Bruno Saba by Galleria arte Martinelli

Bruno Saba

Century

4 P.Lucchini Street 6900 CH Lugano Tel. +41 (0) 91 941 10 00/+41 (0) 91 941 20 00 info@theabsolute-art.com www.theabsolute-art.com

B r u n o

S a b a

C e n t u r y 18 January - 4 March, 2018

Foreword of Absolute Art

7-8

Biography

11-14

Bruno Saba: a long way in the painting

20-24

A dream inspired by reality

F 28-30

of Luigi Cavadini

of Enrico Gariboldi

Paintings 60-70S

80-90S

2000s

Works on paper

103 3

Exhibitions

107

Foreword

Absolute Art is pleased to present CENTURY, the first solo show of Mr. Bruno Saba placed in Switzerland. It with immense pleasure that we have agreed to promote and represent the exhibition of Bruno Saba's paintings. We have had the honor of knowing Bruno and listening verbally to his artistic journey, we will exhibit his 40 years of activity. Absolute Art opens its exhibition space in 2015, after a long experience in the international art trade, with the intent to promote modern and contemporary art at the center of Europe. Lugano infact, not only geographically is located in a central position with respect to Europe, but above all we could define it as the beating heart of the culture and economy of the Old Continent. Immediately Absolute Art would not be representative of a single current or identify a new trend, but it has always focused on the quality of the works proposed, believing in art and in the artist as a mystic and visionary craftsman who produces not a good material, but the reproduction of emotions of all of us. From the first show, in which he staged works of the second Italian war, including Fontana, Castellani, Bonalumi, Chip etc. in solo exhibitions by emerging artists already on the international market.

Absolute Art

Introduzione

L' Absolute Art è lieta di presentare CENTURY, la prima mostra personale del Maestro Bruno Saba in Svizzera. È con immenso piacere che abbiamo accettato di promuovere e rappresentare la mostra dei dipinti di Bruno Saba. Abbiamo avuto l'onore di conoscere Bruno e ascoltare verbalmente il suo percorso artistico, mostreremo i suoi 40 anni di attività. L' Absolute Art apre il suo spazio espositivo nel 2015, dopo una lunga esperienza nel commercio internazionale d'arte, con l'intento di promuovere l'arte moderna e contemporanea al centro dell'Europa. Lugano infatti, non solo geograficamente si trova in una posizione centrale rispetto all'Europa, ma soprattutto possiamo definirlo come il cuore battente della cultura e dell'economia del Vecchio Continente. L' Absolute Art da subito non ha voluto rappresentare una singola corrente né individuare una nuova tendenza, ma si è sempre concentrata sulla qualità delle opere proposte, credendo nell'arte e nell'artista, come un artigiano mistico e visionario che non produce un buon materiale, ma riproduce delle emozioni per tutti noi. Dalla prima mostra, in cui ha esposto opere della seconda guerra italiana, tra cui Fontana, Castellani, Bonalumi, etc, arriviamo a esposizioni personali di artisti emergenti già presenti sul mercato internazionale.

Absolute Art

Biography Biografia

Biography

Born in Rome in 1940, Bruno Saba was trained at the school of Domenico Purificato, Renato Guttuso and Luigi Montanarini. In the mid-1960s, the theater and television set designer experience precedes that of teaching, which turns out to be his true professional vocation. In those years Saba painted with great commitment that in 1960 he presented his first personal in Rome (Galleria Le Jardin des Arts).

Since 1965 he has taught artistic education in middle schools, first in the Abruzzi, where the novelty of the single high school stimulates him both in the teaching and in the social sense in contact with a still very rural environment; the landscapes of Fucino and Marsica sediment in its memory and will have decisive part in its painting. The years preceding the controversy are years of social and political turmoil, during which Saba carries out activities of cultural animation rooted in the community of Avezzano, where he mainly operates.

The activity of teaching continues from 1974 to Como, where he moved, and where he contacts the Lariani artists. Years in which criticizes the history of 20th-century art (think of Giulio Carlo Argan), and also a Como valorizes the work of abstractists of the 1930s (with Luciano Caramel), some of which are still in business '' Geometric Extractism of Comic Root Painters, Rho, Galli leaves Saba's indifference, which nevertheless will never be aligned on that side. A Como in those years still perceived a fracture between figurative and non-figurative artists, a fracture he had assumed in previous ideological connotations, but Bruno Saba is among those who go beyond. Guttuso's student, in his painting, has never lost contact with reality 'visible, as experience data, without however fall into the trap of the forced "MIMESIS" of "social" realism painting. Rather, many instances of the avant-garde of the twentieth century have paved the way for it to operate on the canvas, without it being possible to label a painting as an expressionist, surrealistic or informal cubist. Sometimes, the inheritance of those experiences echoes in its palette and its compositions. With abstract ambiguity that the word comes next, it seems to be the possible landing, but that resemble prospective cuts, evocations of atmospheres and figures, so much so that the traditional kinds of painting can not be completely abandoned: the still-life here is married to the landscape, the human figure is obscured by compositions that seemed like a desire for geometry, architecture 'lies in the expanded spaces of dream views. All works faithful to the pictorial mandate of modernity: the primacy of color on form. All paintings characterized by expressive vigor, a density that is recognized as authentic by knowing the person of the author. Saba did not betray the youthful enthusiasm for participation and involvement: for a decade, it is in fact the animator of the group "Quarto Decimo", a format of comedian artists, painters, sculptors, photographers and participates in the exhibitions of the association. In spite of the current ways, his paintings are faithful to painting, proceeding with the tools of easel painting, sometimes resorting to charcoal studies, governing, layer on

