Conoce las mejores marcas sobre arte
Índice
Directorio
Lápiz
4
Lápiz de Color
10
Acuarela
19
Plumón
26
Tinta China
34
Pintura Acrílica
38
El aerógrafo
42
Alejandra Jezabel Díaz Rodríguez DIRECTORA EDITORIAL Alejandra Jezabel Díaz Rodríguez DISEÑADORA.
Ale Díaz
La p í z Un lápiz o lapicero es un instrumento de escritura o de dibujo. Consiste en una mina o barrita de pigmento (generalmente de grafito y una grasa o arcilla especial, pero puede también ser pigmento coloreado de carbón de leña) y encapsulado generalmente en un cilindro de madera fino, aunque las envolturas de papel y plásticas también se utilizan. Piedra de grafito. Muy poco antes de 1665 (algunas fuentes dicen 1600), un depósito enorme de grafito fue descubierto en Seathwaite Fell, cerca de Borrowdale, Cumbria, Inglaterra.1 Los lugareños descubrieron que era muy útil para marcar ovejas. Este depósito particular de grafito era extremadamente puro y sólido, y podría ser fácilmente aserrado en barritas. Éste era y sigue siendo el único depósito de gran escala de grafito encontrado en esta forma sólida.2 La quími-
ca estaba en su infancia y los químicos de la época consideraron, equivocadamente, que esa sustancia era probablemente una forma de plomo; por lo tanto, el grafito recibió el nombre de plumbago (relacionado conplumbum, «plomo» en latín). Incluso en la actualidad la mina de un lápiz se denomina lead (plomo) en inglés, a pesar de que no contiene plomo. En realidad, el grafito de una mina de lápiz no es venenoso; el grafito es inofensivo si se consume.3 El valor del grafito pronto pasó a ser enorme, principalmente porque podría ser utilizado para alinear los moldes para las bolas de cañón, y el control de las minas fue asumido y resguardado por la Corona británica. El grafito, al ser blando, requiere un tipo de casco o cubierta. Las minas de grafito, al principio, se envolvían en cordeles o en el cuero deoveja para darles estabilidad. La fama de la utilidad de estos primeros lápices se extendió, atrayendo la atención
Graduación y clasificación de artistas por todo el “mundo conocido”. Aunque se encontraron depósitos de grafito en otras partes del mundo, no poseían la misma pureza y calidad que los de Borrowdale, y el grafito tuvo que ser reducido a polvo para eliminar impurezas. Inglaterra continuó disfrutando de un monopolio en la producción de lápices hasta que se encontró un método de reconstituir el polvo del grafito. Los lápices cuadrados distintivos ingleses continúan haciéndose con barritas cortadas de grafito natural desde 1860. Hoy, la ciudad de Keswick, cercana a la zona del hallazgo original del bloque de grafito, tiene un museo del lápiz. La primera tentativa de fabricar las minas con grafito pulverizado se llevó a cabo en Núremberg, Alemania, en 1662. Se utilizó una mezcla de grafito, azufre, y antimonio.
Representación circular de los valores del lápiz según su Petroski, este sistema se habría desarrollado a principios dureza (9H-9B). del siglo XX por Brookman, fabricante inglés de lápices. Utilizó la "B" para el negro y la "H" para la dureza; el grado Dos lápices HB. Uno de graduación n.º 2, y otro n.º 2 1/2. de un lápiz se describió por una secuencia de H sucesivas y Muchos lápices en el mundo, y casi todos en Europa, se B sucesivas, tal como BB o BBB para minas cada vez más clasifican con el sistema europeo que usa una graduación suaves, y HH o HHH para minas cada vez más duras. continua descrita por H (para la dureza; del inglés Hard = Hoy en día, el sistema de clasificación de lápices se extiende ‘duro’) y B (para el grado de oscuridad; del inglés Black = desde muy duro con trazo fino y claro, hasta blando de trazo ‘negro’), así como F (para el grado de finura; del inglés Fine = grueso y oscuro, abarcando desde el más duro al más blando, ‘fino’). El lápiz estándar para escritura es el HB. Según como se ve en la siguiente tabla:
Para
iniciarse
en
esta
técnica
se
necesita: desea obtener.
