100gradosfanzine4 "se pilla antes a un mentiroso que a un cojo"

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gradosfanzine

Número 04 240 amigos 240 desconocidos Crónica de un congreso El video arte El placer de no saber “Se pilla antes a un mentiroso que a un cojo” 16 Creativos 2013s

Portada: Paula Bonet paulabonet.com

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gradosfanzine Número 04 240 amigos 240 desconocidos Crónica de un congreso El video arte El placer de no saber “Se pilla antes a un mentiroso que a un cojo” 16 Creativos 2013

Fanzine Nº 03/Mayo 2013 Edición Cristian Domínguez Coordinación de 100grados Xavi Barrachina y Cristian Domínguez Colaboran en este número Paula Bonet (Portada), Daniel Bartual, Estela Sanchis, Squid&Pig, Natalia Hernandez, Sergio Montal, Cristian Domínguez, Francesc Gómez Guillamón, Unamesacamilla.

Alejandra Morenilla, Roberto Campillo , Lala Hernández, Pintandolamona, Lirios Bou, Jotaká, África Leiva, Sergio Massó, Jose Vicente Barrachina Sanchis, Elena Ontangas, Eva María Martí

Agradecimientos A Paula, por la ilustración de la portada.

A Todos los que hemos liado para que este número fuera “algo más” A TODOS los colaboradores.

A todos los lectores y seguidores de 100grados fanzine. © de los proyectos de sus autores.

Recepción de proyectos / normas de Publicación.

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Índice 240 amigos. 240 desconocidos. Eva Mª Martí Barrachina Ilustrafic: Crónica de un congreso. Daniel Bartual El Video Arte: un plato que se sirve vivo. Paco Ortuño El Placer de no saber: Todd Hido. Estela Sanchis Se pilla antes a un mentiroso que a un cojo Squid&Pig Natalia Hernandez Sergio Montal Cristian Domínguez Francesc Gómez Guillamón Unamesacamilla Alejandra Morenilla Roberto Campillo Lala Hernández Pintandolamona Lirios Bou Jotaká África Leiva Sergio Massó Jose Vicente Barrachina Sanchis Elena Hontangas

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240 Amigos.

240 Desconocidos.

Eva MÂŞ MartĂ­ Barrachina

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Situarme enfrente de un retrato siempre me ha producido cierta inquietud. A través de su mirada, sus gestos, intento descubrir cual es su historia; quien es, que piensa y sobre todo si es real o el pintor ha jugado a ser Dios.

No siempre que nos encontramos frente a la representación de un rostro podemos hablar de retrato¹ en el sentido estricto del término. Existe cierta tradición heredada del Renacimiento, hasta la actualidad, donde el artista plasma rostros de mujeres inventadas en la que el retrato va más allá de la mera reproducción de los rasgos de una identidad y pasa a convertirse en un pretexto para contar algo.

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1- “ Un rostro no siempre es retrato” Rosa Martínez Artero.

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Pero el pintor no inventa partiendo de la nada; tiene un mundo propio de imágenes y referentes que configurados como una base de datos, le abastece de todas las herramientas necesarias para contar una historia y así, encontramos los serenos rostros de Galvez construidos con los rostros de las tablillas mortuorias del Fayum, las más antiguas conocidas, que si bien no tienen un carácter pictórico, Galvez las utiliza con este fin. Respetando la idealización de las imágenes y con un sólo rostro nos habla de todas esas personas anónimas.

En otros casos el artista, se convierte en una especie de doctor Frankenstein construyendo personajes a partir de fragmentos de distintas personas como hace Elías Pérez, para hablarnos del paso del tiempo; el resultado son imágenes tan reales que nada hace sospechar que esas personas nunca han existido.

En el s.XIX el fotógrafo Arthur Batut inventaba rostros a los que denominaba fotografías tipo.

