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Por Teresa Cienfuegos ILUSTRACIÓN Alain Forton
A jugar ! La propia denominación en sí me aterra: Eurovegas. Lejos de crear algo innovador, acuña una copia de la ciudad de ocio americana. De un modelo que protege el juego pero critica elementos que le rodean. Que aplaude drogas como el alcohol pero que niega otras como la marihuana. Una suerte de doble moral que te deja apreciar vísceras en primer plano en una masacre pero que condena y critica pezones al aire. Al leer sobre el tema, el bombardeo de cifras que intentan persuadirnos es ingente. Números que intentan sorprender hasta la hipnosis del convencimiento: once millones de turistas, quince mil millones en ganancias, rascacielos de ciento cuarenta metros de altura, tropecientos puestos de trabajo... Dibujo todo este paisaje en mi mente y me acuerdo de El Precio Justo, aquel programa en el que Joaquín Prat divertía a la audiencia intentando adivinar el coste de ciertos productos o servicios. Todo tiene un precio, hasta las elecciones inmateriales. Hasta coger un vuelo low cost puede conllevar un buen susto y un consecuente alto gasto. Incluso para ser libre tienes que sacrificar algo.
Pero, ¿qué precio se puede considerar razonable? En un país donde no se potencia una población educada y sana, un centro recreativo artificial aproxima a transformarnos en un reducto vacacional europeo en esta narcótica Era del Divertimento. Los gobernantes juguetean desde su palacete con nuestras vidas, cada vez más alejados de la imperante realidad. Sacrifican una población saludable, con acceso a una autorrealización y una consecuente felicidad por llenar sus arcas de un dinero que luego nos acusan de malgastarlo a nosotros. Siento que somos fichas en un tablero, manejadas por unos engendros enormes que en cada movimiento de su vil juego nos causan más angustia. Aquellos que se suponía que iban a contemplar por nuestro bienestar, solo miran por el suyo a costa de nuestras “mamandurrias”, mientras sus fichas manchan de sangre las calles que rodean su personal casino, el congreso de los diputados.
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ILUSTRACIÓN Tánia Léndinez ILUSTRACIÓN Guillem Font
OCTUBRE Twin Shadow Van She Rayka Gold Panda Auryn Brazillian Girls Little Boots whomadewho veronica falls richard hawley japandroids jesper thilo num num trio pink tones fanfarlo kiko veneno MDECLICK stanley jordan jd allen trio entrevista a fernando lagreca fernando lagreca‘s interview in-edit
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M y
B team
director alain forton
alainforton@gmail.com
co-directora teresa cienfuegos
teresacienfuegos@gmail.com
maquetacion/edición daniel ródenas
delreves.drv@gmail.com
alain forton colaboran silvia pérez
arxiva@hotmail.com
texto
teresa cienfuegos colaboran dani hueto dhueto@gmail.com eva fernandes amnesicgirl@gmail.com mónica lópez monloptar@gmail.com toni tovar tovarnavarro.toni@gmail.com irenen montoliu irenemontoliu@gmail.com xose xosefbarge@yahoo.com traducción Maya Mitchell mayakumar1@hotmail.com corrección gustavo mujica oidofino-producciones@gmail.com
fotos
gustavo mujica caôtica nata http://es.flavors.me/condicioninata
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Run to your heart Por Eva Fernandes
ILUSTRACIÓN Alain Forton
Fue uno de esos conciertos de escenario pequeño que no te podías perder en el Primavera Sound de 2011. George Lewis Jr, aka Twin Shadow, presentaba su disco debut “Forget”, co-producido por Chris Taylor (Gryzzly Bear), una verdadera joya de sonidos new wave, ritmos R&B, letras poéticas, matices pop y texturas vintage. La gira Clean Cuts, representada por un cartel de cortes afro punks, diseñados quizás por la santa madre peluquera del mismo Lewis, les llevó de viaje a casi todas las ciudades y festivales más importantes del mundo, además de telonear a Florence and the Machine en algunas de sus actuaciones durante la gira de 2011. “Five Seconds”, inspirado en un accidente de moto del propio Lewis con un amigo, ha sido el esperado y
potente primer single de su segundo álbum “Confess”. El single viene acompañado de un video dirigido por Keith Musil, primera parte de una trilogía épica, a la que le ha seguido la conmovedora “Patient”. “Confess”, esta vez auto producido en el sello independiente 4AD, es un disco menos perfecto, mucho más parecido a sus directos, donde las guitarras eléctricas, los sintetizadores y la percusión son los protagonistas, con influencias de los 80 de David Bowie, Brian Eno o Talking Heads, pero con una identidad musical propia, la de un Lewis nómada nacido entre culturas, desde la República Dominicana a Miami, pasando por Boston hasta llegar a Brooklyn. Un disco más agresivo y oscuro, menos íntimo pero igualmente profundo, lleno de romanticismo y pasión. Otra joya llena de singles.
