Nota editorial
El rock en el mundo impreso se ha plasmado de muchas y variadas maneras, desde decentes críticos y amantes de la música, hasta fantoches que lo único que hacen es lucrar con la misma, como si esta se tratara de un negocio. Alejados de estos últimos y queriendo entrar en el grupo de estos primeros, se crea esta revista virtual llamada “Disco tk”. ¿El fín?, es claro, poder alcanzar noverdades discografícas de todas las épocas a melomanos de todos los rincones del planeta de forma gratuita. He aquí la primera revista que narra exclusivamente sobre álbums de todas las épocas y todos los géneros que el rock a forjado a lo largo de su vida, dando importancia tanto a clásicos inmortales como a aquellas placas enterrados en lo mas profundo del desconocimiento humano y también a los discos que con el paso del tiempo se han vuelto un culto sagrado entre los escuchas. Los avances de la tecnología, los nuevos-viejos descubrimientos musicales y el amor por llevar a cada genial banda a ese lugar de tu casa donde deben de estar nos permiten hoy presentar ante usted a esta revista de rock que solo cuenta con reseñas de discos, y una historia referida a su portada (hoy, los beatles). Dentro de cada reseña usted encontrara datos interesante sobre cada banda y un link el cual le sirvira para descargar el álbum si es que resulta ser de su interés. Obviamente el fin de la revista no es incentivar la pirateria, sino mas bien llevar a ustedes nuevas melodías, así que siempre aconsejamos, de ser posible, que consigan los discos también de forma física. Desde ya muchisima gracias por brindar un espacio de su tiempo para leer esto y esperamos que la revista logre ser de su agrado e interés.
Sumario
1960 . 1969
Rock and roll / Blues / Jazz / Beat / Soul / Folk / Garage rock / Rock psicodelico / Rock experimental / Proto punk / R&B / etc /
En este numero
The hollies
los
60’ Count Five Psychotic reaction
White noise An electric storm
Los
60’s
Rock and roll / Blues / Jazz Beat / Soul / Folk / Garage rock Rock psicodelico / Rock experimental Proto punk / R&B / etc
/ / / /
Pop psicodĂŠlico
Mariposa tecnicolor The Hollies Butterfly (1967)
En la década del ‘50, tras haber creado el rock and roll Estados unidos se vio estancado en un problema de creatividad, muchas bandas se formaban por los extensos territorios Yankees, pero ninguna con el verdadero poder como para sobresalir, ninguna poseía un estigma diferente a lo que en ese momento trascendía por las emisoras radiales; mucho menos luego de que al iniciar el decenio de los ‘60 lo Beatles y los Rolling Stones impulsaron algo conocido hasta el día de hoy como la “invasión Británica”, la primer y única invasión que no trajo mas que alegría para la gente, pero claro, quien sabe un poco de historia entenderá que a los estadounidenses nunca les gusto ser menos que nadie y esto de ver a todo su pueblo cantar melodías ajenas le resulto un tanto inquietante e hiriente. A mediados de los años ’60, muchas bandas amateurs se formaban en los territorios norteamericanos queriendo imitar a sus ídolos, tantos nacionales como ingleses (notese la prescencia del cover “my generation” de los who en
el lp), estos poseían un ímpetu increíble, una energía contagiosa pero poca habilidad musical, es por ello que se los apodaría desde entonces como bandas de “garage” debido al lugar en el que muchas de las mismas se juntaban a ensayar. Lo que identifica a este género por sobre
“Butterfly es algo asi como el “Sgt. pepper...” de los Hollies. Mi disco favorito de ellos, por su soltura y su composición experimental tan bien lograda” otros es la crudeza de sus guitarras, la furia de sus baterías, lo conciso de sus bajos y los alaridos de las voces, algo así como lo que años mas tarde se conocería como punk (incluso muchas bandas que profesaban esta sonoridad fueron catalogadas como abuelos, padres, tíos o algún familiar cercano del mismo). Imagine usted que la cuestión de que por
Los
60’s
Rock and roll / Blues / Jazz Beat / Soul / Folk / Garage rock Rock psicodelico / Rock experimental Proto punk / R&B / etc
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Pop psicodélico
The Hollies Butterfly (1967)
