Estudios Abiertos Dossier 2017 Noviembre Esp by AADK Spain

estudios abiertos artistas en residencia AADK SPAIN El próximo sábado día 25 de noviembre, a las 20.30h, AADK abre al público el Centro Negra para mostrar los procesos de investigación de los artistas en residencia.

centro negra CALLE DEL CASTILLO, 30

estudios abiertos El próximo sábado día 25 de noviembre, a las 20.30h, AADK abre al público el Centro Negra para mostrar los procesos de investigación de los artistas en residencia.

Nayeon Koh “Gona” (Seúl) decide desprenderse de su formación en pintura tradicional coreana para explorar nuevos materiales y soportes. Traslada su conocimiento académico a nuevos elementos que le permiten explorar la figura humana desde una perspectiva más abstracta y experimental. El trazo se vuelve alambre sobre tela o lana sobre metal. Sebastian Lingserius y Nefeli Oikonomou (Estocolmo/Atenas) presentan la primera fase una pieza coreográfica que reflexiona sobre la multiplicidad y la concepción de lo Queer. Disponen y accionan una serie de movimientos, gestos y materiales a través de los que intentan desplegar la polivalencia de ambos conceptos.

Paula Menchen (Essex/San Pedro de Alcántara) explora el concepto de deconstrucción. Se pregunta cuánto del sentido inicial puede aún percibirse cuando algo es diseccionado en múltiples partes. Su trabajo comienza investigando la materialidad y superponiendo capas de técnicas que nos hablan de una idea de forma y contraforma: Frottage, stencil, grabado, impresión. A través de estos elementos genera un catálogo de materiales que luego utiliza como elementos constructivos para sus instalaciones.

Nayeon Koh “Gona” (Seúl) Dibujo e instalación. En su ciudad natal Gona enseña pintura tradicional coreana realizada con tinta sobre papel Hanji. Trabaja, en paralelo, con pintura al óleo y lienzo. En sus obras estudia el cuerpo humano y sus movimientos, pero durante su residencia en AADK ha decidido expandir los límites de su conocimiento académico y trasladar estos estudios a nuevos materiales. En consecuencia, el análisis el cuerpo se vuelve cada vez más abstracto, convirtiéndose en un sistema de partes que se entrelazan y se conectan creando nuevas formas, o cuerpos múltiples. Le interesa la unidad formada de partes incompletas. A lo largo de su mes de residencia decide desprenderse paulatinamente de los materiales y soportes de la pintura tradicional, y trasladar su conocimiento hacia nuevos medios. La línea ya no es exclusivamente tinta, ahora es alambre o delicadas cintas de papel que tiñe y desgarra. A través de materiales translúcidos y piezas en suspensión, Gona pone en diálogo la fragilidad y la sutileza frente a gestos enérgicos y enjambres de trazos. Como el propio cuerpo, presentando su tracción o su armonía. En la planta inferior se presenta una pieza realizada con papel Hanji coloreado con tintas coreanas. Ambos materiales aluden a la formación tradicional de la artista. Incluso la grilla puede asociarse a las trazadas en el dibujo académico de anatomía. Para Gona, colocar el papel seco sobre la grilla era como coser. Y el propósito de coser, reflexiona, es conectar las partes entre ellas. Esta pieza es una conclusión material y abstracta de sus estudios sobre el cuerpo y de su proceso durante este mes. En la planta superior, la artista presenta una serie de ensayos donde el dibujo se vuelve por momentos tridimensional. Continúa buscando su lugar entre abstracción y figuración.