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ILUSTRACIÓN Alain Forton
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Camino en solitario Por Teresa Cienfuegos ILUSTRACIÓN Alain Forton
27 Rayka tiene a sus espaldas una significativa trayectoria en la escena del hip-hop. Involucrado en ella desde la década de los 80, ya se subía a los escenarios con su primer grupo, Nazión Sur. Este año ha cumplido una década junto a Hablando en Plata Squad, una de las bandas más sólidas del panorama español. Con ellos actuó en la sala Razzmatazz el día de su cuarenta cumpleaños en su show 10º aniversario. “Cumplo 20 en cada huevo”informó al personal. Con Sicario, Capaz y DJ Narko llenaron con presencia y actitud el escenario en el que su verborrea mental y sus corrosivas letras fueron las protagonistas.
Amante de lo oscuro, ahora Rayka lanza su primer disco en solitario, Fragmentos, que continúa la misma línea que su trabajo con Hablando en Plata Squad con alguna diferencia, como el tema Somos, que aunque sigue siendo sombría, es más melódica que a lo que nos tiene acostumbrados. Otro de los cortes que llama la atención es Esquizofrenia, junto a tres mujeres del rap: la consagrada Arianna Puello, la emergente Desplante y una promesa, la portuguesa Da Silva. Su actuación en la Apolo del próximo 27 de octubre es una buena oportunidad para conocer su proyecto, con matices de los indiscutibles reyes del Horrorcore, Hablando en Plata Squad, pero con matices propios.
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Hola de nuevo, Barcelona Por Teresa Cienfuegos ILUSTRACIÓN Alain Forton
26 Era noche cerrada y podía sentir la brisa del mar. En el escenario estaba Gold Panda, totalmente encorvado hacia su instrumental, con la capucha puesta y contoneándose al ritmo de su sonido. Él mismo formaba parte de sus composiciones, su sonido parecía completamente mimetizado con su ser. Mientras hacía su música, totalmente absorbido por la mesa de mezclas, se balanceaba hacia delante y se iba transformando en cada golpe en un animal distinto: un kiwi, un erizo, un armadillo...
¿Psicótropicos? No, es el sonido de este joven nacido como Derwin Shlecker, que crea disfrutables y oníricos sonidos cuando se transforma en Gold Panda, su alias musical. Gracias a una nueva propuesta del centro Caixa Forum, el inglés vuelve a Barcelona el próximo 26 de octubre. Dentro del ciclo Dnit, el vestíbulo de este precioso emplazamiento acogerá charlas con artistas, interesantes instalaciones con las que interactuar y música electrónica. Presentará su último EP, publicado en uno de los sellos más frescos y brillantes de los últimos años, Ghostly International.
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Cinco chicos eclécticos Por Teresa Cienfuegos ILUSTRACIÓN Alain Forton
Cinco chicos, canciones pegadizas, un fenómeno fan. Con este aderezo os pueden venir a la mente por lo menos, una decena de bandas: Backstreet Boys, New Kids on the Block, N´sync... Esta fórmula musical siempre ha sido muy agradecida con sus productores y ha dado hits inolvidables causantes de berrinches adolescentes e histerismos desenfrenados. Aparece cada cierto tiempo, si es que acaso se marcha, para dar a nuestros púberes razones para ahorrar la paga, comprar pósters y empapelar su habitación con los inmaculados rostros de sus ídolos. De una manera u otra, en un Justin Bieber, en un Rick Astley o en unos Take That, siempre se van a personificar por lo rentable que es el mercado adolescente. Hambrientos de figuras a las que reveren-
ciar, el mercado musical les nutre de ellas. Si pasan a la historia o no, es otro cantar. El caso de Auryn es el siguiente: cinco zagales se tropiezan con la fama al quedar finalistas en el programa Destino Eurovisión 2012. Citan como influencias comunes a Radiohead, The Killers y Coldplay. En la wikipedia en género apuntan hacia britpop, pop rock, soft rock, dance pop y electro pop. Puro eclecticismo. Tienen un videoclip la mar de veraniego en el que “surcan” las carreteras dirección Los Ángeles con un coche matrícula Alicante. Carne de 40 principales, me enternece hasta la médula que su nombre provenga del amuleto de La historia interminable y más aún que declaren que quieren estar juntos como grupo “toda la vida”. De verdad que se lo deseo.
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bre de El próximoine nom lo eliges tú. MYB Magaz para significan MY ¿Qué B? siglas las tí dan a A mí mes yrecuer Borrachas. Mamarracha tu idea en el Escríbenos fac ebook y el muro de llevará ganadorse a n u original! ilustración hastiempo Tenéis de octuta el próximogir20 os las 5 bre, que elequeem éis vuesmejores para envotfac ebook. tra preferida
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Big Dance Por Eva Fernandes La inglesa Victoria Christina Hesketh es Little Boots, apodo que le puso una amiga debido al inusual tamaño de sus pies. La cantante y compositora, empezó en la banda de electro punk Dead Disco, que dejó en 2007 para empezar carrera en solitario en el mundo del electro pop. A partir de aquí, Little Boots empezó a llamar la atención gracias a las versiones que hacía de gente como MGMT o Blur y que después compartía en You Tube o Myspace. Con influencias tan variadas como The Human League, Kraftwerk, Pink Floyd, Kylie Minogue, Britney Spears o Jean Michel Jarre, Little Boots reapareció con el single “Stuck on Repeat”, producido por Joe Goddard de Hot Chip, al que le siguió su exito-
6 so álbum debut “Hands”, que llegó a rivalizar con Lady Gaga, Girls Aloud o Lily Allen. El dominio del piano, el estilófono o el tenorion (instrumento electrónico japonés) y algunas letras inspiradas en la poesía de Edgar Allan Poe, es lo que distingue a Little entre el overbooking de chicas guapas con hits cluberos, además de su faceta de dj, donde dice, le gusta pinchar old y deep house, new disco y ediciones mezcladas con remixes de sus propias canciones. Actualmente, de gira con su segundo disco, aun sin nombre, solo ha aparecido un primer single “Headphones”, que trata del poder que ejerce la música sobre las personas y como esta desata lo que realmente llevamos dentro.