es que quería llegar a algo. Pues bien, entonces ¿qué tiene de diferente Count five y su “Pshycotic reaction” con respecto a otros grupos?, seguramente es el cruce entre la crudeza del garage clásico (“Out in he street”), con el encanto del ritmo de rock and roll común y corriente (“The World”), el atractivo de una guitarra que tira mas para el lado psicodélico y esa voz pasiva y popular (“She’s fine”). Count five intentó por todos los medios llegar a la fama, a poder sonar en todo el globo, pero cuando recién iniciaban todas las puertas
“Butterfly es algo asi como el “Sgt. pepper...” de los Hollies. Mi disco favorito de ellos, por su soltura y su composición experimental tan bien lograda” de las grandes productoras se les cerraban, pero fue gracias al tema que da nombre al disco (y que cierra la cara A) que lograron conseguir un contrato con “Double shot”, una pequeña compañía discográfica de California que se ofrece a grabar un single que contenía dicho tema, sumado a “They’re gone get you”. Como este consiguió la fama necesaria, en 1966 el grupo se puso en campaña para largar su disco debut, pero al igual que muchas bandas de garage se disolvieron luego del poco éxito comercial que estos tuvieron, y cada uno se dedico a proseguir con sus estudios universitarios. el lp), estos poseían un ímpetu increíble, una energía contagiosa pero poca habilidad musical, es por ello que se los apodaría desde entonces como bandas de “garage” debido al lugar en el que muchas de las mismas se juntaban a ensayar. Lo que identifica a este género por sobre otros es la crudeza de
En la década del ‘50, tras haber creado el rock and roll Estados unidos se vio estancado en un problema de creatividad, muchas bandas se formaban por los extensos territorios Yankees, pero ninguna con el verdadero poder como para sobresalir, ninguna poseía un estigma diferente a lo que en ese momento trascendía por las emisoras radiales; mucho menos luego de que al iniciar el decenio de los ‘60 lo Beatles y los Rolling Stones impulsaron algo conocido hasta el día de hoy como la “invasión Británica”, la primer y única invasión que no trajo mas que alegría para la gente, pero claro, quien sabe un poco de historia entenderá que a los estadounidenses nunca les gusto ser menos que nadie y esto de ver a todo su pueblo cantar melodías ajenas le resulto un tanto inquietante e hiriente. A mediados de los años ’60, muchas bandas amateurs se formaban en los territorios norteamericanos queriendo imitar a sus ídolos, tantos nacionales como ingleses (notese la prescencia del cover “my generation” de los who en el lp), estos poseían un ímpetu increíble, una energía contagiosa pero poca habilidad musical, es por ello que se los apodaría desde entonces como bandas de “garage” debido al lugar en el que muchas de las mismas se juntaban a ensayar. Lo que identifica a este género por sobre otros es la crudeza de sus guitarras, la furia de sus baterías, lo conciso de sus bajos y los alaridos de las voces, algo así como lo que años mas tarde se conocería como punk (incluso muchas bandas que profesaban esta sonoridad fueron catalogadas como abuelos, padres, tíos o algún familiar cercano del mismo). Imagine usted que la cuestión de que por cada 20 personas haya una banda no es cosa de hoy en día nomás, antes también existían agrupaciones al por mayor y uno debía de lucirse si
Los
60’s
Rock and roll / Blues / Jazz Beat / Soul / Folk / Garage rock Rock psicodelico / Rock experimental Proto punk / R&B / etc
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Garage
Cuenta regresiva Count five Psychotic reaction (1966)
En la década del ‘50, tras haber creado el rock and roll Estados unidos se vio estancado en un problema de creatividad, muchas bandas se formaban por los extensos territorios Yankees, pero ninguna con el verdadero poder como para sobresalir, ninguna poseía un estigma diferente a lo que en ese momento trascendía por las emisoras radiales; mucho menos luego de que al iniciar el decenio de los ‘60 lo Beatles y los Rolling Stones impulsaron algo conocido hasta el día de hoy como la “invasión Británica”, la primer y única invasión que no trajo mas que alegría para la gente, pero claro, quien sabe un poco de historia entenderá que a los estadounidenses nunca les gusto ser menos que nadie y esto de ver a todo su pueblo cantar melodías ajenas le resulto un tanto inquietante e hiriente. A mediados de los años ’60, muchas bandas amateurs se formaban en los territorios norteamericanos queriendo imitar a sus ídolos, tantos nacionales como ingleses, estos poseían un ímpetu increíble, una energía contagiosa pero poca habilidad musical, es por ello que se los apodaría desde entonces como bandas de “garage” debido al lugar en el que muchas de las
