети резвятся и на полной скорости съезжают по льду и насту на деревянных санках, уже редких в сегодняшних дворах; на голове мальчика развязалась шапка-ушанка, какую уже не увидишь на современных малышах; ребята отбросили в сторону школьные ранцы, которые уже давно заменили портфели и рюкзаки. Да и за лесом виднеются скромные бревенчатые домики поселка с простой дощатой оградой – такой пейзаж теперь можно встретить разве что в далекой глубинке. Даже сам колорит работы, выполненной в однотонной серо-коричневой гамме, где на белом снегу из тонких пепельных линий складываются черты детей, вырастают стволы деревьев и силуэты одноэтажных зданий, больше напоминает черно-белую фотографию, найденную в старом альбоме. Художник словно показывает нам давно забытый снимок, который и сегодня способен дарить радость душе. Это одно из самых ностальгически-лиричных полотен, когда-либо созданных широко известным и очень востребованным художником.
59 * Владимир Дубосарский (р. 1964) Зима, 1995 холст, масло 70 х 90 см € 10,000-12,000 (500,000-600,000 руб)
Владимир Дубосарский, Москва 1992, фото: Игорь Мухин, © www.igormukhin.com
60 * Александр Виноградов (р. 1963) Владимир Дубосарский (р. 1964) Без названия, 2001 бумага, акрил 56 х 78 см € 7,000-9,000 (350,000-450,000 руб)
61 Валерий Барыкин (р. 1966) Садись, подвезу!, 2014 холст, масло 90 х 65 см € 5,000-7,000 (250,000-350,000 руб)
Анатолий Зверев © www.museum-az.com
Экспрессивная живописная импровизация Анатолия Зверева, датированная 1985 годом, является характерным образцом его поздней манеры. Художник виртуозно, почти играючи пользуется тем богатейшим арсеналом живописного искусства, что находится в его распоряжении. Как это часто случается в творчестве Зверева, работа написана спонтанно, в течение одного сеанса, за счет чего сохраняет всю изначальную свободу артистического жеста. Типична для Зверева плотная красочная ткань, сложная фактура, созданная нанесением краски при помощи мастихина. Композиция представляет две женские полуфигуры, вольно цитирующие образы Артура Фонвизина, одного из наставников Зверева в юношестве, приобщившего начинающего художника к формальным достижениям живописи русского Серебряного века. Высветленные оттенки светло-розового, голубого и желтого цветов, доминирующие в картине, выразительно контрастируют с темным рисунком. Работа представляет характерный пример нового прочтения фигуративной живописи в московском независимом искусстве, близкий по характеру развития американской и французской «новой фигуративности» – более всего Виллему де Кунингу и Жану Дюбюффе.
62 * Анатолий Зверев (1931-1986) Без названия, 1985 картон, масло 77 х 50 см из коллекции Пакиты Эскофе-Миро € 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)
63 * Владимир Яковлев (1934-1998) Без названия, 1971 бумага, гуашь 90 х 65 см € 7,000-9,000 (350,000-450,000 руб)
Одна из легенд московского независимого искусства, Владимир Яковлев совмещал в своей деятельности, казалось бы, противоположные начала – знаточеское понимание формальной проблематики современного западного искусства и наивную, почти детскую чистоту видения мира. Проведший большую часть жизни в медицинских учреждениях и, соответственно, не имевший возможности часто выставляться, Яковлев тем не менее стал одним из самых влиятельных авторов своего поколения, определивших лицо московской сцены 1960–1970х гг. Уникальная творческая интуиция Яковлева позволила ему, пройдя сквозь многообразные стилистические влияния, самостоятельно достичь результатов, сближающихся по форме с произведениями художников «новой фигуративности», неоэкспрессионистов и даже представителей трансавангарда. При этом, подходя в отдельных своих работах к выводам, близким раннему Базелицу, Люперцу или Сьюзен Ротенберг, Яковлев всегда сохраняет самостоятельность высказывания. Исполненная гуашью голова принадлежит к той части наследия Яковлева, где сказывается его опыт освоения классического модернизма. Как и многие другие нонконформисты, Яковлев осваивал западное искусство от импрессионизма до американского абстрактного экспрессионизма 1950-х и французского ташизма постфактум, когда история этих направлений была уже написана. Для советского художника, выросшего в условиях культурной изоляции, возможность соприкосновения с этим искусством, открывшаяся в период «оттепели», оказалась подлинным событием, требующим деятельного осмысления. Яковлевские работы, демонстрирующие его авторское прочтение стилистических установок пуантилизма, фовизма, кубизма, геометрической и жестовой абстракции, являются блестящими иллюстрациями введенного в употребление Д. В. Сарабьяновым применительно к русскому искусству термина «высота отставания». В представленном изображении головы Яковлев создает причудливую авторскую версию кубизма, пропуская типичные кубистические деформации в духе Пикассо и Брака сквозь живописный фильтр пуантилизма. Однако здесь не идет речи о стилизации: пробуя себя в различных модернистских направлениях, Яковлев всегда сохраняет авторскую индивидуальность. В данном случае для него характерно тяготение к укрупненным формам и тонко нюансированный колорит: работа отмечена гармоничным сочетанием лилово-розовых, фисташковых, болотно-зеленых оттенков. Обращает на себя внимание и филигранное мастерство кистевой работы: сложная цветовая вибрация создается небольшими мазками круглой кисти, нанесенными с ювелирной точностью. Этот технический прием, восходящий к Ж. Сера и П. Синьяку, впоследствии будет оставлен Яковлевым в пользу более широкой, экспрессивной кистевой манеры.
Укрупненные изображения цветов составляют особую часть творческого наследия В. Яковлева. Именно они стали своего рода визитной карточкой художника. Предлагаемая картина принадлежит к наиболее удачным произведениям такого рода. Типична для Яковлева простая, тяготеющая к симметрии композиция листа и свободная кистевая работа. Редкой изысканностью отмечен колористический строй произведения: живописец избегает кричащих цветовых акцентов и сосредотачивается на гармонизации трех основных хроматических пятен – серовато-голубого неба, зеленого стебля и бледно-желтой чашечки цветка. Это ничем не примечательное, будто бы обыденное цветовое созвучие под кистью мастера обретает редкую свежесть и чистоту, демонстрируя выдающееся дарование Яковлева как колориста.
