Los mejores directores del cine.
Los titanes que luchan por el oscar. Top 5 de las mejores películas de casi todos los tiempos. Top 5 de las mejores películas de Ciencia Ficción.
Documentlaes ventana a la cruda realidad, Blackfish y The cove
Hans Zimmer El compositor que caútivo corazones Desde el Rey León Interestellar ”La lucha de la humanidad por la agonía de la luz”
INDICE
Introducci贸n Los mejores directores del cine Hans Zimmer Interestellar Las mejores pel铆culas de (cas铆) todos los tiempos Documentales Blackfish y The Cove Las mejores peliculas de ciencia ficci贸n
3 4 9 10
Mario Vazquez Reportero
15 21 26 Zennia Ruiz Editora
INTRODUCCIÓN El termino cinéfilo se divide en dos palabras, “philus” del latín filo, se refiere a comunidad, y claro está la palabra cine, en representación del arte que todos hemos tenido la dicha de contemplar alguna vez en la vida. Una comunidad que tiene afición al cine, un gusto, un crítico, un experto analizador o simplemente un hobbie. Para que alguien se considere cinéfilo es importante conocer muchos factores a la hora de analizar una película, su guion, actores, escenografía, y todos los elementos técnicos y artísticos que componen la trama, ser cinéfilo no es motivo de enaltecerse o presumir conocer que los demás, es un gusto compartido en común con muchos, los gustos varían conforme a la persona que eres. Es por ello que en esta revista les brindaremos detalles únicos del cine podrás ser un cinéfilo de pasatiempo o gusto, no importa tu estereotipo, te daremos información para que no veas al cine igual dos veces, y despertar en ti ese amor al cine. El cine no solo funciona como entretenimiento sino también como divulgación cultural, una ventana a un mundo que te hace reflexionar y cambiar tu forma de ser y pensar. Donde te puedes expresar y gritar YA BASTA, siempre y cuando sepas esconder la realidad en la ficción. Dejemos el cine nos adentre a su creatividad en el pasado y nos lleve al futuro. -Zennia Ruiz
LOS MEJORES DIRECTORES DE CINE Deliberar sobre quienes merecen ser parte de la lista de los mejores directores de cine de todos los tiempos es caprichoso y muy subjetivo. Siempre tienes esa sensación de que no importa que tanto lo pienses, deliberes y racionalices semejante concepto, quedaras a medias y no harás tributo a quienes merecen. Pero dado que el tema está abierto y se puede deliberar al respecto desde un punto de vista personal, que se puede tomar como referencia únicamente por aquellos que confíen en las palabras de su servidor, se enlistan los que por el momento presente se consideran histórica,
social, artística y moralmente los mejores cinco directos de nuestra época. Un reconocimiento a todos los geniales directores que no tuve memoria, tiempo o espacio de incluir en la lista: Guy Ritchie, Danny Boyle, Wes Anderson, David Gordon Green, Alexander Payne, Neil Blomkampf, Peter Jackson, Fernando Mireles, Walter Salles, Juan Carlos Fresnadillo, Alejandro Amenabar, Spike Jonze, Pal Sletaune, Tomas Alfredson, Takashi Miike, Shin´ya Tsukamoto, Tetshuya Nakashima, Chan Wook Park, Jose Padhila y más… ‘Mario Vazquez
Ch r i st ophe r N ol a n
Oscar, fotografía por: The 87th Annual Academy Awards
Nacido de padre Inglés y madre estadounidense, Christopher Nolan comenzó a temprana edad a hacer películas con la cámara de 8 mm de su padre, a pesar de su leve ceguera. Su cortometraje ‘Tarantella’ se distribuye en los Estados Unidos, cuando aún era estudiante de literatura en la Universidad de Londres. A mediados de los años 90, rueda en 16 mm dos cortometrajes más, seguidos de su primer largometraje con un presupuesto ínfimo y en blanco y negro ‘Following’. Su éxito en diversos festivales, le permite realizar, dos años más tarde, ‘Memento’. Con una ingeniosa construcción (una serie de flashbacks), que también le valió una nominación al Oscar, ‘Memento’ es admirada en el mundo. Nolan es entonces cortejado por las grandes multinacionales y en 2002 dirigió a Al Pacino y Robin Williams en ‘Insomnio’. La película fue un éxito de
crítica y público. Christopher Nolan comenzó a enfocarse en ‘The Dark Knight’, después de ‘Batman Begins’, en la que se opone a la némesis del súperhéroe, el Joker. La película se sumerge en una oscuridad inusual para este género. Esto sin embargo no le impidió lograr un comienzo excepcional a los Estados Unidos recaudando más de 155 millones de dólares en un fin de semana. Este oriundo de Cánada, sorprendio tanto a críticos como al publico en general con el lanzamiento de Memento, a principios del presente siglo. Y no ha dejado de maravillar con su vasta imainacion, matemática, seriedad y sobrio realismo a todos con cada película que ha hecho. Si alguien pudo enaltecer el género de superhéroes al pundo de contender por mejor película en los Oscares, fue Nolan. - Mario Vazquez
Peliculas recomendadas: Memento, Trilogía del Caballero Obscuro, The Prestige, Interestellar e Inception.
Christopher Nolan
Ilustración: Christopher Nolan
Darren Aranofsky
Darren Aranofsky nace el 12 de febrero de 1969 en Nueva York (Estados Unidos). Desde muy joven se muestra interesado por el mundo del cine y, tras estudiar en la Universidad de Harvard, se matricula en el American Film Institute donde dirige sus primeros cortometrajes -Supermarket Sweep’, ‘Fortune Cookie’, ‘Protozoa’ y ‘No time’- entre 1991 y 1994.
logran obtener una gran repercusión y aceptación por parte de público y crítica.
Su debut en la gran pantalla llega en 1998 cuando dirige ‘Pi, fe en el caos’, un filme en blanco y negro en el que trabaja junto a Sean Gullette y Eric Watson y gracias al cual adquiriría una gran popularidad. Dos años más tarde, en el 2000, estrena la adaptación cinematográfica de la novela de Hubert Selby Jr. ‘Réquiem por un sueño (Requiem for a Dream)’, para la que cuenta con la ayuda del propio autor y que consigue numerosos premios. Durante los siguientes años dirige títulos, como ‘La fuente de la vida’ o ‘El luchador’, que
En 2010 dirige la exitosa ‘Cisne negro (Black Swan)’, filme en el que Natalie Portman conseguiría su primera estatuilla como Mejor actriz por su papel de una bailarina profesional de Nueva York. Aranofsky consiguiría también su primera nominación al Oscar como Mejor director con este filme. -Mario Vazquez Visionario y esteticista de los tiempos modernos, el cine de Aronosky siempre tiene el balance perfecto entre la lógica y la emoción, sin nuca abusar de las dos, Sus películas por diversas que son, siempre están llenas de imágenes que se convierten icónicas entre los gustosos exclusivistas del cine y el público en general. Exitoso pero siempre dentro de los confines del cine independiente. Peliculas recomendadas: Pi, Requiem for a dream, Black Swan. -Mario Vazquez
David Fincher nace en Denver (Colorado, Estados Unidos) el 28 de agosto de 1962. En su adolescencia se traslada con su familia a Oregon y se gradúa en la Ashland High School contando ya con numerosos filmes caseros realizados con una cámara de 8mm. Su pasión por el cine le lleva a dirigirse a la compañía de George Lucas, Industrial Light and Magic, nada más completar sus estudios y es allí donde comienza a participar en la producción de algunas películas siendo su debut en ‘La guerra de las Galaxias. El retorno del Jedi’ en 1983. A partir de entonces Fincher comienza a trabajar en anuncios y vídeos musicales durante casi 10 años. En ese periodo, en 1992, tuvo lugar su debut como director en la gran pantalla con ‘Alien 3’. En 1995 dirige ‘Seven (Se7en)’, filme que, protagonizado por Brad Pitt y Morgan Freeman, adquiriría un gran éxito mundial. A partir de ese momento comenzaría una época dorada para Fincher que dirige los éxitos ‘The Game’ y el ‘El club de la lucha (Fight
Club)’ en 1997 y 1999 respectivamente. Tras dirigir diversos títulos como ‘La habitación del pánico’ o ‘Zodiac’, el trabajo de Fincher vuelve a ser objeto de un gran reconocimiento mundial gracias a ‘El curioso caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button)’, película que dirige en 2008 y que le supone su primera nominación al Oscar. Tan sólo dos años después, Fincher vuelve a ser candidato a la obtención de la estatuilla por ‘La red social’, película por la que recibiría grandes críticas. Nadie penso que despues del estreno de la desastrosa Alien 3, que el nombre David Fincher quedaria en la historia del cine como un element importante de la cultura popular del siglo XXI. Técnicamente impecable y lleno de detalles perfeccionistas, el cine de Fincher deja huella en cada generación que experimenta su prgreso como narrados de hisorias, al pundo de convertirse en un rockstar entre los directores de cine del momento. ‘Mario Vazquez
Darren Aranfsky
David Fincher Peliculas recomendadas: Seven, Fight Club, The Game, The girl with the dragon tattoo.