Carboncillo. El tamaño más versátil es el mediano, que sirve tanto para realizar los detalles como para hacer los fondos; no obstante, los finos pueden utilizarse para trabajar en zonas pequeñas y los gruesos para cubrir grandes zonas en poco tiempo.
Lápiz Conté negro. Conocido también como crayon Conté, está formado por una mina de carbón vegetal y sustancias aglutinantes protegidas por la madera del lápiz. Puede usarse para dar mayor contraste al dibujo.
Paño de algodón. Para corregir trazos nunDifumino. Es necesario para suavizar los tra- ca debe de usarse una goma de borrar corriente, sino zos del carbón e integrarlos con el resto del dibu- un trapito de algodón, ya que si no, pueden dejarse marjo; su extremo en forma de punta llega a zonas cas de grasa sobre el dibujo imposibles de eliminar. donde la yema del dedo sería demasiado imprecisa. Esponja. También es útil para difuminar. Goma de carboncillo modelable. Se Papel. Si se utiliza papel de color puede ser conveniente disle puede dar forma y ajustar lo más posible al trazo que se poner de una tiza blanca para resaltar las luces del dibujo.
Franco Clun
INICIO
Los detalles son la clave para aportar realismo, también es muy importante la paciencia, centrando la tarea sobre pequeñas áreas y trabajandola hasta lograr el maximo realismo, para luego sí pasar a otra area, en una técnica que yo misma desarrollé.
Franco Clun, es un talentoso artista autodidacta con sede en Italia, quien nos sorprende con sus increíbles dibujos hiperrealistas a lápiz. Durante mucho tiempo Franco se dedicó a otro tipo de cosas, pero fue hace tres años que volvió a una de sus pasiones, dibujar. Según él, no tuvo la fortuna de estudiar arte, y todo lo que sabe lo ha aprendido acumulando experiencia y leyendo algunos manuales de dibujo. Una muestra más de que la práctica hace al maestro.
Lapíz de Color La mayoría de los lápices fabricados en los Estados Unidos están pintados exteriormente de amarillo. Según Henry Petroski, esta tradición comenzó en 1890 cuando la L&C Hardtmuth Company de Austria-Hungría introdujo su marca de fábrica «Koh-I-Noor», tomando su nombre del famoso diamante. La intencionalidad era convertirse en el mejor y más costoso lápiz del mundo y, en un momento en que la mayoría de los lápices eran pintados en colores oscuros o ni siquiera se pintaban, los de Koh-I-Noor eran amarillos para distinguirse. El color se pudo haber inspirado por la bandera austrohúngara; era también sugestivo del Oriente, en un momento en que el grafito de la mejor calidad venía de Siberia. Otras compañías copiaron
el color amarillo de modo que sus lápices fueran asociados a esta marca de fábrica de alta calidad, y eligieron marcas de fábrica con referencias orientales explícitas, tales como Mikado (retitulado Mirado) y Mongol. No todos los países utilizaron el amarillo en sus lápices; los lápices alemanes, por ejemplo, son a menudo verdes, basados en los colores de la marca registrada de Faber-Castell, una importante compañía alemana fabricante de artículos de escritorio. Los lápices de color (es decir, aquellos con mina de color) generalmente están pintados exteriormente del mismo color que la mina.
Tipos de lápiz según su material de fabricación Lápices de grafito
Éstos son los tipos más comunes de lápices. Se hacen de una mezcla de arcilla y grafito y su oscuridad varía de gris claro a negro. Su composición permite trazos más lisos.
Lápices de carbón de leña
Se hacen del carbón de leña y proporcionan negros más llenos que los lápices del grafito, pero tienden a manchar fácilmente y son más abrasivos que el grafito. Los lápices en tono sepia y blancos están también disponibles para la técnica duotone.