Escogía a un grupo de personas, bien de una misma familia o de una población, a las que fotografiaba por separado y sobreponiendo estas fotografías creaba un único rostro capaz de recoger los rasgos identitarios de un colectivo. Son rostros falsos y sin embargo algo de cierto hay en ellos; porque, que somos en definitiva sino una amalgama de las experiencias y las influencias de todas las personas que forman parte de nuestra vida?. Con pequeñas parcelas de todo lo que nos rodea formamos nuestra propia identidad, ese término tan difícil de definir y que hace que cada uno sea distinto a los demás, únicos como personas. Es la imagen que tenemos de nosotros mismos en la que influyen nuestras circunstancias, creencias, posesiones y sobre todo como nos relacionamos con el resto del mundo.

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“Construimos nuestra identidad en función de con quien nos relacionamos”² , y está absolutamente asumido que en los últimos tiempos ha aparecido en nuestro entorno un nuevo medio de relaciones sociales a través de las redes de comunicación a nuestro alcance; estructuras compuestas por personas o entidades humanas conectadas por internet, por una o varias relaciones: amistad, laboral, económicas etc.

Son a menudo estructuras complejas donde se establecen algunos patrones de conducta; una página determinada cobra importancia según el número de “ visitas “; cierto personaje 14

2- GUBERN, R., Del bisonte a la realidad virtual: La escena y el laberinto, Barcelona, 1996.

3-Ibidem, R. Gubern,1996.

4-Redes, Identidad: como nos vemos, Entrevista de Elsa Punset a John Whitmore, www.web-act.org/?p=280, 17/12/2012, visto 13/06/2013.

debe tener un número de seguidores suficientes para que goce de popularidad y cualquier persona debe tener al menos 240 amigos agregados para que sea aceptado socialmente. Nos relacionamos a diario con multitud de personas de la que, en muchos casos, sólo tenemos una imagen y en esas imágenes sólo apreciamos los rasgos fisionómicos. La falta de contacto físico nos priva de valiosa información: el tono de voz, los gestos, el olor, son aquellas cosas que confieren al individuo la calidad y cualidad humana.

“Nuestra mente tiene la necesidad de otorgar sentido a lo informe”³ es lo que se denomina pulsión icónica que funciona en la misma línea que la pulsión narrativa que es “ la necesidad de recopilar y reorganizar los datos de modo que sean capaces de emular un relato”⁴ y de este modo, a falta de todos esos datos identitarios incapaces de transmitirse a través de las redes sociales, acabamos configurando una identidad seguramente incierta de aquellas personas con las que nos relacionamos en este medio virtual y que como muchos artistas construimos según nuestros datos y referentes, con pequeños fragmentos de personas que en mayor o menor medida han ido apareciendo en nuestra vida. Es la necesidad de reconstruir una identidad con las piezas que nos faltan.

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Busco en la serenidad de los rostros de Galvez otorgar un halo humano a los rostros virtuales, por medio de la superposición de distintos rostros, retomando la línea de trabajo de Arthur Batut, pero utilizando las nuevas herramientas tecnológicas. Se trata de combinaciones aleatorias; de impresiones fotográficas de distintos rostros en láminas de acetato, en las que en algunos casos incorporo, por medio de intervenciones pictóricas, elementos del medio urbano y del medio natural para que convivan en un mismo espacio con nuestro nuevo entorno virtual. Con este formato de retrato , pretendo iniciar una reflexión sobre la identidad colectiva en este medio de comunicación y relaciones sociales. Se trata de una actitud de expectación ante la toma de conciencia de que algo está cambiando;que este nuevo medio está influyendo en la sociedad pero todavía desconocemos las consecuencias.

Mi intención es crear rostros inquietantes donde la luz del nuevo medio emerja desde el interior y la sutileza que reside en las diferencias, obligue a penetrar en las entrañas de la imagen del mismo modo que nos adentramos a diario en un mundo virtual áureo e impalpable.

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good vibrations for positive people 8negro.com 17

Cr贸nica de un congreso Por Daniel Bartual

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Durante los días 19, 20 y 21 de Junio la Facultad de Bellas Artes de Valencia acogió Ilustráfic: Fuera de Página, el que ha sido el primero de, esperamos, un largo número de congresos dedicados a la ilustración, el arte y la cultura visual. La posibilidad de que haya surgido un evento de estas características ha sido gracias a los esfuerzos aunados de instituciones tales como el Máster de Diseño e Ilustración, la Facultad de Bellas Artes, la UPV o de asociaciones como son APIV o ADCV entre muchos otros.