Tom Tykwer
Tom Tykwer
Edgar Wright
Viva Bretaña y más porque a pesar de ser la tierra de Harry Potter, los Beatles y Sherlock Holmes, también es la tierra natal de Edgar Wright, el más hiperactivo, dinámico y vivo de los directores trabajando sin cansancio hoy en día, Desde sus principios en televisión hasta The World´s End, el mundo de Wright siempre ha sido algo que aunque bobo en superficie, nos identificamos a niveles muy personales a la larga. Experto en narrativa, edición, efectos especiales, música y diseño de producción, cada película que esté ingles desaliñado ha lanzado es una joya o al menos un pro-
Este compositor aleman convertido a cineasta ha maravillado con su estilo rápido de edición y estética flamante a los restos de la generación X y sus sucesores. Uno de los padres del conocido estilo de edicipon Mtv, Tykwer ha evolucionado a un grande pensador cuyas ideas trascienden el solo hecho de sentarse a ver una película con una fina pero siempre presente pizca de surrealismo dentro de un mundo palpable, las historias de Tywer siempre perduran en la mente de los que las ven. Su debut como director de largometrajes se produjo con “Mortalmente María” (1993), un thriller y drama psicológico sobre abusos y venganza que fue protagonizado por Nina Petri. Esta película consiguió cierta relevancia en Alemania, ganando premios en diversos festivales locales, como el de Hof o el de Bavaria en Munich, lo que impulsó la incipiente carrera de su autor.
Su siguiente film, el drama psicológico “Winters Sleepers: Soñadores” (1997), ya contó en los créditos con la aparición de X-Film Creative Pool, la propia compañía de producción de su director. Después de filmar un episodio con Natalie Portman para la película “Paris, Je T’Aime” (2006), Tykwer llevó al cine la novela de Patrick Suskind “El Perfume” (2006), intriga psicológica con Ben Whishaw en el papel principal. En “The International” (2009), thriller con Clive Owen yNaomi Watts, narraba una historia de corrupción con un miembro de la Interpol y una fiscal intentando destapar acciones delictivas de un poderoso banco. -Mario Vazquez Películas recomendadas: Corre lola corre, Heaven, El perfume, Cloud Atlas.
ducto de culto cocinándose en el horno del tiempo. Wright comenzó a dirigir sus propias películas a los 14 años, mientras asistía a The Blue School, Wells, Somerset (su ciudad natal). A los 20 realizó una parodia del cine de western, A Fistful of Fingers, la cual fue escogida para un lanzamiento limitado en cines y emitido en el canal de cable inglés Sky Movies. Luego dirigió varias comedias para el canal Paramount Comedy de Reino Unido y la BBC, incluyendo Sir Bernard’s Stately Homes y Asylum, programa en el que conoció a los actores y guionistas Simon Pegg y Jessica Hynes. En 1999 se unió a Pegg y Hynes para crear Spaced para Channel 4. Wright le dio a Spaced una imagen distinta al género de sitcom, con dramáticos ángulos de cámara y movimientos traídos del lenguaje visual del cine de ciencia ficción y terror. El éxito de la crítica de Spaced les allanó el camino a Wright y Pegg para mudarse a la gran pantalla con Shaun of the Dead, una comedia de zombies que mezclaba el estilo de comedia
romántica “Brit flick” con homenajes a los clásicos de terror de George A. Romero y Sam Raimi. La dupla escribió una comedia de acción, Hot Fuzz, cuya producción comenzó en marzo de 2006 y fue estrenada en febrero de 2007 en Reino Unido y en abril de 2007 en Estados Unidos. La trama gira alrededor del personaje del personaje de Pegg, Nicholas Angel, un official de policía transferido de Londres a un pueblo rural de Gloucestershire, donde comienzan a darse una serie de episodios espeluznantes. -Mario Vazquez Películas recomendadas: Shaun of the dead, Hot Fuzz, Scott Pilgrim vs the world, The World´s End.
Y el ganador al mejor Director es...
Stanley Kubrick
corriente cinematográfica del momento, esta ciencia ficción de extraterrestres, sino que mostro una visión a futuro de lo que podría pasar con la humanidad, y la naranja mecánica mostro nuevas técnicas de filmación, con el uso de lentes más rápidos y cámaras de mano más ligeras que las que se usaban en la época.
Nacido en Nueva York el 26 de Julio de 1928, Satnley de origen judío, mostro un interés por la fotografía desde muy pequeño y gracias a un regalo de sus padres, una cámara réflex comenzó su aventura con las imágenes, otro de sus pasatiempos favoritos y del que era un maestro era el ajedrez. Sus influencias para dedicarse al cine fueron Max Ophüls y Sergéi Eisenstein al primero por su técnica que tenía al utilizar la cámara de filmación y el siguiente por sus grandiosa habilidades con la técnica de la edición. Stanley filmo su primer cortometraje a manera de documental el cual llevo el nombre de Day of the Fight acerca del boxeador Walter Cartier. A partir de ese momento Kubrick financio con lo ganado sus siguientes proyectos entre los que destacan “The Killing” y “Paths of glory”. Para principios de los años sesenta, Kubrick alcanzo su consolidación como director con la película “Spartacus” en la cual gano tres premios Oscar y eso fue lo que principalmente impulso a Stanley a la fama. Dos años después se estrenó “Lolita” protagonizada por Vladimir Navokov, la historia cuenta la vida de un joven
Stamley Kubrick, Director
soltero que se enamora de una niña de 14 años Lolita. Posteriormente las películas más destacadas del director y a mi juicio las más importantes es “2001: odisea del espacio” y “La Naranja Mecánica” en la primera porque no solo quiso continuar con la
Una de sus características mas particulares del cineasta, fue la utilización de bandas sonoras para cada película que hacia, esto sumado a que las obras utilizadas eran material original y diseñado específicamente para la película en particular hacia que la visión artística de este se mantuviera. Su ultima película Eyes Wide Shut de 1999 protagonizada por Tom Cruise y Nicole Kidman aunque después de doce años de no hacer una película esta genero gran expectación, pero paso casi desapercibida por el publico, y es que debido a políticas publicas esta tuvo que ser censurada en algunas escenas en las que se presentaba una orgia, las partes genitales fueron borradas. Finalmente Stanley Kubrick muere el 7 de Marzo de 1999 en su residencia deHertfordshire, al sureste de Inglaterra, de un ataque al corazón a los 70 años de vida. -Zennia Ruiz Peliculas recomendadas: Odisea Espacial 2001 Naranja Mecánica El Resplandor
Stanley Kubrick Ilustración por martinansin
Conoce a....
