100grados fanzine número 13 "Vendrán por lana y saldrán trasquilados"

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Número 13 Cristian Eres Espejos del Alma Amenaza Fantasma Vendrán por lana y saldrán trasquilados 2015

Portada: Cristian Eres www.cristianeres.com

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gradosfanzine Número 13 Cristian Eres Espejos del Alma Amenaza Fantasma Vendrán por lana y saldrán trasquilados 2015

Fanzine Nº 13| Diciembre 2015 Equipo editorial Cristian Fish Xavi Barrachina Redacción Victor Lovicz Lucía Gómez Javier Undiano Daniel Bartual Librería Dadá QMAD Colaboran en este número Cristian Eres (portada), Orange Velvet, Lizth, Monochrome, Guillermo Sahuquillo de la Paz, Paula González, A-Bella, Clara Luna, Pedro Simón, A. Seara, Fátima Menchén, La Sílfide Oscura, Borja Cuéllar, Andrea Candamio, Bea Sevilla, Anzhelina Suchkova, Ana Artist, Ana Alonso, Bárbara Lopes, Kat Amo Odio, Fábio Sousa, lokutremola, Ibai Viñas Matxain, Irina Fokina, Javier Martín Caba, Jotawi, Lidia Cal, Luis Arband Villalba, Male Cuellar, María Puerta, Marina Pérez, Marta Adán, Motoneta, Pattysaurus, Nache Ramos, Rafa Mir, Verónica Riera, Eduardo García Mena, Gvtto, Memosesmas, Tiracajas, Xstian, Deivid, Hortensio Panclasta, Siniss y Maria José Endrino.

Agradecimientos A Cristian Eres, por ponerle cara a este número.

A TODOS los colaboradores.

A todos los lectores y seguidores de 100grados fanzine. © de los proyectos de sus autores.

Recepción de proyectos / normas de publicación: colabora@100grados.es Contacto 100grados.es holaquetal@100grados.es

EDITORIAL

S O LO

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Entorno a

Autores Los espejos del Alma Entrevista a Cristian Eres

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Recomendados Estudio 64

Entrevista a Orange Velvet

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La Amenaza Fantasma

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La receta del diseﾃｱo a lo QMAD

50 Visita CENTRE BELGE DE LA BANDE DESSINﾃ右

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Recomendados Librerﾃｭa Dadﾃ｡

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Tecnología

Wacom Intuos Art

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Vendrán por lana y saldrán trasquilados

Windows Lumia 640XL

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AUT OR

T ♦♦Sonia MS

Entrevista a

CRISTIAN ERES

de Xavi Bonobo

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AUTORES

Cristian Eres es el autor de la portada. El nos abre las puertas de su cueva de creación para entrevistarle. Nos hablará de él, de su obra y de su forma de trabajar. Disfrutad!

Sobre las herramientas que usa: TimeTune - tiempos de trabajo (tipo pomodoro) Workrave - tiempos con descansos y ejercicios guiados Referentes: Moebius | James Roper | Kilian Eng | Dan Mcpharlin | Christian Hidaka

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♦♦Lizth

Entrevista a

ORANGE VELVET de Daniel Bartual

Bruselas, aparte de ser una ciudad llena de cómics, eurodiputados, lobbies, patatas fritas, chocolate, cerveza y tal también es una ciudad llena de arte. No en vano el New York Times ha reconocido la pujante escena artística que ahora mismo Bélgica está experimentando. Y una buena muestra de ello es la Nuit Blanche, un evento que ocurre de manera annual y en el que artistas emergentes belgas de todo tipo tienen la oportunidad de tomar la ciudad para mostrar sus obras al público. Fue precisamente en esa muestra artística donde conocí a Orange Velvet, un proyecto artístico de performance muy interesante que mezcla la cultura visual japonesa con la crítica hacia la sociedad de consumo e internet. Precisamente de esos temas hablé con la performer que hay detrás de ese curioso personaje, Alix Le Grouyellec, eso sí, bajo la máscara de Johny Ripato, el presunto mánager de Orange.

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Con Alix hablamos de estos temas, de los orígenes del proyecto, de su participación en la Nuit Blanche y de muchas cosas más en una extensa entrevista la cual tuvo lugar en Le Balmoral, un restaurante-cafetería rollo estadounidense y estilo años 50.

D.B. - ¿Cual es el origen de Orange Velvet?

J.R. - Cuando era una niña y adolescente jugaba a Pokémon, veía animes y leía manga, leí muchísimos. También solía viajar mucho en aquella época pero nunca había ido a Japón y soñé con la idea de ir desde que tenía 10 años. Finalmente, ahora a mis 24 años logré ir a Japón este pasado mes de Agosto. De normal soy una chica que se aburre bastante excepto en ciertos momentos en los que me encuentro confortable y feliz que es siempre cuando estoy haciendo algo que tiene que ver con la cultura japonesa pero siempre con cierta distancia, sin perder la noción de la realidad. Con Pokémon por ejemplo nunca empatizaba tanto con el juego hasta el punto de perder tiempo de mi vida real. Pero por otra parte me gustaba porque es un juego muy divertido, loco y colorido, de la misma forma que imaginaba en mi cabeza que era Japón.

