Revista ESCALETA by zulay

E S C A L ET A Precio: 1,5€

Nº 1

LAS CARAS DE

JONNY DEPP Making of de Gravity

Dobles y actores

12 años de esclavitud

ECCIONES

La Entrevista

4-5

Film Pop

6-17

Proyector

18-25

El Despiste

26-31

Making of

32-39

Palomitas

40-47

Clásicos

48-53

La Crítica

54-55

Cartelera

56-58

Pasatiempos

LA ENTREVISTA

AÑOS DE ESCLAVITUD “No hay más películas sobre la esclavitud porque todavía averguenza a la gente” Para Steve McQueen contar esta historia era una obligación moral. Un rodaje emocionalmente muy duro que ya da sus frutos en forma de aplausos y premios Pregunta: ¿Cómo y por qué la necesidad de contar esta historia?

Respuesta: Tenía claro que quería hacer una película sobre la esclavitud, y necesitaba un estímulo, algo que me permitiera trazar una narrativa. Pensé que sería interesante contar la historia de un hombre que había sido libre en el norte, que era raptado y esclavizado en el sur. Así que comencé a trabajar en el guion con John Ridley, y en la fase de documentación, mi mujer dio con el libro “12 años de esclavitud”. Comencé a leerlo y cada página fue como una revelación. Todos creemos saber cómo era la esclavitud, pero al leer el libro me dí cuenta que realmente yo no lo sabía. En ese punto me enfadé mucho conmigo mismo ¿cómo era posible que no conociese ese libro? Pero poco a poco me fui dando cuenta que realmente nadie en mi entorno lo conocía. Y a partir de ese momento hacer una película basada en ese libro se convirtió en una necesidad.

P: ¿Qué tiene Michael Fassbender que no tengan otros actores? R: Michael es un talento único, un actor, un artista muy especial. No hay nadie como él.

P: Es la tercera colaboración con él, con tres proyectos que tienen más en común de los que parece a primera vista…

R: “Hunger” y “Shame” son historias muy visibles y muy presentes: la adicción sexual, las consecuencias de una huelga de hambre, que aún trae cola en

la Irlanda contemporánea. Y por supuesto los efectos de la esclavitud: mala educación, drogas, familias disfuncionales… todas estas cosas no salen del aire, tienen su origen en la historia que cuenta la película.

P ¿Qué opina de “Lincoln” o “Django desencadenado”? Ambas se ubican en un período similar y tocan el tema de la esclavitud...

R: “Django desencadenado” y “Lincoln” no hablan de la esclavitud. “Django desencadenado” para mí es un spaghetti western, una película de venganza, que aludía colateralmente a la esclavitud. Pero en realidad, no son películas que traten sobre la esclavitud, y esa es exactamente la película que quería hacer yo.

P: ¿La esclavitud sigue siendo un tabú en el cine?

R: Es evidente que la esclavitud es un tabú en Hollywood, probablemente por la vergüenza respecto a un episodio tan grave y tan violento en la historia de Estados Unidos. Probablemente es el complejo industrial más largo, más duradero que ha tenido jamás América. Creo que ahora mismo la gente se está abriendo más a revisar esa parte de la historia. En ese sentido, no debemos subestimar el ascendente del fenómeno Obama sobre Hollywood y el cine reciente.

P: Un equipo mayoritariamente británico contando una historia muy americana…

R: Nadie en mi película estaba vivo en el siglo XIX, es una historia humana universal, y cada miembro del equipo tenía un vínculo diferente con la historia. La esclavitud es parte de la historia del mundo, no de la de Estados Unidos. Hay una universalidad detrás de este relato.

LA ENTREVISTA

P: Es una película sobre el pasado, pero con una clara proyección en el presente; la esclavitud sigue siendo aún hoy motivo de discordia en Estados Unidos...

R: La gente prefiere no saber, prefiere no mirar a un episodio tan horrendo de su propia historia, están dispuestos a ignorarlo, porque es una verdad incómoda. “Django desencadenado” tocaba el tema pero solo desde los bordes, en clave de comedia. Yo no veía esto como un juego, quería mirar esta realidad de frente. No me interesaba dar una clase de historia: mi único propósito era contar al mundo esta extraordinaria historia.

P: La violencia presente a lo largo de toda la película es terrible ¿era el libro igual de explícito en ese ámbito? R: Tuvimos que poner límites. No podíamos reflejar en la película todo lo que aparecía en el libro. El cine es un lenguaje diferente, una experiencia visual, y si quieres que la gente se sumerja en la historia a veces no queda más remedio que sugerir la violencia de otro modo. Tuve la sensación durante el rodaje de que estaba haciendo algo muy quirúrgico, tenía que modular muy bien el crescendo que desemboca en la terrible secuencia en que Lupita Nyong’o es azotada. Se trataba de llevar al público de la mano, tratando de que no sufra un shock excesivo a causa de la violencia que contiene la película. Si hubiésemos sido exhaustivos poniendo en imágenes toda la violencia que aparece en el libro, simplemente habría sido demasiado.

P: ¿No detecta cierta hipocresía en todos los premios y alabanzas que ha recibido la cinta: como si lo que cuenta fuera cosa del pasado, como si ya no existiera una sola persona racista en el mundo?

La esclavitud es una forma extrema de racismo. La más brutal imaginable. En general, y en lo que respecta a las reacciones sobre mi película, no he dewtectado tanto eso como quizá una reacción diferente, del tipo: «Pero eso estaba pasando realmente». Por lo demás, el racismo no es algo del pasado en absoluto. Es algo muy presente.

P: ¿No cree que ahora mismo se está viviendo una reacción muy parecida con la muerte de Mandela? Todo el mundo se empeña en alabarle, incluso los que no han hecho ni harían nada contra el racismo...

R: Sí, de hecho en Sudáfrica hay ahora mismo grandes problemas de todo tipo y no creo que nadie crea que se esté viviendo algo así como una utopía interracial. Eso no es óbice para que no admiremos la inmensa labor de Mandela.

P: ¿Por qué ahora hablar de la esclavitud?

R: No tengo claro que mi película trate de la esclavitud. Habla fundamentalmente de la dignidad humana y del respeto. De la misma manera que considerar a Mandela simplemente un luchador contra el apartheid es muy restrictivo. Él, en realidad, es un símbolo de la Humanidad. Si lo consideramos sólo lo primero, sería importante para los negros. Pero no, él es un símbolo del mundo, de todos.

FILM POP

8 ESTRELLAS SIN OSCAR Son algunos de los grandes olvidados de la historia de los Oscar. Es inconcebible que ninguno de estos actores y actrices ganara la estatuilla. Recordamos los más fatales errores interpretativos de la Academia de Hollywood

Montgomery Clift Fue el más atormentado de los alumnos del Actor’s Studio, y uno de los mejores actores de Hollywood durante más de 20 años. Desde que Howard Hawks apostara por Montgomery Clift (1920-1966), tras verle en los escenarios representando ‘You Touched Me!’, y le hiciera debutar en cine, convertido en el hijo adoptivo de John Wayne en ‘Río Rojo’ (1948). Con su siguiente film, ‘Los ángeles perdidos’ (Fred Zinnemann, 1948), logró su primera candidatura. Viviría tres más: ‘Un lugar en el Sol’ (George Stevens, 1951),’ De aquí a la eternidad’ (F. Zinnemann, 1953) y ‘Vencedores o vencidos’ (Stanley Kramer, 1961). Jamás lo ganó. “Hay algo gracioso en los Oscar”, diría. “Ni Greta Garbo ni Chaplin lo han ganado nunca, así que creo que el verdadero mérito es no tenerlo”.

Lauren Bacall Hay actrices que siempre optan a los premios y hay actrices que siempre se los llevan. Nunca he estado en esas categorías, escribía Lauren Bacall (1924) en su autobiografía, Por mí misma y un par de cosas más. Y es que, desde su debut, en ‘Tener y no tener’ (Howard Hawks, 1944), y durante más de 50 años, jamás la nominaron al Oscar. Ni por ‘El Sueño Eterno’ (H. Hawks, 1946), ni por ‘Escrito sobre el viento’ (Douglas Sirk, 1956) ni por ‘Mi desconfiada esposa’ (Vincente Minnelli, 1958). Pero llegó Barbra Streisand con ‘El amor tiene dos caras’ (1996) y su suerte cambió, con una primera candidatura y la etiqueta de favorita: “Hice un gran esfuerzo por aparentar tranquilidad. No creo que tuviera mucho éxito”. Cuando se pronunció el nombre de Juliette Binoche (ganadora por ‘El Paciente Inglés’), su rostro fue un poema que Hollywood aún no ha olvidado.

FILM POP

Cary Grant Varias razones podrían explicar el escandaloso ninguneo de los Oscar hacia Cary Grant (1904-1986), y tienen que ver con su talante independiente, que le llevó a convertirse en el primer actor que se descabalgaba del sistema de estudios y se decidía a firmar contratos película a película, abandonando la Academia. Con sólo dos nominaciones en 50 años de triunfal carrera (‘Serenata nostálgica’ y ‘Un corazón en peligro’), Grant fue compensado con un Oscar Honorífico en 1970 que dudó en aceptar. Volvía así a una gala a la que, tras perder por primera vez, sólo había acudido para recoger el Oscar que Ingrid Bergman ganó por ‘Anastasia’ (1956) y para entregar el de Alec Guinness por ‘El puente sobre el río Kwai’ (1957).

Greta Garbo La primera vez que habló, la nominaron al Oscar. La primera vez que se carcajeó, también. ‘Anna Christie’ (Clarence Brown, 1930) y ‘Ninotchka’ (Ernst Lubitsch, 1939) sacudieron a los seguidores de la Divina Greta Garbo (1905-1990), pero no a la Academia, que no reconoció sus méritos ni su aura en ninguna de las cuatro ocasiones en que optó a la estatuilla (las otras dos fueron ‘Romance’ y ‘Margarita Gautier’). Estrella a contracorriente, se retiró del cine casi al mismo tiempo que su aversión a las cámaras y eventos, a las multitudes y a los periodistas, la llevaron a vivir como una ermitaña. En 1955, la Academia le dio un Oscar honorífico que no fue a recoger. Tampoco había acudido en sus derrotas. ¡Garbo habla! ¡Garbo ríe! ¡Garbo pierde!

Kirk Douglas Tres veces optó al Oscar como Mejor Actor. En 1996 le dieron un Premio Honorífico por su creatividad durante 50 años de carrera. Kirk Douglas (1916), superviviente de la Edad de Oro de Hollywood, había sido nominado por ‘El Ídolo de Barro’ (Mark Robson, 1949), ‘Cautivos del Mal’ (Vincente Minnelli, 1952) y ‘El Loco de Pelo Rojo’ (V. Minnelli, 1956), la derrota que peor le sentó. “Todo el mundo quiere ganar. Y aquella vez sí pensé que tenía posibilidades, todos me decían que no tenía rival...” confesaba tras perderlo ante Yul Brynner (por ‘El Rey y yo’), lamentando su suerte esquiva con la estatuilla. “Rechacé hacer ‘Traidor en el Infierno’ (Billy Wilder, 1953) y William Holden ganó el Oscar. Rechacé ‘La ingenua explosiva’ (Elliot Silverstein, 1965) y Lee Marvin ganó el Oscar. Nunca se sabe...”

FILM POP

Marilyn Monroe Más de 50 años después de su muerte, la estrella de Marilyn Monroe (1926-1962) se mantiene tan resplandeciente como en los tiempos en que ella se empeñaba en mejorar su formación para que la industria dejara de considerarla una bomba sexual. Su obsesión por aprender y convertirse en la mayúscula actriz dramática que apuntaba su trabajo en ‘Vidas rebeldes’ (John Huston, 1961), no fue valorada jamás por la Academia. Tampoco se dejaron conquistar por el encanto que desplegaba en ‘Con faldas y a lo loco’ (1959), personaje que sí le valió el Globo de Oro y estas palabras de su director, Billy Wilder: “Como actriz de comedia era absolutamente genial, un regalo de Dios”. El mito tocado por el Cielo que no fue, jamás, nominada al Oscar.

Richard Burton Cuenta la leyenda que John Wayne se le acercó, con el Oscar que había ganado por ‘Valor de ley’ (HenryHathaway, 1969), y le dijo: “Tú deberías tener esto, y no yo”. Richard Burton (1925-1984) había perdido por sexta vez, por su labor en ‘Ana de los Mil Días’ (Charles Jarrott,1969), un premio al que aspiraba desde ‘Mi prima Rachel’ (Henry Koster, 1952). Siete derrotas (las otras fueron ‘La Túnica Sagrada’, ‘Becket’, ‘El espía que surgió del frío’, ‘¿Quién teme a Virginia Woolf?’ y ‘Equus’) que convirtieron al actor galés en una de las víctimas favoritas de una Academia que no perdonaba su carácter impetuoso y su mala fama, de la que él se reía: “Me gusta ser un genio malcriado, borracho y mujeriego... Como reputación ¡es bastante atractiva!”

Barbara Stanwyck “Por supuesto que sufrí una decepción las veces que me nominaron y perdí. Todo aquel que diga lo contrario miente”. Miss Stanwyck (19071990) era una mujer bellísima que no recibió ningún oscar a pesar de sus éxitos. Era una mujer sincera, a la que la Academia le quiso dar el Premio Honorífico, en 1982, intentando reparar las cuatro ocasiones en que le negaron la estatuilla: por “Stella Dallas” (King Vidor, 1937), “Bola de fuego” (Howard Hawks, 1941), “Perdición” (Billy Wilder, 1944) y “Voces de muerte” (Anatole Litvak, 1948). Quizás la protagonista de “Las tres noches de Eva” (Preston Sturges, 1941) pagara así sus desaires a la vida en Hollywood, que denominaba “la ciudad de cartón piedra”.

FILM POP

“JUEGO DE TRONOS” YA TIENEN PLANES PARA LA 7ª U 8ª TEMPORADA David Benioff ha hablado con George R.R. Martin con el objetivo de ir planeando el final de la serie La 4ª temporada de “Juego de tronos” comienza el próximo 6 de abril en Estados Unidos (7 en España, a través del Plus) pero los guionistas detrás de la serie ya están trabajando en las temporadas sucesivas y planeando el final del show. En el número de abril de Vanity Fair los guionistas revelaron que la serie sólo durará hasta la 7ª u 8ª temporada como máximo. “El año pasado nos reunimos con George R.R. Martin y hablamos del rumbo de sus historias porque no sabemos si vamos a darle alcanzado y en qué punto sería”, reveló David Benioff, creador de la serie. “Si sabes el final, puedes planear el rumbo de las tramas con antelación. Así que queríamos saber cómo terminaba todo. Nos sentamos con él y fuimos minuciosamente analizando cara

personaje”. “No queremos continuar la serie con el mero propósito de hacerlo porque esto la mataría literalmente”, añadió D.B. Weiss. “No hay que alargar la vida de las series innecesariamente” aclaró. Más importante es lo que opina el novelista Martin de todo esto. Si bien él admite que generalmente sabe a dónde se dirigen las diferentes historias, nada está claro hasta que manda publicar la última versión de sus libros. “Espero que no me alcancen” -relevó Martin- “Puedo darles detalles de lo que pienso escribir pero estos nunca son fijos. Espero poder publicar las próximas historias antes de que las tramas de la serie lleguen a donde yo he llegado”.

