Pop Art o Arte Pop by Ariadna Abigail Hernandez Lopez

O Arte Pop

Pop Art

Pop Art O arte pop w

ariadna abigail hernรกndez lรณpez

Obra editada en colaboración con Editorial Macmillan - Mexico Diseño de portada: ari.art Fotografías de portada: Pinterest Derechos Reservados © 2020 Grupo Editorial Santillana Av. Río Mixcoac número 274 Col. Acacias CP 03240, Benito Juárez, Ciudad de México Tel..: 5420 7530 Primera edición impresa en México: Agosto 2020 ISBN: 589-28-25-00461-2 Queda prohibida la reproducción total o parcial de este libro por cualquier medio o procedimiento, ya sea electrónico o mecánico, el tratamiento informático, el alquiler o cualquier otra forma de cesión sin la autorización previa y por escrito de los titulares del copyright. La violación a esta prohibición constituye un delito y una infracción, sancionados conforme a los artículos 424 fracción III del código Penal para el D.F. en materio de fuero común y para toda la República en materia de fuero federal; 231 fracción I de la Ley Federal del Derecho de Autor.

DEDICATORIA

Este libro se lo dedicó a mi familia pero en especial a mis padres pues me han apoyado en este camino al que llamamos vida y los cuales me han impulsado siempre día a día, ya que es parte de mi esfuerzo de lo aprendido en la facultad de diseño gráfico, de verdad agradezco mucho a mi familia, amigos y a mi novio por siempre apoyarme e impulsarme día a día por aguantar mi estrés pero aun así impulsarme a ser mejor cada día, a mis padres por apoyarme en mis estudios y en todo momento, a mi hermano Mario por admirar mi trabajo y siempre felicitarme. Pero también a mi profesor Rafael Ramírez Lozano por resolver mis dudas y corregirme en lo que estaba mal, por hacer la clase amena con chistes.

III

Agradecimientos

Este libro va dirigido a mis padres, pues ellos me han apoyado en todo este proceso tanto en mis estudios como en mis proyectos personales, me han impulsado día a día a seguir adelante, en todas mis ocurrencias que e tenido durante mi proceso de crecimiento profesional y personal los amo. También agradezco a mis hermanos que aun que en ocasiones me sacaron canas verdes y me distraían siempre han sido momentos amenos en mi vida y los amo mucho. A mis amigos Diego Salazar, María José Villegas y Emilia Ponce por aguantarme en mis cambios de humor y mis decisiones, por aclararme dudas y en lo que me atoro aveces con los proyectos, a mi profesor Rafael Ramírez Lozano por los conocimientos que comparte con nosotros de verdad muchas gracias. Y por último a mi novio Iván Estrada el cual a pesar de los altibajos que tenemos siempre esta, para escucharme y apoyarme siempre, él es mi motivación y mi motor una de las personas que más me importa y amo, por entenderme en mis momentos milkiway, en los cuales mi estrés se encuentra al full, pero el sigue ahí como siempre; apoyandome y amandome. Te amo Heleodoro. Gracias a todos por siempre permanecer a mi lado.

ÍNDICE

1.- Índice 2.- Introducción 3.- ¿Qué es Pop Art? 4.- Carácteristicas - ¿Cuál fue su importancia? 5.- Arte Pop y la publicidad 6.- Arte pop Estadounidense 7.- En el Reino Unido: Grupo independiente 8.- Pop Art en España - En Italia - En Japón - En los Paises Bajos 9.- Arte Pop Británico 10.- El Arte Pop y los cómics 11.- Artistas relacionados con el arte pop 12.- Importancia del Pop Art 13.- Escultura del Pop Art 14.- Principales representantes del Pop Art 15.- Obras destacadas del Pop Art

VII

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VIII

INTRODUCCIÓN

l arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto, de cualquier forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones. Del mismo modo, el arte pop era una extensión como un repudio del Dadaísmo, mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters, Man Ray, Max Ernst y Jean Arp.

El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a principios de los años 1960 en los Estados Unidos, con diferentes motivaciones, en Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como dibujo de contornos nítidos) y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto.

En contraste, el origen en la Bretaña de la posguerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular estadounidense, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad.

¿Qué es el pop art? CAPÍTULO. 1

Pop Art

rte pop o Pop Art es un movimiento artístico surgido en Reino Unido y Estados Unidos a mediados del siglo XX, inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo de la época, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales mundanos y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, presenta una forma de ver y tratar el arte, más global y social, no para pocos elitistas, sino para todos es popular, al utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. El arte pop es considerado un arte moderno, junto con el minimalismo y por lo

tanto precursores del arte postmoderno, aunque vista desde lejos, mientras que los artistas estadounidenses estaban comprometidos con los derechos civiles, por la participación y por protestar en contra de la Guerra de Vietnam; estos mismos rechazaban el consumismo y los valores conservadores. Muchos artistas adoptaron técnicas mecánicas de imprenta para reflejar el mundo contemporáneo y distribuir su arte en masa. La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen. El arte pop surge como un rechazo al arte expresionista abstracto, al cual consideraban vacío y alejado de la realidad de la sociedad. Su propuesta no

satisfacía a muchos artistas que comenzaban apenas sus quehaceres artísticos, pero que no comulgaban con la perspectiva impersonal del arte abstracto. Además, éste se encontraba restringido para las elites, en las galerías y lejos de la comunidad ordinaria, hecho que pronto cambiaría con los artistas pop. Movimiento artístico que surge en los años cincuenta. Emplea imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicados a las artes visuales. Subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. El término “Pop-Art” fue utilizado por primera vez por el crítico

cap.1 ¿qué es el pop art?

holandés Lawrence Alloway en 1958, al definir las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi, entre otros. Otro crítico, Lewis Gennig, puso énfasis en esta denominación hacia 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo con el empleo de imágenes populares; de este modo quedó relegado el término Neo-Dada o neodadaísmo para la entonces nueva corriente estética. El arte pop es la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en una adicción. El máximo exponente del movimiento, Andy Warhol, afirmaba que:

“La razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser una máquina”.

Obra de Andy Warhol

cap.1 ¿qué es el pop art?

CARÁCTERISTICAS El movimiento urbano que constituye el arte pop, al contrario que el Expresionismo abstracto, pretende unir arte y vida mediante el enfriamiento de las emociones. Tiene el propósito de reflejar la superficialidad de los elementos de la cultura de masas en sus obras, es decir, coge productos de consumo accesibles para todos y los representa. Con esto se destaca la inexpresión y la impersonalidad del objeto, alejándose de cualquier tipo de subjetividad del artista. Por otro lado, la repetición es una característica que abunda en este movimiento ya que en los medios de comunicación se usa como método tanto como para crear iconos como para anestesiar a la sociedad sobre problemas graves. Por lo tanto, en este punto de la historia del arte, el arte ya no imita la vida, sino que es la vida que imita el arte o la imagen. - Rechazo total al expresionismo abstracto. - Querían colocar el arte en contacto con el mundo y la realidad. - Usaba un lenguaje figurativo y a la vez realista, a fin de expresar las diferentes culturas e ideas del mundo contemporáneo. - Arte sin ninguna clase de pensamiento crítico. - Los temas que se representaban se concebían como razones que justificaban la propia existencia de la pintura. - La temática principal se tomaba de las ciudades, aspectos sociales, revistas cómics, cine, televisión y radio. - Lenguaje figurativo y que representaba objetos reales. - Representación del carácter inexpresivo, de manera frontal y en ocasiones de repetitivamente. - Mezcla de la pintura con algunos objetos reales en la misma obra. - Contaba con una serie de preferencias por las clases sociales, la violencia y la fama. - Enfocado mucho en el erotismo y el sexo. - Las formas que solían representarse por lo general se hacían en escalas naturales y muchas veces ampliadas.

cap.1 ¿qué es el pop art?

¿Cuál fue su importancia? Gracias al pop arte, lo que hicieron los artistas fue representar las variadas figuras artísticas públicas que fueron o son representativas para una nación, y a partir de ello, se van creando mensajes dirigidos a las naciones gracias a varios elementos cotidianos que crean vínculos entre las personas y las obras. Es una manera de tratar los elementos más emblemáticos de un país desde otra perspectiva, lo que ha hecho de este arte, algo muy interesante. Por medio del pop art, los artistas logran representar las diferentes figuras artísticas públicas que son o han sido más representativas para una nación, y a partir de esto, se crean mensajes dirigidos las naciones por medio de diferentes elementos cotidianos creando vínculos entre las personas y las obras.

Arte pop y la publicidad CAPĂ?TULO. 2

POP ART EN LA PUBLICIDAD

a publicidad se ha nutrido del arte y sus diversas técnicas de impresión para la producción de la imagen publicitaria favoreciendo así la integración con el medio urbano y configurar parte del imaginario colectivo. Por su parte la relación inversa puede ser vista desde la multiplicación de la imagen comercial (como en la serie de las sopas Campbell) como un intercambio de la publicidad con el arte, desde donde se discute el comercialismo como una afrenta directa a la técnica y filosofía del expresionismo abstracto a lo relativo a la democratización de productos y del arte hasta la implantación de un discurso del régimen fordista de producción. Como parte de la socialización o acercamiento del arte a la sociedad el arte pop proyecta y uso técnicas de diseño que implica una cultura visual y cuyo fenómeno extendido es la apropiación de obras de arte, en una función educomunicativa, al no dejar de ser educativas a la sociedad a pesar de ese ámbito puramente comercial. Se utilizan colores puros y brillantes, combinación de pintura con objetos reales y una constante ironía y provocación llena de humor. De la misma manera, este fenómeno artístico se ha acercado a las artes populares y gráficas como la publicidad en la que ha sido empleado en infinidad de ocasiones constituyendo una nueva forma de expresión en los medios publicitarios. Así, la estética del pop art se halla presente en numerosos eventos publicitarios, acciones de Street marketing, merchandising y una gran cantidad de anuncios publicitarios, ya que se trata de una técnica efectiva a la hora de comunicar los mensajes que despierta la atención y el interés del público.

