5artes Nro. 2

5artes

5artes

AÑO I • NUMERO

Expo-artistas 2009

2 • 2009 ARGENTINA $ 5.-

L A R E V I S TA D E A R T E C O N T E M P O R A N E O

FERIA INTERNACIONAL DE ARTE, DEL ARTISTA AL PÚBLICO

25 al 30 de noviembre

NOTAS

AÑO I • NUMERO

2

CRITICAS

www.expo-artistas.com.ar

•

(011) 4658 6976

Expo-artistas. Una visita obligada en Noviembre.

Indice NOTAS Carlos Cañas

por Elba Pérez

Mónica

eatriz Rodríguez

por Adriana Llarín

El Pergamonmuseum • Parte II

por Sara Diciero

Adriana Llarín

por Renée Lagos

$olanda Toteda

por Adriana Llarín

E;po artistas

ARTISTAS Alejandra Corbalan

Una visita obligada en Noviembre

Gloria Tarsia

Alberto > astón@ Díaz

Dremu Castro

por Florencia Battiti

Marta Rodríguez Salimei

Marta Grinner

por Julio Sapollnik

Gonzalo Enrique Vivián

Manzana de las luces y el arte

María Agustina

por Irma Aguado

eatriz Levacov

ainotti

Criatina Cejas

por Julio Sapollnik

María Ester Sanc,ez

C,aco

Alicia Crocitta

El sortilegio del paisaje. por Gustavo Insaurralde

Alicia Rosafioriti

Horacio Cabezuelo

Mónica Tronconi

por Pilar Roldán

Museo del Teatro Romano

Alejandra María oc,

por Pilar Roldán

Arte del mundo

AHay un arte digital

Alicia Pujalte

Annita un ejemplo de vida

Taller de Arte

por Julio Sapollnik

Graciela del Campo

por Mirta Satz

El museo y los baleros

por Rosa Audisio

Obras de arte

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LITERATURA Libros

por Carlos Herrera

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Carlos

CAÑÁS Una larga trayectoria equilibrada entre consecuencia y nuevos planteos es el derrotero que identifica a Carlos Cañás. Creíamos conocerlo bien pero esta familiaridad con su obra y con el hombre de bien que es nos obliga a revisar certezas, a examinar matizando afirmaciones. En suma, a dar de nuevo porque la baraja es la misma pero en cada mano comienza otra chance de juego.

suburbios porteños y a sus afincamientos voluntarios junto a la ribera donde tiene taller y vividurías.

Así hace el artista desde el largo medio siglo en que inició la partida orientada hacia una meta fija aunque el blanco, siempre móvil, sea esquivo. Esta es la premisa del arte. Y Carlos Cañás conoce las reglas del juego, ese duelo entre el orden y la aventura.

Parecen destinos antagónicos pero no lo son. Cañás es un visual, la mirada es su acceso que en su caso no se agota en lo visivo. Su acatamiento al paisaje pampeano y a la estepa patagónica son aproximaciones sensibles pero al tiempo son regusto y aspiración de lo infinito. Ansia más allá de la metáfora de un hombre de sólida fe que en su caso encarna y verifica en las tensiones de formas y colores sobre el soporte, tendido, tensado como la llanura inspiradora que es prenda de argentinidad y metáfora de más altas instancias.

Vital, dinámico, pulsional y reflexivo.

También solicitado por la naturaleza mal que pese a su nacimiento en los

La luz que convocan sus lienzos sostiene el deslumbramiento perceptual pero se funda en aquel

META FIJA, BLANCO MÓVIL

Rastros de las luces ' las som ras. Acrílico, 130 x 97 cm. 2007

rescoldo innominado que está más allá de la pupila. Del mismo modo las virtuales retículas que jerarquizan horizontalmente los planos espaciales remiten a órdenes espirituales, conceptuales, como su remisión a la geometría y al imperio del triángulo que protagonizó -y suele aflorar aún- en las obras que expuso en 1996 en el Museo de Arte Decorativo. En la ocasión Guillermo Whitellow supo discernir con la agudeza poética que es su cuño, el diálogo entre abstracción y naturaleza, el rapto intuitivo y la búsqueda de la norma, el amor al oficio, al hombre y a todo lo humano que subyace y aflora en la obra de Carlos Cañás.

Una vez más revisemos lo que afirmamos saber de él. Volvamos a mirar la superficie de su estampa.

Es casi lugar común hablar de los “empastes” de Cañás. No los hay, basta ver la superficie, la piel de la imagen. Los espesores pigmentarios de su pintura son virtuales, ópticos, inferidos. Nada deben a la abundancia de materia. Y Cañás logra incitar al tacto cuando nos da la efigie, el espectro, el blanco móvil de su meta fija, el infinito.

Rastros de las som ras ' la luz. Acrílico, 100 x 100 cm. 2005

Esta aventura ética está refrendada con honestidad y entrega sin retaceos. Merece que quien la comparta asuma un compromiso afín.

Rastros del movimiento. Acrílico, 100 x 100 cm. 2005 4|5

ALEJANDRA

MI OBRA ES COMO UNA FINA TRAMA DONDE SE ENTRELAZAN FORMAS, TEXTURAS Y COLOR, DE LA MISMA MANERA QUE SE

CAMINA

POR

UN

LABERINTO EN BUSCA DE LA SALIDA

Es una expresionista que transita con idéntico mérito por lo figurativo y la no figuración.

Tanto las naturalezas muertas como la estructura cubista, los desnudos de temperamento “Fauve” o las abstracciones de contenido cósmico, son tratados con pincelada densa e impulso gestual en un perfecto equilibrio de composición.

Pintura vigorosa, ya sea en el estallido de color o en la paleta monocroma preestablecida, en cada uno de sus cuadros la artista se aventura rigurosamente

sobrepasando la temática en sí, convirtiéndola en una mera excusa para desarrollar un magistral ejercicio del lenguaje plástico.

De esta manera establece una comunicación sensorial con el espectador que supera la anécdota, corroborando la apreciación de Delacroix cuando afirmaba: “Cien veces me he dicho que la pintura, esto es la pintura material, no es sino el pretexto, el puente tendido entre el espíritu del pintor y el del público”.

El carácter “Fauve” de sus des-

CORBALAN 1. Descansando.

Acrílico s/tela, 80 x 60 cm.

2. Agua.

Técnica mixta, 30 x 30 cm. 2008 3. Entrada a la casa de Uriburu

1.

2.

3.

nudos, por la manera espontánea y agresiva con que maneja las masas de color, se hace extensiva a sus abstracciones, en las que campea esa voluntad de forma que rige el pensamiento visual. Estamos así ante la percepción de un orden astral que surge en la superficie de la tela y sorprende por su movimiento vertiginoso por esa sensación de energía liberada que, al mismo tiempo, resulta domeñada por la habilidad de la artista.

Con idéntica pericia plástica, María Alejandra Corbalán aban-

Actualmente es solicitada para realizar asesorías relacionadas con la composición y el color, tanto en viviendas como en hoteles.

Dicho motivo le valió participar en el diseño artístico de la “Hacienda Don Justo”, en Colón- Entre Ríos, donde se efectuaron trabajos de estarcidos, pátinas, escenografías e intervenciones personalizadas del espacio en diversos rincones del establecimiento (www.haciendadonjusto.com.ar).

Asimismo, fue solicitada la fundamentación del proyecto artístico del hotel por la Web de Hogar, que procedió a la publicación del artículo en el sitio: www.webdehogar.com/decoracion/08020480.htm

dona el espacio cósmico y se sumerge en el mundo bien enraizado de sus collages que organiza con rigor cubista.

Esta variada gala de enfoques tiene el denominador común de una misma concepción de la pintura.

En todas sus modalidades la autora agrega la interpretación lírica de lo visual -concreto o ensoñado-, el profundo dominio del oficio y la más inapreciable condición de la gracia.

1.

1. "Guarda en recepción del hotel" Trabajo a mano alzada.

2. "Todo al revés" Escenografia en cuarto de chicos.

Hotel Hacienda Don Justo Colón Entre Ríos.

2.

6|7

TARSIA

Mi iniciación comenzó con Margarita Martínez quien me introdujo mágicamente en la importancia de la línea y la distribución de los espacios, como también de la forma, el color y su complemento.

Así aprendí a soltar mis sentimientos, liberada, torturándome con el blanco de la tela y exaltándome con la gracia de la línea y el color.

Al principio la mancha, luego la idea y la forma plasmándose en una manifestación retórica.

En los talleres de Carlos Terribile, Oscar Deza, Carlos Fels y Carlos Cañás logré formarme en técnicas que

me permitieron un desarrollo continuo en evolución, satisfaciendo mis necesidades pictóricas con la estructura de un lenguaje personal.

“

Así aprendí a soltar mis

sentimientos,

“

Gloria

8|9

Mónica Beatriz

RODRÍGUEZ INICIOS, COMIENZOS, ESBOZOS, PREÁMBULOS, PRELUDIOS DE UNA MELODÍA, DE UN HECHO, DE UNA HISTORIA QUE

SE

DESARROLLARÁ

DESDE EL MOMENTO SUPREMO DEL PRINCIPIO Y ES ASÍ QUE CRECERÁ, SE EXPANDIRÁ, TOMARÁ FORMA DE UN TODO O DE PARTE DE ÉL.

Como contrapartida… los ocasos, allí donde encontramos la decadencia, el dejar de ser, el atardecer, ese anuncio de que pronto llegará el fin.

Antagonismos, dos caras de una misma moneda, complementos, pues para que uno exista necesita del otro.

Los inicios con su canto de esperanza, con todo el optimismo del emprendimiento de lo nuevo, algo que recién ha nacido, que pugna por crecer, por darse a la luz.

Los ocasos, en cambio, con la desazón del haber vivido, haber luchado en esa infatigable historia del diario devenir, con su final anunciado y tantas veces presen-

tido o fatalmente esperado.

Mónica Rodríguez, en las series “Inicios” y “Ocasos” nos narra crónicas que se vislumbran recién nacidas y otras que proclaman su fatalidad.

En “Inicios” encontramos colores complementarios que han sido dispuestos de manera equilibrada, creando atmósferas de quietud y también de un dinamismo vertiginoso, echando mano al collage que se sugiere entre las capas de color, ayudando a formar las figuras que el espectador completará con su imaginación.

En cambio, en la serie “Ocasos” juega con una paleta acromática, creando dramatismo con

tonos acentuados, resaltados por las huellas de trazos vigorosos que ha dejado el pincel sobre la tela, y es allí donde se observan grandes silencios despojados, soberbios, potentes silencios que nos cuentan no sólo un desenlace presentido, sino también de lo que es capaz una talentosa artista mostrándonos toda su creatividad sin tapujos,

egoísmos ni miedos, pues de eso se trata el arte, de brindarse en plenitud y a manos llenas.

Es en ese lugar donde no existen los miedos ni las reservas, es el lugar en donde todos debemos sentirnos libres.