Hans Zimmer El compositor alemán Hans Zimmer es uno de los más aclamados y que más fans acumula. Es un compositor que ha sabido llegar con sus partituras a los espectadores más jóvenes, quizás porque su peculiar estilo, lleno de fuerza (e iniciado en el sonido electrónico) ha sabido acompañar a buen puñado de títulos muy comerciales y de notable éxito internacional. También su inquietud que le ha llevado a realizar muchas colaboraciones y arreglos y versiones, lo que le pone en el panorama de la música cinematográfico como un artista indispensable. Hoy en día Hans Zimmer acumula bandas sonoras a lo largo de más de tres décadas y es uno de esos compositores indispensables en el Hollywood actual. Se ha ganado un reconocido puesto no sólo por su larga trayectoria sino por su versatilidad: cine de animación, acción, dramas, comedias,… aunque particularmente considero que es un gran compositor, quizás demasiado prolífico, lo que le hace acumular muchos trabajos y no siempre inspirados, pero esencial para entender el cine actual, al que ha sabido ponerle música y su personal estilo. Toca repasar las que considero sus diez mejores bandas sonoras hasta la fecha, aunque seguro todavía tiene un largo recorrido por delante. Filmografía parcial 2016 Batman v Superman: Dawn of Justice (Solo la música de Superman, y Junkie XL hará la de Batman) 2015Chappie 2014Interstellar The Amazing Spider-Man 2: Rise of Electro Cuento de Invierno 2013 12 años de esclavitud (Banda sonora) El llanero solitario Rush Man of Steel Beyond: Two Souls (Videojuego) La Biblia (serie de televisión) 2012 The Dark Knight Rises Madagascar 3 Sherlock Holmes: Juego de Sombras The Longest Daycare 2011 Piratas del Caribe: En Mareas
Misteriosas Crysis 2 (Videojuego) Rango Kung Fu Panda 2 2010 Inception Despicable Me 2009 Ángeles y demonios Sherlock Holmes 2008 The Dark Knight (Con James Newton Howard) Kung Fu Panda 2006 Piratas del Caribe 2: El cofre del hombre muerto El código Da Vinci 2005 Batman Begins (Con James Newton Howard) Madagascar 2002 Spirit: El corcel indomable 1998 El príncipe de Egipto 1994 El rey león
Hans Zimmer http://www.imdb.com/name/nm0001877/
Intestellar 2014 Cristopher Nolan
“LA LUCHA DE LA HUMANIDAD POR LA AGONÍA DE LA LUZ” Llegados a ese punto, la muerte era una evidencia que esperaba a ser concretada. Era cuestión de tiempo. De cuatro minutos mal contados, para ser un poco más exactos. Llegados a ese punto, cuando se habían abierto, de la manera más espectacularmente acongojante, las puertas de la naturaleza más desconocida, violenta y desbocada, y cuando ya no había posible vuelta atrás, quedaron unos segundos para que la memoria más inmediata buscara, en vano, otros caminos; estrategias alternativas y planes B que quizás, y sólo quizás, hubieran evitado una debacle de la que ahora ya no había forma humana de escapar. Tras ese dramático y ultimísimo balance general, y definitivamente llegados a ese agónico punto, qu-
10
edaron, para el final, unas centésimas de segundo para que los pocos miembros de la tripulación que seguían en pie cruzaran por última vez la mirada. Primero entre ellos; justo después con su capitán, viva imagen del abatimiento más digno, y a quien no se dirigió ni un amago de reproche, ni el más mínimo asomo de resentimiento. Y se acabó. No se supo más. Dice esta ley que las grandes caídas sólo pueden darse si previamente se ha llevado a cabo una gran escalada. Aplicada a la nave maldita de antes, su trágico final fue el resultado directo del hambre desmedida de su comandante en jefe. Pues fue suya (y sólo suya) la idea de tomar la ruta más peligrosa que hubiera figurado jamás en
cualquier carta de navegación; suya fue la brillante ocurrencia de aventurarse mucho más allá del último confín en el que el vigía más dotado hubiera puesto alguna vez el ojo; suya fue la decisión de mirar a la cara al destino más funesto, y jugar a los dados con él. Téngase esto en cuenta: Esta historia, que podría llevar por título, ‘Interstellar’, no va sobre el fracaso (si acaso trataría sobre la posibilidad de éste); trata de la obligación de pensar en grande, pero por encima de todo, del apetito. Éste corresponde a un arquitecto, a un ingeniero, a un pionero, a un explorador, a un cultivador... a un cineasta. A un director de cine que si se tuviera que medir su ambición en unidades de distancia, más que kilómetros, se
necesitarían años luz para establecer una escala que le hiciera justicia. Su nombre sería (y en este apartado ya no hay tantas opciones) Christopher Nolan, seguramente el profesional de esta industria (llámese también ‘’séptimo arte’’) que en los últimos tiempos mejor ha sabido conjugar las exigencias de la comercialidad con las necesidades de la autoría. Véanse, sin ir demasiado lejos, sus últimas seis películas (incluida la que ahora nos concierne), que comprenden prácticamente una década, y que trazan una constelación (precedida, esto sí, por un trío de astros que ya los quisieran muchos en su currículum) donde se percibe claramente la forma de un gran murciélago, extendiendo las alas. Pero hay más, pues en el interior de su silueta, hay otras estrellas que brillan con igual -o más- fuerza. aún cuando éstos contribuían tan significantemente en la construcción de su propia leyenda, tan esplendorosa, tan atractiva, tan rentable.
C ooper (matthew mcconaughey)
11
Lo que sabíamos antes de entrar en la sala de cine: Buena parte del argumento gira en torno a una de las teorías más conocidas de Kip Thorne, experto en la Teoría de la Relatividad que afirma que los agujeros de gusano no sólo existen, sino que además se pueden usar como portales para viajar en el tiempo. ¿Y por qué complicarse tanto? Pues porque en un futuro no demasiado lejano, la vida en nuestro planeta será igual de complicada. La Tierra, para no andarnos con excesivos rodeos, se muere, con que a la raza humana no le queda otra que jugárselo todo a una última mano en forma de viaje interestelar, en busca de otro planeta que pueda sostener su penosa existencia. Y por si no fuera lo suficientemente complicado, nos acompañará -casi- siempre la promesa de que lo que vamos a ver se ha hecho con el máximo rigor científico, esto es, todo el que permita la ocasión, que no es poco, pero no tanto. Mr. Thorne no se limita, pues, a dar el primer empujoncito, sino que teóricamente supervisará de cerca cada paso dado, para seguir muy de cerca, cómo Mr. Nolan se pierde -o no- en el negro infinito, pues no ya no tiene nada -o sí- por lo que volver. Y entramos en la sala de cine. Y se apagan las luces. Y empieza la cuenta atrás definitiva. Y se enciende el proyector, y... se nos cuenta lo que ya sabíamos, pero no de la manera que esperábamos. En el paraje más yankee que se pueda imaginar (maizales del Midwest, exacto) y con el acento más yankee que pueda llegar a captar nuestro oído, una serie de ancianos nos cuentan, básicamente, cómo empezó a irse todo al garete.
De nuevo, la fórmula es de sobra conocida, lo cual no quita que sorprenda (por no decir que descoloque) el verla empleada de una forma tan directa en un contexto como éste. La jugada tarda en ser procesada por el cerebro, pero las evidencias no dejan lugar a la duda. Encadenado de planos cortos, consistentes todos ellos en mostrarnos a personas que parece que lleven la etiqueta de ‘’gente corriente’’ estampada en la frente. A todas ellas se las convoca para dar testimonio de sus vivencias. Cuando éstas tomen cuerpo, lo harán de la forma más estrictamente cinematográfica, sin embargo, cuando estemos cara a cara con los narradores, se hará todo de una manera que no se corresponde con la butaca desde la cual presenciamos el show. Sobriedad absoluta en la puesta en escena. Como si cualquier atisbo de innovación en el -encorsetadísimo- formato amenazara con desviar nuestra atención de un contenido que toma el máximo protagonismo. Como si de unas entrevistas o documental (siempre televisivos) se tratara, correcto. Sin olvidarnos de que seguimos en la dichosa sala de cine, exacto. Y así, sin apenas darnos -todavía- cuenta, se nos ha mostrado por dónde irán realmente los tiros en ‘Interstellar’. Hablemos ya, pues, de una película meticulosamente esquizofrénica, que hará de su semi-oculta fisionomía bicéfala su principal argumento para conquistarnos. Ahí apunta el nuevo más-difíciltodavía de la casa Nolan, a una eopoya intergaláctica adicta a hacer malavarismos en distintos frentes. Entre la Tierra y lo desconocido de este
Intestellar 2014, escena de Cooper frente al agujero negro
En dicho conjunto de astros, hay uno que está a punto de apagar las luces para siempre. Muchas veces ha amenazado la ficción cinematográfica con poner punto final a la actividad y posible herencia terrícola, pero en pocas ocasiones ha logrado llegar a estas cotas de desolación. No por la magnitud de una condena tan absoluta como irrevocable, sino porque tanto sus causas como consecuencias se palpan en lo que realmente importa, es decir, en el espíritu de los condenados (reflejado en una frase, en un titubeo, en una mirada perdida en la nada...), que para colmo de males han ejercido previamente también, en mayor o menor medida, de verdugos. Como ya sucediera en la Gran Depresión descrita por Steinbeck / Ford en ‘Las uvas de la ira’, la codicia y despilfarro humanos ha trastocado, en lo que cabría catalogar de aterrador giro shakespeariano, a la propia naturaleza. Donde antes brotaban y crecían los alimentos, ahora sólo lo hace el polvo, testigo definitivo de la devastación más absoluta. Lo peor de todo es que no hay arreglo posible. Sí que
12
existe, por el contrario, una -remota- solución, que pasa, esto sí, por el trauma de hacer las maletas y emigrar allá donde la tierra vuelva a ser fértil. En la primera mitad del siglo XX, al drama de la inmigración le bastaba con una mudanza interestatal. En el XXI, es decir, en la era de los grandes números, la ruta exige ser de carácter y tamaño planetario, para llegar allá donde ningún ser humano había llegado antes. A pesar de la contundencia de la situación, en la exposición de los elementos que configuran esta plataforma de lanzamiento deberían oírse ya ecos de otros anuncios apocalípticos o, sin ponernos tan trágicos, de la promesa de otras odiseas espaciales. Si de influencias hablamos, es también fundamental aclarar un itinerario que traza un camino que, de tener que reducirse a los clásicos puntos “A y B”, describiría una especie de salto cuántico (y de fe, no lo olvidemos) entre Rod Serling y Stanley Kubrick. El resultado matemático nos habla de una película que a pesar de servirse constantemente de otros productos (en su
desconocidísimo cosmos; entre el pasado, el presente y el futuro; entre la pequeña y la gran pantalla... y como estaba implícitamente anunciado (pues hablamos de una de las constantes más claras en tan estupenda carrera), entre la ciencia y la creencia más profunda y difícil de demostrar. Todo esto transcurrido en un tiempo que, como ya sucediera en la matrioska onírica de ‘Origen’, se estira y se comprime hasta romperse, como si del cuerpo más blando se tratara. De vuelta a la cruda realidad (triste, pero ya no tanto) ocurre un fenómeno similar: Una película que se acerca peligrosísimamente a las tres horas de metraje, parece que solamente nos haya “robado”, a lo sumo, hora y media de nuestra vida. Pura relatividad. Magia para algunos, teoría contrastadísima para otros. Funciona (y de qué manera) en ambos casos. El alunizaje del Apolo 11 ya es, oficialmente, una invención. Una patraña que se orquestó con tal de arrastrar a la Unión Soviética hacia lo más hondo de un pozo de gastos inasumibles que, tarde o temprano, dictarían su propio colapso. No obstante, incluso cuando los libros de Historia son tan taxativos a la hora de referirse a dicho capítulo, sigue habiendo ingenieros que se resisten a creerlo. Antes (es decir, ahora mismo) los que iban a contracorriente, eran un puñado de adoradores de la teoría de la conspiración. Y sin importar el escenario ni sus protagonistas, el choque de trenes sigue produciéndose, y el estruendo de la colisión se oye en todo el Sistema Solar.