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Por Eva Fernandes
ILUSTRACIÓN Tánia Léndinez
A modo de precalentamiento, los daneses Whomadewho, han grabado una relectura del clásico de Eurytmics “Sweet Dreams (Are Made of This)”, antesala de lo que es su nuevo disco “Brighter”, su tercer larga duración que les llevara durante estas fechas de gira por Europa. Con un sonido que recoge influencias tan diversas como la psicodelia de los 60, el stoner rock de los 70, el disco de los 80 o la electrónica de los 90, Whomadewho resultan difíciles de etiquetar. Quizas por ello su música sorprende por su originalidad y su fuerza, a lo que sin duda contribuyen una omnipresente combinación de golpes de batería y lineas de bajo, por una parte, y esporádicos arreglos a base de sintetizadores, armonías vocales e incluso de algún oboe.
Pero el cuidado indie electrónico de sus discos no queda deslucido en los conciertos. Si algo caracteriza al trío de Copenhague son sus potentes directos, que no defraudan a aquellos fans que acuden a los mismos con ganas de bailar sus temas mas cañeros. También es destacable el compromiso que Whomadewho demuestra en todo aquello que rodea sus canciones. Una clara critica a la sociedad consumista y acomodada atraviesa muchas de sus letras. La impactante estética de sus videos, véase la lacrimogena “Every minute alone” o la muy recomendable “Inside World”, donde blancas adolescentes se desnudan ante una aburguesada audiencia ávida de la juventud perdida, es también un aspecto del grupo que no puede pasarse por alto.
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Septiembre 16. Sala Apolo http://www.primaverasound.com/concerts#idArtista_51
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ILUSTRACIÓN Tánia Léndinez
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Por Dani Hueto
ILUSTRACIÓN Laura Farlete
Richard Hawley visita Barcelona el viernes 26 de octubre en la sala Apolo con un nuevo trabajo debajo del brazo, publicado el 7 de mayo, el artista de Sheffield presenta su séptimo álbum de estudio “Stand at the sky’s edge” Muy atrás queda su paso como guitarrista de Pulp que aunque breve le perseguirá toda su vida como si se tratase de una canción de éxito. Ahora y desde 2001 cuenta con una carrera en solitario muy prolífica. Siete trabajos donde nos muestra sus
26 dotes de caballero inglés y de clásico crooner americano, aunque en “Stand At The Sky’s Edge”(2012) parece haber dado una vuelta de tuerca más y añade una instrumentación más densa, más cercana a la psicodelia que a sus clásicos temas pop. En temas como “Time Will Bring You Winter”, “Love Your Body Behind You”, “Before” o “She Brings The Sunlight” tienes una muestra del sonido envolvente y psicodélico aun así no renuncia a sus temas pop como “Seek It” o “Don’t Stare At The Sun”.
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Por Dani Hueto
ILUSTRACIÓN Laura Farlete
Cuando algo toca Pitchfork significa éxito seguro y este es el caso de este dúo de Vancouver que además de recibir sus buenas críticas e incluir su último trabajo en los mejores del año, también los ha paseado por los principales festivales internacionales. Japandroids con tan solo dos trabajos:“Post-Nothing”(2009), “Celebration Rock”(2012) y una recopilación de todos su singles “Nosingles”(2010) se han convertido en una de las bandas más influyen-
tes del indie-rock actual y es que la capacidad de Brian King (guitarra y voz) y David Prowse (batería) para hacer canciones enérgicas y contundentes atraen tanto al publico mas juvenil, como al más veterano fan de Superchunk o Weezer. El sábado 13 de octubre en la sala Apolo se espera un concierto de rock and roll con intensidad, furia, y velocidad pero también con coros más propios de una banda de pop que de un autentico hardcore.