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Nota • Segunda parte por Sara Diciero • Artista plástica

el Pergamonmuseum DE ESTAR EN BERLÍN NO SE PUEDE DEJAR DE VISITAR

EL MUSEO DE PÉRGAMO, EN LA ISLA DE LOS MUSEOS, TIENE LAS MEJORES COLECCIONES DE ARTE ISLÁMICO, DEL PASADO Y DEL ANTIGUO MEDIO ORIENTE, DISTRIBUIDAS EN TRES GALERÍAS INDEPENDIENTES.

Situado en el ala sur, el Museo Antiguo del Oriente Próximo fue fundado a fines del siglo XIX y tras varios intentos fue abierto definitivamente al público en 1930; pero al estallar la Segunda Guerra Mundial se cerró para ser reabierto en 1958.

Lo exhibido explora las raíces de nuestra cultura occidental a través de la lupa de las reliquias arqueológicas logrando un resultado espectacular.

Se recogen seis mil años del antiguo Medio Oriente,

Puerta de Ishtar y fachada de la Sala del Trono del Rey Nabucodonosor II, Babilonia (actual Irak), 575 a.C.

Puerta de Ishtar. 1932.

con temas claves volcados en 14 salas que informan sobre realeza, arquitectura, religión, derecho, trabajo, ciencia, vida cotidiana, todo el legado de Babilonia y su historia, dispuestas en orden cronológico y geográfico.

Exhibe más de 800 piezas entre estatuas, ofrendas, relojes, calendarios, horóscopos, piezas arqueológicas, documentos incunables, vasijas, utensilios hogareños, campanas, criptas, bajorrelieves funerarios, estatuillas de seres y animales mitológicos -en bronce, arcilla y piedra-, joyas de Sumeria, Babilonia, Uruk, Persia, Asiria y de otras regiones que hoy abarcan Irak, Irán, Siria y Turquía.

Destacan las maravillosas reconstrucciones de monumentos babilónicos: la Puerta de Ishtar o Istar, la Vía Procesional, y la fachada de la Sala del Trono del rey Nabucodonosor II (604-562 a.C.).

La espléndida Puerta de Ishtar fue construida por el rey Nabucodonosor II en 575 a.C. Formaba parte de la muralla interior noroeste que daba acceso a Babilonia a través de un intrincado sistema defensivo. Tenía ocho puertas y una de ellas, la más famosa, es la conservada en este museo.

Estructuralmente, tal puerta consistía en dos gruesos cuerpos paralelos de alturas diferentes con dos torres cada una. Medían 14 y 18 metros respectivamente y 10 metros de ancho, lo que la hacía más espectacular aún de lo que ya era por sus colores y su decoración. Los ladrillos vidriados fueron utilizados con exquisita sobriedad, pero a la vez con evidente fastuosidad. Resaltaba mucho respecto de los demás edificios pues la mayoría de los ladrillos estaban coloreados de azul con polvo de lapislázuli, alternados con otros dorados o rojos que representaban leones, dragones, toros y grifos formando ordenadas composiciones enmarcadas en algunos lugares por bandas y motivos ornamentales de gran simplicidad geo-

métrica e indudable efecto cromático.

Los grifos, seres mitológicos con cabeza de serpiente, cuerpo de león y garras de águila eran animales sagrados alusivos al dios Marduk.

Originalmente esta pórtico estaba custodiada por dos esfinges, hoy desaparecidas. El techo y las puertas en sí eran de cedro.

Friso de los arqueros reales persas, del período aqueménida (405-359 a.c.)

12 | 13

La Vía Procesional

Estaba dedicada a Ishtar, diosa de la fertilidad y del amor pero también de la guerra, fuente de todas las fuerzas generativas de la Tierra, que daba a la puerta un carácter de intimidación a los enemigos que osaran atravesarla.

En el museo se alternan piezas originales de la muralla y la puerta, con réplicas perfectas de las piezas que no se conservaron.

Los restos de la original fueron descubiertos en Irak (Babilonia) durante las campañas arqueológicas alemanas de 1902 a 1914; la mayoría se trasladaron a Berlín, reconstruyéndose en el Museo de Pérgamo.

Lo increíble fue que desde Babilonia se mandaron toneladas de tierra con pequeños fragmentos de cerámica y se tuvo que realizar un minucioso y laborioso trabajo para reconstruirlas. ¡Secciones de edificios se recrearon en dimensiones originales!

La Puerta de Ishtar, la más bella de cuantas tuvo Babilonia, daba comienzo a una majestuosa vía sacra, “la Vía Procesional”. Era la entrada principal a las calles y templos interiores de la ciudad, atravesaba un puente de piedra sobre el río Éufrates y finalizaba en el gran complejo religioso del dios Marduck donde tenían lugar las celebraciones de año nuevo. Pertrechada la Vía de más murallas y custodiada por 120 leones de adobe representados en todo su recorrido, estaba decorada con el mismo tipo de ladrillos de la Puerta.

Aquí se recrea la “Vía Procesional”, pero más angosta que la original.

El templo de Marduk se hallaba al lado de un grandioso patio donde se alzaba el Zigurat de 91 metros, conocido más tarde como la famosa "Torre

Maqueta de la Puerta de Ishtar

de Babel", de la que hoy no queda rastro alguno.

En el museo se incluye una réplica de dicha torre y una copia de la famosa tabla con las leyes de rey Hammurabi, uno de los primeros intentos legislativos del ser humano (1750 a.C.).

Además, junto a la Puerta de Ishtar podemos admirar la fachada de la Sala del Trono del rey Nabucodonosor II, la cual data del siglo VII-VI a.C. Otras notables obras de la arquitectura monumental de la antigüedad en el Medio Oriente incluyen las secciones reconstruidas de dos frentes de un templo de la ciudad de Uruk (siglo II a.C.), una decorada con incrustaciones de arcilla coloreada, y la otra caracterizada por estupendos relieves de ladrillo. Los hallazgos de Uruk ponen en evidencia el uso temprano de la escritura cuneiforme por todo el Medio Oriente así como del arte y la cultura sumeria (siglo IV.a.C.).

Confieso haber recorrido el museo, impresionada y fascinada por esas maravillas de tal magnitud que sin duda recomiendo.

Dremu

CASTRO info@dremucastro.com

1.

2.

1. Tecnotronia. Objeto realizado en vidrio, metales y soldadura. 2006. Fotografía: Norma Stein 2. Génesis. Objeto realizado en vidrio, metalesmica y pigmentos ensamblado en madera. 2007. Fotografía: Norma Stein

DESDE EL RINCÓN OESTE DE LAS ALMAS “… Lo que la imaginación artística crea es el hallazgo de una nueva forma para un viejo contenido”.

Rudolph Arnheim

Delineando su impronta en el universo del arte, Dremu Castro vive buceando más allá del inconsciente colectivo.

Bajo la guía tutelar de su maestra Claudia Fernández Farjat va pergeñando ideas, atando esbozos, recorriendo huellas que llevan al autor y al espectador a develar un mundo que encierra cierto halo mágico.

Es que los materiales se prestan para el lúdico iluso-

rio: vidrios, metales, pigmentos, maderas, todo se va ensamblando una y otra vez hasta concluir la obra, entremezclando espacios y transparencias con aliatoria calidez.

En esta oportunidad, el novel artista integrante del “Grupo Ayacucho” acerca un ápice de su reciente obra.

Su currícula, donde figura el paso por otras disciplinas, lauros y exposiciones, se completa con cursos y seminarios en el taller que dirige Fernández Farjat en San Antonio de Padua, entre ellos: Técnicas del vidrio, Dibujo, Estudios visuales sobre objetos, Técnicas de ensamble y Soldadura.

14 | 15

Marta

GRINNER

“

Siempre las palabras me resultaron pequeñas para describir los sentimientos.

2. Serie entre nosotros Acrílico s/lona 3. Serie entre nosotros Acrílico s/lona

“

1. Serie fogatas Acrílico s/lona

Será que mi forma natural de comunicarme es la expresión gráfica y tal vez al encontrarme tan cómoda en ella no cultivé suficientemente el arte verbal o quizás, cada una en su manera imperfecta, me completa de distinta forma.

Sin duda lo que me representa es la pintura y eso es lo que siento. De hecho, en este último tiempo decidí abocarme al estudio plástico de temas que siempre me han interesado.

Durante 2006 y 2007 traté de pintar Fogatas, como se denomina la serie, porque siempre me han seducido por sus colores, por su eterna originalidad, su constante movimiento, el misterio que se despren-

de entre el humo y cómo la realidad es modificada caprichosamente.

Esta serie abstracta me hizo sentir libre.

En los dos años siguientes reelabore ese bagaje abstracto en conjunto de personas representadas intencionalmente por sus cabezas, lo que pasó a ser “Entre nosotros”, serie que intenta reflexionar sobre el hombre como ser social.

Difícil es ser uno mismo cuando la vida permanente nos pone junto a otros. Donde la identidad no quiere decir “estar solo”, quiere decir “ser yo", y cada vivencia compartida genera lazos, vínculo dinámico que crece y desaparece más allá de nuestras voluntades.

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Nota por Renée Lagos

Adriana Llarín “LA MATERIA, EL COLOR Y LA LUJURIA

“

En tu búsqueda.

Acrílico s/tela, 100 x 120 cm. 2009

El universo simbólico en la representación plástica ha estado presente desde el principio de la creación. La capacidad de abstracción del pensamiento artístico siempre reveló un proceso de síntesis y sublimación de conceptos que traducen significados trascendentes en el desarrollo pictórico de un artista.

En ocasiones los contenidos detrás de estos signos resultan comprensi-

bles, en cambio, en otros desconocemos las verdaderas razones que motivaron al autor.

Adriana Llarín reconoce y acciona ante la complejidad de acceder a la comprensión de los símbolos en ese universo abstracto y aquí radica su fuerza expresiva. Una de las características que atrae de la pintura de esta artista es el intenso despliegue de materia y color que lleva al lienzo,

1. Haz de mi.

Acrílico s/tela, 100 x 80 cm. 2007 2. Encrucijada.

Acrílico s/tela, 120 x 100 cm. 2008 3. Misterio. (díptico) Acrílico s/tela, 80 x 80 cm. 2009

con maniobras gestuales que delatan la intensidad anímica de Llarín.

Cabe señalar que en algunos casos subyace lo que podemos denominar “razonamiento visual”, una forma de entender el mundo que va más allá de las palabras y la lógica del pensamiento, dado que está ensamblada a una acción visceral y lujuriosa, en directa conexión con la intensidad del tinte y la pincelada.

El tratamiento del color en su obra requiere un capítulo aparte. Se puede desplazar con comodidad a lo largo de toda la gama cromática con la misma eficacia y versatilidad, efectuando realces, alto contrastes y veladuras, técnica que domina y que la convierten en una excelente colorista. La obra adquiere potencia expresiva a través de distintos matices que son volcados con sensualidad y en ocasiones en un ritual salvaje y erótico.

En las obras “Cósmico Solar” y “Derribando barreras” el dispositivo lúdico se halla presente, en él despliega un ejercicio plástico que sin duda es una de sus realizaciones más efectivas, en el cual ensaya un colorido montaraz y lujurioso que la caracteriza desde sus comienzos, lo ejecuta con una paleta de cálidos brillantes en perfecto equilibrio compositivo.