estética, calculadamente retro; en la elección tanto de las temáticas como de sus respectivos enfoques...) se antoja como una experiencia nueva (y fascinante, e intensa, y a todas luces fantástica) que nos tienta, como sólo Christopher Nolan sabe, a embriagarnos del placer del descubrimiento. En su vertiente más visceral (pues todo cabe en esta operación), nos encontramos con otro paso de gigante para la auto-consagración del cineasta responsable de ‘Memento’ (cómo pasa el tiempo... y qué estático parece a veces) como una religión en sí mismo. Con todas las ventajas y riesgos que conlleva dicha denominación. Su poder de convocatoria parece no tener tope... está por ver si sucederá lo mismo con el de convicción. Aquí es cuando debe tomar el control la revisión más fría y analítica de sus sacras palabras, o sea, es donde la nave puede bordear excesivamente el abismo. Es en este punto del viaje (cuando éste ya toca a su fin; cuando se ha dejado atrás el punto de no retorno, vaya) en que a la mente objetiva deberían asaltarle las dudas.
Las preguntas sin respuesta, a lo Lindelof & Cuse, pero con todo teóricamente explicado. Es, por supuesto, la clásica incomodidad que suele producir Nolan, alguien que trabaja en universos tan complejos y con unas reglas tan marcadas, que a la que parece que una de ellas ha sido violada (o no cumplida al pie de la letra), le queda a uno la duda de si la culpa ha sido del emisor o del receptor, que no estaba lo suficientemente atento. Hay más, porque en el caso en que la falta haya sido cometida por el primero, son más los interrogantes que nos asaltan. ¿Los personajes no corren el riesgo de ser barridos ante la inmensidad de la propuesta? ¿La inmensidad de la propuesta no se verá reducida por el necesario desarrollo de los personajes? ¿Con tanto a tratar y a examinar, bastará con 3 horas? ¿No hubiera sido preferible el formato serie para un desarrollo más satisfactorio? ¿Pero... cuenta la televisión con los medios suficientes para realizar esta proeza? En efecto, puede ser muy incómodo, más aún cuando, para cuadrarlo todo, la película opta tan descaradamente por un sentimentalismo al que muy fácilmente podría acusarse de cursilón. Como si Nolan hubiera cedido ante su lucha interior, y hubiera decidido darle la espalda a su lado más racional. El veredicto, como siempre, va al gusto del consumidor. Donde sí debería haber más unanimidad es a la hora de reconocer que cuando éste cineasta se aplica, pocos son los que pueden hacerle sombra en la costosísima tarea de demostrar que el concepto blockbuster no tiene por qué estar reñido con la inteligencia; que el cine palomitero no tiene por qué ser prohibir las reflexiones en el postvisionado, que es cuando realmente se ve si una película va a perdurar o no en nuestra memoria (o sea, cuando queda claro que lo que acabamos de ver es, o no, gran cine). El suyo, indudablemente, lo es. Porque su ambición (tan gargantuesca como una grandilocuencia que pasaba por ser la única vía aceptable para este proyecto) se ve correspondida por una exigencia que se ramifica en tres brazos interdependientes. Toca exprimir al máximo a cada miembro de su equipo: Véase, por ejemplo, la magnífica partitura compuesta por Hans Zimmer (desde ya, entre sus mejores No entres dócilmente en esa noche quieta. La vejez debería delirar y arder cuando se cierra el día; Rabia, rabia, contra la agonía de la luz. Aunque los sabios al morir entiendan que la tiniebla es justa, porque sus palabras no ensartaron relámpagos no entran dócilmente en esa noche quieta. Los buenos, que tras la última quietud lloran por ese brillo con sus actos frágiles pudieron danzar en una bahía verde rabian, rabian contra la agonía de la luz. Los locos que atraparon y cantaron al sol en su carrera y aprenden, ya muy tarde, que llenaron de pena su camino no entran dócilmente en esa noche quieta. Los solemnes, cercanos a la muerte, que ven con mirada deslumbrante cuánto los ojos ciegos pudieron alegrarse y arder como meteoros rabian, rabian contra la agonía de la luz. Y tú mi padre, allí, en tu triste apogeo maldice, bendice, que yo ahora imploro con la vehemencia de tus lágrimas. No entres dócilmente en esa noche quieta. Rabia, rabia contra la agonía de la luz.
Intestellar 2014, escena de Cooper y su hija Murph trabajos), cuyos órganos dotan de aún más profundidad a la épica operística marca de la casa, además de ser una prueba irrefutable de que hay bandas sonoras que justifican el visionado de una película... y a ser posible en una sala de cine. Véase también el rol que juegan, en este caso, los actores (de un elenco en el que encontramos la flor y nata del star-system hollywoodiense), obligados cada uno de ellos a cumplir con nota... pero a no destacar por encima de un conjunto que siempre tiene que quedarles por encima. Toca ponerse exigente, al mismo tiempo, con un espectador que no puede jugar un papel pasivo ante lo que desfila por la pantalla. Que tiene que dejar de ver para aprender a mirar... y así sufrir, intrigarse, estremecerse, desesperarse, emocionarse... en definitiva, implicarse al cien por cien en la resolución de una aventura con el mismo poder de atracción que el más glotón de los agujeros negros. Por último, y porque nunca está de más ponerse exigente, es imperativo poner el mismo grado de exigencia con una proyección cinematográfica que tiene que apoyarse en las tecnologías más punteras para que el espectáculo luzca tal y como lucía en la mente de su creador. Quien tenga al alcance una pantalla Imax para apreciar, como Christopher manda, el excelso granulado de la fotografía de Hoyte van Hoytema, o un espacio exterior que parece que jamás se haya mostrado tan bello (además de otras muchas maravillas que difícilmente pueden plasmarse en palabras) que no se lo piense dos veces... al resto de mortales, nos quedará la amarga sensación de no haber podido disfrutar del fenómeno en su máximo porcentaje. Nos quedará, esto sí, ese tan gratificante agotamiento que sólo pueden causar las películas que realmente importan. Aquellas que nos bom-
bardean por triplicado, apuntando tanto al sistema nervioso, como al neuronal... como al alma. Sí, ésta última existe... porque de no ser así, no existiría ‘Interstellar’, ni mucho menos Christopher Nolan, suerte de chamán científico que casi siempre acierta en la alquimia del humor, la sensibilidad, la fe y la ciencia, y que por ello es capaz de llegar a la risa, al terror y, por supuesto, al amor, a través de algo tan preciso como una fórmula aritmética (¿o acaso no corta la respiración comprobar cómo TARS, el roba-escenas robotizado, está a una sola ‘’E’’ de hacernos saltar todo tipo de lágrimas?). Es capaz de poner, en una misma escena, el carácter aberrantemente inabarcable del universo entero... y la poesía más humilde (a la vez que catártica) de Dylan Thomas. Es capaz de erizar todos los pelos del espectador. Es capaz de todo. De la conquista más imaginable al más terrible y total de los siniestros. De Serling a Kubrick, en un abrir y cerrar de ojos, pasando por Cuarón, Tarkovsky, Spielberg o Malick... además de otros muchos genios que, al igual que él, a buen seguro hubieran preferido adentrarse en las fauces del fracaso, antes que acomodarse en la insulsa bonanza de la mediocridad. Ante esto último, y como diría el poeta, ‘’Rabia, rabia’’, como si se tratara de la mismísima ‘’agonía de la luz’’. -Robert Minai
Calificación película http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-114782/sensacine/ 13
Que los mejores días de tu vida puedan ser motivo de recuerdo “Cada persona, cada momento tienen una belleza única e irrepetible, y es precisamente eso lo que busco plasmar en mis fotografías”
https://www.facebook.com/rebecaperez.fotografia
MEJORES 5 PELICULAS DE (CASI) TODOS LOS TIEMPOS ¿Y por qué no 10 o 15? De una vez 20. No importa que tanto se amplíe el alcance de este tipo de listas, nunca es suficiente. Así que resígnense, es solo una lista, acéptenlo, tómenlo como referencia o sigan con sus vidas creyendo cualquier cosa que quieran creer. Obviamente no está escrito en piedra y este tipo de listas han cambiado con el transcurrir de los años. Así como es obvio también que
depende del humor en el que este cuando me pregunten que haga la lista. Pero es difícil enumerar películas dentro de un solo género, aún más cuando se refiere al cine en general. Así que lo que dicta mi conciencia en este preciso momento, sujeto a no ser lo que piense mañana o para cuando esta revista salga editada, la lista de las mejores películas es:
LEON: THE PROFESSIONAL El amor o la muerte CRÍTICA uánto más tiempo dejo pasar desde que la vi, más se me olvidan los detalles de la película así que vamos a comentarla ya sin más dilación aunque sea de forma resumida.