Los protagonistas de 10.000 KM, premiados en Austin

Sin lugar a dudas el Festival de Austin se ha convertido en una excelente escaparate para el cine independiente, así, en el Festival, además del debut en la dirección de Carlos Marqués-Marcet, tuvo lugar la premiere mundial de ‘Open Windows’ la nueva película de Nacho Vigalondo. Por la cita tejana también han pasado J.A. Bayona (presentando la serie ‘Penny Dreadful’), Emilio Aragón o Eugenio Mira, además de varios grupos musicales como Lori Meyers, Kiko Veneno, Russian Red o Me and the Bees. ‘10.000 KM’, la película del debutante Carlos Marqués-Marced, con guión del mismo director y de Clara Roquet, cuenta la historia de Alex (Natalia Tena) y Sergi (David Verdaguer), una joven pareja que, tras años de relación, han decidido tener un hijo. Alex es fotógrafa y, últimamente su carrera parece estar estancada. Una mañana recibe una noticia que trastocará los planes de la pareja. Ha recibido una beca para desarrollar un proyecto en Los Ángeles. Es una ocasión única para relanzar su carrera, pero ¿es buen momento para pasar un año separados? ¿Será su amor capaz de superar los 10.000 kilómetros que se interpondrán entre ellos? La película cuenta, en forma de dietario, la cotidianidad de la pareja que se comunica a través de videochat y los problemas con los que se encuentra una relación mantenida en la distancia. Con esta premisa argumental, ‘10.000 KM’ supone un tour de force para la pareja de actores, Natalia Tena y David Verdaguer, que ha visto premiado su trabajo con un premio especial del Jurado a la mejor actuación en pareja en su primer visionado público en Austin.

FILM POP

María Valverde y Mario Casas son Linda y Óscar en “A Lonely Sun Story” Una producción animada que dirigen Juanma Suárez y Enrique F. Guzmán, en la que la pareja de actores ha participado activamente. Además de contar con sus voces, han inspirado a los animadores para crear los personajes, no sólo su físico, si no también gestos e interpretaciones de los propios actores. Juanma Suárez y Enrique F. Guzmán, sus directores, nos avanzan que “es una historia romántica de ciencia-ficción, donde se mezclan el amor y la aventura”. ‘A Lonely Sun Story’ mezclará acción real y dibujos animados, cuenta con guión de Tessy Díez Martín y con la música original del compositor Roque Baños, además de temas compuestos por el grupo The Electric Alley. María Valverde acaba de participar en el rodaje de ‘Exodus’, de Ridley Scott y tiene pendiente de estreno la serie ‘Hermanos’ mientras que Mario Casas se encuentra rodando ‘The 33’, la historia de los mineros chilenos atrapados en el derrumbe de un yacimiento junto a Antonio Banderas .

SUPERMAN ARRASA EN LA TAQUILLA USA ‘The Bling Ring’, con 33.600 € por copia, mejor estreno para una película de Sofia Coppola desde “Lost in Translation” Las jornadas cinematográficas en Estados Unidos han estado monopolizadas, como no podía ser de otro modo, por ‘El hombre de acero’. El reboot de Superman dirigido por Zack Snyder y producido por Christopher Nolan ha cumplido las mejores expectativas al recaudar 90,4 millones de euros, y convertirse en la mejor apertura de un estreno en junio de todos los tiempos, superando los 88,2 millones de euros de ‘Toy Story 3’ (Lee Unkrich, 2010). Además, se convierte en el 18º mejor estreno de todos los tiempos, y en el 4º mejor si descartamos todas las secuelas. Con estos datos, el resto de películas en cartel ha tenido que conformarse con las migajas. Aún así, la comedia meta-apocalíptica ‘This is the End’,

protagonizada por Seth Rogen, Jonah Hill, James Franco y otros cómicos interpretándose a sí mismos, ha aguantado el tipo con 16,4 millones de euros. En tercer escalón del podio se mantiene ‘Ahora me ves...’, de Louis Leterrier, que ha sumado 8,2 millones de euros. Le sigue de cerca ‘Fast & Furious 6’ (7,5 millones de euros), que ya es el film más taquillero de la franquicia con 175,2 M € en USA y 509,5 M € en todo el mundo. En el circuito de autor, ‘The Bling Ring’ se ha convertido en el mejor estreno de Sofia Coppola desde ‘Lost In Translation’, recaudando 168.000 euros en 5 salas, con una media de 33.600 euros por sala. Lejos quedan los 41.700 euros (13.900 euros por sala) del hit de Sundance ‘2 Feet From Stardom’, de Mor-

gan Neville, que ocupa la segunda plaza del Specialty Box Office.

El hombre de acero

Desde Krypton, un lejano planeta muy avanzado tecnológicamente, un bebé es enviado en una cápsula a través del espacio a la Tierra para que viva entre los humanos. Educado en una granja en Kansas en los valores de sus padres adoptivos, Martha (Diane Lane) y Jonathan Kent (Kevin Costner), el joven Clark Kent (Henry Cavill) comienza desde niño a desarrollar poderes sobrehumanos, y al llegar a la edad adulta llega a la conclusión de que esos poderes le exigen grandes responsabilidades, para proteger no sólo a los que quiere, sino también para representar una esperanza para el mundo.

FILM POP

HABRÁ TRES TEMPORADAS MÁS DE “THE BIG BANG THEORY” La CBS anuncia la renovación de la serie, que alcanzará las diez temporadas

Los seguidores de “The Big Bang Theory”, la serie de la CBS que en España emiten Neox en abierto y TNT en plataformas de pago, están de enhorabuena. La cadena estadounidense anunció ayer el acuerdo alcanzado con Warner para la producción no de una, sino de tres nuevas temporadas, una vez finalice la actual séptima temporada. La serie, que ronda los 20 millones de espectadores por episodio en USA, alcanzaría así las 10 temporadas y finalizaría, en principio, en 2017.

Aún falta cerrar el acuerdo de renovación del elenco de la serie, algo que, a pesar del fuerte coste económico que tiene para la cadena (se calcula que cada episodio le cuesta a la CBS unos 6 millones de euros, y que alguno de los protagonistas cobra 350.000 euros por emisión), no parece que vaya a suponer ningún problema. Según ha declarado Nina Tassler, presidenta de la CBS: “La comedia es una parte importante de nuestra programación, y “The Big Bang Theory” es la mayor potencia de la comedia televisiva.

Este acuerdo refuerza la posición de nuestra cadena para las próximas temporadas y marca un nuevo episodio en nuestra excelente relación con Warner. La televisión le ofrece actualmente a sus espectadores lo mejor en comedia contando con más de una serie de este género. Estamos orgullosos de poder contar con el talento de Chuck Lorre, Steven Molaro (creador y guionista de la serie, respectivamente), y del maravilloso elenco de “The Big Bang Theaory” cada semana”.

FILM POP

HOLLYWOOD LOS MÁS BAJOS Muchos dicen por ahí que las cosas buenas vienen envueltas en pequeños paquetes. Salma Hayek es un buen ejemplo a este dicho popular. A pesar de su altura, es una de las actrices latinas con más éxito en Hollywood

1,55 metros

Actor, comediante, director y productor, Danny Devito es el perfecto ejemplo de que el talento no se mide por el tamaño. Destacado por: Twins, La guerra de los Rose, Hoffa, y Erin Brockovich

1,53 metros

1,67 metros No cabe duda que el humor de este actor y comediante excede su altura. Jack Black es considerado uno de los actores más bajitos de la gran pantalla.

Linda Hunt es una actriz estadounidense, ganadora de un Óscar por su papel en “El año que vivimos peligrosamente”. Es especialmente conocida por interpretar el papel de Henrietta en la serie NCIS: Los Ángeles

1,45 metros

FILM POP

LOS MÁS ALTOS Peter Mayhwe es un actor inglés conocido por dar vida a Chewbacca, fiel compañero de Han Solo en la saga de “La guerra de las galaxias”. Su vida cambió para siempre

2,29 metros

MIDE: 2,22 metros

Matthew Mcgrory, quien falleció en 2005, tuvo su papel más relevante en la película “Big fish” Gheorghe Mureşan, de origen rumano, es un ex jugador de baloncesto. Se le considera el jugador más alto que ha jugado hasta ahora en la NBA siendo al parecer un centímetro más alto que el sudanés Manute Bol. En 1998 protagonizó la película “My Giant”, junto con el actor estadounidense Billy Crystal

2,32 metros

FILM POP

GORDOS Y DELGADOS

CHARLIZE THERON: SOBREPESO MONSTRUOSO Todo por: Aileen Wuornos, prostituta asesina ajusticiada por inyección letal en “Monster” (2003). La mutación: Aunque el maquillaje y una dentadura postiza obraron el milagro de convertir en fea a la bellísima Theron, la actriz puso la carne en el asador para asemejar su cuerpo al de la verdadera Wuornos. Cuando recogió el Oscar por este papel, su figura ya volvía a lucir como en los tiempos en que era modelo. En la báscula: Theron añadió a su escultural anatomía 15 kilos. La dieta Theron: seguir una

alimentación rica en grasas y pobre en ejercicio. ¡Pregúnteme cómo!: No se trataba de engordar; Aileen no

estaba gorda. Pero tampoco quería mirarme y ver mis músculos naturales. Eso me hubiese alejado del personaje.

MATTHEW MCCONAUGHEY: LA VUELTA DE UNA ESTRELLA Todo por: Ron Woodroof, es protagonista de la película “Dallas Buyers Club” (2013), un electricista aquejado de SIDA que se convirtió en uno de los mayores activistas de los 80 en la lucha contra la enfermedad. Sus esfuerzos para repartir medicación en su país de origen ayudaron a muchos seropositivos en un momento en que había mucho desconocimiento acerca de la enfermedad. La mutación: McConaughey dio el do de pecho por este papel. No sólo produjo el filme, sino que además intentó acercarse lo máximo posible a la 14

figura de Woodroof, entrevistándose también con amigos y familiares. La Academia lo premió con una nominación y su primer Oscar. En la báscula: El actor perdió la friolera de 21 kilos por el papel. La dieta McConaughey: Perdió una media de 3 kilos a la semana hasta quedarse en 62 kilos. Según él, sólo bebía Coca Cola Light y comía una pieza de pollo al día y clara de huevo. ¡Pregúnteme cómo!: “La dieta fue bastante hardcore”. Fue un esfuerzo enorme pero que dados los resultados, al fin y al cabo, mereció la pena.

FILM POP

TOM HANKS, UN NÁUFRAGO EN FILADELFIA Todo por: Andrew Beckett, enfermo de sida en ‘Philadelphia’ (1993) y por Chuck Noland, adicto al trabajo que se queda cuatro años en paro (forzoso) en una isla desierta en ‘Náufrago’ (2000). La mutación: En la cinta de Demme, Hanks iba perdiendo peso a medida que su enfermedad avanzaba hasta límites fatales. En ‘Náufrago’, empezaba la película por encima de su peso, pero tras bastante tiempo en la isla desierta que comparte con el redondo, silencioso y plástico Wilson, queda hecho un figurín; la barba y las greñas ayudaban a dar realismo a su look Robinson. Los dos papeles le valieron nominación al Oscar; por ‘Philadelphia’, además, lo ganó. En la báscula: En ‘Philadelphia’, Hanks perdía hasta 15 kilos ante los ojos del espectador. En ‘Náu-

frago’ el proceso fue más extremo: tras engordar casi 20 para la primera mitad de la película y poner su cuerpo al borde de los 100, se adelgazó más de 30 para la segunda mitad del film. La dieta Hanks: Para encarnar al enfermo de sida, siguió un régimen estricto e hizo ejercicio. El mismo método que usó para convertirse en náufrago, solo que en la cinta de Zemeckis tuvo una ventaja añadida; el rodaje estuvo parado un año para que el actor pudiera perder peso y dejarse barba espesa y cabello largo. Durante el parón, el director rodó ‘Lo que la verdad esconde’. ¡Pregúnteme cómo!: Sobre Náufrago: “Lo que más eché de menos mientras me adelgazaba fueron las patatas fritas. Lo único que fui incapaz de dejar fue el café”. 15

FILM POP

LA RUPTURA DE LA GRAN PANTALLA Tras meses de rumores, el representante de Natalia Verbeke ha confirmado la ruptura de la actriz con Gonzalo de Castro, el que fuera su compañero de reparto en la serie ‘Doctor Mateo’ y con el que empezó una relación durante el rodaje,. Se ha vito a la actriz paseando hace unas semanas en actitud cariñosa con su ex, el torero Miguel Abellá.

La actriz Esmeralda Moya y su pareja, Carlos García, al que conoció en el rodaje de la serie ‘Homicidios’, se han separado. Los actores fueron padres de un niño.

La actriz Elena Anaya y su novia, la directora de cine Beatriz Sanchís, han roto su relación tras cinco años de amor. Su separación ha sido llevada con positivismo.

Una triste noticia: después de dos años de relación Ryan Gosling y Eva Mendes han decidido darse “un tiempo”. Al parecer, según explica la revista OK Magazine, es el actor el que tiene dudas acerca de si Eva es la mujer de su vida ¿Podría seguir enamorado de su ex y compañera de reparto en El diario de Noa, Rachel McAdams?

La actriz Vanessa Romero y su pareja, Alberto Caballero han decidido divorciarse de mutuo acuerdo al no superar la crisis que arrastraban desde mayo.

Tras varios meses de indecisión, la actriz Liberty Ross ha pedido el divorcio al director de cine Rupert Sanders, con el que no ha podido superar la crisis .

FILM POP

EMPATE TÉCNICO Antena 3 y Telecinco se marcan un 21 por ciento de share en el prime time

“Velvet”, la serie de Antena 3 protagonizada por Paula Echevarría y Miguel Ángel Silvestre, aguantó de pie el golpe que le tenía preparado ayer Telecinco. El regreso de “La que se avecina” al prime time del lunes para emitir el último episodio de su séptima temporada logró arañar algunos espectadores a la serie de Atresmedia, que sin embargo firmó un excelente 21,1 por ciento de share, con 4,1 millones de espectadores, 300.000 menos que la semana pasada.