layer, to obtain formal balance, that impulse chromatic that generally grows violent, for an ethical urgency, dictated by the feeling of indignation and compassion for the dramatic events of our time, leaving always to leap a story, a humanity story, from the laborious configuration of the picture. He has participated as a painter in several national shows: Perugia Prize, Civitavecchia Prize; Rinascita Prize, Rome; City Prize of Lucca; Avezzano Prize; City Prize of Penne; Sulmona Prize; Award "Mazzacurati", Teramo; Michetti Prize; Figurative Arts Review, Rome and Lazio; Prize Cinecitta '; National Painting Exhibition, San Pietro Agliana; City of Piacenza Prize; Villa San Giovanni Prize; Seregno-Brianza International Award; 1st National Competition "Mario Radice", Albavilla-Como. He participated in Group Exhibitions in Rome (group of painters of "Michelangelo" and "Cerchio"), Avezzano painters group of "Roof" and "Cic", Como groups of painters "Libera Parini" and Association of Fine Arts. He has won numerous awards, including: 1 Youth Art Exhibition Prize, 1 Aequo Belli-Trilussa- Pascarella Award in Contemporary Artists' Interpretation, 2 National Painting Exhibition of San Pietro di Agliana Painting, 1 May 1st Prize Lucio dei Marsi - political manifestation; Gold Medal 30th Anniversary of Resistance, Avezzano; Gold Medal "Enrico Mattei" Prize, Civitella Roveto, Commemorative Prize Villa San Giovanni.

Alberto Rovi, 2016 Storico dell'arte

Biografia

Nato a Roma nel 1940, Bruno Saba si e' formato alla scuola di Domenico Purificato, Renato Guttuso e Luigi Montanarini. Nella meta' degli anni 60, l'esperienza di scenografo teatrale e televisivo precede quella dell'insegnamento, che si rivela come la sua autentica vocazione professionale. In quegli anni Saba dipinge con impegno tanto che nel 1960 presenta la sua prima personale a Roma (Galleria Le Jardin des Arts ).

Dal 1965 insegna educazione artistica nelle scuole medie, dapprima negli Abruzzi, dove la novita' della scuola media unica lo stimola sia in senso didattico, sia in senso sociale a contatto con un ambiente ancora decisamente rurale; i paesaggi del Fucino e della Marsica si sedimentano nella sua memoria e avranno parte decisiva in molta sua pittura. Gli anni che precedono la contestazione sono anni di fermento sociale e politico, durante i quali Saba svolge attivita' di animazione culturale radicandola nella comunita' di Avezzano, dove principalmente opera.

L'attivita' di docenza prosegue dal 1974 a Como, dove si trasferisce, e dove entra in contatto con gli artisti Lariani. Sono anni in cui si delinea criticamente la storia dell'arte del Novecento Italiano ( si pensi a Giulio Carlo Argan), ed anche a Como si valorizza l'operato degli artisti astrattisti degli anni Trenta (con Luciano Caramel ), alcuni dei quali sono ancora in attivita'. L'astrattismo geometrico dei pittori comaschi Radice, Rho, Galli non lascia indifferente Saba, che tuttavia mai si allineera' su quel versante. A Como in quegli anni si percepiva ancora una frattura tra artisti della figurazione e non figurativi, frattura che aveva assunto negli anni precedenti connotazioni ideologiche, ma Bruno Saba e' tra quelli che vanno oltre. Allievo di Guttuso, nella sua pittura non ha mai perso il contatto con la realta' visibile , come dato di esperienza, senza tuttavia cadere nella trappoloa della "MIMESIS" forzata della pittura del realismo "sociale". Piuttosto molte istanze delle avanguardie del Novecento hanno lambito il suo modo di operare sulla tela, senza che sia possibile etichettare un suo quadro come espressionista, cubista surrealista o informale. Volta per volta l'eredita' di quelle esperienze echeggia nella sua tavolozza e nelle sue composizioni. Certo l'astrattismo, con il carico di ambiguita' che la parola si porta appresso, sembra il possibile approdo, ma che rispuntano tagli prospettici, evocazioni di atmosfere e di figure,tanto che si non possono dire del tutto abbandonati i generi tradizionali della pittura: la natura morta qui si sposa al paesaggio, la figura umana la occheggia da composizioni che sembravano nate da un desiderio di geometria, l'archittettura s'insedia negli spazi dilatati di vedute oniriche. Tutte opere fedeli al mandato pittorico della modernita': il primato del colore sulla forma. Tutte pitture improntate a un vigore espressivo, a una densita' che si riconoscono autentiche conoscendone la persona dell' autore. Saba non ha tradito il giovanile entusiasmo per la partecipazione e il coinvolgimento: da una decina d' anni e' di fatto l'animatore del gruppo "Quarto Decimo ", formato d'artisti comaschi, pittori, scultori, fotografi e partecipa alle mostre del sodalizio. A dispetto delle modi correnti, la sua pittura rimane fedele alla pittura, nel procedere con gli strumenti della pittura da cavalletto, nel ricorrere talora agli studi

a carboncini, nel governare, strato su strato, fino ad ottenere l' equilibrio formale, quell'impulso cromatico che in genere sgorga violento, per un urgenza etica, dettato dal sentimento di indignazione e compassione per le drammatiche vicende del nostro tempo, lasciando sempre trapelare un racconto, una storia di umanita', dal laborioso configurarsi del quadro . Ha partecipato come pittore a diverse rassegne nazionali: Premio Perugia, Premio Civitavecchia; Premio Rinascita, Roma; Premio citta' di Lucca; Premio Avezzano; Premio citta' di Penne; Premio Sulmona; Premio “Mazzacurati”, Teramo; Premio “Michetti”; Rassegna Arti