En los 3 días que duró el evento la facultad acogió toda una serie de charlas, mesas redondas, exposiciones y talleres de gran interés y que estuvieron protagonizadas por toda una serie de profesionales vinculados al mundo del arte, la ilustración y la comunicación de mucho renombre y calidad en sus áreas de trabajo. Yo, como asistente y participante al congreso, voy a desgranaros como fueron esos tres días de Ilustráfic los cuales viví intensamente.

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19 de Junio: Página en Blanco.

8:50 de la mañana. Aparezco en el hall principal de la facultad esperando junto a la mesa donde iban a conceder las acreditaciones. La noche anterior estuve prácticamente despierto en su totalidad a sabiendas de la actividad y de todo lo que me iba a deparar un congreso como este, una impaciencia que todavía me duró todo el rato que estuve esperando hasta el momento en el que me dieron la acreditación y lo que restó de día. Finalmente, tras una media hora de espera, me otorgan mi acreditación del congreso la cual iba acompañada de una bolsa de tela repleta de varios regalos: una libreta, un lápiz, un catálogo de la exposición “Pensar con las Manos” dedicada a los cuadernos de Isidro Ferrer y Pep Carrió, un conjunto de láminas de Enric Solbes y varios marcapaginas y postales.

Ya de por sí el precio por asistir a un congreso como Ilustrafic ya quedaba bastante amortizado pero con estos regalos se sobrecompensaba.

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A eso de las 10:00 nos dieron el aviso de que podíamos adentrarnos en el Salón de Actos de la facultad en donde tendría lugar el acto de apertura del congreso y en donde se darían lugar a las ponencias y mesas redondas de mayor calado. Este acto de apertura fue presidido por David Heras y Jose Luis Cueto, director de Ilustrafic y decano de la facultad de Bellas Artes respectivamente. David Heras dedica unas palabras de agradecimiento por la enorme cantidad de participantes de Ilustráfic mientras que Cueto por su parte comenta que confía en lo fructífero que será el congreso. Tras terminar el discurso de apertura, David Heras presenta al que será el primero de los ponentes de esta primera jornada del congreso en la que se tratará el tema de cómo afrontar a la página en blanco: Julio Blasco.

Julio Blasco es un ilustrador valenciano el cual tiene ya una dilatada trayectoria en la que, antes de ser ilustrador, ha desempeñado varios oficios: animador, impresor, diseñador gráfico e incluso en la actualidad compagina 21

la ilustración con el trabajo de editor. Nos habla de que durante su etapa como animador cayó en la cuenta de que poseía una línea tosca la cual le trajo problemas a la hora de intermediar fotogramas, por ello decidió convertir el problema en una virtud y un rasgo característico de su estilo. También nos habla de que acumula toda clase de objetos los cuales de manera posterior aprovecha para crear pequeños “accidentes” que le ayuden a encontrar ideas para desarrollar sus proyectos.

Julio aprovecha también para darnos una serie de pautas a seguir las cuales ha adoptado a modo particular como sus mandamientos: ser entusiasta, ser apasionado, valorar lo creativo por encima de todo, crear a pesar de la adversidad, perseguir nuestros sueños, atreverse con todo y, por último, llevar siempre las cosas a nuestro terreno.

También resalta el uso de la música para utilizarlo como apoyo emocional dependiendo de la naturaleza del encargo al que se esté enfrentando. Por último, hace mención a su editorial Simientes Editores y utiliza un fragmento del comienzo de El Principito a modo de epílogo para su ponencia.