En composiciones como “Encrucijada” y “Haz de mi” se halla una marcada gestualidad en la pincelada, imprimiéndole a sus pinturas un ritmo suelto y un viso luminoso en la gama elegida.

Las tonalidades compuestas por azules profundos dominan la siguiente serie, en ella podemos distinguir obras como “Misterio”, “Pasional” y “Rutas solares”. La subjetividad en relación con los sentimientos íntimos

1.

y profundos, son devanados por la artista que indaga en lo insondable de la fibra humana.

Llarín ha conseguido desarrollar una carrera como pintora que se distingue por estar en constante ebullición y dinamismo.

Cada etapa en su representación es un reto, cada minuto de su vida y su obra renuncian al estatismo y luchan por obtener un impulso vital de renovación continua,

2.

latente y excitante.

Este es el universo plástico que acude al espectador a partir de la singular obra de la artista. Evidenciando una asidua búsqueda que Llarín ha emprendido como creadora, una manera personal de representar y representarse en el vertiginoso mundo de hoy.

3.

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1.

GONZALO ENRIQUE

Viviรกn contacto: (03 4 ) 494 88 - Cel. (03 1) 1

322 431 - gonzalovivian hotmail.com

2.

1. Como ella baila.

2. Cuartito azul.

3. Fondo amarillo.

4. sin título.

Caro amigo Gonzalo Vivián, guardo en mi memoria una noche en una casa con piso en desnivel, teclado, guitarras, amigos, zambas y anécdotas llenas de risas y lágrimas.

En esa tu casa, estaba Córdoba intacta, la misma que yo había dejado 30 años atrás, y me basta con esta sola referencia para que tengas por sincera y emocionada mi gratitud al terruño que nos hizo coprovincianos. Meter a Córdoba entera en una casa es hechicería a la que sólo se atreven esas otras noches que esconden a la luna dentro de un aljibe.

Claro que para lograrlo se necesita un Merlín que se llame Gonzalo, que además de escribir, pintar y sentir su provincia, haga de la amistad un verdadero culto y la prolongue en el tiempo.

3.

Juan Carlos Mesa Actor - Guionista - Humorista - Poeta

El “Tango Vivián”, un pas de deux, ese momento dramático y lírico de amor y muerte, y de la muerte de amor. En sus obras, seres de cuerpos rudos se rozan deliciosamente en el dos por cuatro. Azules y amarillos se abrazan en un compás. Las parejas se entremezclan, se enlazan, danzan en la pista o entre el cielo y la tierra: en el “Azul Vivián”.

Y la soledad, y el horror, y siempre los ojos. Sí. Pero el tango aparece como una caricia entre seres que son un bandoneón, un piano o un violín.

“Violín Vivián”. Alma de violín. Tal vez porque según Kandinsky, el artista es como un violín en manos del experto: el menor toque de arco lo hace vibrar.

Y así, aun entre los grises -cuando hay grises en esos cuadros- la vida se abre como un mosaico y muestra todos los rasgos donde la esencia del hombre se condensa.

4.

Cristina Castello Poeta – Periodista 20 | 21

Maria Agustina

BAINOTTI PINTORA Y ESCULTORA ARGENTINA, PROFESORA DE PIANO Y DOCENTE. NACIDA EN LA LOCALIDAD CORDOBESA DE GENERAL DEHEZA Y RADICADA EN VILLA MARÍA, ESTUDIÓ DIBUJO Y PINTURA EN BELLAS ARTES Y ESCULTURA CON EL ARTISTA MARIO ROSSO EN CÓRDOBA CAPITAL, ACTUALMENTE ASISTE A LAS CÁTEDRAS DE RESTAURACIÓN

DE

OBRAS

DE

ARTE

“GRECO”, DEL PROFESOR ALEJANDRO CARADUJE, EN LA CIUDAD AUTÓNOMA DE BUENOS AIRES. Participó en eventos y libros como Galería Edea, de Minina Fernández; y Ediciones Institucionales, de Marcelo Rivarola.

En Buenos Aires, intervino en muestras en San Telmo, Puerto Madero y Recoleta, entre otros lugares; como asimismo en Marbella, España; totalizando 41 exposiciones individuales y 87 colectivas.

También, en la Feria de Arte Clásica, en cuatro oportunidades; al igual que en el concurso de pintura contemporánea "Legnano Arte” y en la Bienale Internazionale de Florencia, ambas en Italia.

Participó en Arte Clásica Montreal, Canadá; en la Feria de Arte de Puerto Rico; en Artexpo de Nueva York.

Obtuvo varios e importantes premios, en su currícula figuran -entre otros-, en 1999 por la escultura “Sofía, la mujer del turbante”; en 2004, Especial del jurado, “El abanico en el arte”, salón Edea; y

“Nosotras” por su desempeño en el campo de las Artes Plásticas; y el tercer puesto en “Arte en Abasto”.

Su fructífera carrera no se detiene, como no se detiene la vida, y ella… la artista, vive buscando formas en la naturaleza, en la vida misma, que plasma en las telas con singular personalidad.

contacto: mabainotti hotmail.com O www.mabainotti.com.ar

22 | 23

Cristina

CEJAS ccejas@netprom.net • www.cristinacejas.com.ar

Artista plástica argentina, nacida en Buenos Aires, se formó en los talleres de los maestros Ana Tarsia, Ernesto Pesce (Sociedad Amigos del Museo de Bellas Artes) y desde hace varios años con el profesor Carlos Cañás.

Ha participado en diversas muestras colectivas e individuales: Galería del Socorro -Luces y Sombras-, Galería Theo, Edea, Amia y el Museo Metropolitano; salones como el Centro Cultural Borges; y en museos del interior, entre otros la Sociedad Rural de Rafaela (Santa Fe), la Casa de la Cultura de Villa La Angostura (Neuquén) y el Museo Municipal de Arte de Puerto Madryn (Chubut).

En el exterior, con el propósito de completar su formación, realizó un curso de arte en Florencia (Italia) haciendo un recorrido por la historia de los maestros del Renacimiento, sus obras pictóricas, el mundo de la escultura y la arquitectura.

De Monserrat a San Telmo NB . Óleo, 70 x 90 cm. 2009

A través de sus trabajos, Cristina Cejas trata de transmitir un clima intimista, pasando de lo surreal a los planos y de éstos a la representación de imágenes tomadas de la realidad.

En su nueva serie “De Monserrat a San Telmo”, de la cual aquí se reproducen varias obras, se aprecian arquitecturas y construcciones fragmentadas que recrean lugares de tránsito cotidiano en imágenes trasladadas a la tela, a través del artificio de la composición y los tonos.

Como una vez expresara Raúl Vera Ocampo: EL TRATAMIENTO DE CRISTINA CEJAS ES SUELTO, LA ARMONÍA DEL COLOR NO PIERDE SU INTERÉS VISUAL Y ADQUIERE CIERTO VIGOR CONSTRUCTIVO EN UNA INTENCIONALIDAD FORMAL…

De Monserrat a San Telmo NB

. Óleo, 90 x 70 cm. 2009

De Monserrat a San Telmo NB

. Óleo, 73 x 96 cm. 2009

De Monserrat a San Telmo NB . Ă“leo, 100 x 70 cm. 2009

24 | 25

Yolanda TOTEDA

“

Desatar, soltar amarras, desplegar las velas de la creación en una charla entre sentimientos y colores…

“

Desatando

SUEÑOS

La autora nos abrió las puertas de su casa-taller y de sus vivencias, mostrándonos la riqueza de la que es poseedora que hacen de ella una pintora con una impronta que denota una personalidad visceral, comprometida y de una libertad insoslayable provocando en el espectador las ansias de volar entre las alas de los sueños del artista. ¿COMO COMIENZA TU RELACION CON EL ARTE?

La relación con el arte comienza desde mi más temprana edad.

Desde muy niña lo he sentido como una puerta que se abría para ir a jugar. ¿Y HOY, CÓMO ES ESE VÍNCULO?

Le agradezco a Dios por haber-

me dado la posibilidad de expresarme a través de la pintura, ya que siempre ha sido la columna vertebral de mi vida, mi refugio, y el eje desde el cual he podido canalizar mis emociones y mis sentimientos más genuinos. Es que con el arte soy libre. ¿CUÁL DE TODOS TUS MAESTROS SENTÍS COMO REFERENTE?

He tenido la suerte de contar con muy buenos profesores, pero si debo nombrar a uno ese es el maestro Carlos Cañás, con el cual finalizo mi formación artística.

Es mi referente, ya que valorizo en él la generosidad que posee para transmitir sus conocimientos, respetando la esencia de cada persona que llega a su taller, y por sobre todas las

cosas la sensibilidad con que se brinda en cada momento de la vida de sus alumnos. ¿QUÉ PODÉS CONTAR ACERCA DE TU OBRA Y EN ESPECIAL DE LA SERIE “DESATANDO SUELOS”?

Mi producción artística ha transitado por diferentes temáticas, entre ellas autorretratos, tango y gallos, que forman parte del quehacer porteño. En todas siempre comienzo desde la mancha, vale decir con la abstracción, para luego dejar fluir a la figuración.

Actualmente tomo la abstracción como protagonista dando lugar a la serie “Desatando sueños” que me sitúa en un camino de emociones, expectativas y libertades diferentes

donde -nuevamente- lo lúdico me remite a la infancia en donde el arte era la puerta para ir a jugar.

¿QUÉ ESPERÁS DEL FUTURO?

Simplemente no apartarme de este camino hasta el último día de mi vida.

yolandatoteda@hotmail.com www.yolandatoteda.com.ar

Yolanda Toteda Nació en Buenos Aires.

Hizo la licenciatura en Artes Visuales en el Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA). Es profesora superior en Pintura y Grabado, y exhibió en museos, centros de arte y galerías del país.

Asimismo, de 1999 a la fecha expuso en el exterior en Dornbirn, Austria; Schaan, Principado de Mónaco; Montreal, Canadá; Dublín, Irlanda; Cusco, Perú; San Juan de Puerto Rico, Puerto Rico; Manhattan, Nueva York, Estados Unidos; Firenze, Roma, Italia; Uruguay y Cuba.

Su obra ha sido difundida en libros y publicaciones especializadas. Encontrándose varias de ellas en colecciones privadas en Argentina, Londres, Suiza, Nueva York, Turquía, Italia, México y Francia.

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EVENTOS

xpo artistas UNA VISITA OBLI ADA EN NOVIEMBRE

Una vez más el mundo sensible del color y la armonía vuelve a corporizarse en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Del 25 al 30 de noviembre se llevará a cabo Expo-artistas 2009, en el Centro Cultural Borges -Viamonte 525, esquina San Martín-, con entrada libre y gratuita.

Posicionada como una feria de arte de nivel internacional y la de mayor crecimiento en los últimos años, es visita obligada en el calendario de la plástica ciudadana.

En su quinta edición y con la participación de 200 artistas,

Expo-artistas ocupará la totalidad del Centro Cultural -alrededor de 3.000 m2- donde se podrán apreciar obras de Carlos Cañás, Bastón Díaz, Julia Farjat, Zulema Petruschansky, Carlos Carmona, Sara Diciero y Mario Restaino entre otros.

Asimismo, como práctica usual de la exposición, los artistas comercializarán su obra en forma directa representando una disminución en el costo, de esta forma el comprador evita abonar comisiones.