Lápices de crayón
Conocidos comúnmente como lápices coloreados, éstos tienen centro de cera con el pigmento y otros aditivos. Múltiples colores se mezclan a menudo juntos. La variedad de un set de lápices de crayón se puede determinar por el número de colores únicos que contiene.
Lápices de grasa
También conocidos como marcadores de China. Escriben virtualmente en cualquier superficie (incluyendo vidrio, plástico, metal y fotografías).
Lápices de Acuarela.
Éstos se diseñan para el uso con técnicas de acuarela. Los lápices se pueden utilizar solos para las líneas agudas y en negrilla. Los trazos hechos por el lápiz se pueden también saturar con agua y extender con pinceles.
Dos lápices de madera, los sustituyó lentamente. dos lápices de carbón y dos lápices de grasa. Lápices de color borrable Contrario a los lápices de color Lápices de carpintería a base de cera éstos pueden Estos lápices tienen dos ser borrados fácilmente. características principales: su Se usa principalmente en forma ovalada les evita rodar bosquejos, donde el objetivo y su mina es fuerte. El lápiz es crear un esquema usando más viejo que subsiste es un el mismo color que otros lápiz de carpintería alemán medios (tales como lápices de que data a del siglo XVII y cera, o pinturas de acuarela) ahora está en la colección de llenarían, o cuando el objetivo Faber-Castell y Lyra Industrial. es explorar el bosquejo del color. Lápices de copiado
Estos son lápices de grafito con un tinte agregado que crea una marca indeleble. Fueron inventados a fines del siglo XIX para la imprenta de la prensa y como un substituto práctico para las plumas. Sus marcas son a menudo visualmente indistinguibles de las de los lápices estándar del grafito, pero cuando están humedecidas sus marcas se disuelven a una tinta coloreada, que luego se imprime a otra pieza de papel. Se utilizó hasta comienzos del siglo XX, en que el bolígrafo
Algunos animadores prefieren lápices borrables de color a los lápices del grafito porque estos no manchan fácilmente, y los diversos colores permiten una mejor separación de objetos en el bosquejo. Copioeditores los encuentran útiles también, pues sus marcas se destacan más que el grafito pero pueden ser borradas. No reproducibles O los Non-photo lápices azules hacen marcas que no son reproducidas por las fotocopiadoras (Sanford’s Copy-not o Staedtler’
Mars Non-photo) o por las copiadoras whiteprint (Staedtler’ s Mars Non-Print). Lápiz de estenógrafo
Se espera que estos lápices sean muy confiables, y su mina es a prueba de roturas. Los lápices del estenógrafo se afilan a veces en ambos extremos Lápiz de golf.
Los lápices de golf son generalmente cortos (una longitud común es los 9 cm) y muy baratos. También se conocen como lápices de biblioteca, ya que muchas bibliotecas los ofrecen como instrumentos de escritura desechables e inderramables.
Eduardo Relero
Sus obras, creadas para que el público interactúe con ellas, han recorrido el mundo; desde Nueva York a Roma, pasando por Mexico y Tokio.
Luego de aventurarse en distintas carreras Universitarias que abandonaba con naturalidad, todas maduradas al 3er año, decidió explorar la clandestinidad de la noche para manchar paredes. Por aquel entonces desconocía la cultura del graffiti, pero dibujar era algo instintivo; se trataba de ser incisivo, burlón y descarado.
INICIO En 1990 se trasladó a Roma, donde inquieto y atraído por lo que amaba, se encontró con sus ídolos de infancia : las láminas de aquellos libros de Arte de la biblioteca de su casa, pero estaban vivas !, las obras de Tintoretto, Caravaggio, Veronesse.. le hirieron para siempre.. Se acercó a los pintores callejeros de Roma, los madonnari, conformando aquel grupo de amigos pintores cuya forma de vida al menos se parecía a lo que una vez se llamó vida de artista . Siempre ha sentido cierto descontento por los canales culturales oficiales, por su estética, normalmente extraviada y vacía, y su interés por el arte urbano fue creciendo durante su periplo italiano.
decidió mudarse a España. Tras retomar durante un tiempo formatos más tradicionales, pronto surgió la oportunidad de beneficiarse de ciertos conocimientos adquiridos durante su etapa de formación académica.