La serie de los vecinos del Mirador de Montepinar logró no obstante mejorar con creces los datos que el lunes pasado marcó ‘B&B’, su antecesora en esta franja de la parrilla. ‘La que se avecina’ firmó un empate técnico con ‘Velvet’ con un 21 por ciento de share y 3,9 millones de espectadores, logrando además el minuto más visto del día: a las 23:18 horas, 4,7 millones de espectadores presenciaban el final de temporada de la serie que tiene enganchada a los espectadores .

Estrellas para Fernando León Fernando León (Madrid, 1968) arrancará el rodaje en inglés de “A perfect day”, su proyecto con mayor vocación internacional, el próximo 17 de marzo en la provincia de Granada, con un atractivo reparto internacional compuesto por Benicio del Toro (“Traffic”, “Che: Guerrilla”), Tim Robbins (“Mystic River”, “La vida secreta de las palabras”), Olga Kurylenko (“Oblivion”, “To the Wonder”, “007 quantum of solace”), Mélanie Thierry (“Babylon”, “The Zero Theorem”, de Terry Gilliam) y Fedja Stukan (“En tierra de sangre y miel”, dirigida por A ngelina Jolie). El guión, sobre un grupo de cooperantes metidos en un atolladero en una zona de conflicto, está basado en la novela “Dejarse llover”, de Paula Farias, escritora y médico que trabaja en emergencias humanitarias para Médicos Sin Fronteras desde 1999. El autor de “Los lunes al sol”, que vuelve a ponerse detrás de las cámaras para rodar un largometraje tras “Amador” (2010), y que publicó recientemente “Aquí yacen dragones” (Seix Barral), se ha servido de su propia experiencia como documentalista junto a cooperantes en zonas de conflicto para escribir el libreto de “A perfect day”. “Como ellos, esta película utiliza el humor como forma de distanciamiento: las mejores ocurrencias, el humor más salvaje y despiadado, el más desesperado, se escucha a menudo en el centro mismo de la tragedia. Porque no hay otro lugar en el mundo donde sea más necesario. Rápida, directa, sin delicadeza, en permanente cuenta atrás, esta película no encuentra tiempo para circunloquios. Como los coches en el barro, como los camiones de “El salario del miedo” (Henri-Georges Clouzot, 1952), como los cooperantes en el terreno. Vibrante, luminosa, irreflexiva, malencarada y soñadora, desesperada, divertida pese a todo… así imagino yo esta película”, explica su director.

PROYECTOR

CURIOSIDADES DEL CINE CINE DE TERROR La semilla del diablo 1968, Roman Polanski • Mia Farrow tuvo que comer realmente hígado crudo para una escena • Sharon Tate, esposa de Roman Polanski hace una pequeña aparición como una de las amigas de Rosemary invitadas a la fiesta en su apartamento. • Tate fue asesinada al año siguiente por la banda del psicópata criminal Charles Manson. • Se rodó íntegramente en el Edificio Dakota de Nueva York, un exclusivo bloque de apartamentos que ha alojado a celebridades de todo el mundo. • Uno de sus inquilinos más famosos, John Lennon, vivía allí con Yoko Ono cuando fue asesinado en su puerta, lo que aumentó la fama de “maldito” del edificio en cuestión.

Psicosis 1960, Alfred Hitchcock • La sangre que aparece en la ducha, por contrario de lo que suele ser habitual no era salsa de tomate, sino que se utilizó chocolate, ya que es de densidad parecida a la de la sangre y no se aprecia el color, al tratarse de una película en blanco y negro. • El mayor escándalo que provocó el estreno, fue que en ella se mostraba algo que no se había enseñado en pantalla hasta ese momento. ¿Un asesinato? ¿Un cadáver putrefacto?, pues no, un retrete en funcionamiento (la escena en la que Janet Leigh tira unos pedacitos de papel al W.C.) • El filme se estrenó con escenas censuradas en Australia, Finlandia, Argentina, Francia, Alemania, Suecia, Inglaterra (originalmente fue clasificada como X), Suiza, Noruega, España y USA. • La escena de la ducha no fue interpretada por sus protagonistas, ya que Janet Leigh fue doblada por una doble de cuerpo y Anthony Perkins estaba enfermo siendo sustituido (dicen) por Saul Bass, autor de los títulos de crédito de la película.

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La noche de los muertos vivientes 1968, George A. Romero • La película se grabó en Pittsburgh y en otras localidades cercanas en el estado de Pennsylvania durante varios fines de semana sucesivos y días festivos. • Todo el equipo técnico y artístico colaboró desinteresadamente con la promesa de que cobrarían si la película funcionaba en taquilla. • La sangre falsa era en realidad sirope de chocolate. • La premiere mundial del filme tuvo lugar en el Fulton Theatre en Pittsburgh (Pennsylvania, USA), un sábado a las 8 de la tarde de un 1 de Octubre de 1968, a la cual sólo se podía asistir con invitación. La película terminó con una sonora ovación del público. • Uno de los reclamos publicitarios que la Walter Reade Organization puso en marcha, era una póliza de seguro por valor de 50.000 dólares para cualquier persona que muriese de un ataque al corazón mientras veía la película.

El exorcista 1973, William Friedkin • Cuando el filme se estrenó, causó la histeria en varias salas, la gente no paraba de gritar, se desmayaba y hasta algunas sufrían crisis de ansiedad; muchas ambulancias se tuvieron que desplazar a cines y teatros. • Para el papel de Chris MacNeil se llegó a pensar en varias actrices, entre ellas grandes oscarizadas como: Jane Fonda (rechazó formar parte del proyecto), Audrey Hepburn (habría aceptado si se hubiera filmado en Roma) y Anne Bancroft (fue una opción pero se encontraba en su primer mes de embarazo). • William Peter Blatty inicialmente propuso el proyecto a Stanley Kubrick, el cual accedió con la condición de ser también productor. Blatty no aceptó debido a su intención de ser él mismo productor de la película. • Para conseguir el nerviosismo y la veracidad de los actores a la hora del exorcismo, además del frío y del cansancio, a Friedkin se le ocurrió ir tirando petardos detrás de los actores para crisparlos aún más.

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20 COSAS QUE NO CONOCÍAS Si pensabas que ya habías leído o te habían contado casi todas las cosas curiosas e historietas más interesantes de la historia del cine te gustará leer esta lista

Sigmund Freud pudo ser el guionista mejor pagado de la histo ria

En 1933 un prod uctor le ofreció un cheq ue en blanco para que le contara las psicopatía s de sus pacientes, con la idea de que en ellas se es condían muchas buen as películas. Freud lo re chazó porque le pareció poco ético.

Stalin adoraba los musicales Por eso promovió el rodaje de estos en el cine soviético e incluso compuso una canción para uno de ellos: “La porqueriza y el pa stor”. La letra decía: “Una canción alegra el corazón / que alguna voz te ha arre batado / Todos los pueblos gr andes y pequeños adoran es ta melodía / mientras las grandes ciudades cantan la canción”.

a enanos películas par Ya no se hacen o más. e era un géner qu en o p em ti Pero hubo un Terror of Tiny ellas es “The e d a os m fa o exclusivaLa más protagonizad rn te es w n u isparan, Town”, enses que se d ti u p li li s re to dera, mente por ac lgan por la pra ba ca y n ea el p enborrachan, . tados en ponis como no, mon

La película mas la rga de la historia …tiene un tit ulo qu e le viene al pelo: “Tra tamiento contra el insom nio” , dura 87 horas, es decir, mas de 3 días y medio. La cinta consist ía en una ún ica secuen cia en la que podía verse al poeta Lee Groban leyendo un a composición de 3400 paginas. Ún icamente se proy ectó de forma íntegra una vez.

Oeste Vascos en el es uno e la Muerte” d o er d la fi es “El d tes que s más alucinan de los western rotagoniza filmado. Lo p jamás se han es vascos de inmigrant a n va ra ca a un ornia. Van llegar a Calif que quieren chapelas, vestidos con todo el filme momento co y en el bailan flamen pieles rofrentan a los en se e br m cu na de s impagable u E . as d ra ed p jas a la que Jeff la película en las frases de s colonos ice al jefe de lo Chandler le d indios” a conocen a los o n es ed st “U cono“Ni los indios ta es nt co el e lo qu perse. os”. Para rom cen a los vasc

Cine negro

ood de En el Hollyw moda la los 70 nació xploitade la Bla s protions, película enteratagonizadas tores de mente por ac ubo un raza negra. H ro, una Drácula neg e inclulolita negra ión del so una vers en la Mago de Oz , hacía que, por cierto n joven un cameo u n. Michael Jackso

PROYECTOR Cambios de sexo Kenji Mizoguchi, maestro del cine nipón comenzó su carrera como Oyama, nombre que reciben los hombres especializados en interpretar papeles de mujer. Curiosamente en Japón existe un género llamado Takarazuka en el que sólo actuan mujeres y en el que, en algunos casos, también interpretan papeles masculinos.

Fidel Castro trató de triunfar en Holly wood Trece años antes de convertirse en el líder de Cu ba, Castro inició una breve carre ra cinematográfica como ga lán latino en la que tuvo tie mpo de interpretar pequeños papeles en tres musicales: “E scuela de sirenas”, “Bathing be auty” y “Holiday in Mexico”.

eron Algunos gansters fu grandes cinéfi los

rsoAl Capone acudió pe ce”, nalmente a ver “Scarfa o sad ba rs filme de gangste llin Di en su vida. Y a Joh n an ger le acribilló el FBI cu que do salía de una sala ula líc pe a proyectaba un el ra pa muy apropiada ro me “Enemigo público nú . 34 uno” de 19

Existe un film inédito de Star Wars En 1978, después del estreno de “La guerra de las galaxias” a George Lucas se le ocurrió rodar para la televisión una delirante avent ura navideña “Star Wars: Holiday Special”.

La película más cara

No, no es Eddy Murphy. Fue el britán ico Rolf Le slie, quien encarnó a 27 pe rsonajes distintos en “Si xty years of a Queen”. Le sig uen a mucha distancia el español Paul Naschy con sus doce papeles en “El Aullido del diablo” y Al ec Guinness que hizo 8 papeles, uno de ellos fem en ino en “Ocho sentencia s de muerte”.

...comen zó su carrera bajo un seudón imo dirigien do nudies, o lo que es lo mismo, películas erót icas. El más famoso es “El burd el de la montaña” donde Drácula, Fran kenstein y el Ho mbre-lobo ejercen de mirone s en un lupanar.

e…produjeron “Plan nu teex io ac ve desde el esp Ed rior”, una película de ón Wood, con la condici dide o uip eq de que el rección se bautizara.

El actor que más pape les ha interpretado en un mismo filme

…aún no ha terminado, y ¡empezó en 1974! Se trata de una “videografía” de Mata-Hari dirigida por David Carradine. El motivo de que lleve 33 años filmándola es porque ha querido que el filme representara la vida completa de Mata-Hari utilizando para el papel a una sola actriz, que en este caso es su hija.

Francis Ford Coppol

Es la versión rusa de “Guerra y Paz” dirigida por Sergue i Bondarchuck en el 68. Calculando el coste de la inflación, la cinta necesitó un a inversión de 560 millones de euros.

Los Mor mones

El rodaje más largo de la historia

La película con más extras calvos “Metrópolis”, donde Fritz Lang recluta a 15.000 alopécicos para la escena del sacrificio al dios Moloch, el dios sin escrúpulos del capitalismo.

Gorilas de palo En la primera película de Tarzán los gorilas eran en realidad un equipo estatal de futbol americano disfrazado para la ocasión. El Santa Monica Football Club, para ser exactos.

El auténtico benefic

...del cine ya no está en las entradas, sino en todo lo demás; palom itas, refrescos y de más chucherías producen el 45% de sus ingresos .

Vaqueros turcos

s No todas las película ca eri del Oeste son am ría nas, de hecho la mayo o son intalianas, e inclus á all s má ro españolas, pe o rn ste del Spag uetti We rn del Gazpacho Weste b existe también el Keba los 60 los Western. En s turcos filmaron casi do de s decenas de película , este tipo. La primera ”, “Kanunsuz Ka hraman el n co que se exporto . nombre de “Ringo Kid”

La actriz más asesinada La francesa Paula Maxa, especializada en pape les de víctima en el cin e mudo fue asesina en toda su carrera un total de 358 ocasiones, mu chas de ellas de forma espantosa. En algunos filmes quizá hiciera ma s de un papel con el fin de poder ser asesinada va rias veces.

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ADAPTACIONES DE: LA BELLA Y LA BESTIA JEAN COCTEAU, 1946 La versión en acción real más prestigiosa la firmó el poeta y director Jean Cocteau y fue protagonizada por Josette Day y Jean Marais. En 2010, ocupó el puesto 26 de la lista de las 100 mejores películas de la historia.

EDWARD L. CAHN, 1962 Irrelevante serie B alimenticia de la MGM, con Joyce Taylor y Mark Damon al frente del reparto. Cualquiera diría que en “El planeta de los simios” (Franklin J. Schaffner, 1968) aprovecharon el maquillaje del film.

JURAJ HERZ, 1979 Aunque esa Bestia pajaril os genere una sensación de estupor o cachondeo, esta película es una de las más prestigiosas para los expertos en cine fantástico. Juraj Herz ganó por este film el premio al Mejor Director en el Festival de Sitges.

SERIE DE TV, 1984 En el sexto episodio de la tercera temporada de “Cuentos de las estrellas”, serie creada por Shelley Duvall para Showtime, Susan Sarandon y Klaus Kinski protagonizaron esta versión teatral del clásico.

EUGENE MARNER, 1987 Rebecca de Mornay y John Savage protagonizaron esta adaptación clásica en formato musical dirigida por Eugene Marner, quien un año después haría lo propio con la película “El gato con botas”.

SERIE DE TV, 1987-1990 Protagonizada por el experto en transformarse en monstruos Ron Perlman y Linda Hamilton, se editaron tres novelizaciones de sendos capítulos de la serie.

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PELÍCULA DISNEY 1991

DAVID LISTER, 2009

SERIE DE TV, 2012

La versión que todos hemos visto, cantado y disfrutado es sin duda la de Disney. Ganadora de dos Oscar.

Con una Bella siliconada, esta cinta australiana, es un auténtico despropósito más cercano a la parodia.

Nada que ver con el cuento clásico, aquí la cosa va de la historia de amor entre una detective y un doctor.

CHRISTOPHE GANS, 2014 Protagonizada por Léa Seydoux, Vincent Casell y Eduardo Noriega, esta última versión de ‘La Bella y la Bestia’ presentada en la Berlinale, está dirigida por el responsable de ‘El pacto de los lobos’, quien confiesa haberse inspirado en la imaginación desbordante de las películas de Hayao Miyazaki.

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¿QUÉ FUE DE SU VIDA? Mark Hamill (Skywalker)

Carrie Fisher (Princesa Leia)

Petter Weller (ROBOCOP)

Dice que cuando le acercaron el proyecto de Star wars lo veía más como una comedia bizarra que como una épica de ciencia ficción. Nunca imaginó los resultados. Tras los tres films, participó en un puñado de títulos con los que no obtuvo ningún éxito.