Formas, espacio, madera, tin-

tes, cadencia, metal, fulgores, vidrio… todo un universo de texturas que podrá recorrerse durante seis días y conocer más de cada autor y su impronta.

Calendario O Inauguración, 2 de noviembre, a las 19.

O Muestra, del 2 al 30 de noviembre, de 13 a 21. www.expoartistas.com.ar 4 11 4 8 9

Once more, the sensitive world of color and harmony is materialized in the City of Buenos Aires.

From November 2 th to 30th, 2009, “Expo-Artistas 2009” will take place at “Centro Cultural Borges” (Viamonte 2 , on the corner where Viamonte and San Martín meet), with free admission.

As an international art exhibition and the most significant one in recent years, it is a must-see on the schedule of Buenos Aires.

With 200 artists participating in it, this fifth edition of “Expo-Artistas 2009” will occupy the entire buil-

ding of “Centro Cultural Borges” (3,000 m2 approximately), where works from Carlos Cañas, Bastón Díaz, Julia Farjat, Carlos Carmona, 1ulema Petruschansky, Sara Diciero and Mario Restaino, among others, can be seen.

Moreover, as a usual practice, artists will sell their works directly, which reduces their prices and prevents purchasers from paying commissions.

Shapes, space, wood, tints, cadence, metal, brilliance, glass … people can visit such a universe of textures for days and

learn more about t artists and their imprints.

Sc edule O Opening: November 2 , 2009 at p.m.

O Art exhibition: from November 2 th to 30th, 2009 from 1 p.m. to 9 p.m. www.expoartistas.com.ar 4 11 4 8 9

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Nota por Florencia Battiti

Alberto

BASTÓN DÍAZ

“

“

EL BARCO

marca identitaria como

En las piezas construidas por Alberto “Bastón” Díaz no caben dudas que son producto de la habilidad y la sensibilidad humana.

No obstante, de sus trabajos emana una intensa dosis de indefinición que le confiere al espectador el espacio necesario para completar, a modo de co-creador, la producción de sentido de la obra de arte.

Su realización se inscribe en la tradición constructiva de la escultura contemporánea, aquella que proyecta, mide, calcula y ensaya para luego cimentar, montar y ensamblar.

Su formación como técnico orfebre le confiere suma destreza en el manejo de materiales de difícil manipulación, como el hierro y el acero.

Consciente de la dimensión espacio temporal de la escultura -en especial la de carácter monumental- como también del modo en que una obra puede vitalizar el espacio, Bastón afirma que “existen conceptos que son aprensibles únicamente mediante el recorrido del espacio.

La escala monumental de sus piezas no es, sin embargo, sinónimo de monumento.

Concebidas para desplegarse principalmente al aire libre, sus obras no sólo no requieren pedestal sino que la misma presencia de un basamento entorpecería su fruición.

Dispuestas en un sitio específico, las esculturas afirman la percepción material del espacio, del mismo modo que el tiempo parece hacerse tangible al ritmo de las agujas de un reloj.

contacto: bastondiaz@yahoo.com.ar

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Nota por Julio Sapollnik

Las últimas obras de Marta Rodríguez Salimei muestran la madurez alcanzada en el desarrollo de la imagen.

MARTA RODRÍGUEZ SALIMEI QUE LA PINTURA PERMITA TRASPASAR EL HORIZONTE ES AMPLIAR EL SENTIDO DE LA VIDA. mrsalimei@yahoo.com.ar • www.mrsalimei.com

Sin partir de referencias al mundo exterior, las telas ingresan en una creación particular que estimula y promueve la percepción retiniana del observador.

La imagen surge por la actitud de no mentirse ante la tela, buscando con la misma intensidad una verdad plástica en toda la superficie.

Ningún sector del cuadro se silencia, por el contrario, hay una niebla, otra atmósfera que sobrevuela y obliga a permanecer sobre la obra, desentrañándola.

La pintura invita a intuir lo que hay detrás, lo

1.

que se oculta, pero la artista dificulta la visión y su posibilidad de distinguirlo, gracias a la gran variedad de texturas y transparencias tonales que presenta.

Esta capacidad de fundir las tonalidades genera suaves pasajes ópticos que se distribuyen en la composición.

Marta Rodríguez Salimei emplea como estructura compositiva la línea apaisada que le permite dividir el plano en dos instancias de resolución.

La aplica siempre esfumada, suavizando sus bordes, como si fuera una cuerda tensada en la que acaban de tocar.

La línea apaisada genera dos espacios amplios y un horizonte.

Aproximar el horizonte al contemplador permite reconsiderar su significado, intuyendo y vislumbrando con imaginación, más allá de la mera unión del cielo y de la tierra.

Que la pintura permita traspasar el horizonte es ampliar el sentido de la vida

3.

1. Onda encantada Oleo s/tela 80 x 120 cm. 2008 2. Circulando por la vida Oleo s/tela 120 x 80 cm. 2009 3. Esmerate por mí Oleo s/tela 80 x 100 cm. 2009

Julio Sapollnik Lic. Historia de las Artes

2.

4. Un nuevo comienzo Oleo s/tela 120 x 80 cm. 2009

4.

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DESDE NIÑA, MÁEZ -COMO MARÍA ESTHER SÁNCHEZ GUSTA LLAMARSE-

SE SINTIÓ ATRAÍDA POR LOS DISTINTOS SENDEROS DEL ARTE. La Encrucijada. Óleo 80 x 90 cm. 2008

María Esther

SÁNCHEZ Ya a los ocho años pretendía rimar palabras para componer muy elementales poesías.

Un poco más adelante trataba de copiar dibujos de los libros de su padre, figuras de Da Vinci que -con mucho respeto y admiración- delineaba cada detalle que descubría.

Con el tiempo comenzó a trabajar con óleo en diversos talleres, hasta que finalmente con el conspicuo maestro Carlos Cañás recaló en el acrílico y en una búsqueda constante de construcciones plásticas con distintas texturas, trabajando desde el más intenso y vibrante colorido hasta lo muy sutil del blanco sobre el blanco.

Hoy, con un bagaje de experiencias y motivaciones muestra al público su arte, ese que desde la tierna infancia comenzó a modelar.

contacto: maez277@gmail.com Generación IV. Técnica mixta 80 x 60 cm. 2007

Generación V. Acrílico 60 x 70 cm. 2007

LA PINTURA DE MARÍA ESTHER SÁNCHEZ ATRAE NUESTRA ATENCIÓN POR LA LIBERTAD QUE CONLLEVA EL PROCESO DE REALIZACIÓN.

Las sucesivas imágenes que genera ponen en evidencia la presencia de un gesto, de una acción resuelta tanto por trazos ondulados y continuos como en “Generación IV”, o en una sucesión de pinceladas cortas como en “Jardín y Cristales”.

La figura final es el producto de una descarga automática que dejó testimonio del desarrollo inquieto y nervioso que tiene la creación. Esta manera de trabajar marca una elección significativa para su estética, ya que el único soporte para el nacimiento de la imagen es su compromiso con la espontaneidad y el acto de pintar.

La obra de Sánchez acompaña el devenir de la vida y su inmediatez, resolviendo al mismo tiempo los problemas que se presentan tanto en la elaboración como en la necesidad de comunicación de la obra.

El recorrido contorneante, la sucesión rítmica de aplicaJardín y Cristales. Acrílico 80 x 80 cm. 2007

ción del color, la alternancia entre zonas de silencio y otras de tensión, muestran a una artista más interesada en el proceso de investigación que en el encuentro de un canon de belleza y proporción.

Julio Sapollnik Lic. Historia de las Artes

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Alicia

CROCITTA

“

“

La autora disfruta construyendo su propia esencia pictórica porque en todas sus telas sabe infundir la inconfundible gama de sus líneas y colores en los que siempre manda la fuerza, la expresión y el buen gusto.

Ligamentos, Serie III. Acrílico 70 x 80 cm. 2009

Ligamentos, Serie IV. Acrílico 70 x 80 cm. 2009

Nunca hay colores sobrantes, nunca hay confusión porque sus obras son inconfundibles.

La pasión, la sensibilidad y sus sentimientos guían los pinceles. Sus pinturas son como una poesía que trasmiten alegría, paz y tranquilidad.

Una pintora que no busca un tema sino que frente a la tela le fluye esa cuerda fina y sutil que, ignorando las palabras, busca el equilibrio y la armonía, fiándose sobre todo de su mirada.

Sus obras fueron expuestas en diversos salones, entre los que se destaca la Cámara de Diputados de la Nación, los museos de Bellas Artes de La Plata y de Luján; el Museo de Arte Contemporáneo, Cusco- Perú, Expo-artistas y el Centro Cultural Borges.

Al respecto, Fermín Febre destacó: "Alicia Crocitta utiliza técnicas pictóricas combinadas en su serie Pájaros en libertad. Su impronta gestual tiende a la abstracción, con una paleta cargada de dinamismo y una energía expresiva sustentada por un sentido plástico de la composición”.

contacto: info@darcostango.com

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Nota por Irma Aguado. Museóloga - Curadora.

MANZANA DE LAS

LUCES

y

el ARTE

Casa de Cultura por excelencia La Manzana de las Luces donde transcurrió gran parte de la historia argentina y de Buenos Aires en particular, también fue principio del “arte en la ciudad del puerto”, uno de los pocos lugares donde se escribió y se escriben los anales desde el siglo XVII hasta nuestros días.

Sala de representantes

Al respecto, el historiador Guillermo Furlong en acertada y sintética definición señaló: “La Manzana de las Luces es el centro del saber en todos los órdenes y cuna de toda iniciativa cultural”, y Ricardo Rojas la llamó “Casa de la Historia”.

Es la luz del conocimiento la que sella el nombre del lugar, más allá que fuera la primera manzana iluminada con grasa de potro por el virrey Vértiz.

En la zona se encuentran la Iglesia de San Ignacio -Monumento Histórico Nacional desde 1942-, en puro barroco europeo, y el Colegio Grande de San Ignacio, en honor al fundador de la orden religiosa-militar.

Al mismo tiempo, con artistas constructivos europeos, en espe-

cial los sacerdotes italianos, se proyectaron los túneles que unían los claustros y los centros del poder, como correspondía al siglo XVIII en que el Estado y el clero ejercían la autoridad conjuntamente en Europa y América.

Cabe recordar que la prestigiosa institución -dependiente de la Universidad de Buenos Aires- es semillero de profesionales y cuatro premios Nobel: Saavedra Lamas, Houssay, Leloir y Milstein.

En 1829, invitado por Bernardino

Cabe recordar que el templo de San Ignacio es el más antiguo de la ciudad, levantado por primera vez en 1675 por los Jesuitas en adobe y conchilla, y en 1734 en adobe y ladrillos.

En el Colegio Grande -actual Colegio Nacional de Buenos Aires, en 1826 se creó la Primera Cátedra de Dibujo de la que egresaron Carlos Morel, extraordinario colorista que actuó en el tiempo federal, y Fernando García del Molino, pintor de corte de Juan Manuel de Rosas, los dos primeros autores de la Escuela Argentina.

