REVISTA "LA VIDA EN EL DISEÑO GRAFICO"

LA VIDA en el DISEÑO GRÁFICO

MÁS QUE UN DIBUJO

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ARTISTA DE INSPIRACIÓN

Markus Spiske

TIPOGRAFÍAS

Importancia, tipos y fuentes más usadas

La palabra tipografía proviene del griego «typos», que significa molde, y «graphein», que quiere decir escritura. Dentro del diseño gráfico, se define como «el arte de colocar letras» para lograr que el texto se acomode estéticamente de acuerdo con la composición y el propósito del material.

La historia de las tipografías se remonta a los tipos móviles utili zados en las primeras imprentas, los cuales tenían una cantidad muy limitada de modelos.

Hoy en día, el diseño gráfico se ha profesionalizado muchísimo y ha creado un sinfín de tipografías para utilizar en las composicio nes visuales del mundo digital e impreso. Al igual que los colores y las imágenes, los tipos de letra

son parte esencial de un diseño. A partir de las tipografías se pueden desarrollar, asimismo, la imagen corporativa de una marca o empresa y la clase de mensaje que se quiere dar a las personas en general. Podríamos decir que las letras también tienen personali dades y que cada una transmite cosas diferentes.

La tipografía es un canal de ex presión para aumentar la eficacia de un mensaje, por eso es crucial conocer los tipos de letras que existen y sus usos principales. Su capacidad de llamar la atención es una herramienta fundamental en el marketing porque también pueden comunicar ideas o sensa ciones que estén relacionadas con la personalidad de una marca o una empresa.

A continuación, te presentamos los cuatro tipos de tipografías más comunes:

1. SERIF

También conocidas como letras romanas, son aque llas que se caracterizan por tener decorados o remates (llamados serifas o patines) en los extremos. Su aspecto nos remite a las publicacio nes editoriales de antaño. A las fuentes que pertenecen a esta categoría se les con sidera clásicas; son empleadas en diseños tradi cionales o institucionales, porque dan una sensación de seriedad, formalidad y sofisticación.

También son muy usadas en textos largos (e impre sos) por su legibilidad, pues su composición per mite guiar mejor la visión del ojo durante la lectura. Algunos ejemplos más re presentativos de las letras serifas son: Times New Ro man, Garamond y Bodoni.

2. SAN SERIF

Al contrario de las prime ras, las letras sin serifa o de palo seco no cuentan con adornos o patines en sus terminaciones; sus orillas son lisas y planas. Se con sideran una tipografía sim plificada y de fácil lectura. Brindan una sensación de modernidad, neutralidad y seguridad.

Este tipo de letra se usa mu cho en textos cortos (como en redes sociales o blogs), para diseños que requie ren una impresión limpia y para formatos digitales de las pantallas de los dife rentes dispositivos. Como referencia están: Arial, Hel vetica y Gotham.

3. ITALICA

También es conocida como manuscrita o script (ojo: no debe confundir se con la versión inclinada de cualquier tipo de letra). La itálica se distingue por tratar de imitar el trazo he cho a mano. Las letras fre cuentemente están unidas entre sí y muestran ondula ciones pronunciadas. Sirve para llamar la atención, por ejemplo, en los títulos; pero no se recomienda para un cuerpo de texto por su baja legibilidad.

Dada su naturaleza trans mite cercanía, calidez y cierta coquetería. Entre las fuentes más populares de este estilo encontramos la Brush Script, Parisienne y Kuenstler Script.

4. DISPLAY

La tipografía de decoración es difícil de categorizar, porque su diseño es más libre y puede implicar es tilos llamativos y persona lizados que en gran medi da se usan para resaltar un titular. Se emplea en áreas donde la legibilidad no sea una prioridad, como en los logos, publicidad o banners.

Las letras tipo display se ca racterizan por ser singula res y transmitir desenfado, creatividad, innovación y originalidad. Definitiva mente no se recomiendan para textos largos. Algunos ejemplos representativos son: Ruslan Display, Swift y Outlaw.

COLOR

Importancia

Así como la tipografía resulta fundamental para el diseño del logotipo y demás elementos gráficos de una marca, igual importancia tiene el uso del color. Los colores producen diferentes emociones e influ yen de manera decisiva en nuestra percepción de la realidad. Colores primarios y secundarios, en sus infinitas combinaciones entre sí y con un determi nado tipo de letra, tienen el poder de transmitir un mensaje o emoción concreta, así como definir por completo la personalidad de la empresa. Por ello, no es recomendable obviar ni subestimar la deci sión de un diseñador de emplear un color específico a la hora de crear la identidad corporativa e imagen de una marca.