mismas se juntaban a ensayar. Lo que identifica a este genero por sobre otros es la crudeza de sus guitarras, la furia de sus baterías y los alaridos de las voces, algo así como lo que años mas tarde se conocería como punk (incluso muchas bandas que profesaban esta sonoridad fueron catalogadas como abuelos, padres, tíos o algún familiar cercano del mismo). Imagine usted que la cuestión de que por cada 10 personas haya una banda no es cosa de hoy en día nomás, antes también existían agrupaciones al por mayor y uno debía de lucirse si es que quería llegar a algo. Pues bien, entonces ¿qué tiene de diferente Count five y su “Pshycotic reaction” con respecto a otros gr upos?, seguramente es el cruce entre la crudeza del garage clásico (“Out in he street”), con el encanto del ritmo de rock and roll común (“The World”) y corriente, el encanto de una guitarra que tira mas para el lado psicodélico y esa voz pasiva y popular (“She’s fine”). Count five intentó por todos los medios llegar a la fama, a poder sonar en todo el globo,
pero cuando recién iniciaban todas las puertas de las grandes productoras se les cerraban, pero fue gracias al tema que da nombre al disco (y que cierra la cara A) que lograron conseguir un contrato con “Double shot”, una pequeña compañía discográfica de California que se ofrece a
“Count five no es solo una banda de garage, su sonido es mas amable y pop. Tal vez por cosa como esas lograron, a diferencia de sus contemporaneos perdurar en el tiempo” grabar un single que contenía dicho tema, sumado a “They’re gone get you”. Como este consiguió la fama necesaria, en 1966 el grupo se puso en campaña para largar su disco debut, pero al igual que muchas bandas de garage se disolvieron luego del poco éxito comercial que estos tuvieron, y cada uno se dedico a proseguir con sus estudios universitarios.
Los
60’s
Rock and roll / Blues / Jazz Beat / Soul / Folk / Garage rock Rock psicodelico / Rock experimental Proto punk / R&B / etc
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Experimental
Gente del mañana White noise An electric storm (1969)
Los finales de los sesenta fueron sin lugar a dudas el momento de la vida donde la psicodelia empezó a reinar en el mundo musical, la gente, no necesariamente hippie, empezaba disgustar de las melodías de bandas como the beatles, the doors o jefferson airplane, de repentinos éxitos de radio como “Happy together” de los turtle, “Time of the season” de los zombies o “Incense and peppermind” de Strawberry alarm clock, muchas bandas se creaban tras este sonido con el fin de poder hacerse famosos y sonar en los medios, cosa que siempre pasó, pero así y todo siempre existieron esos tipos arriesgados y originales que decidieron traspasar la frontera de lo que la psicodelia podía dar, pocos se arriesgaron a llegar a mas y experimentar con ella, ¿y si eran pocos los músicos con las agallas, talento y aptitud para ello, cuantos podrían ser sus escuchas?, supongo que pocos, y este es el caso de lo que le paso al extremista y enfermizo disco “An electric storm” de White noise. Cuenta la leyenda que un grupo de personas poco común, de esos que aman la vanguardia y que viven su vida de modo diferente allá por el año 1968, mismo año en que Hendrix sacaba su
ultima palca, velvet undergrund iniciaba la historia del noise rock, los Beatles, aun estando peleados daban forma al disco blanco y los poderosos blue cheer dejaban sonar sus guitarras sangrientas (algo que después se conocería como stoner), se encerró en un estudio durante más de un año para crear y armar cada uno de los detalles del álbum. Es notorio a simple oída que el disco posee un trabajo de post producción impecable y una cantidad ilimitada de capas de sonidos que potencia, el efecto alucinógeno que la banda intentó -o creemos intentó- transmitir. Es una placa tan arriesgada que podríamos decir que “The pipper at the gates of dawn” que Pink Floyd creó con dos años de anticipación es solo una musicalización para niños. El disco tiene un bonito e intrincado paradigma, si sacáramos dichas capaz de voces de fondo y los efectos electrónicos de relleno, nos encontraríamos frente a un álbum que sin lugar a dudas sería un hermoso y digno lp listo para ser escuchado por cualquiera, estos hermosos dementes son de esas bandas que nunca sobran en el movimiento roquero, de esos que pueden dar a luz a una maravillosa melodía pop, encantadora y pregnante pero que prefieren utilizar la filosofía de los hermanos Mael (Sparks) y desmenuzan toda clase de encanto o mejor dicho lo