Tuneles

Rivadavia, José Mauroner realizó en el lugar la Primera Exposición Plástica de Buenos Aires con obras de las escuelas italiana, española, flamenca, francesa, entre otras, marcando un punto de partida en la actividad plástica nacional.

Hoy podemos afirmar que la semilla derramada por Rivadavia, conti-

nificativas colecciones. Una de ellas de acuarelas con temas arquitectónicos de edificios históricos donada por la artista plástica Lola Frexas, que están en exhibición permanente en la sala Maza; otra legada por 17 reconocidos creadores contemporáneos está en exhibición con restricciones.

nuada por Sarmiento y sostenida por San Martín sobre la importancia del “arte en la cultura de los pueblos”, ha prendido.

Con la creación en 1971 de la Comisión Nacional de la Manzana de las Luces se marcó el principio de otro período histórico, comenzando así una nueva etapa que tiene por objetivo restaurar edificios patrimoniales, realizar investigaciones pertinentes, difundirlas y promover la actividad cultural.

Asimismo, cuenta con una colección de 1.000 obras de pinturas, grabados, dibujos, técnicas mixtas, acuarelas, fotografías en sus más diversas formas, esculturas y demás representaciones plásticas donadas por sus autores que espera ser puesta en breve en valor museológico.

Para finalizar, desde el ‘76 en el lugar se lleva a cabo una programación destinada a descubrir el arte de plásticos consagrados y noveles, con apertura a las provincias, el exterior y la mismísima Ciudad de Buenos Aires.

Manzana de las luces, 1914.

Iglesia San Ignacio

En la actualidad la afamada Manzana de las Luces alberga sig-

Colegio Nacional Buenos Aires 38 | 39

¿QUIÉN SOY? Nací en Ramos Mejía y paralelamente me crié en un pueblito de las sierras cordobesas llamado Villa Rumipal, que favoreció al estado contemplativo con la naturaleza.

a la pintura. Comienza entonces el peregrinaje por diversos talleres.

Primero mis contactos con el maestro Jofré que ensamblaba la pintura con la música.

Con una vida artesanal y simple se fueron desarrollando mis intereses artísticos y metafísicos.

Luego mis años de formación en dibujo de la figura humana con los maestros Helios Gagliardi y Rodolfo Bianglino. Bernardo Jessiot me abrió generosamente a la visión plástica de Bruno Venier y Ponciano Cárdenas.

En la escuela primaria descollaba en las tareas creativas de las fiestas patrias, por eso decidí hacer el secundario con orientación artística.

Mi juventud, en la época del ’60, pasó semanalmente por el Instituto Di Tella.

Cuando descubro a Horacio Butler se convierte en el eje de mi educación plástica, dejando de lado la artesanía para dedicarme de lleno

El azar me llevó a conocer al maestro Eduardo Lozdan quien trasmitió la importancia de la construcción áurea y el fuego apasionado por la pintura al óleo.

Por el ‘80 comencé a asistir a los concursos dominicales de manchas y mi maestro por excelencia en esta disciplina, Roberto Solima, me

condujo desinteresadamente por los caminos de la impronta como realización espontánea.

Desde 1989 tengo mi taller de pintura en Ramos Mejía, donde he formado un hermoso grupo que transitamos juntas el camino del arte.

A su vez somos parte de uno mayor que son los Plásticos del Oeste. Juntos y unidos visitamos la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y lugares de la provincia de Buenos Aires llevando nuestras obras. Por medio de estos viajes afirmamos un entretejido afectivo que sirve a un propósito común: nuestro modo de vida.

aliciarosafioriti@gmail.com

Alicia

ROSAFIORITI ¿CUÁLES SON MIS PROYECTOS? El que una de mis obras (La fiesta) haya sido portada de Artelista.com, para la promoción del Gallery Night “La Fiesta del Arte”, junto a la Asociación Profesional de Galerías Arte Madrid con 50 galerías, Art Barcelona en la ciudad de Condal,

Cataluña y la ciudad de Valencia, obtuve alguna invitaciones a exponer en Europa.

Además de tener obras en distintas galerías de de Retiro (Javier Baliña, Espacio Arroyo, Arroyo Arte, W y W, Lagard, Aquarelle -en Bs. As.

Desing-, La Austríaca, RestoGalería Pedemonte y El Lirio -en el Lodo-; en San Telmo, Rajadell Art Galeries, y en Athenea, en el Aeropuerto Internacional de Ezeiza; este año con el grupo de Mujeres Alrraune exponemos en Santiago de Chile, en el Museo de Arte.

Por otra parte, para 2010 tenemos muestras con Arte Gay Mundial, en Marruecos y en España.

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Mónica

TRONCONI monitronconi@yahoo.com.ar

ARTE MADURO, PROFUNDAMENTE HUMANISTA

El arte de Mónica Tronconi es maduro, profundamente humanista. Su lenguaje pictórico lleva consigo las estructuras visuales e intelectuales, las pasiones y los ritmos internos que movilizan y sostienen su mundo interior, volcándolo en su pintura que se torna un grito, una advertencia, un ruego.

Su arte ha sido liberado con la fuerza y la grandeza que atestiguan el orden cósmico que trasciende su personalidad, desafiando sus propios fantasmas.

Pinta el grito de una humanidad que se deshace, de una humanidad que sabe que ha llegado al límite y no vuelve atrás.

El carnaval del mundo se mezcla con los despojos de las guerras, las razas oprimidas, la corrupción y el pecado.

La mano divina ha descorrido los velos dejando expuestas nuestras miserias, nos dice con la tremenda fuerza de su pintura.

Sus cuadros profetizan pero no pierden la armonía de la composición y lo hacen con acentos muy claros.

Reflexiona y nos convoca a la reflexión en su juego de imágenes figurativas que salen de sí mismas y alcanzan la conciencia universal.

Sus pinturas golpean nuestra conciencia, nuestro silencio y nuestra complicidad. Mónica es volcán, hondonada, caldero y

terremoto. Sin duda, para llegar a esta nueva etapa debi贸 recorrer un largo camino interior y sufrir un cambio, sino trascendente al menos intuitivo.

Estas tensiones existenciales que est谩n impresas en la condici贸n humana se amplifican y proyectan en esta nueva obra y nos provocan inquietud ante su sensibilidad extrema.

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Nota por Julio Sapollnik

Beatriz

LEVACOV

“

“

Si quieres verlo míralo directamente, porque cuando empieces a pensar, ya lo has perdido

Teniendo al sujeto como protagonista de la historia, Beatriz Levacov puebla sus pinturas y esculturas de personajes entrelazados que unidos por una combinación de movimientos dispares parecen encaminase hacia un destino común.

Las formas mantienen en todo momento su condición humana pero no dudan en romper, de manera manifiesta, sus leyes de ingravidez.

Levacov es psicoanalista, poeta y escritora, con tres libros publicados sobre la Shoa, una temática de sufrimiento donde se entrelazan muchos aspectos de la vida humana; y participa en la comisión directiva de Espacio Convergencia, una asociación civil que impulsa un pensamiento judaico humanista y pluralista.

Estudió escultura con Edgardo Madanes y pintura con Víctor Chab y Rubén Daltoé.

Del primero aprendió a colmar de contenido el vacío, del segundo asimiló la descarga automática para el nacimiento de la imagen, y de Daltoé incorporó una forma monacal de vida

artística resumida en una frase que siempre pronuncia: "No gané con la pintura, la viví".

En su obra, la autora habla del hombre y la mujer lanzados a un juego de encuentros y desencuentros, de seducción y alejamientos, donde la proyección de la mirada del espectador descubre tanto aspectos oscuros como elevados y nobles, que habitan en la profundidad y no dejamos emerger.

Como si los cuerpos nacieran unos

de otros, las figuras se agitan y extienden sobre toda la superficie de la obra respondiendo a los dictados de un dibujo propio.

Tal conocimiento del cuerpo proviene del período cuando buscó desarrollarse como Auxiliar de medicina, para ayudar a restituir la normal motricidad en un cuerpo enfermo.

Así, los estudios sobre anatomía humana, fisiología y biomecánica le dieron el conocimiento para plasmar las obras que desarrolló después.

Levacov no crea imágenes desde una intención inicial sino que la forma surge por la aplicación automática de una técnica que le permite proyectar un pensamiento inconsciente, sin la interven-

ción reguladora de la razón.

Aplica en la pintura y escultura un surrealismo expresivo que alimenta también su práctica sicoanalítica, busca una síntesis entre lo que Freud y Leonardo separaron en otros tiempos.

Evocante de una celebración dionisíaca, los trabajos de Beatriz se glorifican entre sí, abriendo sus manos al cielo, a la caricia y al encuentro con el otro.

Una neblina de tonos apastelados entra en imagen tiñéndolo todo con un suave vapor que se espesa por momentos entre los intersticios dejados por las figuras.

Cuerpos estilizados, abrazados, algunas embarazadas o con pañuelos en la cabeza se zambu-

llen y nadan en una humedad imaginaria.

Una estructura compositiva prioriza el agrupamiento corporal hacia el centro buscando una salida aireada hacia la periferia.

Beatriz Levacov se expresa con la literatura, la pintura y la escultura para alcanzar con sensibilidad al prójimo desconocido.

Quizás sin saberlo hace suya la frase de Joseph Pearce cuando escribió: "Para vivir una vida creativa debemos aprender a perder el miedo a equivocarnos".

contacto: beatrizlevacov@yahoo.com.ar

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Nota por Gustavo Insaurralde Crítico de arte y curador independiente.

El sortilegio del paisaje Definir a una provincia por su arte exige la tenacidad de una mirada intensa, obstinada y decididamente excluyente. Quizás esa tarea esté signada como el paisaje que define nuestro territorio arisco, porfiado desde el inicio mismo de la historia y marcado por la vehemencia de la latitud.

Resistencia, una ciudad que resiste desde el nombre, está sellada por la (pre)potencia nominativa que la determina. El arte refleja la contundencia de esa particular relación entre “ser” y “estar” que asume la esencia del hacer chaqueño.

Por eso, al proponer un recorte representativo del panorama plástico de Chaco creo indispensable pensar en un tratado visual definido por la producción de un selecto conjunto de artistas.

Aquí sólo se hace referencia a ese persuasivo y decisivo encanto que se aprecia en el determinativo vínculo geográfico -real o imaginario- captado por los creadores de diversas disciplinas.

Sin dudas, establecer esta coordenada de apreciación es parte del sentimiento que nos predispone como habitantes “resistentes” empecinados en forjar ese límite impreciso de nuestra condición como tales.

Se advierte una poética que

podría definirse como “la pasión de resistir”, tan sugestiva como convocante.

La exuberancia es belleza, y a partir de esta simple sentencia podemos pensar un ecléctico paisaje conformado por la producción artística aquí reunida.

invalorable legado.

Andrés Bancalari

REFERENTES SELECCIONADOS Beatriz Moreiro

Elige el acero inoxidable para reproducir la fascinación agreste y montaraz que encontró en casuales y sucesivas recorridas por el monte.

Guiada por una apocalíptica preocupación pero con la poética personal que la identifica, la artista concibe un patrimonio que preserve la frondosidad de ese monte chaqueño y recrea imágenes que pueden parecen un testamento anticipado.