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Tras un pequeño descanso para almorzar, volvimos al Salón de Actos en esta ocasión para escuchar a Paula Bonet. Comenzó su charla comentando la curiosa sensación de encontrarse dando una ponencia en la facultad en la que una vez hizo sus estudios en Bellas Artes. Nos habla de que ella personalmente se considera más pintora que ilustradora debido a que de manera profesional comenzó por esa rama del arte, que acabó en la ilustración por una cuestión de azar a raíz de un encargo para decorar un local durante el festival Russafart y que el azar también intervino para acabar encontrando su particular estilo de dibujo. Mientras nos enseña algunos de sus proyectos nos habla de la facilidad que posee la ilustración no solo para adaptarse a cualquier espacio sino también para trabajar en todo tipo de proyectos, lo cual lo convierte en un vehículo perfecto para la comunicación con imágenes.

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La última de las conferencias está protagonizada por la personalidad quizás más esperada de aquel primer día de Ilustrafic: Nate Williams. Comienza hablándonos de su trabajo como diseñador y programador web en Microsoft, de la muerte de su mujer a causa de un cáncer, de cómo comenzó a ilustrar en sus ratos libres y que todo ello acabó en una catarsis en la que abandonó su trabajo vendió su casa y comenzó a viajar por el mundo.

Nate nos ofrece sobre todo metodología y filosofía para enfrentarse al trabajo como ilustrador, el tiene muy claro que es un trabajo y que como tal hay que vivir de él.

Algunos de sus consejos más relevantes fueron: cambiar nuestro entorno para cambiar nuestra rutina, utilizar las palabras claves de un brief para generar una canción que nos ayude a encontrar un punto de partida, relacionarlo con distintos conceptos tanto similares como dispares, alimentar siempre el subconsciente, llevar siempre un cuaderno de bocetos encima o tener un estilo de dibujo coherente sin que ello impida el tener varios. Nos habla también de algunos de sus proyectos como Creactivists. com o Letterplayground.com y de su alter ego Alexander Blue el cual utiliza para emprender proyectos dirigidos a un público más infantil.

Seguidamente nos dirigimos los más interesados a las aulas situadas en la parte baja del edificio B de la facultad para asistir a las ponencias de UNIT, una editorial que aun lo tecnológico con lo impreso y es la que ha desarrollado la aplicación de Los Cuadernos para la expo de Isidro Ferrer y Pep Carrió, y iTbook, una editorial de libros ilustrados digitales, ambas dos claros ejemplos de cómo las últimas tecnologías digitales se están aplicando en el campo de la ilustración.

Tras la comida, la cual estuvo aderezada cada uno de los días del congreso por los remixes de todo tipo de Xelön Green Banquito, se celebró una mesa redonda moderada 24

por la ilustradora Mar Hernández en la que el público pudo hacer preguntas tanto a Julio Blasco como a Paula Bonet como a Nate Williams. Se habló de procesos y filosofía de trabajo y de la caducidad del estilo del ilustrador por agotamiento por parte del público. Al final acabó prevaleciendo la idea de que el estilo es algo que se ha de dejar que evolucione de forma natural y que un ilustrador nunca tiene el mismo estilo ya que este cambia a medida que continúa desempeñando su labor.

Ya entrada la tarde, a las 17:30, comienzan los talleres de Ilustrafic.

Cuatro eran los talleres disponibles impartidos por una lista de profesionales prometedora: Sean Mackaoui, Mar Hernández, Jonay Cogollos, Sergio Membrillas, Till Hafenbrak, Paula Sanz Caballero y Javier Olivares. Yo personalmente escogí el de Javier titulado con el peculiar nombre “Emulando a Pertierra” en el que nos habló del enigma de Joaquín Pertierra, un ilustrador que existió en la España de los años 40 y 50 el cual tenía una 25

manera de ilustrar bastante singular. De la mano de Javier aprendimos una metodología para desarrollar portadas de libros muy interesante la cual estaba basada en las limitaciones con las que contaban los ilustradores de aquella época. Además, aquella tarde comenzaban también las entrevistas de las editoriales que acudieron al congreso las cuales Ilustrafic organizó para aquellos ilustradores que las solicitaron. Yo tuve que compaginar el comienzo del taller de Javier Olivares con una entrevista con Andana Editorial que la organización del congreso tuvo a bien el concederme.