ocultan entre ruidosos sintetizadores y dementes sonidos, porque siendo sincero las melodías rítmicas de los teclados, y las voces principales son simplemente hermosas, en ese caso white noise escapa a la complejidad experimental de Cromagnon y su “Orgasm” de 1969, pero así mismo, si sacamos eso perderíamos el encanto que los ruidos blancos tiene para ofrecernos, del cual este humilde escritor se enamoró. Ya no tendríamos esa rebeldía, ese morbo que la banda nos brinda, perdería muchas palabras que la musicalización os brinda, como por ejemplo el solo de gemidos en “My games of loving” o los sonidos similares a frenadas de autos en “The visitation”. Inicialmente el disco contaba con solo 5 temas (los primeros 5) pero luego de la grabación decidió agregárseles los últimos dos, los temas más largos del disco y también los más dementes y menos tarareables. Dispuesto entre los extraños discos sucumbidos por las masas como el debut de “Silver apple”, el “The parable of arable land” de Red Krayola o el homónimo “July” entre otros, este álbum es una genial muestra de como algo arriesgado puede captar la atención ultrasensitiva de melómanos empedernidos. Pd. Irónicamente no es recomendable escuchar white noise acompañado con ácidos.
1970 . 1979
Rock progresivo / glam rock / space rock / krautrock / punk / post punk / hard rock/ heavy metal / RIO / funk / new wave / etc /
En este numero
The stooges
los
70’ Caravan
In the land of grey and pink
Warlus Song’s
Los
70’s
Rock progresivo / glam rock space rock / krautrock / punk post punk / hard rock/ heavy metal RIO / funk / new wave / etc
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Proto Punk
(No) fun house The Stooges Fun house (1970)
¿Que función cumplen realmente las portadas de un album?, para iniciar podemos decir que a diferencia de peliculas o libros los discos nos cuentan con una reseña en su parte posterior que introducen al oyente en un ambiente de lo que pueda llegar a oir, sino mas bien este solo cuenta con la ilustracion de su tapa y su contraportada (la cual suele venir acompañada con los nombres de los temas, su duracion y datos de legitimidad, como derechos de autor o codigos de barra entre otros). ¿Pues entonces es la tapa la cual cumple ese rol de paratextualidad que no se ve en resumenes criticos que nos adviertan de que contenido posee el album?, si ese fuese realmente entonces el fruto que debe de sembrar el diseño de una portada debemos de aclarar que no son muchos los discos que pueden describirnos con seriedad y sinceridad lo que el album trama para nosotros, pero “Fun house” de los Stooges si que posee el salvajismo y la energia que el album conlleva. Una superposicion de fotos extremadamente saturadas en colores fuego hacen parecer al vocalista Iggy dentro de una intensa llamarada que
lo aplasta cual ola mientras este se deja sambuyir; Pero no se confunda señor, vea usted la verdad, ese fuego, esa llama, no es nada mas ni nada menos que el mismisimo Iggy. ¿quien mas que el mismo para encender su fuego? y si, en este caso la tapa nos advierte: El contenido del disco es ardiente, explosivo, adrenalinico, una experiencia
“El salvajismo de ‘fun house es sin lugar a dudas el alfa del movimiento punk, no recuerdo haber escuchado otro disco tan incendiario como este hasta entonces” unica e inigualable si ya lo dice el mismo Pop en “dirt”: “...There’s a fire / well, it’s a fire...” (Hay un fuego / bien, este es el fuego) Los stooges, para quien no lo saben, suelen ser llamados y conocidos como los padres (o padrinos) del punk, muchos basan que su música y sus shows estruendosos son en gran parte lo que dio vida a lo que años despues se conoceria como punk. Mas que nada el punk neoyorquino encontró en Iggy a un