En estas obras, resueltas con maestría, se rescata el testimonio de un páramo cercano -en el tiempo y la distancia- hasta convertirse en un

Instala su obra como una potente imagen arquitectónica en original diálogo con el espacio donde una estructura de líneas desafían la mesura del plano. Las figuras geométricas y orgánicas contenidas definen una secuencia de planteos tan individuales como colectivos, imponiendo un particular horizonte a sentimientos y pulsiones. El artista desarrolla actualmente esta serie de PVC ruteado, material utilizado con acierto después de años de exhaustivo y disciplinado dibujo y prolífica pintura.

Diego Figueroa

Aborda la escultura con provocativo ingenio. Su manejo de la representación -idea y forma- está marcado por una perspicaz ironía simbólica que maneja con solidez y talento. Esta Piedad resulta una clara ironía que esconde su fuerza en la precariedad de los materiales utilizados -papel, cartón y cinta adhesiva- poniendo en tela de juicio la perdurabilidad de una obra que puede resultar incómoda pero, sin dudas, atinada al proponer replanteos urgentes y necesarios fundamentalmente artísticos e incluso identitarios para la ciudad en que resistimos.

fundas y un cautivante contraste de luces, austeridad plena de sentido para captar la fuerza de una devoción popular. Ninguna de ellas es ingenua ni ha sido despojada de la contundencia ideológica con que han sido intuidas, respondiendo a una visión tan desgarradora como poética.

varias capas de imprimación, donde además se superponen materiales -látex y acrílico- incluso en la mayoría de los casos con clara alusión a la impronta de otros artistas instalados en el circuito y mercado del arte actual. He aquí el principal cuestionamiento planteado por el artista desde la pregunta que da nombre a su trabajo.

Mariana Stegmayer Rosana Toledo

Marcelo Totis

Recurre a la sutileza de las mostacillas para crear mandalas de explícita y atrevida intimidad; conjuga delicadeza y audacia con admirable preciosidad logrando objetos de impecable encanto. Elige la figura humana para crear un paisaje de desnudos, un laberinto de cuerpos que inquietan y sosiegan al mismo tiempo en una topografía de ingenuo erotismo.

Elabora inquietantes dibujos, entre lo sutil y sugerente, la delicadeza de un lenguaje intimista que resulta cautivante. La artista crea una interesante metáfora de impensado secreto vigor y enmarañada coraza de espinas para conciliar atracción y persuasión. Entonces, lo que no está dicho se evidencia en lo sugerido permitiendo indagar en las complejas pasiones humanas.

Hugo Justiniano

Iván Almirón

Retrata el cuerpo convertido en digno soporte de una fe. Las fotografías presentan sombras pro-

Realiza una suerte de repaso por el retrato de varieté al estilo del siglo pasado, evocación cargada de nostalgia por la figura femenina clásica establecida a través de cánones planteados en un contexto estético resuelto con precisión formal y conceptual. Los dibujos a lápiz representan cuidadas formas en clara alusión al desnudo como tema tradicional del arte, realizados sobre

En la despojada “puesta escenográfica” de su última propuesta denominada Hábitat para un sujeto (o dos) crea un interesante juego de tensión entre la supuesta realidad y una verdad imaginaria, replanteando los conceptos de esa poética asignada al jardín como espacio cotidiano. Desde esa sugerente alusión del patio, la instalación logra definir sensaciones de un espacio -propio y ajeno- que nos permite repasar recuerdos y rememorar nostalgias. “¿No es más importante preservar la belleza que la especie?”, se pregunta la poeta chaqueña Claudia Masin en los versos de “Resistencia”.

Definitivamente coincido con ella ya que permitirnos la duda es el principio de otra gestación. Si un paisaje no ha sido pensado, escrito ni pintado no seremos capaces de verlo.

Por eso, el arte puede permitirnos mirar lo que antes no éramos capaces de apreciar. Chaco, sortilegio de un paisaje que elogia la ecléctica exuberancia.

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Horacio

CABEZUELO Nota por Pilar Roldán Corresponsal en España

Su versatilidad lo hace capaz de relacionar y potenciar las distintas disciplinas artísticas en las que se desenvuelve, como el dibujo, la pintura, la fotografía y el grabado… de ahí la teatralidad de sus obras donde plasma y trasmite intención y emoción.

De inspiración fotográfica, los trabajos de Cabezuelo surgen de la nostalgia y la reflexión.

Evocan testimonialmente antiguas imágenes detenidas en el tiempo, reforzadas con la subjetividad que otorga la distancia y revestidas de acrílica contemporaneidad.

La característica composición de sus cuadros, a modo de collage, delimita y armoniza individuos que no interactúan entre sí.

UN ARTISTA POLIFACÉTICO Sus modelos resueltos -en marcado contraste de luz y sombra que intensifica sus emociones-, posan directamente. Observan al espectador y en complicidad con él le hacen partícipe de su momento personal o le vuelven intencionadamente el rostro. Los tonos fríos y grisáceos que predominan en su paleta sirven de bucólico puente hacia estos personajes, al tiempo que estimulan nuestra imaginación y curiosidad.

Además de participar en exposiciones y lograr importantes galardones, Horacio Cabezuelo alterna la creación con la docencia, impartiendo clases de pintura en sus talleres y coordinando el grupo de alumnos “Reflejos del Sur”, que este año se presenta en Expo-artistas.

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Nota por Pilar Roldán Corresponsal en España

Museo del

Teatro Romano VEINTE SIGLOS

de Cartagena

DE MESTIZAJE CULTURAL Y ARQUITECTÓNICO EN PERFECTA COMPLICIDAD. En 1998 la ciudad de Cartagena (España) emprendió un ambicioso proyecto integral para unificar arqueología, arte y urbanismo, realizado por el prestigioso arquitecto Rafael Moneo.

De esta manera no sólo se han conseguido objetivos de conservación y exposición de antiguos legados con fines didácticos, lúdicos y culturales, como el Teatro Romano, sino que también se ha construido un museo monográfico y un centro de investigaciones anexo. La adecuación de zonas verdes y modernas infraestructuras urbanas unifica y armoniza una ciudad que -por antigua e histórica- posee numerosos vestigios arqueológicos, y que en los últimos años está sumando a su patrimonio edilicio la más audaz arquitectura contemporánea.

El Museo del Teatro Romano, inaugurado en 2008, es un claro

ejemplo de este mestizaje cultural y arquitectónico: su construcción se desarrolla a partir de dos edificios independientes que han sido unidos por un corredor subterráneo y escaleras mecánicas para salvar desniveles del terreno, y que a través de un segundo corredor culminan en el propio Teatro Romano, incorporándolo al museo como si se tratara de una sala magna. Al estar superpuesta sobre los restos del teatro, la antigua catedral de Santa María la Vieja (s. XIII) también queda integrada a este sorprendente conjunto histórico.

El primer edificio, por el que se entra al museo, es el restaurado Palacio Pascual de Riquelme (s.

XIX) donde se ubican -entre otros- vestíbulo, tienda, cafetería, sala de exposiciones temporales, biblioteca, salas de archivo, despachos, salas de reunión…

En el Corredor Histórico comenzamos un instructivo retroceso en el tiempo sobre el espacio del Teatro Romano, iniciado en el s.

XVIII cuando era barrio de pescadores, el Viejo Arrabal, la medina musulmana (s. X-XII), el barrio bizantino (s. VI-VII), el mercado del siglo V, hasta llegar finalmente al Teatro Romano (s. I). Todo el recorrido queda ilustrado mediante la exposición de objetos recuperados de cada época y varios paneles informativos y presenta-

ciones multimedia que nos muestran cómo fueron construyéndose las diferentes edificaciones sobre los restos del afamado teatro.

En el segundo edificio se encuentran las exposiciones permanentes del museo organizadas en varias salas: Sala I. Dedicada a la arquitectura del Teatro, está presidida por una

gadas de mensajes ideológicos y posiblemente realizadas en los talleres de Roma con mármol blanco de Grecia y Carrara importados expresamente para la construcción, como dos grandes dinteles de Lucio y Cayo César (patronos del teatro), tres capitolinas dedicadas a Júpiter, Juno y Minerva, el relieve de “Rea Silvia

Teatro Romano, última “gran sala” del Museo, donde podemos recorrer los pasillos del graderío con capacidad para 6.000 espectadores- y bajar por las escaleras radiales hasta la orquesta y el escenario a contemplar la restitución parcial de la fachada escénica, donde la combinación de los tonos rojizos de los fustes, el blan-

gran estatua de Augusto togado (patrocinador de las obras) y destacan capiteles corintios y labrados en piedra arenisca, así como los fragmentos de cornisas realizadas con mármol de Carrara y fustes de travertino rosa. Junto a estas piezas originales, una gran maqueta y otros elementos didácticos nos dan idea sobre la construcción de este monumento que se comenzó a edificar en el año 44 a.C. y su significado.

en su encuentro con Marte” o una escultura de Apolo Citaredo.

co de los capiteles y basas, sobre el gris del podio recrean un sugerente juego cromático de 16 metros de altura.

Los criterios de restauración se han basado en el respeto a la obra original conservada y la reposición de lo perdido sin alterar su estructura, con objeto de facilitar la comprensión de este bello conjunto monumental que impresiona al visitante e inspira al artista.

Sala II. Nos muestra cómo el Teatro, además de la función lúdica, servía para la propaganda política y religiosa. Destaca la ornamentación escultórica, piezas car-

Corredor Arqueológico.

Podemos observar diversos restos aparecidos durante las excavaciones como una cripta de fines del siglo XIX en la que se conserva un mosaico romano, una estela discoidal, los restos de una vivienda romana y diversos vestigios medievales.

Estos espacios, iluminados por un complejo sistema de lucernarios, además de servir de inmejorable marco para la presentación de las piezas expuestas, guían al visitante hasta la misma tribuna del

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Alejandra María

KOCH

alemkoch@hotmail.com www.amkvitrofusion.blogspot.com

La búsqueda ancestral, infatigable, el encuentro accidental con las formas naturales, esa alquimia que disuelve la temporalidad, la anécdota, el ego, es allí donde el artista como médium nos presenta la esencia.

En la obra de Koch recuperamos el testimonio original de los

elementos, contemplamos su creación con la certeza de estar incluidos, fundidos, de pertenecer a ese infinito universo.

Lic. Bárbara Rodríguez Laguens Septiembre 2009

Nota por Julio Sapollnik

¿Hay un arte ?

Una natural definición sobre la creación artística la pronunció el maestro oriental Shitao (1641-1717) cuando dijo que "pintar es el resultado de la receptividad de la tinta, la tinta se abre al pincel, el pincel se abre a la mano y la mano se abre al corazón".

Si saltamos en el tiempo, ¿podremos encontrar en el arte digital representaciones que evoquen tamaño sentimiento?

Aquella cultura milenaria del pincel convive hoy con una nueva sensibilidad provista por el mouse.

Lo que antes era mármol, óleo o papel ahora es la PC, los programas técnicos y sus anexos: escáner, cámara digital, impresora, etc.

Como paradoja, en cada momento que el arte contemporáneo encontró una expresión diferente, la sociedad cargó sus armas contra él.