Figurative, Roma e Lazio; Premio Cinecitta'; Mostra

Nazionale di Pittura,San Pietro Agliana; Premio Citta' di Piacenza; Premio Villa San Giovanni; Premio Internazionale Seregno-Brianza; 1°Concorso Nazionale “Mario Radice”, Albavilla-Como. Ha partecipato a Mostre di Gruppo a Roma(gruppo pittori della “Michelangelo” e del Cerchio”), ad Avezzano gruppo pittori del “Tetto”e del “Cic”,a Como gruppi pittori ”Libera Parini” e Associazione Belle Arti. Ha vinto numerosi premi, tra i quali:1 Premio Mostra d'Arte Giovanile; 1 Premio exAequo Belli- Trilussa- Pascarella nell' interpretazione di artisti contemporanei;2 Premio Mostra Nazionale di Pittura San Pietro di Agliana;1 Premio 1 Maggio a Lucco dei Marsi manifesto politico; Medaglia d'oro 30 Anniversario della Resistenza, Avezzano; Medaglia d'oro Premio ”Enrico Mattei”, Civitella Roveto, Premio Comune Villa San Giovanni.

Alberto Rovi, 2016 Storico dell'arte

Note critiche Hanno scritto di Bruno Saba: Giovanni Belgrano, Sandro Bortone, Enzo Brunori, Giovanni D'Andrea, Lionello Farinacci, Romolo Liberale, Franco Miele, Dario Micacchi, Virgilio Guzzi, Sandra Orienti, Fiammetta Selva, Antonio Del Guercio, Renzo Vigna, Lorenzo Morandotti, Giorgio Seveso, Elena di Raddo, Mario R a d i c e , K a t i a Tr i n c a C o l o n e l

…. E se “romantico” non è certo l’aggettivo che più si cuce addosso a Bruno Saba (visti i suoi trascorsi politici virati piuttosto verso un’arte che fa presa nel sociale e che ambiva a cambiare il mondo), è pur vero che nelle sue pennellate si trovano quell’inquietudine, quella ricerca interiore, quello struggimento che, attraverso cromatismi ricercati e di forte impatto, imbrigliano nell’informale emozioni più profonde e una vibrante sensibilità. Delle tendenze espressioniste degli esordi rimane l’impellente esigenza di riportare sulla tela non il reale ma una lettura del sentimento che esso suscita. Dell’astrattismo invece una costante ricerca geometrica data dal sovrapporsi di piani e campiture. La costante dissoluzione dell’oggetto fa trasparire, in tutta la sua forza, l’importanza che Saba assegna all’indagine e alla libera raffigurazione dei propri stati d’animo. Katia Trinca Colonel 2014

"Nelle opere degli ultimi anni il colore ha assunto una consistenza filiforme e non si espande sulla tela ma viene incanalato in forme geometriche che comunque non bloccano la rappresentazione ma piuttosto conferiscono movimento. Interessanti sono i quadri, presenti in galleria, dedicati al tema "sul tavolo e oltre la finestra" dove Saba introduce il rapporto dialettico tra il "dentro" e il "fuori", tra la realta' materiale e quella spirituale. In esso gli elementi quasi matematici e comunque consistenti della realta' interna contrastano con quelli immateriali presenti oltre la finestra, che ora si diffondono in un magma indistinto di colori a ricordare le nubi, ora si compongono in blocchi distinti di sagome colorate librate nel vuoto in un costante anelito alla liberta'. L'elemento nel ricordo che si sposa con quello onirico e' uno delle componenti piu' evidenti nella pittura di Saba: i paesaggi sono sempre rivissuti nellla mente dell' artista ed evocati nella memoria" Elena di Raddo 1990

Abruzzo d'oggi - 1974

Nel 2015 l'amico Francesco Amadori gli dedica un ritratto.

Bruno Saba: a long way in the painting

The story of Bruno Saba has Roman origins. Not only because he was born in Rome, he began his artistic studies at the Art School and the Faculty of Architecture, but also because he met the masters who marked his artistic career: the architect Leonardo Benevolo and the painters Renato Guttuso, first of all, Domenico Purificato and Luigi Montanarini. The first experiences, which see him acting at a dramatic stage in theatrical and television, are increasingly orienting him towards painting that faces with a great decision, just 20 years old, to confront the audience with the first personal exhibition of Rome. What can be described as its first accomplished work dates back to 1958. And if references to masters can be evidence of a formation that has been made in comparison with well-established and recognized artists, we can say that its formal origins are rooted in a more distant experience , that of expressionistism. The poetics of his masters and their approach to the image find it here and there, especially when it is focused on the face of man and it is above all purified to filter in these occasions to his sensitivity. And of Guttuso there are some recalls in the concitation of certain compositional sets and certainly not in the narrative, because Saba, stressed by works and comparisons with Montanarini, is not confined to a realistic expression. In his work, scenes from social appearances become the occasion for a search that is pure painting, without direct reference, without the constraint of place and time. The world of nature and the world of men become now fluctuating now compressed shapes that pluck when contact with the real world is only mental. Then playing on the canvas are just the colors, the absolute memory of the palpable world. Between the 1970s and 1980s Saba came to a new pictorial and aesthetic vision. Discrimination and at the same time the hinge between his previous painting and the next is undoubtedly the great painting The Spectrum of War (1980) in which he develops his narrative into coherence in a construction he can enclose in a palpable crescendo fear, Anguish, suffering that accompanies every conflict.