1919

cap.2 el arte pop y la publicidad

La experiencia cotidiana marca las pautas de un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas y entendibles por el espectador contemporáneo, un arte desligado del compromiso y de fuerte carga visual, una producción artística que enlaza directamente con el mundo de la publicidad. Todas las personas relevantes ansiaban tener su propia visión pop. De este modo, delante de Andy Warhol se pusieron Marilyn Monroe, Jacquelin Kennedy, Grace Kelly… para que el artista dejase constancia de su paso por la modernidad. Asimismo, colores puros, brillantes, fluorescentes, provocación, la utilización de materiales como la gomaespuma y una constante provocación llena de humor son algunas de sus características . Así como el Pop Art en un inicio tomó aspectos de la publicidad, hoy en día, los diseñadores hacen uso de esta corriente artística para imprimirla dentro de los anuncios, ya sea por el gusto a sus características o porque pretenden hacerlos distintivos.

cap.2 el arte pop y la publicidad

Los caminos del arte y de la publicidad, han seguido una línea paralela (que no similar) en cuanto que hay una clara influencia o vinculación entre ambas líneas ya desde finales del siglo XIX y principios del XX, sobre todo en la época de las vanguardias artísticas, donde el creador trataba de romper o investigaba diferentes propuestas creativas en sus obras. El arte, sobre todo durante el siglo XX, encontramos recursos y formas procedentes del mundo o del lenguaje publicitario, y en publicidad podemos encontrar cómo trata de acercarse a una concepción más artística en sus propuestas. Sin embargo, en cuanto a su finalidad última, vemos claras las diferencias, en su función y en su recepción. La recepción de la publicidad pretende alcanzar un público amplio para la mercantilización de un producto concreto, mientras que el arte cumple una función estética, una función placentera por sí misma, es un medio en sí misma, mientras que el arte es un medio para conseguir un fin comercial.

En este sentido vemos una aún más estrecha vinculación, ya que un mismo lenguaje ha resultado ser o tener dos concepciones diferentes en distintos periodos históricos, debido a esa percepción histórica, a esa mirada del pasado y, por lo tanto, a la descontextualización de un lenguaje que en su origen tenía un mensaje diferente al que hoy en día tiene. Esa descontextualización del lenguaje publicitario se verá muy bien en el movimiento artístico más reconocido en cuanto a la utilización mismo, el Pop Art. El Pop Art, debido a su herencia, un periodo de consumismo casi abusivo, un consumo con el que se pretende obtener una felicidad perfecta en el entorno familiar, una idea superficial que se quiere conseguir con un modo superficial, utilizará los recursos publicitarios del momento para hacer crítica, parodia incluso de tal exceso de un modo nostálgico. Pero no es una nostalgia auténtica,

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cap.2 el arte pop y la publicidad

es una crítica enmascarada que utiliza medios reconocibles por todos para dotarlos de significados diferentes, utiliza una iconografía reconocida en su época para dotarla de un valor completamente diferente. En este ámbito crítico hay cierto grado de fascinación por esa sociedad de consumo, de ahí esa imagen nostálgica que utilizan. En el uso del lenguaje publicitario como arte vemos productos de la vida cotidiana, caras de celebridades que inundan los tabliodes del momento, productos de consumo que son convertidos en piezas de arte, artículos de colección exclusivos, limitados que rápidamente vuelven a ser reconducidos al mundo comercial debido a su abundancia en el mercado. Hay una constante retroalimentación de la alta y baja cultura, es decir, un producto del supermercado producido en serie y que se puede encontrar en cualquier hogar común se convierte en un símbolo de exclusividad, al ser reproducido en un lienzo o hacer una reinterpretación del mismo siendo utilizado en una obra artística, y de nuevo, esa marca reproducida o hecha arte, se convierte en un producto mercantilizado al hacer de él una nueva reinterpretación (por ejemplo, cuando se lleva su reproducción a un póster). De ahí la contaminación constante entre la baja y alta cultura, de imágenes, iconos y productos que van y vienen, y que se transfieren de un sector a otro. El Pop, con esta utilización de iconos reconocibles, al utilizarlos como imágenes únicas y originales, apela al exceso haciendo una gran defensa al producto exclusivo y original, a lo único. Ahora, el “tener más” es sustituido por el “tener exclusivo”, y, en esa vinculación entre el arte y la publicidad, la publicidad se hará eco en esta idea y su nuevo lenguaje sacado del mundo del arte, será tratar al consumidor como especial y excepcional como elemento de mercantilización. Otra vez nos encontramos con el constante “toma y daca” entre el arte y la publicidad.

cap.2 el arte pop y la publicidad

Cambios que desencadenó: Desde luego, uno de los aspectos más importantes que desencadenó fue precisamente esa innovadora forma de utilizar un nuevo lenguaje, un lenguaje existente que adaptó de manera completamente nueva, el lenguaje comercial y la utilización de productos comunes como iconos de una época, dotándolos de exclusividad, de autocrítica y parodia y convirtiéndolos en obras de arte (un recurso en el que vemos cierta influencia de Duchamp), descontextualizando los símbolos y convirtiéndolos en una suerte de ready-mades que utiliza como metáforas de la sociedad en la que vive. Además, supusieron un cambio en cuanto al formato artístico utilizado, ya que tras un periodo de negación de la figuración y defensa de la abstracción, se regresa a la figuración, pero no tanto como un ataque al Expresionismo Abstracto, sino más bien porque era en la figuración donde encontraron su medio de expresión, aunque sí existía cierto ataque, no podemos decir que el movimiento del Pop Art se deba a esa animadversión, sería limitar mucho su nacimiento. Además de la utilización de un nuevo lenguaje, también utilizarán nuevas técnicas bastante controvertidas en este momento, como la serigrafía, el collage o la utilización de objetos ya existentes dotándolos de una lectura diferente modificando algún aspecto del mismo. Sin embargo, aún sigue habiendo mucho de artesanal, pero son técnicas que no se habían utilizado tan ligeramente hasta ahora y que eran consideradas artísticas y por ellos, criticadas. Esta utilización de los formatos es debido al intento de despersonalización del arte, a la influencia de la producción en serie, pasando de un arte individualizado a un arte que parece mecanizado. Por ejemplo, en las serigrafías de Marylin Monroe de Warhol, el artista ¿quién es? ¿El fotógrafo que tomó la imagen o Warhol que la convirtió en lo que es? Encontramos un “anonimato” en la producción de la obra (un anonimato que no es real).

cap.2 el arte pop y la publicidad

Uno de los aspectos más importantes que tuvo la cultura Pop es precisamente esa influencia y juego de idas y venidas entre la alta cultura y la baja, entre el arte y la publicidad, y que hoy en día sigue estando a la orden del día, donde productos de consumo pueden llegar a ser verdaderas obras de arte y donde obras de arte de gran reconocimiento se utilizan en el mundo comercial (por ejemplo, la reproducción del cuadro de Los Girasoles de Van Gogh en un puzzle). No deja de haber un intento de reinterpretación del concepto “arte”, lo cuestionan y muestran con sus obras la concepción que tienen de sí mismo como “antiarte” (algo que ya vimos con los dadaístas, pero que vuelve con ánimo arrasador), como arte que se libra de la subjetividad, de la identidad, de la individualidad… convirtiendo la obra de arte como imagen, como objeto, pero en el fondo hay una perversa crítica y una parodia sutil. En este momento, la imagen del artista como persona de aire intelectual y bohemio se incrementa exponencialmente (ya vimos la visión de genio creador en el Expresionismo Abstracto), que se rodea de las compañías adecuadas, desde luego el ejemplo más claro es Warhol, pero no es el único en el mundo del arte, y con arte me refiero a cualquier campo artístico (música, cine…). Sin embargo, esta concepción de artista no deja de ser superficial y está sometido a las modas pasajeras del momento (un día eres rentable pero inmediatamente dejas de serlo). Y en este punto, retomo el concepto de “anonimato” del que hablaba en la pregunta anterior.

cap.2 el arte pop y la publicidad

Que se intente realizar una despersonalización del arte como otro medio de crítica a la cultura de masas, no significa que se trate de restar valor a uno mismo, el nombre es fundamental, es como una “marca”, el artista es reconocido y valorado (o criticado) pero una figura fundamental de la alta cultura. Esta visión es precisamente la que alimenta además, la imagen de alta cultura como algo exclusivo y único y el artista pertenece a ella y en ese mundo de lo especial y raro surge el concepto “underground”, relacionado con cualquier producción artística innovadora, única, selecta y limitada, que no gusta a las masas sino a un sector específico, una pequeña masa intelectual y cerrada en sí misma. La industria de la moda es un negocio de masas, que de hoy en día todas las ventas que consigue y de la forma que consigue llegar al público es mediante la publicidad. Rasgo en común con el Pop Art, una forma de arte vinculado al consumismo, al simbolismo y a las masas. Estrechamente relacionado con la publicidad. La moda consigue llegar al público mediante la publicidad, por diferentes medios o canales de información, redes sociales, internet, vallas publicitarias, slogans, carteles, publicaciones, spots, fashion films etc, en este caso he hecho un research de varias publicaciones en revistas, editoriales de moda en su gran mayoría que desprenden rasgos fundamentales del arte y la estética pop. Hoy en día el pop art se sigue manteniendo como aspecto visual, desde sus inicios a la actualidad ha ido evolucionando en la forma de manifestarse y de llegar al consumidor; pero sigue manteniendo los mismos valores, un arte popular de consumo. La estética pop en la moda se sigue manteniendo, con alguna modificación pero todo hace referencia, desde la gama cromática, los símbolismos, los cómics, los logos etc Editoriales sacadas de Vogue Korea, Vogue Japón y de la revista L´officiel.

el arte pop estadounidense CAPĂ?TULO. 3

EL ARTE POP ESTADOUNIDENSE

unque el movimiento comenzó a finales de 1950, el arte pop en Estados Unidos tuvo su mayor impulso durante la década de 1960. En ese momento, la publicidad estadounidense había adoptado muchos elementos e inflexiones del arte moderno y funcionaban a un nivel muy sofisticado. En consecuencia, los artistas de Estados Unidos tenían que buscar más profundo para los estilos dramáticos que se distancian del arte de los materiales bien diseñados e inteligentemente comerciales. Por lo que los británicos consideraban a las imágenes de la cultura popular estadounidense desde una perspectiva un tanto alejada, sus puntos de vista se corresponden a menudo con lo romántico y connotaciones sentimentales o humorísticas. Por el contrario, los artistas de Estados Unidos siendo bombardeados a diario con la diversidad de las imágenes producidas en masa, producen en general un trabajo más audaz y agresivo. Dos pintores de gran importancia para la creación del lenguaje utilizado por el pop estadounidense son Jasper Johns y Robert Rauschenberg. Las pinturas de Rauschenberg tienen relación con los trabajos anteriores de Kurt Schwitters y otros dadaístas, y demuestran una preocupación por las cuestiones sociales del momento. Su método consistía en crear arte con materiales efímeros, con los que representaba acontecimientos de actualidad con los que los estadounidenses convivían día a día, lo que dotó a sus obras de una calidad única.