Así comenzó su relación con la anamorfosis, una técnica utilizada para esconder o bien dirigir muy específicamente la atención sobre algo. El observador es forzado mediante una ilusión óptica a entender su forma para así poder descifrar un mensaje. Estos experimentos se convirtieron entonces en una forma de ilustrar una condición del existir o una situación social, procurando así dar a su trabajo un sentido Aquel período de aventuras y narrativo y no solo un efecto visual. estudios llegó a su fin y en 1996
Acuarela. La acuarela (palabra que proviene del italiano acquarella) es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. También es el nombre de la técnica empleada en este tipo de pintura, y de los colores con los que se realiza. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr
mayor brillo y soltura en la composición que se está realizando. En Japón, la acuarela ejecutada con tinta es denominada Sumi-e. En la pintura china, coreana y japonesa ha sido un medio pictórico dominante, realizado frecuentemente en tonalidades monocromáticas negras o sepia.
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Acuarela Técnica Soporte Referencias Bibliografía Enlaces externos
Acuarela, etimológicamente, deriva del latín “aqua” y el diccionario nos lo define como “pintura realizada con colores diluidos en agua y que, emplea como blanco, el color del papel” o “colores con los que se realiza la pintura”. El agua es el medio por el cual se transmite al papel la cualidad y calidad del color de los distintos pigmentos diluidos en este medio, aglutinados con otras sustancias como por ejemplo goma del Senegal, goma arábiga o tragacento, a lo que, los muy puristas, añaden otros componentes como glicerina, miel, hiel de vaca, un agente conservador como puede ser el fenol o el ortofenilfenato de sodio ... A estas disoluciones se les denomina tintas y los baños con los que bañamos el papel usando el pincel u otro medio, se le llama aguadas. Los colores de acuarelas se forman con un compuesto de pigmentos secos, en polvo, mezclados con goma arábica y solubles en agua. En la práctica, los colores ya preparados se disuelven, en el mejor de los casos, en agua destilada y se aplican al papel por medio de un pincel.
La característica principal de los trabajos en acuarela es la transparencia que producen estos pigmentos diluidos, lo que hace también que la técnica sea difícil, como difícil resulta la tarea de corregir o disimular algún error que, en el periodo de ejecución se produzca, aunque siempre existe algunas posibilidades que brinda el conocimiento y comportamiento de la acuarela, lo que unos denominan trucos o recursos. Desde finales del siglo XIX, la pintura “a la acuarela” ha gozado de gran popularidad, siendo esta popularidad, la causante de cierto desprestigio ya que, el termino pintar “a la acuarela” se asociaba, automáticamente, a ciertos estratos de la sociedad que gozaba de una posición económica desahogada y que convertía, su afición por la pintura, en un pasatiempo ameno, usando las acuarelas como medio de expresión, ejecutando una y otra vez paisajes bucólicos, delicados, usando y abusando de los tonos pastel. A pesar de todo, los artistas han seguido utilizando la acuarela de forma creativa y aplicándola a los temas más diversos.
.El agua es la protagonista de la acuarela y la causante de la excepcional transparencia y luminosidad que la caracterizan, imposibles de conseguir casi con ningún otro medio. En su utilización interviene el agua junto a una pequeña cantidad de pigmento que, una vez evaporada el agua, queda depositado en una capa tan diáfana que permite que el color blanco del papel quede a la vista bajo la pintura, proporcionando esta cualidad de transparencia propia de una buena acuarela. Todavía existen detractores de la acuarela, que la tachan de ser una técnica de “segunda”, apoyándose en argumentos como la inestabilidad del color. La transformación que experimentan las obras ejecutadas con esta técnica es la de presentar un aspecto muy vivo, cuando están húmedas y apagadas, atenuadas, claras una vez la obra seca. Esta transformación de aclarado que, evidentemente cambia el aspecto de la obra final, puede llegar, aproximadamente, a un 50% dependiendo de la cantidad de color con las que hayas cargado el pincel al ejecutar las aguadas. Por esto hay que tener en cuenta este proceso, a fin de conseguir el aspecto final lo más próximo a tu percepción.