Throughout the decade of the Eighties, it moves above all in this field, passing to a painting that no longer needs figures, but it re-emerges whole or fragments but finds in the management of color and forms invented the stimulus for a new pictorial expression that Wonders the space and immerses those informal landscapes, those long tracks in a quick memory. The pictorial technique also emphasizes change: the artist no longer cares about painting and pulling the color, but tries a new way of combing, in the literal sense of the term, colored matter, which is thus able to attribute further expressive values , Depending on the infinite directions along which patients and meticulous signs can be placed one after the other. All this, beyond the spatial exploration already experienced, has the obvious overcoming of the two-dimensionality of the image and the definition of interesting ways of evolution of the gaze. This extreme freedom, which also finds the urgency of a rigorous construction, ends up trying to find solid fissures to the earth. This is how the cycle of architecture is born, in which attention comes back to a color that responds to the flow of light , A cycle that combines in the same work the rigor of perspective, the imagination of architectural construction - now monument, now totem or other sacral form - and the freshness of a sky made of the dynamism of clouds and lights. Saba, retreating into these dreamlike, surreal and aseptic spaces, reaches the farthest place of his flight from palpable things to an original form of geometric abstraction. And there is a return path from here that is urged by situations of intense inner discomfort, such as the one related to the terrible war in Yugoslavia, and is connoted by landscapes where a dramatically rendered reality is populated with disturbing visions. A widespread anxiety takes the place of that abandonment that had characterized the cycle of architectures. Saba looks around, but above all, both as a man and as a painter, traces experiences, exhilarating moments and terrible moments, and seeks, even on the canvas, to reconcile situations that are far apart. The painting is first performed at the theater where the informal scenes of the 1960s are the backdrop to those kinds of ballets that, in the foreground, feature geometric figures that sometimes recall the symbols of a lifelong experience of life. Shape, any meaningful form, breaks down, crumbles, disperses. Here and there emerge signs of a religiousness that had

been expressed in the decades before only in a great and intense Crucifix; The heavens again come to the surface, plucked on clouds by the human face, and the earth, not a fertile land, but a kind of rock solid, mountainous, harsh and lifeless. In this journey, all the symbolic and expressive elements and pictorial techniques of a life are re-emerging. And after making theater, the painting is fragmented into several parts, one important up and one or more, in the manner of a polyptych. The major part is a kind of window that looks beyond it, which is outwardly different from the one in the lower part that is not always secondary. These are distance talks where often the incommunicability becomes tangible. Disorientation is widespread, the violence of nature and, implicitly, human nature clashes with the unmistakable message of constructed abstract composition. It is felt that new outcomes will break into the pictorial scene of Saba, as evidenced above all by the vast production of 1998. Two paintings come to mark the passage. On the one hand, 20 years, a large work that closes the series of "Opposites", those paintings, that is, where the thread is the opposition between the parts and their content; On the other side, the words of a Russian general, from genesis and complex reading but vital to the artist. In the first painting, an attempt to reorganize prevails, in which they take on symbolic forms of body that, matured in the unconscious, make themselves first emotion, then structure and finally color. In the second Saba breaks down every scheme and compresses into a sort of collage of painted images - made of destructures, visions, and color evolutions - the inner tense that lasted for years and came to an end following some depressed statement by a Russian general. Here, the artist sums up for forty years of life where he has progressively crumbled that ideal vision of the world for which he had long and deeply committed himself to himself. Overall, the dynamism that moves this painting Saba never gives up on the dream, hope, which is revealed in the concluding quadrant of the work, on the bottom right, where colors return to light. Later, for some years, Saba's painting plunges into nature that conquers spaces by lounging in a long perspective that exalts it and often becomes a large and enveloping place for man's revelation, in an apparition that matures within a reflection New on man

and on the sacred. It is a nature that lives in itself in a light narrative, but sometimes it is transformed and the atmosphere feels and everything seems to be languishing. The artist wants to give body and image to the destiny of man who often can calm his silence of tranquility in a place - which can be physical or mental - but does not take into account the fact that his own nature urges him and leads. In these provocations, Saba finds new stimuli that lead him to a certain point, within the new century, to play with forms that have already populated his world and that increasingly become constitutive of a new nature in which, even within the forms, The almost absolute protagonist of the work of art is the color. Now the action on the canvas is varied, both in the components and in the techniques. All that conforms to is the spatial dimension of the image: its constructions - which can be assimilated to interior or landscape - always seem to fluctuate in space and tell, when the course is slow, but especially when it becomes obsessive, an incomprehensible and unstoppable vitality , Even within a flash, as it is pictured in a picture. Color drawing methods help to define the depth of the scene (scene being, even when it is completely abstract) and to support its evolution. The recovery of an imaginary already experienced, or in some cases just announced, in the 80s and 90s leads to a review of the value of those elements whether they are letters, numbers or graphic signs that have become the main actors of composition after Have been developed and introduced as tools to tie the various parts. Today, Bruno Saba's poetry continues to develop on these lines less conditioned by tensions and political-social visions, but always tending to reveal the unceasing need for freedom of the person, the need to materialize in the color force that he distributes on Full-face canvas, now with the brush and now with the spatula, to give voice to hope in a better world, which must never succumb to the desperation caused by terrible situations that still affect the evolution of mankind.