64 * Владимир Яковлев (1934-1998) Без названия, 1980 бумага, гуашь 90 х 65 см € 6,000-8,000 (300,000-400,000 руб)
65 * Иван Чуйков (р. 1935) Без названия, 1974 бумага, тушь 42 х 30 см € 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)
66 * Иван Чуйков (р. 1935) Без названия, 1970 бумага, тушь 48 х 36 см € 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)
Сын известного советского художника Семена Чуйкова (его картина «Дочь советской Киргизии» годами воспроизводилась миллионными тиражами в школьных учебниках), Иван Чуйков был первым, кто из сугубо официозной среды вошел в «другое искусство», причем занял там одну из лидирующих позиций; выдающийся культуролог Борис Гройс еще в конце 1970-х годов выделил его как одного из ведущих представителей московского романтического концептуализма. И. Чуйков был одним из художников, чьи произведения вошли в каталог легендарного московского аукциона Sotheby’s в 1988 году. Спустя двадцать лет тот же аукционный дом уже продавал его работы по ценам, приближавшимся к ста тысячам фунтов за каждую. Персональные выставки художника проходили в Москве в Третьяковской галерее, ГЦСИ, Московском музее современного искусства, а также в галереях России, Германии, Франции, Испании и Великобритании. И все же смыкающийся в своих творческих интересах с концептуалистами И. С. Чуйков тем не менее в гораздо большей мере сосредоточен на исследовании чисто живописных проблем: взаимоперехода иллюзорного и реального, соотношения целого и фрагмента (о чем свидетельствует и разделенная на шесть частей работа «Без названия», созданная под очевидным влиянием сюрреалистских поисков Рене Магритта). Работы художника находятся в венском музее Альбертина, в Базельском музее современного искусства, в музее Людвига в Будапеште, а также во многих российских музеях. Выставки Ивана Чуйкова проходили в Центре Помпиду (Париж), Московском музее современного искусства, Государственном центре современного искусства, Kunstmuseum Alte Post и т. д. На рисунке «Без названия» зритель видит обнаженную женщину, отражение которой словно преломляется в кривом зеркале, распадаясь на несколько разных отражений, и живописец отдельно показывает ее лицо, ноги, грудь, волосы, представляя каждый фрагмент под особым углом, будто бы в отдельном кадре. И. Чуйков не выступает простым созерцателем натуры и не воспроизводит ее на холсте – вместо этого он активно вмешивается в самую сущность человеческого тела, разделяя его
Иван Чуйков, 1981, фото: Борис Орлов
на фрагменты и исследуя каждый из них, рассматривая крупным планом. Тело женщины и его фрагменты, обезличенные и показанные без мелких деталей, представлены схематично, в черно-белой гамме, плотный фон соседствует с жесткой штриховкой или густой тенью, но при этом во всей картине чувствуется движение. Художник, будто символически препарировавший человеческое тело и изучающий по отдельности каждый его участок, тем самым словно показывает, что эти безмолвные фрагменты, безжизненные и немые, вместе составляют единое живое целое; так художник демонстрирует, как складывается неповторимый образ личности. В работе «Нижнее белье» перед зрителем предстает женская фигура, наполовину одетая в эротические кружева. Художник не изобразил ее голову – видны лишь бедра, талия и грудь, которые возникают на белой поверхности листа из тонких, летучих линий, невесомых, как само кружево. Прозрачная ткань, спадающая с тела женщины, казалось бы, должна привлекать и заинтриговывать зрителя, но этого не происходит: фигура, предстающая на холсте, безлика и пуста. И. Чуйков намеренно не показывает зрителю ее лицо – он являет только поверхностный образ, в котором нет ни индивидуальности, ни души. Тем самым автор обличает навязываемые массовой культурой стереотипы, которые ставят сексапильность выше подлинной душевной красоты и превозносят привлекательную форму, лишенную лица и содержания. Он наглядно демонстрирует, что усилия достичь красоты, опираясь лишь на чувственность, забывая о подлинной ценности личности, обречены на провал и что появляющийся в итоге образ так же пуст и эфемерен, как и тающее на картине эротическое белье.
67 * Владимир Кузьмин (р. 1935) Я дам тебе яблоко, 1989 холст, масло 80 х 97 см € 2,000-3,000 (100,000-150,000 руб)
Творчество Александра Мареева начала 1990-х годов развивалось в орбите влияния артистического товарищества «Добрые друзья», художественных групп «Медицинская герменевтика» и «Облачная комиссия». В московской художественной среде девяностых, сформированной главным образом позднеконцептуалистскими идеями, работы Мареева воспринимались как образцы безудержного, маниакального, бессистемного и доходящего подчас до виртуозности цитирования. Источники цитат нередко остаются неопознанными, тем не менее указание на акт цитирования сохраняется как непременное условие возникновения работы. Мареев по сей день один из немногих российских художников, в творчестве которого условный «текст» одерживает абсолютную и безоговорочную победу над «автором». «Пейзаж со стаффажем» представляет собой типичный пример искусства Мареева начала девяностых. Эта картина фрагментарно воспроизводит рисунок неизвестного авторства – знаток может позволить себе предположение, что первоисточником является рисунок голландской школы XVII века. Кисть художника бегло схватывает лаконичные штрихи оригинала, не задаваясь, впрочем, целью в точности повторить оригинал. Мареев в данном случае будто бы сознательно капитулирует перед историей искусства, довольствуясь ролью переписчика, переводчика, медиума.