cap.3 el arte pop estadounidense

El trabajo de Johns y Rauschenberg de la década de 1950 está clasificado como NeoDada, y es visualmente distinto del clásico Arte pop norteamericana que comenzó en la década de 1960. De igual importancia para el arte pop es Roy Lichtenstein. Su trabajo probablemente define la premisa básica del arte pop mejor que cualquier otro a través de la parodia. Selección de la tira cómica antigua como la materia, Lichtenstein produce un duro filo, la composición precisa que los documentos, mientras que las parodias de una manera suave. Las pinturas de Lichtenstein, como las de Andy Warhol, Tom Wesselmann y otros, comparten un vínculo directo a la imagen habitual de la cultura popular estadounidense, sino también tratar el tema de una manera impersonal, ilustrando claramente la idealización de la producción en masa. Andy Warhol es probablemente la figura más famosa del arte pop. Warhol intentó tomar Pop más allá de un estilo artístico a un estilo de vida y su obra a menudo se muestra la falta de afectación humana que prescinde de la ironía y la parodia de muchos de sus compañeros.

las obras de arte Pop Art fueron las lĂneas claras y las representaciones de los sĂmbolos, personas y objetos encontrados en la cultura popular y la pintura fuerte.

el reino unido: grupo independiente CAPĂ?TULO. 4

EL REINO UNIDO: EL GRUPO INTEPENDIENTE E

l Grupo Independiente, fundado en Londres en 1952, es reconocido como el precursor del movimiento artístico pop. Eran un grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos, escritores y críticos que desafiaban la visión modernista de la cultura así como la perspectiva tradicional de ver las Bellas artes. Las discusiones del grupo se centraban en la cultura popular y la implicación de la aparición de dichos elementos de comerciales, películas, tiras cómicas, ciencia ficción y la tecnología. Durante la primera reunión del Grupo independiente en 1952, el cofundador, artista y escultor Eduardo Paolozzi presentó una lectura utilizando una serie de collages titulado Bunk!, el cual había ensamblado durante su estancia en París entre 1947 y 1949. El material consistía en «objetos encontrados» tales como anuncios, personajes de tiras cómicas, portadas de revistas y material gráfico que representaba la cultura estadounidense. Una de las imágenes utilizada en dicha presentación fue un collage de 1947 de Paolozzi titulado I was a Rich Man’s Plaything, el cual incluye la primera vez en que se utilizó la palabra “pop que aparecía en una nube de humo que emergía de un revólver. Después de dicha presentación, el grupo independiente se enfocó principalmente en el uso de imágenes de la cultura estadounidense, principalmente aquellas que aparecían en los medios de comunicación masivos.

El término arte pop fue acuñado finalmente por John McHale en 1954 con la finalidad de describir el movimiento. Este fue utilizado en las discusiones del

cap.4 el reino unido: el grupo independiente

Grupo independiente durante su segunda sesión realizada en 1955 y la primera aparición de dicho término en una publicación impresa tuvo lugar en 1956, en un artículo publicado en Arc por parte de los miembros del Grupo Alison y Peter Smithson. Sin embargo el término generalmente es acreditado al crítico y curador británico Lawrence Alloway, quien en un ensayo titulado The Arts and the Mass Media (las artes y los medios masivos) de 1958 utilizó el término «popular mass culture» (cultura popular de las masas).

primera sesión (1952) El primer encuentro de el Independent Group fue a comienzos de 1952 y consistió en una sesión en la cual el artista y escultor Eduardo Paolozzi proyectó una gran cantidad de imágenes a color de revistas norteamericanas con la ayuda de un episcopio. Estas imágenes, que incluían propagandas, historietas y gráficos diversos, Paolozzi las había recolectado durante su permanencia en París desde 1947 a 1949. Gran parte del material estaba encarpetado en collages de recortes y formaba la base de su serie de impresiones BUNK! (1972) y los Krazy Kat Archives que se encuentran en la actualidad en el V & A Museum, Londres. De hecho el collage inicial de 1947 de Paolozzi titulado I was a Rich Man’s Plaything (literalmente: “Yo fui el juguete de un hombre rico”) fue el primer material de “objeto encontrado” que utilizó la palabra ″pop″ y es considerado el portaestandarte inicial del “Pop Art”. El resto de la sesión inicial del Independent Group se dedicó a filosofía y tecnología durante septiembre de 1952 a junio de 1953, y el crítico e historiador Reyner Banham fue el moderador y presidente de la sesión.

Las cuatro latas de Sopa de tomate Campbell del 50 aniversario “Art Of Soup” con un autógrafo facsímil de Andy Warhol, un retrato y una cita de él. Las latas conmemorativas se lanzaron el 2012-09-02 en Target Stores. Contienen sopa de tomate real.

cap.4 el reino unido: el grupo independiente

segunda sesión (1954) El Grupo no se volvió a juntar hasta finales de 1953 o comienzos de 1954, ya que estaban concentrados en preparar un programa de presentaciones públicas en la ICA, sobre Problemas Estéticos del Arte Contemporáneo. Se unieron miembros nuevos al Independent Group para la segunda sesión, incluidos los arquitectos Alison y Peter Smithson. Los Smithson junto con Paolozzi, Henderson, Ronald Jenkins, Toni del Renzio, Banham y otros prepararon la exposición, Paralelo de la Vida y el Arte en el ICA en el otoño de 1953. Reyner Banham renunció como presidente del Independent Group, ya que estaba ocupado con su tesis de doctorado en el Courtauld Institute of Art, y a finales de 1954 Dorothy Morland le pidió al crítico de arte Lawrence Alloway y al artista John McHale que convocaran al Independent Group para su segunda sesión. La pintora Magda Cordell y su esposo, el productor musical Frank Cordell se unieron al Independent Group.

This is Tomorrow (1956) En 1956, el grupo llegó a la atención del público más amplio con su participación en la exposición This is Tomorrow . El IG dejó de reunirse formalmente en 1955, pero los miembros de IG siguió reuniéndose informalmente hasta 1962-1963, y las conexiones entre los diversos miembros continuó a dar sus frutos en los años posteriores de su práctica creativa.

El arte pop se basa en la extracciรณn de material de su contexto y aislรกndolo o asociarse con otras materias para la contemplaciรณn.

pop art en españa CAPÍTULO. 5

POP ART EN ESPAÑA

n España, el arte pop se asocia con la "nueva figuración", que surgió de la crisis del informalismo. Eduardo Arroyo puede incluirse en el arte pop por su interés por el medio ambiente, su crítica de la cultura de los medios que incorpora iconos tanto de los medios de comunicación de masas como de la historia de la pintura, así como por su desprecio por los estilos artísticos establecidos. Alfredo Alcaín puede ser considerado uno de los artistas "pop" más auténticos de España por el uso imágenes populares y de espacios vacíos en sus composiciones. El Equipo Crónica, formado por los artistas Manolo Valdés y Rafael Solbes en Valencia entre 1964 y 1981, también se encuentra en la categoría del arte pop por el uso de los cómics e imágenes publicitarias, y la simplificación de las imágenes y composiciones fotográficas. El cineasta Pedro Almodóvar, quien surgió de la subcultura de la Movida madrileña de los años 1980, realizó películas de arte pop de bajo presupuesto super-8 y fue llamado el "Andy Warhol de España" por la prensa. En el libro Almodóvar en Almodóvar, el cineasta afirmó que la película Funny Face de 1950 fue una inspiración central en su obra. Una característica "pop" en las obras cinematográficas de Almodóvar es que siempre produce e incluye un anuncio falso en una las escenas.

cap.5 pop art en españa

pop art en italía

n Italia, el arte pop fue conocido desde 1964 y tomó diferentes formas, como la Scuola di Piazza del Popolo en Roma, con artistas como Mario Schifano, Franco Angeli, Giosetta Fioroni, Tano Festa y también algunas piezas de arte de Piero Manzoni y Mimmo Rotella. El pop art italiano se gestó con la cultura de los años 1950, con los trabajos de dos artistas en particular: Enrico Baj y Mimmo Rotella, considerados los líderes del movimiento. De hecho, fue entre los años 1958 y '59 que Baj y Rotella abandonaron sus anteriores carreras — las cuales podrían ser definidas en general como un género no representativo a pesar de pasar por el post-Dadaismo— para catapultarse hacia el mundo de las imágenes y reflejos que estaban brotando a su alrededor. Los pósteres de Mimmo Rotella consiguieron un gusto más figurativo, a menudo explícitamente e intencionalmente refiriéndose a los grandes íconos de la época. Las composiciones de Enrico Baj estuvieron inmersas en el kitsch contemporáneo, lo que terminaría siendo una mina de oro de imágenes y un estímulo para toda una generación de artistas. La novedad se apoya en el nuevo panorama visual, tanto dentro de cuatro paredes como fuera: automóviles, señales de tránsito, televisión, todo el “nuevo mundo”. Todo puede pertenecer al mundo del arte, el cual es nuevo en sí mismo. Desde ese punto de vista, el arte pop italiano toma el mismo camino ideológico que la escena internacional; lo único que cambia es la iconografía y en algunos casos, la presencia de una actitud más crítica. Incluso en este caso, los prototipos pueden ser hallados originialmente en Rotella y Baj, ambos lejos de ser neutrales en su relación con la sociedad.

cap.5 pop art en españa

Sin embargo este no es un elemento exclusivo; hay una larga lista de artistas, desde Gianni Ruffi hasta Roberto Barni, desde Silvio Pasotti hasta Umberto Bignardi y Claudio Cintoli que tratan la realidad como un juguete, como una vidriera de donde sacar material con desencanto y frivolidad, cuestionando los modelos lingüísticos tradicionales con un renovado espíritu de diversión al estilo Aldo Palazzeschi.

pop art en japón

l arte pop en Japón es único e identificable como el japonés, debido a las materias regulares y estilos.En 1965 muchos artistas pop japoneses se inspiran en gran parte del anime y el manga, y en ocasiones ukiyo-e y el arte tradicional japonés. El artista más conocido del pop en la actualidad en Japón es Takashi Murakami, cuyo grupo de artistas, Kaikai Kiki, es mundialmente conocida por su propio movimiento de arte producidas en serie, pero muy abstracto y único superflat, un surrealista, movimiento post-moderno, cuya inspiración viene sobre todo de anime y la cultura callejera japonesa, es sobre todo para los jóvenes en Japón, y ha hecho un gran impacto cultural. Algunos artistas de Japón, como Yoshitomo Nara, son famosas por su arte del grafiti de inspiración, y algunos, como Murakami, son famosos por plástico producidos en serie o figuritas polímero. Muchos artistas pop en Japón utilizan surrealista u obsceno, imágenes impactantes en su arte, tomado del hentai japonés. Este elemento de la técnica llama la atención de los espectadores jóvenes y viejos, y es muy sugerente, pero no se toma como ofensiva en Japón. Una metáfora común utilizada en el arte pop japonés es la inocencia y la vulnerabilidad de los niños y jóvenes. Artistas como Nara y Aya Takano los niños utilizan como materia en casi todos los de

cap.5 pop art en españa

su arte. Mientras Nara crea escenas de ira o de rebelión a través de los niños, Takano comunica la inocencia de los niños al retratar chicas desnudas. Por otro lado, cabe a destacarla figura femenina de Yayoi Kusama como referente del arte pop fusionado con contenido autobiográfico, psicológico y sexual. Kusama también es una novelista y poeta publicada, y ha creado trabajos notables en filmes y diseño de moda. Retrospectivas de gran tamaño e importancia han sido expuestas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Whitney de Arte Estadounidense, y el Tate Modern, mientras que en 2008 Christie’s en Nueva York vendió una de sus obras en $5.1 millones de dólares, todo un récord. A pesar de esto, cuando en 1973 Kusama se mudó a Japón, se encontró una escena del arte mucho más conservadora que la de Nueva York. Es por eso que se convirtió en marchante de arte propio. Más adelante, en 1977, se internó de forma voluntaria en un hospital debido al padecimiento de algunos problemas psiquiátricos.