Terminado el primer día de Ilustrafic yo me encontraba con una mezcla de cansancio y muchas ganas de hacer cosas creativas un tanto extraña. Pero todavía quedaban otras dos prometedoras jornadas por delante.

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20 de Junio: A Doble Página.

El segundo día de Ilustrafic estaba dedicado a la infiltración de la ilustración en otros medios que está fuera de los límites de esta disciplina como son lo digital, el diseño, la fotografía y demás.

La jornada comenzó a las 9:00 con los comunicados, una oportunidad que nos ofrecía a los participantes de Ilustrafic la organización para exponer en 15 minutos un tema relacionado con la ilustración. Yo personalmente asistí a los comunicados de Paula Tavares en el que habló sobre la estructura del Master en Ilustración y Animación del IPCA, al de Melani Lleonart y Laura Inat sobre la aplicación de la ilustración a unos talleres dirigidos a niños 27

para el Museu d’Etnología, a la de Álvaro Sanchis sobre el uso de la ilustración para el diseño de aplicaciones móviles y a la de Juan M. Gallardo y Sergi Salvador Peris sobre el trabajo de Danny Yount. Una buena idea por parte de la organización de Ilustrafic el permitir estos comunicados con tal de dar cabida a una serie de discursos paralelos a los protagonistas en las ponencias principales.

Tras los comunicados, a las 10:00 comenzaban de nuevo las ponencias. La primera de ellas la de Bjorn Lie, un ilustrador noruego al cual Sergio Membrillas introdujo permitiéndose la licencia de decir “podría besarle la mano perfectamente” a modo de demostrar la admiración que siente por su trabajo. Bjorn nos habló de sus principales influencias las cuales vienen del graffiti, el tatoo o las bandas de glam rock de los años 80 además de los anuncios de las revistas viejas y de el humor accidental que estos expedían. Al vivir en un lugar para él gris y monótono en el que la naturaleza cobraba un gran protagonismo, utilizó la ilustración a modo de vía de escape para modificar su realidad cercana. También nos confesó que llegó a trabajar en un vertedero de basuras, una experiencia que también le marcó por la curiosa mezcla de objetos que se pueden encontrar en esta clase de lugares. Gracias a que comienza a recibir encargos masivos para marcas de ropa diversa decide mudarse a Bristol, algo que hace que comience a echar de menos la cercanía que tenía en su Noruega natal con la naturaleza la cual se vio sustituida por el contacto con la realidad urbanita de las ciudades inglesas.

Posteriormente llegan las colaboraciones con la 28

editorial Nobrow y con ello el reconocimiento como ilustrador a un nivel más internacional. Sobre su proceso de trabajo nos comentó que suele incorporar los “errores” en sus ilustraciones.

A continuación le tocaba el turno a Gemma Correll. Gemma es conocida sobre todo por sus trabajos para British Airways, compañía para que realiza una serie de ilustraciones sobre gatos que viajan en aviones. Precisamente los gatos junto a los perritos de raza Pug, raza la cual nos confesó que es su favorita, son los tipos de animales que más frecuentan en sus ilustraciones.

Gemma además nos habló de su formación en Bellas Artes, de cómo el cómic le animó a hacer el tipo de ilustración que hace y de su filosofía de trabajo la cual está basada en mantener la distancia corta entre el boceto y el resultado final con tal de mantener la frescura.

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Y por último quedaba Jean Jullien el cual fue presentado por el sinpar Boke Bazán el cual se sirvió de una serie de folios en los que había ilustrado una serie de conceptos que definían a este ilustrador a la vez que lo elogiaban. Jean nos habló de la importancia de mantener una coherencia gráfica aunque intentando experimentar de manera paralela y de cómo esto le llevó a trasladar su estilo de ilustración a otra clase de proyectos como son las animaciones que realiza junto a su hermano, formando de esta forma el dúo creativo Jullien Brothers, o a diseñar todo tipo de instalaciones, mobiliarios o textiles. La mesa redonda de estos tres profesionales de la ilustración dejó patente la importancia de llevar a cabo proyectos personales para definir una manera de trabajar y atraer clientes además del disfrute común de la concepción de la idea a la hora de llevar a cabo un encargo.