C
Jean Reno interpreta a un asesino a sueldo que vive solo con la simple compañía de su planta, con el único capricho de no parar de beber vasos de leche y con la poca conversación que optiene de ir al restaurante del que le paga a compartir un rato mientras le ofrece el siguiente encargo. Alguna vez cotillea por la mirilla la agitada vida de la familia de Natalie Portman, una niña maltratada, que convive con su padre traficante, una madrastra desagradable, una hermanastra que idem y un hermano pequeño que adora y a penas habla. Un día su familia es asesinada y aunque con reticencia el protagonista la acoge en su casa para salvarle la vida, a priori de forma temporal dado que no quiere contacto ninguno con otras personas y menos con una niña y esta al final consigue quedarse y que además él le enseñe el oficio a cargo de que ella se encargará de las labores de la casa. El papel de la joven actriz es fresco, tierno a la vez que ácido, para mi el mejor papel que he visto de la actriz hasta el momento (aunque en breve toca ver El cisne negro que ya hay voces que la apuntan con él hacia el Oscar). Una especie de Hit-Girl
Ilustración Devianart
Poster The professional
del siglo pasado.
Gary Oldman es un policía de alto rango, corrupto y el asesino de la familia de la pequeña y que aunque choca bastante (quizá la única cosa de la historia que me parece un poco cogida con pinzas) hace y deshace lo que quiere fuera de la legalidad y de forma nada disimulada sin repercusiones. Su papel es de un villano brillante, un psicópata que no sabes por donde te va a salir y unas muecas y gestos impactantes. Un amigo me comentaba que el gran Jocker interpretado por Heath Ledger parece inspirado en parte en este personaje y coincido
con él. La historia no es exceso compleja pero es efectiva y te tiene pegado y la fuerza de la cinta está sustentada en las geniales actuaciones y en la relación que va surgiendo entre el protagonista y la niña con una gran complicidad en pantalla. Y todo ello muy bien rodado y plasmado, que también es importante. Una de las cintas más famosas del irregular Luc Besson, (1994) Lanzo esta joya franco-americana a mediados de los 90s cuando la generación X estaba a punto de reventar. Había pocos héroes, mucha acción y francamente un horroroso pop en esa época. Luego llegó Leon, interpretado magistralmente por Jean Reno. Basado ligeramente en Le Samurai de Jean Pierre Melville y The Killer de John Woo, este silencioso, inteligente y generosamente infantil asesino, se ganó nuestro corazones y el de Natali Portman en su primer papel. Diálogos profundos, acción y mucho suspenso y una relación enfermizamente tierna, la de esta película un lugar en la historia del cine. -Mario Vazquez
Calificación película
http://www.imdb.com/ 15
Atrapados sin salida N oilos Forman e s t(1975) oy¿Quél oes c o
M
la locura? ¿Cómo sabemos que no estamos locos? ¿Quíen decide y juzga lo anterior? Son las principales preguntas que residen en “Atrapados sin salida” como se le conoce en nusetro país. Jack Nicholson interpreta a un hombre que finge estar loco como alternativa al sistema penitenciario, pero… ¿Están los encargados del asio mental donde se refugia de acuerdo a sus puntos de vista? No solo por su servidor, sino por varios críticos y eruditos del mundo, considerando como una de las mejores películas, este filme nos hace cuestionar el piso donde pisamos.
tiempos donde los derechos humanos eran invisibles ante el avance tecnológico de los nuevos aparatos neurológicos.
La historia que nos narra esta película es una historia que a mi entender es atemporal, ya que si bien nos hace vislumbrar una época en particular, ella trasciende los años 70; entrar a la dimensión de esta película es ver una analogía contra el sistema, contra una sociedad que oprime, en este caso representada por un genial Jack Nicholson Poster Atrapados sin salida como McMurphy, personaje principal de esta desde mediados del siglo XIX. La anti adaptación de la obra de Ken Kesey, psiquiatría es subversiva con respecto enfrentado a la enfermera Ratched, al represivo orden social burgués. símbolo de autoridad interpretada de Quienes se encuentran en este movforma magistral por Louise Fletcher. El imiento consideran que la enfermedad orden y las restricciones que operan en mental tiene una génesis fundamentalel hospital nos recuerdan las líneas de mente social y que la psiquiatría tradimuchas sociedades. La individualidad cional ha sido la culpable, a través de de cada “enfermo” se vuelve conjunta su doctrina y de sus actuaciones prácy representa a aquella que busca por ticas, de la perpetuación de un estado momentos adaptarse y sentirse parte de represión ante el paciente psíquico. de la sociedad y que por otros moUna pieza clave en el desarrollo de mentos se resiste y solo pide tolerancia. este movimiento es la publicación en A través de los pasillos de un hospital 1961 de Historia de la locura en la psiquiátrico esta película cuestiona el época clásica, de M. Foucault. Historia sistema psiquiátrico norteamericano en de la locura es una fuerte y desmiti-
16
ficadora obra contra la psicología y psiquiatría hegemónicas, pero su crítica transciende esta esfera: es un ataque a la racionalidad occidental. En la primera oportunidad que la película nos muestra a los personajes haciendo terapia en grupo vemos la resistencia que ellos ponen en hablar, algunos incluso se esfuerzan por hacerlo pero culminan por desistir. El único que sí lo hace es Harding, el paciente que a lo largo de la película se nos muestra como más estructurado, en busca de responder a los parámetros que impone la sociedad, y el menos querido por sus compañeros. Al expresarse lo hace con un discurso muy rebuscado, discursivisado, repleto de palabras complejas que parecen embellecer su discurso pero lo único que generan es el rechazo de sus compañeros que no logran captar lo que éste quiere decir. El empleo de palabras sofisticadas por parte de éste puede deberse ya sea a: mostrar superioridad ante sus compañeros o, por el contrario o a consecuencia, a no querer asumir que al igual que ellos él tampoco quiere hablar y esconde detrás de las bellas palabras lo que realmente siente porque una parte de sí mismo no está tan segura de querer hacerlo.- Mario Vazquez
Calificación película
INCEPTION Realidad o un sueño
Christopher Nolan (2010). No hay manera de hablar de cine y no terminar por mencionar a Nolan en la plática no al menos en la época en que vivimos. Pero de toda su infalible carrera como guionista/director, Inception resalta como el Zeitgeist de su maestría en el arte del cine. Balanceada por partes, iguales entre realidad y fantasía, drama y ciencia ficción, aventura y acción Inception nos lleva adentro del mundo de los sueños y los estiliza de maneras nunca vistas. Literalmente es una escalera de Penrose hecha película. Nolan tardo más de 10 años en prepararse para esta película, este tipo de obsesión solo se ve entre los grandes de la talla de Stanley Kubrick, con quien por cierto siempre es comparado. Yo digo, Nolan no es el nuevo Kubrick, simplemente es el nuevo y único Nolan. -Mario Vazquez
A
lgunas personas después de ver “Inception”, podrán pensar que el guión es una buena idea pero que difícilmente se sostiene como algo posible: que podamos literalmente compartir sueños y extraer o insertar información que atraviese la frontera onírica con la realidad. Y, sin embargo, existe evidencia que los sueños compartidos o sueños mutuos existen y que se puede obtener información que no conocíamos antes dentro de los sueños para luego verificarla en la realidad. Es decir, que verdaderamente podemos acceder a la mente de otra persona. Nada más íntimo que visitar los castillos oníricos que construye una persona con la que tenemos afinidad. Nada supera la posibilidad de construir mundos juntos en los sueños. “Inception”, la nueva sensación cinematográfica de Christopher Nolan, es sobre Inception Poster todo una película de ideas, un neuroestimulante. Podemos discutir si es una gran película o no, si abusa de las persecusiones y entra demasiado en la estructura de un thriller, o si somete al espectador a un laberinto obtuso, donde la madeja no tiene un tejido del todo diáfano… Pero lo que es incuestionable es que la película se constuye bajo un poderoso bastión de ideas, entrañables a todo aquel se haya cuestionado un poco la naturaleza de la realidad. Y que logra plasmar esas ideas formalmente: a través de una metáfora en acción. Explotando la enorme capacidad que tiene el cine como medio de simular un sueño.
http://www.imdb.com/
La premisa de la película se centra alrededor de la capacidad que tiene Cobb (Leonardo Di Caprio) de navegar en las mentes de los demás. Cobb es un experto soñador lúcido, capaz de despertarse dentro de sus sueños, examinar la geografía del mundo onírico y estudiar sus leyes. Le dice a Ariadne (Ellen Page) la joven arquitecta de laberintos oníricos,”en los sueños percibir y crear son actos simultáneos”. En los sueños experimentamos plenamente la interpenetración de la conciencia con la materia: como revela la física cuántica, observar es afectar lo que observamos.