Luigi Cavadini Lugano, 25 luglio 2017

Bruno Saba: un lungo cammino dentro la pittura

La storia di Bruno Saba ha origini romane. Non solo perché a Roma è nato e ha intrapreso gli studi artistici presso il Liceo artistico e la Facoltà di Architettura, ma anche perché vi ha incontrato i maestri che hanno segnato il suo percorso d’artista: lo storico dell’architettura Leonardo Benevolo e i pittori Renato Guttuso, innanzitutto, Domenico Purificato e Luigi Montanarini. Le prime esperienze, che lo vedono operativo a livello scenografico in ambito teatrale e televisivo, lo orientano sempre più verso la pittura che affronta con grande decisione pronto, a soli 20 anni, a confrontarsi con il pubblico con la prima esposizione personale romana. Quella che può essere definita la sua prima opera compiuta risale al 1958. E se i riferimenti ai maestri possono essere probanti di una formazione avvenuta nel confronto con artisti già consolidati e riconosciuti, possiamo dire che le sue

origini

formali

radicano

una

esperienza

più

lontana,

quella

dell’espressionismo. La poetica dei suoi maestri e il loro approccio all’immagine trova riscontri qua e là, in particolare quando si sofferma sul volto dell’uomo ed è soprattutto Purificato a fare da filtro in queste occasioni alla sua sensibilità. E di Guttuso si ritrova qualche richiamo nella concitazione di certi insiemi compositivi e non certo nella narrazione, perché Saba, sollecitato dalle opere e dai confronti con Montanarini, non si limita ad una espressione realista. Nel suo lavoro le scene dai risvolti sociali diventano l’occasione per una ricerca che si fa pura pittura, senza referenti diretti, senza la costrizione del luogo e del tempo. Il mondo della natura e il mondo degli uomini diventano forme ora fluttuanti ora compresse che si placano quando il contatto con il mondo reale si fa solo mentale. Allora a giocare sulla tela restano solo i colori, memoria assoluta del mondo palpabile. Tra gli anni Settanta e gli Ottanta Saba giunge ad una visione pittorica ed estetica nuova. Discrimine e nello stesso tempo cerniera tra la sua pittura precedente e quella successiva è senza dubbio il grande dipinto Lo spettro della guerra (1980) in cui egli sviluppa con coerenza il suo estro narrativo in una costruzione che riesce a racchiudere

palpabile

accompagnano ogni conflitto.

crescendo

paure,

angosce,

sofferenze

che

Per tutto il decennio degli Ottanta si muove soprattutto in questo ambito, passando a una pittura che non ha più bisogno di figure, che pure ricompaiono intere o per frammenti ma trova nella gestione del colore e di forme inventate lo stimolo per una nuova espressione pittorica che saggia lo spazio e vi immerge quei suoi paesaggi informali, quelle lunghe carrellate dentro una memoria rapida. Anche la tecnica pittorica sottolinea il cambiamento: l’artista non si preoccupa più di stendere e tirare il colore, ma tenta una strada nuova con il pettinare, nel senso letterale del termine, la materia colorata, alla quale riesce così ad attribuire ulteriori valenze espressive, in funzione delle infinite direzioni lungo le quali i pazienti e meticolosi segni possono disporsi uno dopo l’altro. Tutto questo, al di là delle indagine spaziali già sperimentate, ha come effetto il superamento evidente della bidimensionalità dell’immagine e la definizione di interessanti vie di evoluzione dello sguardo. Questa estrema libertà, che pure trova in sé l’urgenza di una costruzione rigorosa, finisce per cercare degli appigli solidi alla terra: nasce così il ciclo delle architetture, in cui torna l’attenzione ad un colore che risponde da sé al fluire della luce, ciclo che unisce in una stessa opera il rigore della prospettiva, la fantasia della costruzione architettonica - ora monumento, ora totem o altra forma sacrale - e la freschezza di un cielo fatto del dinamismo delle nuvole e delle luci. Saba, ritirandosi in questi spazi onirici, surreali e asettici, raggiunge il luogo più lontano della sua fuga dalle cose palpabili verso una forma originale di astrazione geometrizzante. E da qui ricomincia un percorso di ritorno, che viene sollecitato da situazioni di forte disagio interiore, come quello collegato alla terribile guerra in Jugoslavia, e si connota con paesaggi in cui una realtà drammaticamente resa si popola di visioni inquietanti. Un’angoscia diffusa prende il luogo di quell’abbandono che aveva caratterizzato il ciclo delle architetture. Saba si guarda intorno, ma soprattutto indietro sia come uomo che come pittore, ripercorre le esperienze, i momenti esaltanti e quelli terribili, e cerca, anche sulla tela, di conciliare situazioni molto distanti tra loro. Il dipinto si fa dapprima teatro dove le scene informali degli ultimi anni Sessanta fanno da sfondo a quelle sorti di balletti che coinvolgono, in primo piano, figure geometriche che a volte richiamano i simboli guida di tanta esperienza di vita. La forma, qualunque forma significante, si scompone, si sfalda, si disperde. Qua e là emergono segnali di una religiosità che si era espressa nei decenni precedenti soltanto in un grande e intenso Crocifisso;

tornano a prendere consistenza il cielo, solcato in più occasioni da nuvole dal volto umano, e la terra, non una terra fertile ma una sorta di solido scoglio, di montagna, brulla e senza vita. In questo cammino si dipanano nuovamente tutti gli elementi simbolici ed espressivi e le tecniche pittoriche di una vita. E dopo essersi fatto teatro, il dipinto si frammenta in più parti, una importante in alto e una o più in basso, alla maniera di un polittico. La parte maggiore costituisce una sorta di finestra, di sguardo che va oltre, che è fuori o altro rispetto a quanto si compone nella parte inferiore che non sempre è secondaria. Si tratta di colloqui a distanza dove spesso l’incomunicabilità diventa tangibile. Il disorientamento è diffuso, la violenza della natura e, implicitamente, della natura umana si scontra con l’imprendibile messaggio della costruita composizione astratta. Si avverte che esiti nuovi irromperanno nella scena pittorica di Saba, come testimoniato soprattutto dalla vasta produzione del 1998,. Due dipinti vengono a marcare il passaggio. Da una parte 20 anni, opera di grandi dimensioni che chiude la serie degli “Opposti”, quei quadri, cioè, in cui il filo conduttore è la contrapposizione tra le parti e il loro contenuto; dall’altra parte, Le parole di un generale russo, dalla genesi e dalla lettura complesse, ma vitali per l’artista. Nel primo dipinto sembra prevalere un tentativo di riorganizzazione, in cui prendono corpo forme simboliche che, maturate nell’inconscio, si fanno prima emozione, poi struttura e infine colore. Nel secondo Saba rompe ogni schema e comprime dentro una sorta di collage di immagini dipinte - fatto di destrutturazioni, di visioni, di evoluzioni di colori - il tramestio interiore durato anni e giunto a conclusione a seguito di alcune sciagurate affermazione di un generale russo. Qui l’artista riassume quarant’anni di vita in cui ha visto progressivamente sgretolarsi quella visione ideale del mondo per cui aveva impegnato a lungo e a fondo tutto se stesso. Nel complesso dinamismo che muove questa pittura Saba non rinuncia comunque al sogno, alla speranza, che si rivela nel quadrante conclusivo dell’opera, in basso a destra, dove i colori tornano ad essere luce. In seguito, per alcuni anni, la pittura di Saba si immerge nella natura che conquista gli spazi distendendosi in una prospettiva lunga che la esalta e che spesso diventa luogo ampio e avvolgente per la rivelazione dell’uomo, in una apparizione che matura dentro una riflessione nuova sull’uomo e sul sacro.

È una natura che vive di sé in una narrazione leggera, ma a volte si trasforma e l’atmosfera si affoca e tutto sembra farsi incombente. L’artista vuole forse dar corpo e immagine al destino dell’uomo che spesso riesce a placare la sua sete di tranquillità in un luogo - che può essere fisico o mentale - ma non tiene conto del fatto che la sua natura stessa lo incalza e lo provoca. In queste provocazioni Saba trova nuovi stimoli che lo portano ad un certo punto, dentro ormai nel nuovo secolo, a giocare con forme che hanno già popolato il suo mondo e che sempre più diventano costitutive di una natura nuova in cui, pur dentro le forme, il protagonista quasi assoluto dell’opera d’arte è il colore. Ora l’azione che si sviluppa sulla tela è varia, sia nelle componenti che nelle tecniche. Ciò che tutto conforma è la dimensione spaziale dell’immagine: le sue costruzioni - che siano assimilabili ad interni o a paesaggi - sembrano sempre fluttuare nello spazio e narrano, quando l’andamento è lento ma in particolare quando diventa ossessivo, una vitalità incomprimibile e inarrestabile, seppure dentro un flash, come è quello figurato in un quadro. Le modalità di stesura del colore contribuiscono a definire la profondità della scena (di scena si tratta, anche quando è del tutto astratta) e a sostenerne l’evoluzione. Il recupero di un immaginario già sperimentato, o in certi casi solo annunciato, negli anni ’80 e ’90 porta ad una revisione del valore di quegli elementi siano essi lettere, numeri o segni grafici, che sono ormai diventati gli attori principali della composizione dopo essere stati sviluppati e introdotti come accorgimenti per legarne le varie parti. Oggi la poetica di Bruno Saba, continua a svilupparsi su queste linee meno condizionata da tensioni e visioni politico-sociali, ma sempre tesa a far emergere l’incessante bisogno di libertà della persona, bisogno che si materializza nella forza dei colori che egli distribuisce sulla tela a piene mani, ora col pennello e ora con la spatola, per dar voce alla speranza in un mondo migliore, che mai deve soccombere alla disperazione causata da situazioni terribili che tuttora condizionano l’evoluzione del genere umano.

Luigi Cavadini Lugano, 25 luglio 2017

A dream inspired by reality

In Writings and Thoughts on the Art, Henri Matisse writes: â&#x20AC;&#x153;Then slowly I came to discover the secret of painting. It consists in meditating on nature, in expressing a dream always inspired by realityâ&#x20AC;?. These words hit me so much when I read that book, just for the truth they expressed, that I saved them, stamping them from the PC on a sheet that is still attached to the pendulum in my studio to remember that time passes inexorably. Observing the works of Bruno Saba I remembered these words of Matisse and then I wanted to bring it back to the beginning of this presentation because I felt absolutely appropriate to our artist's world. To express a dream that is always inspired by reality is, in my view, just its artistic modus, in the period when it painted those mysterious windows on the world and when, lightened the palette, it landed in more dreamlike spaces without losing anything of the expressive intensity of the previous period. It would seem to a superficial observer that there is a net contrast between that period of integral realism, even if expressed in a personal way, and the second period where that realism leaves place to more dreamlike and informal compositions. It would seem a dangerous jump to leave a world known to venture into an opposite dimension because one might think that the dream is diametrically opposed to reality but that is not true because, as Freud explained, reality is a selection of few aspects and problems sewn together from the thread of utility, reciprocal convenience, family affinity, and hence the dream, even deforming, sometimes losing the laws of physics, changing the colors, always draws from the known reality. Another thing is that real, full, true reality that we can give in a few happy stages of our existence: in infancy or, once grown up, in the dream that, even by drawing on the existing, allows us to overcome the barrier of convenience and to make the most rich and unconventional conjunctions that sometimes even come to shock the way.

On the other hand, to confirm the reality of the dream, against the superficial theories that make it a place of fiction or the creation of absurd monsters, it is the fact, always made clear by Freud, that it does not produce image creations but enters memories, and the actuality of what you met, known, lived. Hence the reason why Matisse says good when he speaks of dreams always inspired by reality and Saba's artistic path, except for a moment when geometry seemed to have attracted him, is absolutely adhering to these assumptions. For example, let's look at the work that I consider to be the most indicative of what I'm saying: "Twenty years," this intriguing painting is a demonstration of how the dream can become reality and express it, as Saba does with colors and the unique forms of the dream. An artist who can reach these levels is always an Artist with capital letter 'A' and Bruno Saba is well worth the recognition.