pop art en paises bajos

ientras que en los Países Bajos no había movimiento Pop Art formal, hubo un grupo de artistas que pasó un tiempo en Nueva York durante los primeros años de Pop Art y se inspiró en el arte pop internacional. Los principales representantes del arte pop de los holandeses son Asselbergs Gustave, Woody Van Aamen, Daan van de Oro, Bentley Rik, Jan Cremer, Wim T. Schippers y Frenken Jacques. Tenían en común que se opusieron a la mentalidad de la pequeña burguesía holandesa por la creación de obras humorísticas con un tono grave. Los ejemplos incluyen Sexo en punto de Woody van Amén y Crucifijo / Meta de Jacques Frenken.

artistas pop de los Estados Unidos utiliza para duplicar, reproducir, superposición, combinar y organizar un sinfín de elementos visuales que representan la sociedad y la cultura. Andy Warhol, uno de los artistas pop más famoso de América había un interés real en las estrellas de cine. En 1962, su pasión se refleja en sus obras retrata a Marilyn Monroe.

el arte pop y los cรณmics CAPร TULO. 6

EL ARTE POP Y LOS CÓMICS

on multitud las obras de arte pop basadas en historietas.algunas de estas obras son: Román Gubern destaca con Flash (1963), Richard Pettibone con Tricky Cad (1959), Jess Collins con Dick Tracy (1960), Andy Warhol con Good Morning, Darling (1964) y Roy Lichtenstein con As I Opened Fire (1964). Es asimismo conocida la relación entre el artista pop Allen Jones y el dibujante de cómics John Willie. Con los años, algunos historietistas serían influidos a su vez por el Pop-Art. Es el caso del belga Guy Peellaert, autor de obras como Jodelle (1966) y Pravda la Survireuse (1968).

¿comó es el cómic en el estilo pop? La estética inspirada en la publicidad y el cómic con la que el artista estadounidense Roy Lichtenstein revolucionó los conceptos del arte en la década de 1960, protagoniza una exposición en el museo Albertina de Viena, que reúne 60 dibujos y 17 pinturas de uno de los iconos del arte pop. Ya el título de la muestra, Blanco y negro, advierte al visitante de lo que se va a encontrar en las paredes de la famosa galería vienesa: escenas propias de historias ilustradas o dibujos que bien podrían acompañar un anuncio comercial. Es un estilo con el que el artista "cambió el curso de la historia del arte", comentó en la presentación de la muestra el director del Albertina, Klaus-Albrecht Schröder. Técnica del comercial La muestra incluye algunos de sus típicos retratos, en los que hermosas jóvenes lanzan al público una frase que resulta llamativa por cuanto no existe contexto alguno. Desde el punto de vista de la técnica, destaca el uso del

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Benday-dots, el sistema de impresión comercial similar al puntillismo, que, en el trabajo de Lichtenstein, adquiere tanta importancia como el tema que se expone. Con su recurso a técnicas y motivos más propios de la publicidad, Lichtenstein, al igual que el otro icono del pop art, Andy Warhol, apostó por derribar las barreras entre el arte elevado y el popular. En las obras que se exhiben ahora en el Albertina, se percibe cómo Lichtenstein da al dibujo la misma dimensión artística que a la pintura. Una taza de café humeante, un pollo en una fuente, un cuarto de baño, una mano que unta manteca de cacahuete en un pan: escenas banales y superficiales en las que el uso del punto y el color como simple instrumento de impresión son las técnicas esenciales.

Bily Butcher: Experto en el diseño de cómic al estilo pop art

Durante el movimiento pop art, los artistas disfrutaron de objetos satirizar mediante la ampliación de los objetos de proporciones masivas. La comida era un tema común en el movimiento pop, así como objetos de la casa tales como sillas y baños de plástico blando en lugar de cualquier material que por lo general están hechas. Por ejemplo, el higiénico suave por Claes Oldenburg .

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biografía de bily butcher

no de ellos es Bily Butcher; ilustrador y diseñador brasileño; quien actualmente es muy solicitado por diversos grandes clientes como: Netflix, ESPN, Ogilvy & Mather UK Group, Michael Jordan, Black Mirror, entre otros. Las ilustraciones de Bily están cautivando al mundo. Y es que éstas exploran el mundo del pop art al estilo cómic, a través de famosos personajes del ambiente artístico. Desde Patrick Morrissey de ‘The Smiths’ hasta el gran David Bowie, Butcher logra mostrarnos a estos artistas como nunca antes los habíamos visto, como superhéroes. Graduado en Diseño Industrial. Dedicado a la ilustración, diseño y a la dirección artística; la mayor parte de su carrera, orientado al diseño web. Bily Butcher recuerda que empezó a sentirse interesado por el arte desde muy pequeño. Claro que en ese momento, él tenía otra forma de ver el mismo debido a su edad. No obstante, esto no fue un impedimento para

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que él pase sus días observando y apreciando toda manifestación de arte. Ya sea a través de mangas de vinilo, libros de cómics, revistas y libros. Por otro lado también nos comenta que le gustaba pasarse los sábados por las mañanas viendo dibujos animados y películas. Y es que esas eran algunas de sus fuentes de inspiración, incluso hasta el día de hoy. Al igual que los videojuegos, la tecnología, religión e incluso la política, estos son algunos de los medios por los cuales él consigue la motivación suficiente para que la creatividad fluya. Por otro lado también nos comenta que le gustaba pasarse los sábados por las mañanas viendo dibujos animados y películas. Y es que esas eran algunas de sus fuentes de inspiración, incluso hasta el día de hoy. Al igual que los videojuegos, la tecnología, religión e incluso la política, estos son algunos de los medios por los cuales él consigue la motivación suficiente para que la creatividad fluya. Es así como podemos ver al cálido Patrick Morrissey convertido en el Increíble Hulk, como también, podemos ver a al sombrío y romántico Robert Smith en búsqueda de la conquista a una hermosa mujer. Todos estos bajo la misma temática pop art al estilo cómic. Muchos de los referentes de este artista, varían entre músicos, directores de cine, diseñadores y demás. Entre ellos destacan: Stanley Kubrick, Salvador Dali, David Bowie, Jack Kirby, Shigeru Miyamoto, Roy Lichtenstein, Quentin Tarantino, Steve Ditko, Charles Bukowski, Toulouse-Lautrec, Tony Wilson, Robert Crumb, Rene Magritte, Tim Burton, Sal Buscema, Osamu Tezuka, Malcom McLaren, Frank Miller, Andy Warhol, etc. Todos ellos son quienes motivan a que día a día, Bily mejore su técnica en cuanto a la influencia del pop art en el diseño gráfico al estilo cómic respecta.

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Aunque parezca increíble, ser un artista, jamás fue una opción para Bily, puesto que él no consideraba que ésta podría ser una profesión. Los que él estaba buscando al momento de elegir una profesión, era objetividad y como sabemos, el arte se basa en la subjetividad. Butcher asegura que se encontraba en un trabajo sumamente aburrido cuando empezó a experimentar con el arte. Y fue así como empezó, por aburrimiento. A pesar de su gran talento y creatividad, él no se consideró un artista. Sin importar que sus trabajos se vuelvan virales a través del internet, él seguía considerando que le faltaba mucho para ser un artista. Fue recién cuando la gente empezó a llamarlo de esa forma, cuando él aceptó serlo. Bily Butcher quiso dejar una frase para todos aquellos amantes del arte que quieran dedicarse a esta profesión: «Es curioso cómo los colores del mundo real sólo parecen reales cuando los ves en la pantalla».

Todas estas ilustraciones tambiĂŠn tienen una referencia importante de la relaciĂłn entre si. Ya que procura que los motivos en la vida real con los ficticios tengan una congruencia.

Uniendo la oscuridad de Curtis con la de Batman, el rubio de Cobain con Thor o el heroĂsmo de las chicas superpoderosas con el activismo de izquierda de Pussy Riot en Rusia.

Los colores brillosos y terminaciones opacas son un estilo muy peculiar de ĂŠl. Esto para dar mayor semejanza a un cartel creado durante los 70Â´sy 80Â´s, manteniendo lo retro vigente.

Algunas de las interpretaciones que realiza en sus ilustraciones van desde un Thor convertido en Kurt Cobain. Hasta un Ian Curtis Convertido en Batman o las Pussy Riot convertidas en las Chicas Superpoderosas.

artistas relacionados con el pop art CAPĂ?TULO. 7

ARTISTAS RELACIONADOS CON EL POP ART Peter Blake

s un pintor inglés contemporáneo, perteneciente a la primera generación de artistas del pop art británico, junto a figuras como David Hockney, y que tuvo una gran influencia en la época, sobre todo a partir de la exposición dedicado a ellos por la Royal Society of British Artists (RBA) en 1961. Estudió en el Gravesend Technical College, en la School of Art (1946-1951) y en el Royal College of Art de Londres (1953-1956). Desde su época de estudiante su obra refleja un gran interés por el arte popular y el folclore. Sus primeras obras, realizadas en la década de 1950, sobre todo en paneles de madera envejecida, retratan niños con cómics y chapas, como por ejemplo, Niños leyendo cómics (1954, Museo y Galería de Arte Carlisle), con un estilo deliberadamente naif. La fascinación por el coleccionismo y la preocupación por lo «efímero de la vida moderna» siguen presentes en su obra de finales de la década de 1950, en la que empezó a hacer collages y composiciones con tarjetas postales, fotografías e ilustraciones de actores y artistas pop contemporáneos, combinándolas con formas geométricas de brillantes colores.

cap.7 artistas relacionados con el pop art

A diferencia de otros artistas de vanguardia de la época, como Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi, que utilizaban recortes de imágenes de anuncios y revistas, Blake presentaba imágenes ready-made sin alterar en obras como Fragmento de arte (1959, Tate Gallery, Londres) y Tengo novia (1960-1961, Galería de Arte Whitworth, Universidad de Mánchester). En Autorretrato con chapas (1961, Tate Gallery, Londres) se retrató como coleccionista. Diseñó también, junto con su entonces esposa, la también artista pop Jann Haworth La portada del disco de The Beatles, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967). Desde la década de 1970 abandonó los motivos de la cultura popular para dedicarse a temas tradicionales del siglo XIX, como las hadas y otras figuras del mundo de la fantasía, sobre todo entre 1975 y 1979, época en la que vivió en Bath. Continuó trabajando en la misma línea durante las décadas de 1980 y 1990. La exposición retrospectiva de su obra, Ahora ya tenemos 64, que organizó la National Gallery de Londres en 1996, puso de relieve el interés que su obra seguía despertando hacia finales del siglo. La importante retrospectiva crealizada por la Tate Liverpool en 2007, con más de 100 de sus obras procedentes de varios países, fue presentada en el Museo de Bellas Artes de Bilbao el año siguiente. Su obra Montgomery Clift was a Twin (1981-83) fue adquirida por el Museo de Bellas Artes de Bilbao en 2002.

portada del disco de The Beatles, Sgt. Pepperâ&#x20AC;&#x2122;s Lonely Hearts Club Band (1967).