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Un Jazzman Europeo
27 Jesper Thilo se formó como clarinetista en el conservatorio clásico de Copenhague, ciudad en la que nació, para más tarde debutar como saxofonista en el grupo de Arven Meyer, sobre la década de los 60, en el que vio un buen escaparate y la oportunidad de compartir tablas con los propios Hawkins y Ben Webster, principales influencias de las que había bebido. También ha vivido escenario con Roy Eldridge, Benny Carter o Harry Edison y no dejaría de ser miembro de la prestigiosa Danish Radio Big Band hasta 1989, donde fue batutado por Thad Jones o Palle Mikkelborg. Y yo creo que todo esto lo hizo para demostrar que no hace falta nacer en Nueva York para ocupar un hueco en el olimpo de los mejores jazzman, donde, como ocurre en estos sitios, hay demasiada etiqueta y pocas sillas para tanto culo. Se puede ser europeo y una leyenda, y el jazz tiene que ver con el lugar donde hayas nacido, vale, pero nada con el nombre de una ciudad. Eso es, más o menos, lo que Thilo viene a contarnos. Puedes comprobarlo este sábado 27 en la Jamboree, a las 20. 00 h., sólo
Por Toni Tovar Navarro ILUSTRACIÓN Esther Camin
tienes que pagar 12 euros si compras la entrada por web o 14 si es en taquilla. Acompañado por un excelente cuarteto, la carrera de este brillante saxofonista sonará en el escenario del club de la Plaza Real, para demostrarnos por qué es uno de los mejores jazzman europeos, y no europeos, apoyado además por el tenorista Toni Solà, lo que nos asegura una buena noche. Éstos irán con un trío base de altura. A continuación, te dejo algunos comentarios que puedes usar si, cuando vayas a verlo, quieres ligar y/o quedar de cultureta. Te aviso que en la Jamboree hace mil años que no se puede fumar, así que si pensabas usar lo de pedir fuego, olvídate. Son válidos para cualquier momento del concierto: “El sonido de Thilo se desarrolla dentro de los preceptos clásicos, de los caminos marcados en las aulas y los conservatorios por los que ha pasado.” “Los límites del swing y del bop, determinan su música”. “Las emociones surgen de forma relajada, sin brusquedad, ni giros raros, ni oscuridad”.
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ILUSTRACIÓN Esther Camin
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Por Xosé F. Barge
ILUSTRACIÓN Adrià Bartolomé
Pink Floyd Show
27 Para los nostálgicos, los que siempre se quejan de haber nacido treinta o cuarenta años después de lo que, musicalmente, les hubiera gustado, está The Pink Tones. The Pink Tones es una banda tributo, española, a Pink Floyd. Sin embargo la cosa no se queda ahí, si asistimos a un concierto de Álvaro, Nacho, Cefe y Antonio, no nos encontraremos con el típico grupo clónico que imita formas de moverse y vestir. El aspecto de los integrantes es totalmente personal y la música, siempre respetando el original de la psicodelia británicalondinense, tiene ciertas diferencias
y arreglos que también las distinguen de cualquier otro grupo clónico. Lo mejor, lo que les ha permitido consolidarse y convertirse en un grupo de referencia, es que en sus conciertos asistimos a un complejo y único espectáculo visual y musical donde se mezclan las reminiscencias hippies, las luces y los colores, con un rock experimentado y actual. Su gira los trae a Barcelona el 27 de octubre, a Sala Razzmatazz, después de haber pasado por Santiago y Burgos, y teniendo por delante Bilbao, donde han tenido que programar dos noches de concierto, y Madrid.
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Por Mónica López ILUSTRACIÓN Adrià Bartolomé
Trompetas que suenan a saxos, saxos que suenan a trompetas, violines, clarinetes, mandolinas, sierras musicales y otras máquinas sonoras aparecen en cada concierto de Fanfarlo. Una de las bandas inglesas con mayor proyección internacional que ha publicado este año Rooms filled with lights, un álbum que se aleja del indie folk dulzón de su primer trabajo, Reservoir (2009), y que se acerca más hacia lo onírico y experimental. Esta vez el grupo ha dejado de lado la mandolina para substituirla por sonidos más electrónicos como ocurre
en el tema “Replicate”, una canción que, por cierto, recuerda a Arcade Fire. Con este disco, Fanfarlo ha logrado consolidarse y ha conseguido así el reconocimiento de la prensa especializada. Y es normal. Pues la voz de Simon Balthazar te envuelve en cada canción y la fuerza de Leon Beckenham, el trompetista, también pianista y percusionista del quinteto, te engancha en directo. Y es que cuando los miembros de una banda son polivalentes el resultado puede llegar a ser orgásmico, fascinante, inaudito…
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ILUSTRACIÓN Alain Forton
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kiko veneno 20 años echando de menos Por Toni Tovar Navarro
ILUSTRACIÓN Guillem Font
Sería cutre -por previsible- comenzar mi artículo sobre Kiko Veneno y su actuación en la sala Apolo poniendo un fragmento de su requetehit Te echo de menos. También lo sería que me hiciera el gracioso reflexionando sobre cómo esta canción nos ha jodido cuando estábamos en medio de una súper ruptura y la escuchábamos sin parar para retozarnos en nuestro dolor. Sí, sería cutre. Pero creedme cuando os digo que es casi imposible no hacerlo. Haced la prueba, googlear Kiko Veneno y comprobaréis de lo que os hablo. Sería cutre, además, porque Kiko Veneno tiene muchas otras canciones conocidas, tipo Lobo López, Joselito o En un mercedes Blanco, por mucho que el buscador siempre las sitúe por abajo. Pasa algo parecido con el trabajo que el artista ha desarrollado por detrás de la música, como su colaboración con Camarón a quien le regaló la reveladora idea de utilizar las estrofas de Lorca en su cante, para darle la música flamenca
que esta poesía lleva años y años pidiendo a gritos. Es el autor de Volando voy o de algunas canciones de Martirio, entre muchas otras historias para las que no hay espacio. Por eso, estaría bien pasarse por la Apolo el sábado 20 de octubre a las 20.00 h., ya que además de pegarte unos bailoteos con Te echo de menos, descubrirás una nueva faceta sobre Kiko Veneno que quizás no conocías y que va mucho más allá de la previsible superficie, en un viaje por las dos décadas de su obra desde que saliera su disco de los huevos de oro: Échate un cantecito. La entrada son 20 euros (no sé sí por el rollo de los 20 años de carrera) por anticipado y 25 en taquilla. No está mal. 7.000 días desde que Lobo López se encontró con su amada, unos 240 meses desde que Joselito dejó a sus siete novias y se montó En un Mercedes blanco. Y sí, también (tranquilo Google): 20 años desde Te echo de menos.