68 * Александр Мареев (р. 1969) Пейзаж со стаффажем. Фрагментарно, 1991 холст, масло 95 х 95 см € 10,000-12,000 (500,000-600,000 руб)
69 *
70 *
Ольга Флоренская (р. 1960) Бей гидру капитализма, 1997
Ольга Флоренская (р. 1960) К Ленину в Смольный, 1997
холст, масло 75 х 35 см
холст, масло 75 х 35 см
€ 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)
€ 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)
Ольга Флоренская родилась в Петербурге, где окончила Высшее художественно-промышленное училище имени В. И. Мухиной и живет и работает и поныне. Много занималась керамикой, но стала известной благодаря своим панно из тканей на морские и библейские темы. Вместе со своим мужем А. О. Флоренским стояла у истоков создания в 1985 году группы художников «Митьки». Режиссер и художник мультфильма по собственной сказке «Чудо из чудес», соавтор полнометражного анимационного фильма «Митькимайер». Принимала участие во многих российских и международных кинофестивалях. С 1995 года работает над крупномасштабными проектами совместно с Александром Флоренским («Русский патент», «Русский трофей», «Местное время», «Передвижной бестиарий» и другие). Художница провела ряд как персональных выставок, так и совместных экспозиций с мужем и их дочерью Екатериной, тоже художницей. Две предлагаемые работы Ольги Флоренской, созданные в гротескном стиле соц-арта, при этом воскрешают в памяти и произведения, знакомые в советское время каждому, ибо они были растиражированы в миллионах копий. Картина «К Ленину в Смольный» не может не напомнить полотно В. А. Серова «Ходоки у Ленина», хранящееся в Третьяковской галерее. Среди трех ходоков, изображенных В. А. Серовым (картина была создана четверть века спустя после смерти В. И. Ленина и, очевидно, не с натуры), был и крестьянин в шинели, внимательно следящий за выражением лица вождя революции – направляющийся «к Ленину в Смольный» персонаж Ольги Флоренской тоже в шинели, причем с ружьем и чайником, что напоминает о знаменитом фильме Сергея Юткевича по сценарию Николая Погодина «Человек с ружьем» (одноименный спектакль был в 1937 году поставлен в столичном Театре им. Е. Б. Вахтангова). По сюжету фильма, бывший крестьянин, а ныне солдат Иван Шадрин отправлен однополчанами с германского фронта в революционный Петроград, чтобы вручить Ленину письмо с вопросами своих товарищей. Центральная сцена в фильме – первая встреча бродящего с винтовкой и чайником по Смольному Шадрина и неузнанного им Ленина, который проявляет большое участие к его нуждам и отвечает на все вопросы.
На картине Ольги Флоренской Ленина нет: единственный, кого советская власть объявила «вечно живым», в постсоветскую эпоху почти начисто выпал из сознания россиян, и одинокий солдат, ищущий правды после возращения с фронта, остался один на один со своими вопросами. При этом работы Ольги Флоренской начисто лишены героико-революционного пафоса, они созданы тогда, когда эпоха ленинизма завершилась, причем навсегда. Александр Косолапов поместил Ленина в контекст западной поп-культуры (кока-колы и Микки-Мауса), Леонид Соков «организовал» его посмертную встречу с «Шагающим человеком» выдающегося скульптора Альберто Джакометти. У Ольги Флоренской на встречу с Лениным все в тот же Смольный идет все тот же солдат Иван Шадрин, но Ленина больше нет – встретиться с вождем и надеждой уже невозможно ни в каком контексте. Ее картина поэтому не соц-артовский стеб, а констатация необходимости отказаться от системы координат, на протяжении семи десятилетий определявшей надежды миллионов советских людей… Вторая предлагаемая картина – «Бей гидру капитала» – является отзвуком напечатанного Реввоенсоветом плаката Виктора Дени «Или смерть капиталу, или смерть под пятой капитала». В своей работе Ольга Флоренская поднимает важный вопрос противопоставления советской политэкономической доктрины принципам, организующим социально-экономическую жизнь постсоветской России. На трехголовой гидре – шарф из цветов российского флага, тогда как на противостоящем ей труженике – белый халат с красной звездой. Как видно на картине, «гидра капитала», однако, уже пустила корни, поэтому победить ее не получится: плохо ли, хорошо, но с ней нужно жить и выросшим в СССР людям, понимая, что мир изменился, и в этом плане изменился навсегда.
72 * Александр Флоренский (р. 1960) Казанский собор, 1997 дерево, масло, смешанная техника 46 х 46 см € 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)
71 * Александр Флоренский (р. 1960) Кузнечный, 1995 дерево, масло, смешанная техника 42 х 36 см € 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)
Один из основателей знаменитой ныне питерской группы художников «Митьки» Александр Флоренский родился и учился в Северной столице. На протяжении многих лет работал в области книжной графики, благодаря чему знаком практически каждому читающему по-русски человеку как автор иллюстраций к культовому четырехтомнику Сергея Довлатова. С 1997 года – один из основателей галереи «Митьки-ВХУТЕМАС». В 2008 году создал совместно с Дмитрием Бугаенко студию ручной печати «Б&Ф», в которой вышли, среди других, его альбомы эстампов «Рисунки к произведениям Сергея Довлатова», «Рисунки к стихам Олега Григорьева», «Знаменитые жители Санкт-Петербурга», «Окрестности Довлатова», «Про Шерлока Холмса» и другие. В последние годы участвовал в работе над четырьмя уникальными путеводителями по своим любимым городам: «Петербургская азбука», «Иерусалимская азбука», «Тбилисская азбука» и «Воронежская азбука». Создал также серию авторского фарфора: впервые она была представлена в рамках проекта «Академия фарфора», организованного Императорским фарфоровым заводом и Государственным Эрмитажем, в 2004 году. Картины А. О. Флоренского находятся в собраниях Третьяковской галереи, Русского музея, ГМИИ им. А. С. Пушкина, многих музеев и важных частных коллекций России и зарубежных стран. Три предлагаемые работы позволяют отчетливо это прочувствовать: все они выполнены хоть и маслом (а не карандашом), но не на холстах, а на всегда доступных даже в дни гражданской войны ящиках. А. О. Флоренский – прямой наследник Михаила Ларионова и примитивистов, однако эстетика «Митьков» настолько самобытна, что сама по себе давно стала значимой страницей истории русского «другого искусства». Картина «Любимые русские игры: Грибник» напоминает о книжке детских стихов Леонида Мезинова «Шел грибник издалека», выпущенной во второй половине 1970-х трехсоттысячным тиражом и потому памятной многим. Грибник, нарисованный А. Флоренским, тоже прошел очень длинную дорогу, причем не только в пространстве, но и во времени: собирает он, как видно, красные мухоморы – «магические грибы», которые были священными еще у древних майя и напитку из которых посвящено около тысячи гимнов в древнеиндийском памятнике литературы «Ригведа», созданном три тысячи лет назад. Мухоморы использовались в средние века викингами, а также на протяжении столетий северными народами, обитающими на Таймыре, Камчатке и Чукотке (поедание мухоморов у этих народов было привилегией вождей и шаманов). Сама причудливая цветовая гамма леса уже свидетельствует о действии психогенных грибов на мозг их собирателя. На картине «Виды транспорта № 5» изображен мгновенно узнаваемый Казанский собор – одно из наиболее знаковых мест в истории Северной столицы, кафедральный собор Санкт-Петербургской епархии Русской православной церкви, в котором, в частности, похоронен выдающийся русский полководец М. И. Кутузов. Однако работы А. Флоренского лишены и тени пафоса, его Питер – это не мемориал под открытым небом, а живой город для живых людей.