Si ocurrió con los gritos de dolor que daban los cuadros de Gauguin y Van Gogh, ¿pueden los programas de Corel Paint y Pantone alcanzar semejante intensidad?

Si bien los artistas digitales parten de utilizar similares elementos técnicos, las personales configuraciones le otorgan originalidad a cada proyecto. Ellos impulsan a que nuestras estructuras perceptivas acepten ser

modificadas por los avances de la civilización tecnotrónica.

De todas ellas, la realidad virtual y la comunicación planetaria nos relacionan cotidianamente con la idea del movimiento. Los jóvenes se apartan de la imagen detenida y a través de los videos musicales y juegos electrónicos desarrollan golpes de vista muy rápidos.

El arte digital es la expresión creativa que más puede atraer a una generación curiosa, actualmente alejada del arte.

Algunos contempladores apasionados se resisten a reconocer que esta corriente es una expresión creativa propia de la época.

Seguramente se hubiesen opuesto a lo nuevo que mostraban el cubismo o la abstracción.

Para el actual imaginario colectivo palabras como simultaneidad, inmaterialidad, interactividad, virtualidad, dimensionalidad son la esencia que va conformando un nuevo humanismo.

Que no ocurra con lo digital lo que a un empresario maduro que al iniciar un curso de arte contemporáneo expresó: "Lo que más lamento de mi vida es que Los Beatles me hallan gustado 20 años después".

Ruth Patricia

García Taller de Dibujo y Pintura 4812-6348

ARTE DEL MUNDO, PORTAL INTERNACIONAL DE ARTES PLÁSTICAS Y VISUALES, CUMPLE SEIS AÑOS REALIZANDO EXPOSICIONES Y BRINDANDO SERVICIOS PERSONALIZADOS PARA SUS INTEGRANTES. www.artedelmundo.com.ar • www.artedelmundo.org Consultas: artedelmundo@fibertel.com.ar

En este marco, durante noviembre expuso: del 2 al 7 de noviembre en Arte Clásica 2009 (Pabellón I - stand C4, del Centro Costa Salguero); y del 25 al 30, en la Feria de Arte de Expo-artistas 2009 (Centro Cultural Borges Pabellón II), celebrando junto a sus integrantes actividades culturales: plástica, música, tango y poesía, para generar un puente de reciprocidad entre los artistas y el público.

Asimismo, Arte del Mundo destaca que el contacto de los interesados es directo con el autor, sin intermediación ninguna por parte del portal.

Pablo Peez Coordinador de Arte & Prensa

Eduardo Calandria - ArteClásica • Expoartistas 2009

Liliana Fabbian - ArteClásica • Expoartistas 2009

Alicia Virelli - ArteClásica • Expoartistas 2009

Sandra Pazo - ArteClásica • Expoartistas 2009

Romina Pane - ArteClásica • Expoartistas 2009

Zully Melo - ArteClásica • Expoartistas 2009

Marta Bonjour - ArteClásica • Expoartistas 2009

Gerardo Valenzuela

Mónica Isabel Portillo

Susana Elinbaum

Expoartistas 2009

Expoartistas 2009

Expoartistas 2009

Lidia Yanquelevech

Juan Orellana

Julia Borjas

ArteClásica 2009

ArteClásica 2009

ArteClásica 2009

Stella Maris Rossi

Stella Redruello

Susana Lacave

ArteClásica 2009

ArteClásica 2009

ArteClásica 2009

Adriana P. Pontieri

Inés Echenique

Lautaro Dores

ArteClásica 2009

ArteClásica 2009

ArteClásica 2009

Alicia

PUJALTE

aepujalte@fibertel.com.ar

Nombre obra. Técnica, medida. Año.

Formada en el taller de Enriqueta Kleinmam, afirma en el lenguaje visual su sentido irónico expresado a través de las metáforas plásticas.

Su repertorio temático actual nos hace participar de la estética de lo cotidiano, sin desviar la mirada femenina penetrante y sagaz, como uno de los rasgos distintivos de su obra.

Las imágenes son rotundas, se acercan irremediablemente al ojo del que mira lo pintado.

Alicia Pujalte siente la pulsación rítmica de la vida y la proyecta desde su energía interior imantando los objetos a representar que, de esta manera, adquieren una vibración particular.

Toda su obra incita a recrear la mirada y el sentido del tacto. De hecho, el tratamiento de las superficies pictóricas está resuelto con una riqueza sensorial de fuerte atractivo visual.

Annita Un ejemplo de vida por Mirta Satz

Parte de la muestra que realicé en la Alianza Francesa está dedicada a Annita, una holandesa radiante que conocí dándole clases de tango.

Con una enfermedad terminal vino a Buenos Aires porque no quería morir sin bailar esa danza nuestra con la cual siempre se identificó.

Bella, vital, alegre, destellante y con más vida que todos los que recorremos la city porteña, con una asombrosa aceptación de su muerte, diseñó el camino desde la delicadeza, la amistad y el amor.

Me tocó a mí acompañarla en esos últimos pasos. Digo esto y pienso: “Qué soberbia y ciega que sos, vos no la acompañaste, vos también te dirigís hacia allí”.

Dos de sus preciados últimos meses los pasó en Buenos Aires, viviendo en San Telmo, amando nuestras calles, nuestra gente y nuestro espíritu.

Dos meses de sus valiosos últimos pasos bebió de nuestro néctar transformando en sublime lo efímero y tocando la belleza cuando pintaba conmigo, cuando cantábamos o bailábamos.

Iluminó cada gris nuestro. Ese es su legado.

La presencia de la muerte la volvió más hermosa, como si reinara por contener en su alma ese saber. Y a veces salpicaba con ese exquisito conocimiento. Baldazos de lucidez.

Hace un tiempo que decidió transfigurarse en ángel y con una sonrisa tierna observa las alas que le crecen como delicados senos en la pubertad.

Annita

Defendiendo a Annita.

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Graciela del Campo Taller de Arte A veces en medio de la vorágine de situaciones diarias en la que nos encontramos inmersos, nos preguntamos si realmente existe algo que nos conforme y nos permita hacer fluir aquello que necesitamos dar a conocer y compartir.

Esa respuesta la han encontrado cada uno de los que asisten al Taller de Artes Plásticas de Graciela del Campo. Allí, al ingresar en el refugio de tantos artistas escondidos, en la calle Mario Bravo, donde cada pared enmarca una connotación plástica, se vislumbra como la expresión, la armonía y el arte se funden en una danza cuyo ritmo lo marcan los pinceles y lápices que las discípulas y discipulos , acarician sobre lienzos, maderas y máscaras.

Junto con el movimiento de colores que componen cada una de sus obras, las cuales son fieles manifiestos de sensibilidad y amor interior, con la particular condición de que todos se abrazan a esa búsqueda incesante. Y a veces cuando la gente pasa y mira a través del cristal que separa ese refugio de la ciudad, esboza una sonrisa conmovedora, que sugiere el “dale seguí, no aflojes”.

Todo bajo la coreografía de Grace,(así, la llamamos) quien no detiene su motor de estimulación sobre cada uno y cada una, conformando una comunión con las técnicas que enseña y permiten que el inconciente colectivo de sus discípulos tenga formas que van del óleo hasta la mismísima brea y yeso.

El taller de Grace , es ese lugar en

el cual los que forman parte, han encontrado que a ese instante de inspiración y sensibilidad ,le suceda lo cotidiano de compartir un momento de arte en familia,

Claudia Bruch.

Elsa Ferro.

Arteterapia

Diseño de objetos

donde la creatividad no tiene sexo ni edad, tan solo colores y formas, bajo el ala de la profesora Graciela del Campo.

Arq. Diego Bratin

Marcela Hochraich.

Taller de niños

Carlos Granados.

Tallado

Diego Bratin

Marianela Osorio

Daniela Cortese

Nora Terrizzano

Adriana Rodriguez

India P

Jorgelia Blazquez

Rosa Del Aire

Andrea Bergallo

Olga Fernandez Anaya

Silvina Bianchetti

Graciela Alvarez

Victoria Fernandez

Carmen Ortiz

Nelida Pagnat

Marina Riccitelli

Debora Kusniec

Trinidad Bazan

Analia Ruggiero

Daniela Polo

Evis Bertarini

Silvia Resnik

Norali Zolthai

Franco Bichi

Hernan Conde

Noelia Somoza

Dina Callizaya

Pablo Cejas

NOTA por Rosa Audisio Artista visual y Gestora cultural

el Museo y los Baleros ESTAMOS ARGENTINA

PRÓXIMOS CON

EL

A

CONTAR

PRIMER

EN

MUSEO

MUNICIPAL DEL JUGUETE, UN HECHO IMPORTANTE DESDE LO HISTÓRICO, CULTURAL, ANTROPOLÓGICO Y ARTÍSTICO. No obstante, el mayor desafío en la realización de un museo es su dinamismo, el logro de un lugar donde niños y adultos puedan tener contacto con objetos y estilos de juegos que fueron usuales en otras épocas, poder relacionarlos con los del presente, pero además incluir un espacio amplio y abierto en el que sea posible la participación, la diversión y el conocimiento, transformándose en un recinto vivo, capaz de superar la mera contemplación.

Se destaca el objetivo general del proyecto que es “… lograr, a través de la creación del Museo Municipal del Juguete de San Isidro, el cumplimiento de la Convención de los Derechos del Niño y de la Ley de Protección Integral de los Derechos de las

Niñas, Niños y Adolescentes Nº 26.061, como una política de Estado que tenga como fin último la formación de personas que, en el futuro, puedan ser las hacedoras de una sociedad solidaria, creativa y responsable…”

Por lo tanto, ninguna persona debería perder su capacidad de juego, ni aun los artistas quienes, meses atrás, superando los 200 e invitados por Jorge Meijide amante de los juguetes y motor de la idea- pusieron manos a la obra y pintaron su balero.

Considerado originario de Latinoamérica, jugado en épocas anteriores a la Precolombina, nos habla de nuestra identidad, esa que además es producto del mestizaje con el que estamos amasa-

dos, mezcla de nativos e inmigrantes que define esta parte del continente.

De acuerdo a estudios recientes se presume que los mayas realizaban este juego con cráneos humanos los que oficiaban de bolas agujereadas; otra corrien-

te supone su origen, en Francia en el siglo XVI, pero ante la duda prefiero situarlo en nuestro continente.

A modo de anécdota, y a efectos de despertar la curiosidad, la fantasía y la aventura del conocimiento valga esta reseña: “Tiempo atrás en una convocatoria plástica, un artista de origen tucumano nos sorprendió con uno cuya bola era un hueso de caracú al que tituló

‘balero criollo’”.

Para redondear, adhiero a la idea de Meijide ya que no fue en vano.

El resultado de que tantos artistas autoconvocados hayan participado del encuentro finalizó con un próximo sorteo y una subasta a beneficio para consolidar el proyecto.

Desde este espacio celebramos estas propuestas conformadas como trabajos colectivos de toda la comunidad, anhelando se

tome como ejemplo por otros, con la concepción de museo vivo pero con la característica propia a su espacio social.