Derek Boshier nació en Portsmouth el 19 de junio de 1937. Entre los años 1953 y 1957 estudió en Yeovil School of Art. Después de ofrecer servicio militar, destinado en Haslemere, acabará sus estudios en el Royal College of Art (1959-1962).

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Derek Boshier

erek Bossier aportó al arte pop británico una sólida vertiente satírica que diferencia su obra de la de sus compañeros de estudios del Royal Collage of Art. Sus pinturas de 1961-1962 contenían abundantes referencias a los asuntos de actualidad, sobre todo aquellos que tenían una dimensión política, como la carrera espacial entre Estados Unidos y la Unión Soviética. Productos de consumo como la Pepsi-Cola aparecían en su obra no como celebración de la cultura popular, sino como prueba de los insidiosos avances de las empresas internacionales y el proceso de americanización. Un conjunto de obras de 1962 creadas para la campaña de una nueva pasta de dientes analizaba el poder del queso de manipulación de la publicidad y de la consiguiente pérdida de la identidad individual. La cáustica interpretación que hizo Bossier de los medios de comunicación de masas y sus característicos “Hombres hechos a medida” – figuras que parecen haber sido recortadas y después reconstruidas como si de un rompecabezas se tratara, o bien como si hubieran sido sometidas a un proceso de desintegración– proceden directamente de su lectura de las obras de pensadores como Marshall McLuhan y John Kenneth Galbraith. La etapa pop del artista fue breve. Las pinturas que creó en India durante los años 19621963, cuya práctica totalidad fue destruida accidentalmente hacia el final de su estancia en dicho país, adaptan métodos narrativos similares a los del simbolismo hindú. A su vuelva a Inglaterra se dedicó brevemente a pintar con un lenguaje formal abstracto antes de pasar a la escultura minimalista, y más tarde, a la fotografía, al cine y

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al collage. Pese a su continuo interés por experimentar con distintos medios, durante los años sesenta mantuvo un fuerte compromiso con temáticas políticas y sociales. En 1979 volvió al arte pictórico como actividad principal, en un principio tomando como base para sus cuadros imágenes extraídas de la publicidad y de los medios de comunicación, tal como había hecho en sus primeras obras pop y en sus collages posteriores. En 1980 se trasladó a Houston, Texas donde no tardó en encontrar una fecunda veta de imágenes nuevas en su entorno inmediato. Una de sus reacciones más divertidas y destacables a la influencia del nuevo entorno, fue una serie de pinturas que plasmaban baqueros desnudos. Los temas Norteamericanos de la primera etapa de Dossier como artista pop, volvieron a aparecer en escena dos décadas después con un matiz nuevo, enriquecidos por su experiencia personal. A finales de 1990, Boshier volvió a transladarse a Estados Unidos, esta vez a los Ángeles, donde realizó una serie de cuadros que recuperaban temas e imágenes de las obras de su etapa de formación en el arte pop.

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Corita Kent

orita Kent (noviembre 20, 1918 – septiembre 18, 1986), nacida Elizabeth Kent y también conocida como Hermana Mary Corita Kent, era un religiosa católica, artista, y educadora americana. El arte era su activismo social, predicando tolerancia y amor. Frances Elizabeth Kent nació en Fort Dodge, Iowa en 1918. Se incorporó a la orden católica de las Hermanas de la Immaculada Corazón de Maria en Los Ángeles en 1936, Kent se ordenó como la Hermana Mary Corita. Tomó clases en Otis (ahora Otis Universidad de Arte y Diseño) y Chouinard Instituto de Arte y obtuvo un Master en Historia del Arte en la University of Southern California en 1951. Entre 1938 y 1968 Kent vivió y trabajado en la comunidad religiosa a la que pertenecía. En 1968 dejó la Orden y se mudó a vivir a Boston. Enseñó en la universidad, Immaculate Heart College, y llegó a ser la directora del departamento de arte de dicha universidad en 1964. Sus clases eran la meca de prominentes artistas e inventores de su época tales como Alfred Hitchcock, John Cage, Saul Bass, Buckminster Fuller y Charles & Ray Eames. Kent influyó en Charles Eames, y Buckminster Fuller y el historiador del arte Dr. Alois Schardt, estos reconocieron la importancia de su profesora y su contribución a su desarrollo intelectual y artístico. Ya en los tempranos años 1950, era reconocido su conocimiento estético y su estilo único de enseñanza en todo el país por lo que asistieron a sus clases de todas partes el país para ser educados por ella en dicha Universidad.

Visual: magazine de diseño, creatividad gráfIca y comunicación Corita Kent. La palabra pintada

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Su trabajo artístico lo desarrolló principalmente con la técnica serigráfica, pero ante las limitaciones del medio bidimensional desarrolló métodos innovadores, utilizó clips de prensa, fotografías, elementos de la cultura popular inspirada en el trabajo de Andy Warhol. El énfasis de Kent a la hora de imprimir sus obras era su deseo para democratizar el arte y fuera asequible para las masas. Fue marginada por los diferentes movimientos artísticos del siglo XX por ser una artista mujer y monja. Los críticos y los teóricos no incluyeron su trabajo en ninguna corriente artística “canon”, pero en los últimos años de su vida hubo un resurgimiento de la atención dada a Kent. Sus obras de arte, con sus mensajes de amor y paz, se hicieron populares durante el movimiento Pop de los años 1960s y 1970s. Después de ser diagnosticada de cáncer a principios de los años 1970, desarrolló un período extremadamente prolífico en su carrera, incluyendo el diseño del Arco iris Swash en el tanque LNG de almacenamiento en Boston, y la versión especial del sello de Amor del servicio Postal de los Estados Unidos en el año 1985. Fue una de las artífices de la contracultura visual l de los años 1960s y 1970s. Después de ser diagnosticada de cáncer ea principios de los 1970s, introdujo un período extremadamente prolífico en su carrera, incluyendo el Arco iris Swash diseño en el LNG tanque de almacenamiento en Boston, y la versión de los Estados Unidos del sello de Amor especial del servicio Postal en el año 1985. Después del Concilio Vaticano II en 1966, sus obras se volvieron más políticas y comenzó a mostrar un punto de vista crítico hacia las crisis humanitarias y los conflictos bélicos. Esta postura activista de Corita le fue creando tensiones con las autoridades eclesiásticas californianas y terminó abandonando los hábitos en 1968 para dedicarse exclusivamente al arte. Murió de cáncer a los 67 años en Boston en

Corita Kent (1918-1986), 1968, circus alphabet and circus

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1986. Realizó 230 exposiciones len casi todos los estados de los EE UU. Sus obras se conservan en los principales museos de su país como en Nueva York en el Metropolitan Museum of Art, MET. En el MOMA y el Whitney de NY, el Museo de Bellas Artes de Boston, y en Los Angeles California, en LACMA y el Hammer Museum.

Reconocimientos 1966- Nominada una de las nueve mujeres del año por Los Angeles Times 1967- Portadas de la revista Newsweek 2016- Recibió la Medalla American Institute of Graphic Arts Medal

Publicaciones 1967 Footnotes and Headlines: A Play-Pray Book, Sister Corita. 1968 To Believe in God, poem by Joseph Pintauro, color by Sister Corita 1969 city, uncity, poems by Gerald Huckaby, pages by Corita Kent 1970 Damn Everything but the Circus, Corita Kent 1990 Primary Colors: The Story of Corita, Jeffrey Hayden 1992 Learning By Heart: Teachings to Free the Creative Spirit, Corita Kent (posthumously) and Jan Steward 2000 “Life Stories of Artist Corita Kent (1918–1986): Her Spirit, Her Art, the Woman Within” (Unpublished Doctoral Dissertation, Gonzaga University), Barbara Loste 2000 Eye, No. 35, Vol. 9, edited by John L. Walters, Quantum Publishing 2006 Come Alive! The Spirited Art of Sister Corita, Julie Ault

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Andy Warhol

ndrew Warhola (Pittsburgh; 6 de agosto de 1928 - Nueva York; 22 de febrero de 1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió fama mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Warhol utilizó medios diferentes para crear sus obras, como el dibujo a mano, la pintura, el grabado, la fotografía, la serigrafía, la escultura, el cine y la música. El Museo Andy Warhol en su ciudad natal, Pittsburgh, Pensilvania, contiene una amplia colección permanente de arte. Resulta ser el museo más grande de Estados Unidos dedicado a un solo artista. Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: «En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos». Esta frase de cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows. Fue un personaje polémico durante su vida —algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas— y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones

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retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo xx debido a sus revolucionarias obras. Fue el tercer hijo de un matrimonio eslovaco que emigró a Estados Unidos. Sus padres eran Andrej y Julia Warhola, originarios de Miková, una ciudad muy pequeña por aquel entonces perteneciente al Imperio austrohúngaro y hoy al distrito de Stropkov, República Eslovaca. En 1914 Andrej Warhola emigró a Estados Unidos para trabajar en minas de carbón, mientras que su mujer emigró siete años después con sus dos hijos mayores. Mientras cursaba tercero de primaria, Andy empezó a sufrir el popularmente conocido como baile de San Vito, es decir, la corea de Sydenham. Esta enfermedad provoca una afección del sistema nervioso que causa movimientos incontrolados de las extremidades y desórdenes en la pigmentación de la piel. Desde entonces fue hipocondríaco y desarrolló pavor a médicos y hospitales. Pasó buena parte de su infancia postrado en una cama y se convirtió en un proscrito entre sus compañeros de clase, desarrollando una fuerte fijación hacia su madre. Mientras estaba en la cama dibujaba, oía la radio y coleccionaba imágenes de estrellas de cine que colocaba alrededor de su cama. Más tarde, definió esta etapa como muy importante en el desarrollo posterior de su personalidad, sus habilidades y sus gustos. Decidió estudiar Arte comercial en la actual Carnegie Mellon University (Pittsburgh). En 1949 se trasladó a Nueva York para iniciar una carrera como ilustrador de revistas y publicista. Durante los años 1950 ganó cierta reputación gracias a sus ilustraciones para un anuncio de zapatos. Dibujos a