Calificación película
Inception 17
Abre los ojos da con ingenio en las posibilidades ofertadas por la realidad virtual, utilizada
La importancia de la apariencia en una sociedad que premia el valor físico y degrada al diferente, la futilidad vital, la alucinación amorosa, el narcisismo y la dificultad de acomodar nuestra realidad a los deseos, son algunos temas de este título de desordenado desarrollo, una parte final un tanto simplona, acomodada por regulares pistas (que contrasta con la complejidad del proyecto), escasa incisión en sus caracteres y alguna situación incongruente con las normas oníricas propuestas, pero interesante por su atmósfera enrarecida, su aceptable manejo del suspense y su indudable talento narrativo. -Mario Vazquez
César (Eduardo Noriega) es un joven atractivo y adinerado, que ha heredado de su familia lucrativos negocios de hostelería. Al contrario que su amigo Pelayo (Fele Martínez), tiene éxito en sus relaciones con las mujeres, no manteniendo una ligazón Poster abre los ojos seria con ninguna. En la fiesta de su cumpleaños conoce a la acompañante de Pelayo, Sofía (Penélope Cruz), a la que intenta seducir ante el acoso de Nuria (Nawja Nimri), su última conquista. Cuando salga de casa de Sofía, Nuria requerirá su compañía haciéndolo montar en su coche. Poco después sufrirán un accidente que acabará deformando su rostro.
Calificación película
Segundo largometraje de Alejandro Amenábar, pretencioso y confuso en principio, pero nada desdeñable en su recreación paranoica entre ficción y realidad, entre apariencia y verdad. Es un thriller de ciencia ficción que abun-
18
para establecer un recorrido por las peculiaridades psicológicas de un personaje afortunado en la vida, que verá como en su trastoque estético, su existencia se verá inmersa en una espiral de locura y pesadilla.
César
http://www.imdb.com/
P
elícula española que recito una y otra vez durante extensas conversaciones Alejandro Amenabar logró con Abre los ojos lo que muchos directores dentro del esquema de Hollywood jamás soñarían con hacer una película que colida con muchos géneros, pero se define como única en su existencia. Una pizca de ciencia ficción, karma, nostalgia, drama, comedia, surrealismo y magia. Abre los ojos, es una de las películas mejores pensadas, narradas y planteadas ya sea de su época, como de cualquiera.
Brazil
L
as otras 4 películas de la lista podrán cambiar con el tiempo, no eran las mismas que pensé ayer, creo que ya no son las mismas después de haberla escrito. Pero una cosa es segura, Brazil de Terry Gilliam es destronable. ¿Qué hace una buena película? ¿Una buena historia, diseño de producción, buenos efectos especiales, buena edición, iluminación, lógica, música, fotografía, etc? Esta película lo tiene todo y a grandes escalas. Comienza como una sátira de la vida burocrática de cualquier país, termina siendo una pesadilla Kafkiana dentro de un mundo Orwelliano perdido en la década de los 50´s. No pierdan más el tiempo leyendo esto, busquen Brazil y háganle un favor a su imaginación. Sam Lowry (Jonathan Pryce) es un empleado de los “servicios centrales” una rama del gobierno cuya función es inmiscuirse en la vida de losPoster Brazil ciudadanos hasta tal punto de controlar todo lo que estos realicen. Al mismo tiempo, Sam conocerá a Archibald Tuttle (Robert De Niro), líder de la revolución en contra del gobierno fascista que domina a su gente.
que el patético Sam Lowry (con una carismática interpretación de Jonathan Pryce) se desenvuelve a tropezones, guiándose siempre en su fértil imaginación, la cual no ha sucumbido aún ante el despotismo de los temibles “servicios centrales”. La colorida fotografía de Roger Pratt y la brillante imaginaria visual y lúdica de Terry Gilliam nos brindan una tragicomedia con elementos de potencial enorme que encajan también en la ciencia ficción y el surrealismo, todo alimentado desde el inolvidable tema de Ary Barroso “Aquarela do brasil”, orquestado a la perfección por Michael Kamen, sinfonía que realza los pasajes oníricos de esta bella cinta.
Orwell, posteriormente pulido por Tom Stoppard y Charles McKeown. Una interesante visión surrealista de la modernidad, una sociedad caótica en la
¿Cuando despiertas de tu más maravillosa fantasía, solo logras regresar a tu pesadilla diaria? Ese es el punto central de esta maravilla del séptimo arte, un viaje lleno de pruebas y trampas sádicas que nuestro tímido héroe tratara de evadir para alcanzar el corazón de su amada, solo debe aferrarse a sus sueños. Tras “Time Bandits” Terry Gilliam y Michael Palin, su amigo del grupo Monty Pyton, co escriben la premisa de esta historia inspirada en 1984 de George
Lo mejor sin duda, las encarnaciones de Pryce, Ian Holm como el inútil jefe de sección Kurtzmann, Michael Palin como el torturador Jack Lint y las cortas pero agradables secuencias junto a Robert DeNiro como Archibald Tuttle. La banda sonora de Kamen en perfecta sincronía con la cinta, el tono general del film con un humor negro muy agradable y fácil de digerir. -Mario Vazquez
Calificación película
Brazil
http://www.imdb.com/ 19
20
LOS DOCUMENTALES QUE INFLUENCIARÓN DESDE UN CINE
E
l cine no solo se trata de disfrutar de una buena película que nos saca de la realidad, hay realidades que son necesarias conocer desde una pantalla IMAX, y merecen un reconocimiento por ello,, no solo por su guión, dedicación o fotografía, sino por recordarnos que existe un mundo allá afuera que espera por nuestra empatía y concentración. Los documentales han sido motivo de premios Oscar, debates abiertos y libres pensamientos, detras de cámaras hay personas que arriesgan sus vidas por dar a conocer al público su esfuerzo para mostrarnos una verdad tangible, tal es el caso como lo fue el documental de la matanza de Tlatelolco, Los 30,000 desaparecidos en Argentina, La marcha del emperador, y a continuación mostraremos dos joyas de los documentales de esta década Altamente recomendadas y abiertas a todo pensamiento y apoyo.