Los
70’s
Rock progresivo / glam rock space rock / krautrock / punk post punk / hard rock/ heavy metal RIO / funk / new wave / etc
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Proto Punk
The Stooges Fun house (1970)
mártir legendario. Pero es claro (o mas bien poco claro) que la historia del punk tiene un principio un tanto dudoso, siempre aparece quien afirma una fecha nueva para su nacimiento. Algunos dicen que los Sonics y su debut de 1965(“Here are the sonics”) son ese momento tan sagrado, otros por su parte dicen que los 5 militares vestidos de sacerdotes a los cuales se los suele conocer (o no tanto) como los monks inventaron el genero allá por 1966 con su único disco “Black monk time”; Melomanos enpedernidos encontraron una joya que revela que el nacimiento el punk se haya en
tierra latinoamercianas (algo de lo cual deberiamos sentirnos orgullosos los “sudakas”) con una banda peruana llama Los Saicos. Pero nunca faltaran tampoco quienes afirmen que The who y “My generation” fundaron el género. Y como olvidarse de los obstinados que no escapan a la razón de que hubo un pasado antes de los Ramones y su homónimo debut o de aquel portador de cresta que no escucha otras palabras que no sean las de Rotten en “Never mind the bollock here‘s the sex pistols”. Lejos de advertir verdaderamente cuando y donde se forjo esa fecha del yacimiento del punk desde su debut allá por 1969, de la mano productora de John Cale (ex velvet underground), la enfurecida guitarra de Scott Asheton y la lengua punzante de Iggy Pop (Por esos entonces conocido como Iggy Stooge) los stooges dejan su huella en la historia del género. El homonimo debut de fin de los 60’ dejó en los oidos un cachetazo inesperado y proporciono una visión a futuro de lo que la música y su idiología trancitarían a lo largo de la década, algo así como cuando Lou Reed (ex velvet underground también) sacó la trágica “Berlin” (1973) y nadie entendió su depresivo mensaje y su oscuro contenido, cosa que años despues con la aparición y posterior éxito de Joy division quedó entendido. Pero era claro, en a fines de los 60 y principio de los 70 aun el mundo no estaba listo para el odio, el resentimiento, el descontento, ni la furia punk. Luego del poco éxito de su disco debut la discográfica elektra (la misma que alvergó a gente como “the doors”, “love” o sus contemporaneos “mc5” entre otros) decidió que los stooges debían de tener un productor de segunda mano para su próximo álbum, y fue entonces que Don Gallucci tomó el mando del grupo y ordenó a estos que para grabar este long play simulen estar actuan-
do en vivo como inspiración, y vaya que sirvió, el disco suena tan fuerte como se supone la banda lo hubiera deseado, “Down on the street” y su guitarra así lo ameritan, ¿y los alaridos de Pop? su voz lanza llama como de costumbre. Cuenta la leyenda que Iggy, mientras grababa el disco, iba recorriendo el estudio como si fuese un escenario, corriendo, bailando, gritando, algo que cuando uno escucha el disco puede imaginarlo principalmente en los clasicos “Loose”, “TV eyes”,y “1970” aquellos con mayores destellos punks. Con tan solo 7 temas, este album guarda un fuerte contenido en la ritmica y la lirica, basicamente, la misma linea que ya tenían en su disco anterior. Por lo menos en lo que respecta a la cara A del album,.Los ultimos 3 temas (cara B) dejan un poco a la vista una influencia noise que quiza John Cale apegó a ellos y un saxo anormal que encanta al oyente aparece para no desaparecer hasta el final. Punk suburbano, blues pisoteado, noise en procesion, el segundo álbum de los stooges es el preferido de la mayoria debido a la forma en la que es ejucatado y por lo adelantado al tiempo que aparece, si hasta parece “Dirt” fuera un adelanto de un sucio blues hecho por the birthday party o que “L.A. Blues” saliera de la era No wave de los 80’. Posteriormente la banda grabaría su último album en la década (aunque esta vez con el nombre de Iggy and the stooges) antes de separarse al cual llamaron “Raw power” y que no contaba entre sus filas con la genial guitarra de Ashton. Este se volvió muy conocido por inicial con “Search and destryd” el tema mas épico y memorable de los stooges,que les sirvió para volverse un clásico de los punk y una especie de banda de culto mundial.