73 * Александр Флоренский (р. 1960) Любимые русские типы – грибник, 1994 дерево, масло, смешанная техника 56 х 36 см € 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)
74 * Андрей Кузькин (р. 1979) Земляне, 2013 хлеб, соль, смешанная техника 41 х 47 х 25 см € 2,000-3,000 (100,000-150,000 руб)
75 Дамир Муратов (р. 1967) Green King, 2014 жестяная канистра, эмаль, масло 46 х 33 х 17 см € 1,200-1,500 (60,000-75,000 руб)
Егор Кошелев вошел в российское искусство в конце 2000-х – в период, когда на отечественной арт-сцене происходила смена поколений и молодые художники стремились найти собственные способы отражения окружающей действительности. Увлеченный большими эпохами европейского искусства и выросший на уроках мастеров монументальной живописи позднего советского времени, Кошелев напряженно ищет возможность революционизировать традицию, придать ей рефлексивно-критический характер. Единственной возможностью для этого сегодня, по мнению художника, является столкновение выразительного языка условного «большого стиля» с другими художественными языками. В случае Кошелева речь идет прежде всего о маргинальных языках – например, граффити (сам живописец имел долгий опыт работы в уличном искусстве, оставивший существенный след в его творческом мировоззрении). «Стилистическая война» – термин, которым сам автор нередко описывает характер собственных экспериментов – стратегия, изначально сформировавшаяся именно в низовых артистических сообществах. Жест художника здесь оказывается индивидуалистическим воплощением культурных конфликтов, разворачивающихся в породившем его социуме. Полотно Кошелева, иронически названное «Стрижка для друга», создано в 2008 году и относится к наиболее масштабным его ранним произведениям. Здесь художник впервые нащупывает прототип того персонажа, который затем воплотится в образе «Последнего художника» – главного действующего лица нарративных циклов Кошелева последних лет. Как часто можно наблюдать в работах этого автора, композиция
озадачивает зрителя фантасмагоричностью сюжета: молодые люди в свободной уличной одежде стригут лазурного грифона. Нельзя не обратить внимания на исполненную в граффити-стилистике надпись «ТРУЪ», красующуюся на боку сказочного животного – по замыслу художника, выбритую искусными руками фристайл-парикмахеров. Кошелев стремится показать значительность повседневности, подобно художникам «сурового стиля» 1950–1960-х гг. (укрупненные мазки краски, лепящие форму, в чем-то даже перекликаются с манерой суровостильцев), но перед нами предстает повседневность начала третьего тысячелетия – реальность, перекроенная сценаристами и режиссерами фантастических блокбастеров типа «Гарри Поттера» и «Властелина колец». Здесь грифон, эльф, гном или дементор – персонажи настолько обычные, что запросто можно представить их в кафе, парикмахерской или тату-салоне в компании наших современников. Отдельно следует отметить высокую исполнительскую культуру, которую демонстрирует представленный холст. Живописные приемы, использованные здесь Кошелевым, отличаются большим техническим разнообразием: художник то работает крупной кистью, позволяя жидкой акриловой краске стекать и создавать эффект нерукотворности, то прибегает к свойственной для него в 2006–2010 гг. усложненной «кристаллической» лепке формы.
76 Егор Кошелев (р. 1980) Стрижка для друга, 2009 холст, акрил 200 x 200 см € 7,000-9,000 (350,000-450,000 руб)
Вид экспозиции Егора Кошелева «Phobia», 2009, Галерея АртБерлога Courtesy Regina Gallery, Moscow
77 Иван Разумов (р. 1972) Частный космос, 2014 холст, масло 143 х 95 см € 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)
Константин Латышев – художник, работы которого известны куда больше, чем он сам. Проект «Концептуализм с человеческим лицом», представленный в галерее «Айдан», с немалой самоиронией обозначил жанр, в котором работает художник. Следующие выставки – «Империя добра», «Всё и сразу» и другие – закрепили его репутацию одного из лидеров актуального искусства наших дней. Его произведения находятся в собраниях Московского музея современного искусства, фонда культуры «Екатерина», музея Art4.ru в Москве и т. д. Его персональная выставка «Раздвоение личности», организованная Stella Art Foundation, стала одним из наиболее запоминающихся событий в сфере современного искусства в Москве осенью 2014 года. Для Латышева стилистика поп-арта – лишь одна из узнаваемых форм. При ближайшем рассмотрении его картины оказываются синтезом самых разных культурных феноменов: сентиментальных открыток модерна, футуристических киноплакатов, наглядной агитации советского образца и, наконец, современной рекламы. Собственно, произведения художника, построенные по законам рекламы, обнажают механизм ее действия, в каком-то смысле разоблачают ее. Избранные Латышевым сочетания словесных и изобразительных клише рождают незапланированный юмористический эффект. Все это ярко проявляется в ранней работе художника «About New Wave», напоминающей о том времени, когда мы еще, не зная иностранных языков, писали английские слова кириллицей, но стремились быть в курсе актуальных тенденций западной культуры. Термин «new wave» – «новая волна» – очень многозначный в истории культуры, им пользуются для обозначения и ряда направлений в кинематографе Франции и других стран во второй половине XX века (стиль «новой волны» более художественный, более интеллектуальный и менее коммерческий), и появившегося в 1960-е годы направления в научной фантастике США и Великобритании, и различных жанров рок-музыки, возникших в конце 1970-х – начале 1980-х годов и выделившихся из панк-рока. Каждый раз бросая взор на эту картину К. Латышева, смотря на этих не тонущих, но пляшущих в пучине морской веселых человечков, ее владелец сможет подумать о чем-то другом: о книгах любимых фантастов Филипа Фармера и Роджера Желязны, о композициях групп New York Dolls и Depeche Mode, о фильме гениального Жан-Люка Годара и даже о ежегодном международном конкурсе молодых исполнителей популярной музыки, проходящем в Юрмале с 2002 года; и фильм Годара, и фестиваль в Юрмале так и называются – «Новая волна»…
78 * Константин Латышев (р. 1966) Эбаут, 1989 холст, масло 130 х 100 см € 12,000-15,000 (600,000-750,000 руб)
80 * Наталья Турнова (р. 1957) Двойной портрет, 1995 холст, масло 140 х 120 см € 6,000-8,000 (300,000-400,000 руб)
79 * Наталья Турнова (р. 1957) Маяковский, 1990 ткань, масло 160 х 110 см € 6,000-8,000 (300,000-400,000 руб)
Наталья Турнова окончила Московское высшее художественно-промышленное училище. С 1996 года – член МоСХа. Именно ее выставкой в сентябре 1990 года открылась галерея «Риджина». Позднее ее персональные выставки прошли в Третьяковской галерее, Московском музее современного искусства, в галереях Москвы и Берлина. Работы находятся в Третьяковской галерее, Дальневосточном художественном музее, Городском музее Оклахомы (США), Музее современного искусства в Лодзи (Польша) и других культурных институциях. В 2006 году была номинирована на премию «Инновация», а в 2010 году ее проект «Диагноз» вышел в финал Премии Кандинского.