Existen estudios acerca de la psicología del color, es decir, de qué manera los colores comunican y transmiten emociones al espectador o cliente. Por ejemplo, el artista Josef Albers, quien en 1963 de mostró en La interacción del color que nuestro ojo nunca percibe un color como realmente es. Esto supone un hecho a tener en cuenta, ya que un color puede ser percibido de diferente manera depen diendo del color con el que haga contraste. Es por ello importante que se realicen diferentes estudios de color, que se prueben diferentes combinaciones hasta dar con aquella que realmente funcione.

Gustavo Boaron

ROJO

Es un color pasional, intenso, ex citante, en cierto modo agresivo, y refleja valores como la vitalidad y la fortaleza. Algunas marcas famosas que han empleado este color son Coca Cola, Ferrari y Levi’s.

AMARILLO NARANJA

Es un color luminoso y cálido, y refle ja cualidades como el optimismo y la claridad. National Geographic, Nikon, SubWay, IKEA y McDonald’s son solo algunas entidades que optaron por in cluirlo en su logo como color principal.

Es dinámico y radiante, y transmite una sensación amigable, de confidencia. Algunos ejemplos de su uso son los logos de Nicke lodeon (cadena televisiva de programación infantil, a la cual este color le proporciona ese toque cercano y amistoso), VLC, Fanta, Amazon, y Blogger, entre otros.

BLANCO

Suele utilizarse en conjunto, trans mitiendo una sensación de seriedad similar al gris. Son los colores utiliza dos por empresas como Cartoon Ne twork, Puma, Nike, y Herald Tribune.

Es el más utilizado por las empresas. Evoca profundidad, seriedad, confianza y solem nidad. Según estudios de profesionales del marketing, es un color idóneo para productos de limpieza, líneas aéreas y aeropuertos, por representar al agua y el cielo. Ha sido utiliza do por marcas como Pepsi, HP, y redes socia les como Skype, Flickr, Twitter y Facebook.

AZUL

VERDE

Es un color tranquilo y apacible, y repre senta aspectos como la esperanza, la sa lud, y la paz. Ha sido utilizado por grandes marcas como Starbucks, XBOX, Whole Foods, Tropicana, Spotify, y Android.

GRIS

Establece el equilibrio entre el blanco y el negro, dando un aspecto de so lemnidad, neutralidad y calma. Apple, tras varios cambios en su logo, utilizó este color para su último (¿y definiti vo?) diseño. Otras marcas que hacen uso del gris son Wikipedia, y Honda.

NEGRO

Suele utilizarse en conjunto, transmitiendo una sensación de seriedad similar al gris. Son los colores utilizados por empresas como Cartoon Network, Puma, Nike, y Herald Tribune.

COMPOSICIÓN

Jugar

con los elementos del diseño

Podremos conseguir diferentes resul tados y efectos según el peso, el lugar de disposición, etc., que les demos dentro del espacio.

- Los elementos dispuestos a la derecha o en el margen infe rior tienen mayor fuerza visual, mientras que los situados a la iz quierda y/o en la parte superior dan una sensación más liviana

- Las formas angulares y alarga das amplían el campo de visión y proporcionan un efecto de mag nificencia, mientras que las cortas transmiten humildad.

- Las formas más sencillas y regu lares son más fáciles de recordar y de asimilar, así como las simé tricas, ya que ayudan a cumplir con la armonía y la perfección que tanto buscamos.

- Las imágenes más grandes sim bolizan la fortaleza, mientras que las pequeñas producen un efecto de debilidad o de delicadeza.

- Los colores más vivos tienen más presencia y un mayor efecto visual que los colores pastel, pá lidos, y tenues.

Uno de los aspectos más im portantes que hay que tener en cuenta es la escala, ya que define el tamaño de los elementos y su relación con el resto, sobre todo si tratamos con objetos reconoci bles o figuras humanas.

ARTISTA DE INSPIRACIÓN

¡Hola!

Soy Rafael Mayani. Un artista mexicano radicado en Vancouver, Canadá.