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tinta, bastante sueltos y emborronados que fueron expuestos en la galería Bodley de Nueva York. Con la difusión de las nuevas tecnologías del vinilo y la alta fidelidad, las empresas discográficas se encontraron en un contexto comercial completamente nuevo que no tardarían en explotar.

años 1960 Probablemente las experiencias que lo llevaron a acercarse a la generación de artistas Neoyorquinos Pop, fue cuando en la primavera de 1960 Warhol compró un pequeño dibujo en la galería de Leo Castelli, este contenía una bombilla dibujada por Jasper Johns. Posterior a eso se le mostró un gran lienzo pintado por Roy Lichtenstein que reproducía un anuncio de un complejo turístico en Catskill, esto causó una impresión en Warhol debido a como los artistas estaban pintando publicidad estereotípica. Era el 9 de julio de 1962 y marcó el debut del movimiento pop art en la costa oeste, cuatro meses más tarde, entre el 6 y el 24 de noviembre, inauguró su primera exposición en Nueva York. Exactamente en la galería Stable, propiedad de Eleanor Ward. Allí incluyó el Díptico de Marilyn, Latas de sopa Campbell, 100 botellas de cola y 100 billetes de dólar. Y fue allí donde conoció a John Giorno, con quién después coincidiría en la primera película warholiana: Sueño (1963). En esa época empezó a pintar sus famosos dibujos de la sopa Campbell y de las botellas de Coca-Cola, a los que consideraba tan iconos estadounidenses como Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor. También fundó su estudio The Factory, por donde pasaron artistas, escritores, modelos, músicos y celebrities underground del momento.

Su primera exposiciĂłn individual fue en la galerĂa californiana Ferusel.

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El taller, decorado con hojas de papel de aluminio color plata, estaba inicialmente en la calle 47. Después se mudaría a Broadway. Su obra empezó a ser muy conocida y desató ciertas polémicas sobre el papel del artista y la finalidad del arte. Desarrolló unas imágenes personales a partir de objetos completamente impersonales, como billetes de dólar o nuevos productos de moda. Utilizaba imágenes propias de los periódicos, los carteles y la televisión para definir un Olimpo particular, compuesto de símbolos de la cultura estadounidense: la silla eléctrica, las fotografías de cargas policiales contra manifestantes por los derechos civiles o los retratos de celebridades del momento. La botella de Coca-Cola se convirtió, para él, en un tema pictórico. Sobre esto declaró: Lo que es genial de este país es que Estados Unidos ha iniciado una tradición en la que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la tele, ver un anuncio de Coca-Cola y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola. Una cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina. Todas las colas son la misma y todas las colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo sabe, el mendigo lo sabe, y tú lo sabes. Andy Warhol El MOMA organizó un simposio sobre arte pop en diciembre de 1962 y algunos artistas, entre ellos Warhol, fueron atacados por «rendirse» al consumismo. Para las élites que dictaban la crítica de arte, el entusiasmo que Warhol sentía por la cultura del consumismo resultaba embarazoso e inadmisible. Este simposio definió el tono en que se iba a recibir la obra de Warhol, aunque a lo largo de los años 1960 iba a hacerse cada vez más

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evidente que se habían dado profundos cambios en la cultura y el mundo del arte. También que Warhol había jugado un papel esencial en ese cambio. Un evento crucial fue la exhibición The American Supermarket, una muestra celebrada en 1964 en la galería Paul Bianchinni, en el Upper East Side de Manhattan. La exposición estaba organizada como el típico pequeño supermercado estadounidense, aunque los productos exhibidos (conservas, carne o pósteres) eran obra de prominentes artistas del pop: Mary Inman, Robert Watts o el controvertido Billy Apple. La contribución de Andy Warhol fue una pintura de una lata de sopa Campbell, valorada en 1 500 dólares. Lo curioso es que la lata tan solo costaba 6 dólares. La exposición fue uno de los primeros actos públicos en los que se confrontó al público con el pop art y la cuestión planteada por las vanguardias clásicas acerca de qué podía ser arte. Como ya había hecho en su etapa de ilustrador comercial en los años 1950, Warhol recurrió a asistentes para aumentar la productividad de su taller artístico. Esta colaboración también planteó encarnizadas polémicas sobre sus métodos de trabajo y su valor como arte, especialmente durante los años 1960. Uno de los colaboradores más importantes con que contó en esta época fue Gerard Malanga, quién le ayudó en la producción de serigrafías, películas, esculturas y otras obras producidas en The Factory. Otros colaboradores esporádicos fueron Freddie Herko, Ondine, Ronal Travel, Mary Woronov, Billy Name y Brigid Berlin (que fue quien, al parecer, le dio la idea de grabar sus conversaciones telefónicas).

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Durante los años 1960 también reunió a una variopinta comitiva de excéntricos y bohemios, a quien él designaba como las superstars, y que incluía a Edie Sedgwick, Viva y la célebre Ultra Violet. Todos ellos solían actuar en las películas de Warhol y algunos, como Berlin, mantuvieron una estrecha amistad con el artista hasta su muerte. Su relación con artistas como Frangeline, una cantante de la escena guapachosa, y también con artistas como el escritor John Giorno o el cineasta Jack Smith (que también figuró en algunos cortos de Warhol) revelaba su estrecha relación con distintas clases de producción artística. Hacia el final de esa década el mismo Warhol se había convertido en una celebridad y aparecía frecuentemente en la prensa, escoltado por alguno de sus compañeros en la Factory. En 1965 conoció al grupo de música The Velvet Underground, liderado por Lou Reed. No tardó en convertirse en el mánager del grupo y añadiendo a su amiga, la cantante alemana Nico. En 1967 salió al mercado el disco de los Velvet llamado The Velvet Underground and Nico: Andy Warhol, producido por este último. Ese mismo año, por diferencias con el resto del grupo, Nico se retiró y los servicios de Warhol ya no fueron necesarios. En 1969 comenzó a publicar su revista Interview.

Marilyn Monroe fue inmortalizada en una de las obras mรกs conocidas de Andy Warhol.

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atentado El 3 de junio de 1968, Valerie Solanas disparó a Warhol y al crítico de arte y comisario Mario Amaya en la entrada al estudio de Warhol. Antes del atentado, Solanas había sido un miembro discreto del colectivo de la Factory. Redactó el «Manifiesto SCUM» («capa de suciedad»; en inglés: scum) un alegato feminista separatista contra el patriarcado (y que, con el paso de los años, adquirió cierta resonancia). Solanas también aparecía en la película de Warhol “I, A Man” (1968). En 1967, Valerie le había dado una obra de teatro a Warhol proponiéndole que sea su productor. Warhol aceptó y le pidió el borrador del texto. Este borrador de la obra nunca regresó a Solanas. Se cree que Warhol nunca tuvo la intención de producir la obra ni como obra teatral ni como película y el manuscrito se le perdió. Esto enfureció a Solanas, quien pasaba por un momento de desequilibrio mental e inestabilidad emocional. Amaya sufrió sólo heridas menores, y fue dado de alta ese mismo día. Warhol, sin embargo, recibió tres disparos (el primero ni lo rozó) pero los otros dos disparos lo dejaron muy grave. Las secuelas de este ataque le acompañarían el resto de su vida, y no es de extrañar que por tanto el recuerdo del atentado dejase una marca profunda en el resto de la vida y la obra de Warhol. Esa misma tarde, Valerie se entregó a la policía. Argumentó que Warhol estaba planeando robar su trabajo y que controlaba demasiado su vida. El juez ordenó que la trasladaran al Hospital Psiquiátrico de Bellevue bajo observación. Se declaró culpable de intento de homicidio, asalto y tenencia ilícita de armas y recibió una

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sentencia de tres años. Warhol rechazó testificar en su contra. El juez la declaró inhabilitada legalmente y la envió al Hospital Ward Island. Tras el tiroteo, el acceso a la Factory quedó rígidamente controlado, y en opinión de muchos esto causó el fin de la época de «la Factory de los 60».14El atentado, sin embargo, quedó bastante desdibujado en los medios debido al asesinato de Robert F. Kennedy, dos días después. A raíz del atentado sufrido, Warhol declaró que «antes de que me disparasen, siempre pensé que estaba un poco más para allá que para acá. Siempre sospeché que estaba viendo la tele en vez de vivir la vida».

años 1970 Comparados con la escandalosa (y exitosa) década de los 1960, los 1970 fueron años más tranquilos para Warhol, que se convirtió en un emprendedor. Según Bob Colacello, Warhol pasaba la mayor parte de su tiempo rondando a nuevas estrellas y personajes famosos para proponerles un retrato. La lista incluía a Mick Jagger, Liza Minnelli, John Lennon, Diana Ross, Brigitte Bardot y Michael Jackson. El famoso retrato del líder comunista chino Mao Zedong es de esta época (1973). También fundó (en 1969), con el apoyo de Gerard Malanga la revista Interview, y publicó «La filosofía de Andy Warhol» (1975), en la que exponía su pensamiento con rotundidad y sentido del humor: «Hacer dinero es arte, y el trabajo es arte, y un buen negocio es el mejor arte». Warhol solía frecuentar diversos clubes nocturnos de Nueva York, como el Max’s Kansas City, el Serendipity 3 y, más adelante, el célebre Studio 54. Normalmente se comportaba como un tranquilo, tímido y meticuloso observador. El crítico de

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arte Robert Hughes le llamó «el lunar blanco de Union Square». Su estilo inicialmente rupturista fue progresivamente asimilado por el circuito de galerías y por los círculos adinerados, a los que satisfacía con retratos por encargo. Esta etapa es juzgada de manera dispar por la crítica actual. En los años 1970 hace retratos de sus amigos, clientes habituales de la discoteca Studio 54, entre ellos Carolina Herrera, Liza Minnelli y Elizabeth Taylor. Es también en esta época cuando es contratado por varios fabricantes de automóviles para pintar sus vehículos de competición de una manera que llamen la atención, entre ellos la firma BMW. Así se creó el art car. Dichos vehículos participaban sobre todo en las famosas 24 horas de Le Mans. Son famosas sus cápsulas del tiempo en donde guardaba (desde el año 1974) cosas cotidianas en cajas de cartón, como expone en Philosophy of Andy Warhol, su primer libro. En 1979 exhibe, de manera importante, en el Whitney Museum de Nueva York, su serie de retratos Portraits of the Seventies (Retratos de los Setenta).