Что же характеризует работы Наталии Турновой? Холсты большого формата, насыщенный яркий цвет, крупные мазки. Изображения персонажей даны крупным или сверхкрупным планом. Арт-критик О. Холмогорова отмечала, что в творчестве Н. П. Турновой «нет никакого кокетства, язык ее работ предельно открыт, энергичен и не по-женски напорист… Живя внетусовочно и тихо, а работая вызывающе и масштабно, она всегда тяготела к сериям и большим форматам». Стиль художницы ярко проявился в такой работе, как портрет Владимира Маяковского. Волевое и выразительное лицо поэта, которое занимает большую
часть полотна, подано без прикрас, оно выписано мощными, широкими мазками, будучи представленным в жестких и контрастных белых и черных тонах с серо-зелеными тенями, и немного оттенено бледно-розовыми складками полосатой рубашки. Нет никаких мелких деталей, ничего наносного, поверхностного, ничто не отвлекает внимания зрителя от эмоционального напряжения гения, охваченного мучительным творческим поиском, – и в этом резко очерченном образе, со всей прямотой прорывающемся навстречу зрителю, нет ничего лишнего, ничего мелкого и притворного – как и в пронзительных и звонких строках поэта.
81 Маша Шубина (р. 1979) Самоидентификация из серии «Lost&FounDangerous», 2014 холст, масло 125 х 170 см € 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)
82 Максим Мамсиков (р. 1968) Без названия, 2013 холст, масло 100 х 130 см € 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)
Александр Савко родился в Молдавии, учился в Одессе – на отделении сценографии театрально-художественного училища, затем работал в Тирасполе. В конце 1990-х годов жил и работал в сквоте на Бауманской в Москве, вместе с Авдеем Тер-Оганьяном, Валерием Кошляковым, Владимиром Дубосарским и другими ныне известными художниками. Начиная с 1996 года его персональные выставки многократно проходили в галерее Марата Гельмана, галерее «Айдан», на различных площадках в России и за рубежом (в том числе в 2002 году в Берлине). А. Савко считает, что «самым главным оружием художника является его ирония». В одном из интервью он откровенно делился особенностями своего творческого метода: «Помещение персонажей массовой культуры в иную среду – эстетическую, временную, стилистическую – это осознанный художественный прием. Это эксперимент, это страшно интересно, когда ты каких-то героев помещаешь в совершенно не характерную для них ситуацию. Тебе самому неизвестно, как они будут себя вести, как они вживую будут сочетаться с другим интерьером, с другим контекстом, приемлемы ли они друг для друга». Именно такое «помещение персонажей массовой культуры в иную среду» мы видим на предлагаемой картине «Полдень». Композиционно эта работа сразу же заставляет вспомнить огромный – два на три метра – холст получившего все мыслимые для советского художника награды А. А. Дейнеки (1899–1969) «Раздолье», созданный в 1944 году и ныне хранящийся в Петербурге в Русском музее. А. Савко практически полностью сохранил компо-
зицию А. А. Дейнеки, с той единственной разницей, что все девять девушек на полотне советского классика одеты – А. Савко же всех их раздел; впрочем, в этом он не сильно ушел от все того же А. А. Дейнеки, создавшего еще в 1941 году картину «Бегущие девушки», где из моря выбегают девушки (правда, не девять, а всего три) полностью обнаженные (эта работа, происходящая из собрания московского скульптора В. Губко, мастерская которого ранее принадлежала А. А. Дейнеке). Известный художник и культуролог Никита Алексеев отмечал: «Александр Савко продолжает пользоваться фирменным приемом: хорошо известные образы (кукрыниксовский «Конец», пресловутые герасимовские «Два вождя после дождя», фотография Ленина и Горького на Капри, репинский Иван Грозный, укокошивший своего сына, давидовская «Клятва Горациев», «Свобода на баррикадах» Делакруа…) он травестирует, меняя их героев на персонажей из мультфильмов и компьютерных игр». Можно вспомнить и яркую серию работ А. А. Савко «Бэкон у Симпсонов». Именно эту центральную особенность творчества А. А. Савко отражает предлагаемая картина, в левой части которой (о чем Дейнека, конечно, не мог и помыслить) – Губка Боб Квадратные Штаны (англ. SpongeBob SquarePants) – придуманный аниматором Стивеном Хилленбергом главный герой американского одноименного мультипликационного сериала, премьера которого состоялась в 1999 году. Губка Боб – неуклонно оптимистичный, добрый, забавный, трудолюбивый (работает поваром в ресторане), надежный персонаж, хотя и слишком наивный. Его любимые занятия включают ловлю медуз и надувание пузырей, он играет на гитаре и поет. Со времени показа мультсериала персонаж Губка Боб стал очень популярным среди детей и подростков всего мира, были проданы сотни тысяч кукол с его изображением. Персонаж привлекает миллионы людей из-за своего яркого образа жизни и толерантного отношения к окружающим событиям. Кстати, в одной из серий Губка Боб Квадратные Штаны побывал в России – наверное, в ходе этой туристской поездки он и «увидел» картины А. А. Дейнеки, «поделившись» своими впечатлениями с Александром Савко… Покупатель этой картины приобретает возможность видеть перед собой соединение легенд двух культур – ремейк работ одного из самых известных советских художников и напоминание об одном из наиболее популярных персонажей американских мультсериалов.