De día trabajo como Director Creativo Asociado en Giant Ant. Por la noche soy un ilustrador independiente que trabaja con algunas de las marcas más emocionantes que existen (princi palmente después de que mi hijo Rio se va a la cama).

Comencé estudiando Diseño Industrial en la UNAM en la Ciudad de México, rápidamente pasé a un curso de Artes Vi suales en la Escuela de Diseño Atelier en Barcelona, después de lo cual comencé una carrera creando personajes capricho sos que juegan con la forma, la escala, el color y la perspectiva.

Clientela.

Mi trabajo se puede encontrar en una variedad de medios, desde libros ilustrados para niños hasta varias revistas y pe riódicos. Diseñé murales en Eslovenia, ilustré una nueva edi ción de El libro de la selva, creé un Doodle de Google y dirigí el arte de la nueva introducción de Pinky and the Brain.

Algunos otros clientes incluyen Disney, Air BnB, Harper’s Bazaar Mexico, Harper Collins, Virgin Atlantic.

¡Siempre me alegra saber de nuevos proyectos! Me encanta cuando la gente tiene grandes ideas en las que trabajar, así que si tienes algo en mente, ponte en contacto.

Rafael Mayani

¡Sígueme!

Puedes encontrarme como @rmayani en Instagram y Twitter, donde trato de no publicar fotos de mi hijo.

Puedes enviarme un correo electrónico a r.mayani@gmail.com

Philipp Potocnik

ILUSTRACIÓN

¿Qué es la ilustración?

La ilustración engloba a las imá genes capaces de transmitir un mensaje, normalmente acompa ña textos o historias o conceptos, aunque no siempre tiene porqué hacerlo. A diferencia de la escul tura u otras artes, la ilustración hace uso de imágenes bidimen sionales que comunican y trans miten una idea.

Se pueden utilizar diversas técni cas, materiales y también sopor tes digitales.

Hoy en día, la ilustración se uti liza mucho en el ámbito de la comunicación, es por esta razón que tiene un papel importante en el desarrollo del diseño gráfi co, ya sea en la publicidad u otro tipo de comunicación visual.

En el diseño publicitario encuen tra un buen escaparate para ayu dar a potenciar el mensaje de la marca o la campaña que se esté llevando a cabo.

En el mundo del diseño gráfico la ilustración es utilizada para ilus trar un documento o mensaje de cualquier tipo; es considerada una herramienta versátil, ya que puede ser utilizada en diferentes formatos y técnicas. Las posibili dades son infinitas, lo que abre un universo de oportunidades para transmitir mensajes de forma precisa y efectiva.

Son extensibles en el tiempo ya que no es una cuestión de modas y se adaptan a las tendencias de manera fácil.

Existen varias razones para las que la ilustración resulta importante para el diseño gráfico:

La ilustración puede ir acompañada de fotografía, texto de otro tipo de imágenes y da un toque más artístico y original.

La infografía, ejemplo máximo donde no podría existir uno sin otro, ya que la dota de dinamismo y precisión. La infografía se utiliza mucho en el desarrollo de diseños para empresas, inmobiliarias o instituciones educativas o científicas que buscan dar a conocer sus servicios de manera más intuiti va para los lectores.

La ilustración es capaz de transmitir un mensaje más emocional que llame la atención del especta dor de manera instantánea, tratar temas complejos o incluso desagradables de manera eficaz y amable

La ilustración resulta muy útil y efectiva para el diseño gráfico, ya que puede aportar creatividad y dinamismo a cualquier pieza de diseño, se vuelve un aliado más, al ser una técnica ágil donde se pue den conseguir resultados que con otras técnicas sería mucho más difíciles de plasmar.

Samuel Regan Asante

CINE

El papel del diseño gráfico en el cine

El cine engloba distintas discipli nas como la iluminación, cámara, escenografía, guion, música, ves tuario, etc. Pero ¿y el diseño grá fico? A nadie se le ocurre pensar que ocupa una parte importante en la elaboración de cualquier película. Su participación se intu ye en los carteles promocionales, pero su papel dentro del cine va mucho más allá.

El cartel promocional es la pri mera imagen que el posible es pectador tiene de la película, es, el que, en muchas ocasiones, va a determinar que se decida a ir a verla. Por tanto, hay que tener especial cuidado en su elaboración. Un cartel sugerente hará que el espectador no pase de largo, le

interese y quiera consultar la si nopsis de la película. Otro ejemplo clásico de utiliza ción del diseño en el cine son los créditos. En un primer momen to, se limitaban a una imagen de fondo sobre la que iban apare ciendo rótulos con los nombres. Actualmente podemos encontrar créditos de todo tipo imágenes estáticas o en movimiento, ani maciones, etc., siempre acompa ñados de la banda sonora.