Los
70’s
Rock and roll / Blues / Jazz Beat / Soul / Folk / Garage rock Rock psicodelico / Rock experimental Proto punk / R&B / etc
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Canterbury
Tierra de colores Caravan In the land of grey and pink (1971)
Canterbury no solo es la ciudad en donde habita uno de los fantasmas mas reconocidos de la historia, sino que también se trata de una escena musical de finales de los ‘60 e inicio de los ’70 que ha dejado entre ellas a 3 bandas muy grandes e importantes en la historia de la música para que nos entretengamos. Cada una de ellas es muy diversa y tiene una característica principal que lo diferencia de sus pares. Estamos hablando nada mas ni nada menos que de Soft machine, Gong y los hoy presentes Caravan, donde los primeros son una banda mas inclinada hacia lo que el jazz y su improvisación pueden otorgar, Gong es una agrupación de tono más espacial psicodélico, mientras que por su lado, Caravan, muestra una amalgama hermosa entre un bellísimo pop y unas encantadoras sinfonías progresivas. (Obviamente hubo muchas mas bandas de la escena como Arzachel, Hatfield and the north, Matchine Mole o The wilde flowers pero las mismas no llegaron al nivel de las primeras tres.) Es extraño saber que la historia del género y todos sus grupos fueron formados básicamente por los mismos integrantes, las mismas personas que iban ingresando y egresando de los
grupos, es por ello que no es extraño saber que muchos de los mismos formaron parte de mas de una formación, entre ellos se pueden rescatar a quienes fundaron el género: El australiano Daevid Allen quien es mas conocido por formar parte de Gong entre otras, el exitoso Robert Waytt, columna vertebral del primer Soft machine y el local Pye Hasting quien aporta guitarra y voz en Caravan, entre otros (ambos tres estuvieron en The wilde flowers, aunque Allen participó de dicho proyecto cuando aun no tenía ese nombre). La historia de la banda por su parte arranca en 1968 cuando luego de abandonar the wilde flowers Dave Sinclair (teclados), Richard Sinclair (bajo y voz), Pye Hastings (guitarra y voz) y Richard Coughlan (batería) deciden crear este proyecto. El mismo año bajo el sello Verve sacan a la venta su primer y homónimo disco donde ya se empieza a notar la esencia jazz que el Canterbury predica. Luego de 3 años del debut y un disco entre medio (“If I Could Do It All Over Again, I’d Do It All Over You” - 1970) Caravan llega con ánimos para en 1971 iniciar la grabación de lo que hasta el día de la fecha se-
ría su registro conspicuo. Cinco son los tracks que constituyen el long play, la primer cara, compuesta por 4 temas de una esencia pop psicodélica encantadora notoria desde los primeros acordes del encantador tema inicial “Golf girl”, tema que encanta al escucha y lo hace notar que todo lo que vendrá de allí en adelante no será mas que placer musical. Su cara B está compuesta por un único tema llamado “Nine feet underground” que dura unos 22
“Caravan es basicamente, hermoso rock progresivo hecho pop” min y es (talvez) el “peor” del disco, y eso quizá se daba a su larga duración o a que su composición progresiva lo diferencia de su accesible y seductora cara A. Posterior al disco los hermanos Sinclair dejan la banda y con su partida la escencia que Caravan, luego de esto, el resto de la banda recluta nuevos integrantes y su sonido pierde la escencia que supo tener y bajo un manto mas jazzero sacan nuevos discos de gran calibre pero que fueron recibidos friamente por la críticay el público.
Los
70’s
Rock and roll / Blues / Jazz Beat / Soul / Folk / Garage rock Rock psicodelico / Rock experimental Proto punk / R&B / etc
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Blues folk
I’m the Warlus Warlus Song’s (1975-77)
En la actualidad y gracias a los avances de la tecnología es muy simple el hecho de que unos amigos se junten a zapar en una casa y con pocas herramientas (como una computadora, un programa para grabar y un micrófono – cosa que casi todos hoy en día poseen-) puedan grabar un disco (mayormente de baja calidad) para subir a la web y así poder dar rienda suelta a aquel sueño de ser escuchado por miles de personas de todo el mundo, y de tener suerte, llegar a una congregación considerable de gente que le pueda dar sustento a dicho afán; claro, esto se debe a los grandes avances de la tecnología, a la comunicación global que permite el Internet y a la nueva moda de descargas gratuitas que han hecho tan felices a quienes escriben (he incluso han inspirado para la realización de esta revista) y han posibilitado a todos a llegar a donde antes resultaba imposible. Esto es un hecho actual, pero ¿como se consideraría realizar una grabación casera en los años 70’?, cuando el lo fi aun no existía como género establecido y toda agrupación se preocupaba por sonar de la mejor forma (incluso las bandas mas ruidosas y punks tenían dicho cometido).