83 Александр Савко (р.1957) Полдень, 2010 холст, акрил 96 х 140 см € 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)
«Парк развлечений» Аркадия Петрова представляет интересный для отечественного искусства пример того, как художник, получивший фундаментальную профессиональную подготовку, сознательно обращается к опыту наивного творчества. Для российского искусства подобный феномен может рассматриваться уже едва ли не как традиция – можно вспомнить неопримитивистские опыты Н. Гончаровой и М. Ларионова, А. Шевченко или же некоторые работы семидесятников – Т. Назаренко и Н. Нестеровой. Живопись Петрова также можно рассматривать в этой последовательности. Он далек от поверхностной стилизации примитива: его работы отличаются предельно ясной структурой, строгой логикой композиции и цельностью формы, что показывает высокую культуру пространственного мышления. То же касается его колористических приемов и исполнительской манеры: художник предпочитает тонко нюансированный холодный колорит с явным вкусом к живописному валеру, а его кисть элегантно моделирует упрощенные объемы предметов. Все эти авторские черты свойственны представленному полотну. Интересно, что персонажи первого плана здесь сознательно уподоблены фанерным трафаретам, столь типичным для фотостудий. Они подчеркнуто антипсихологичны, что делает их явлениями одного порядка с деревом, каруселью, горами – Петров как бы переделывает эти узнаваемые элементы, используя для этого свою собственную «петровскую» материю, подобно тому как в свое время Сезанн облекал в новое живописное вещество купальщиков и гору Сент-Виктуар.
84 * Аркадий Петров (р. 1940) Карусель, 1981 холст, масло 39 х 59 см € 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)
85 Константин Латышев (р. 1966) Пилотка, 2014 холст, акрил 80 х 90 см € 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)
86 Владимир Кожухарь (р. 1968) Бульвар, 2006 холст, масло 95 х 130 см € 4,000-6,000 (200,000-300,000 руб)
Олег Хвостов родился в Петербурге, где живет и работает и поныне. Начал активно выставляться и получил известность в конце 1990-х, став членом группы «Товарищество „Новые тупые“». Это было объединение художников – поклонников Даниила Хармса и русских футуристов. В одном только 1998 году в составе группы Олег Хвостов принял участие более чем в полусотне выставок, художественных акций и перформансов. Был замечен галереей Navicula Artis, где весной 1999 года состоялась его первая персональная выставка «Автопортреты – 200+1». В Москве Хвостов впервые появился в 2005 году по приглашению Марата Гельмана. В 2006 году стал стипендиатом Фонда содействия современному искусству, жил и работал в Москве. В 2010–2012 годах работал в художественной резиденции «Гридчинхолл» над большой персональной выставкой «Абсолютная живопись». По словам арт-критика Станислава Савицкого, «Хвостов пишет идеальные ландшафты, в которых нет ничего, что могло бы помешать созерцанию натуры. Его пейзажное творчество посвящено поискам формы там, где природа берет свое. Аллеи, убегающие за горизонт, сходящиеся меж старых деревьев песчаные дорожки, дорога, сворачивающая за зеленый боскет, – все эти композиции упорядочены ритмом и геометрией сада. Хвостов взрывает питерскую блеклую хмарь, но дело не сводится к аляповатому китчу. Акрил дает объем, яркость, насыщенный тон – едкий, нахальный и витальный. Идеальные ландшафты, проникнутые духом неистового примитива, передают зрителю драйв и удовольствие художника». Одним из таких пейзажей является работа «Купание», где изображены обнаженные женщины, которые плещутся в реке в лесу и за которыми наблюдает мужчина на мосту. Подобные эротические мотивы нередко проявляются в творчестве художника: так, несколько лет назад он воспел русский народный ландшафт с рекой, обнаженной женщиной, медведем и оставляющим белый кокаиновый след на небе самолетом. Почти те же образы присутствуют и на этой картине. Они выписаны широкими, жизнерадостными мазками, вид реки и леса складывается из ярких пятен и безудержных линий. Это полотно отсылает зрителя к традиции фовистов и наивного искусства, напоминая об искренних и красочных пейзажах Анри Руссо и Пиросмани...