Enrico Gariboldi Milano, 10 Ottobre 2017

Un sogno ispirato dalla realtà

In Scritti e Pensieri sull’Arte, Henri Matisse scrive: “Solo con lentezza giunsi a scoprire il segreto della pittura. Consiste nel meditare in contatto con la natura, per esprimere un sogno sempre ispirato alla realtà”. Queste parole mi colpirono così tanto, quando lessi quel libro, proprio per la verità che esprimevano, che le salvai, stampandole dal PC su un foglio che è ancora oggi attaccato al pendolo che sta nel mio studio a ricordarmi che il tempo passa inesorabilmente. Osservando le opere di Bruno Saba mi sono ricordato di queste parole di Matisse e allora ho voluto riportarle all’inizio di questa presentazione perché mi sono sembrate assolutamente appropriate al mondo del nostro artista. Esprimere un sogno sempre ispirato alla realtà è infatti, a mio modo di vedere, proprio il suo modus artistico, sia nel periodo in cui dipingeva quelle misteriose finestre sul mondo sia quando, alleggerita la tavolozza, è approdato in spazi più onirici, senza perdere nulla della intensità espressiva del periodo antecedente. Sembrerebbe, a un osservatore superficiale, che ci sia un contrasto netto tra quel periodo di realismo integrale, anche se espresso in maniera del tutto personale, e il secondo periodo dove quel realismo lascia il posto a composizioni più oniriche che informali. Sembrerebbe un salto pericoloso il lasciare un mondo conosciuto per avventurarsi in una opposta dimensione perché si potrebbe pensare che il sogno sia diametralmente antitetico alla realtà ma questo non è vero perché, così come ci ha spiegato Freud, per realtà si intende una selezione di pochi aspetti e problemi cuciti fra loro dal filo dell’utilità, della convenienza reciproca, dell’affinità di famiglia e quindi il sogno, anche deformando, perdendo a volte persino le leggi della fisica, modificando i colori, sempre trae linfa dalla realtà conosciuta. Altra cosa è quella realtà libera, piena, integra appunto cui ci possiamo dare in poche fasi felici della nostra esistenza: nell’infanzia o, una volta diventati adulti, nel sogno che, anche traendo linfa dall’esistente, ci consente di superare la barriera della convenienza e di effettuare le congiunzioni più ricche e impensate che a volte arrivano addirittura a sconvolgere il possibile.

D’altra parte, a confermare la realtà del sogno, contro le superficiali teorie che ne fanno un luogo di finzione o di creazione di mostri assurdi, sta il fatto, sempre chiarito da Freud, che in esso non avvengono creazioni di immagini ma vi entrano i ricordi, e l’attualità di ciò che si è incontrato, conosciuto, vissuto. Di qui la ragione per cui Matisse dice bene quando parla di sogno sempre ispirato alla realtà e il percorso artistico di Saba, salvo un momento in cui la geometria sembrava averlo attratto, è assolutamente aderente a questi presupposti. Guardiamo per esempio all’opera che io considero la più indicativa di quanto sto affermando: “Vent’anni”, ecco, questo intrigante dipinto è la dimostrazione di come il sogno possa diventare realtà anche esprimendola, così come fa Saba, con i colori e le forme proprie del sogno. Un artista che riesce a raggiungere questi livelli è sempre un Artista con la A maiuscola e Bruno Saba merita ampiamente questo riconoscimento.

Enrico Gariboldi Milano, 10 Ottobre 2017

Bruno Saba: la lezione di un maestro … Non è un caso se attorno alla figura di Bruno Saba sia nato e cresciuto un gruppo, Quartodecimo, che raggruppa all’insegna del dialogo artisti provenienti da diverse esperienze e con differenti modalità espressive. Una personalità forte, carica di passionalità quella di Saba. La pittura è sempre frutto di conoscenza, è un atto estetico ed etico insieme e come tale – dice Saba – ha un significato politico. Alla Castellini, consapevole dell’altissimo modello costituito da Antonio Sant’Elia, eccellente disegnatore per il quale Como è stato il trampolino di lancio, nel mio periodo di insegnamento ho cercato di accompagnare ragazzi nella scoperta delle loro attitudini più profonde, e moltissimi di loro poi mi sono stati fedeli anche dopo la scuola, frequentando le lezioni che ho tenuto in seguito con l’amico Alberto Bogani. Molti di loro mi considerano un maestro, forse perché nella mia pittura parto sempre da un’esigenza interiore, molto concreta, anche quando tendo all’astrazione. Il suo esordio in campo artistico, che si situa a cavallo tra gli anni ’50 e ’60, palesa evidenti radici espressioniste, che si traducono in particolari tensioni figurali e sensibili forze cromatiche. Per Saba, tuttavia, la figura rimane sin dagli inizi un pretesto per avviare uno scavo interiore che gli permette di esternare pensieri personali e intime riflessioni. Peculiare del suo discorso pittorico è un gesto perentorio, frutto dell’indignazione e dell’inquietudine...

Alla Castellini è stato docente di disegno e pittura nell’anno scolastico 1990-1991.