Si bien proviene de una familia de artistas y de contar con algunas participaciones en cine, su gran papel le llega con el de la seductora mujer de armas tomar de la saga. Después, la aguardaba una dura pendiente a causa de su gran adicción a las drogas y al alcohol.

Robocop fue la película que sirvió para presentar a Peter Weller, un actor de fuerte formación artísitica pero pocos trabajos de peso en su carrera. Uno de sus últimos trabajos fue como Christopher Henderson en la serie 24 y condujo el ciclo de History Channel Construyendo .

Ralph Macchio (Katate kid)

Chlumsky (Mi primer beso)

Joel Osment (El sexto sentido)

Su papel más conocido fue el de Daniel LaRusso en la serie de películas de Karate Kid. Se convertiría en el ídolo de la juventud al convertirse en Danny LaRusso e interpretar Karate Kid junto a Pat Morita y Elisabeth Shue. Macchio protagonizaría las otras dos secuelas, rodadas en 1986 y 1989.

Una estrella fugaz que con sólo 11 años iluminó la pantalla solo por un instante. A comienzos de los 90, interpretó a una dulce niña-adolescente que cautivó la pantalla en Mi primer beso. Después de este arranque tan prometedor no alcanzó demasiada suerte.

Aquel niño dulce que se hizo famoso por ver gente muerta creció, y aunque parezca mentira, ya tiene 20 años. Después de sus excelentes actuaciones en Sexto sentido y Cadena de favores , Haley Joel Osment no tuvo la misma suerte con sus trabajos.

Jonathan Lipnicki (Stusrt Little)

J. Fox (Regreso al futuro)

Richards (Parque jurásico)

Este actor no es otro que el niño de Jerry Maguire. Formó parte de la taquillera comedia Stuart Little y de su segunda parte. Además ha puesto su voz en la película protagonizada por Eddie Murphy, Doctor Dolittle. Actualmente tiene 18 años, le gusta la música y lleva una vida físicamente activa.

Es un actor canadiense ganador de los premios Emmy y Globo de Oro. Actualmente es un activista en la lucha contra la enfermedad de Parkinson. Entre sus películas las más conocidas está la trilogía de Regreso al futuro donde interpreta al joven Marty McFly.

Dicen que Spielberg la contrató cuando la escuchó gritar en una sala cerrada. Su aparición más notable fue en Parque Jurásico. También, apareció en Tremorsfue directo a vídeo. Desde entonces, ha aparecido en algunas cintas como Angus, donde interpretó a una joven chica bulímica.

EL DESPISTE

FUERA DE TIEMPO Y LUGAR Cuando el trabajo de documentación previo a la realización de una producción cinematográfica histórica no escarba lo suficiente en los orígenes, se corre el peligro de cometer fallos de indumentaria, lenguaje, costumbres o incluso de acontecimientos

‘GLADIATOR’: EL REY DEL GAZAPO Hasta el momento, se habían visto micrófonos, cámaras o incluso ayudantes de grabación deambulando por planos durante un breve período de tiempo, pero lo suficientemente extenso como para que los más avispados den constancia de ello.

No solamente se hacen evidentes en muchos momentos los elementos propios del cine –desde material técnico hasta la escenografía virtual que recrea la Roma de la época–, sino también personas y objetos que no deberían estar ahí.

‘Gladiator’ (Ridley Scott, 2000) se alza como la película taquillera con más gazapos de los últimos tiempos.

Un hombre con vaqueros en el público del anfiteatro, una bombona de gas acoplada a una de las cuadrigas, un

operador con un walkie-talkie, calzados con suela de goma, pantalones de lycra, botellas de plástico? Un surtido de elementos adelantados a su tiempo, que hacen de ‘Gladiator’ las delicias de los fanáticos de los gazapos. Seguramente, ‘300: el origen de un imperio’ esconde muchos secretos entre sus islas del Egeo y sus batallas contra los persas.

En la primera batalla que se celebra en el Coliseo de Roma, se podían ver varias veces debajo de las cuadrigas, bombonas de aire comprimido para que estos carros pudieran saltar por los aires. Tal y como podemos apreciar con total claridad en estas fotografías sacadas de la película de Ridley Scott.

EL DESPISTE

Pantalones vaqueros por todas partes Durante las batallas podemos apreciar a lo largo de la película a varias personas con pantalones vaqueros entre el público. En el momento en que el César quiere bajar al ruedo para conocer al “hispano”, aparecen los Pretorianos, y justo detrás del comandante (cuando les dice a los esclavos que dejen las armas), en la parte derecha arriba, se ve muy claro como un extra coge una botella de agua y bebe de ella. Puede ser que Font Vella o Lanjarón fuesen líderes del mercado por aquella época romana.

Y más

Tras la batalla de Germania, podemos ver a Máximo andando por el campamento y acercarse a un caballo para acariciarle la cabeza. Sí nos fijamos en el espacio que queda entre su cuerpo y el del caballo, puede verse calaramente a un hombre andando hacia atrás, con unos tejanos, una camiseta y una especie de walkie-talkie colgado en la cintura. Levi’s ya exportaba a los romanos por aquella época.

EL DESPISTE

DOBLES Y ACTORES

La mayoría de los actores de cine no participan efectivamente en las más elaboradas escenas de acción con cierto riesgo, por ello utilizan un doble para li

Carrie Fisher y su doble Sandi Gross en “Star Wars: Episodio VI – El Retorno del Jedi” (1983)

Natalie Portman y su doble Sarah Lane en “Cisne Negro” (2010)

Uma Thurman y su doble Zoe Bell en ‘Kill Bill: Vol.1’ (2003)

Shia LaBeouf y su doble en ‘Transformers: El lado oscuro de la luna’ (2011)

Jennifer Lopez y su doble Daniel Arroyo en el videoclip “Follow The Leader” (2012)

Kate Beckinsale y su doble Alicia Vela-Bailey en “Total Recall“ (2012)

EL DESPISTE

Daniel Radcliffe y Robbie Coltrane con sus dobles de Harry y Hagrid en “Harry Potter” El rodaje de “Harry Potter y Las Reliquias de la Muerte” se tiñó de drama cuando David Holmes, doble de Daniel Radcliffe para las escenas de riesgo en las que encarna al joven mago Harry Potter, sufrió un terrible accidente que a la postre le dejó parapléjico. El accidente, que por ahora continúa en proceso de investigación, se produjo cuando una escena de vuelo salió mal, y el actor chocó violentamente contra un elemento del atrezo del rodaje. Rápidamente fue trasladado en ambulancia medicalizada hasta un hospital donde fue ingresado en estado grave. Su evolución fue satisfactoria, pero lamentablemente sufrirá una pérdida parcial de la movilidad de su cuerpo. Concretamente, actualmente cuenta con muy pocas posibilidades de recuperar la movilidad en sus brazos y piernas. Sin duda que una noticia sumamente triste que ensombrece el rodaje de las últimas dos películas de la exitosa saga Harry Potter. Harry Potter y Las Reliquias de la Muerte 1 y Harry Potter y Las Reliquias de la Muerte 2 cerrarán la historia del joven mago que interpreta el actor británico Daniel Radcliffe. Una trágica historia que recuerda todo el reparto con gran tristeza. Y es que muchas veces nos reímos de los actores que necesitan de dobles para grabar las escenas. Pero que pasaría si no existieran estos profesionales, que clase de cine veríamos y que riesgo e intriga sentiríamos sin este tipo de escenas. 29

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Nicole Kidman y su doble Alicia Vela-Bailey en “Just Go With It” (2011)

Robert Pattinson y su doble Paul Darnell en “Crepúsculo” (2008)

Taylor Lautner y su doble en “Sin Salida” (2011)

Tom Cruise y Camern Diaz on sus dobles Kimberly Shannon y Casey O’Neill en “Noche y Día” (2010)

January Jones y su doble en “X-Men: Primera generación” (2011)

Brad Pitt y su doble Rick English en “Guerra Mundial Z” (2013)

EL DESPISTE

SIN MIEDO AL PELIGRO Los sets de rodaje son un gran simulacro formado por pantallas verdes e imágenes digitales. Y aun así, todavía quedan algunos actores capaces de sacrificar su integridad física para insuflar verismo a sus escenas de acción Tom Cruise. Es conocido por asumir sin miedo gran parte de las escenas de acción de sus películas, Cruise alcanzó sus mayores cotas de audacia gracias a su participación en la saga de Mission: Impossible. La lista de peripecias es notable: escalar montañas rocosas, conducir camiones, dar espectaculares salto mortales… Aunque el reto mayor le llegó a Cruise en la primera parte de la saga, cuando tuvo que interpretar la escena del restaurante rodeado de acuarios. Jackie Chan. Al lado del gran Jackie, todos lo otros miembros de esta lista parecen aprendices. Aunque claro, la gloria tiene un precio, que en el caso de Chan ha resultado en múltiples lesiones. Sufrió quemaduras de segundo grado y casi queda paralítico durante el rodaje de Police Story; sufrió fuertes contusiones en el cuello a propósito de un salto desde una gran torre en el rodaje de Project A; se abrió la cabeza hasta el punto de que le sangraron los oídos. Keanu Reeves. Aunque Reeves suele ser víctima de bromas a propósito de su falta de expresividad, no se le puede negar que es un tipo de acción. Es legendaria la anécdota que dice que Jan de Bont, el director de Speed, prohibió tajantemente al actor realizar una escena en la que su personaje saltaba de un coche en marcha a un autobús. Haciendo caso omiso, ensayó la escena secretamente, hasta que el día de rodaje definitivo solicitó realizarla él mismo con absoluto éxito.

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MAKING OF DE: GRAVITY Estrenada en 3.575 cines estadounidenses debutó en primera posición en la taquilla con 55,5 millones de dólares, con una media por sala de 15 000 dólares Gravity de Alfonso Cuarón, desafió todas las reglas del cine moderno, con un proceso y tecnologías innovadoras que lograron capturar y transmitir la esencia del espacio en una pantalla de cine. Lo primero que siempre pensamos al ver una película tiene que ver con la percepción visual. El sentido de la vista juega un papel muy importante, sin embargo muchas veces no consideramos el trabajo de sonido, la música sí, pero el diseño sonoro lo dejamos de lado y olvidamos que una buena mezcla de sonido en una película le da el tono apropiado, establece un ambiente y nos sumerge en la película. Los estudios encargados de la parte visual fueron varios. Entre los más impor-

tantes, The Third Floor se encargó de la previsualización, Framestore desarrollo la animación y efectos visuales. El reto de los exigencias visuales de Gravity no fueron solo en la postproducción. En la filmación en set se requirieron técnicas innovadoras a prueba y error, para simular gravedad 0. Incluso antes de sus 10 nominaciones para los Academy Awards en las categorías de Mejor Película, Director, Actriz, Fotografía, Edición, Música Original, Edición de Sonido, Mezcla de Sonido, Diseño de Producción y Efectos Visuales; Gravity ya era una ganadora en nuestros corazones. Ahora, a desearle la mejor de las suertes a todo el cast y crew de Gravity.

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Hace unos días la Sociedad de Efectos Especiales (VES) concedió su premio a los mejores efectos especiales a ‘Gravity’, la nueva película de Alfonso Cuarón. Y para celebrarlo, Warner Bros ha querido mostrar un vídeo donde se puede ver como fue el rodaje con las mejores imágenes detrás de las cámaras de ‘Gravity’.

escenas y los momentos de Gravity son descritos de una manera más que onírica para que Cuarón descifrará la magia y el realismo que tenían que unirse para lograr el resultado que ahora la tiene en la lista de los premios de la academia para marzo del 2014.

Alfonso Cuarón ha comentado en varias ocasiones, “la Tras la creación de la película ya se pensaba que podría película fue planteada, desde un primer momento, para convertirse en una de las sorpresas de la edición de ser rodada en 3D“. Una de las curiosidades que rodea al los Oscar, pero donde seguramente filme es el hecho de que no se pudiera tenían pensado arrasar era en todos comenzar a rodar antes, ya que todavía los Oscar de carácter técnico, porque no existía la tecnología necesaria para “La película fue la película es una auténtica odisea llevar a cabo el rodaje. planteada, desde un visual. La cinta de Cuarón lleva recaudados más de 640 millones de dólares primer momento, para El magistral director Alfonso Cuarón en todo el mundo. Y si que acertaron. pretende meternos de lleno en el espaser rodada en 3D” cio, con la gravedad cero, y tras cuatro La manera en la que Gravity nos soraños y medio de espera consideró que prendió a todo el público amante del cine, sin duda es la tecnología necesaria para producir su película ya de lo más rescatable que sucedió en pantallas durante existía, tras ver “Avatar” de James Camerón. Y es que el 2013 que está por terminar. Todos los fans del sci-fi “Gravity” es una cinta que depende mucho de los efecespeculamos acerca de su realización porque las tomas, tos especiales, ya que la mayoría de los escenarios han los planos y los juegos de cámara son fascinantes y más sido creados en post-producción. En este caso, para de un cinéfilo se rompió la cabeza un rato y a diferen- crear la gravedad cero y los efectos de iluminación no cia de uno que otro idiota de la “prensa especializada”, se hizo uso de las típicas pantallas verdes, sino que el geek que se deja consentir, mejor se relajaba (de ser se construyó una caja especial, bautizada como “la posible) y disfrutaba del viaje. jaula”, compuesta de seis paneles LED gigantes que se encargaban de dar la sensación de que los actores se Desde el guion esta cinta ya proponía un reto bastante encontraban inmersos en el espacio y “rodeados por fuerte porque, como lo verán en el vídeo, muchas de las millones de luces”.

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En la escena en la que Sandra Bullock comienza a dar vueltas sin poder parar, se construyó una especie de robot-cámara (especialidad del director), guiada a través de raíles, que con sus movimientos se encargaba de dar la sensación de estar girando en el espacio. Posteriormente, todo el fondo fue reemplazado en post-producción. “Es como si los actores estuvieran metidos dentro de un iPod (por las pantallas LED), pero tienen que actuar como si estuvieran moviéndose por el espacio”, comenta Alfonso Cuarón. Por este motivo, todos los movimientos de los actores tuvieron que ser coreografiados con anterioridad.

Reparto

El numero de actores que integran el reparto de la película es escaso, tan solo dos. George Clooney y Sandra Bullock interpretan a los dos astronautas que se pierden por el espacio. El actor estadounidense Robert Downey Jr. era originalmente el elegido para hacer Gravity, de Alfonso Cuarón, pero no le ayudó su “escasa disciplina actoral”, confesó el director mexicano en rueda de prensa. El actor de Ironman incluso estuvo contemplado hasta muy avanzado el proyecto “pero nos dimos cuenta que íbamos a necesitar precisión y Downey no es un actor muy preciso, es bueno improvisando, pero no necesitábamos eso y es cuando entra George Clooney”, contó el cineasta de 52 años. A juicio del cineasta que el reparto principal esté integrado por Clooney y Sandra Bullock era también garantía de éxito “porque no hay nadie que los critique”. “Hacerlo es como tirarle a osos panda”, bromeó el director de Los niños del hombre.