A lo largo de la película, el diseño gráfico se encarga de introducir al espectador dentro del mundo de la película. Hace posible que elementos tan cotidianos como un periódico, se conviertan en narradores de la historia. Esta disciplina diseña los elementos

que interactúan con los actores para dar vida a la trama, como los carteles de metro, de las tiendas o simples tarjetas de visita.

También podemos encontrar la huella del diseño gráfico en el cine de animación. Pero, a pesar de su importancia, el diseño grá fico es el gran desconocido den tro del mundo del cine.

Aunque en los últimos años, se ha empezado a dar a conocer gracias a figuras como Annie At kins, diseñadora gráfica a cargo de la creación de películas como “El Gran Hotel Budapest” o “Boxtrols”, que se encarga de ir ense ñado su trabajo con conferencias por todo el mundo.

Las personas siempre hemos tenido la necesidad de comunicarnos de diferentes formas y sin duda el diseño es una de las mejores maneras en las que hoy en día expresamos nuestros pensamientos y emociones.

El nacimiento del diseño gráfico se remonta a la creación de las pinturas rupestres aproximadamen te 20 mil A.C, se estima que las figuras que repre sentaban personas y animales lo hacían con fines religiosos.

Por otro lado, los egipcios crearon uno de los pri meros sistemas de escrituras, jeroglíficos y el papiro.

Más adelante, en la edad media nacen las ornamen taciones y las decoraciones en los textos, las cuales se utilizaban principalmente en la decoración de las biblias.

Luego, en 1440 el orfebre alemán, Johan Gutenberg, diseñó la imprenta, una herramienta, la cual era ca paz de hacer textos e imágenes sobre papel de for ma masiva, y es aquí cuando nace la industria de la imprenta moderna y con ella se realizó la impresión de muchos contenidos a nivel mundial.

Con el nacimiento de la industria de la imprenta surge también una nueva profesión, la del tipógrafo o cajista, persona experta en maquetación y ajuste de texto; para este nuevo proceso de impresión de textos e imágenes se hace necesario el abasteci miento de nuevos materiales, nuevas tintas, fuentes tipográficas, entre otros.

Después de esta nueva creación, llega, con la revo lución industrial, una etapa muy importante, ya que desarrollan los mercados y la economía, nacen los espacios comerciales y la competencia del mercado. Gracias a dicha revolución surge la necesidad de vender nuevos productos y servicios publicitarios y a raíz de esto se crea la técnica publicitaria que se encargaba de informar a los consumidores acerca de los nuevos productos y servicios.

En este momento empiezan a surgir los primeros diseñadores gráficos que tuvieron las herramientas necesarias para manejar diversos elementos visuales como las formas, textos, tipografías, tonos, ilustra ciones fotografías, entre otros, era muy importante que tuvieran total manejo de estos elementos para comunicar de forma correcta la información e ideas de los clientes, en este punto empieza a tener mu cha fuerza la comunicación publicitaria.

Por último, a finales del siglo xx, nace la era digital y en ella todo es mucho más rápido, por lo tanto, crecen los medios de comunicación y los formatos en los que nos comunicamos y por esto crece tam bién la demanda de esta profesión. Actualmente podemos ver como el diseño gráfico y los formatos digitales cada vez están más unidos para ofrecer mejores formas de comunicación.

CÁPSULA DE HISTORIA

Historia del Diseño Gráfico

MÚSICA

¿Influye la música en el diseño gráfico?

Una gran variedad estudios demuestran que la creatividad, la rapidez y la efectividad de las tareas aumentan al escuchar música mientras diseñamos. Pero todo va a depender del tipo de labor que se desempeñe y de la melodía que se escuche. Es necesario destacar que entre la música y el diseño gráfico existe una relación, ya que son dos lenguajes que por lo general van cogidos de la mano desde siempre. Los dos enriquecen mucho y en ocasiones, se necesitan el uno del otro para funcionar. La cues tión es, ¿qué diseñador no pone música a la hora de trabajar? Incluso se tiende a elegir el tipo de música atendiendo al tipo de proyecto de diseño gráfico que se tenga y además de eso, se puede reproducir esa en un volumen u otro, ya que la intensidad del volumen también influye a la hora de concentrarse

o dependiendo del trabajo que se tenga. Ambos son tipos de arte y constituyen lenguajes capaces de despertar sentimientos y emociones en el público que los percibe. Y hablando desde la opinión de muchos de nosotros, la música y diseño van de la mano habiendo bastantes razones que lo justifican.