BLACKFISH y THE COVE -Zennia Ruiz
Tilikum, poster Blackfish
Calificación película Blackfish
Calificación película The Cove
Poster the Cove
Información en: http://blackfishmovie.com/ http://www.thecovemovie.com/
21
“
Black Fish” dirigida por Gabriela Cowperthwaite y “The Cove” dirigida por Louie Pshioyos y ganadora del Oscar a mejor documental, ambos son trabajos que han cambiado mi perspectiva, ya que son absolutamente parciales y tienen un punto de vista y un objetivo muy claro: convencer al publico que mamíferos ma-
22
rinos no deben estar en cautiverio. Pero yo creo que ese es el punto de los documentales, hacerte pensar, entrar en conflicto y obligarte a investigar y decidir cual es tu posición en el asunto. Primero vino “The Cove” en el 2009 un documental que sigue a Richard O´Berry. En los 60’s, durante diez años Richard, fue el entrenador de los cinco delfines que “interpretaban” a Flipper en la serie de televisión con el mismo nombre. El tiempo que pasó con los delfines, entrenándolos y cuidándolos, llevó a que se creara un lazo especial entre ellos y su entrenador, los entendió pero al mismo tiempo vio como funcionaba la industria de parques acuáticos. Fue cuando Kathy, el delfín que más representaba a Flipper, sin estar enferma, simplemente Ilustración de orca en Seaworlddejó de respirar: se hundió al fondo del
tanque donde la tenían y se rehusó a salir a respirar con Richard quien fue incapaz de salvarla. Ese día la vida de Richard cambió, entendió lo mucho que estaba lastimando a esos animales que tanto amaba al tenerlos en cautiverio y con eso se volvió un activista. En “The Cove” nos llevan a una bahía remota en Japón, donde cada año atrapan a cientos de delfines, entrenadores entran a la bahía y eligen a algunos para llevárselos a parques acuáticos (el resto son asesinados y su carne es vendida pretendiendo que es de ballena ya que la carne de delfín es muy mala para el ser humano por sus altos niveles de Mercurio). Este documental esta hecho de una manera tan cautivante y emotiva que es imposible que no te afecte. Este documental empujó un movimiento en contra del cautiverio de estos mamíferos tan inteligentes. En el 2013 se estreno en televisión el documental “Black Fish”. Este documental es altamente polémico, definitivamente no cuenta ambos lados de la historia, pero en ciertos casos; ¿es realmente necesario? En Sea World Orlando tienen una orca que se llama Tilikum, ha habido múltiples ataques que han resultado en
Orcas en Naturaleza, fotografía
Blackfish logo muerte de entrenadores. Tilikum esta involucrado en al menos cuatro casos, tres de ellos resultando en la muerte del entrenador. El último caso fue cuando Tilikum mató a Dawn una entrenadora con más de 10 años de experiencia. Sea World intentó decir que el ataque fue un accidente y que Dawn se resbaló y cayó en la alberca donde tenían a la orca mas grande en cautiverio, pero videos de turistas muestran que Tilikum jalo a la entrenadora a el tanque de agua. Estas inconsistencias y las mentiras de Sea World, culpando a la entrenadora por su propia muerte a pesar de que la autopsia muestra la brutalidad con la que fue atacada, llevó a la directora de
“Black Fish” a buscar la verdad tras esta tragedia. Es un documental muy interesante pero que mas que dar respuestas me plantea muchas preguntas, lo cual obviamente no es malo. Este documental causó tremenda polémica, Sea World los acusa de no haber mostrado la verdad aunque se negaron a ser entrevistados. Gracias al internet he podido hacer mis propias búsquedas y buscar “ambos lados de la historia” . The Cove es un documental mejor realizado, con técnicas y una habilidad docu-periodista impresionante, pero ambos nos enseñan cosas muy importantes. No cabe duda que jamás volveré a asistir a ningún lugar que tenga animales salvajes haciendo
un “show” ni parques como Sea World, ni circos. Las invito a ver ambos documentales y a hacer sus propias conclusiones. - Sara Seligman
Dan Brawn, Sea World
23
Continua viendo tu película favorita sólo en
Ver películas y series en cualquier lugar en cualquier momento por solo USD $7.99 al mes.
LOS 5 MEJORES DE LA CIENCIA FICCIÓN
H
ay varias uniones que cambian al mundo, la política y la vida social; la vida y la muerte; sal y pimienta; comics y geeks; etc., etc. Cuando dos cosas combinan de manera que no pueden vivir una sin la otra, esta simbiosis se convierte en un concepto nuevo que tiene vida propia independiente de sus orígenes. Tal es el caso de la ciencia ficción, concepto que al principio suena a un oxímoron, pero es todo lo contrario. La vida practica de todos nosotros se define por lo que la ciencia puede hacer por nosotros, no sabemos qué hace, solo sabemos que hace y disfrutamos los resultados. Pero cuando llega el momento de que algo deja de funcionar, entonces la ciencia es un monstruo al que nadie sabe combatir y los científicos como cual San Jorge contra el dragón, tienen que lidiar con él. Estas palabras han sido derivadas de la ya muy citada película Matrix Recargado, excepto lo del dragón. Por otro lado, ¿qué es un mundo sin ficción? ¿Sin fantasías y sueños, sin esperanzas e ideales? Estaríamos estancados sin avance alguno como los simios al inicio de 2001 odisea del espacio. La fantasía, nos hace ver que deseamos, a donde vamos y que podemos hacer, y lo que no se puede hacer, se vuelve realidad al implementar la ciencia. Ergo, la ciencia es derivada de la ficción, y la ficción es engendrada por lo que la ciencia nos ha dado. He aquí las mejores 5 películas que muestran la dicotomía entre lo que se sueña y lo que se puede lograr, películas que entienden al ser humano y lo direccionan hacia el futuro: -Mario Vazquez
26
Strange days
Poster Strange days
D
ías extraños es una película estadounidense de 1995, dirigida por Kathryn Bigelow y protagonizada por Ralph Fiennes.
Reseña
29 de Diciembre de 1999. Una sociedad corrupta, más preocupada de disfrutar de los preparativos para la llegada del nuevo milenio que del asesinato de Jeriko One, un rapero comprometido con las minorías. Una sociedad basada en el individualismo, en la que la droga de moda es poder disfrutar sintiendo las sensaciones de otros, a través de sus recuerdos. Los hombres quieren saber qué siente una mujer, aunque sea en un momento tan inocente como el de tomar una ducha. Pero también quieren sentirse asesinos, violadores. Experimentar cosas que no serían capaces de hacer nunca por ellos mismos. Y Lenny Nero es el Santa Claus del subconsciente. El hombre que hará realidad sus sueños. El hombre que ha perdido cualquier aliciente en su vida, después de ser expulsado de la policía y de haber perdido al amor de su vida… amor que puede recordar gracias a la droga con la que él mismo trafica.
Realidad virtual, enchufada directamente a tu cerebro. Una sociedad en la que la droga da trabajo a miles de personas, editores, actores, traficantes. Una droga que puede ser el desencadenante de un mundo pre-apocalíptico, en el que Lenny Nero se alzará como héroe involuntario para hacernos pensar, finalmente, que no todo está perdido. Días Extraños merece colarse en el top de películas más influenciables de la época dentro de su género. Sin duda una de las películas más pasadas por alto tanto por críticos como por el público en general. Esta película nos muestra un 1999 distopico en que al ras del año 2000 comienzan a surgir insurgencias sociales en las calles de Los Ángeles, mientras que en el mercado negro la nueva forma de realidad alterna está al alcance de los compradores en forma de una grabadora de pensamientos y sueños que hace al espectador vivir lo que otras personas hacen. Violenta, llena de acción, romances fallidos y obsesiones mal sanas, y con una de las mejores actuaciones de
Ralph Fiennes, es una de las mejores sci fic de todos los tiempos. -Mario Vazquez
Calificación película
http://www.imdb.com/ 27
Matrix
R
ealmente hay poco que pueda decir de The Matrix que no se haya dicho ya antes, pero lo intentare. Una mezcla acelerada de cyberpunk, futuro Orwelliano, existencialismo Kantiano y Descarteriano, anime, kung fu, y pensamientos de adolescente japonés adicto a videojuegos. Matrix es una paradoja. Crítica a un mundo hipertecnificado que hace uso de la tecnología como principal reclamo comercial. El mundo real no es más que una construcción de códigos binarios. Y el hombre encerrado en la caverna de Platón esperando algún día salir de la oscuridad. Buscando al mesías para que renazcan las esperanzas utópicas revolucionarias. La sociedad distópica de Matrix es una ilusión. Un artificio creado por las máquinas que en su engaño tiene controlado al hombre mientras vive embaucado por la simulación. La realidad física del hombre vive encapsulada en un entorno apocalíptico como nutriente eléctrico del yugo mecánico y artificial. Y contra el dominio
28
Poster Matrix, Neo, Morfeo y Trinity tecnológico, la emancipación. La profecía del sabio Oráculo dice que será el elegido el que destruirá la hegemonía maquinista. Morfeo y Trinity irán en busca de Neo, el redentor. Y la primera de la trilogía será la narración de cómo Neo adquiere su condición de salvador de la humanidad. Así veremos, cómo en el futuro, la realidad artificial se escinde de la humana. Dos dimensiones bipolares que conducen a que la historia navegue en el paralelismo e intersección de los dos planos. Así, la identidad es una construcción fracturada. Y en esa fragmentación, el hombre busca recuperar su libertad. Y para ello no quepa duda. Es necesaria la acción subversiva y terrorista contra el sistema para que el hombre recupere la supremacía en el mundo. Rompen las leyes físicas y lógicas, se ralentiza o se dilata el tiempo según se antoje y la acción se hace más líquida que nunca aunque ello se condimente con un poco de artes marciales que den apariencia física a una actividad puramente virtual. Matrix llegó para quedarse en la cultura
popular y cambio el juego por completo en general sobre como veíamos las películas de ciencia ficción y acción. ¿Qué es la Matrix? Es la pregunta que inunda la primer parte de la película y tenemos que deliciosamente disfrutar el resto para saber que es. -Mario Vazquez
Pastilllas de Matrix
Calificación película
http://www.imdb.com/
LOOPER
L
a sinopsis establece que en el año 2077 se inventará la máquina del tiempo y que rápidamente será declarada ilegal. Sus usurpadores son mafiosos que la utilizan para deshacerse de forma eficiente de sus víctimas, enviándolos a 30 años en el pasado. Los encargados de matar y destruir los cuerpos que llegan del futuro se llaman “loopers”. Uno de ellos es Joe (Joseph Gordon Levitt), cuya desenfrenada vida de sexo, drogas y lingotes de plata se ve interrumpida cuando se enfrenta con su versión madura, interpretada por Bruce Willis. La película tiene una estética singular que combina algunos elementos futuristas con las estéticas que se ven en los clásicos sobre gángster, dándole prioridad a esta última. Este aspecto de entrada cautiva de este filme. Es un futuro alejado a nuestro tiempo actual y sobresale ver que aún existe una aparente gran parte de la humanidad teniendo en cuenta las pesimistas versiones que suelen estrenarse, aunque se destaca
Ilustración Poster Looper también la austeridad del panorama. Mucha desolación, pocos lujos, poca alimentación, pocas señales de modernismo, un cielo enrarecido, se evidencia cierta nostalgia, se retorna al uso del oro y la plata (otro indicio Illuminati de un futuro sin capitalismo) y uno que otro avance tecnológico. En lo que si avanza la sociedad es en el control (por que evidentemente no se trata de un descubrimiento) de sus habilidades kinéticas, aspecto tan común – en la película y aún hoy por estas sociedades secretas de tiempos inmemoriales -, que se presenta en este filme incluso como una habilidad sin ningún tipo de valor ya.