87 Олег Хвостов (р. 1972) Купание, 2008 дерево, масло 100 х 150 см € 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)
88 Олег Хвостов (р. 1972) Прованский пейзаж, 2014 холст, масло 150 х 200 см € 10,000-12,000 (500,000-600,000 руб)
Александр Дейнека, Вратарь, 1934 Государственная Третьяковская Галерея, Москва
89 * Константин Батынков (р. 1959) Гол, 2006 обои, акрил 105 х 200 см из коллекции Михаила Царева € 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)
Константин Батынков родился в Севастополе, но уже в год его рождения семья переехала в Москву. Обосновались в квартире на Малой Ордынке: в дореволюционном прошлом – солидные апартаменты доходного дома, в советские годы – большая коммуналка на пять семей. Именно здесь, в двух комнатах, в 1960–1970-е годы жила большая семья Батынковых: отец – полярный летчик, мать – учительница математики, четверо детей, тетя, бабушка с дедушкой и прабабушка. К. Батынков вспоминает, что с первого класса рисовал всегда и везде. Его кумиром с юности стал Александр Лабас (1900–1983) – автор первой большой биографии этого художника. Н. Ю. Семенова справедливо отмечала, что ни до, ни после него никто в русском искусстве не смог выразить современную жизнь с ее сверхскоростями с такой остротой и выразительностью. Спустя многие годы искусствовед Антон Горленко отмечал, что в каллиграфических работах К. А. Батынкова чувствуется дыхание Александра Лабаса и Петра Вильямса. С 1978 г. Константин Батынков стал показывать свои художественные работы на различных выставках, в 1983 г. был принят в Союз художников. С 1985 г. – член группы «Митьки». Постепенно К. А. Батынков становится одним из наиболее известных современных московских художников. В 2009 г. при участии «Крокин галереи» проходит ретроспективная выставка его работ в Московском музее современного искусства, завершающая музейный цикл его персонального проекта «Другая жизнь», до этого показанного в музеях Омска и Красноярска. В 2008 г. его работа «The Submarine» была продана за 12 500 фунтов стерлингов на аукционе Sotheby's. В школе любимым предметом Константина была физкультура, с восьми лет он занимался в баскетбольной секции; команда, в которую он входил, пять раз была чемпионом СССР по баскетболу среди юношей. Играл Константин и в молодежной сборной СССР. Уже будучи зрелым художником, он создал цикл из пятнадцати работ на спортивные темы, представленных на пер-
сональной выставке, прошедшей в июне – июле 2006 года в Центральном доме художника. Предлагаемая большая картина (ее размер – более чем метр на два) была одной из основных на этой выставке. Изображенный в центре картины голкипер, буквально парящий параллельно земле в попытке поймать мяч, летящий в правый верхний угол ворот, сразу же напоминает об огромной картине А. А. Дейнеки (1899–1969) «Вратарь», созданной в 1934 году и находящейся ныне в Третьяковской галерее. Тот факт, что на картине изображены и другие футболисты – причем нарочито уменьшенные, да так, что их число не установить и при самом внимательном рассмотрении, заставляет вспомнить эскиз А. А. Дейнеки, созданный гуашью и акварелью все в том же 1934 году и хранящийся ныне в Сочинском художественном музее: подобные гипертрофированные пропорции между вратарем и всеми остальными спортсменами на поле, также стоящими словно в ряд, выдержаны и там. Вратаря в кульминационные моменты игры рисовали разные художники (так, на картине Л. Н. Бычкова «Футбол. Опасный момент» 1990 г. голкипер бросается в левый верхний угол, а на недавно созданном ностальгическом полотне П. И. Рубинского «Динамо 60-х. Футбол» – в правый), но предлагаемую картину не спутаешь ни с какой другой, так как она создана в манере, позволяющей безошибочно отличить именно стиль К. А. Батынкова: об этом свидетельствуют как приглушенная черно-белая гамма, так и парящие над городом вертолеты, присутствующие на многих полотнах этого художника. Четко очерченная в глубине полотна телебашня остается высотной доминантной холста, а черно-белая гамма напоминает о том времени, когда миллионы людей, затаив дыхание, смотрели спортивные трансляции на экранах тогда еще бывших только черно-белыми телевизоров. Художник, с детства много занимавшийся спортом, этой картиной возвращается во времена своей юности – безвозвратно ушедшей, но на языке искусства остающейся с ним и нами, его зрителями, и поныне.
90 Ринат Волигамси (р. 1968) Деревня, 2014 холст, масло 120 х 120 см € 7,000-8,000 (350,000-400,000 руб)
Евгении Чуйковой, дочери известнейшего художника-концептуалиста Ивана Чуйкова и внучке одного из столпов соцреализма Семена Чуйкова, на роду было написано продолжить династию. После окончания Полиграфического института она также училась в Академии искусств в Дюссельдорфе. Ее персональные выставки проходили во многих российских и немецких галереях. Участвовала во многих групповых выставках в Москве, Берлине, Дюссельдорфе, Париже, Сеуле и других городах. Помимо чисто формальных, оптических игр, картины Е. Чуйковой работают и на вербальном уровне. На металлических поверхностях различаются фразы, выбранные автором из электронной переписки, SMS-сообщений, постов в Facebook и «Одноклассниках». Так в картину включаются живые эмоции. Сама Евгения Чуйкова пишет о своем проекте: «Как в классической опере или живом многоголосном общении, “голоса” заглушаются один другим, перекрываются, иногда читаемыми оказываются совершенно случайные слова на фоне неразборчивого хора». Используя лак для ногтей в качестве краски и листы металла в качестве холста, Е. Чуйкова соединяет в своих работах женскую эмоциональность и закрытость, скорее присущую мужчинам. Граффити, нанесенные лаком для ногтей, – это одновременно и дань гламуру, который украшает и защищает его носителя, как броня, охраняя от проникновения в личное пространство. В каком-то смысле, это и попытка остановить мгновение, поймать за хвост реальность, уходящую в обрывках фраз, потоках информации – реальность, которая ускользает так же стремительно, как быстро сохнет лак на ногтях. Такова и работа Е. Чуйковой «Чего ждать» из проекта, выставлявшегося зимой 2011 года в галерее «Айдан». Здесь зритель видит обрывочные строки искреннего розового и напряженного красного цвета, словно летящие по поверхности листа, перекрывающие друг друга, сплетающиеся в беспокойные клубки, будто в комки нервов. Слова «страх», «безответственность», «насилие» почти не читаются, но их тревожный смысл и без того очевиден: отчаяние и страх перед будущим наполняют эту работу, сотканную из дерганых нитей фраз и обрывков мыслей, в пугающем беспорядке проливающихся на стальной лист и будто готовых захватить своим хаотичным движением всякого, кто окажется рядом.