En definitiva, a la hora de hablar de estos dos con ceptos y su relación, es necesario mencionar que ambas comparten muchos conceptos como el rit mo, el tono, la repetición, la intensidad, la armonía, etc., pero, sobre todo, lo que tienen en común es la creatividad, por lo que la unión de los dos, agudiza o maximiza esta clave, haciendo que obtengamos resultados exitosos y eficientes.

LITERATURA

Literatura convertida en diseño

Literatura y diseño son dos ramas artísticas que desde sus orígenes han ido de la mano retroalimen tadose de formas diferentes.

Comenzando por las propias portadas y cubiertas de los libros, cuya estética ya se tenía en cuenta hace siglos cuando las decoraban con grabados y panes de oro, has ta la actualidad, destacando por la originalidad de sus materiales o los recursos que utilizan para sintetizar su contenido. Ejemplos de ello son la portada de Un Mundo Feliz, realizada por Richard Tut lle, que incluye cápsulas de Pro zac, o la de Fahrenheit 451, por Elizabeth Perez, que sustituye el

1 por una cerilla que se puede encender en el lomo del libro. Por supuesto los libros infantiles, pero también algunas novelas para adultos han incluido a me nudo entre sus páginas ilustracio nes, algunas sencillas y esquemá ticas y otras cargadas de detalles, como algunas obras fantásticas reconocidas mundialmente que nos mostraban mapas de mundos imaginarios en sus primeras o úl timas páginas.

No podemos evitar hablar tam bién de los vistosos libros pop up, que al abrirlos nos despliegan sus historias delante de la cara, en tres dimensiones e incluso con

movimiento. Al igual que en el caso de los “libros con dibujos”, los pop ups han pasado de ser algo casi exclusivamente dirigido a niños para meterse en el mun do de los adultos. O, mejor dicho, para meternos, a los adultos, en su mundo maravilloso.

Y por qué no, el uso diseño para contar historias es más que evi dente en los comics o las novelas gráficas, como son los casos de Moderna de Pueblo y Sara He rranz o los libros del diseñador Ricardo Cavolo, que, de la mano de Gunter Gallery, han pasado por Mercado de Diseño.

Héctor J. Rivas

PROCESO CREATIVO

Pasos a seguir para el proceso creativo

Y si dicen que no saben lo que quieren, hay que guiarles, porque si te han ido a buscar y no han he cho el cartel en su casa, es que quieren algo profe sional y están dispuestos a pagarlo, y eso significa que saben lo que quieren, aunque lo ignoren.

Por eso no hay que aceptar un trabajo según te lo dejan en la mesa, hay que indagar en la mente del cliente para poder tener un punto de partida.

Una vez que tenemos toda la información necesaria, ya podemos comenzar a crear, iniciar el proceso creativo. Con el siguiente método:

• Buscar la idea.

• Desarrollar el proyecto basado en esa idea.

• Realizar un boceto.

• Finalizar el trabajo.

• Preparar el trabajo para su entrega.

El proceso creativo de un diseño es un camino lar go, desde que se plantea por medio de un encargo o una necesidad propia, hasta la entrega final al clien te o resolución final del trabajo.

Cuando se nos presenta la necesidad de trabajar en un proyecto nuevo, comenzamos desde cero, con una hoja en blanco, sin la más remota idea de cómo va a terminar siendo, ya que son muchos los pasos y dificultades por los que hay que pasar.

Cuando tengo que hacer un trabajo, debes intentar sacar la máxima información posible al cliente, como si fuera un interrogatorio detectivesco.

La mayoría de la gente piensa que con llegar y decir, por ejemplo, quiero un cartel para promoción, ya está todo hecho, y tienen mucha parte de razón. De ti depende la forma que elijas para buscarte la vida, que puede ser difícil o muy difícil. Por eso, para que sea más llevadero, interroga, pregunta, no te dejes nada pendiente en un principio.

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Balazs Ketyi

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