(Hasta el presente se realizaron dos exposiciones, una en San Isidro con sorteo de una parte de los baleros y otra en el Shopping Abasto. Estamos a la espera de la confirmación de la próxima fecha de la subasta.

Todos los trabajos se pueden observar en el sitio web: http://baleros.blogspot.com/)

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OBRAS DE ARTE Licencia de exportación Gentileza: Rodolfo Portaluppi

Obras de arte originales, objetos de colección y antigüedades, para su circulación internacional, gozan de exenciones de los derechos de aduana o franquicias con la finalidad de favorecer el intercambio artístico-cultural entre las naciones.

Visuales lo estime pertinente, podrá requerir informes periciales y/o valuaciones, solicitando, de considerarlo necesario, la asistencia del Consejo Consultivo Honorario y/o la intervención de otros organismos.?

Cuál es la utilidad de esta licencia?

Sin embargo, para hacer esto posible sin menoscabo del patrimonio artístico o histórico del país (tráfico ilícito), es preciso que quien desee exportar tales bienes u objetos cuente con la respectiva autorización para la salida del país.

En este sentido, la licencia de exportación es el instrumento que permite hacer uso del beneficio dispuesto por la Ley 24.633 y, al mismo tiempo, contribuye a la protección del patrimonio artístico nacional.

Licencia de exportación de obras de arte originales. Ley 24.633 Estos formularios estarán vigentes a partir del 1º de febrero de 2007 ¿Cómo se consigue? a) Presentación de la solicitud y formularios E111, E112 y E113 completos, con dos (2) fotografías color de cada obra a exportar, en la Dirección de Artes Visuales. b) Recibida la solicitud, la Dirección de Artes Visuales evaluará la misma según los recaudos dispuestos por la ley y expedirá la respectiva licencia en un plazo que no deberá exceder los DIEZ (10) días hábiles contados a partir de su presentación. c) Cuando el Director de Artes

La Ley 24.633 fue concebida con la doble finalidad de contribuir a la difusión del arte y preservar el patrimonio cultural de la Nación.

En este sentido, en su artículo 3º dispone: “La exportación definitiva -destinación aduanera para consumo en el exterior- y la exportación temporaria -destinación suspensiva para exhibición fuera del país aun cuando se convierta en definitiva por vencimiento del plazo de retornou otra causa legal- estarán exentas del pago de todo recargo y/o tasa aduanera o portuaria, incluyendo las tasas por servicios estadísticos y por almacenaje, el impuesto sobre fletes y los gastos consulares”.

Y en su artículo 6º dice: “Los beneficios indicados en los artículos 3º y 4º, se extenderán a todos los poseedores o tenedores de buena fe de obras de artistas argentinos o extranjeros vivos o fallecidos durante el término de 50 años a contar desde la fecha de deceso del autor, excepto cuando la obra sea declarada por la autoridad de aplicación como perteneciente al patrimonio artístico de la Nación”.

Dónde se obtiene?

El trámite se realiza en la Dirección de de Artes Visuales dependiente de la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación.

Lugar: Alsina 1169, Piso 1º, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Horario de atención de 10 a 16 hs Consultas: (011) 4381-6656 internos 154 y 155. artesvisuales@correocultura.gov.ar. ¿Qué documentación se debe presentar?

Información que debe proporcionar el exportador en los respectivos formularios 1. Nombre y apellido, documento de identidad, domicilio y teléfono del exportador.

En caso de tratarse de personas de existencia ideal deberá constar la razón social, el nombre, apellido y documento de identidad de su representante y copia autenticada por escribano del instrumento que acredite la representación (form.

E111 que se encuentra a la derecha de la pantalla).

2. Causa y país de destino de la exportación.

3. Precio o valor de la obra a exportar, acorde a los valores actuales de mercado.

4. Nombre, apellido y antecedentes del autor de la obra. En caso de autor fallecido, se consignará la fecha del deceso (form. E112 que se encuentra a la derecha de la pantalla).

5. Descripción, medidas o datos que permitan individualizar la obra a exportar (form. E113).

6. Acompañar dos (2) fotografías color (10 cm x 13 cm) de cada obra. Las fotografías no deben estar fijadas a ningún soporte. Se entregarán numeradas, en el mismo orden que figurará en la columna (1) del formulario E113, dispuestas en un sobre rotulado con el nombre del exportador. ¿Cómo es el procedimiento?

La Dirección de Artes Visuales proporciona los formularios que deberá completar y firmar el interesado (propietario, poseedor) en exportar las obras. También se pueden imprimir desde esta página. Los formularios se encuetran a la derecha de la pantalla.

Los formularios deben ser completados por duplicado, con letra de imprenta, sin enmiendas y firmados en cada hoja por el solicitante.

Una vez completada la solicitud y sus planillas anexas, deberá concurrir a la Dirección de Artes Visuales donde se verificará la correcta presentación de la información requerida. Esto se realiza en el momento. Luego la documentación se tiene que entregar en la Mesa de Entradas de la Secretaría de Cultura de la Nación para formar el expediente que da inicio al trámite.

La Mesa de Entradas está ubicada en la sede central de la Secretaría, Avda. Alvear 1690, Ciudad de Buenos Aires, y recibe documentación de lunes a viernes, de 10 a 16 hs. ¿Quién debe / puede efectuar el trámite?

La solicitud y formularios anexos serán firmados por el exportador y su presentación y trámite serán realizados por él mismo en forma

personal, salvo que otorgare mandato para ello a una tercera persona mediante poder ante escribano público.

En caso de tratarse de personas de existencia ideal, deberá constar la razón social, el nombre, apellido y documento de identidad de su representante y copia autenticada por escribano del instrumento que acredite la representación.

Exportador es la persona que en su nombre exporta un bien, ya sea que lo lleve consigo (equipaje acompañado) o que un tercero llevare lo que ella hubiere expedido (encomienda/carga).

Qué vigencia tiene la licencia obtenida?

La Licencia de Exportación otorgada será requerida en la aduana de salida para el embarque de la obra. Por lo tanto, cuando se trate de una exportación temporaria se le informará hasta qué fecha es válida.

Cuando el peticionante no se presentare a retirar la Licencia solicitada, y transcurridos 120 días desde la fecha de su solicitud, sin que medie notificación al respecto, el expediente será archivado.

Costo del trámite.

El trámite es gratuito. Plazo desde la solicitud hasta la obtención de la licencia.

Cuando la solicitud y formularios anexos se han completado correctamente el trámite se realiza dentro de los 10 días hábiles, contados desde su presentación.

Para las obras u objetos de autores con más de 50 años transcurridos desde su fallecimiento y en los casos en que se requiera consulta o intervención de otros organismos, el plazo se extenderá hasta que se reciban los informes requeridos.

Utilice nuestro correo para enviar invitaciones de su exposición, información, promociones, bases de salones, simposios, etc.

La entrega se realiza a domicilio a más de 1000 suscriptores, junto con el ejemplar de Correo del Arte.

correodelarte@hotmail.com contacto: Rodolfo Portaluppi

COMENTARIO

5artes L A R E V I S TA D E A R T E C O N T E M P O R A N E O

LA BELLEZA EN UN LUGAR INESPERADO La «proctomaquia» o «el cantar de los culos» -Wenceslao Maldonado- Con ilustraciones de Claudio Pereyra - Publicado por Editorial Simposio -223 páginas2008 Primera edición. ¿Qué es lo bello y dónde está? Quizá la respuesta la tengamos después de leer este «cantar» cargado de humor y lleno de datos sobre las ocupaciones de los dioses griegos que, en realidad, no tenían de qué ocuparse. La diosa Afrodita, impulsada por un ardiente deseo, organiza otro concurso, será diferente al de «la manzana de la discordia», ahora competirán dioses (lo masculino puede ser lindo) y el ganador será el que tenga el culo más bello (la belleza no sólo está ubicada en el rostro).

Con un lenguaje ameno, directo y divertido Wenceslao Maldonado recrea la leyenda mitológica en la que se basó Homero para mostrarnos el mundo de una clase privilegiada que con fines no siempre del todo declarados no vacila en alterar el orden, mentir, ocultar y utilizar a todo ser o recurso que le sirva. Y también, al destruir estereotipos, el autor invierte los cánones establecidos sobre lo que se debe valorar, amar o simplemente gozar. ¿Si admiramos la parte de atrás desvalorizamos la parte de adelante?

Los dibujos de Claudio Pereyra, con un estilo casi naif, acompañan de manera acertada al texto.

COMENTARIO

DAR AMOR Y DAR MUERTE En las garras del Jaguar -Juan Braun- Publicado por Marcelo Olivieri Editor -240 páginas- 2008 Primera edición.

En esta novela, Juan Braun presenta la secuela de su best seller «El jardín de Cebra». Jaguar, asesino profesional, está enamorado de Ana. Con una factura basada en extensos párrafos descriptivos de los estados de ánimos de los personajes, esta novela nos muestra un mundo oscuro y sórdido donde, sin embargo, hay lugar para un fuerte sentimiento amoroso como el que une a los protagonistas.

PRESENTACIONES

Mujeres… ¿Por qué será que las queremos tanto…?

-Daniel Dátola- Presentado por Ediciones B.

Con humor directo y situaciones plenamente identificables, el libro de Daniel Dátola intenta socorrer a muchos maridos, novios y amantes que, casi sin darse cuenta, quedaron encerrados en la trampa del “sexo débil” y las teorías del feminismo, y preguntan dónde está la Comisaría del Hombre a donde quieren recurrir desesperados al darse cuenta que viven como ellas quieren que vivan y sin poder oponerse al nuevo «sistema».

El brazo de tu madre

-Patricia Odriozola-

Esta novela obtuvo “Mención especial” en el Premio Clarín de Novela 2000 y es una edición “de autora”, realizada con el apoyo del Fondo Metropolitano para la Cultura, las Artes y las Ciencias.

Propietario y Director Edgardo Ramón Marchesi Directora Ejecutiva Noemí Mata Director Comercial Darío Paz STAFF Sara Diciero Mario Restaino Julio Sapollnik Corrector Daniel Egea Colaboradores Pilar Roldán Gustavo Insaurralde Irma Aguado Carlos Herrera Rosa Audisio Mirta Satz Redacción y Publicidad 011 4658-6976 Domicilio 9 de Julio 108 8º C (1704) Ramos Mejía Buenos Aires - Argentina. www.5artes.com Año I • Nº 2 • Octubre 2009 Tiraje 3000 ejemplares Correo de Lectores Envíanos tu comentario a lector@5artes.com Diseño Gráfico Maximiliano Drager Impresión Artes Gráficas Integradas Obra de tapa Víctor Dabove El contenido de los textos publicados es exclusiva responsabilidad de sus autores.

Próxima edición Abril 2010

5artes

5artes

AÑO I • NUMERO

Expo-artistas 2009

2 • 2009 ARGENTINA $ 5.-

L A R E V I S TA D E A R T E C O N T E M P O R A N E O

FERIA INTERNACIONAL DE ARTE, DEL ARTISTA AL PÚBLICO

25 al 30 de noviembre

NOTAS

AÑO I • NUMERO

2

CRITICAS

www.expo-artistas.com.ar

•

(011) 4658 6976

Expo-artistas. Una visita obligada en Noviembre.