91 Евгения Чуйкова (р. 1972) Чего ждать, 2008 сталь, лак для ногтей 100 х 200 см € 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)
92 Джемал Кухалашвили (р. 1952) Старый город, 1992 холст, масло 50 х 60 см € 2,000-3,000 (100,000-150,000 руб)
93 * Таисия Короткова (р. 1980) #5 из серии «Технология», 2008 дерево, левкас, темпера 50 x 68 см € 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)
обратная сторона
94 Татьяна Ахметгалиева (р. 1983) Я здесь...#2, 2014 текстиль, смешанная техника 100 х 100 см € 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)
Таня Пёникер принадлежит к поколению, которому еще предстоит заявить о себе на российской арт-сцене. Художница родилась в середине 1990-х, и ее бэкграунд сформировался скорее под влиянием субкультурных образов. Кредо художницы состоит в том, чтобы жить эмоциями и прямо их выражать, неслучайно «Тропик Рака» Генри Миллера – ее любимая книга. Впервые ее работы были выставлены на персональной выставке ее дедушки в известном Художественном музее им. А. Н. Радищева в Саратове, когда ей было 15. «Я выплескиваю на лист бумаги все свои чувства, мысли, воспоминания о каком-то периоде жизни. Все мои работы очень искренние. Художник – всегда аутсайдер, он должен находиться всегда и в обществе, и вне общества, чтобы наблюдать его со стороны. И в жизни художника вообще не может быть ничего нормального, он все время в поиске. Я не могу жить просто, мне нужно все время волноваться, рефлексировать – если у тебя все гладко, неоткуда взяться творчеству», – рассказывает она сама. Известный фотохудожник Влад Чиженков отмечал: «С прямотой и непосредственностью подростка она обрушивает на зрителя шквал противоречий: уличное граффити, знаки эмо-культуры, готика, насилие, фэшн-индустрия, поэзия в твиттере. Работы художницы – репортаж с фабрики по переработке образов, задокументированный с невероятной точностью».
95 Таня Пёникер (р. 1994) Мавзолей Краба, 2014 бумага, акварель, акварельные карандаши, тушь, кровь художника, ручка, красное вино 75 х 110 см € 4,000-6,000 (200,000-300,000 руб)
Работы Тани Пёникер в экспозиции Generation START в рамках параллельной программы Manifesta 10
96 *
97 *
Влад Кульков (р. 1986) Без названия, 2011
Марья Дмитриева (р. 1983) Без названия, 2011
холст, акрил, масляный карандаш 212 x 140 см
холст, акрил, смешанная техника 90 х 90 см
€ 4,000-6,000 (200,000-300,000 руб)
€ 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)
98 Дарья Кудинова (р. 1982) Wet Dream, 2013 холст, масло 160 х 140 см € 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)
99 Кирилл Рубцов (р. 1971) Курилка из серии «Библиотека», 2013-2014 гг. фанера, смешанная техника 76 х 76 см € 2,000-3,000 (100,000-150,000 руб)
100 Кирилл Рубцов (р. 1971) На диване из серии «Библиотека», 2013-2014 гг. фанера, смешанная техника 76 х 76 см € 2,000-3,000 (100,000-150,000 руб)
101 Виктория Марченкова (р. 1987) Благовещенский переулок из серии «Be calm and VIP», 2014 картон, смешанная техника 170 х 100 см € 1,000-1,500 (50,000-75,000 руб)
VLADEY ПРАВИЛА ПРОВЕДЕНИЯ АУКЦИОНА:
Организатором аукциона является ООО "VLADEY" (далее – Организатор аукциона). Участниками аукциона могут быть юридические лица в лице своих представителей (при наличии надлежаще оформленной доверенности на право участия в аукционе) и совершеннолетние физические лица (далее – Участники аукциона).
За лоты, помеченные специальным знаком (*), Участник аукциона, выигравший торги, дополнительно выплачивает авторское вознаграждение, рассчитанное в соответствии со статьей 1244 Гражданского кодекса Российс кой Федерации (право следования). Авторское вознаграждение выплачивается исходя из следующего расчета:
Аукцион проводится 24 ноября 2014 года по адресу: Москва, 4-й Сыромятнический переулок, 1 Для принятия участия в аукционе Участники аукциона до его начала заполняют регистрационную форму ( на сайте www.vladey.net или на стойке регистрации непосредственно перед аукционом) На аукцион выставляются произведения современного искусства, представленные в каталоге аукциона.
Цена произведения (в рублях) До 100 000 р включительно от 100 000 р до 1 700 000 р включительно от 1 700 000 р до 7 000 000 р включительно от 7 000 000 р до 12 000 000 р включительно
Аукцион проводится в следующем порядке:
от 12 000 000 р до 17 500 000 р включительно от 17 500 000 р
Размер вознаграждения (в рублях) 5% 5 000 р + 4 % от суммы, превышающей 100 000 р 69 000 р + 3 % от суммы, превышающей 1 700 000 р 228 000 р + 1 % от суммы, превышающей 7 000 000 р 278 000 р + 0,5 % от суммы, превышающей 12 000 000 р 305 500 р + 0,25 % от суммы, превышающей 17 500 000 р
• Участники аукциона, после прохождения предварительной регистрации, в результате которой получают карточку с номером участника. • Аукционист, выставляя лоты на торги, объявляет их названия и начальную цену. • Аукцион проводится путем повышения начальной цены предмета аукциона ("шаг аукциона"), при этом "шаг аукциона" устанавливается аукционистом. • Участники аукциона поднимают номерные карточки в знак согласия приобрести лот по цене, превышающей ранее объявленную на один шаг.
Участник аукциона, выигравший торги, расплачивается с Организатором аукциона наличными денежными средствами, кредитными картами (Visa, МаsterCard, American Express) или платежным переводом в течение 5 дней с даты проведения аукциона.
• Победителем аукциона признается Участник аукциона, предложивший более высокую цену лота аукциона. С ударом молотка Аукционист объявляет победителя аукциона.
Купленные на аукционе произведения искусства вывозятся Участником аукциона, выигравшим торги, при условии их полной оплаты, в течение 10 дней с даты проведения аукциона.
• Организатор аукциона осуществляет аудио- и видеозапись аукциона.
В случае, если Участник аукциона не вывозит произведение искусства в течение 10 дней с даты проведения аукциона, хранение произведения искусства осуществляется Организатором при условии возмещения Участником аукциона расходов по хранению.
Помимо цены купленного лота Участник аукциона, выигравший торги обязуется заплатить Организатору аукциона комиссию в размере 20 % от фактической цены купленного лота.
Организатор аукциона готов оказать содействие Участнику аукциона в доставке купленных на аукционе произведений искусства за его счет.
КОТИКИ В МАНЕЖЕ Новый Манеж, Георгиевский пер, 3
29.12 - 21.01 www.vladey.net
4