7 Oscars (2014)

Gravity se ha alzado como la gran triunfadora de la ceremonia de los Oscars 2014. A los ya esperados premios técnicos (un total de seis) se suma el de mejor director para el realizador mexicano Alfonso Cuarón, que se con-

vierte en el primer latinoamericano de la historia que consigue imponerse en esta categoría. A pesar del recital de premios de Gravity, el filme del mexicano no fue la mejor película de la noche. El galardón recayó en “12 años de esclavitud”, de Steve McQueen, la otra gran nominada de la noche, que también consiguió un premio para Lupita Nyong’o como mejor actriz secundaria y el oscar a mejor guión. “La gran estafa americana” y “El lobo de Wall Street”, por su parte, que entraban dentro de las quinielas, se convirtieron finalmente en las grandes perdedoras de la noche. El filme de David O. Russell, con 10 nominaciones, y el de Martin Scorsese, con 5, volvieron a casa con las manos vacías. Pero, en general, la 86ª. Edición de los Premios de la Academia no deparó demasiadas sorpresas. No defraudó Cate Blanchett, la apuesta segura de todas las quinielas y que se alzó con la estatuilla a mejor actriz por su lucido y complejo papel en el Blue Jasmine de Woody Allen. También a Matthew MacConaughey lo señalaban como el que mayores posibilidades tenía de alzarse con el Oscar, aunque había quienes pensaban que la Academia sería benévola con Leonardo Dicaprio, eterno nominado, por su excéntrico papel en “El lobo de Wall Street”. Finalmente, se impuso el increíble cambio físico y la convincente interpretación del tejano como el homófobo enfermo de SIDA protagonista de Dallas Buyers Club. Un filme que consiguió hacer pleno y llevarse los tres premios por los que estaba nominado: el de Matthew MacConaughey, el de Jared Leto como mejor actor secun-

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dario, impecable en su caracterización como paciente transgénero y que en su discurso recordó a Venezuela y Ucrania, y el de mejor maquillaje. La que no constaba tan claramente en las apuestas era Lupita Nyong’o por su papel en “12 años de esclavitud”. La actriz Jennifer Lawrence partía con todas las de ganar. Pero al final sería la keniana la que subiría al escenario del Dolby Theatre a recoger la estatuilla, en uno de los momentos más emotivos de la ceremonia.

Las cualidades técnicas de «Gravity», premiadas

mio a la mejor fotografía recayó en el también mexicano Emmanuel Lubezki por su preciosista trabajo en el filme de Cuarón, donde la espectacularidad que otorga a la imagen contribuye a crear una mayor conexión emocional con el espectador. Junto a la fotografía, también la edición y mezcla de sonido y la banda sonora, premiados por la Academia, han sido indispensables para hacer que el espacio abierto de “Gravity” sea, además de espectacular, profundamente agobiante para los espectadores.

Además de uno de los grandes premios, el de mejor direc- Según la página de Internet Rotten Tomatoes obtuvo tor, que recayó en el mexiun 97% de comentarios posicano Alfonso Cuarón, por la tivos, llegando a la siguiente Ha logrado llevarse las seis película Gravity, como era de conclusión: «Gravity es un estatuillas que premian esperar se llevó el grueso de misterioso y tenso thriller los premios técnicos. La cinta, de ciencia ficción magislas cualidades visuales y en la que los actores George dirigido y visualsonoras en el cine: mejor fotografía, tralmente Clooney y Sandra Bullock mente impresionante». mejores efectos especiales, mejor interpretan a dos astronautas que quedan suspendidos en Todd McCarthy escribió montaje, mejor edición de sonido, el espacio, logró llevarse, con para The Hollywood Repormejor mezcla de sonido y mejor un gran mérito, las seis estater que «es emocionante, y banda sonora original tuillas que premian las cualilo más cerca de sentir que dades visuales y sonoras en el estás en el espacio que jamás cine: mejor fotografía, mejores estaremos. Un asombroso efectos especiales, mejor montaje, mejor edición de sonido, thriller espacial. Con momentos en los que te corta la resmejor mezcla de sonido y mejor banda sonora original. piración y sobrecogedoras sorpresas». El crítico español Carlos Boyero la definió como «un memorable desplieAlfonso Cuarón subió por primera vez al escenario gue visual, crea tensión de primera clase y logra hipnotidel Dolby Theatre para recoger su primer Óscar de la zarme. Es una película profundamente humana». Según noche en la categoría de mejor montaje, un premio que la página de Internet Metacritic obtuvo comentarios ha compartido con su colaborador Mark Sanger. El pre- positivos, con un 96% de valoración.

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Alfonso Cuarón habla Gravity tiene uno de los mejores 3D que hemos visto nunca

La película fue concebida desde un principio en 3D. A mí dicha técnica siempre me ha intrigado tanto como la he rechazado, por muchísimas razones; odio que con el 3D y con la tecnología actual se degrade el color de la imagen, que los claroscuros se difuminen. Además la pantalla se vuelve más oscura, se acaba perdiendo definición, pese a que se busque precisamente el efecto contrario. Por no hablar de lo incómodo que resulta tener que ponerse gafas para ver una película. Ahora, si ves Gravity en 2D la experiencia estética se reduce un 20% respecto al 3D. A mí siempre me ha apasionado el 3D como una posibilidad, como una herramienta. En realidad la gente piensa que se inventó en los años 50 con Los crímenes del museo de cera (House of Wax), pero se cementó en 1896, dos años después de la invención del cine, también creado por los hermanos Lumière. Y es que el cine desde el principio también se diseñó para ser disfrutado en 3D, porque así es como vemos las personas. Si no llegó a desarrollarse fue por términos estrictamente financieros. El problema actual es que las películas no se diseñan desde el principio como un proyecto en 3D, sino que se plantean en términos financieros y se falsea el formato en post-producción. No hay nada peor que eso. El 3D bueno es el que se ve en películas como Avatar, La vida de Pi, Pina, Cave of forgotten dreams,

La invención de Hugo y en algún documental IMAX. Me repito: el 3D es una herramienta y sólo hay que utilizarla cuando sea realmente necesario.

Cuando estuvo en San Sebastián hace 7 años que ya hablaba de una foto de la Tierra vista desde el espacio...

Esa imagen de la tierra de los años 60 es una de las fotografías más bellas que se jamás se han hecho. Era una imagen tremendamente poderosa que demostraba como una fotografía puede cambiar radicalmente las cosas. En la película quisimos que la Tierra fuera un personaje más, omnipresente, siempre al fondo de la imagen. Creo que como metáfora funciona a la perfección, si entendemos que al otro lado no hay nada más que el vacío. Nuestra Tierra estaba formada a base de bellísimas fotografías en alta definición tomadas desde el espacio. También hicimos una pseudo-inmersión espacial con un globo meteorológico al que mandamos a la estratosfera a captar imágenes.

Tu carrera se mueve entre distintos géneros y estilos. ¿Cuál dirías que es el hilo común entre tus películas? La única línea común que veo entre mis películas es que todas sirven para pagar la renta (risas).

¿Es cierto que James Camern os asesoró en la preproducción?

Sí y, en cierta forma, fue clave su ayuda. Hubo un momento

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en el que parecía que Gravity no iba a poder hacerse, ahí que no tenga tanta importancia el llamar la atención no hacíamos más que encontrarnos puertas cerradas. sobre un plano determinado como de crear una expeMucha gente nos decía que la tarea era imposible de rea- riencia emocional significativa. No se trata de hacer un lizar mientras otros, como David Fincher, nos decía que cine de “mira, mamá, sin manos”. Los planos deben había que esperar algunos años hasta que la tecnología durar lo que deben durar, exactamente igual que las que necesitábamos existiera. James Camern sin embargo notas musicales. No estoy reñido con el montaje, a mí fue claro: “Lo que quieres hacer es muy complicado pero me fascina, lo que no soporto es el mal montaje, como el tienes que saber que, ahora mismo, todo lo que puedas que se usa en casi todo el cine comercial. imaginar vas a ser capaz de ponerlo en imágenes; es probable que tengas que inventar tu mismo la tecnología o La película ha tenido un recibimiento crítico a lo mejor tendrás que sustituirla por otra ya existente excelente, ¿te ha dado vértigo en algún momento? pero ajena al mundo del cine”. La clave fue su entusiasmo: No, te asustas cuando dicen de tu película que es “una “vas a poder hacer esta película”. Donde reñíamos era en mierda”. Sé de lo que hablo porque ¡eso ya me ha pasado! el presupuesto, las ideas que me propuso eran carísimas (risas) Yo lo que quiero es que la gente vea la película, y yo no suelo trabajar con los propuestos de Jim. Todos nada más. Y hoy por hoy es un misterio. Hay películas los cineastas que trabajamos la fantasía estamos en eterna que funcionan muy bien en festivales y que después no deuda con Avatar, en ella quedó claro que los efectos digi- conectan con el público. Luego están las que funcionan tales podían usarse narrativamente al revés, la crítica las odia y el sin miedo. Jim abrió una puerta muy público las aplaude. Y luego están importante con ella. Películas como “Mucha gente nos decía que la esas pocas películas que logran La vida de Pi o Gravity hubieran convencer a todo el mundo por tarea era imposible de realizar sido impensables sin Avatar. igual. Sin olvidarnos las que funcionan fatal en todos los aspectos mientras otros, como David Tu película es visualmente Fincher, nos decía que había y el tiempo, a posteriori, acaba deslumbrante, con unos planos convirtiéndolas en fenómenos de que esperar algunos años secuencia muy estilizados. culto. O las que arrasan en prehasta que la tecnología que ¿Cómo fue la construcción de mios y en taquilla y hoy ya nadie dichas imágenes? se acuerda de ellas. Así que toménecesitábamos existiera” Casi todo viene de la religión. moslo todos con calma. Jonás (Cuarón) y yo siempre tuvimos claro cómo queríamos que Ni Sandra Bullock ni George fuera la película. Desde el principio imaginamos a esa Clooney fueron los intérpretes planteados mujer a la deriva en el espacio de una forma estricta- inicialmente para protagonizar la película. mente narrativa. Era como si toda la película fuera un Ay, el bendito internet... ¡Tengan cuidado con lo que sólo movimiento musical. El cine es un lenguaje que se lean! De todo lo que se publica sólo hay una pequeña acerca más a la música que a la literatura, al teatro o a parte de realidad y mucho de mito. Durante los dos la pintura. Es una cuestión de armonías y ritmos. De años y medio que estuvimos preparando Gravity me

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fui cruzando con distintos actores... Y al día siguiente de nuestro encuentro ya estaba on line que tal o cual actor iba a protagonizar mi próxima película. Lo cierto es que los únicos con los que llegamos a conversaciones más avanzadas fueron Angelina Jolie y Robert Downey Jr. Pero Angelina quería debutar como directora y luego le fueron saliendo más proyectos, así que resultó imposible. Con Robert Downey Jr. fue diferente, él era el elegido. El problema fue que cuando tuvimos claro cómo íbamos a hacer la película nos dimos cuenta de que él no iba a ser compatible. La virtud de Downey es improvisar constantemente, y aquí le íbamos a encerrar en actitudes muy concretas con diálogos muy específicos... Así que creímos que no iba a resultar.

¿Cómo llegasteis a Sandra Bullock? Porque le has brindado el papel de su vida...

Escogimos a Sandra justo cuando ya estábamos listos para rodar. En el camino nos dejamos a unos cuantos actores de por medio, eso es cierto. Creo que su nombre salió hablando con Alejandro González Iñárritu, él me dijo “veo a una estrella de cine haciendo este papel”. Lo que pasaba es que teníamos que coger a una celebridad conocida por todo el mundo... Y darle algo que nadie espera. Es casi como descubrir a un nuevo actor. Para poder cumplir con eso, vaya, tiene que ser muy buena actriz. Cuando le mandé el guión a Sandra fue fantástico porque no tuve que sugerir prácticamente nada. Ella estaba deseando reinventarse. Hablamos durante tres horas, centrándonos en la parte emocional, dejando de lado los aspectos técnicos. Me dejó claro de que si se involucraba en el proyecto iba a ser una compañera de viaje fiel y responsable. No creo que haya muchas actrices como ella. Lo que Sandra hizo en la película, bueno, fue mucho más allá de lo que es la mera preparación del personaje, fue un ejemplo de disciplina, de rigor, de precisión...

Sinopsis Género: Ciencia ficción. Drama. Aventura espacial. Supervivencia. 3-D Mientras reparan un satélite fuera de su nave, dos astronautas sufren un grave accidente y quedan flotando en el espacio. Son la doctora Ryan Stone (Sandra Bullock), una brillante ingeniera especializada en medicina que realiza su primera misión espacial. Junto a ella se encuentra el veterano astronauta Matt Kowalsky (George Clooney), quien se encuentra al mando de su último vuelo antes de retirarse. La misión exterior parecía rutinaria, pero una lluvia de basura espacial les alcanza y se produce el desastre: el satélite y parte de la nave quedan destrozados, dejando a Ryan y Matt completamente solos, unidos el uno al otro y dando vueltas en la oscuridad. El terrible silencio les indica que han perdido cualquier vínculo con la Tierra... y cualquier posibilidad de rescate. A medida que el miedo se va convirtiendo en pánico, cada bocanada de aire consume el poco oxígeno que queda. Pero el único camino a casa solo puede encontrarse adentrándose más y más en la aterradora extensión del espacio. Intentarán por todos los medios buscar una solución para volver a la Tierra. 39

PALOMITAS

LOS MEJORES MAQUILLAJES El cine ha alcanzado tal nivel que cada día nos sorprende más. La caracterización de los actores es tan sorprendente que en muchas ocasiones no sabemos quien se esconde tras el personaje

Daveigh Chase en........................................................................ El Aro

Christian Bale en......................................................................... El Maquinista

Ralph Fiennes en......................................................................... Harry Potter

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Tim Curry en................................................................................ ESO

Doug Jones en............................................................................. El Laberinto del Fauno

Ron Pearlman en......................................................................... Hellboy

Robert Englund en..................................................................... Pesadilla en Elm Street

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PERSONAJES BASADOS EN PERSONAS REALES Dice el dicho que la realidad suele superar a la ficción, aunque también es cierto que la ficción busca continuamente reflejarse en el espejo de la realidad. La prueba la encontramos, de forma evidente, en todas esas películas que se presentan como “basadas en hechos reales” –sin ir más lejos, el próximo fin de semana se estrena El mensajero, basada en la historia real de un padre (interpretado por Dwayne Johnson) que intenta atrapar a un importante traficante de droga para intentar reducir la condena de cárcel su hijo–. Sin embargo, hay otras veces en las que la ficción se inspira en la realidad de forma sigilosa, sutil, sin hacer publicidad de ello. Las razones para el encubrimiento del origen real de algunos de los personajes más grandes del cine son de lo más diversas: a veces, ocurre que el personaje real es un hombre común al que nadie conoce; en otras ocasiones, el personaje de ficción es un retrato crítico o incluso paródico de la persona real; y otras veces el avatar de ficción se ha hecho tan popular que ha acabado ensombreciendo a su “padre” real. Sea como sea, existe una importante lista de grandes personajes de la historia del cine que, probablemente, no sabíais que estaban basados en personas reales. A continuación, repasamos algunos de los casos más interesantes. Y empezaremos con personajes icónicos del cine que han terminado superando en popularidad a las personas que los inspiraron. Ahí está, por ejemplo, Indiana Jones, el arqueólogo más carismático de

la gran pantalla. Poco son los que, a estas alturas, saben que Steven Spielberg y George Lucas crearon a Indy tomando como modelo el académico y aventurero Hiram Bingham III, que a principios del siglo XX se hizo famoso por redescubrir las ruinas incas de Machu Pichu. En realidad, el libro de Bingham titulado La ciudad perdida de los incas inspiró al personaje de Charlton Heston de El secreto de los incas, que luego se reencarnaría en Indy. En este sentido, es probable que el boxeador de segunda Chuck Wepner sea algo más recordado que Bingham; sin embargo, su desvaído recuerdo

no se puede comparar con la imborrable huella que ha dejado en el cine la figura de Rocky Balboa. En realidad, Silvestre Stallone escribió el guión de la primera entrega de Rocky después de quedar impactado por la heroica resistencia que ocupo Wepner ante el todopoderoso Muhammad Ali: llegó a resistir 15 asaltos ante “el más grande”.

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Siguiendo con personajes de leyenda, nos detenemos en Harry Callaghan, más conocido por su apodo de Harry, el sucio: uno de los personajes más memorables del currículum actoral de Clint Eastwood. Pues bien, como también ocurriría con Bullitt, el personaje al que diera vida Steve McQueen, Harry fue creado a imagen y semejanza de Dave Toschi, el detective que se encargó de la caza de Zodiac, uno de los grandes asesinos psicópatas de la historia negra de los Estados Unidos.

de Bremer impactó de una forma tan profunda a Paul Schrader que decidió convertir su historia en el trasfondo de Taxi Driver, la sensacional película de Martin Scorsese. Así, el Travis Bickle al que dio vida Robert de Niro podría considerarse como la versión macabramente romantizada de Bremer. En todo caso, no todos los personajes de ficción basados en personas reales tienen un pedigrí original tan mediático. Ahí está, por ejemplo, el Raymond Babbitt de Rain Man, a quién diera vida Dustin Hoffman y al que acompañaría, como su hermano en la ficción, un inspirado Tom Cruise.

También bastante oscura y siniestra es el aura de William Randolph Hearst, el poderoso padre del imperio mediático que lleva su apellido. Pues bien, Hearst le sirvió de inspiración a Orson Welles para crear al protagonista de su opera prima, Ciudadano Kane (hasta hace poco, considerada como la mejor película de la historia del cine). Kane en la ficción y Hearst en la realidad representaron el punto más desmedido de la ambición y avaricia que residen en el corazón de la cultura norteamericana. Continuando con la historia negra de los Estados Unidos, nos detenemos ahora en un hombre llamado Arthur Bremer, que en 1972 planeó asesinar al candidato presidencial George Wallace, contra quien llegó a atentar rifle en mano. La historia

Pues bien, el guionista de la película (Barry Morrow) creó el personaje de Babbitt tomando como modelo a Kim Peek, un hombre afectado de autismo que demostró poseer una memoria prodigiosa, absolutamente sobrehumana. Al parecer, Peek llegó a memorizar el contenido de hasta

12.000 libros, que se dice rápido. Mucho menos prodigioso, aunque igual de significativo para el séptimo arte, fue Jeff Dowd, un veterano activista contra la Guerra del Vietnam que, con el tiempo, perdió toda su reputación y se hizo adepto a los Rusos Blancos, el famoso cóctel a base de vodka. Para acabar, cerraremos esta ilustre lista de personajes con otros dos mitos del cine. En primer lugar, el Pete ‘Maverick’ Mitchell al que diera vida Tom Cruise en Top Gun. El origen de la célebre película de los años 80 se encuentra en un artículo periodístico en el que se relataba el día a día de un grupo de pilotos del ejército. Así, el personaje de Maverick se escribió a imagen y semejanza del instructor Randall ‘Duke’ Cunningham. Y, luego, para terminar, nos centramos en Severus Snape, uno de los personajes más sibilinos e inquietantes de la saga de Harry Potter. En este caso, no podemos decir que Snape fuese la versión ficcional de un maestro de magia real. No, Severus fue creado por J.K. Rowling a partir de sus recuerdos de un antiguo profesor de química llamado John Nettleship. Menudo “honor” para el viejo profesor.

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JOHNNY DEPP Y SUS PERSONAJES El actor vive a un disfraz pegado, al menos desde que rodara Eduardo Manostijeras hace casi un cuarto de siglo

a mayor parte de su carrera la ha pasado oculto bajo un look extremo. El actor se ha llegado a plantar un pájaro en la cabeza en “El llanero solitario”. Tim Burton no ha sido su único aliado en esta querencia por el transformismo cinematográfico. El pirata Jack Sparrow se ha convertido en su mayor fuente de celebridad y el actor ha contado que siempre viaja con el disfraz,

por si surge una visita improvisada a un hospital infantil.

de Johnny Depp, con algunos de sus disfraces más locos.

El público de su país no se ha mostrado interesado en la adaptación de la serie de los años 50 “El llanero interesado”, que puede hacer perder muchos millones a la Disney. Pero el actor ya tiene pensado volver a vestirse como el Sombrerero Loco y como Sparrow en sus próximos proyectos. A continuación el freak-show

Para encarnar a Tonto, el nativo americano que acompaña al llanero solitario, Depp se inspiró en el personaje televisivo de los años 50 y le agregó un curioso accesorio capilar. Depp ya había protagonizado un Western con un atuendo estrambótico en los inicios de su carrera. Y es que el papelen “Dead Man” fue una inspiración.

El llanero solitario 2013 La historia comenzará con los orígenes del Llanero Solitario, quien junto a un grupo de Rangers de Texas persiguen a una banda de forajidos liderada por Butch Cavendish. La banda monta entonces una emboscada a los Rangers, en la que aparentemente no quedan supervivientes. Sin embargo, una persona logra sobrevivir gracias a un indio americano llamado Tonto, que cura sus heridas. El Ranger se pondrá entonces una máscara y montado en un caballo blanco llamado Silver intentará junto a su amigo hacer justicia y llevar a los forajidos ante la justicia. Toro (Johnny Depp), un nativo americano y guerrero espiritual, y el hombre de ley John Reid (Armie Hammer) son opuestos atraídos.

Dead Man 1995 William Blake decide abandonar su puesto de contable en Cleveland (Ohio) después de recibir una oferta de trabajo en Machine, una inhóspita ciudad industrial en el Oeste de los EEUU. Sin embargo, cuando llega, resulta que su puesto lo ocupa otra persona. Charlie Dickinson, el hijo del propietario de la empresa, mata a su mujer cuando la encuentra en la cama con Blake, quien a su vez liquida a Charlie. De este modo, un simple contable de Cleveland se convierte en un “fugitivo” perseguido por tres cazadores de recompensas.

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“The brave” 1997

“Eduardo Manostijeras 1990

“Charlie y la fábrica de chocolate” 2005

“Alicia en el País de las Maravillas” 2010

“Sleepy hollow” 1999

Sweeney Todd (2007)

“Sombras tenebrosas” 2012

“Piratas del caribe” 2003-2015

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HECHOS REALES En busca de la felicidad (2006) Os recomendamos una película consideramos símbolo perfecto de la lucha por cumplir el deseo de salir adelante con éxito. Puede que no sea inspiradora de nuevas ideas pero sí muy motivadora para aquellos que emprenden un duro camino. Lo mejor de todo es que es una historia real; La historia de Christopher Paul Gardner (9 de febrero de 1954, EE.UU) hoy millonario emprendedor y conferenciante motivacional. Su título en España “En busca de la felicidad” es una adaptación del libro de las memorias de Gardner con el mismo título que fue publicado en 2006. Luchó a favor de las personas sin hogar en EE.UU. porque él, junto con su hijo, fue uno de ellos a comienzos de la década de 1980.

“No dejes nunca que nadie te diga que no puedes hacer algo… Si tienes un sueño ve a por él. La gente que no lo consiguió te dirá que no lo lograrás, pero si tienes un sueño, persíguelo y punto”

El 12 de Julio, el Economista.es publicó un reportaje sobre las Christopher Paul Gardner películas que “pueden motivarnos e inspirarnos nuevas ideas”. Insta a ver películas en los momentos de ocio que todos necesitamos a pesar del tiempo que consume emprender y/o mantener un negocio. Proponen películas como “Tucker: Un hombre y su sueño”, “Red Social”, “Risky Business” o “Full Monty” sobre la que todos recordamos cómo un grupo de hombres en paro de un pueblo sin trabajo busca salir adelante con una divertida idea, pero enfrentando a cada uno de ellos con sus conflictos personales, morales y familiares.

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Hachiko (2009) En 1924, Eisaburō Ueno, un profesor del departamento de agricultura en la Universidad de Tokio, adoptó a Hachikō como su mascota. Desde entonces, cada día Hachikō lo esperaba en la puerta delantera de la estación de Shibuya para saludar a su amo al final de cada día. Esta rutina continuó sin interrupciones hasta el mes de mayo de 1925 cuando el profesor Ueno ya no regresó, como de costumbre pues previamente había sufrido una hemorragia cerebral mientras impartía clases en la universidad de Tokio, y murió. Debido a esto, jamás regresó a la estación de tren, donde su leal mascota lo esperaba. Hachikō demostró lealtad a su dueño; y cada día, por los siguientes diez años de su vida, esperó en el acostumbrado sitio donde se sentaba, justo enfrente de la estación. La devoción que Hachikō sentía hacia su amo falle-

”El es tu amigo, tu compañero, tu defensor, tu perro. Tú eres su vida, su amor, su líder. El será tuyo siempre, fiel y sincero, hasta el último latido de su corazón. A él le debes ser merecedor de tal devoción.” Anónimo

cido conmovió a los que lo rodeaban, quienes lo apodaron el perro fiel. En abril de 1934, una estatua de bronce fue erigida en su honor en la estación de Shibuya, y el propio Hachikō estuvo presente el día que se presentó la estatua. El 8 de marzo de 1935, Hachiko murió de filariasis. Su cuerpo fue encontrado frente a la estación de Shibuya, tras esperar infructuosamente a su amo durante la friolera de diez años.

Intocable (2011) En 1994, Philippe Pozzo di Borgo quedó tetrapléjico a causa de un accidente de parapente. Abdel Sellou se ocupó de él durante 10 años, hasta 2004. Abdel vive ahora entre Francia y Argelia, Philippe vive en Marruecos y ambos siguen

siendo buenos amigos. Su historia se ha llevado a la gran pantalla con un éxito sin precedentes. Este documental muestra el encuentro entre los actores y los auténticos protagonistas de esta historia. Una historia que no te puedes perder.

“No olvides que un día no habrá mañana, y lo que constituye la sal de la vida es la relación con el otro, ahora. Aunque lo seáis menos que yo, también sois dependientes de los demás. Sed amables, porque es la base de la buena vida, y sin hacer teatro, siendo vosotros mismos”. Philippe Pozzo di Borgo

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LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ Es el filme mas representativo dentro de un modelo basado en un producción planificada de acuerdo con criterios industriales, pero presenta singularidad en diferentes aspectos que rompen con este entramado

n muchas ocasiones, los títulos de crédito del cine clásico podían plantear de manera condensada indicaciones sobre lo que acontecerá en el relato. Los títulos de crédito con los que abre Lo que el viento se llevó nos introducen en un espacio mostrando bellos paisajes sureños acompañados de la exquisita banda sonora. Se nos muestra el cielo con sus tonos azulados y rojos aludiendo tanto al amanecer y el anochecer en Tara como el incendio de Atlanta. Sobre ese cielo, más tarde, se recortarán las figuras

de Scarlett y su padre, o ella sola, en los momentos más emblemáticos de la película. La articulación narrativa de Lo que el viento se llevó parte a grandes rasgos de establecer una relación constante entre dos elementos; El itinerario de los personajes con sus conflictos amorosos siempre girando al rededor del personaje protagonista, Scarlett. Y la visión colectiva de conflictos históricos. El film se divide en dos partes además de una overtura, un interludio y un final, siempre acompañados de la

banda sonora de la película y como fondo los paisajes de Tara. Dos imágenes simétricas situadas en el inicio y en la clausura del relato. Al principio como un telón que se abre, los gemelos Tartelon se hacen a un lado para permitir que la cámara se desplace en un travelling de aproximación y culmine con un primer plano del rostro de Scarlett en el esplendor de su juventud mientras el diálogo con los jóvenes que la galantean va desganando, de manera minuciosa y eficaz, los dos conflictos esenciales: la inminente guerra y la boda de Ashley y Melania. En el final, un movimiento semejante culmina en el rostro compungido de Scarlett. Hay un recorrido simbólico entre principio y fin: el exterior frente al interior, el esplendor de un día primavera en Tara frente al lúgubre aspecto nocturno de la entrada a la casa de Atlanta, el juvenil vestido blanco vaporoso frente al severo vestido de luto. El tiempo ha dejado su huella en el cuerpo de Scarlett para borrar para siempre los trazos de la juventud. Como bien dice Mammy “no hay nada que hacer ante el viento que levanta el paso de los años y que arrastra poco a poco los vestigios de la juventud”. Todo el proceso comenzó con la guerra, con la devastación producida por la entrada el tiempo histórico en ese espacio mítico que era el viejo sur. La historia se aleja del orden natural para regirse por los conflictos puramente humanos.

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Lo más curioso • Durante el rodaje de la película, en la escena del nacimiento de Bonnie, Clark Gable (Rhett Buttler) le gastó una broma a Hattie McDaniel (Mammi) colocando Whisky en lugar de té en el vaso que esta última debía beber para celebrar dicho nacimiento. • Fue la primera película en color que consiguió ganar el Oscar a la Mejor Película. • Por 125 días de trabajo a Vivien Leigh le pagaron 25.000 dólares, mientras que a su compañero Clarke Gable le pagaron 120.000 por 71. • Al poco de empezar el rodaje Clarke Gable manifestó su descontento hacia George Cukor y dado que los productores querían mantenerlo contento para que el proyecto pudiera acabar bien, despidieron a Cukor y contrataron a Fleming, amigo personal de Gable. • El caballo con el que cabalgó Thomas Mitchell sería luego el caballo de “El llanero solitario”, Silver.

• Es el film más taquillero de la historia del cine en términos reales, es decir: considerando los efectos de la inflación. • Recaudó 390,6 millones de dólares en todo el mundo y 198,7 millones en USA. • Para la película, se utilizaron 27 trajes idénticos para la protagonista. Si el que llevaba la prota se quemaba o rompía, había que hacer lo mismo con el resto para que no rompieran la linealidad de la historia. Al final del rodaje solo sobrevivieron 5 de esos trajes, pero claro, el más original de ellos estaba totalmente deslucido y los otros aparte de las roturas, quemaduras etc... Lucían coloridos como nuevos. ¿Solución? Descoser esos vestidos y volver a coserlos con la tela volteada, lo de dentro hacia afuera. • Al rechazar el papel de Rhett Butler, Gary Cooper dijo: “Lo que el viento se llevó va a ser el mayor fracaso en la historia de Hollywood, y me alegra “.

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MARY POPPINS

Película musical de Walt Disney estrenada en 1964, basada en el libro del mismo nombre y que firmaba P. L. Travers Mary Poppins, una comedia musical estrenada en 1964. Dirigida por Robert Stevenson, tiene todos los ingredientes del cine familiar sin que por ello resulte vacua o intrascendente, pues más allá del tono amable que domina toda la obra hay aspectos interesantes que abordan contenidos de tipo social e histórico. La historia parece situarse en el Londres de principios del siglo XX. Así nos lo muestra la visión del Big Ben nada más iniciarse los títulos de crédito. La acción gira en torno a una mágica niñera que llega a una casa de la alta burguesía londinense para educar no sólo a los dos traviesos niños, sino también para dar la estabilidad que parece

faltar en el hogar. En este sentido, la madre de la familia pudiera haber sido una abnegada mujer atada a los designios y deseos de su marido, empleado de la banca. Sin embargo, y pese a que queda a expensas de los dictámenes de su esposo, man-

tiene una lucha militante a favor de la consecución del voto femenino, por aquel entonces reivindicado de forma radical por las llamadas sufragistas, y no conseguido en Inglaterra hasta 1918 para las mujeres mayores de 30 años y hasta 1928 de forma universal para todas las mujeres mayores de edad. Las actividades y las ideas políticas de esta mujer quedan fuera del conocimiento de su marido -al Señor Banks no le gustan mis ideas políticas, dice en una ocasión- , pero no las abandona en ningún momento, sin que por ello renuncie al papel de madre y esposa propio de su tiempo. El padre sí parece descuidar las tareas domésticas, centrándose únicamente en su trabajo, hasta que al final de la película repare en este hecho y trate de atender a su familia. Como es obvio, y es algo que en todas las películas ocurre, las interpretaciones pueden ser tan amplias y variopintas como espectadores haya.

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Algunas cosas curiosas

Cuando Julie Andrews ganó el Oscar a la Mejor actriz en 1964, se lo agradeció al productor Jack Warner a modo de ironía. Warner rechazó a Julie Andrews para el papel protagonista de la adaptación cinematográfica de My fair lady (1964), a pesar de que ella interpretaba el mismo papel en el teatro. Curiosamente, Audrey Hepburn interpretó dicho personaje y ese año no estuvo nominada al Oscar a la Mejor actriz porque en las canciones fue doblada por Marni Nixon. P.L. Travers, la autora de la novela, quiso quitar la secuencia de dibujos animados de la película, pero Walt Disney se negó. Walt Disney propuso a Julie Andrews que interpretase a Mary Poppins después de verla en Broadway, en la obra de teatro Camelot. En el episodio de la afamada serie Los Simpson de la octava temporada llamado Simpsoncalifragilisticoexpialid... ¡oh! llega a casa de la familia una niñera llamada Shary Bobbins, clara parodia a Mary Poppins. Y en el episodio de la décimo quinta temporada titulado Los monólogos de la Reina, en el que los Simpsons viajan a Inglaterra, en un comienzo se ve una imagen de la ciudad de Londres pero con varias niñeras volando con su paraguas y un maletín, igual que Mary Poppins. En un episodio de la serie Los Padrinos Mágicos llega una niñera llamada Susie Califragilistica, haciendo una clara referencia a Mary Poppins. En el episodio de Padre de familia titulado Peter, el ilegal hacen una parodia de Mary Poppins cuando Peter consigue un trabajo como niñera. En la escena aparecen Jane y Michael.

Premios Mary Poppins se ha convertido en la película Disney con más nominaciones a los Oscars. • Óscar a la mejor actriz (Julie Andrews) • Óscar al mejor montaje • Óscar a la mejor banda sonora • Óscar a la mejor canción original por “Chim Chim Cher-ee” • Efectos especiales Fue nominada por: • Óscar a la mejor dirección artística (Color): Carroll Clark, William H. Tuntke, Emile Kuri and Hal Gausman • Óscar a la mejor fotografía (Color) • Óscar al mejor diseño de vestuario (Color) • Óscar al mejor director (Robert Stevenson) • Óscar a la mejor música (Adaptación musical) • Óscar a la mejor película • Óscar al mejor sonido • Óscar al mejor guion adaptado

Sinopsis Reinado de Eduardo VII (1901-1910). La vida de una familia inglesa formada por un padre banquero, una madre sufragista y dos niños rebeldes -que pretenden llamar la atención de sus padres haciendo la vida imposible a todas las niñeras-, se verá alterada con la llegada de Mary Poppins, una extravagante institutriz que baja de las nubes empleando su paraguas como paracaídas. Debut y Oscar para Julie Andrews en este clásico del cine familiar que en su día batió récords de taquilla. Una niñera mágica y canciones pegadizas que harán las delicias de los niños de la casa.

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ORGULLO Y PREJUICIO La historia (basada en la novela de Jane Austen) ha sido llevada a la pantalla pequeña en numerosas ocasiones pero en el cine solo se ha podido ver una vez, en 1940 y fue dirigida por Robert Z. Leonard Esta clásica historia de amor y malentendidos tiene lugar en la clasista Inglaterra de finales del siglo XVIII. Las cinco hermanas Bennet, Elizabeth o Lizzy (Keira Knightley), Jane (Rosamund Pike), Lydia (Jena Malone), Mary (Talulah Riley) y Kitty (Carey Mulligan), han sido criadas por una madre (Brenda Blethyn) cuya única fijación es encontrarles marido. Pero Elizabeth, inteligente y con carácter, desea una vida con perspectivas más abiertas, un anhelo respaldado por su padre (Donald Sutherland). Cuando el rico y soltero Sr. Bingley (Simon Woods) se instala en una mansión vecina, las hermanas Bennet no pueden creer su suerte. Entre los numerosos y sofisticados amigos londinenses que vienen a visitarle y la llegada de varios jóvenes oficiales, habrá pretendientes de sobra. Jane, la hermana mayor, de gran belleza serena, parece haber conquistado el corazón del Sr. Bingley. Lizzy conoce al apuesto y aparentemente orgulloso Sr. Darcy (Matthew Macfadyen) y se desata la tormenta. Se ven a menudo y casi siempre acaban discutiendo. Pero Lizzy está menos dispuesta que nunca a aceptar al Sr. Collins, un primo lejano que ha pedido su mano. Apoyada por su padre, asombra a su madre y al Sr. Collins rechazándole. Cuando el Sr. Bingley se marcha a Londres sin avisar, rompiendo el corazón de Jane, Lizzy culpa al Sr. Darcy. Pero una inesperada crisis con Lydia, la hermana pequeña, permite a Lizzy darse cuenta de la verdadera naturaleza de su relación con el Sr. Darcy.

Las hermanas Bennet y todos los que las rodean, después de este torrente de sorpresas y emociones que no ha dejado a nadie indiferente, comprenden lo que realmente cuenta en esta vida.

Sinopsis

En mitad de la campiña inglesa de finales del siglo XVIII, la Sra. Bennet se entera de una gran noticia: un joven rico y soltero acaba de mudarse a Netherfield Park, una mansión vecina. Madre de cinco hijas sin dote, su gran objetivo es que una de ellas se case con él. El recién llegado Sr. Bingley parece inclinarse por la hermana mayor Jane, una joven de belleza tranquila, durante el primer baile que tiene lugar en la mansión. Por desgracia, su todavía más elegible amigo, el apuesto y orgulloso Sr. Fitzwilliam Darcy, no tiene la menor intención de rebajarse hablando con provincianas y rehúsa bailar con Elizabeth Bennet, sin darse cuenta de que Elizabeth oye su comentario y se siente insultada. La arrogante hermana del Sr. Bingley invita a Jane a la mansión y la Sra. Bennet urde una treta: manda a su hija a caballo bajo la lluvia para que tenga que pasar la noche allí. El truco funciona ya que la chica cae enferma y Elizabeth debe ir a cuidarla. Al conocerla mejor, Darcy empieza a admirar a la ingeniosa Lizzy, que se divierte aumentando la mala impresión que cree haber causado en el joven. La llegada de la milicia a la ciudad permite que Elizabeth y el elegante Wickham se conozcan. No tarda en contarle que conoce a Darcy y que éste se portó mal con él. El pomposo Sr. Collins, el primo que heredará la casa familiar cuando muera el Sr. Bennet.

CLÁSICOS

Lo más curioso • Rosamund Pike rechazó el papel de Rita Skeeter en la cuarta parte de Harry Potter para interpretar a la Jane de este film • La escena en la que Bingley ensaya la proposición de matrimonio a Jane ante Darcy fue improvisada. En un principio iba a ser más corta pero como gustó entre el equipo técnico se mantuvo todo el corte • Joe Wright (director) no estaba convencido de que Keira Knightley interpretara a Elizabeth porque le parecía demasiado bella para el personaje. Pero después de conocerla Knightley le convenció por su pasión e ilusión • Para que esta milicia fuera lo más auténtica posible, los productores contrataron a miembros de la Sociedad Napoleónica para que supervisaran las escenas de la llegada y de la despedida de la milicia (rodadas en Stamford, Lincolnshire) • Los actores, cuando no estaban en una escena, no se metían en sus caravanas, sino que iban a los dormitorios que ocupaban en la película

LA CRÍTICA

DE LA REDACCIÓN... Ocho apellidos vascos

La ventana indiscreta

Expectativas cumplidas. Después de escuchar a tanta gente hablar de lo buena que es esta película, llegó la hora de ir al cine. Y es que cuando te hablan tan bien de una producción siempre tienes el miedo de que te defraude.

Ya hace 60 años que Alfred Hitchcock filmó la pelicula y todavía continuamos viendo emisiones en televisión. Y es que una película de esta categoría no puede ser olvidada. El argumento del film no se aleja mucho de la realidad que vivimos hoy en día. James Stewart sufre un accidente y tiene que quedarse en casa con la pierna escayolada. Este hecho provoca en el actor tal aburrimiento que se dedica a espiar a sus vecinos a través de su cámara. Esto no se aleja mucho de la realidad ya que hoy

Zulay Calvo de Andrés

El cine repleto de gente, ¡hasta en la primera fila! Risas continuas y comentarios al salir de la sala, es algo que no suele suceder. Pocas películas logran la carcajada y muchas menos esa afluencia de espectadores. Incluso los cines han tenido que ampliar su oferta horaria para poder hacer frente la demanda. La historia es básica, la mezcla entre las costumbres andaluzas con las vascas. Emilio Martínez Lázaro ha llevado al cine el tópico de “los polos opuestos se atraen”. Y es que, el film nos cuenta la historia de un joven andaluz (Dani Rovira) que se enamora de una vasca (Clara Lago). Ella, como toda vasca, se niega a caer en las redes del adulador malagueño. Este tira y afloja rodea la película a lo largo de los 98 minutos que mantenemos la carcajada continua. Esta comedia ha reventado las taquillas españolas. Ha logrado recaudar 17 millones de euros, superando a taquillazos de Estado Unidos. Tras el éxito han decidido crear la segunda parte que ya cuentan con los guionistas Borja Cobeaga y Diego San José. Estaremos esperando para reír.

Zulay Calvo de Andrés

en día podemos espiar a cualquier persona con las nuevas tecnologías. El protagonista intuye que uno de sus vecinos del bloque de enfrente ha cometido un asesinato y tal hecho le mantiene pegado a la ventana día y noche. Stewart interpreta un papel complicado que no le permite moverse lo que realza la interpretación del actor, ya que se encuentra en la necesidad de transmitirnos sus sensaciones únicamente con el rostro. Al igual que la actuación de Grace Kelly, magistral. Una mujer con un rostro tan bello y tan expresivo que nos deja hipnotizados junto al televisor. ¡La intriga, el nerviosismo y el suspense están asegurados!

Mándanos tu crítica junto a una fotografía hecha por ti

LA CRÍTICA

DE LOS LECTORES... Gravity

R.I.P.D.

La milla verde

Zulay Calvo de Andrés

7 premios Oscar suelen decir mucho pero este no es el caso. Unas nominaciones excesivas y unos premios poco merecidos no hacen que el film gane en prestigio.

Una película del más allá donde ambos protagonistas están muertos y se encargan de perseguir demonios que habitan en el mundo de los vivos. Este film tiene muchas similitudes con el ya conocido, “Los hombres de negro”. Hay muchos parecidos tanto en el tema como en algunos pequeños detalles. La idea de los dos compañeros que no encajan y al final se acaban haciendo amigos es prácticamente la misma en ambas películas.

Esta película ambientada en el sur de los Estados Unidos, en plena Depresión, es una de esas filmografías que tenemos que ver. Recomendada sin ninguna duda.

La película cuenta la historia de una astronauta (Sandra Bullock) que se pierde en el espacio e intenta volver a casa. Junto a ella se encuentra su compañero (George Clooney). Protagoniza una de las escenas de mayor angustia paseando por el espacio sin ningún rumbo. Y es que no hay más. La película solo cuanta con este reparto, dos actores y mucho trabajo por ordenador. A pesar de todo ese trabajo virtual el film cuenta con varios errores. En primer lugar, ¿qué diablos hace una doctora en el espacio? Al principio de la película descubrimos que Bullock trabaja en un hospital y tan solo ha tenido seis meses de adiestramiento. La gravedad tampoco está muy bien conseguida. La protagonista empieza a llorar hacia el final de la película y sus lágrimas caen como si se encontrara en la tierra. Sin embargo, las gotas debería quedarse al rededor del ojo tal y como demostró el astronauta Chris Hadfield. A lo largo de este recorrido de 90 minutos por el espacio nos topamos con un argumento poco atractivo y con una sucesión de momentos angustiosos que no nos llevan a ninguna parte. Pero perdonamos al director este desliz cinematográfico ya que en nuestra mente todavía predominan las escenas que produjo en Avatar o Titanic.

Una idea poco original que ya hemos visto repetida en numerosas ocasiones. Y es que el director se ha exprimido poco la cabeza para crear una esta ciencia ficción.

Arsénico por compasión Zulay Calvo de Andrés

Una comedia con la que no podrás parar de reír. Se trata de un film en blanco y negro que cuenta la historia de dos ancianitas encantadoras que alivian el sufrimiento de las personas mayores de una manera muy especial. Cary Grant es un crítico teatral que acaba de casarse y decide ir a visitar a sus dos tías. Es en ese momento cuando empiezan a sucederse una cadena de acontecimientos que nos sorprenden a cada paso que dan. Con esta comedia negra, Frank Capra logró crear una de las mejores películas de risa de la historia. Y es que es de admirar que con tan pocos recursos y con apenas un par de decorados, el director lograra tal acierto.

Se trata de un drama carcelario donde la fantasía y los sobrenatural se apoderan de la trama. Tom Hanks interpreta el papel de un funcionario de prisión encargado de vigilar la Milla Verde, un pasillo que separa las celdas de los reclusos condenados a la silla eléctrica. El actor, Michael Clarke Duncan, se mete en el papel de un gigantesco negro llamado John Coffey, acusado de asesinar brutalmente a dos hermanas de nueve años. Y es que, poco le queda ya para su inminente ejecución. Pero tras una personalidad ingenua e infantil, Coffey esconde un prodigioso don sobrenatural. Cuando se presenta la ocasión de ponerlo en práctica, el funcionario aprenderá que los milagros existen, incluso en los lugares más insospechados. En el film podemos ver más personajes, como el de el pobre preso que nos enternece con cada mirada o el del típico estereotipo del carcelero malvado que solo piensa y vive para la vida imposible a los presos. Esta película fue rodada en 1999. Consiguió 4 nominaciones al Oscar a mejor película, actor secundario, guión y sonido, pero no logró ningún premio. Esto no la desmerece. Los premios no nos dicen nada. Lo importante es la fuerza con la que te engancha a la pantalla.

CARTELERA

EN CARTELERA...

“Ocho apellidos vascos” ha recaudado más de 2.8

La Bella y la Bestia (2014)

millones de euros en su fin de semana de estreno

Nueva adaptación de la historia de “La bella y la bestia”. En palabras de su director, “Aunque seré fiel a la narración de este inmortal cuento de hadas, manteniendo el tiempo y los personajes como en el original, sorprenderé al público creando un universo completamente nuevo jamás experimentado antes, con imágenes de una calidad sin precedentes.”

Las aventuras Sherman (2014)

Peabody

El Sr. Peabody, el perro más exitoso del mundo, y su travieso hijo Sherman, van a utilizar su máquina del tiempo –el Vueltatrás– para embarcarse en la aventura más escandalosa que se haya visto jamás. Sin embargo, en un desafortunado accidente, Sherman le muestra la máquina a su amiga Penny para impresionarla y acaban creando un agujero en el universo, provocando el caos en los acontecimientos más importantes de la historia. Antes de que el pasado, el presente y el futuro queden alterados, el Sr. Peabody acude al rescate mientras tiene que hacer frente al mayor desafío de siempre: ser padre. Juntos dejarán su huella en la historia.

La Lego Película (2014) Cuenta la historia de Emmet, una figurita LEGO absolutamente normal y fiel a las normas que es identificada por error como la persona más extraordinaria y la clave para salvar al mundo. Se ve entonces inmerso en una búsqueda épica para detener a un malvado tirano junto a un grupo de desconocidos, una aventura para la que Emmet no está preparado en absoluto.

Rafa (Dani Rovira) es un joven señorito andaluz que no ha tenido que salir jamás de su Sevilla natal para conseguir lo único que le importa en la vida: el fino, la gomina, el Betis y las mujeres. Todo cambia cuando conoce a la primera mujer que se resiste a sus encantos: Amaia (Clara Lago), una chica vasca. Decidido a conquistarla, se traslada a un pueblo de “las Vascongadas”, donde se hace pasar por vasco para conseguir que le haga caso. Adopta el nombre de Antxon, seguido de varios apellidos vascos: Arguiñano, Igartiburu, Erentxun, Gabilondo, Urdangarín, Otegi, Zubizarreta y… Clemente.

Futbolín (2013)

Amadeo es un chico tímido y virtuoso que deberá enfrentarse al más temible rival sobre un campo de fútbol: el Crack. Para ello, contará con la inestimable ayuda de unos jugadores de futbolínl liderados por el Wing, un carismático extremo derecho. Las aventuras de Amadeo y los jugadores tendrán como telón de fondo no sólo el fútbol, sino también el amor, la amistad y la pasión. Se trata de la primera película de animación argentina en 3D. El guión y la dirección es de Juan José Campanella, director de “El secreto de sus ojos”.

El Gran Hotel Budapest (2014) Gustave H. (Ralph Fiennes), un legendario conserje de un famoso hotel europeo de entreguerras, entabla amistad con Zero Moustafa (Tony Revolori), un joven empleado al que convierte en su protegido. La historia trata sobre el robo y la recuperación de una pintura renacentista de valor incalculable y sobre la batalla que enfrenta a los miembros de una familia por una inmensa fortuna. Como telón de fondo, los levantamientos que transformaron Europa durante la primera mitad del siglo XX.

CARTELERA Monuments Men (2014)

300 el origen de un imperio (2014)

Dallas Buyers Club (2013)

A finales de la II Guerra Mundial (1939-1945), a un selecto grupo de historiadores, directores de museos y expertos en arte, tanto británicos como norteamericanos, se les encomienda la importante y peligrosa misión de recuperar las obras de arte robadas por los nazis durante la guerra para devolvérselas a sus legítimos propietarios. Era una misión imposible: las obras estaban muy bien custodiadas y el ejército alemán tenía orden de destruirlas en cuanto el Reich cayera. Pero aquellos hombres, en una carrera contrarreloj, arriesgaron sus vidas para evitar la destrucción de miles de años de cultura de la humanidad. Basada en hechos reales.

Guerras médicas (500-479 a.C.). El general griego Temistocles lucha por conseguir la unidad de las polis griegas. Él dirige las tropas griegas que se enfrentan con el ejército persa, liderado por Xerxes y Artemisa, para impedir la invasión del país. Spin-off de la película/cómic ya estrenada 300, basado en la novela gráfica ya conocida “Xerxes”, de escritor Frank Miller.

Basada en la vida real de Ron Woodroof, un cowboy de rodeo texano, drogadicto y mujeriego, al que en 1986 le diagnosticaron SIDA y le pronosticaron un mes de vida. Empezó entonces a tomar AZT, el único medicamento disponible en aquella época para luchar contra la enfermedad.

Joven y bonita (2013) Isabelle, una hermosa joven de 17 años que pertenece a una familia adinerada, parece tener el mundo a sus pies. Pero un viaje de autodescubrimiento sexual la embarca en una doble vida: estudiante de día y prostituta de lujo de noche. Esta es su historia, a través de cuatro estaciones y cuatro canciones.

Non-Stop (Sin escalas) (2014) Bill Marks (Liam Neeson), un veterano agente del servicio aéreo de los Marshalls, se siente bastante quemado tanto con el mundo como con su profesión: no entiende su labor como un deber para salvaguardar vidas, sino como un rutinario trabajo de oficina a bordo de un avión. Sin embargo, un día, en un viaje de Nueva York a Londres recibe una serie de misteriosos mensajes de texto, en los que se le pide que inste al gobierno a hacer una transferencia de 150 millones de dólares a una cuenta secreta, pues, en caso contrario, un pasajero moriría cada 20 minutos.

Premios: 2013: 3 Premios Oscar: Mejor actor (McConaughey), actor sec. (Leto) y maquillaje 2013: 2 Globos de Oro: Mejor actor (McConaughey) y actor secundario (Leto) 2013: Critics Choice: Mejor actor y actor secundario. Nominada a mejor film 2013: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor secundario (Leto) 2013: Premios Gotham: Mejor actor (Matthew McConaughey) 2013: National Board of Review: Top 10 películas independientes 2013: Independent Spirit Awards: Mejor actor (McConaughey) y actor secundario.

Lluvia de albondigas (2013)

Pelo malo (2013) Junior es un niño de nueve años que tiene el pelo rizado. Él quiere alisárselo para la foto del anuario de la escuela, pues así lo llevan los cantantes pop que están de moda. Esta circunstancia lo lleva a enfrentarse con su madre. Lo que Junior quiere es ponerse guapo para que su mamá lo quiera.

El genio del inventor Flint Lockwoods acaba siendo reconocido por su ídolo Chester V, que lo invita a unirse a la The Live Corp Company, donde los inventores más brillantes del mundo crean nuevas tecnologías para el bienestar de la humanidad. La mano derecha de una orangutana dotada de un cerebro humano altamente evolucionado que le permite ser muy retorcida y manipuladora. El sueño de Flint cambia cuando descubre que la máquina de su invención, destinada a convertir el agua en alimentos, ha pasado a crear híbridos de animales-comida. Para salvar a la humanidad, Chester envía a Flint y a sus colegas a una peligrosa misión.

CARTELETA Gravity (2013)

La Hermandad (2013)

12 Años de esclavitud (2013)

Mientras reparan un satélite fuera de su nave, dos astronautas sufren un grave accidente y quedan flotando en el espacio. Son la doctora Ryan Stone, una brillante ingeniera que realiza su primera misión espacial, y el veterano astronauta Matt Kowalsky. La misión exterior parecía rutinaria, pero una lluvia de basura espacial les alcanza y se produce el desastre: el satélite y parte de la nave quedan destrozados, dejando a Ryan y Matt completamente solos, momento a partir del cual intentarán por todos los medios buscar una solución para volver a la Tierra.

En la fría y silenciosa oscuridad de un apartado monasterio vive la Hermandad, una rama de monjes benedictinos que cumple estrictamente unos rígidos votos de pobreza y obediencia. Se ocupan de curar a Sara, una famosa escritora de novelas de terror y misterio que acaba de sufrir un grave accidente y deberá guardar cama durante algún tiempo. Muy pronto Sara empieza a sentir curiosidad al observar ciertos detalles que llaman su atención: extrañas manchas en el techo, llantos infantiles nocturnos, un escalofriante libro sobre la Hermandad, sus extrañas costumbres, una cripta escondida.

Basada en un hecho real ocurrido en 1850, narra la historia de Solomon Northup, un culto músico negro -y hombre libre- que vivía con su familia en Nueva York. Tras compartir una copa con dos hombres aparentemente de confianza, Solomon descubre que ha sido drogado y secuestrado para ser vendido como esclavo en el Sur en una plantación de Louisiana. Renunciando a abandonar la esperanza, Solomon contempla cómo todos a su alrededor sucumben a la violencia, al abuso emocional y a la desesperanza. Pero él decide esperar a que aparezca el momento adecuado para intentar recuperar su libertad y reunirse con su familia.

Premios: 2013: 7 Premios Oscar: incluyendo mejor director. 10 nominaciones 2013: Globos de Oro: Mejor director. 4 nominaciones, incluyendo mejor película

2013: Critics Choice: 7 premios, incluyendo Mejor director. 10 nominaciones.

Verano de 1987. Adèle, una mujer recién divorciada, ha perdido la autoestima tras la marcha de su marido. Su hijo Henry, un chico de 13 años, se esfuerza por ser el hombre de la casa y cuidar de su solitaria madre en pleno torbellino de la adolescencia. Un día, conocen en un supermercado a un hombre que les pide que lo alojen en su casa, pero resulta ser un fugitivo en busca y captura. El interminable fin de semana del “Labor Day” les marcará para el resto de sus vidas.

2013: American Film Institute: Top 10 - Mejores películas del año

La gran belleza (2013)

2013: Premios BAFTA: 6 premios, incluyendo Mejor director. 11 nominaciones 2013: Críticos de Los Angeles: Mejor película, director, montaje y fotografía

2013: Premios César: Nominada a Mejor película extranjera 2013: National Board of Review (NBR): Mejores 10 películas del año

Philomena (2013) Cuenta la historia real de Philomena Lee, una mujer irlandesa que, tras quedarse embarazada cuando era una adolescente, se vio obligada a dar a su hijo en adopción. Después del suceso se dedicó a buscarlo durante cincuenta años.

Una vida en tres días (2013)

En Roma, durante el verano, nobles decadentes, arribistas, políticos, criminales de altos vuelos, periodistas, actores, prelados, artistas e intelectuales tejen una trama de relaciones inconsistentes que se desarrollan en fastuosos palacios y villas. El centro de todas las reuniones es Jep Gambardella (Toni Servillo), un escritor de 65 años que escribió un solo libro y practica el periodismo. Dominado por la indolencia y el hastío, asiste a este desfile de personajes poderosos pero insustanciales, huecos y deprimentes.

Premios: 2013: 3 Premios Oscar: mejor película, guión y actriz secundaria. 9 nominaciones 2013: Globos de Oro: Mejor película dramática. 7 nominaciones 2013: Premios BAFTA: Mejor película y actor (Ejiofor). 10 nominaciones 2013: Critics Choice: Mejor película, guión adaptado y actriz sec. 13 nomin. 2013: Festival de Toronto: Mejor película (Premio del público) 2013: National Board of Review (NBR): Mejores 10 películas del año 2013: American Film Institute: Top 10 - Mejores películas del año 2013: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor director 2013: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actriz sec. (Nyong’o) 2013: Premios Gotham: 3 nominaciones, incluyendo Mejor película 2013: Independent Spirit Awards: 5 premios, incluyendo Mejor película 2013: Satellite Awards: 10 nominaciones, incluyendo mejor película.

PASATIEMPOS

Crucigrama de cine

4 5

7 9

11 12 13

Horizontales: 2. Conjunto de temas musicales de una película: “… sonora”. 6. Actor o actriz muy famoso/a. 9. Ticket de papel que se compra en el cine para ver una película. 11. Hombre que actúa en una película. 12. Clases de películas. 13. Persona que da su opinión sobre las películas, de forma profesional. 15. Actores de relleno que no hablan en una película. 16. Actor o actriz principal en una película. 17. Lo que dice el director cuando comienza a filmar una escena. 19. El lugar donde transcurre la película. Verticales: 1. Partes de una película. 3. Quien realiza una película. 4. Día que comienzan a proyectar una película. 5. Asiento en un cine. 7. Mujer que actúa en una película. 8. Objeto donde se proyecta una película. 10. Lo que sucede en la película, la historia. 14. Aparato con que se filma una película. 16. Rol o papel que hace un actor. 18. Lugar donde se ve una película.

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