Cabe mencionar también que a lo largo de los tres días que duró el congreso los participantes podían acercarse a una zona en donde varias empresas y colectivos como son la distribuidora de material 30

gráfico Articomic, el colectivo fanzinero Vendo Oro, la empresa de tabletas digitales Wacom o la librería valenciana Railowski pusieron a la venta sus productos de cara al público.

Antes de la hora de comer pudimos disfrutar de la presentación oficiada por Ana Mesas, una de las consultoras de Adobe, de la nueva Creative Cloud. A destacar la interconectividad que van a tener los distintos programas con la nube, las nuevas opciones que van a traer en su software Photoshop e Illustrator y, en especial, la aparición de un nuevo programa en la parrilla: Adobe Muse, un programa de diseño de páginas web muy intuitivo y para el que no será necesario tener conocimientos a priori de HTML o de otros lenguajes web. Habrá que ver con el tiempo cual es la respuesta del público ante un servicio que exige una cuota mensual como este.

Y con esto, junto con la continuación de los talleres, concluyó el ecuador del congreso. Faltaba tan solo una última jornada y no por ello menos importante.

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21 de Junio: A Pie de Página.

Este último día de Ilustrafic estaba marcado por la relación entre los textos y las imágenes. A nivel personal este último día era muy importante ya que me presenté para hacer una ponencia en los comunicados sobre el webcómic, un tema el cual desarrollaré en un próximo número de 100grados. Aquella mañana además tuve el placer de estar acompañado por Rafael Andrés el cual nos habló sobre la importancia del concept art en las producciones de animación 3D y por Marta Peirat la cual nos habló de la marca del artista a través de la figura de Takashi Murakami.

Los ponentes no iban a ser precisamente menos potentes: Román de la Calle, Mario Tascón y El Roto, ni más ni menos. Román nos deleitó con 32

sus experiencias vitales en las que la relación entre las imágenes y las palabras jugaron un papel crucial para desarrollar su carrera como intelectual de las letras en todos los ámbitos humanísticos, en especial del partido que le sacó a unos cuadernos en los que juntaba palabras con fotogramas de películas.

Mario Tascón, experto en comunicación y redes sociales, por su parte nos habló de las distintas maneras que uno puede expresarse por Twitter, del tipo de clasificación de twitteros que él ha hecho y de algunas curiosidades más que rondan alrededor de esta red social.

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Y finalmente llegó Andrés Rabago García, alias El Roto, la cual sin lugar a dudas fue la ponencia más esperada y así lo confirmó el lleno que alcanzó el salón de actos. El Roto compartió toda una serie de reflexiones en torno a su obra y a la sociedad contemporánea entre las que hizo mención a la riqueza de las ilustraciones ausentes de texto, de la llamativa presencia de la publicidad en los espacios de convivencia (un medio, el publicitario, que a su parecer debería ser eliminado), el concebir al lector como alguien que completa la idea que el intenta plasmar en sus dibujos, de cómo los dibujantes son aquellos que dan forma al pensamiento de su época y del imprescindible papel que cumplen los dibujantes de prensa.

La posterior mesa redonda protagonizada por estos tres ponentes no fue ningún desperdicio. En ella se habló del papel activo de los lectores contemporáneos gracias a internet, de cómo la creatividad se ha convertido de repente en un valor en alza al contrario que ocurría en tiempos pasados, de la inutilidad de los aforismos y de la actitud de permanente enfado entre muchísimas otras cosas.

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Entre tanto tuvimos un encuentro con los tres editores de las editoriales de cómic que habían decidido acudir al congreso: Lorenzo Pascual de Diabolo Comics, Enrique Redel de Impedimenta y César Sánchez de Fulgencio Pimentel. Los tres dejaron clara la posición de las editoriales de cómic pequeñas en cuanto a la necesidad de diversificar el producto, la apuesta por la adaptación de sus títulos a otros idiomas o el trabajo del editor a la hora de seleccionar según qué autores y qué obras para diferenciarse del resto de editoriales que copan el mercado.