Lorenzo Morandotti Tratto da “Antonio Sant'Elia un ragazzo della CASTELLINI, 2016

Paintings Opere

60-70's ANNI 60-70

Detenuta 1964 oil on canvas olio su tela 47.24 by 39.37 in; 120x100 cm

Natura 1964 oil on canvas olio su tela 47.24 by 39.37 in; 120x100 cm

Sinfonia d'estate 1964 oil on canvas olio su tela 23.62 by 31.5 in; 60x80 cm

Pittura 1968 oil on canvas olio su tela 39.37 by 27.56 in; 100x70 cm

Bombardamento in Viet Nam 1967-69 oil on canvas olio su tela 39.37 by 59.06 in; 100x150 cm

Violenza 1973 oil on canvas olio su tela 39.37 by 31.5 in; 100x80 cm

Figura e paesaggio 1977 oil on canvas olio su tela 39.37 by 27.56 in; 100x70 cm

80-90's ANNI 80-90

Pittura 1980 oil on canvas olio su tela 51.18 by 39.37 in; 130x100 cm

Lo spettro della guerra 1980 oil on canvas olio su tela 78.74 by 66.93 in; 200x170 cm

Alba 1980 oil on canvas olio su tela 47.24 by 35.43 in; 120x90 cm

Pittura 1980 oil on canvas olio su tela 15.75 by 19.69 in; 40x50 cm

Pittura 1981 oil on canvas olio su tela 59.06 by 47.24 in; 150x120 cm

Pittura 1982 oil on canvas olio su tela 39.37 by 51.18 in; 100x130 cm

Profilo di donna 1982 oil on canvas olio su tela 51.18 by 39.37 in; 130x100 cm

Pittura 1982 oil on canvas olio su tela 59.06 by 47.24 in; 150x120 cm

Pittura 1986 oilon canvas olio su tela 35.43 by 35.43 in; 90x90 cm

Studio per G 1984 oil on canvas olio su tela 19.69 by 15.75 in; 50x40 cm

Nel 1984 un responsabile commerciale del gruppo Gucci in visita in Italia, entusiasmato dai lavori di Saba, propone al CDA Gucci di metterlo sotto contratto per creare la nuova linea di tessuti ispirandosi alle sue opere.

Sul tavolo oltre la finestra 1988 oil on canvas olio su tela 11.81 by 9.45 in; 30x24 cm

Ricordo di un paesaggio 1989 oilon canvas olio su tela 35.43 by 35.43 in; 90x90 cm

Alba 1989 oil on canvas olio su tela 35.43 by 35.43 in; 90x90 cm

Pittura 1990 oilon canvas olio su tela 35.43 by 35.43 in; 90x90 cm

Architettura 1991 oil on canvas olio su tela 11.81 by 9.45 in; 30x24 cm

Architettura 1992 oil on canvas olio su tela 47.24 by 39.37 in; 120x100 cm

19 Luglio 1993 oil on canvas olio su tela 47.24 by 39.37 in; 120x100 cm

Paesaggio 1993 oil on canvas olio su tela 39.37 by 31.15 in; 100x80 cm

Paesaggio marino 1998 oil on canvas olio su tela 47.24 by 39.37 in; 120x100 cm

Studio per un paesaggio 1995 oil on canvas olio su tela 39.37 by 31.49 in; 100x70 cm

Opera suggerita da un acquarello del 1958

Paesaggio caucasico 1998 oil on canvas olio su tela 78.74 by 66.93 in; 200x170 cm

La parola di un generale 1998 oil on canvas olio su tela 78.74 by 66.93 in; 200x170 cm

Vent'anni 1998 oil on canvas olio su tela 78.74 by 66.93 in; 200x170 cm

Dipinto nel mese di ottobre-novembre 1998. Conclude la serie degli 'Opposti' e dĂ inizio al nuovo ciclo di opere spirituali, l'attivitĂ politica in declino come tutta la societĂ porta Saba a riflettere interiormente

La croce 1999 oil on canvas olio su tela 78.74 by 66.93 in; 200x170 cm

Universale Ă¨ la natura 1999 oilon canvas olio su tela 78.74 by 66.93 in; 200x170 cm

2000's ANNI 2000

Il venerdĂŹ di Giuda e l'angelo di Eligio 2001 oil on canvas olio su tela 47.24 by 39.37 in; 120x100 cm

La parola di un cristiano 2003 oil on canvas olio su tela 31.49 by 23.63 in; 80x60 cm

Tramonto 2006 oil on canvas olio su tela 19.69 by 23.62 in; 50x60 cm

Preghiera 2010 oil on canvas olio su tela 78.74 by 66.93 in; 200x170 cm

Pittura 2016 oil on canvas olio su tela 31.49 by 31.49 in; 80x80 cm

Era di Aprile 2013 oil on canvas olio su tela 31.49 by 31.49 in; 80x80 cm

Pittura 2016 oil on canvas olio su tela 31.49 by 31.49 in; 80x80 cm

This catalog has been realized in occasion of solo show â&#x20AC;&#x153;CENTURYâ&#x20AC;? of Bruno Saba, which will take place at the Absolute Art gallery from 18 January to 4 March 2018.

Show by

Absolute Art

Project

Absolute Art Bruno Saba Pasquale Defeudis

Exhibition

Absolute Art

Text

Luigi Cavadini Enrico Gariboldi

Graphic & coordination

Dario Martinelli

Photographic credits

Liliana Bressanelli Dario Martinelli Luigi Martinelli

Absolute art Via Lucchini 4, 6900 - Lugano (CH) T +41 (0)91 941 10 00 theabsolute-art.com

Printed in December 2017 Published in January 2018

ÂŠ 2018 Absolute Art, Lugano (CH) Tutti i diritti riservati. All right reserved. No part of this publication could be reproduced or transmitted in any form or by any means , except in the case of reviews , without the prior consent of the publisher. Nessuna parte del presente volume puĂ˛ essere riprodotta o trasmessa, in nessun modo e con qualsiasi mezzo, salvo in caso di recensioni, senza il preventivo consenso dell'Editore.