Bio Gona es una artista de Seúl, Corea del Sur. Su nombre completo es Nayeon Koh. Estudió pintura tradicional coreana en la universidad de Hong-ik en Seúl. Luego comenzó a trabajar con lienzo y pinturas al óleo y acrílicas. Actualmente ha vuelto a utilizar materiales orientales como el papel coreano hecho de bambú y barras de tinta. Durante su infancia desarrolló un gran interés por los nuevos medios de comunicación como las webcams y los chats, como forma de vincularse y sentirse cerca de sus pares. Durante sus periodo de estudios de baile tradicional coreano, comenzó a preguntarse sobre la motricidad y el movimiento del cuerpo como formas indirectas de comunicar emociones. ¿Cuál es el significado de “sentirse real” en la digitalidad del siglo X XI?, se pregunta en sus obras. Gona se interesa por las formas y la belleza de los cuerpos que se amontonan, con un deseo de contacto, de alcance. Pero estos se enfrentan también con una necesidad de dividir y aislar. Personalidades divididas aparecen en sus dibujos. Le interesa afirmar todas estas divisiones y, de alguna manera, volver a encontrar su unidad y su armonía a través de la composición pictórica.

POLY Sebastian Lingserius y Nefeli Oikonomou (estocolmo/Atenas) Pieza coreográfica. Sobre POLY POLY es una pieza coreográfica. POLY es una figura ficticia. Un ensamble de cualidades, ideas y lógicas. Una tercer opción. Ni izquierda ni derecha, sino ambas en el mismo cuerpo. POLY está ya reorganizada, reorganizado en un cuerpo que aún no conocemos. POLY es tan queer que no conoce el feminismo. POLY se mezcla con la audiencia. POLY no es un cuerpo sino una metáfora, o múltiples. POLY como “muchos” o “múlti” refiere quizás a una persona con múltiples amores. POLY es un intento de repensar la mono/poly-gamia, la racionalidad, la intimidad y la espacialidad del pensamiento. Podemos estar cerca aún desde la distancia, o distantes al alcance de las manos. POLY, una selfie con más de una persona. O puede referirse también a polyphemus, el monstruo que aprisionó a Odysseo. Con poderes Jedi, encontramos nuestra fuerza interna, y buscamos nuevos modos, nuevas formas de estar juntos, de ser dos en uno, de ser poly. Sebastián y Nefeli presentan la primera fase una pieza coreográfica que reflexiona sobre la multiplicidad y la concepción de lo Queer. Se encuentran en una instancia de investigación y catalogación; durante su mes de residencia han explorado una serie de movimientos, gestualidades y materiales con los que intentan desplegar la polivalencia de ambos conceptos. Disponen y accionan un set de situaciones y objetos. Algunos elementos posibles desde los que construir la pieza final.

Bio Sebastian Lingserius es coreógrafo y performer residente en Estocolmo. Comenzó sus estudios en la Royal Swedish ballet school, y luego completó un Master de Coreografía en DOCH, dirigido por Mårten Spångberg. En 2011 Sebastien fundó KASS, plataforma desde la que desarrolla y produce todos sus trabajos. Desde el 2011 se ha ganado una reputación en el campo de la danza de Suecia como uno de los nuevos y más interesantes coreógrafos experimentales. A la hora de desarrollar paisajes sonoros, sets de escenario, iluminación y otros factores de la puesta en escena, Sebastian es reconocido por sus métodos de “Hazlo-tu-mismo”, donde es usual que los propios performers o él mismo intervengan en escena para desarrollar estas tareas, a modo de repensar las jerarquías del cuerpo. Co-produce la mayor parte de sus trabajos en colaboración con los teatros MDT, WELD y Dansens hus en Estocolmo. Habiendo bailado y coreografiado los últimos 10 años, considera que la danza es una espacio para redefinir aquello en lo que el individuo podría convertirse.

Nefeli Oikonomou es coreógrafa, performer, iniciadora, una artista de performance oriunda de Grecia y radicada en Suecia. Además de su trabajo como bailarina, desde el año 2006 desarrolla sus propias piezas coreográficas. Estudia danza (MoC) y diseño (UoA). Recientemente ha finalizado un Master en Coreografía en DOCH y un curso interdisciplinario de Organización del Discurso en la Universidad de Konstfack. Fue curadora del Practising Transitions Festival en Wip Konsthall en Årstaberg, y del Rhymes minifestival en Weld, en el que numerosos artistas participaron de performances, debates abiertos, exhibiciones, proyecciones y workshops. Es pareja en el duo DANCER de Sebastian Lingserius, estrenado en MDT, y presenta su trabajo personal Rhymes of Pleasure en Weld. Ha recibido el premio de LLB Wild Card Residence ICI-CCN Montpellier, y Life Long Burning, con su proyecto ‘Celebrate it’. A través del diálogo con diferentes artistas, Nefeli busca nuevos desafíos de intercambio, nuevas formas investigar y pone en escena relaciones. Su curiosidad por tergiversar las normas y su interés por los enfoques innovadores de convivencia recorren su inventario coreográfico.