Como broche al congreso, los talleres finalizaron en una improvisada sala de exposiciones en donde se pudieron ver los resultados de estos además de que tanto profesores, alumnos, participantes del congreso, organizadores y alguno de los ponentes pusimos la guinda al evento con una pequeña fiesta. ¿Qué más podría decir de Ilustrafic? Creo que todo ha sido dicho y requetedicho. El congreso promete ser bianual con lo cual lo volveremos a ver por 2015. Espero veros a muchos de los que estéis leyendo estas líneas, si os interesa la ilustración, el arte y la comunicación la participación es prácticamente obligatoria. Larga vida a Ilustrafic y a la ilustración.

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El video arte Un plato que se sirve frio Por Paco Ortu単o

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En el arte contemporáneo no hay nada tan crudo como el vídeo.

Si comparamos el Arte con la cocina, alguna de las obras maestras, del renacimiento al siglo XX, serían el equivalente a un asado al horno de leña; de esos que exigen que la carne macere en vino durante días y que se asan con ramas de olivera a fuego lento. El llamado arte de vanguardia equivaldría a platos de cocción lenta, cocidos madrileños a la antigua y comida de pucheros.

Si extrapolamos esta ecuación a los tiempos que corren, el arte moderno equivaldría algunas veces al Bulli, otras al Burger King y otras al bufet chino de barrio.

Cada arte, al igual que cada plato requiere de ciertas condiciones, a veces incluso de la alineación de varios planetas, pero no es difícil sin embargo encontrar similitudes en los procesos que han llevado a los genios de ambas disciplinas a sus creaciones más célebres.

Pues bien, yo digo que si tuviéramos que servir el videoarte en un plato, este sería tan fresco que se podría hablar con él. Puede que nos golpease en la cara con sus viscosos tentáculos o puede que, tras levantarse y sentarse con nosotros, pidiese un té y leche fría.

Debo reconocer que la primera vez que, gracias a mi abuelo, intenté meterme una ostra viva a la boca, puede poco más que hacer muecas y 37

dar arcadas. Algo parecido me ha pasado siempre al acercarme a algunas de las más celebres piezas del videoarte contemporáneo.

Nam June Paik puede ser un genio, pero nunca fue santo de mi devoción. Mi metamorfosis final, de escéptico a fiel admirador, se debe a una experiencia reciente.

El primer sol de primavera brillaba en Nueva York, los turistas se apelotonaban en los parques y a mí, recién llegado de España, ese primer baño solar del año me la traía al pairo, así que decidí esconderme en el MOMA, encontrándolo sorprendentemente vacío, o todo lo vacío que puede estar el MOMA en primavera. Daba vueltas como quien camina dentro de una iglesia sin escuchar la misa, saludando a viejos amigos a los que solo ves de boda en boda y acabé encontrándome entre dos inmensos elefantes que, dentro de unas pantallas de cine, una frente a la otra, bailaban en silencio.

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Frente a la obra “Play Dead; Real Time” de Douglas Gordon sentí algo parecido a lo que el Profeta Daniel debió sentir al escuchar por primera vez la voz de Dios. No es algo habitual. Algo parecido solo lo había sentido la primera vez que me puse delante de “El Descendimiento” de Van der Weyden y no lo he vuelto a sentir hasta ahora. Tuve una revelación y comprendí que Velazquez, Rembrant o Goya, hubieran rajado sus lienzos ante la posibilidad de obtener a cambio una cámara de video. Frente a algo tan simple como un elefante moviéndose, me pregunté qué sería de “Las Meninas” si Velázquez hubiese tenido una cámara de vídeo en lugar de unos pinceles, ¿qué sería de “La Ronda Nocturna” de Rembrandt?.

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Esta revelación me llevó a acercarme al videoarte, a comer cosas vivas sin arcadas y a descubrir obras impresionantes, como “In Ictu Oculi” de Greta Alfaro. Y me llevará seguro a tomar el té y leche fría acompañado de mi comida, siempre sin olvidar que hay cosas que crudas saben a Gloria y por el contrario otras que saben a pies embutidos en zapatos de lona en pleno agosto.