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mdeclick 90´s never die Por Teresa Cienfuegos ILUSTRACIÓN Guillem Font
Escucho muchas veces que el hiphop español está en crisis y creo que es una sentencia bastante alejada de la realidad: la escena española es amplia y heterogénea. Encontramos desde grupos consolidados como Los Chikos del Maíz, CPV o Violadores del Verso a otros emergentes como Urano Players, Hiroshima Pro o Xcese y nuevas promesas como Zeta Drastyka. Es extensa hasta llegar al gran público, con nombres como La Excepción o Porta. Entonces, ¿qué es lo que va mal? ¿qué no salgan en las listas de éxitos o no suenen en radios generalistas? Esto, lejos de algo negativo, es algo positivo en la materia artística,
ya que les permite mayor libertad. Apuesto a que amantes del hip-hop en América les encantaría poder disfrutar de un sonido tan noventero como tenemos en esta escena. Colectivos como Mdeclick se nutren de esa década en sus composiciones. Fundado en Miranda de Ebro, NY (MC/letrista), Ihon (MC/letrista), Coolbeat (DJ), Científico aka GCA (Productor/ Técnico) y Gjazz aka Bobby P. (Productor/ Saxofonista) llevan autogestionándose desde hace más diez años asociados al hip-hop en todas sus formas. El próximo 28 de octubre presentarán los potentes 5% y MDE Warriorz en la sala Music Hall.
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stanley jordan 26 Tras el aspecto juvenil de Stanley Jordan se encuentra un fundamentado guitarrista de 53 años. Durante los años 80 actuó en los festivales de Jazz más aclamados del mundo, como el Kool Jazz Festival, el Concord Jazz Festival o el Montreux International Jazz Festival y tocó con Quincy Jones, MichalUrbaniak y Richie Cole, entre otros. Finalizando la década de los 80 recibió una nominación a los Grammy y en los 90 se retiró durante un tiempo de los escenariospara volver, con mucha más fuerza y originalidad, hace unos años.
Por Xosé F. Barge
ILUSTRACIÓN Mart Mariposa
Este excéntrico artista es mejor conocido por su técnica de “tapping con dos manos” cuando, normalmente, el tapping se realiza con una mano mientras la otra se encarga de pulsar los trastes de la guitarra para emitir notas concretas. Él hace, simultáneamente y con cada mano, esta tarea. Esto es un dato significativo de lo que nos vamos a encontrar, un virtuoso guitarrista con más de treinta años de experiencia. Si queréis disfrutar de, probablemente, uno de los mejores guitarristas de Jazz Fusion actuales, estará enJamboree Jazz Club el 26 de octubre.
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JD ALLEN TRIO
Un trio y un IPhone en la Jamboree Por Toni Tovar Navarro ILUSTRACIÓN Mart Mariposa
13 Betty Carter, Lester Bowie, Ron Carter, George Cables, David Murray, Butch Morris, Cindy Blackman, Eric Reves, Jeremy Peit, Gerald Cleaver, Dave Douglas o Meshell Ndegeocello. Éstos son algunos de los nombres que encontraría un hipotético jazzmaniaco si decidiera robarle el Iphone al saxofonista norteamericano JD Allen en un descuido, aprovechando el jaleo de una hipotética fiesta en un hipotético club del Nueva York más profundo y menos Carrie Bradshaw. Estos nombres pertenecen a leyendas del jazz que, en algún momento, se han encontrado con Allen sobre el escenario, o bien mientras éste hacía de sideman o simplemente como compañero de viaje. Y es que desde su debut con el disco Search of… (Red Records), con el que recibió el Premio al Mejor Nuevo Artista, su estrella siempre se ha anunciado en los carteles rodeado entre los consagrados, lo que le valió para saltarse el pesado y peligroso trámite de “joven promesa” y llenar la agenda de su Iphone con los teléfonos de los mejores. A partir de aquí, todo fue jazz. Comenzó una laureada carrera llena de premios por trabajos como Pharos s Children (Criss Cross, 2002), I AM- I AM (Sunnyside, 2008) o su último CD, The Victory! (Sunnyside, 2011),
con el que recogió fabulosas críticas y fue levantado por la prestigiosa revista Downbeat, que vino a decir algo así como que era una obra imprescindible. Y cómo no, no iba a ser menos, The New York Times – que siempre está en todas las salsas- también generó opinión sobre este saxo tenor, calificando su estilo como “enigmático, elegante y retorcido”. Su sonido es robusto, duro, y cabalga entre una película de detectives con mucha sangre y sexo, y algo con mucho swing pero que no es jazz. A nivel sensorial, es como si hubiera momentos que, mientras Allen te está contando la historia, se hubiera puesto a llorar, no desgarrado, sino más bien como lloran los hombres, disimulando. Emociones ocultas, contadas en clave de enigma y de forma enrevesada, tal y como dijo el crítico del The New York Time. Y ya te lo he vendido bastante. Si has llegado hasta aquí, seguro que quieres conocerle. Para ello, tendrás que ir a la sala Jamboree el próximo 13 de octubre a las 20. 00 h., donde va a actuar en formato trío, acompañado por Gregg August en el contrabajo y Rudy Royston en la batería. En taquilla son 14 euros y 12 por web, precio asequible, y más si tienes en cuenta que siempre puedes encontrarte con la oportunidad de robarle el Iphone.
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entrevista a...
fernando lagreca Por Teresa Cienfuegos
ILUSTRACIÓN Alain Fortón Fotos Gustavo Mujicar
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“Cuando vi a Duran Duran en televisión pensé: quiero tocar los teclados como ese tipo” “When I saw Duran Duran on television I thought: I want to play the keyboards like that guy”
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Primer disco que te compraste/First album you bought: Bio- Duran Duran Última adquisición/Latest Aquisition: Balam Acab - Wander Wonder El de la vergüenza/Most embarassing one: Sandra - María Magdalena(canción) Joya/Jewel: Roni Size- New Forms Disco que te llevarias a la tumba/Album you would take with you to the grave: Substance - New Order Canción para un after/Song for an after: Mohammed is Jesus - Deep dish
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Hablanos de tus comienzos: cómo empezaste, tu primera grabación y la primera vez que te subiste a un escenario. Tengo que hacer un ejercicio de memoria bastante considerable, porque hace mucho tiempo. Te puedo decir que comencé bastante joven, la primera vez que toqué con un instrumento que me gustaba fue como a los catorce años. Había visto grabando en televisión a Duran Duran que me gustaban mucho y me dije “yo quiero tocar los teclados como ese tipo”. Entonces lo que hice fue vender una pequeña bici que tenía y me compré un Casiotone, podría decir que aquello fue el arranque de todo, mi primera toma de contacto. Además, mi padre es músico y aunque no compartimos filosofía musical, algo me debe venir de él. Mi primera grabación fue a los 20 años con una banda que tenía, en un cassette. Y la primera vez que me subí a un escenario fue con una banda de donde soy, Montevideo en Uruguay, fue la primera banda que hizo algo como electrónico en Uruguay, fue como en el 82 o por ahí. Me acuerdo bastante de aquel momento...estuvo muy bien, me sentí muy cómodo, sentí que era el sitio dónde quería estar.
Tell us about the begining: how did it all start, your first recording, and the the first time you went on stage. I have to make considerable mental effort to do that, because it was a long time ago. I can tell you that I was pretty young, the first time I played an instrument that I liked I was about fourteen years old. I had seen Duran Duran doing a recording on television, I really liked it and I said to myself, “I want to play the keyboards like that bloke.” So what I did was to sell a small bike that I had and I bought a casiotone, I could say that was the begining of it all, an electrical sensation. Also, my father is a musician, and although we don’t share the same philosophy of music, something must come to me from him. My first recording was when I was 20, with a band that I had, on a cassette tape. The first time I went on stage was with a band from where I’m from, Montevideo, Uruguay, it was the first band with which I did something like electronic music in Uruguay, it was in about ‘82, around then. I remember very well that moment... it went very well, I felt very at ease, I felt it was the place I wanted to be.
En tu biografía te describen como “un tipo sin adulterar, sincero, abierto...” ¿cómo influye la manera de ser de uno en su música? ¿O es más un estado anímico? La música es el reflejo de lo que es uno, si tu haces una disciplina artística, cualquiera que sea, si lo haces con alma y espíritu, eres tú. También depende del momento en el que te encuentres podrás ser más oscuro o más alegre, expresar más o menos, gustar a más o menos gente, pero la idea es que lo que hagas sea un reflejo de ti. Normalmente cuando compongo es como que vomito lo que hago, que es lo que soy en ese momento. También depende del proyecto, a veces también compongo música para documentales, webs o campañas, entonces el propio proyecto te inspira bastante. Al tener una línea a seguir, puedes tener tu estado de
In your biography they describe you as “an unadulterated, sincere, open bloke ...” How does one’s way of being influence the music? Or is it more about mood? Music is a reflection of what you are, if you follow an artistic discipline, whichever it might be, and you do it with your soul, your spirit, it’s you. The moment you find yourself in also matters, you might be darker, or more cheerful, express more or less, be liked by many people or by only a few, but the idea is that what you do should be a reflection of you. Normally when I am composing it’s as if I am vomiting what I do, what I am in that moment. It also depends on the project, sometimes I compose music for documentries, websites or campaigns, in which case the project itself inspires you alot. When you have a line to follow,
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ánimo, pero como que lo puedes dejar de lado en ese momento. Mi último disco, por ejemplo, lo compuse en un momento en el que mi entorno estaba bastante complicado, pero yo me sentía contento y tenía ganas de hacer un disco alegre.
you might be in a certain mood but you can leave it to one side for a while. My latest album, for example, I composed at a time when my life was quite complicated, but I felt content and I wanted to do an album that was upbeat.
Al leer el título de tu disco, Childhood is all we have, me acuerdo de la frase que dice que “la niñez es el patio donde jugamos el resto de nuestra vida”, ¿es lo que tu quieres decir? Sí, estuve en Montevideo en diciembre para tocar en un festival al que me invitaron. Desde que vivo en España he ido varias veces a visitar familiares o amigos. Unas veces me lo he pasado mejor y otras peor, cuando vas, pasas dos semanas allí y vuelves, tienes sentimientos raros. Pero este viaje fue muy guay, me encontré con gente que hacía mucho tiempo que no veía y me motivó el hecho de volver a la infancia, recordar sitios donde había estado cuando era pequeño con cierta nostalgia, pero en plan positivo. Cuando regresé a Barcelona encontré el momento para grabar el disco y el sentimiento que tenía en ese momento era el de mirar hacia mi infancia, pero no en plan crisis de los 40, sino en plan positivo. De ahí salió el disco, con la idea detrás de que cuando somos niños es cuando somos más libres. No hay compromisos, no tienes que quedar bien con nadie, dices lo que quieres y a quién quieres, actúas más intuitivamente. Para mí eso tiene mucho valor, a veces en la vida uno tiene que ser muy maleable, diplomático y no siempre mola. Somos más auténticos cuando somos niños.
When I read the title of your album, Childhood is all we have, it reminded me of a phrase that says “childhood is the playground where we play out the rest of our lives” is that what you want to say? Yes, I was in Montevideo in December to play at a festival to which I was invited. Since I moved to Spain I’ve been various times to visit family or friends. Sometimes I’ve had a good time and others not so good, when you go and spend two weeks there and come back you have strange feelings. But this trip was so cool, I saw people I hadn’t seen for a long time, and I was inspired by going back to my childhood, remembering places I had been when I was small with some nostalgia but in a positive way. When I got back to Barcelona I was ready to record this album and the feeling I had was one of looking back to childhood but not from the mid-life crisis of being 40, but in a positive way. That’s where the album comes from, the idea behind it is that when we are children we are most free. There are no commitments, you don’t have to please anyone, you say what you want to whoever you want, you act more intuitively. For me that is so valuable, sometimes in life one has to be very maleable, diplomatic, and its not always so great. We are more authentic when we are children.
Además la considero una de las más introspectivas, junto a Swim Love Paradise, ¿compartes esta impresión? Sí, son muy internas, muy personales. Perfectas para ir de viaje. Además suenan muy retro, porque tienen muchos sonidos ochenteros y fue una época que me marcó, la viví bastante. No “a tope” por que era muy joven, pero sí la disfruté mucho.
Also i find it one of the most introspective, alongside Swim Love Paradise, would you share that view? Yes, they are very internal, very personal. Perfect for going on a trip. Also they sound very retro because they have many sounds from the eighties and it was an epoch that marked me, I lived it alot. Not to the maximum beause I was very young, but I did enjoy it alot.
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Para mí Silly Girl Meets Silly Boy suena a hit. Me lo imagino en un anuncio publicitario, ¿te gustaría? ¿estarías preparado para lo que ello podría conllevar? Me encantaría, podría pasar mañana mismo, estaría encantado si pasara. Más de una persona me ha dicho que me parezco a M83. No es algo que buscaba, pero el grupo me gusta. Si quisiera llamarme y llevarme de telonero de gira, estaría encantado. Aprendería francés si hiciese falta. Driving Myself Alone nos acerca al final de un disco que explota con la narcótica Stood by the gate at the foot, ¿cómo fue el proceso de elección del orden de las canciones? ¿has dejado alguna fuera del tintero? La verdad es que no. Muchos artistas me van a crujir por lo que voy a decir. Algunos componen treinta canciones, luego seleccionan quince y de las quince, las dos o tres que suenan mejor. Normalmente compongo mucha música pero cuando lo hago para hacer un álbum, lo hago para ése disco en concreto.
For me, Silly Girl Meets Silly Boy sounds like a hit. I can imagine it in an advert. Would you like that? Are you ready for what could come with that? I would love it, it could be tomorrow and I would be delighted if it were to happen. Several people have said to me that I seem like a (member of )M83. It’s not something I was looking for, but I do like the group. If they wanted to call me and take me on tour as the support artist I would be delighted. I’d learn french if it were necesary. Driving Myself Alone brings us towards the end of an album which explodes with the narcotic Stood by the gate at the foot, what is the process of chosing the order of the songs? Have you left any out? The truth is that no, I haven’t. Many artists will nash their teeth at what I am going to say. Some compose thirty songs, then they select fifteen and of these fifteen the two or three that sound best. Normally I compose a lot of music, but when I am doing it for an album, I do it for that specific CD. I
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Lo visualizo: quiero hacer un disco de nueve canciones, no va a durar más de cuarenta minutos y lo voy a hacer de este rollo porque es lo que siento en este momento. Respecto al orden, al empezar sabía que Stood by the gate at the foot la quería al final, porque es como salir de debajo del agua, es muy épica. También quería arrancar medio tímido y creo que lo logré. Y Driving Myself Alone, el single, sabía que lo quería en el número 4, porque no quería que el single estuviera en el track número 2 o 3, quería dejarlo para más adelante. Cuéntanos como fue el proceso de grabación. Lo hice en mi casa, tengo allí mismo el estudio y está bastante aislado. Lo empecé en enero, la composición la hice en cuatro domingos porque fue en un tiempo que tenía mucho curro y no tenía mucho tiempo libre. Así que durante cuatro domingos hice la composición y la grabación, luego invertí dos o tres domingos más para la parte de mezclas, masterizar y demás, lo dejé descansar dos semanas más y a principios de marzo ya se lo mostré a Irregular Label. ¿Qué diferencias encuentras de grabar en casa a hacerlo en un estudio? He grabado poco en estudio, pero la diferencia más grande es que dónde tú puedas montarte cierto entorno, te influirá en la música. Alguna vez me gustaría alquilar una masía y grabar allí durante un mes, saldrá algo de acuerdo a ese entorno. Mientras esto no suceda, prefiero grabar en casa. Además, soy fanático del pop de habitación, del hazlo tu mismo. Cuéntanos tus deseos futuros. Me gustaría hacer muchos directos, me encanta tocar en vivo y me divierto. También me gustaría mucho salir fuera a tocar, con el anterior disco tuve la ocasión de tocar en Alemania, Italia y Londres, la experiencia fue muy buena y me gustaría repetir. Estamos haciendo un videoclip para el single, que en principio saldrá en noviembre y tengo en mente hacer un EP con remezclas de algunas canciones del disco.
visualise it; I want to make an album of nine songs, it won’t be more than forty minutes long, and I’m going to do this way because that’s how I feel about it. As far as the order goes, I knew when I started that I would end with Stood by the gate at the foot, because it’s like coming out from under water, its very epic. I also wanted to start quite shyly and I think I achieved that. Driving Myself Alone, the single, I wanted as the fourth piece because I didn’t want the single coming second or third, I wanted it further on. Tell us about how the recording went. I did it at home. I have a studio there and it’s quite isolated. I started it in January. I did all the composing in four sundays because I had a lot of work on and not that much time. So on four Sundays I composed and recorded, than two or three more Sundays for the mixing, mastering and so on. I let it rest for a couple of weeks and then at the beginning of March I showed it to Irregular Label. What are the differences between recording at home and in a studio? I haven’t recorded in a studio very often, but the biggest difference is that when you can set up certain surroundings, that will influence the music. One day I would like to rent a farmhouse and be there recording for a month, what came out would be responding to that environment. Until that happens, I prefer to record at home. Also I’m a big fan of bedroom pop, of doing it yourself. Tell us about your future desires. I would like to do alot of gigs. I love playing live and it’s fun. Also I’d like to travel and play in other countries. With my last album I had the opportunity to play in Germany, Italy and London, the experience was very good and I would like to repeat it. We’re doing a videoclip for the single, which should come out in November, and I have in mind to do an EP with remixes from various songs from the CD.
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IMPERDIBLE: IN-EDIT BEEFEATER por Irene Montoliu
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Con la llegada del frío a Barcelona llega también una de las citas más esperadas del panorama cultural de la ciudad condal: el festival de cine documental musical In-Edit Beefeater. Este año, además, no llega solo, sino que carga en su mochila con diez años de historia y nos trae también a un invita-
do muy especial, Julien Temple, como homenajeado en la sección Made in London. En esta sección harán un repaso a la filmografía del director inglés, incluyendo títulos tan aclamados en el propio In-Edit como Oil City Confidential. The Dr. Feelgood Story que formó parte de la Sección Oficial Internacional del festival en el 2009, o Paul Weller: Find the Torch sobre el músico londinense. También dentro de la misma sección podremos disfrutar
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de otros documentales de factoría británica como Shut up and Play the Hits, dirigido por Dylan Southern y Will Lovelace y centrado en la figura del ya retirado músico James Murphy. Para celebrar los diez años, el festival organizó una votación a través de
Facebook para que los fans escojiesen algunos documentales de pasadas ediciones para que este año repitan en la bautizada como Sección Fan, en la que se exhibirán dos documentales nacionales y dos internacionales. Uno de los más votados ha sido Quiero tener una ferretería en Andalucía de Carles Prats, imprescindible y simpático vistazo a las andanzas de Joe Strummer en Granada y Almería que pudimos disfrutar el año pasado. Además como parte de la celebración se estrenará también, en la noche de clausura, el documental In-Edit: Get What You Want sobre el propio festival. Podéis empezar a prepararos para el festival consultando la programación en http://www.in-edit.beefeater.es. Yo ya tengo mi lista.
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Un mes magnífico! Esta vez voy agradecer a los chicos de Miracle y de Clift, me habeis dado muchas alegrias. Para el próximo número una grata sorpresa, ya no por una entrevista inesperada sinó también por nuevos ilustradores que se quieren involucrarse en el proyecto. No voy a contar mas ya lo descubrireis...
que un sueño te quite el sueño Gracias Gustavo
Atentamente Alain Forton
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