con mucha rapidez, credibilidad y de forma no lineal. Looper es una mezcla de géneros como el del gángster, la ciencia ficción pero también del thriller y el horror, pues su historia en donde el crimen organizado manda la parada gira en cierto punto a aspectos mucho más siniestros que el hecho de torturar o asesinar personas. Cuando uno ve este tipo de películas de Hollywood, por supuesto estas de la ciencia ficción, bien cabe recordar una máxima de Confucio: “Signos y símbolos gobiernan el mundo, no las palabras ni las leyes” -Sandra M Rios U
Los dos “yo” se encuentran en ese presente y comienzan una puja donde cada uno de ellos desea ajustar los próximos acontecimientos acorde a los conocimientos que cada uno tiene hasta el momento de su propia existencia. Una competencia consigo mismo muy interesante, de valor moral complejo, contada
Calificación película
http://www.imdb.com/ 29
Blade Runner
Es una película futurista que se ubica seis años adelante de nuestra actualidad, es decir en el año 2019, en la cual, la humanidad ha «progresado» en tal medida que es capaz de crear androides que son casi humanos, casi porque la única diferencia que tienen aquellos es que no tienen de inicio sentimientos, ni recuerdos propios; sin embargo, cierto tipo de esos androides, los Nexus 6, podían desarrollar los sentimientos con el tiempo, por otro lado, a algunos les implantaban una serie de recuerdos para que su vida tuviera una coherencia con la realidad, pues un individuo sin recuerdos no tendría sentido ni consciencia de su existencia. Eso generaba una incomodidad para los humanos, ya que si así sucedía, después no podrían distinguirse de aquellos, por lo que el concepto de humano quedaba un tanto confuso, pues cómo se podría en una situación así definir cuál era humano y cuál no lo era. Podemos entenderlo como un mensaje a la misma humanidad de que su progreso, su avance, su tecnología lo puede destruir, pues cuando se crean cosas sin pensarlas detenidamente antes de actuar, corremos muchos peligros respectivos a las consecuencias que nuestras creaciones nos puedan acarrear. La forma en que la réplica asesina a su creador,
30
y la manera en que vemos el mundo, da a pensar que la humanidad está cavando su propia tumba. El ser humano trata de tener el control de todo, y gracias a su poderoso razonamiento va bastante lejos; pero llega el momento en que todo se sale de control. Sucedió así con la rebelión de aquellas réplicas, y sucede así en la vida real, pues aunque la ciencia avance a pasos agigantados, nos damos cuenta también que las condiciones para vivir en este mundo son cada vez más miserables y difíciles, y todo porque aquel avance tecnológico se ha salido de control, el creador, el ser humano ya no es capaz de controlar todo aquello que ha devastado con su tecnología, y ahora el daño se le está devolviendo en gran medida. La humanidad pues, ha perdido en la película su identidad como ser en el mundo y se ha dejado llevar por su raciocinio para ponerse sobre él y dominarlo, pero se olvidó en ese proceso que él mismo también es parte del mundo, y al querer dominarlo con tecnologías, termina con ellas dominándose a sí sin poder escapar. Considerada por muchos como una de las mejores películas de todos
los tiempos, no solo de sci fi. Blade Runner, nos mete dentro de la mente de humanos y ciborgs por igual. Más humano que un humano es el lema central de la compañía Tyrrel que se encarga de construir dichas maquinas, las cuales no están de acuerdo en vivir solo cortos periodos de 5 años y comienzan una revolución contra sus creadores buscando vivir más, mientras que un blade runner, asesino del gobierno los persigue para evitar más muertes. El diseño de producción es lo más hermoso que se pueda haber visto, sus diálogos totalmente trascendentales, y las actuaciones sublimes. Una verdadera joya que merece más de una vista. -Mario Vazquez
Calificación película
Odissea Espacial 2001
Un largometraje de ciencia ficción en el que se narra la historia de la humanidad, en primer lugar se da una vista de la mas remota historia de la humanidad, los homínidos que ya caminaban en dos piernas, vivían y convivían con atrás especies animales, siendo vegetarianos y juntándose en manadas, hasta que la presencia de un “monolito de procedencia evidentemente extraterrestre” antecede a la pelea por territorio, el homínido tuvo que ingeniárselas para ser mas fuerte y lograr superar a otras manadas, esto lo consiguió utilizando un hueso para destrozar un montón de los mismos y hacerlo de igual manera contra los demás homínidos y en ese momento, al parecer es el inicio de la tecnología y ante nuestros ojos se presenta la elipsis mas importante en la historia del cine según expertos como Carl Sagan en la pagina de Wordpress el 27 de mayo del 2007 “la elipsis más grande de la historia del cine ya que abarca el vertiginoso periodo de un millón de años. Cualquier otra elipsis de la historia del celuloide es una pequeñez a su lado” A partir de este momento comienza un buen momento con las inconfundibles notas de “Danubio Azul” de Johan Strauss, y vemos como la nave espacial y la estación espacial bailan en el espacio, y de pronto vemos algo totalmente diferente, el homínido peludo se había convertido en un hombre moderno con tecnología rodeándolo y una forma de vida totalmente diferente, hablando por teléfono (de monedas) a través de un monitor viendo que es lo que hace la otra persona que
habla con el, en fin una forma de vida muy avanzada. La interacción con las maquinas que parecen tener conciencia interactúan con el hombre y es de tan naturalidad que estas lo hacen por si mismas al grado de que estas generan una conciencia propia y hasta sentimientos parece que expresan. Como se ve, las dos tramas paralelas de 2001 giran en torno al tema de la inteligencia. La película no tiene grandes moralejas, como corresponde a un film cuya intención básica es presentar una experiencia audiovisual, pero sí llega a algunas conclusiones claras. Por ejemplo, la idea de que es la inteligencia lo que nos hace humanos. En 2001, inteligencia y humanidad son términos equivalentes. Eso no significa que el concepto “humanidad” sea contemplado con benevolencia: de hecho el film hace continuo hincapié sobre nuestras imperfecciones, incluso a través de las imperfecciones de HAL —que no es propiamente humano pero sí una representación de lo que la humanidad significa— y la condición defectuosa del hombre es subrayada más todavía por la angelical perfección del Niño de las Estrellas. Lo que 2001 nos dice es que somos humanos porque somos inteligentes, que la inteligencia es no sólo nuestra característica constituyente sino también nuestra principal herramienta, y que deberíamos intentar encontrar el mejor uso posible para dicha inteligencia. Y por qué no, un buen modo de empezar a hacer buen uso es ver —o volver a ver—
2001: una odisea del espacio. A ello. Hasta la parte del viaje hiperespacial que hace el protagonista en el que se observan colores, figuras no tan reconocidas de una superficie que probablemente sea la tierra y todo eso termina en un aterrizaje dentro de una casa de apariencia muy extraña, en donde el personaje pasa por todas y cada una de las etapas de la vida humana hasta el renacimiento de el mismo, que simboliza el renacimiento de la humanidad, al menos esa seria mi aportación. Stanley Kubrick incursiono en muchos géneros del cine, y en esta ocasión lanzo su opus sobre la evolución del hombre y sus hipótesis de sobre de dónde venimos y más importante, hacia dónde vamos. En este viaje en forma de película, nos metemos directo a la evolución del hombre, desde los cavernícolas primates hasta los hijos espaciales, la generación que dominara las estrellas. La película deja más preguntas que respuestas, pero es ello mismo lo que la vuelve importante y trascendental. Religiosa, científica, metaforita, poética, fría, calculadora, visionaria, estilista, 2001, es un rito de pasaje para aquellos que quieren evolucionar al siguiente eslabón de la conducta humana. PD, cuidado con HAL 9000. -Mario Vazquez
Calificación película 31
VIVE LA MAGIAY LA EMOCIÓN EN