años 1980 En 1979 recibió algunas críticas poco favorables sobre sus exposiciones de retratos de celebridades de los años 1970, críticas en las que su obra se tachaba de superficial, fácil y comercial, carente de profundidad de la significación del tema. Esta actitud crítica, debida en parte a las propias tendencias del mercado, hizo que su siguiente exposición sobre «Genios Judíos» (1980), expuesta en Nueva York, también fuese recibida con frialdad.19Una mirada más atenta a la obra de Warhol ha hecho que algunos críticos hayan creído ver en la “superficialidad”

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y “comercialidad” de Warhol «uno de los reflejos más brillantes de nuestra época», señalando que «Warhol ha capturado algo esencial sobre el zeitgeist de la cultura americana de los años setenta» Warhol siempre apreció el glamour de Hollywood. En una ocasión declaró: «Amo Los Ángeles. Amo Hollywood. Son tan hermosos. Todo es plástico, pero amo el plástico. Quiero ser plástico». Existen rumores sobre el pago de una fortuna por la colaboración de Warhol para este disco; hasta entonces apenas conocía al cantante. Luego le mencionaría en algún libro como «hijo de un torero español». Warhol también apareció en su videoclip Ángeles Caídos. Ese año visita Madrid, donde es recibido con entusiasmo por Almodóvar, Fabio McNamara y otras personalidades de la cultura y la vida social madrileña. A pesar de todo, la exposición que presentó en la ciudad se saldó con poquísimas ventas. En esa época, Warhol produce abundantes retratos de celebridades y magnates, no sólo amistades o gente de su círculo, sino también diseñadores, empresarios y demás gente adinerada, que por grandes sumas posan para Warhol. Entre ellos, el modisto Valentino. Según él mismo contó, en una ocasión viajó a Europa para tomar polaroids de empresarios alemanes, y basándose en tales fotografías elaboraba los retratos. En 1985, el 12 de enero, Warhol participó junto a Joseph Beuys y el artista japonés Kaii Higashiyama en el proyecto „Global-Art-Fusion“. Iniciado por el artista conceptual Ueli Fuchser, éste era un proyecto especial de „FAX-ART“, en el cual un fax con diferentes dibujos de los tres artistas participantes fue mandado por todo el mundodentro de solamente 32 minutos – de Dusseldorf via Nueva

En 1983 hace el retrato del cantante espaĂąol Miguel BosĂŠ para la portada del disco Made In Spain, tambiĂŠn utilizada para el disco Milano-Madrid de este mismo artista.

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York hacia Tokyo, finalmente recibido por Wiener Stadtpalais Liechtenstein. Este fax debería ser un signo de la paz durante la Guerra Fría. En 1986 pinta lo que serán sus últimas obras, autorretratos y retratos de Lenin y Mao Tse Tung.

Muerte Warhol murió en Nueva York a las 6:32 de la mañana del 22 de febrero de 1987. Según los noticiarios, se estaba recuperando sin dificultades de una operación de vesícula en el New York Hospital cuando falleció dormido debido a una repentina arritmia post-operatoria. También se ha señalado cierto exceso de líquidos por intoxicación de agua. Antes de su diagnóstico y la operación consiguiente, Warhol había intentado retrasar los reconocimientos, debido sobre todo a su pavor a los hospitales y los médicos. El cuerpo de Warhol fue devuelto por sus hermanos a Pittsburgh para el funeral. El velatorio tuvo lugar en el Thomas P. Kunsak Funeral Home y fue una ceremonia corpore insepulto. El ataúd era una pieza de bronce macizo, con adornos dorados y soportes blancos. Warhol llevaba puesto un traje negro de cachemira, una corbata de estampado también de cachemira, una peluca plateada y sus características gafas de sol. Tenía en las manos un pequeño breviario y una rosa roja. El funeral se celebró en la iglesia católica bizantina del Espíritu Santo, en el North Side de Pittsburgh. Monseñor Peter Tray pronunció su encomio. Yōko Ono también se presentó. El féretro quedó cubierto por rosas blancas y brotes de esparraguera. Tras la liturgia, el ataúd fue llevado al cementerio católico bizantino de San Juan Bautista, en Bethel Park (un barrio apartado al sur de Pittsburgh).

Retrato de mao the tung, 1986.

Retrato de lenin, 1986.

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Allí el sacerdote pronunció una breve oración y asperjó con agua bendita el ataúd. Antes de proceder al descenso del mismo, Paige Powell dejó caer un ejemplar de “Interview”, una camiseta de la misma revista y una botella del perfume Beautiful, de Estée Lauder. Warhol fue enterrado junto a su madre y su padre, y unas semanas más tarde23 se repitió un oficio conmemorativo para Warhol en Manhattan. El testamento de Warhol legaba toda su propiedad —con excepción de algunos modestos detalles— a miembros de su familia, con el fin de crear una fundación dedicada al «avance de las artes visuales». Warhol tenía tantas posesiones que Sotheby’s necesitó nueve días para subastar sus bienes tras su muerte, y la suma total excedía los 20 millones de dólares. Su riqueza total era aún mayor, debido principalmente a astutas inversiones realizadas a lo largo de toda su vida. En 1987, de acuerdo con la última voluntad de Warhol, se constituyó la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. La fundación no sólo sirve como representante legal de Andy Warhol, sino que defiende su misión de «espolear la innovación en la expresión artística y el proceso creativo», y se declara «centrada, principalmente, en apoyar el trabajo de un valor experimental o rompedor».

Producción artística Warhol siempre se apoyó en sus asistentes para sus pinturas, y lo mismo puede decirse de sus producciones cinematográficas. Fundó la revista de sociedad Interview, que se convirtió en una buena lanzadera para artistas a las que patrocinaba y en un buen negocio para sus amigos colaboradores. Del mismo modo, su obra literaria es resultado de su colaboración con Pat Haccket. Apadrinó al explosivo Jean-Michel Basquiat cuando éste apenas era conocido, y convirtió a

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The Velvet Underground en una banda conocida internacionalmente. Fue en realidad un inquieto y activo «productor de personajes artísticos», como sus conocidas «superestrellas» de dispar suerte y un infalible detector de talento. Del mismo modo, Warhol alentaba el consumo de ciertos productos, aparecía en publicidad y era un invitado frecuente a programas televisivos que iban desde Love Boat al Saturday Night Live, o la película de Richard Pryor “Dynamite Chicken”. En este sentido, Warhol era un firme defensor del «negocio del arte» y el «arte del negocio». De hecho, escribió largamente sobre este tema, tal como se puede comprobar en «La filosofía de Andy Warhol: De la A a la B y de la B a la A».

Pintura Se puede decir que hasta principios de la década de los 60, Warhol era un ilustrador comercial de éxito. Sus elegantes y detallados dibujos para la empresa zapatera I. Millar eran particularmente populares. Estos dibujos a tinta, de línea bastante desenvuelta, se alternaban con impresiones monoprint (similares a una monotipia) que aplicó extensivamente en su primera etapa como artista. Aunque esta posición entre el mundo artístico y el comercial no era infrecuente, sí es cierto que por motivos de prestigio la mayoría de artistas llevaban con discreción su condición de profesionales de la publicidad. De hecho, la fama de Warhol como ilustrador supuso en un primer momento un obstáculo para su consideración como artista. Por entonces trató de exponer alguno de los dibujos realizados con estas técnicas en galerías de arte, pero sus intentos no tuvieron éxito. De esta época parte su cuestionamiento sobre el estatus de arte y su relación con el mercado: A partir de entonces, criticaría su separación y trató de

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interpretar la cultura comercial y popular como un tema artístico. El pop art ya era una corriente en estado germinal que algunos artistas exploraban de modo aislado; algunos de estos pioneros, como Roy Lichtenstein o el propio Warhol (que pasaría a ser conocido como «el Papa del Pop») se volverían con el tiempo en sinónimos del pop. Warhol comenzó a involucrarse en este movimiento artístico realizando imágenes tomadas de dibujos animados y anuncios televisivos que pintaba con cuidadosas salpicaduras de pintura. Estas salpicaduras emulaban el aspecto del expresionismo abstracto estadounidense, entonces muy en boga. Eventualmente Warhol iría retirando referencias de sus imágenes hasta reducirlas a la representación icónica de una marca comercial, una celebridad, o el signo del dólar; suprimió también cualquier huella de la mano del artista en sus pinturas. Se trataba en cierto sentido de devolver al arte el valor de cosa mentale, tal y como Leonardo la había definido ya en el Renacimiento. Warhol extrapoló su profundo conocimiento del mundo comercial en su faceta artística. Así, intuía que definir un nicho comercial era al fin y al cabo definir un tema artístico. Los dibujos animados y los cómics ya habían sido utilizados por Lichtenstein, la tipografía era parte del lenguaje de Jasper Johns; y Warhol también quería definir su propia estética distintiva. Sus amigos le aconsejaron pintar las cosas que más amase: En su peculiar manera de tomar las cosas literalmente, para su primera exposición de importancia pintó las famosas latas de sopa Campbell, que según decía había sido el almuerzo más frecuente a lo largo de su vida.

IMPORTANCIA DEL POP ART

CAPÍTULO. 8

importancia del pop art El arte y los artistas son sin duda alguna uno de los gremios más importantes en la sociedad. Bien sea música, pintura, actuación, artes plásticas o baile, cada una de estas actividades pueden ser tan simples como complejas según los ojos que los vean. Se trata entonces de un importante elemento en la sociedad, que sin duda alguna ha pasado por cada una de nosotros de una u otra manera. Los seres humanos tienden a desarrollar gran amor por el arte, a veces sin darse cuenta, pues se convierte en parte de su vida cotidiana y debido a esto, el arte pasa desapercibido. Un ejemplo de esto puede ser el joven que a diario escucha música y no se da cuenta de la importancia que ésta puede tener en su vida debido a lo normal y frecuente que éste se encuentra presente en su vida.