ENTORNO A

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Yo soy de origen francés y soy artista, comencé mis estudios en arte hace 5 años aquí en Bruselas en La Cambre. Entré por la rama de dibujo porque dibujaba mucho a un estilo que no era manga exactamente pero tenía cierta influencia de ello. A la hora de entrar además tuve que hacer una prueba de acceso de la cual nadie pensaba que la iba a superar. Sin embargo la superé y comencé una lucha con tal de encontrar lo que estaba buscando dentro del mundo del arte. Durante esos 5 años además todo lo que hacía era relacionado con la cultura japonesa, no podía escapar de ello aunque intentara olvidarme. Además, nunca hago cosplay, ni siquiera he ido a la Japan Expo de París. Siempre he rechazado eso porque es parte de la cultura otaku la cual me gusta pero no quiero formar parte de ella, prefiero quedarme al margen y mirar de lejos.

Así que durante los 5 años que duraron mis estudios estuve planteándome que quería hablar de algo pero no sabía el qué hasta que finalmente encontré con que mi amor por la

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cultura japonesa sería la clave de mi discurso artístico. Además, nadie en mi area de especialización le gustaba la cultura japonesa y además mi profesora, que era algo mayor, nos decía siempre que no perdieramos el tiempo con esas tonterías. Así que terminé por entender que quería viajar a Japón pero que también quería vivirlo, traer algo de Japón para comunicar.

Finalmente el año pasado, concretamente el 24 de Octubre, fue el momento en el que Orange Velvet nació. Siempre he estado también muy conectada a cosas relacionadas con internet y siempre he reflexionado acerca de la idea de que las redes sociales nos trae algo diferente a nuestras vidas, la posibilidad de tener una identidad alternativa, una manera de reinventarte a tí mismo y inventar una historia entorno a ello. Sin embargo eso era más antes, ahora con Facebook es como el “Gran Hermano”, tienes que dar tus datos personales porque son dinero y una manera de monetizar a la gente. Siento mucha lástima por ello porque para mí internet es también un medio para descubrir el mundo, conectar con gente que no conoces, etc, pero si continúa de esta manera con Instagram, Facebook, Youtube y demás tendremos que tener mucho cuidado con la información que dejamos en internet. Así que creé a Orange a raíz de este interés por Japón mezclado con elementos algo locos y como de fuera de este planeta. Orange es un personaje nacido de internet para internet que pretende tener una vida real lo cual es posible porque ahora mismo cualquier cosa que existe en internet parece que es mucho más real que la vida misma.

De esta manera me propuse como objetivo principal poner en el personaje tanto elementos de realidad como de irrealidad para hacer creer a todos los usuarios de redes sociales que ella existe. El proyecto fue creciendo hasta el punto que la gente demandaba performances del personaje por lo que comencé a hacer videoclips de Orange con tal de llegar al objetivo final: viajar a Japón y ver si el personaje de Orange funcionaría en un ambiente así, si la gente la percibe como japonesa o como alguien que viene de muy lejos.

¡lee la entrevista completa en nuestro blog!

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ESPEJOS DEL ALMA de Victor Lovicz

A He escuchado muchas veces la expresión “la esperanza es lo último que se pierde”. Sin embargo, si lo pienso bien y abandono el espíritu optimista del refrán, existe un mal capaz de acercarme todavía más a la muerte que la pérdida de la esperanza. Me refiero a la pérdida de mi memoria. El recuerdo de mis experiencias me hace quien soy, me permite tener certeza de mí mismo, es decir, percibirme como entidad única en el mundo y como una suerte de filtro por el que pasa todo aquello que existe. Es común decir que cuando una persona cercana sufre fases avanzadas de la enfermedad de alzheimer, ya no es la persona que una vez conocimos.

La memoria es, efectivamente, lo último que perdemos. Sin ella sencillamente no somos. Es el espejo del alma.

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ENTORNO A

En un ejercicio muy delicado de recuperación de la memoria de Indonesia, donde durante la purga comunista de 196566 se cometieron más de 500.000 asesinatos por parte de quienes todavía ostentan el poder en gran parte del país, el director estadounidense Joshua Oppenheimer ha conseguido conmocionar al mundo con el binomio The Act of Killing/The Look of Silence. Estrenadas en 2012 y 2015, ambas constituyen un relato desgarrador de aquellos sucesos.

La primera, The Act of Killing, se centra en la historia narrada por los verdugos, caciques y señores de la guerra al cargo de grupos paramilitares, con los que sorprendentemente Oppenheimer consigue entrevistarse. Lo que el espectador no espera es que al ponerles una cámara delante, éstos narren con entusiasmo y detalle sus atroces actos. Lejos de avergonzarse, llegan a representar muchas

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1. www.thelookofsilence.com

de las matanzas a modo de recreación frente a la cámara, un hecho que invita a pensar que no son conscientes de lo horrible de sus actos. Cómo si se supieran héroes de la historia. Sin duda, no supieron a lo que iban, y brindaron al resto del mundo un testimonio de primera mano que supone un documento de enorme valor histórico para Indonesia. El director recuerda en una entrevista1 que no fue dificil que se abrieran a cerca de los crímenes, que lo difícil fue que hablaran de sus sentimientos. Dice que hubo que acercarse a los verdugos como seres humanos, evitando hablar de forma típica mediante el procedimiento de declararlos sencillamente como monstruos por el simple hecho de confirmarse a si mismo que no era como ellos.

La segunda parte, The Look of Silence, aborda la historia desde el punto de vista de las víctimas. Esta vez, a Oppenheimer le acompaña un hombre en sus entrevistas, un optometrista

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ENTORNO A

del lugar. Su verdadero nombre nunca se menciona, tampoco los de sus familiares. Su hermano fue asesinado durante las matanzas. Su fría mirada pone nerviosos a los asesinos, ancianos la mayor parte de ellos venidos a menos, los restos deplorables de aquellos que debieron ser juzgados y que por consentimiento del resto del mundo vencieron y reinaron. La intención del chico indonesio no es otra que encarar a los hombres que asesinaron a su hermano. El optometrista no tiene esperanza de hacer justicia, inteligentemente sabe que no puede hallar paz consigo mismo sin pasar página, pero para ello necesita enfrentarse a los caciques con el fin de hacerles poner rostro a sus víctimas. El hombre necesita que la memoria de esos hechos sea recuperada, por mucho que su madre le advierta del peligro que puede suponer desenterrarlos. Pero el hombre no se resigna, muchas otras familias como la suya forman parte de la identidad común de su país. Necesitan reconciliarse con la historia, y para ello necesitan ser incluidos en la memoria de la gente.

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Joshua Oppenheimer habla en la página web de la película de que su intención era desvelar cómo es tener que vivir y socializar todos los días con aquellos que provocaron un daño terrible a los tuyos. Cómo es vivir en la resignación del silencio de la memoria. La película es un poema al silencio de las víctimas. Durante parte del documental acompañamos a los ancianos padres del hombre. La madre, aunque con signos de una vida de trabajo y esfuerzo, se mantiene fuerte y lúcida. El padre, esta muy enfermo, sufre delirios, y está muy delgado.

Sin duda ha perdido gran parte de su memoria, pues se encuentra muy desorientado. Ni siquiera recuerda el asesinato de su hijo. Hay momentos en los que la fijación de la cámara en el viejo nos obliga a presenciar el preámbulo de la muerte, cuando el cuerpo ya no puede acompañarte pero, sobretodo, cuando la memoria te ha sido arrebatada.

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♦♦Guillermo Sahuquillo de la Paz

RECO MEN DADOS

de Estudio 64

¡Cumplimos un año en estudio 64!

100 grados Fanzine me pide que haga mi recomendación para este nuevo número, sin embargo este artículo va a ser diferente a los anteriores. Voy a seguir recomendando productos ilustrados de los que tenemos en la librería, pero estas recomendaciones se irán mezclando con la narración de nuestro primer año. Comenzamos…

Estudio 64 nace el 29 de noviembre de 2014 a las 20 horas con la exposición inaugural ‘Como desearía que estuvieras aquí’. Muestra en la que se reunieron trabajos de varios ilustradores que vivieron, viven o trabajan en Benimaclet, barrio en el que se ubica la librería/galería especializada en ilustración Estudio 64. Resultó un éxito, hasta el punto que hubo gente que tuvo que esperar para poder entrar y conocer el primer espacio ilustrado que se abría en Valencia.

Sin embargo la semilla de este proyecto nace en 2008 o 2009, tengo mis dudas. Como muy bien dice Mario Benedetti, “cinco minutos bastan para soñar toda una vida, así de relativo es el tiempo”.

Fueron suficientes unos meses sin trabajo en Zaragoza, lugar donde he nacido, crecido y vivido hasta el 2014, para que naciera la idea.

Anduve informándome acerca de cómo crear un espacio que fuera librería y galería, todo con el punto común de la ilustración. Sin embargo en 2014 encuentro trabajo y aparco el proyecto, pero no la ilusión. El virus de la ilustración estaba ya en mi mente.

38 A finales de 2012 junto al ilustrador valenciano Julio Antonio Blasco creamos Símientes Editores, una editorial cuyo objetivo es publicar cuadernos de artista. ESTA VA A SER LA PRIMERA DE NUESTRAS RECOMENDACIONES. A fecha de hoy hemos publicado dos libros, ‘Viajes y otros apuntes’ de Julio Antonio Blasco y ‘Hacia ningún lugar. Una colección de silencios’ de Mar Hernández, Malota. Ambas publicaciones han sido finalistas en los Premios Junceda, y una de ellas ha recibido premios varios como Libro mejor ilustrado en la Comunidad Valenciana 2014, Oro al mejor diseño editorial, Oro a la mejor cubierta y Oro a la mejor ilustración 2014 en los Premios Anuaria.

Pero volvamos a Estudio 64. En septiembre de 2014 sin trabajo de nuevo, el proyecto se hace realidad gracias al apoyo de Julio Antonio Blasco y mi familia. Dos meses de burocracia, de obras y mejoras, de contactos con proveedores y un sinfín de miles de detalles además de una lucha contra el tiempo, ya que nuestro objetivo era abrir a finales del año. El proyecto ya estaba en marcha, ya era una realidad. Valencia tenía su primera librería/ galería especializada en ilustración, concretamente en Benimaclet, uno de los barrios con más personalidad de esta gran ciudad.