A Contrapunto Paula Menchen (Essex/San Pedro de Alcántara) instalación. Paula trabaja desde la deconstrucción. Disecciona las partes y las reensambla para analizar cuánto del sentido inicial es aún reconocible. Sus obras comienzan por una investigación material, donde explora las distintas posibilidades de cada superficie: su translucidez, su resistencia, su textura. Busca el diálogo constante entre opuestos, lo complementario, analizar un material de frente y de revés. Elige, entonces, técnicas que refuerzan esta idea: el frotado, el molde, el grabado, la impresión, el estencil. Con ellas genera sus propios elementos, como un catálogo de ensayos materiales que luego pone en juego. Los combina y entrelaza como si fueran pinceladas de color. Sus piezas toman forma en esta acumulación, donde los materiales se superponen modelando una paleta y un volumen, en un proceso que la artista vincula principalmente a su formación en pintura. Entre dos columnas de la sala se extiende un collage de superficies perforadas (papeles y telas) sobre las que se han tomado impresiones del lugar: se reconocen tapetes de ganchillo tejidos por las mujeres del pueblo, escrituras grabadas en las paredes del castillo o inscripciones grabadas en placas de mármol. A través de él se proyecta la imagen del propio muro, de aquel muro que oculta. La proyección se descompone volviéndose luz y color, actuando como pigmento. El conjunto es, para Paula, una pintura que nos habla de las capas de historia de Blanca. Frente a ella se elevan dos piezas: Una puerta y una columna de papel que funcionan como ecos. Son la contraforma de los elementos sólidos y rígidos de arquitectura. Se enfrentan a su deconstrucción y se vuelven frágiles y etéreos.

Bio Desde niña sabía que estaba más interesada en lo creativo que en lo académico. Luego de un intento fallido en la escuela de drama, conocí a un profesor que cambió el curso de mi vida. Él logró capturar mi atención y me ayudó a enfocarme en mi mirada artística. Seguí mi camino observando y descubriendo y finalmente estaba graduándome en Otis Parsons School of Design. Estudié bellas artes con especialidad en pintura e instalación. Luego de graduarme comencé a exhibir mis instalaciones/construcciones en galerías locales en Los Ángeles y San Francisco. Me apasionan de igual manera la pintura que las técnicas de impresión. Para mi, estos medios son un canal de descubrimiento y experimentación. Observo los extensos paisajes terrestres o marinos como inspiración. A veces pinto capas translúcidas que lijo para crear una fusión de color. Otras veces corto y retiro trozos de la superficie pintada, revelando capas anteriores o el propio lienzo. Es a través de un proceso de suma y sustracción de pintura que se consigue la profundidad de un color. Con cada pintura se crea un balance entre el contraste de un color y un entramado intrincado de capas. Entiendo las pinturas como algo escultórico, por eso incluyo continuamente elementos esculturales en el espacio pictórico y en su superficie.

AADK Spain [Plataforma Internacional de investigación y creación contemporánea] Equipo 2017 Abraham Hurtado Director Artístico Elena Azzedín Directora del Programa de Residencias Selu Herraiz Director AADK Lab Juan Conesa Jefe de Producción Daniel Hernández Jefe de Comunicación Rubén Martínez Asistente de Producción Klara Menzel Gestión Cultural Harry Bullen Asistente de Comunicación Merve Özcan Diseño Visual Equipo Curatorial: Abraham Hurtado y Elena Azzedín Texto Curatorial: Giulianna Grippo

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Organizado y Producido

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Colaboración Sebastian Lingserius y Nefeli Oikonomou reciben el apoyo de: