Revista Arte y Tiempo No. 3 Enero 2025 by Alasart Artandtime

ARTE Y TIEMPO

El convento novohispano: el caso de la península norte de Yucatán

Mtra. Ana Raquel Vanoye Carlo

Navegando nuevas fronteras: artistas en el siglo XXI. Conoce a Olivia Ingle

Mtra. Claudia Sanginés S. y Olivia Ingle

Arte en movimiento: un diálogo perspicaz con Anna Kuyumcuoglu

Noticias culturales, talleres y cursos Alasart.

Libros publicados por Alasart.

Enlaces de noticias de arte e historia

Poesía de William Blake

Horóscopo maya

Créditos Editoriales de la Revista Arte & Tiempo

Editora encargada de revista general: Claudia Sanginés Sayavedra

Equipo:

• Equipo anónimo

• Claudia Sanginés, Historia del Arte apoyo en entrevistas y maquetación y otros.

• Matteo Scala, Diseño del logotipo

Colaboradores:

• Olivia Ingle, Entrevista con artista y obras de pintura

• Anna Kuyumcuoglu, Artista, entrevista y dibujos/ilustraciones

• Ana Raquel Vayonce Carlo, Historiadora del arte y arquitectura

• Otras personas que permanecen en el anonimato

Extendemos nuestro más sincero agradecimiento al diverso grupo de colaboradores cuyo trabajo enriquece esta revista. Sus perspectivas y creatividad abarcan distintos campos, incluidos el arte, la historia, la espiritualidad y la filosofía.

Diseño y Maquetación:

• Equipo Alasart, anónimo, Diseñador Gráfico

• Portada: Hecate, William Blake

• Fotografía Ana Raquel Vayonce, Historiadora del arte, escritora y fotógrafa. Agradecimientos Especiales: Agradecemos a las personas y organizaciones que han apoyado nuestra visión y misión.

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Publicado por: Alasart Editions, parte de Alasart. Art & Time, fundada en 2012.

©Imagen 7. Lápiz y tinta sobre papel - 2022

- Antes de irme - 18x24 (cifras basadas en obra de William Blake) ©Olivia Ingle

PRIMERA PARTE ARTICULOS DIFUSIÓN

El convento novohispano: el caso de la península norte de Yucatán

Mtra. Ana Raquel Vanoye Carlo

Navegando nuevas fronteras: artistas en el siglo XXI. Conoce a Olivia Ingle

Mtra. Claudia Sanginés Sayavedra

SEGUNDA PARTE ENTREVISTA

Arte en movimiento: un diálogo perspicaz con Anna Kuyumcuoglu

TERCERA PARTE DIFUSIÓN

Sobre el libro On Women de Sri Aurobindo y The Mother

Enlaces de noticias de arte e historia

Poesía de William Blake

Horóscopo maya

PRIMERA PARTE

ARTICULOS DE DIFUSIÓN

El convento novohispano: un resultado del sincretismo entre la ideología de las órdenes mendicantes y el contexto económico, político y social de la Nueva España: el caso del norte de la Península de Yucatán.

Ponencia impartida el 13 de septiembre de 2012.

Actualmente hay suficiente evidencia para considerar que, los conventos que Manuel Toussaint identificó y difundió en sus escritos son la última expresión arquitectónica de un proceso que inició en 1524 con la llegada del famoso grupo de los 12 franciscanos encabezados por fray Martín de Valencia. Antecediendo, existieron una serie de procesos y construcciones cuya identificación, estudio y el entendimiento contribuirá a la comprensión de otras dinámicas como, por ejemplo, la adecuación del convento europeo a las necesidades que la cosmogonía y la forma de vida de los indígenas imponían y que se tradujo, en el ámbito arquitectónico, en la incorporación de algunas estructuras arquitectónicas. Estos inmuebles precursores se han agrupados en dos fases bien caracterizadas y por lo tanto definidas.

La primera etapa comenzó con el contacto entre órdenes mendicantes e indígenas. Lo que permitió a los primeros extraer y formalizar las experiencias que señalaron los espacios necesarios y las formas adecuadas para llevar a cabo el proceso de evangelización. Muy probablemente, los predicadores comenzaron su actividad en lugares improvisados y al aire libre. Este inicio está bien descrito

Vanoye Carlo Ana Raquel.

por las frases citadas por Valadés, en las que menciona la ubicación [de los sitios de predicación]: en todos los lugares a donde llegan a predicar, pero fuera de las poblaciones. Señala también el tipo de espacio: de grandes dimensiones, limitado por muros de mampostería y sin que esté adosado a ninguna construcción. Por lo tanto, no hay ahí ni templo, ni convento.

Las construcciones que pertenecen a la segunda etapa son más difíciles de precisar, sabemos que ésta agrupa a todas aquéllas que se ubican entre la aparición de las anteriormente descritas y el convento Novohispano. Se considera que son todas las que contribuyeron a la configuración del edificio final.

Y, aunque muchas de ellas no se conocen sí es posible mencionar que, cualquier construcción ubicada en el centro de un poblado pertenece a este grupo, también están incluidas aquéllas que fusionan en su diseño la arquitectura mesoamericana y la europea y por último también considerare dentro de esta etapa aquéllas construcciones que, aunque siendo de diseño europeo, los asuntos estructurales o materiales están resueltos usando técnicas, herramientas o habilidades desarrolladas por las culturas indígenas.

En un tercer grupo quedarían todos esos inmuebles que Kubler y Toussaint estudiaron en las cuales se puede ver lo que ostentan todas las aportaciones europeas y la asimilación de los rasgos que satisfacen las necesidades derivadas de la forma de vida indígena.

Es decir, se trata de aquellos que incorporan del primero el partido arquitectónico registrado desde el siglo IX, el templo, la orientación del ábside hacia el oriente y el claustro hacia el sur y del segundo los grandes atrios, las capillas cerradas y las abiertas.

Esto permite que, los frailes vayan al sureste llevando con ellos, además de su formación, sus nuevos conocimientos sobre las culturas indígenas y los resultados exitosos del proceso de evangelización llevado a cabo en el centro, por lo que el triunfo estaba asegurado.

Durante el virreinato, el actual estado de Yucatán formó parte de la Provincia de San José que en su momento de mayor esplendor comprendió lo que hoy son los estados de Yucatán, Campeche y Quintana Roo y a los actuales países de Guatemala y Belice.

Este territorio fue difícil de dominar. De hecho, “el interior, escasamente poblado, nunca fue conquistado, y en realidad, los límites territoriales del Yucatán español retrocedieron a fines del siglo XVI y durante el XVII”. Pero una vez que los conquistadores lograron el control de las zonas costeras del norte y del poniente de la península consideraron prioritaria la conversión de los mayas a la religión católica. Esta tarea fue asignada, como en muchas otras partes de la Nueva España, a los franciscanos.

En general, el modelo de expansión utilizado por los menores, para evangelizar, tenía dos objetivos: incursionar y dominar de manera continua territorios cada vez más lejanos y mejorar la infraestructura (la comunicación) entre los lugares controlados. En la práctica, para cumplirlos, en el sentido arquitectónico, bastaba que los frailes construyeran conventos de manera simultánea, continua y sostenida, en el económico, que pudieran dotarlos de recursos (agua y comida), servicios (norias, bodegas, letrinas) y áreas de producción adecuadas (huertos) y en el social, que fueran capaces de agrupar un número suficiente de individuos en torno a estas construcciones. Sin embargo, llevar a cabo, desde el principio o simultáneamente, todos estos requisitos muy pocas veces fueron posible. En muchas ocasiones, las circunstancias obligaban a los frailes a modificar este esquema de expansión.

El sureste del Virreinato quedó excluido de la primera etapa del proceso descrito anteriormente: el diseño, la implementación, la experimentación y la evaluación de ésta se lleva a cabo, en su totalidad, en el centro de la Nueva España.

Entre las causas más frecuentes se encontraban las condiciones económicas y sociales poco favorables del lugar, la presencia del clero secular o de otras órdenes mendicantes, la existencia de relaciones hostiles con los encomenderos y la resistencia ofrecida por la población nativa.

En Yucatán, los dos últimos factores fueron la causa principal de que los franciscanos no pudieran cumplir simultáneamente los objetivos del modelo, así que resolvieron implementarlos por separado.

Durante los primeros quince años posteriores a su llegada, en 1544, construyeron conventos que tenían como prioridad lograr el control de la zona norte de la península de Yucatán. Después, durante los siguientes diez años, aproximadamente entre 1560 y1570, levantaron conventos para mejorar la comunicación entre los ya existentes.

Sólo después de 1570, los frailes tuvieron la suficiente capacidad económica y social para cumplir de manera simultánea ambos objetivos.

Este trabajo centra su análisis en algunas de las construcciones correspondientes a estos primeros veinticinco años, porque durante este periodo los franciscanos siguieron una forma de expansión lineal, es decir, levantaron un convento hasta haber logrado esbozar el anterior.

La linealidad es útil porque revela las limitaciones del contexto y también facilita la reconstrucción de esta primera parte de la historia franciscana, ya que nos permite rehacer el camino que estos misioneros recorrieron. Después de este período, los menores tuvieron recursos suficientes para financiar, diseñar e implementar un modelo de expansión no lineal que básicamente contempla la construcción simultánea de varios inmuebles y que dificulta la reconstrucción histórica por la escasez de fuentes y archivos.

La historia de las fundaciones hechas por estos misioneros comenzó, como ya lo mencioné, en 1544, con el arribo a Campeche de los franciscanos fray Luis de Villalpando, fray Lorenzo de Bienvenida, fray Melchor de Benavente y fray Juan de Herrera. Fundaron su primer convento bajo la advocación de San Francisco de Asís sobre las ruinas de lo que durante el periodo prehispánico fue conocido como Can pech, hoy Campeche.

Después, marcharon al norte de la península hacia la antigua ciudad maya de Ti-ho, la actual Mérida, y en 1546 establecieron allí su segundo convento dedicado también a San Francisco de Asís.

levantado. Según el relato de fray Ciudad Real, este convento estaba “pegado con la misma ciudad, puesto sobre un ku o mul antiguo y aún edificada parte de él sobre los mesmos edificios viejos de los indios antiguos”.

El relato sugiere que algunas de las estructuras arquitectónicas del mul fueron reutilizadas en el convento sobre todo como celdas o dormitorios. Este edificio que fusiona, en su composición y estructura, dos arquitecturas es un ejemplo que corresponde a la segunda etapa del proceso descrito al inicio de este trabajo y que algunos autores han llamado “los pasos intermedios” y que señalan la existencia de etapas que integran el proceso evolutivo de los espacios arquitectónicos de la evangelización.

Hay varias razones probables por las que los menores aceptaron llevar a cabo esta mezcla: tal vez porque la mayor parte de la población asentada en Mérida era española y esta fusión de arquitecturas no generaba ninguna confusión como hubiera sucedido si la población hubiera sido mayoritariamente indígena, o quizá porque no contaban con suficiente mano de obra para levantar una construcción desde sus cimientos, o tal vez, decidieron construir sobre los edificios prehispánicos para re-significarlos y mandar un mensaje claro de la falta de un lugar que, dentro de la sociedad virreinal, en adelante tanto estas edificaciones como todo lo concerniente a la cultura maya tendrían. Después de construir este convento, su objetivo era dirigirse al oriente, a la villa española de Valladolid y allí construir un tercer convento, pero el adelantado Francisco de Montejo, conquistador de la península, les pidió que primero atendieran su encomienda en Maní. Los franciscanos fundaron allí, en 1549, su tercer convento bajo la advocación de San Miguel Arcángel (fig. 1), tanto por la petición hecha por Montejo, como por las excelentes condiciones que el lugar ofrecía pues el batab TutulXiu, que era el dirigente maya del lugar, y la numerosa población bajo su mando eran aliados de los españoles. Esto garantizó que los frailes realizaran su actividad evangelizadora con relativa tranquilidad. Además, se trataba de una zona densamente poblada, por lo que los franciscanos adoctrinaron a un gran número de personas en un período corto y pudieron disponer de una gran cantidad de mano de obra.

Este recinto, que también fue conocido como el “Convento Grande” y que fue destruido hasta sus cimientos a principios del siglo XIX, exhibió ciertas características arquitectónicas que ejemplifican la premura con la que fue

La presencia de estás excepcionales condiciones serviría para mucho más que para la rápida construcción del convento. En general, también le aseguraron al lugar una posición económica y política privilegiada, porque siendo la península de Yucatán un territorio que carece de recursos minerales, fue el trabajo indígena lo que se perfiló, desde el inicio del Virreinato, como el recurso más valioso de la región. Al contar con él Maní se convirtió en uno de los principales puntos económicos del centro de la península, al menos hasta mediados del siglo XVII, en el que otros poblados como Ticul, Tekax, Oxkutzcab y Teabo comenzaron a tener más importancia que Maní debido, los dos primeros, a su localización geográfica y los dos últimos a su producción agrícola.

Pero estas condiciones también sirvieron en particular, para que los franciscanos pudieron dotarlo de unas características arquitectónicas diferentes a las que tenía el convento Grande de Mérida, pues, aunque San Miguel también está construido sobre un antiguo mul maya, éste se niveló, se cubrió hasta enterrarlo y el terreno se emparejó, por lo que la estructura prehispánica sólo se utilizó como la plataforma del nuevo edificio

religioso. Con esto los menores lograron una construcción de grandes dimensiones colocada en el punto más alto del poblado donde podía ser vista por toda la comunidad.

Además de esto, la iglesia de San Miguel Arcángel cumplirá con una serie de requisitos que, incluso en la actualidad, caracterizan las construcciones religiosas de Yucatán. La primera de ellas es el uso de un presbiterio abovedado con nervaduras y una nave cubierta por bóveda cilíndrica lisa.

El diseño de las nervaduras que adornan el presbiterio de Maní es muy sencillo: se trata de un par de bandas entrecruzadas (fig. 2), sin embargo, con el paso del tiempo, éstos lograran ser mucho más complejos y ricos en su composición.

2. Nervaduras que adornan la bóveda del presbiterio de la iglesia, convento de San Miguel Arcángel, Maní, Yucatán, noviembre, 2008.

Imagen 1. Convento de San Miguel Arcángel, Maní, Yucatán, mayo, 2007.

Imagen

Por otro lado, los campanarios de las iglesias se levantarán usando una o dos espadañas, como es el caso de este convento, sobre la fachada principal.

La existencia de estos rasgos sugiere una aplicación estricta en la región de los Estatutos franciscanos de 1260.

En la imagen 2 también se aprecia la mayor parte de la pintura mural que, junto con las nervaduras, ornamentan la bóveda del presbiterio. Aunque actualmente está muy deslavada, destaca la Inmaculada Concepción rodeada de ángeles. En realidad, Maní conserva una buena cantidad de murales distribuidos en diferentes partes del inmueble: en el intradós de algunos arcos de la iglesia, en la capilla abierta, en el claustro bajo, en la antigua y nueva sacristías y en las capillas laterales. Este trabajo se concentra en la presentación de los retablos murales, cuando existen, que se localizan en los presbiterios de las iglesias porque el tiempo y la forma en la que se emplearon revela que jugaron un papel importante en la configuración del aspecto de estas estructuras arquitectónicas. Más que la bóveda, es el presbiterio de la iglesia el que conserva una gran cantidad de murales, lo que sugiere una actualización continúa de los ciclos pictóricos. Detrás del actual retablo sobrevive la composición que se muestra en la figura 3: se trata de un retablo mural tallado en piedra. En el tímpano, y coronando esta estructurase colocó, en una cartela sostenida por dos ángeles, una representación de los símbolos pasionarios dentro de una pila bautismal, debajo de ésta se localiza un friso, adornado con triglifos, que funciona como el remate de un muro de sillares que en la parte inferior tiene dos nichos, el de la izquierda alberga a San Miguel Arcángel y el de la derecha a San Francisco de Asís recibiendo los estigmas. La pintura se ejecutó, en su totalidad, utilizando los colores rojo, azul y negro y sus distintas tonalidades. Los grises se aplicaron sobre los elementos arquitectónicos y sus ornamentos y en la ropa de los franciscanos. El azul y el rojo se utilizaron, siempre de manera alterna, sobre la ropa de San Miguel Arcángel y en los atributos que tanto éste como los menores portan. A lo largo de esta exposición veremos que esta paleta y sus reglas de aplicación tuvieron una amplia aceptación.

La imagen 3 también muestra una tela blanca en el centro de la composición descrita anteriormente. Detrás de ésta hay un rectángulo

que no conserva vestigio alguno de pintura, en su parte inferior, al centro, tiene un nicho. Lo que sugiere que la composición mural funcionaba como un marco del elemento que se colocaba en este rectángulo central y que, muy probablemente, se trataba de un pequeño retablo de madera que cubría el nicho y que hoy está perdido. El tamaño del retablo, sugerido por las dimensiones del rectángulo rosado, indica que la madera era escasa y que la responsabilidad del diseño de los interiores más bien recaía en la arquitectura y en la pintura mural. Más aún, en esta primera etapa hay una preminencia de la pintura sobre la arquitectura pues ésta queda oculta detrás de la que recrea la pintura.

Esta relación irá cambiando con el tiempo. Las composiciones finales muestran una relación más equilibrada, pues las representaciones pictóricas son mucho más pequeñas, lo que indica que la pintura mural ya no sustituye a la arquitectura ni se encarga, por completo, de la reconstrucción del aspecto de los espacios, sino que se coordina con ella para lograr la adecuada configuración del aspecto de los recintos. El interior de la sacristía del convento de San Pedro y San Pablo en Teabo, es un buen ejemplo para ilustrar la afirmación anterior.

En ella se encuentran dos series de pinturas de caballete, en una, se ha representado a los Doctores de la Iglesia y en la otra, a los Evangelistas. Para cada lienzo se pintaron también, el clavo y la cuerda del que penden y se colocó a una altura adecuada para reforzar al observador la idea de que estás representaciones son verdaderas pinturas de caballete.

Imagen 3. Retablo mural, ábside de la iglesia, convento de San Miguel Arcángel, Maní, Yucatán, Garcés

Fierros en Dictamen de INAH-Yucatán, 2005.

Una vez que los franciscanos terminaron de construir el convento de San Miguel, se dirigieron al norte, que en ese tiempo era la segunda zona más poblada. El lugar elegido para comenzar su actividad evangelizadora fue un antiguo santuario maya construido en honor al dios Itzimná, “patrono de las ciencias y los conocimientos e inventor de la escritura”.

Aquí, y sobre las ruinas del recinto dedicado a los Chaac, los franciscanos levantaron su cuarto convento bajo la advocación de San Antonio de Padua.

El arquitecto que edificó este convento fue el mismo de Maní: fray Juan de Mérida, por lo que algunas de las características observadas en aquel, así como en muchos otros conventos de la Nueva España, vuelven a estar presentes. Entre éstas podemos mencionar, su emplazamiento sobre una estructura prehispánica, el tratamiento arquitectónico que ésta recibió para convertirla en una base amplia, sólida y adecuada para recibir al nuevo convento pues ésta no sólo se enterró y se emparejo, sino que además se rebajó y se demolió el santuario de la parte superior.

Otra similitud es la forma de distribuir el área resultante del proceso anterior: nuevamente una parte generosa fue destinada a convertirse en el atrio. Un cuarto rasgo es el uso de la portería para articular los accesos (ya sean principales o laterales) del convento, la iglesia y la capilla abierta. Sin embargo, las ampliaciones y modificaciones que el convento de Izamal ha recibido a lo largo de su historia hacen que actualmente, sin importar que haya sido construido por el mismo arquitecto, luzca muy diferente a Maní. Entre éstas podemos mencionar la arquería que recorre todo el perímetro atrial y que incluso absorbió e incorporó el antiguo portal que articulaba la iglesia, el convento y la capilla de indios, la construcción del camarín de la Virgen, las tres rampas de acceso y las sucesivas remodelaciones a la fachada de la iglesia que incluyen la construcción de una torre de reloj. En realidad, todas estas adecuaciones sólo muestran que frailes y párrocos encontraron en la arquitectura el medio ideal para reclamar y recuperar para el catolicismo el prestigio de santuario del que este lugar ha gozado desde la época precolombina.

Aunque la arquitectura da cuenta de las constantes y cuidadosas remodelaciones y ampliaciones, no sucede lo mismo con la pintura mural que sobrevive en este convento porque es muy poca. Ésta se concentra en la entrada del convento y en la fachada de la iglesia. Básicamente

se trata de escenas de la vida de los frailes y de una pintura de caballete en la que se pintó a Santa Bárbara y que, tal vez, en su representación inicial, fue una escultura porque todavía se aprecia la peana sobre la que se apoya el cuerpo de la santa, así como una palma en su mano derecha y la torre con tres ventanas en su izquierda. Con la construcción del convento de Izamal, los franciscanos, que ya se habían asegurado el control de la zona oeste de la península de Yucatán con los conventos de Campeche, Mérida y Maní, comenzaron a adjudicarse el dominio de la zona norte, mismo que reforzaron con el levantamiento, ese mismo año, del convento de San Francisco de Asís en el pueblo de Conkal. Posteriormente, y dado que desde el inicio del Virreinato la zona central de la península estuvo bajo el control del clero secular, y la selva hacia del sur un territorio impenetrable, los franciscanos se dirigieron al oriente del actual estado de Yucatán, donde hacía falta un convento alrededor del cual organizar la evangelización de los cacicazgos allí establecidos. Llegaron a esa región en 1552 y al año siguiente, levantaron el convento de San Bernardino de Siena en Valladolid. (fig. 4).

Imagen 4. Convento de San Bernardino de Siena, Valladolid, Yucatán, diciembre, 2008

El arquitecto de Sisal fue también fray Juan Mérida, por lo que en esta construcción nuevamente volvemos a encontrar similitudes. Por ejemplo, entre los claustros de los tres conventos que descansan en la pesadez de sus muros y en el tipo de arcos empleados o el tratamiento frontal del acceso a la iglesia y al convento usando portales, aunque los actuales datan del siglo XVII, es probable que hayan sido construidos en lugar de una estructura anterior más frágil debido a los materiales empleados. Este convento tiene dos rasgos muy distintivos: su capilla abierta está adosada al muro suroeste de la iglesia. Esta solución se debió a que Valladolid era una villa española por lo que la atención a los indígenas debía quedar relegada a segundo término. Por otro lado, el convento de San Bernardino está construido sobre un cenote. Esto hace que el edificio sea demasiado húmedo lo que provoca que sus encalados estén en constante trabajo, por lo que son poco durables, esto hizo imposible que la mayoría de la pintura sobreviviera.

Actualmente sólo quedan dos retablos murales que flanquean el presbiterio pues están ubicados en los paramentos laterales de la iglesia.

Imagen 5. Santa

del

La figura 5 muestra un detalle del retablo ubicado en el muro noreste (del Evangelio) y el nicho que forma parte del que está pintado en el suroeste (de la Epístola).

Imagen 5b. El padre Eterno, nicho del retablo mural, muro derecho de la iglesia, convento de San Bernardino de Siena, Valladolid, Yucatán, noviembre, 2008.

Bárbara, detalle

retablo mural, muro izquierdo de la iglesia, convento de San Bernardino de Siena, Valladolid, Yucatán, noviembre, 2008.

Curiosamente, y a manera de compensación por el lugar sobre el que está construido el convento, “la historia de los retablos del santuario de Sisal está bien documentada” y según ella y “el Bachiller Cárdenas Valencia, quien escribía durante el primer cuarto del siglo XVII, el retablo mayor era de pincel, con su sagrario de escultura, hecho con toda curiosidad”. Esto indica que en el presbiterio de la iglesia de Valladolid existió una estructura mural muy parecida a la que sobrevive en el convento de Maní. Una descripción del retablo principal contenida en el inventario de secularización del convento, arroja algunas otras similitudes.

Éstas indican que aquí, debió haber existido un pequeño retablo que cubría el nicho que albergaba la esculturade San Bernardino, flanqueado, por cada lado, por seis lienzos. Lo anterior reafirma que en los primeros años de expansión no sólo los contenidos de los programas pictóricos eran parecidos, también compartían la forma y el lugar para representarlos. Con estas tres últimas construcciones la orden tuvo cierto control sobre los puntos más importantes del norte de la península y finalmente estuvo en posición de construir conventos que mejoraran su comunicación ya fuera acortando la distancia entre ellos o con algunos otros puntos importantes. Bajo esta lógica, los frailes fundaron en el año de 1561 dos conventos más: el de San Luis de Tolosá en Calkiní, a la mitad del camino entre Campeche y Mérida, y el de San Buenaventura en Homún que acercaba el convento Grande de Mérida con la región de Sotuta, bastión natural del clero secular. Posteriormente, en 1563 fue erigido, al norte del convento de San Bernardino de Siena, el de Los Tres Reyes, en Tizimín, que acercaba dos puntos importantes: Valladolid y Río Lagartos. Este último propiamente no es un río, sino una ría, es decir, un flujo de agua marina que se internó entre la tierra firme y una estrecha franja de playa, y que, debido a esto, durante la época virreinal funcionó como puerto de arribo para los barcos. Cuatro años después, en 1567, los franciscanos fundaron el convento de San Juan Bautista en Motul, punto central del camino que comunica a Mérida e Izamal. Ese mismo año, Motul se convirtió en paso obligado para ir del convento Grande de Mérida al recién construido de Santa Clara de Asís en Dzidzantún (fig. 6).

construcción religiosa situada más al norte de la Península de Yucatán. Esto sugiere que su fundación obedeció al deseo de los menores de incursionar en la costa norte de la península, lo que sitúa su levantamiento al inicio de la etapa en la cual los franciscanos ya tenían la capacidad de llevar a cabo su proceso de expansión cumpliendo de manera simultánea sus objetivos: controlar nuevos territorios y mejorar la comunicación entre éstos. Este cambio en la ejecución del esquema revela la capacidad económica, política, religiosa y social alcanzada por los menores en un período muy corto. Algunas de las características arquitectónicas de este convento, muchas de ellas manejadas por primera vez y de manera exclusiva, constituyen un testimonio de dicha capacidad.

Según Bretos, el convento de Santa Clara fue fundado en el antiguo cacicazgo maya de Ah KinChel, lo que indica una vez más, la costumbre de los franciscanos de ocupar antiguos recintos prehispánicos y resignificarlos.

La decisión de construir este convento se tomó en el capítulo celebrado en Mérida el 13 de abril de 1567 y su primer guardián fue Fray Diego Zazo.

Basta recorrer la iglesia, el convento y en general todos los espacios que forman parte de este inmueble para descubrir algunos rasgos que resaltan la importancia de esta construcción. Su iglesia es la más larga de todas las que hay en Yucatán. Las dos bóvedas nervadas, utilizadas para techar el primer tercio, sugieren que la modificación de su longitud fue decidida en plena ejecución. La primera, que techa el ábside original, resultó ser más larga que el espacio definido por los cinco muros que forman esta estructura, el arquitecto decidió construir sólo hasta terminar la parte central del diseño, porque de este modo, lograba el empate con el extremo final de los muros finales del presbiterio (fig. 7).

Esta decisión generó fuertes alteraciones estructurales, pues mientras el lado derecho de la lacería es lo suficientemente resistente para soportar el peso de la bóveda, el izquierdo no, lo que provoca que este lado se hunda. La solución a este problema fue la construcción de una pilastra que apuntala este lado.

La presencia de este último elemento en el presbiterio rompe con la función de este espacio, debido a esta situación se decidió adelantar el altar mayor construyendo la pared que se observa detrás de la pilastra (fig. 7).

Al parecer, la construcción de este convento no responde al objetivo de mejorar la comunicación entre los ya existentes. En su tiempo, fue la

El espacio que quedó entre el ábside original y el nuevo muro se usó como sacristía mientras que el que quedó delante de éste último se destinó al presbiterio.

Por otro lado, la comparación entre el diseño de las nervaduras de esta bóveda con las que adornan la de Maní indican el nivel de complejidad alcanzado por los menores y los indígenas en el diseño arquitectónico.

La longitud de la bóveda de cañon también sugiere la importancia que tuvo este convento: es inusualmente larga, lo que se convirtió en un gran problema, pues resultó ser muy pesada para los muros de la iglesia. La pared norte lo sorteó bien porque el propio convento sirvió de apuntalamiento,19 pero el muro sur comenzó a ceder al peso de la bóveda, a pesar de que sus columnas fueron ensanchadas y el muro reforzado. Finalmente, un día de 1908 los muros cedieron y la bóveda se vino abajo. Además de estas características, Santa Clara es el único templo que tiene relieves tallados en los vanos de las tres ventanas del muro sur. Se trata de una decoración en trama cuya unidad es un rombo inscrito en un cuadrado. Muchas de ellas todavía conservan rastros de pintura azul y roja. Esta misma ornamentación se puede observar en el arco toral de la iglesia y en las nervaduras de la segunda bóveda. Otra de las características sobresalientes de este inmueble es la gran cantidad de murales que conserva.

La pintura se localiza en el ábside, en las bóvedas que techan el claustro bajo, en el vano de la puerta que comunica este último recinto con la nave de la iglesia y en el muro sur de la portería del convento. Nuevamente y como en los ejemplos anteriores, me concentraré en presentar el retablo mural que alguna vez decoró su presbiterio. La figura 8 muestra el aspecto actual de esta estructura que esta coronada, al igual que en el caso de la de Maní, por una representación de los símbolos pasionarios.

El retablo es de grandes dimensiones, ocupa casi todo el muro, al igual que el de Maní. Su autor organizó su composición usando dos estructuras arquitectónicas anidadas que enmarcan tres elementos dispuestos verticalmente: una representación de la Coronación de la Virgen es el elemento superior, la escena de la Asunción el central y, al igual que en Maní, un rectángulo de color crudo el inferior.

7. Primera bóveda nervada de la iglesia, convento de Santa Clara de Asís, Dzidzantún, Yucatán, noviembre, 2008. A la izquierda se puede apreciar la pared sobre la que actualmente está anclado el retablo principal y la pilastra que alguna vez apuntalo la bóveda, a la derecha la pintura mural.

La primera estructura (y la más exterior) es un tímpano, que contiene la escena de la Coronación, apoyado sobre un par de columnas y que funciona como el marco de una segunda estructura similar en composición a la anterior: un frontón curvo, que alberga la escena de la Asunción, apoyado también en soportes laterales.

Ambas estructuras son el marco del rectángulo rosado cuya característica principal es que también tiene un nicho en la parte inferior central. Probablemente sobre éste, se colocaba un pequeño retablo al que rodeaba la composición descrita en el frontón curvo, que alberga la escena de la Asunción, apoyado también en soportes laterales. Ambas estructuras son el marco del rectángulo rosado cuya característica principal es que también tiene un nicho en la parte inferior central. Probablemente sobre éste, se colocaba un pequeño retablo al que rodeaba la composición descrita en el párrafo anterior, lo que la hace muy similar no sólo en diseño sino también en función a la que existe en Maní y a la descrita para Valladolid. Además en esta estructura se observan algunas características plásticas que también se manejaron en el retablo mural del convento de San Miguel Arcángel: el uso de los colores azul, rojo y negro y sus distintas tonalidades para ejecutar la totalidad del retablo.

El negro y su gama de grises nuevamente se utilizaron sobre los elementos arquitectónicos y sus ornamentos. El rojo y el azul se emplearon, de manera alterna, en las ropas de los santos y en sus atributos.

Todos los que aparecen a la izquierda portan camisolas azules y pectorales rojos mientras que todos los que están a su derecha portan está misma ropa pero con colores invertidos: camisolas rojas y pectorales azules.

Es de destacar que la regla de alternancia ha sido mejor lograda en este retablo mural. Al menos dos criterios diferentes pueden ser mencionados.

El primero consiste en intercambiar estos colores entre los elementos exteriores (ropa o atributos) y los interiores (ropa o atributos) de personajes contiguos. Así, si el primero porta una túnica azul y un manto rojo, el contiguo tendrá estos mismos colores pero de forma invertida: manto azul y túnica roja. El segundo es el que se aplicó sobre grupos simétricos, por ejemplo, los ángeles que acompañan a María en su Coronación.

Otros murales de este convento, sobre todo los de la portería y los de la puerta claustral también se ejecutaron utilizando esta misma paleta y criterios, sin embargo, son posteriores.

Pero su existencia refuerza la idea de que, la decoración mural ejecutada con estos colores fue ampliamente aceptada durante un período prolongado.

En realidad, la importancia muralística de Santa Clara reside en la gran cantidad de pintura que sobrevive en sus muros, las superposiciones son muchas y los diferentes murales, que cada una de éstas alberga, nos ofrecen además de otro ejemplo de un retablo mural presbiterial como el que existe en el de Maní, guirnaldas similares a las de Motul (claustro bajo), pinturas de caballete como las que se encuentran en Izamal (colocadas en sus retablos), entre otros muchos ejemplos. Esto coloca al convento como un eje rector en el estudio de la arquitectura de la región y como una expresión adecuada de las ambiciones y los resultados que ésta inspiró en la provincia de San José de Yucatán. Cierro este trabajo presentando el aspecto actual de la pintura mural del presbiterio de Dzidzantún como la estructura mural que por excelencia soporta el peso de la afirmación anterior (fig. 9).

CONCLUSIONES

Los estudios que tienen como intención principal reconstruir los procesos que dieron como resultado el convento novohispano reflejan cambios en la forma de abordar este fenómeno. Durante mucho tiempo, éstos se concentraron en la descripción de los edificios o en el estudio de alguna de sus particularidades. La búsqueda de estos antecedentes y su incorporación en una secuencia cronológica permiten señalar aspectos generales que deben y pueden ser explorados no sólo en el centro sino en cualquier región de la Nueva España, aspecto que no podía derivarse de los estudios descriptivos o puntuales.

Así, es posible retomar este proceso de tres etapas para el sureste mexicano y, en primer lugar, reconocer que la identificación de aquellas construcciones que pueden considerarse parte de la primera etapa de evangelización, aquéllas improvisadas, abiertas, fuera de la comunidad y sin convento, está pendiente. A lo largo del texto, mencionamos algunas que caen en la segunda etapa y que, mayoritariamente, se trata de edificios donde la fusión de ambas arquitecturas está presente. Sin embargo, la mayor parte de lo que sobrevive en el norte de la península de Yucatán cae en la última etapa de este proceso: conjuntos mendicantes cuya erección está basada en el partido arquitectónico europeo pero cuya distribución ha logrado comprender y atender las ideas y formas de vida indígena. Además de identificar los rasgos comunes que éstos comparten con los de otras Provincias de la Nueva España así como los beneficios que recibió por ser de las últimas en donde se llevó a cabo el proceso de evangelización también es posible identificar los rasgos que de manera particular, la provincia de San José de Yucatán, desarrolló y que caracterizan y diferencian su proceso arquitectónico. Por ejemplo, la estricta observancia de los Estatutos franciscanos de 1260 ofrece una oportunidad de percibir que, en gran medida, las inercias sociales de la región guiaron el desarrollo de las diferencias que caracterizan su producción arquitectónica. Tal vez, su lejanía con el centro del Virreinato hizo posible esta aplicación rigurosa al mantener al margen, por más tiempo, conflictos políticos y religiosos que tendían a distorsionar o relajar la aplicación de los Estatutos. Algunas otras diferencias fueron determinadas por los recursos naturales disponibles que, como en todos los casos, condicionaron fuertemente la ornamentación de estos inmuebles.

La carencia de minerales, aunada a la falta de dominio de la selva que canceló la posibilidad de contar con madera de forma ilimitada, determinó que el peso de 9. La pintura mural del presbiterio de la iglesia, convento de Santa Clara de Asís, Dzidzantún, Yucatán, julio, 2011, diseño: Nadia M. VanoyeCarlo

la ornamentación de los conventos de esta región recayera en una de las actividades mejor dominadas por los mayas: la pintura mural. Cualquiera de las etapas que forman parte de esta actividad, desde la colocación de los morteros, hasta la aplicación de los colores pasando por el trazo de las escenas usando sinopias rojas, ofrecen indicios del hábil manejo de la técnica de ejecución de murales que esta región logró. Esta destreza, garantiza la existencia de procesos de experimentación tanto de materiales como de técnicas y, por lo tanto, su cambio y evolución constante.

Sugiere, también la existencia de dinámicas de aprendizaje, entrenamiento y enseñanza, es decir, indica la presencia de escuelas que manejaban determinadas tendencias, gustos y características. Esta idea es reforzada por los rasgos que de manera persistente aparecen en algunos conjuntos de murales, y que para el caso de las decoraciones absidales analizadas en este trabajo se centran en la paleta de color rojo, azul y gris empleada en los murales presbiteriales de Maní y Dzidzantún, su forma alternada de aplicación y el uso de una sinopia roja para trazarlos. Este conjunto no es el único. En la región han comenzado a emerger una amplia variedad de rasgos que determinan con claridad al menos tres conjuntos de murales desarrollados en diferentes temporalidades atendiendo criterios materiales y plásticos bien diferenciados. En este trabajo intenté recuperar algunas de las directrices que en los primeros años dictaron el desarrollo y la evolución de la arquitectura.

Los tres retablos murales abordados (Maní, Valladolid y Dzidzantún) son un testimonio de las composiciones, las formas plásticas y los temas preferidos para representar. En cuanto a composición se refiere es claro que hubo una preferencia por aquellas fórmulas que incluyen pintura mural, retablo y escultura.

La proporción en la que cada uno de los elementos mencionados está presente indica la disponibilidad de los recursos naturales, el gusto de la época y la economía imperante entre otras cosas. Sin importar lo que subyace esta proporción, es evidente que el lugar central está ocupado por la pintura mural que, además de realzar el retablo y la escultura, recrea la arquitectura del presbiterio.

La comprensión de las técnicas, las condiciones y las ideas que animaron las primeras construcciones arquitectónicas y los programas pictóricos en el norte de la Península de Yucatán es importante para identificar las evoluciones y poder reconstruir la historia de la muralística y de la arquitectura de esta región.

BIBLIOGRAFÍA

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OLMOS, Carlos, Historia de la Arquitectura y el Urbanismo Mexicanos, volumen II, El período virreinal, tomo I: El encuentro de dos universos culturales, México: FA-UNAM, 1997, p.452

ESTRADA DE GERLERO, Elena Isabel, Muros, Sargas y Papeles. Imagen de lo sagrado y lo profano en el arte novohispano del siglo XVI, México: UNAM-IIE, 2011

VANOYE-CARLO, Raquel, Esbozo de la historia de la pintura mural virreinal de Yucatán a través del convento de Santa Clara de Asís en Dzidzantún, Tesis para optar por el grado de Maestra en Historia del Arte, México: IIE-UNAM, 2011

“No tengo nombre:

solo tengo dos días de existencia.” ¿Qué te llamaré?

“¡Soy feliz!”

La alegría es mi nombre.

“¡Que la dulce alegría te acompañe!”

William Blake

“El Ángel de la Revelación, página siguiente se muestra el trebajo de pintura de W. Blake.

Poesía de William Blake

Navegando Nuevas Fronteras:

Artistas en el Siglo XXI.

Conoce a Olivia Ingle

Por Claudia Sangines y Olivia Ingle

alguna manera, está comenzando su camino profesional, pero que ya cuenta con muchos años de experimentación con diversas técnicas. En este trabajo, mi objetivo es brindar una visión general sobre la pintura y poesía de Olivia Ingle.

Además, buscamos comprender más sobre sus orígenes, sus metas, sus valores en relación al arte y, por supuesto, su obra artística. Se ofrecerá una breve descripción de algunas de sus pinturas.

Me gustaría comenzar con un pequeño recordatorio de lo que ha significado la pintura y las personalidades de los pintores a lo largo de la historia.

“Quizás todos los dragones en nuestras vidas son princesas que solo están esperando vernos actuar, una sola vez, con belleza y coraje. Quizás todo lo que nos asusta es, en su esencia más profunda, algo indefenso que desea nuestro amor.”

Rainer Maria Rilke, Cartas a un joven poeta

Introducción

Enlos pequeños pasos que damos cada día, formamos un ser integral que nos lleva a la creación de un cuerpo consciente, uno que nos guiará para trascender la muerte. Cada día me gusta buscar a personas dedicadas a encontrar un nuevo fragmento de la Divinidad dentro de sí mismas y de los demás, a través del arte, la ciencia o diversos tipos de creaciones que involucran el ser mental y emocional.

Entre estas búsquedas, me encontré con una artista en California que, de

©Imagen 1. Retrato de Olivia Ingle.

La pintura es una de las prácticas artísticas más antiguas utilizadas por los humanos para transmitir emociones, sentimientos y aspectos de la vida, ya sea la belleza de la naturaleza, la vida cotidiana o aspectos internos de la psique. Por lo general, el artista selecciona una paleta específica de colores para expresar aquello que permanece oculto y que

©Imagen 2. Figura lavado de tinta

dibujo sobre papel - 2023 - 18x24

- Iluminado en la contemplación

“La vulnerabilidad te cubre de sudor

Él viene a recordarte tu deuda

shh

Él correrá en círculos

El amor es algo tan divertido.

Como el invierno y la primavera

Si la vida está hecha de anillos

Endereza tus anzuelos” ©Olivia Ingle

desea comunicar. Los colores y los medios se convierten en el vehículo a través del cual el artista comparte sus emociones con los demás.

Imagen 3. Retrato a lápiz sobre papel de alrededor de 2018, Sin título - 6x8, ©Olivia Ingle

A lo largo de la historia, los hombres han dominado gran parte de la prominencia en el ámbito de la pintura, con nombres destacados como Miguel Ángel Buonarroti, Leonardo da Vinci, Rembrandt, Fra Angelico, Claude Monet, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Paul Klee, Diego Rivera, entre muchos otros. Sin embargo, se ha escuchado poco acerca de las mujeres artistas, aunque podemos mencionar algunas figuras destacadas como Artemisia Gentileschi y Mary Cassatt. Ya en el siglo XX, encontramos a artistas como Georgia O’Keeffe, Frida Kahlo y Remedios Varo.

Sin embargo, hay pintores que buscan, de manera consciente, manifestar lo divino y reconocen la importancia de expresarlo a través del arte.

Si el artista decide utilizar solo lápices de color, debe ser muy hábil para trabajar con sombras, perspectiva y los matices de los rasgos que desea expresar.

En el siglo XXI, encontramos una variedad de artistas que luchan por abrirse camino en medio de la tecnología y los inventos de la inteligencia artificial, que tienden a desplazar el esplendor de la psique humana. Los seres humanos suelen elegir lo más innovador, esforzándose por alcanzar la perfección. Así, el artista queda algo relegado; en el pasado, los artistas eran los innovadores, los vanguardistas. Hoy todavía lo son, pero la sociedad actual no valora su aspecto visionario ni su conexión profunda con las raíces del Ser.

La psique humana debe mejorar constantemente su visión y perfeccionar su amor por lo Divino, lo que representa uno de los desafíos más importantes que la vida nos presenta. Al hacerlo, crece internamente y tiene la ventaja de escapar de la ignorancia creada por fuerzas obscuras.

“Solo aquellos que no excluyen nada de su existencia, ni siquiera lo enigmático y misterioso, lograrán sentir profundamente sus relaciones con otro ser como algo vivo, y solo ellos estarán en posición de experimentar su propia vida en toda su plenitud.”

Rainer M. Rilke

©Imagen 4. Óleo sobre papel lienzo - 2023 - Si a Caídas de árboles 11x14, ©Olivia Ingle

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Algunos pintores son personas sensibles preocupadas por la esencia de la humanidad. No están principalmente interesados en alcanzar la fama o la riqueza; lo que los motiva, en muchos casos, es la expresión del alma y su expansión en la vida. Estos artistas, que siguen la fuente de luz, transmiten una gran elocuencia a través de su arte.

En ocasiones, los artistas deben buscar su propio camino, mientras que en otras son nacidos con ese camino claramente marcado, como fue el caso de Rembrandt Harmenszoon van Rijn.

"No te sientas culpable por no sentir, te sientes culpable por no permitirte sentir, por todo el ahora que perdiste, esperando otro. No hay espacio para las fuerzas divinas, ya han estado perfectamente en juego, balanceándose justo más allá de nosotros, escúchales en el juego."

Olivia Ingle

La Evolución Artística de Olivia Ingle

Una mujer estadounidense que heredó el gen artístico de su abuela se ha destacado entre los artistas que han demostrado talento desde la infancia. Olivia Ingle decidió estudiar Bellas Artes en la universidad, y se pueden ver los resultados de su dedicación. Está a punto de graduarse de un programa en el que enfrentó el desafío de no ser absorbida por el estilo académico ni por las opiniones populares. Olivia ha logrado desarrollar una personalidad única en cada etapa de su evolución artística, enfrentando así los demonios de la ignorancia cultural.

Es una artista que se ha centrado en las artes visuales, especialmente en la pintura de retratos. Sin embargo, en los últimos años ha explorado el surrealismo psicodélico, una corriente que parece ajustarse perfectamente a su personalidad y que le permite compartir una parte de su alma con el espectador, aquel que observa su obra.

©Imagen 6. Bolígrafo sobre papel2023 - 18x24Deidad caída

¨ha pasado un tiempo

Desde que admitiste tu ignorancia tu disposición

Postura

Insatisfecho, incómodo

Sé es redundante ya lo superé

Lo he superado flotando justo sobre él

Por dentro y por fuera por todos lados lo estoy sosteniendo en la palma de mi mano

Tómalo

Pruebe las aguas de la agitación

Deja que sea desordenado

Enfermedad tenue de la matanza impidiéndote

Tú

No debería estar tan seguro¨ ©Olivia Ingle

©Imagen 5. Lápiz de color sobre papel2023 - Sí, El Río Conoce - 9x12 (Título de la canción de Jim Morrison)

“Sí, el río lo sabe. Como gotas de la cascada caen y se parten en el aire, olvidan que son uno. Ellos discuten en su camino hacia abajo, hacen el amor y las leyes, hacen resistir la caída.

Se ríen cuando se reencuentran, por la El río se había olvidado de sí mismo. ¨ ©Olivia Inglés

Con este acto de generosidad y apertura, sin temor a ser criticada o absorbida por los medios vulgares, Olivia abre puertas en medio de la multitud de artistas y la popularidad de lo nuevo y artificial. A través de su arte, explora las profundidades de la naturaleza humana, abordando temas que surgen de las raíces del hombre primitivo, ese ser que lucha por sobrevivir y aferrarse a su territorio y valores egoístas, cerrando puertas a otros por miedo a ser exterminado. También reflexiona sobre el ser humano más desarrollado, aquel que busca respuestas elocuentes ante cada acto, cada sufrimiento y los problemas diarios de la vida.

Con sus pinceladas y colores, responde a un lugar emblemático, a la esquizofrenia de la vida consumista, a la frialdad del mercantilismo, y se adentra en la psique para representar un mundo completamente inusual, ubicado entre los sentimientos y la pasión.

Su arte también está fuertemente influenciado por artistas como William Blake, ya que Olivia busca consagrar y representar el aspecto invisible del Ser.

En algunas de sus pinturas se puede observar la magnificencia de la creación y la constante presencia y memoria de algo más allá de la pequeñez humana.

En estas obras, Olivia explora preguntas como:

“¿A dónde vamos?”, “¿Quiénes somos?”, “¿Qué somos?”, “¿Quién nos observa?”, “¿Qué vemos?”, “¿Cómo vemos?”, “¿Somos algo?”, “¿A dónde pertenecemos?”, “¿Nos pertenecemos a nosotros mismos?” y “¿Quién es nuestro amor más profundo?”

Fue educada bajo la influencia del Cuarto Camino, pero, sobre todo, se le enseñó profundamente a hacer las cosas con intención y a valorar el momento presente como si fuera la única oportunidad para avanzar en la vida. El tiempo es muy apreciado para recordar la energía más sublime y consagrada que se le ha dado a los seres humanos.

Su comprensión es fascinante, lo que lleva al espectador a sumergirse en las profundidades y mecanismos internos del Ser. Es una artista que se está abriendo camino para emerger en el mundo y aún no ha logrado realizar su propia exposición. Sin embargo, ya ha colaborado en algunos eventos y actualmente trabaja en un proyecto de ilustración para cuentos infantiles junto a Carrie Glenn.

Por ahora, Olivia se dedica a trabajar con acuarelas.

En otros aspectos, es importante mencionar que admira a artistas como Rembrandt, Van Gogh, Da Vinci, William Blake y Alex Grey. También encuentra inspiración en músicos y bandas como The Doors, Pink Floyd y King Crimson, así como en todo lo que la rodea.

A veces escucha música antes de crear, pero valora la autorreflexión como una forma de meditación que la inspira. Olivia siente que su proceso creativo artístico es una manera de canalizar algo que no surge de cero, sino que se revela a través de un acto de conexión.

A Olivia le gusta profundizar en sus emociones y explorar la sensibilidad de todos los seres vivos, tanto externa como internamente. Está dispuesta a elevarse como una estrella para mostrar, a través de su trabajo, el camino para amar al ser humano.

Olivia ve su arte como una práctica espiritual y transformadora. Al traducir experiencias emocionales en narrativas visuales, busca inspirar y conectar con el espectador en un nivel profundo. Su obra sirve como un puente entre lo físico y lo metafísico, invitando a quienes la observan a embarcarse en un viaje de auto descubrimiento e introspección.

Su repertorio artístico incluye una amplia variedad de técnicas y materiales. Predomina el uso del lápiz, la pluma y el carbón para sus dibujos detallados. Recientemente ha estado explorando la pintura al óleo, lo que le permite experimentar con la textura y la profundidad. Aunque no cuenta con un estudio dedicado, continúa creando obras cautivadoras en lienzos más pequeños y blocs de notas.

Olivia ha colaborado con varios artistas y participado en numerosos proyectos. Entre sus colaboraciones más destacadas se encuentra su trabajo con Arthur Buckner, un artista basado en Ithaca, Nueva York, y su participación en exposiciones en la Cherry Gallery. Actualmente está ilustrando un libro infantil junto a la escritora Carrie Glenn, de Carmel, California, lo que demuestra su versatilidad y su disposición para explorar diferentes caminos artísticos.

En resumen, Olivia Ingle es una artista en proceso de consolidación, caracterizada por una mezcla única entre el retrato tradicional y el surrealismo psicodélico. Sus influencias, tanto históricas como contemporáneas, moldean su visión artística, dando lugar a piezas profundamente emocionales y reflexivas. A medida que continúa navegando en su viaje creativo, el compromiso de Olivia con la autenticidad y la exploración sin duda consolidará su lugar en el mundo del arte.

Su trabajo no solo cautiva, sino que también desafía a los espectadores a mirar más allá de la superficie y adentrarse en las preguntas más profundas sobre la existencia humana.

Explorando su Arte Figurativo y Surrealista

Las siguientes páginas presentarán algunas de sus obras, las cuales se pueden explorar con más detalle en el sitio web de Olivia Ingle. Su padre, Peter Ingle, también ha publicado varios videos que incluyen los dibujos y pinturas de la artista.

El arte figurativo de Olivia Ingle representa claramente la realidad y demuestra su hábil manejo de la perspectiva, las sombras, la luz y los contrastes (Imágenes 1, 2 y 10).

Sus paisajes parecen conectar con la esencia de los seres de la naturaleza, dejando una luz en escenarios fantasmales que pueden conducir al espectador a conectar con el núcleo del Ser (Imagen 3).

Por otro lado, su arte surrealista y abstracto nos lleva a dimensiones psicodélicas donde la combinación de colores, geometría y figuras humanas resulta en una fuerza artística que invita al espectador a regresar a la realidad, como si estuviera llamando desde las profundidades del inconsciente hacia el presente. Es como si el arte estuviera diciendo:

“Aquí estoy, mírame, y mírate a ti mismo.”

Aunque aún encuentro algunos elementos contradictorios en su arte que pueden llevar al espectador hacia interpretaciones incoherentes o imaginaciones dispersas, su trabajo a veces me recuerda a los murales de José C. Orozco o Diego Rivera.

¿No es impresionante? Que una joven artista sin mucha experiencia y recorrido pueda compararse con grandes pintores y concretar y representar aspectos tan fuertes y experimentales del Ser. (Imágenes 4 a 9)

En Olivia encuentro un nuevo estilo: una joven pintora que rompe los esquemas mentales y las barreras del tiempo. Ella extiende sus alas y las expresa en su surrealismo, mostrando la importancia de la geometría perfecta, del orden y el alineamiento que ayudan a equilibrar la mente.

Sin embargo, sus temas pueden resultar inquietantes, escalofriantes, reflejando esas miradas que observan la sombra de la vida, buscando el surgimiento de

Creo que sus pinturas podrían representarse a una escala mayor en murales, donde se verían magníficas. Al mismo tiempo, sus obras nos muestran la triste realidad del sufrimiento humano, una realidad que, aunque algunos logran transformar, otros son hipnotizados y arrastrados por la gravedad de la inercia, incapaces de escapar de la rueda mecánica.

©Imagen 7. Lápiz y tinta sobre papel - 2022 - Antes de irme - 18x24 (cifras basadas en obra de William Blake) ©Olivia Ingle

la luz, el encuentro del caos con el orden divino. Así, retrata los puentes y procesos que el ser puede experimentar a lo largo de la vida humana.

Sus pinturas funcionan como ese puente que nos lleva a trascender el estado de letargo diario. Figuras aladas emergen, pero con connotaciones sexuales, una contradicción que refleja el mundo dual en el que vivimos. De este modo, Olivia nos revela su propia contradicción, sus dudas y su vulnerabilidad, explorando en su obra las complejidades del Ser.

La mirada oculta en cada uno de sus personajes, ese ojo que observa, no está claro para mí a quién pertenece. Pero podría ser el ego

Por otro lado, Olivia muestra otro observador más elevado, que tiene una forma más ordenada, posiblemente un ser más enfocado y mental, que no se deja llevar por reacciones emocionales o quizá primitivas.

La serpiente que surge y se eleva como el despertar de la Kundalini, pero que está vigilada para no ser dominada por las pasiones. No estoy seguro de si esta es una interpretación real de su arte, pero puedo decir que posee una gran capacidad de observación y una mezcla de sentidos provenientes de diversas tradiciones espirituales (Imagen 9).

Otras de sus pinturas representan nuevamente el ojo que observa, y los cuerpos y los colores en contraste tienden a dirigir nuestra mirada hacia arriba, hacia el espacio de la pintura. Ella dirige esa mirada y desea que el espectador se enfoque, estableciendo así una conexión intencional y consciente entre su obra y el observador.

©Imagen 8. Pastel, lápiz de color y tinta sobre papel2023-24x36“Mírame, mira hacia abajo, un tonto. Mira hacia arriba, un dios Mírame, soy tú¨ ©Olivia Ingle

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La mayoría de sus pinturas surrealistas parecen poseer capas dimensionales, capas que se perciben desde diferentes perspectivas y evocan la fuerza del espíritu. La artista parece estar fuertemente influenciada por William Blake, tanto en su enfoque como en sus temas, ya que sus obras reflejan una conexión con lo simbólico, lo espiritual y lo trascendental.

Es cierto que compararla con grandes pintores masculinos no resulta casual, especialmente porque en su obra se percibe un lado muy específico y marcado de la masculinidad, a pesar de que el elemento femenino intenta surgir en algunos tonos más claros y en ciertos círculos de sus composiciones. Sin embargo, Olivia tiende a inclinarse hacia los colores intensos, lo que le da un dinamismo vibrante y enérgico a sus obras.

©imagen 9. tinta soBre papel - 2023 - 11x14 - la muerte como guía,© olivia ingle

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imagen 10. lápiz y tinta soBre papel - 2023 - 18x24aprender a nadar

El balance entre lo masculino y lo femenino, lo fuerte y lo sutil, refleja una dualidad constante en su exploración artística, donde los contrastes de color, perspectiva y emoción se convierten en símbolos de la complejidad del ser humano y su viaje a través del subconsciente y lo espiritual.

Cada mes, descubro nuevas pinturas y dibujos que Olivia crea, y siempre me resultan muy interesantes. Creo que esta artista tiene mucho que ofrecer al mundo y, con suerte, podrá comenzar a abrir nuevas puertas y seguir produciendo obras tan fascinantes, logrando un arte objetivo y consciente que trascienda el tiempo humano.

Su capacidad para explorar la complejidad emocional, espiritual y visual a través de su obra es una señal de que su camino artístico apenas comienza a despegar. Su compromiso con la creatividad y la autenticidad tiene el potencial de dejar una marca duradera en el mundo del arte, invitando a los espectadores a reflexionar, descubrirse a sí mismos y explorar las dimensiones más profundas del ser.

©Imagen 11. Tinta sobre papel - 2023

- ¿Qué tan pronto es ahora? (Título de un canción de The Smiths)

¨Nunca pierde valor simplemente pierdo la vista caer desde tan gran altura

y levántate otra vez¨ ©Olivia Ingle

La Poesía De Olivia Ingle

A través de la poesía, los colores, las sombras y las luces, su arte nos recuerda la importancia de la concentración en las partes cotidianas que el Ser explora al buscar el origen del mundo del cual provino.

Cada trazo, cada matiz y cada símbolo en su obra se convierte en un reflejo de ese proceso introspectivo, una búsqueda constante por reencontrarse con lo primigenio, con lo esencial, con ese punto de partida espiritual que se esconde en lo más profundo de la existencia humana. Su trabajo es una invitación a detenernos en lo simple, en lo cotidiano, para descubrir la conexión entre nuestro ser interno y el vasto cosmos del que somos parte.

En las propias palabras de Olivia Ingle:

“...alguno de mi trabajo es más como un mundo interno, como un cuento de hadas psicodélico, y el otro lado de mi obra es realista y captura más del mundo interno utilizando imágenes externas y realistas.”

Esta declaración refleja la dualidad y la complejidad en su enfoque artístico: una mezcla de surrealismo subjetivo, de exploración emocional a través de un lenguaje onírico y simbólico, y un realismo introspectivo que traduce el paisaje interno en formas externas. Olivia equilibra estos dos enfoques para crear un diálogo entre lo interno y lo externo, entre la percepción emocional y la representación tangible, invitando al espectador a descubrir su propio camino a través de sus obras.

De alguna forma, la poesía nos conecta con un plano sensible que va más allá de la razón y la arbitrariedad del lenguaje. Nos sumerge en el encanto de la interioridad, en la búsqueda del silencio que las palabras provocan. Y esto no es un acto íntimo o solitario. Como lo demostró Octavio Paz, el encuentro con la poesía es también un acto social que transforma a la sociedad mientras transforma al sujeto.

En palabras de Paz, “una poesía sin sociedad sería un poema sin autor, sin lector y, en rigor, sin palabras.” Condenada a una conjunción perpetua que se resuelve

en una discordia instantánea, la poesía y la sociedad buscan una conversión mutua: poetizar la vida social, socializar la palabra poética.

Esta idea resuena en el trabajo de Olivia, quien utiliza el arte y la poesía como un lenguaje simultáneo para explorar estos temas. Al hacerlo, sus obras no solo comunican experiencias individuales, sino que también establecen un diálogo con el espectador, invitándolo a reflexionar sobre su propia existencia, su relación con el mundo y su lugar dentro de la sociedad.

Poema de Olivia Ingle

Traducción:

“Me olvidé del tiempo y encontré mejor el camino del suave sentido del ritmo.”

Navegando Nuevas Fronteras:Artistas en el Siglo

“¿Yo?

Corriendo a través de ello

¿Y si lo supiéramos?

¿Lo haríamos de todos modos?

Jugar el juego

Sin un nombre concreto

Para mantenernos domesticados

Para mantenernos cuerdos

La mente corre

Por sí sola

Piernas bombeando furiosamente

Pensando

¿Hemos llegado ya?

Pensando

No estamos en casa

Pero mi cuerpo es el camino”

— Poema de Olivia Ingle

Este poema de Olivia Ingle es un ejercicio introspectivo y emocional que explora temas como la identidad, la existencia, la libertad, el movimiento y el sentido de pertenencia. Cada verso es una meditación sobre el flujo constante de energía y percepción dentro de la experiencia humana, utilizando metáforas físicas y emocionales para expresar incertidumbre y auto descubrimiento.

Análisis:

1. “Heart is beating on its own / I’m not doing that”

Aquí se establece una separación entre el individuo consciente y funciones automáticas del cuerpo, como el latido del corazón, insinuando una reflexión sobre el libre albedrío, el control y el subconsciente.

2. “Me? I am / Energy / Running through it”

Este fragmento enfatiza una idea de fluidez y transformación constante, donde el “yo” no es una entidad fija, sino un concepto mutable, una fuerza energética en movimiento.

3. “What if we knew it / Would we do it anyway / Play the game / Without a concrete name”

Estas preguntas introducen un dilema existencial: si tuviéramos plena conciencia de lo efímero de nuestra existencia o de lo abstracto de nuestras identidades, ¿seguiríamos actuando igual? Aquí se juega con conceptos filosóficos de destino, incertidumbre y la identidad sin ataduras.

4. “Legs furiously pumping / Thinking / Are we there yet”

Navegando Nuevas Fronteras:Artistas en el Siglo XXI.

Esta parte utiliza la imagen de movimiento físico, como estar en un viaje, para representar una búsqueda interna.

La frase “Are we there yet?” es una referencia a la inquietud y el deseo de encontrar un propósito, un destino, una comprensión de la realidad.

5. “But my body is the road”

Este verso es una metáfora poderosa: el cuerpo no es un lugar estático, sino el propio camino, la experiencia constante, el proceso de vivir en movimiento y exploración. Sugiere una conexión entre el viaje físico y el emocional, entre el acto de moverse y el auto descubrimiento.

Reflexión general:

El poema aborda el viaje interno del ser humano, explorando temas de identidad, autoconciencia, existencia y el continuo devenir de la mente y el cuerpo. Olivia juega con imágenes de movimiento, caminos y energía para expresar la incertidumbre de la experiencia humana: un proceso de búsqueda, de preguntas sin respuestas definitivas, pero profundamente humano y auténtico.

La combinación de ritmo, metáforas y simbolismos en este poema refleja las complejidades del espíritu humano, donde el camino en sí mismo es tan importante como el destino que se persigue. La idea de que “mi cuerpo es el camino” revela una aceptación de la incertidumbre y la idea de que el proceso es, en última instancia, el propósito.

Bibliografía

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Nadeau, Maurice. Historia del Surrealismo. Buenos Aires: Terramar Ediciones, 2007.

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Cyber Bibliography

Sanginés, Claudia (2024). Navigating New Frontiers: Artists in the 21st Century. Meet Olivia Ingle. Inglish version. figshare. Journal contribution. https://doi.org/10.6084/m9.figshare.26264312.v2

Libros sobre temas relacionados con Olivia Ingle

Blake, William. Poemas y Escritos (Selected Works)

Paz, Octavio. El arco y la lira (1956)

Kandinsky, Wassily. De lo espiritual en el arte (1912)

Gombrich, E.H. La historia del arte (1950)

Klee, Paul. Notas para estudiantes de arte (1953)

Hesse, Rachel. Surrealismo y la exploración del subconsciente (2000)

Navegando Nuevas Fronteras:Artistas en el Siglo XXI.

Libros y ensayos filosóficos para profundizar el contexto

Nietzsche, Friedrich. Así habló Zaratustra (1883-85)

Rilke, Rainer María. Cartas a un joven poeta (1929)

Foucault, Michel. El orden del discurso (1970)

Jung, Carl Gustav. El hombre y sus símbolos (1964)

Referencias sobre la práctica artística y la creación contemporánea

Muniz, Vik. El arte en el tiempo de la incertidumbre (2013)

Bourriaud, Nicolas. Estética Relacional (1998)

Danto, Arthur C. El fin del arte (1996)

Contexto musical (dado el vínculo con The Smiths y el poder de la música en el artículo)

Katz, Mark. Capturing Sound: How Technology Has Changed Music (2004)

Prendergast, Mark. The Smiths: A Visual Documentary (2010)

Nuevo Jerusalén

¿Y hollaron esos pies, antaño, los verdes montes de Inglaterra?

¿Y viose el sacro Cordero de Dios por los pastos ingleses, placenteros?

Resplandeció el divino rostro sobre nuestras colinas nubladas?

¿Y edificose una Jerusalén en medio de esos negros, satánicos molinos?

¡Dadme mi arco de oro ardiente!

¡Dadme mis flechas de deseo!

¡Traed mi lanza! ¡Abríos, oh nubes!

¡Traedme mi carro de llama!

No cejará en mi espíritu la lucha ni ha de dormirse en mi mano la espada, hasta que levantemos otra Jerusalén en el solar verdeante y dulce de Inglaterra.

William Blake

Traducción de Màrie Montand

Pintura de la siguiente página

“Satan Exultando sobre Eva, 1795”

En la página 62 se puede ver la pintura de William Blake, la cual muestra una poderosa representación simbólica de la caída del ser humano. Satanás, en actitud triunfante, se erige sobre Eva, quien parece haber sucumbido a la tentación. La obra refleja la lucha interna entre el bien y el mal, un tema recurrente en el trabajo de Blake. A través de su estilo visionario, el artista captura la fragilidad humana frente a la corrupción del pecado. La imagen está cargada de emoción y simbolismo, reflejando la tensión entre la redención y la condena.

de William Blake

ENTREVISTAS SEGUNDA PARTE

Arte en movimiento: un diálogo perspicaz con Anna Kuyumcuoglu

Anna Kuyumcuoglu tiene una licenciatura en Literatura Inglesa y Arte de Estudio, así como una maestría en Arte Terapia.

Anna Kuyumcuoglu es una psicoterapeuta licenciada y certificada por la junta, con más de 15 años de experiencia brindando atención de salud mental compasiva y efectiva. Su práctica terapéutica está dedicada a crear un espacio seguro y libre de juicios donde los clientes puedan explorar profundamente su verdadero ser y trabajar en sus desafíos emocionales.

Kuyumcuoglu utiliza un enfoque integrativo que combina metodologías basadas en evidencia, como la Terapia CognitivoConductual (CBT), la Terapia Dialéctica Conductual (DBT), la Desensibilización y Reprocesamiento por Movimientos Oculares (EMDR), el Sistema de Familia Interna (IFS) y terapias basadas en el trauma y el apego. Su práctica también incorpora técnicas de mindfulness y psicoterapia somática para abordar una amplia gama de problemas, incluyendo ansiedad, depresión, trauma, duelo, dificultades en las relaciones, crecimiento personal y transiciones importantes en la vida.

A través de un enfoque colaborativo y personalizado, Kuyumcuoglu busca ayudar a los clientes a superar respuestas arraigadas como lucha, huida, congelación y complacencia. Se enfoca en desarrollar nuevas vías neuronales para la autorregulación y fomentar una profunda autoconciencia que propicie cambios duraderos. Su objetivo es empoderar a los clientes para que dejen atrás patrones que limitan, y cultiven una sanación emocional más profunda donde alcancen su máximo potencial.

Al adaptar sus métodos a las necesidades únicas de cada individuo, Anna Kuyumcuoglu apoya a sus clientes en alcanzar la intimidad, la comprensión y los recursos internos necesarios para una vida de empoderamiento y plenitud.

El arte en movimiento: Un diálogo perspicaz con Anna Kuyumcuoglu

Todas las imágenes que se muestran en la entrevista tienen copyrights Anna Kuyumcuoglu.

“El arte que creo proviene de un lugar más profundo, algunos de mi pasado, otros de mis experiencias actuales. Todas estas obras son piezas semiabstractas que he creado a lo largo de los años que viví en Ámsterdam, Estambul, Niza y Nueva York.”

— Anna Kuyumcuoglu

P. Cuéntanos sobre tu biografía brevemente. ¿Cuál es tu profesión actual y dónde la aprendiste? ¿Por qué haces esta profesión?

R. Soy psicoterapeuta licenciada en Nueva York. Me encanta trabajar con personas, conocer nuevas historias y darles herramientas para mejorar su calidad de vida, amor y experiencias.

P. ¿Qué idiomas hablas y escribes? Si eres artista, ¿qué tipo de arte realizas?

R. Hablo neerlandés, inglés y turco. Soy una artista a la que le gusta dibujar imágenes y personas.

“La ciudad de Nueva York es tanto un lienzo como una musa.

Su energía y diversidad se reflejan en las capas de textura y color de mi trabajo.”

Anna Kuyumcuoglu

P. ¿Dónde estudiaste arte?

P. ¿Qué técnicas sigues? ¿Podrías describirlas para nuestros lectores?

R. Estudié en Nueva York.

P. ¿Cómo comenzaste a hacer arte? ¿Qué quieres ofrecer a las personas a través de tu arte?

R. Me gusta expresarme con el arte y capturar lo que desea ser expresado a través de mí. No pienso, sino que proceso sensaciones y sentimientos, y escribo historias sobre ellos. A veces dibujo personas que conozco o que aparecen en el arte y me recuerdan a alguien.

P. ¿Sigues alguna religión?

R. Espiritualidad.

P. ¿Te consideras una persona espiritual? ¿Qué actividades haces para traer luz a tu vida y a la de los demás?

R. En mi trabajo terapéutico, encuentro que mi formación espiritual me ayuda.

P. Cuéntanos sobre tu arte. ¿Cómo es tu día cuando pintas?

R. Me gusta hacer arte durante el día. A veces, al pintar, me siento más conectada.

R. No sigo a nadie ni ninguna técnica; simplemente dejo fluir mi creatividad.

P. ¿Qué es el arte para ti?

R. La vida. Es muy importante para mi bienestar.

P. Observamos que pintas mayormente niñas pequeñas, ¿por qué?

R. También dibujo hombres cuando estoy en una relación :)

P. ¿Cuál es el significado de tu arte?

R. No tiene un significado específico, es solo una expresión del momento. Y el momento cambia, a veces rápido, a veces lento, pero es simplemente una impresión que me muestra cómo son las cosas, quizás.

P. ¿Qué artistas influyen en tu arte?

R. Picasso, Miró…El amor, la vida, las experiencias, las personas.

P. ¿Vendes tu arte? ¿Cuántos tipos de pinturas tienes? ¿Tu arte está en postales, tarjetas, camisetas o solo en pinturas originales?

P. Describe en 5 palabras lo que identifica tu arte.

R. Amor, vida, experiencias, personas.

R. He vendido algunas piezas y he hecho impresiones en camisetas. Ahora uso mi arte como logotipo o en mis facturas, y hago calcomanías con él. También he realizado pinturas originales.

https://www.instagram.com/annakuyumcuoglu/

“El arte es un reflejo de nuestro ser interior y nuestras experiencias. Cada obra es una narrativa personal, una parte de quienes somos y de lo que vivimos.”

Todas las imágenes que se muestran en la entrevista tienen copyrights Anna Kuyumcuoglu.

ANNA KUYUMCUOGLU

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“Romper los límites de las técnicas tradicionales es esencial para el crecimiento. Me esfuerzo por combinar lo antiguo con lo nuevo, creando algo que se sienta tanto familiar como completamente innovador.”

Todas las imágenes que se muestran en la entrevista tienen copyrights Anna Kuyumcuoglu.

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Canto del reír

Cuando los verdes bosques ríen con la voz del júbilo, y el arroyo encrespado se desplaza riendo; cuando ríe el aire con nuestras divertidas ocurrencias, y la verde colina ríe del estrépito que hacemos; cuando los prados ríen con vívidos verdes, y ríe la langosta ante la escena gozosa; cuando Mary y Susan y Emily cantan «¡ja, ja, ji!» con sus dulces bocas redondas.

Cuando los pájaros pintados ríen en la sombra donde nuestra mesa desborda de cerezas y nueces, acercaos y alegraos, y uníos a mí, para cantar en dulce coro el «¡ja, ja, ji!»

William Blake

Traducción de Antonio Restrepo

TERCERA PARTE

EVENTOS Y NOTICIAS

A continuación, se presenta un resumen de eventos culturales destacados programados entre enero y marzo de 2025, tanto en México como en el ámbito internacional:

México

Musical “Malinche” en Ciudad de México: El reconocido musical de Nacho

Cano, “Malinche”, llegará al Frontón México el 28 de marzo de 2025. La obra, que celebra la identidad mexicana a través de la fusión de culturas indígenas y españolas, contará con más de 50 actores en escena y música en vivo.

Tercer Encuentro Internacional de Escuelas de Danza Clásica: El Centro Nacional de las Artes (CENART) en Ciudad de México albergará este encuentro el 28 de enero de 2025, reuniendo a destacadas escuelas de danza clásica de diversos países.

Carrera de las Artes: También en CENART, el 23 de febrero de 2025 se llevará a cabo la Carrera de las Artes, un evento que combina actividad física con expresiones artísticas, promoviendo la cultura y el deporte.

Internacional

Exposición “Gabinete en disolución” en Lanzarote, España: El Museo Internacional de Arte Contemporáneo de Lanzarote presenta esta muestra comisariada por Gilberto González, desde el 18 de diciembre de 2024 hasta el 9 de marzo de 2025, como parte de la 12ª Bienal Lanzarote. La exposición explora la relación entre cuerpos y formas, inspirada en las fotografías de César Moro.

Conciertos de Jhayco en España: El artista puertorriqueño Jhayco ofrecerá conciertos en Barcelona y Madrid los días 16 y 18 de marzo de 2025, respectivamente, presentando su álbum “Le Clique: Vida Rockstar (X)”.

Carnaval de Basilea, Suiza: Del 10 al 12 de marzo de 2025, se celebrará el tradicional Carnaval de Basilea, reconocido por su riqueza cultural y colorido, atrayendo a visitantes de todo el mundo.

Exposición “Kosmos Kandinsky” en Berlín y Potsdam, Alemania: Del 8 de febrero al 10 de mayo de 2025, el Museo Barberini presentará una exposición dedicada a Wassily Kandinsky, explorando su influencia en el arte moderno.

Exposición “Euforia, el arte está en el aire” en París, Francia: Del 6 de junio al 31 de agosto de 2025, el Grand Palais acogerá esta muestra de instalaciones hinchables e interactivas creadas por artistas contemporáneos internacionales, explorando el tema del aire.

Béisbol: Homerun de Estados Unidos

Abril 9, 2022 – Enero 5, 2025

Museo Postal Nacional

Museo Postal Nacional de Smithsonian.

El Museo Postal Nacional presenta una exposición de gran éxito que explora el pasatiempo nacional de Estados Unidos. La exhibición, presentada en inglés y español a través de una colaboración con el Centro Latino Smithsonian, tendrá un gran atractivo para los coleccionistas de sellos postales y recuerdos, audiencias familiares y fanáticos acérrimos.

CURSOS DE ARTE ENERO MARZO

2025 CDMX

Casa Lamm | Centro de Cultura

Ofrece una variedad de cursos y talleres en línea y presenciales, incluyendo:

Taller de Creación Literaria: El Oficio del Escritor

Diplomado en Mercado del Arte y Valuación de Obras de Arte

Historia del Arte Universal. Temas Selectos Religiones Comparadas

Inteligencia Artificial Generativa para Humanidades

Inicio: Febrero de 2025. Modalidad: Presencial y en línea.

Más información: [Casa Lamm](https://www.casalamm.com.mx/)

Endorphine Art School

Ofrece el siguiente curso:

Curso de Acuarela Académico 1 (Básico)

Fechas: 7 de enero al 1 de marzo de 2025. Horario: 11:00 a 14:00 horas. Modalidad: Presencial.

Más información: [Endorphine Art School](https://endorphine-art.com/ calendario/)

Casa del Lago UNAM

Ofrece cursos y talleres en diversas disciplinas artísticas. Inscripciones: del 4 al 8 y del 11 al 15 de enero de 2025. Modalidad: Presencial o virtual.

Más información: [Casa del Lago UNAM](https://casadellago.unam. mx/nuevo/cursos-y-talleres/inscripciones)

Centro Cultural Helénico

Ofrece una variedad de talleres y cursos en artes escénicas y plásticas.

Fechas y modalidades: Por confirmar.

Más información: [Centro Cultural Helénico](https://helenico.gob.mx/)

Nave Atelier

Ofrece clases y talleres de artes plásticas para jóvenes y adultos, incluyendo pintura, dibujo, grabado y cerámica.

Fechas y modalidades: Por confirmar.

Más información: [Nave Atelier](https://naveatelier.art/)

Para obtener información actualizada sobre fechas, horarios y modalidades de inscripción, se recomienda contactar directamente con las instituciones mencionadas o visitar sus sitios web oficiales.

TALLERES Y CURSOS DE ALASART. ART AND TIME

Taller De Sanación con Chakras Canales Energéticos Del Cuerpo y Mandalas.

(Mínimo Para 6 Personas Máximo 15 Personas)

TEMAS A REVISARSE

• Se trabajan con los 7 chakras del sistema corporal se conocen sus similitudes en el lenguaje occidental y oriental y se verán los colores que ayudan a cada uno de ellos, gemas y mandalas que pueden ayudar a curar y sanar dichos chakras. Enfermedades relacionadas con este chakra.

• La familia y la estructura masculina de la vida primer chakra. Glándulas relacionadas, ejercicios y formas de ayudar a desbloquear este chakra. Enfermedades relacionadas con el chakra.

• La Energía creativa, sexualidad y formas femeninas segundo chakra. Glándulas relacionadas, ejercicios y formas de ayudar a desbloquear este chakra. Enfermedades relacionadas con el chakra.

• La disciplina, el éxito y los fracasos, cuestiones y enfermedades relacionadas. Mandalas que equilibran. Ejercicios y formas de trabajar con dicho chakra. Gemas, colores y mantras.

• El corazón y su expresión en la forma cotidiana. Amor a los seres. La compasión. Colores, sanación de enfermedades relacionadas, mandalas que ayudan a equilibrar, mantras y otros. Equivalencias en occidente.

• La comunicación y las formas de transmitir un mensaje. Formas de trabajar con este chakra. Colores, ejercicios. Enfermedades y formas de posible curación.

• La cuestiones sobrenaturales, fantasmas, entidades invisibles, energías y otras percepciones. Trabajo con el equilibrio de esta zona del cuerpo. Glándulas que se relacionan y mandalas que le ayudan. Colores y formas que pueden ayudar.

• Los pensamientos. Equilibrio, apertura hacia algo superior al hombre. Fé. Creación de mandalas dirigidos hacia este punto. Relaciones con occidente y oriente. Ejercicios que tienen que ver con el Chakrá.

Taller Introductorio A Mandalas

TEMAS A REVISARSE:

» Los diferentes significados que tienes los mandalas en las culturas de occidente y orientales.

» La creación de la mente creativa por medio de los mandalas

» La generación de ideas y formas lógicas para mejorar la organización de la vida diaria.

» La ayuda del mandala en cuestiones psicológicas, motrices y emocionales.

» Los tipos de mandalas.

» Las formas que se encuentran sus significados.

» Los colores y el significado.

» Creación de diferentes tipos de mandalas.

POSIBLES DIAS A ESCOGER:

LUNES O VIERNES

HORARIOS A ESCOGER DE DE 2 HORAS O 1 HORA CADA DIA 10 A 12 PM CURSO EN ZOOM.

DONACIÓN DE 100 PESOS POR HORA.

DONACIÓN POR TODO EL CURSO DE 500 PESOS.

DONACIÓN SI INVITAS A 3 AMIGOS 250 PESOS.

8 horas de taller.

Lista completa

1. Taller introductorio a mandalas. 8 Horas

2. Taller de chakras canales energéticos

Del cuerpo con mandalas. 27 Horas

3. Taller de círculos de sanación. 12 Horas.

4. Taller de sanación de energía sexual para mujeres. 12 Horas

5. Curso de historia del arte.

6. Curso de historia del arte maya.

7. Iconografía de las deidades mayas. 5 Horas

8. Iconografía cristiana. 4 Horas

9. Curso para instructores de mandalas.

40 Horas

10. Numerología. 4 Horas

11. Temas abiertos de historia del arte a elección del alumno.

CONSULTORIAS ESPECIALES.

Revista Arte y Tiempo No. 3 Enero 2025

ARTE Y TIEMPO

Créditos Editoriales de la Revista Arte & Tiempo

PRIMERA PARTE ARTICULOS DIFUSIÓN

SEGUNDA PARTE ENTREVISTA

TERCERA PARTE DIFUSIÓN

PRIMERA PARTE

ARTICULOS DE DIFUSIÓN

CONCLUSIONES

BIBLIOGRAFÍA

Navegando Nuevas Fronteras:

Artistas en el Siglo XXI.

Conoce a Olivia Ingle

La Evolución Artística de Olivia Ingle

Explorando su Arte Figurativo y Surrealista

La Poesía De Olivia Ingle

Bibliografía

Cyber Bibliography

Libros sobre temas relacionados con Olivia Ingle

ENTREVISTAS SEGUNDA PARTE

Arte en movimiento: un diálogo perspicaz con Anna Kuyumcuoglu

ANNA KUYUMCUOGLU

Canto del reír

TERCERA PARTE

EVENTOS Y NOTICIAS

CURSOS DE ARTE ENERO MARZO

2025 CDMX

Casa Lamm | Centro de Cultura

Endorphine Art School

Casa del Lago UNAM

Centro Cultural Helénico

TALLERES Y CURSOS DE ALASART. ART AND TIME

Taller De Sanación con Chakras Canales Energéticos Del Cuerpo y Mandalas.

Taller Introductorio A Mandalas

Lista completa

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