Ha sido un año lleno de buenos y mejores momentos. Nos hemos ocupado y preocupado de ofertar a la ciudad actividades siempre relacionadas con la ilustración. Ha habido talleres de todo tipo: encuadernación, pop-up, introducción a la ilustración infantil o lettering, por citar algunos. También se han realizado presentaciones de libros (atención, estas son NUESTRAS RECOMENDACIONES PARA ESTAS FECHAS NAVIDEÑAS) como los últimos cómics de Ángel Muñoz, ‘Sólo los muertos no hablan’; de Nacho Casanova, ‘Ssssh’; o de Cristina Durán

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y Miguel Ángel Giner, ‘Cuando no sabes qué decir’, presentación que estuvo acompañada de una estupenda exposición de sus bocetos y procesos. No nos olvidamos de los últimos álbumes ilustrados que presentaron los ilustradores Mar Hernández, ‘Gordito’ y Julio Antonio Blasco, ‘Estación Central’, con la escritora Aurora Ruá. Acabamos con los eventos más peculiares que hemos celebrado en Estudio 64: uno de ellos la actuación del grupo valenciano Linqae, sorprendente concierto de rock electrónico que se ofreció en el escaparate de la librería a todo el barrio de Benimaclet dentro del Confusion Fest, y del Maratón de Collage con la Fase de clasificación de Valencia para el Campeonato Mundial de Collage, donde estuvo presente la Sociedad de Collage de Madrid y Álvaro Sobrino de la revista Visual.

No nos olvidamos de nuestro espacio expositivo. Durante este año hemos traído ilustradores emergentes, noveles y de trayectoria consolidada. Así se realizaron dos exposiciones colectivas con ilustradores valencianos y nacionales y varias exposiciones individuales de artistas como Txemacantropus, Arantxa Recio/Harsa con su estilo lowbrow, Gustavo Solana con sus collages, o Nuria Tamarit. La última exposición de este año se la debemos a la editorial Libros del Zorro Rojo. Son las ilustraciones que realizó Isidro Ferrer para el libro ‘Los sueños de Helena’ de Eduardo Galeano. Este libro es una de NUESTRAS RECOMENDACIONES. Contamos con dos ediciones, la básica y la

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edición especial: ejemplares firmados y numerados por Isidro Ferrer en una edición de 15, acompañados de una obra original del ilustrador, de Isidro Ferrer. Para la inauguración de la exposición tuvimos el placer de contar con la presencia del editor Samuel Alonso Omeñaca, quien realizo una interesante charla titulada ‘El arte de Editar’.

Estamos muy satisfechos con nuestro primer año, sobre todo por la respuesta de Valencia a nuestra original y arriesgada propuesta. El público en general nos muestra su satisfacción por el espacio, por la selección de libros que no siempre pueden encontrar en otras librerías. Prestamos especial atención a la autoedición, a las editoriales internacionales o a la oferta de obra gráfica de artistas tanto locales, como nacionales o internacionales. Por precios asequibles se puede adquirir obra original, obra seriada o prints digitales de artistas como Sergio Mora, Sonia Pulido, Mar Hernández, Susana Blasco o Golden Cosmos. Estos últimos, artistas alemanes, van a ser nuestra ÚLTIMA RECOMENDACIÓN, con sus personales obras llegadas desde Berlín, serigrafías y risografías. Seguiremos trayendo obra para todo tipo de público y para todos los bolsillos, en Estudio 64 queremos hablar del concepto de arte popular, arte para el pueblo que tanto se ha comentado.

Para el 2016 vamos a seguir por el mismo camino. Seguiremos siendo un espacio especializado en ilustración pero abierto a todo el mundo, a todo el público. La ilustración, está presente en el día a día, en nuestra rutina, sólo hay que abrir bien los ojos. Vamos a seguir teniendo libros y publicaciones

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para todas las edades, juguetes, camisetas, cerámicas, obra gráfica y originales…. Habrá talleres, charlas, presentaciones y exposiciones de artistas como Víctor Coyote, Ana Galvañ, Jesús Cisneros, Adolfo Serra, Patricia Metola, Julieta XLF o Javier Zabala entre otros, estamos felices porque hemos conseguido cerrar todo el calendario expositivo para 2016.

Así ha sido el 2015, así será parte del 2016. Muchas gracias a todos aquellos que nos han apoyado y han entendido Estudio 64 como punto de encuentro para gente que disfruta de la ilustración tanto como nosotros. Gracias a medios y revistas digitales como 100 grados fanzine por darnos esta oportunidad, por invitarnos a sus eventos y por compartir nuestras propuestas. Gracias a las personas que sin saber exactamente qué es Estudio 64 entran en la librería curiosos al ver cuadros junto a libros y rombos de color en las paredes, nos alegra ver como salen de la librería contentos al conocer una propuesta de librería diferente, un lugar en el que se sienten cómodos y además nos lo dicen. Muchas gracias a todos aquellos que toman parte en Estudio 64, os debemos a vosotros que el proyecto siga adelante, y para los que no nos conocen todavía y nos descubran en un futuro, esperamos ser parte de su vida, y ellos parte de la nuestra. Por muchos días ilustrados.

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♦♦Paula González

AME NAZA FAN TASMA de Luc铆a G贸mez

Samuel Peyps: “The town grows very sickly, and people are afraid of it.” Éxodo no es sólo la película que todos recordamos de pequeños en casa de nuestros abuelos en Semana Santa, vísperas de Navidad o cualquiera de estas fechas donde Charlton Heston interpretando a Moisés abre las aguas del Mar Rojo para que el pueblo de Israel pueda cruzar desde Egipto huyendo del faraón… Éxodo, como la película lo refleja, es también la huida de un pueblo determinado o gentes de uno o varios lugares y nada tiene que ver con ir abriendo mares.

46 ENTORNO A En los últimos años, diría yo que desde 2009 aproximadamente, una gran cantidad de jóvenes españoles dejaron su país de sol, luz y calor para venirse al lado oscuro de la fuerza, Reino Unido. Muchos de nosotros sumidos en una mezcla de vergüenza e ilusión nos vinimos, a Londres concretamente, en busca de El Dorado. Y algunos, sin dejar de trabajar, por fin empezamos a vislumbrar los primeros frutos de tan arduo camino, o no. Lo sorprendente es que para los naturales de UK tampoco está siendo fácil luchar contra el gigante desconocido. Pero, -¿quién o qué es ese gigante desconocido?-.

La incertidumbre acecha. Dedicarse al arte es complicado, las exigencias de la sociedad don dinero imponiendo vivir de acuerdo a lo que se hace es complicado. Pero aún así somos muchos los que seguimos buscando salidas a amenazas como la que viene.

Descomunales y suntuosos nuevos edificios inminentes rozando el cielo londinense, se encuentran esparcidos con orgullo por toda la ciudad, invadiendo calles, barrios y hasta distritos enteros. Destruyendo todo por donde pasan, todo lo que ven, lo que tocan…Viviendas de lujo para gente de lujo. Fantasmas. Para los muertos vivientes Londres se hace cada vez más difícil. Para los artistas, imposible.

Revistas, periódicos, vecinos, y hasta algún que otro político han comentado y discutido acerca del futuro del arte y de los artistas que residen en la capital de William Turner. Un reciente artículo de la conocida revista de arte contemporáneo y sociedad Frieze apela la situación de emergencia en la que nos encontramos los jóvenes creativos que residimos en Londres.1 Y muchos de vosotros os preguntaréis: - ¿Y a mi todo esto en qué me afecta?

Londres, desde siempre ha sido un foco muy importante cultural en Europa. Algunos de los nombres más conocidos en el mundo creativo se han hecho aquí, desde la música, la moda, las bellas artes, el diseño y hasta la publicidad. Ciudad de vanguardia, transgresora y visionaria, dos pasos siempre por delante, abriendo siempre paso para el futuro, creatividad y atrevimiento, aquí todo es posible. Para situarnos, cuando en España se celebraban las películas del destape, aquí ya se hacía eco la música electrónica del siglo que viene, cómo la música de Mike Oldfield, aunque eso ya es otro tema.

Como si de otra galaxia se tratara, poco queda ya de la ciudad de Banksy, The Prodigy, Damien Hirst o Tracy Emin. La amenaza se antepone a esta ciudad.

Recientemente, aunque desde hace ya unos cuantos años, Londres ha sido considerada la ciudad más cara del mundo. Sin ir más lejos, el periódico The Guardian, publicaba hace unas semanas la venta y posterior destrucción de 2 la facultad de diseño y arquitectura Sir John Cass del barrio de Aldgate ,

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para el famoso re-development de la zona de Spitalfields (el 3 nuevo, viejo Camden) y cómo no, la destrucción de más del 30% de los estudios de artistas de toda la ciudad en los próximos cinco años. Sí, habéis oído bien - el 30% - con motivo de construir nuevos y exclusivos apartamentos de lujo para inversores donde probablemente nunca habitará nadie. Y es que parece ser que a pesar de lo inasequible que se ha vuelto la ciudad, ya está todo vendido…

El conocido y ya inevitable Manhattan Effect, así lo citaba Katharine Stout directora de programas del Instituto de Arte Contemporáneo de Reino Unido en Londres (ICA London) para la revista Frieze el pasado Octubre: “It’s not just artists who can’t afford to live and work in the capital: affordable housing is arguably in greater crisis than affordable studio space. Meanwhile, buildings worth millions of pounds stand empty and building in London is at a recent 4 high” El éxodo de artistas de Londres al countryside, otras ciudades británicas, Berlín o incluso Nueva York ya no es 56 sólo una conjetura, sino una realidad.

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1 http://www.friezeprojects.org/ talks/detail/off-centre-can-artistsstill-afford-to-live-in-london/ 2 http://www.theguardian. com/theobserver/2015/nov/22/ dont-destroy-sir-john-cass-faculty-london-metropolitan-university-open-letter 3 http://spitalfieldslife. com/2015/02/08/save-norton-folgate/ 4 http://www.frieze.com/issue/ article/the-manhattan-effect/ 5 http://www.theguardian. com/artanddesign/2013/aug/26/ art-countryside-uk-creatives 6 http://www.guardian-series. co.uk/news/wfnews/10639686.

Artists__moving_from_east_London_/

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♦♦A-Bella

LA RECETA DEL DISEÑO A LO

QMAD Después de haber editado varios números de la revista Cmd+Z, (el último se quedó en el disparadero), lo cierto es que teníamos muchas ganas de volver a escribir, y pensábamos que iba a ser más fácil esta vez junto a los chicos de 100grados. Pero nos ha ocurrido lo mismo que cuando abordamos cualquier proyecto: folio en blanco, ¿sobre qué hablar? ¿qué contar que fuese interesante?.

Comenzamos escribiendo sobre lo que es la Navidad para los diseñadores gráficos, sobre los diseños barrocos, los diseños minimalistas, los que no parecen navideños… Empezamos a desvariar y acabamos hablando de calendarios, y cuando nos quisimos dar cuenta habíamos hecho un monográfico sobre el #calendarioQMAD. Repasamos nuestros cinco calendarios, cómo y por qué los habíamos hecho así. De pronto reaccionamos: esto no interesa lo más mínimo, así que… otra vez lo mismo, otra vez el folio en blanco.

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ENTORNO A

Si fuese un diseño o ilustración en un momento hubiésemos tenido un montón de bocetos, rayas e imágenes, pero había que escribir. Diseño gráfico aplicado al juguete, historia de la simbología, imágenes urbanas, magazines sobre imagen y diseño de la ciudad, algún raje (de momento no diremos sobre qué)… ¿De qué hablar?

Como seguíamos en blanco, decidimos abordarlo como cualquier proyecto del estudio. Paso a paso, ¿qué motivos nos llevan a abordar un trabajo? ¿Cómo nacen las cosas que diseñamos?

Existen infinidad de razones por las que nace un proyecto, y para llevar un cierto control sobre ellas tenemos una lista que nos dio allá por 2010 Juli Capella, cuando ejercía de provocador y maestro de ceremonias en la charla “Diseño vs Diseño”, dentro de las 1ª Jornadas Off Desing de la UCH CEU. Aquí os chivamos algunas razones por si alguna vez os habéis sentido perdidos y no sabéis cómo puede venir un diseño: por un encargo, por casualidad; puede ser tras un largo proceso de investigación o directamente porque se me ocurrió en la ducha, por necesidad, por conveniencia, para ganar dinero, que sea gracias al esfuerzo, que sea debido a una urgencia; o para hacernos famosos, por

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descarte de otras ideas, por una inspiración, a lo pito pito gorgorito; puede que el proyecto nazca simplemente por diversión, sin motivo alguno, o por consecuencia lógica, o por accidente; por amor, por amor al arte… En la mayoría de proyectos se suelen combinar varios de estos motivos, generalmente por un encargo con otros.

Bueno, pues en este caso tenemos la combinación de motivos: por diversión + reflexión +... encargo? No, este último no, que nos ofrecimos voluntariamente. El siguiente paso sería conocer al cliente: sus necesidades, su situación, fortalezas, debilidades y experiencias en el mismo caso. ¿Cómo? Escuchándolo, observando e interactuando con él, consultando toda duda que nos pueda surgir en base a lo que demanda… Vamos, lo necesario para tener un briefing lo más acotado posible, puesto que la mayoría de clientes, ni siquiera sabrán lo que es un briefing. O con mucha suerte, te pasarán una hojita de Word.

Comencemos por el brainstorming o lluvia de ideas. Aquí sumamos dos o tres partes fundamentales: unión de conceptos, temas, imágenes o proyectos existentes. Todo esto nos da una amalgama de palabras, imágenes y líneas que poca gente, no involucrada en el

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proyecto, entenderá. En el caso del artículo cambiamos las imágenes por artículos periodísticos o de opinión (a ser posible de diseño). Eliminamos lo superfluo y materializamos las ideas, es decir, le damos forma en cosas concretas. Volviendo a la construcción del artículo, unimos todas las ideas en una misma línea argumental (storyboard). Con los conceptos, transformamos el problema en posibles soluciones. Hay que ir más allá de lo obvio, aquí es donde se aplica la mayor parte de la creatividad… “Open your mind” y obtenemos las ideas.

Si hablásemos de diseño pasaríamos a algo real y tangible todo lo pensado y desarrollado, generalmente, realizando un prototipo o prueba de impresión. En este caso vamos a darle la forma estética que se requiere (introducción, nudo y desenlace).

Cualquier trabajo, antes de estar listo para ser mostrado al cliente, pasa por las manos del miembro del estudio que menos haya trabajado en él, éste le detectará posibles fallos y/o cambios a realizar, incluso, si lo considera

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necesario, replanteará el diseño completo. No el proyecto total, pero sí el diseño final. En este punto tenemos una frase muy acertada y una pequeña connotación negativa que nos saca de muchos problemas: “Escucha tío, esto es una mierda” (nos la decimos constantemente Alberto o yo, según el trabajo). Así, sin medias tintas ni enfados, cuando ocurre, ambos somos conscientes de que no se está haciendo bien y hay que realizar cambios importantes.

Una vez revisado y preparado, vamos a visitamos de nuevo al cliente, mostrándole el resultado y esperando obtener una respuesta positiva por su parte. En este caso el cliente eres tú, querido lector. Esperamos que te guste, cuando lo leas. Os hemos contado el proceso que aplicamos para abordar cualquier trabajo en el estudio y lo hemos utilizado para desarrollar un artículo. Aunque sin darnos cuenta hemos escrito otro, así que el artículo acabado -mientras os contábamos como lo hacíamos-, lo dejaremos en la recámara para el siguiente número de 100 grados.

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♦♦ABI

VISITA AL CENTRE BELGE DE LA BANDE DESSINﾃ右 de Daniel Bartual

En el casi este año que llevo ya viviendo en la capital de Bélgica, una de las cosas que más tenía en mente no era precisamente el Parlamento Europeo, sino otra de las señas de identidad y culturales más importantes de este país: el cómic franco-belga. Tenía por seguro que en una ciudad así que había visto nacer a artistas del cómic de fama internacional como son Hergé o Peyo, guardaría un montón de cosas interesantes relacionadas con el cómic. Cual fue mi sorpresa cuando, poco antes de mi llegada, descubrí que en Bruselas hay un museo dedicado al noveno arte. Por supuesto, en cuanto me fue posible, me dirigí a sus inmediaciones con la intención de visitarlo y, en cuanto también me fue posible, volví a repetir. Y no descarto que hayan una tercera y una cuarta.

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Una de las primeras sorpresas con las que te encuentras al dirigirte a este museo es la enorme figura de Gaston Lagaffe la cual te da la bienvenida a la par que te indica la dirección de exacta donde se encuentra el sitio en cuestión. Tras bajar una escalinata, se entra de lleno en la Rue du Sables, en cuyo número 20 se emplaza el CBBD, siglas de Centre Belge de la Bande Dessinée (traducido como Centro Belga del Cómic).

He de decir primeramente que el CBBD es un museo dirigido a un público principalmente familiar e infantil, pero didáctico hasta el punto que no trata a los niños como si fueran tontos.

Desde la planta baja hasta su 3er piso, el visitante puede disfrutar de todo un recorrido en el cual se le instruye en la historia del cómic en su globalidad, desde sus orígenes más remotos, pasando por una focalización en el cómic francobelga, el proceso de cómo se hace un cómic y finalizando en sus distintos géneros (humor, familiar, histórico, aventuras, ciencia ficción, fantasía...) con diversos originales de autores pertenecientes a todas las ramas. Todo ello se complementa con

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exposiciones temporales dedicadas a autores como por ejemplo, de las que yo he podido ver, dedicadas a Jerrold Piccobello, autore de Le Magicien de Whitechapel, o Fred Jannin, no solo uno de los grandes guionistas de cómic de humor belgas, sino también uno de los fundadores de Les Snuls (los Monty Python belgas), y habedor de toda una obra en la cual ha hecho mofa y befa de todos los topicazos habidos y por haber en Bélgica.

Todo esto está conorado bajo una cúpula por un bonete de botones gigante perteneciente a otro personaje de la BD francobelga como es Spirou y flanqueado por dos áreas temáticas, una dedicada a Tintín y Hergé y otra dedicada a Peyo y todas sus creaciones: Johan y Pirluit, Poussy, Benoît Brisefer...y, por supuesto, Los Pitufos. En ambas áreas no solo podemos conocer en profundidad la biografía de estos autores sino también el cómo se dió orígen a sus obras y las distintas cuestiones que las caracterizan.

Hay otro detalle a mencionar y es el edifico que alberga el CBBD. Resulta ser unos antiguos almacenes comerciales, los

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almacenes Waucquez, diseñada por Victor Horta, uno de los arquitectos belgas representativos del movimiento art nouveau cuyas obras se encuentran dispersas por toda la ciudad de Bruselas. Este edificio cayó en desuso en los años 70 a consecuencia de una crisis económica que Bélgica atravesó en esa década a raíz de una Exposición General que el país albergó a finales de los años 50. Entrados en los años 80, una asociación de aficionados y autores del cómic franco-belga, llevó a cabo un proyecto para restaurar el edificio y adaptarlo para ser el museo del cómic que hoy és. Dicha asociación sigue encargándose de la gestión del museo y con una eficiencia más que demostrada, por cierto.

Y ya por último, en la planta baja, como no podía ser de otra forma, encontramos una de las tiendas de cómic de Slumberland, la cual no solo sirve como tienda de comics sino también como tienda de souvenirs del museo. ¿Qué mejor que llevarse un buen tebeo a casa después de hacer la visita a este museo?

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¿Conclusiones? Me resulta bastante curioso, por así decirlo, que un país como España y, concretamente y barriendo bastante para casa de paso, una ciudad como Valencia, no goce de un centro cultural dedicado al cómic como es este.

Parece mentira que en una ciudad que alberga una gran cantera llena de talentos de la historieta y que además cuenta con una historia trufada de artistas del 9º Arte no se pueda tener un museo para rendir tributo no solo a sus obras sino también al cómic español en general e impulsarlo y promocionarlo no solo desde los más jovenes a los más mayores, sino de cara a los visitantes venidos del extranjero. Puedo hacerme una idea de los prolegómenos que supone llevar a cabo un proyecto así, pero estoy más que seguro que puede hacerse, especialmente si es por cuestiones políticas y más teniendo en cuenta de qué escenario viene Valencia. Talento hay y grandes profesionales tanto del bando de la creación de historietas como de la gestión cultural, también. ¿A qué esperamos?

♦♦Clara Luna

RECO MEN DADOS Librería Dadá

Como ya sabréis, desde hace poco más de dos meses nos encargamos también de la gestión de la librería del IVAM. Una tarea compleja que ha supuesto reconfigurar un espacio desde 0 y trabajar con la firme convicción y el objetivo de convertirlo en un espacio referente, acorde al museo y sin perder además esa esencia o forma de hacer las cosas que caracteriza a Dadá. Y sin perder tampoco de vista la librería en la que empezamos, tratando de diferenciar ambos espacios.

En poco tiempo he pasado de estar sola, acompañada en la sombra y en momentos puntuales, a configurar un equipo con el que poder contar, en el que delegar, y en el que confiar.

Las recomendaciones para este fanzine os las hacen María, que trabaja en la librería en el IVAM, y Guillem, que está sus prácticas allí.

Son recomendaciones personales, más allá de la novedad en sí, porque les pedí que escogieran aquello que les gustara, les había impresionado. Esos libros que ellos mismos recomendarían.

Aquí los tenéis, espero que los disfrutéis.

Para el próximo número de 100grados, Elsa, en el MuVIM, y yo tomaremos el relevo para seguir.

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Pensar con imágenes de Enric Jardí, fundador junto a otros diseñadores del grupo tipográfico Type-Ø-Tones. Lo primero que me llamó la atención fue que nada más ojear su portada te propone un ejercicio: piensa en cómo representarías la enfermedad de Alzheimer con una imagen. Curioso pensé yo. Una vez lo hayas pensado, puedes pasar a la siguiente página donde encuentras una imagen como ejemplo y una explicación clara y fácilmente entendible de lo que se pretendía con el ejercicio propuesto y la intención que tiene el libro: la intención de este libro no es describir aquello que ves sino cómo funciona lo que ves. Así que, como si de una “clase magistral” sobre comunicación visual se tratase, el autor plantea a lo largo de todo el libro una serie de ejercicios de este tipo para que sea el propio lector el que reflexione de una manera práctica sobre lo que está leyendo y asimile perfectamente lo que se le está queriendo explicar. No hay mejor manera de conocer una cosa que cuando se practica sobre ello.

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La revista de Arte e Ilustración Mincho. Se trata de un magazine trimestral focalizado en la ilustración y las artes gráficas con una cuidada maquetación y una entidad propia muy marcada. No parece que sus intereses sean tanto la ilustración “virtuosa” sino más bien aquella que transmite frescura y vanguardia desde la simplicidad y la concreción en recursos. Creo que esta revista, y seguramente ya lo sea, es un referente para ilustradores que quieran conocer más a cerca de lo más innovador e interesante en tendencias gráficas.

Tienen un gran criterio y lo que en ella aparece no es fruto de la casualidad.

Energy Boy. Las campañas publicitarias de las bebidas energéticas están orientadas de forma cuidadosa hacia un público cada vez más juvenil. Atraídos por sus diseños, los adolescentes adquieren estas bebidas en la tienda de la esquina y las consumen solas o mezcladas con alcohol, a

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ENTORNO A

modo de droga temprana. Así empieza Energy Boy, la última publicación de Guillem Sarriá y Borja Llobregat. El libro recopila 100 fotografías de envases de bebida energética, sus respectivas capacidades e índices de cafeína. Se trata de la colección personal de uno de estos chavales que ha ido acumulando las latas que consumía en los últimos años. EB cuenta con una edición aséptica, a diferencia de los diseños que contiene; este enfoque tan neutral le confiere un carácter documental. Fue presentado por los autores con la intervención del joven coleccionista bajo un pasamontañas. Se hizo un pequeño coloquio en el que respondió a preguntas sobre su precoz adicción. Los ejemplares que se pusieron a la venta cuentan con una funda acolchada y una lata diseñada exclusivamente para la presentación. Solo en Librería Dadá está disponible esta edición limitada .

Catálogo de Gillian Wearing. En la exposición de Gillian Wearing, inaugurada en septiembre de 2015, se presentaba la obra producida por la artista británica en los últimos 15 años.

La muestra contiene ocho instalaciones de gran formato, una

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escultura y once fotografías, algunas de las cuales son presentadas por primera vez en IVAM. Con motivo de la exposición se produjo, con el patrocinio del British Council, una tirada de catálogos.

El libro de 110 páginas editado por el IVAM tiene una introducción de José Miguel G. Cortés. Se incluye una entrevista de Wearing con ella misma, en la que ya se introduce el juego de identidades del que tanto habla su trabajo. El catálogo recoge las fotografías del espacio expositivo, los autorretratos de Gillian interpretando a su familia, así como las videoinstalaciones incluidas en la galería 1 del museo. Pero lo más interesante de la publicación es la transcripción y traducción al castellano de todas las proyecciones en las que anónimos se confiesan tras una máscara.

La obra de Gillian Wearing deja una profunda huella personal, su escalofriante visión de los roles y las relaciones sociales hace de este catálogo un imprescindible de la colección del IVAM.

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Wacom intuos art.

Por Cristian Fish

Salió una gama nueva de tabletas wacom y las hemos probado durante unas semanas para poder contaros sus virtudes y sus carencias.

Aquí tenéis dos videos el primero, unboxing y primeras impresiones. El segundo tras 3 semanas de uso. ¡Dentro videos!

TECNOLOGÍA

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Unboxing Tras 3 semanas de uso

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♦♦A. Seara

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EL PHABLET LOWCOST

Windows lumia 640XL

Por Cristian Fish

Aunque un poco tarde, hemos podido probar el Microsoft Lumia 640 XL. Grande, muy grande. Ademรกs, instalamos Windows 10 Mobile developer preview y os contamos las novedades. ยกDentro video!

TECNOLOGร A

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♦♦Fátima Menchén

VENDRÁN POR LANA Y SALDRÁN TRASQUILADOS

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♦♦La Sílfide Oscura

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♦♦Borja Cuéllar

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♦♦Andrea Candamio

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♦♦Bea Sevilla

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♦♦Anzhelina Suchkova

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♦♦Ana Artist

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♦♦Ana Alonso

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♦♦Bárbara Lopes

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♦♦Kat Amo Odio

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♦♦Fábio Sousa

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♦♦lokutremola

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♦♦Ibai Viñas Matxain

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♦♦Irina Fokina

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♦♦Javier Martín Caba

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♦♦jotawi

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♦♦Lidia Cal

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♦♦Luis Armand Villalba

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♦♦Male Cuellar

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♦♦María Puerta

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♦♦IrIs

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♦♦Marta Adán

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♦♦Motoneta

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♦♦Pattysaurus

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♦♦Nache Ramos

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♦♦Rafa Mir

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♦♦Verónica Riera

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♦♦Eduardo García Mena

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♦♦a

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♦♦Gvtto

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♦♦memosesmas

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♦♦Tiracajas

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♦♦Xstian

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♦♦a

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♦♦a

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♦♦a

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♦♦Deivid

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♦♦Hortensio Panclasta

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♦♦Siniss

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♦♦Maria José Endrino

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AUTORES

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