Movimiento artístico Pop Art El Pop Art toma como elementos lo cotidiano de la vida en un país, retratando por ejemplo las figuras artísticas o públicas más conocidas y representativas de una nación. A partir de estos elementos, elabora abstracciones que le permitan al espectador inferir un determinado mensaje dirigido a la misma. Con los elementos presentes en la cotidianidad, la idea consiste en que el espectador pueda identificar fácilmente los elementos, creando a primera vista un lazo entre la obra y la persona que la analiza. Así mismo, el movimiento Pop Art, en teoría, debería englobar los elementos más emblemáticos del país en el que se encuentre, sin embargo, la cultura estadounidense es por defecto la más trabajada dentro de este movimiento artístico, dado que como se mencionó anteriormente, su

cap.7 artistas relacionados con el pop art

punto clímax se pudo apreciar en los años 60 en los Estados Unidos. Dentro de su marco estructural, el Pop Art recoge elementos significativos del capitalismo, lo industrial y la cultura de las masas, resultando en movimiento “híbrido” dentro de sus principales características. Su propuesta en términos prácticos va ligada a elementos visuales de gran carga, así como también le lenguaje figurativo. Por lo general, entre sus elementos tienden a resaltar las figuras públicas o políticas, las carteleras de cine, las portadas de periódicos, imágenes de una ciudad, una marca muy reconocida u otro elemento que puede ser fácil de identificar a primera vista.

Diferentes técnicas del Pop Art Dentro de sus técnicas podemos contemplar desde distintas clases de pinturas, hasta la aplicación de métodos provenientes del dadaísmo, el collage de fotos y la yuxtaposición. La idea de todo esto va motivada a la posibilidad de que el usuario pueda generar una identidad a través del uso de sus materias les y técnicas, permitiéndole personalizar sus obras en gran medida. Una de las figuras más emblemáticas de este movimiento es Andy Warhol, exponente que goza de vigencia en sus obras hasta el día de hoy. Sus obras destacan por la reproducción y carga visual del color de sus imágenes. La mayoría de sus trabajos involucran a figuras como Marilyn Monroe, Elvis Presley y otros artistas de la época. Sus trabajos solo se concentraban a reproducir una imagen desde diferentes tonalidades de colores, sobrecargando cada vez más la imagen y así pues, aumentando la carga de la misma.

escultura del Pop Art

CAPĂ?TULO. 9

Escultura del pop art El Pop Art nace en Estados Unidos a finales de los años 50 teniendo precisamente a Claes Oldenburg como uno de sus pioneros. En este lugar este arte nació como reacción artística frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y elitista, además trajo consigo el regreso de la ironía y la parodia para compensar el simbolismo personal que se encontraba en el expresionismo abstracto; y a mediados de los años 50 nace en el Reino Unido, en este caso el origen de este arte fue la imaginación paradójica de la cultura popular americana. Sin embargo, el Pop Art también es conocido como la continuación de algunos aspectos del expresionismo abstracto como la creencia en las posibilidades de hacer arte en obras de grandes proporciones. Pablo Picasso y Marcel Duchamp son algunos de los artistas considerados como los precursores del movimiento pop. Las fuentes del pop se inspiran con la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace de la industria de la reproducción. Estos artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte. A partir de 1976, Claes Oldenburg colabora con Coosje Van Brunggen en proyectos de gran escala aplicados a ingeniería urbana y que constituyen un verdadero alarde de ingenio e ironía. Oldenburg y Coosje van Bruggen trabajaron por primera vez juntos en la reconstrucción y la reubicación del alto de pie 41 Trowel (1971-76; originalmente situado en Sonsbeek Park de Arnhem, Países Bajos) localizado actualmente en el Museo Kröller-Müller en Otterlo (Gelderland, Países Bajos).

cap.8 escultura del Pop Art

Oldenburg y van Bruggen se casaron en 1977 y han continuado su colaboración artística durante más de 25 años. Ambos ciudadanos estadounidenses, el trabajo de Oldenburg y de van Bruggen refleja una sensibilidad creativa que esta influenciada por su países de origen, por sus historias educativas y profesionales, y por sus personalidades. En mayo de 2002, Oldenburg y van Bruggen instalan cuatro esculturas a gran escala en el jardín del ático del Metropolitan Museum of Art, titulado Claes Oldenburg and Coosje van Bruggen on the Roof (Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen en el Tejado). Más tarde, ese mismo verano, después de anunciar que habían adquirido “la más grande colección de dibujos de Oldenburg en el mundo”, el Museo Whitney de arte estadounidense presentó dos colecciones consecutivas de obras de los artistas. Claes Oldenburg Drawings (1959-1977) fue la exposición más grande desde 1977 dedicada a las primeras obras de Oldenburg , con la exposición de Coosje van Bruggen Drawings (1992-1998) presentando varias obras de colaboración a gran escala. El equipo artístico tiene ejecutado más de 40 esculturas permanentemente situados en escala arquitectónica a lo largo de los Estados Unidos, Europa y Japón, incluyendo Spoonbridge y Cherry Cuchara y cereza (1988), Minneapolis Mixtos (Matchcover- Cerillas) (1992), Barcelona; Volantes (1994), Kansas City; Saw Serrucho (1996), Tokio; Needle, Thread and Knot (Aguja, hilo y Nudo) (2000), Milán; y más recientemente, el cono de 40 metros de altura (2001) encima de la Galería de Neumarkt en Colonia, Alemania. Su colaboración también ha abarcado pequeño parques y esculturas de jardín además de instalaciones interiores. El trabajo de Oldenburg y de van Bruggen puede encontrarse en numerosas colecciones públicas, incluyendo: el instituto de arte de

cap.8 escultura del Pop Art

Chicago(Chicago,USA), la Fundación Chinati (Marfa, Texas, USA), el Museo de arte de Dallas (Texas,USA), el Museo Hirshhorn y el jardín con esculturas (Washington, USA), el Museo de Israel (Jerusalén, Israel),Instituto Valenciano de Arte Moderno Julio González (Valencia, España), el Museo de arte de Basilea (Suiza), el Museo de arte contemporáneo de Los Ángeles (California, USA), el museo Moderno (Estocolmo,Suecia); el Museo Nacional de Arte Moderno Georges Pompidou (París, Francia), el Museo de arte moderno (Nueva York, USA),la Galería Nacional de Arte (Washington, USA), el Museo de arte moderno de San Francisco (California, USA), el museo Solomon R. Guggenheim (Nueva York, USA), el museo Urbano (Ámsterdam, Holanda) la galería Tate (Londres, R.Unido), el Walker Art Center (Minneapolis, USA) y el museo Whitney de arte americano (Nueva York, USA). Oldenburg y van Bruggen actualmente viven y trabajan en el centro de Manhattan, en California y en una finca con siglos de antigüedad en el Valle de Loire, Francia, cuyo entorno natural y cultural han favorecido la inspiración de los artistas.

Balloon Dog (Magenta) de Jeff Koons.

Balloon Dog (Blue) de Jeff Koons,

Principales representantes del Pop Art CAPĂ?TULO. 10

principales representantes del pop art Keith Haring Nacido y criado en Pennsylvania, Keith Harring, considerado como un representante de la cultura callejera de la Nueva York de los años ochenta, comenzó a crear arte pop después de salir de la universidad en 1978. Entre 1980 y 1989, Harring alcanzó el reconocimiento internacional a través de exposiciones independientes y colaborativos donde las pinturas representadas por le color, la silueta humana y mensajes de amor y paz reflejaban su pasión por el arte y su sello personal. Tristemente fallecimiento en febrero de 1990, las obras de Harring todavía se consideran algunos de los más influyentes en el mundo del arte pop.

cap.10 principales representantes del pop art

Robert Rauschenberg Originario de texas, Robert Rauschenberg es bien conocido por sus collages “Combines” de la década de 1950, en la que se empleaban los materiales y objetos no tradicionales en combinaciones innovadoras. Rauschenberg era a la vez un pintor y un escultor, en donde la mayoría del tiempo combinaba estas dos corrientes llevándolo al expresionismo abstracto. También es reconocido por su trabajo como fotógrafo y el grabado, incluso galardonado con la Medalla Nacional de las Artes en 1993. Lamentablemente, falleció en 2008.

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cap.10 principales representantes del pop art

Roy Lichtenstein Nacido en 1923 en Nueva York, Lichtenstein se convirtió en una figura destacada dentro del movimiento de arte pop por sus pinturas con formato de tiras e historietas cómicas, lavadoras y papas al horno que ahora se consideran clásicos de la época. Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1958 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles de menta, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederic Remington. A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva.

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cap.10 principales representantes del pop art

Claes Oldenburg & Coosje van Bruggen Claes Oldenburg y Coosje van Bruggenare conocidos por llevar el arte pop a las masas mediante la ampliación de los objetos cotidianos y colocarlos en la parte superior de los edificios y en el centro de los parques, su principal objetivo es entablar comunicación con el público bajo sus propios términos aunque las imágenes sean estereotipadas. Su trabajo puede tomar lugar en cualquier parte y su inspiración nace de los objetos, las modelos, las notas y dibujos del pasado y presente, para luego transformarlo todo en esculturas gigantes y coloridas.

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cap.10 principales representantes del pop art

David Hockney El artista británico David Hockney se asocia más con pinturas de paisajes bañados por el sol, que creó mientras vivía y trabajaba en Los Ángeles desde 1963 hasta 2005. Sus primeros trabajos ofrecen un poco de su ánimo humorístico, se caracteriza por utilizar colores vivos y usuarios en imágenes estilo revista, lo cual le permitió ganar rápidamente una reputación de líder practicante del arte pop. El desarrollo de su estilo, en la década de 1980 Hockey comenzó a producir collages fotográficos, inicialmente de impresiones Polaroid y más tarde en impresiones en color de 35 mm. Hoy sigue trabajando y entre sus diversas habilidades se incluyen el grabado, la pintura, el dibujo, el cine, el teatro y el diseño.

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obras destacadas del pop art

CAPĂ?TULO. 11

Latas de sopa Campbell (cuyo título original en inglés es Campbell’s Soup Cans), también conocida como 32 latas de sopa Campbell,1es una obra de arte producida en 1962 por el 105Andy Warhol. artista estadounidense

Crying Girl es el nombre de dos obras diferentes de Roy Lichtenstein : una litografĂa offset de 1963 sobre papel liviano, blanco roto y un esmalte de porcelana sobre acero de 1964.

Whaam! es una obra de arte en dĂptico creada por el pintor americano Roy Lichtenstein en 1963. Esta pintura, a parte de ser icĂłnica para el movimiento pop art, es una de las mĂĄs importantes dentro del trabajo de Lichtenstein.

Pop Shop I de Keith Haring es un conjunto de cuatro impresiones de serigrafĂa en papel creadas por Keith Haring en 1989.

Girl with Ball es una pintura de 1961 de Roy Lichtenstein . Es unaobra de arte pop sobre óleo sobre lienzoque ahora se encuentra en la colección del Museo de Arte Moderno , después de ser propiedad de Philip Johnson durante varias décadas.

Pop Art O arte pop