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Este mes a todo color y en tu ipad Imagen de pintandolamona 41

El placer de no saber: Por Estela Sanchis Todd Hido 42

Al caer la noche nos volvemos vulnerables. La oscuridad oculta, engaña, altera nuestra percepción y sensibilidad, nos obliga a transformarnos ante la amenaza de lo invisible. Existe cierto placer en no saber, una inquietud excitante en la incertidumbre. La noche ha sido inspiración para infinidad de artistas: la noche solitaria, la amenazante, la noche íntima, romántica, erótica... la desoladora, siempre nos sitúa en el abismo.

El trabajo de Todd Hido se mueve en esa zona. Sus fotografías, como piezas de un puzzle, se unen dejando que el espectador complete la historia. En la serie “Houses at night”, los barrios residenciales de Ohio se vuelven misteriosos y melancólicos tras el crepúsculo. Solo la luz que se escapa por las ventanas rompe la soledad de la escena y nos sugiere que hay alguien detrás. Se trata de la familia americana de clase media, cuyos dramas ocurren de puertas para adentro. Hido busca en sus imágenes encontrarse con la inestabilidad de su propia historia familiar, se identifica con los personajes que habitan sus fotografías a pesar de su ausencia.

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Otras de sus fotografías más características son las de interiores. En sus imágenes registra el vacío y la derrota de personajes solitarios, de mujeres solitarias. A menudo se encuentran desnudas, bañadas por la tenue luz de una ventana o una pequeña lámpara en lo que probablemente son habitaciones de hotel. Compone escenas neutrales, sin elementos que vinculen a los personajes con historias del pasado. Simplemente están ahí, inertes, sin un ápice de emoción. Y sin embargo la tensión es táctil. Está presente en las paredes, en las sábanas y los cuerpos a contraluz, y consigue mantenerse en toda la serie.

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“A road divided” presenta una serie de fotografías tomadas desde el coche. El juego de luces y sombras se entremezcla con los desenfoques provocados por el propio aliento del artista sobre el cristal y nos obliga a buscar un espacio de claridad en la superficie de la foto por el que podamos apreciar la inmensidad del horizonte abierto.

Esos ambientes melodramáticos de ensueño vinculan el trabajo de Todd Hido no solo con su propia historia, sino que de forma universal, el espectador encuentra elementos del imaginario colectivo, ajenos a un tiempo y un lugar específicos, que le conectan de forma personal con cada imagen.

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“Se pilla antes a un mentiroso que a un cojo�

16 Creativos que s贸lo dicen la verdad.

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squidandpig.com

spookydelight.com

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sergiomontal.com

fisdise.com

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artedeneilabbott.blogspot.com

unamesacamilla.blogspot.com

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amorenillailustracion.blogspot.com.es

robertocampillo.com

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facebook.com/ilustralala

pintandolamona.com

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laninakoala.blogspot.com

elblogdejotaka.blogspot.com.es

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africaleiva.com

massograph.blogspot.com.es

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Serie “El final del designio” 1980-85 Pobre infeliz. Toda tu vida empeñada en que la verdad brillara alrededor de tu imagen, limpia, serena, para llegar a convertirte en un simple mueble arrinconado en un viejo desván que, como tú, fue diseñado por el hombre a su imagen y semejanza para enmascarar toda la mierda acumulada a lo largo de los siglos. Sucumbiste a la soberbia y perdiste tu dignidad; te plegaste a los designios de unos cuantos depredadores de la bondad humana y perdiste tu balanza; dejaste que lavaran tu cuerpo con el color del dinero y perdiste tu ropaje. Que más te queda? Ya solo la venda vieja amiga. Una venda que temes te sea arrebatada porque la mugre cubre tu rostro y la vergüenza anula tu existencia. ¡Qué gran verdad!¡Qué gran mentira amiga Justicia!.

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www.barrachinasanchis.es

elenahontangas.blogspot.com

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“El tiempo pone a cada uno en su lugar” Participa en el siguiente número de 100grados fanzine mándanos un mail a 100gradosfanzine@gmail.com

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