Bien eso es una respuesta que no les puedo dar, ya que para aquel entonces, quien escribe, aun no existía pero podemos aunque sea suponer una respuesta escuchando esta placa del dúo Francés Warlus que basa su nombre en las comunas francesas y que en este lp dan rienda suelta a su onírico blues psicodélico un tanto abstracto. Richard Maubert (guitarra, bajo, voz y letra) y Pascal Ducourtioux (bateria, teclado, guitarra y coros) acompañados por 3 amigos que participaron en el proyecto (Louis, Pierrot y Thierry) realizan en dos años una placa que va a quedar en la memoria de quien lo oiga por muchos mas años. Y es que su sonido es original, sentimental y llegadero, quizá por la simpatía de sonar mal, tal vez por el hecho de saber que el disco se hizo a todo pulmón o realmente porque son geniales en lo que hacen, eso cada uno lo sabrá, el caso es que este “songs” es un disco diferente, arriesgado y esperanzador, ya que suena como si fuese grabado en el patio de casa por vos y tus amigos. Todo se inicia cuando una guitarra empieza a decir “Listen to the warlus” (no literalmente claro) y de fondo suenan unos extraños pero hermosos ruidos que brindan desde el principio sabores dulces que empapan las papilas auditivas y te hacen pensar “ya está, que buen disco”, bien
a eso hay que sumarle los hermosos blues que el disco tiene mas el esperado y glorioso tema final, “Good night the day”, donde su solo se lleva todas las palmas y ovaciones. Pero eso no es todo, este disco tiene aun mas para decir y entre esos detalles que hacen a un disco mas agradable (o mas molesto). Para lograr terminar Songs se tardaron dos años como mencionamos anteriormente y esto se debe a que las grabaciones se iniciaron en 1975 en una iglesia abandonada y concluyeron en 1977 en una casa de las afueras de parís. Se puede contar también que solo se lanzaron 200 copias del mismo a la calle, en formato vinilo. Incluso, según tengo entendido las mismas fueron regaladas y de alguna misteriosa manera el mismo no se perdió en el tiempo, sino que fue subido a la web gracias a un considerado y oportuno ser y hoy en día no solo llego a los oídos de quienes escriben sino que nosotros ponemos nuestro granito de arena para que esto se convierta en un desierto. Así que si sufrís de aquel mal de no saber que escuchar, de tener ganas de oír algo nuevo y refrescante, con historia y extravagancia, pues entonces estos franceses, su blues, su psicodelia, su folk y porque no su lo fi te dan la receta para curarte de dicho mal.
1980 . 1989
Noise / no wave / synth pop / hip hop / industrial / ambiental / Thrash / doom / black / glam metal / hardcore / rock g贸tico / etc /
En este numero
Joy division
los
70’ The gun club The fire of love
The Wirtschaftswunder
Idem
Los
80’s
Noise / no wave / synth pop hip hop / industrial / ambiental Thrash / doom / black / glam metal hardcore / rock gótico / etc
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Proto Punk
He’s lost control Joy division Closer (1980)
Una exhibición atroz -y cercana- de un hombre completamente aislado, dejando su corazón y su alma, buscando la eternidad en veinticuatro horas, intentando usar los pocos medios que le quedan para conseguir una salida, o algo que le de un poco de paz interna, que lo libere de todos sus males y le de algo, al menos, algo de consuelo en esa abrasiva oscuridad interna que el cree que ya no solo es imposible escaparle, sino que le es una tortura sobrellevarla, como si fuera una enorme bestia sobre su espalda de la que no puede liberarse. Básicamente eso -y mucho más- es Closer, de Joy Division, una evocadora carta de suicidio de su líder, Ian Curtis, quien se vio abrumado por sus fantasmas y contradicciones internas y decidió acabar con su vida a la temprana edad de 24 años, en el pico de su talentosa y arrebatadora juventud. Ya desde los primeros y misteriosos redobles de batería de la canción que abre el disco -Atrocity Exhibition- nos damos cuenta que no nos encontramos ante un disco común, de aquellos que al cabo de un tiempo pasan desapercibidos y terminan olvidados juntando polvo virtual, en
cambio, Closer es un disco que marca un punto de inflexión en todo aquel que lo escuche atentamente, ya que pertenece a esa extraña categoría de las obras atemporales en la que pocos discos pueden pertenecer, una de esas geniales expresiones artísticas a las que se vuelve una y otra vez, como si fuera el eterno retorno nietzscheneano. También pertenece a una aun mas extraña categorización, la de los “discos suicidas”, si, aquellos discos que representaron el canto del cisne de su autor, como los geniales Pink Moon de Nick Drake, In Utero de Nirvana o The Holy Bible de Manic Street Preachers, pero, a diferencia de esos discos, Closer no deja absolutamente ningún atisbo de luz, por mas pequeño que este sea, desde la genial sección rítmica del bajista Peter Hook y el baterista Stephen Morris que por momentos parece imprimirle ritmos casi marciales a las canciones, pasando por las cortantes guitarras y teclados de Bernard Summer, hasta por supuesto la profunda y fría voz de Curtis, que por momentos parece poseída por el espíritu del Jim Morrison mas apocalíptico, si bien también a veces parece apartarse del personaje y suena helado, casi como si cantara las letras de otra persona, en un inútil esfuerzo
Los
80’s
Noise / no wave / synth pop hip hop / industrial / ambiental Thrash / doom / black / glam metal hardcore / rock gótico / etc
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Proto Punk
Joy division Closer (1980)
de anestesiarse emocionalmente para así dejar de sufrir definitivamente, tratando de posponer el inminente y obvio final Muy pocas bandas han logrado hacer lo que logro Joy Division con tan solo dos discos de estudio oficiales (el debut Unknown Pleasures -1979- y el que nos ocupa) y una recopilación de singles (Substance -1988-), que fue, por empezar, cambiar la percepción de toda una generación (y mas también) de bandas sobre lo
“El salvajismo de ‘fun house es sin lugar a dudas el alfa del movimiento punk, no recuerdo haber escuchado otro disco tan incendiario como este hasta entonces” que se podía hacer dentro de la música oscura, llegando a influenciar a grandes bandas y también a miles de clones que jamás aportaron nada nuevo pero que tenían en su ADN el sonido de los de Manchester de forma mucho mas que evidente. Y más allá de eso, discos como este siempre sirvieron, sirven y servirán para que millones de adolescentes (y no tanto) perdidos, marginados y sin muchos objetivos que seguir viendo en esos héroes musicales algo
para no solo hacer simple escapismo, sino para reflexionar y tratar por todos los medios de salir a flote, aunque acá no hay solos de guitarra liberadores ni estribillos gloriosos para corear en un estadio, no hay sobre saltos de ferbor, ni felicidad lirica, al escuchar, nota por nota y letra por letra de Closer, la catarsis es inevitable. Cerrando la idea, si buscas un disco con un sonido post-punk oscuro, denso y opresivo, que continua la tradición iniciada por ilustres luminarias como la Velvet Underground o la trilogía berlinesa de David Bowie [“Low” (1977), “Heroes” (1977) y “Lodger” (1979)] definitivamente, esta es tu obra ideal. Una pequeña curiosidad: El ultimo disco que escucho Ian Curtis antes de ahorcarse en la cocina de su casa fue The Idiot de Iggy Pop, producido en Berlín por David Bowie durante la misma época en la que el británico estaba grabando su mítica trilogía. Tras la muerte del cantante los miembros restantes del grupo acordaron disolverse sin antes sacar esta placa a la calle. Luego de ello formaron New order bajo un sonar mas electrónico, caracteristico de bandas como kraftwerk (cuenta la leyenda que el mismo Ian era fanatico del sonido de los teutones e incluso de rumorea que fue este mismo el que presento estos sonidos fresco y nuevos al resto de la banda, sonidos que en ese disco hacen una lev prescencia.