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Dany Lizeth Es una talentosa y creativa mexicana de 17 años que realiza dibujos con acuarelas y lápices de colores de forma experta, detallados y con precioso colorido, normalmente mostrando animales y personas. Más impresionante aún que semejante talento a tan corta edad, es el hecho de que es autodidacta, aprendió ella sola a dibujar tan bien. Esta artista en desarrollo comenzará a vender impresiones de sus obras en pocas semanas, así que ya tardas en seguirla en Instagram y Facebook para no perderte ninguno de sus dibujos.
Plumón. Un rotulador, marcador o plumón es un instrumento de escritura, parecido al bolígrafo, que contiene su propia tinta y su uso principal es escribir en superficies distintas al papel. En varios países de Latinoamérica se conoce como “plumón”. La punta del rotulador suele estar hecha de un material poroso, como el fieltro. Es posible, aunque raro, que tenga una punta de material no poroso. La empresa Pilot creó en 2005 un bolígrafo con tinta permanente llamado Permaball.
vegetal el cual es utilizado para aplicar la tecnica de los rotuladores. Las tintas de los marcadores pueden presentar una muy amplia gama de colores. La invención del rotulador de punta acrílica fue comercializado en 1963, por la Sociedad japonesa Pentel.
El rotulador fue creado en 1962 por el japonés Yukio Horie. En los años 1980 se introdujeron los primeros rotuladores de seguridad, con una tinta invisible pero fluorescente. Con esta tinta se puede marcar objetos de valor, y en caso de un robo, descubrir estas señales con una luz ultra violeta.
A partir de 1985, la Sociedad francesa Reynolds comercializó el bolígrafo y el rotulador antifraude, que contiene tinta de seguridad, muy resistente a ser borrada. Era destinada especialmente al uso de banqueros y negociantes, para evitar la falsificación de documentación y cheques. Existen dos tipos de rotuladores los permanentes y no premanentes.
El papel de la imagen se llama papel
La misma Sociedad Pentel, en 1973 inventó el primer rotulador a bolita: el “Ball Pentel”, y en 1981 presentó en el mercado un rotulador de punta cerámica: el ceramicrón.
Ro t u l a d o r n o Pe r m a n e n t e Los rotuladores no permanentes suelen ser usados en superficies donde no es necesario que las marcas duren mucho tiempo, o que si fuese así sería inconveniente para ese material como en las transparencias o las pizarras blancas. Estos rotuladores son generalmente utilizados en superficies no porosas, donde la tinta se adhiere a esta superficie sin ser absorbida. Borra sobre tableros porcenalizados sin manchar. también puede traer alucinantes
Ro t u l a d o r P e r m a n e n t e El rotulador permanente o indeleble es utilizado cuando se desea que lo dibujado resista en el tiempo. La tinta suele ser resistente al agua, contiene sustancias químicas tóxicas como xileno o tolueno, y tiene la capacidad de escribir en una variedad de superficies, desde papel a metal o roca. Los rotuladores indelebles son comúnmente usados para marcar CD y DVD, aunque está práctica ha sido desalentada porque se cree que el xileno y el tolueno dañan los discos. Existen otros rotuladores sin estos elementos, basados en el alcohol o agua que son más seguros.
Acetaldehido
Acetaldehido. Es un gran pintor expresionista, aquí presento algunas de sus obras que le he robado por dejárselas en mi ordenador.
. La
técnica del rotulador es genial para crear ideas rápidas que se colorean con su tinta líquida. Permite mucho dibujo y una rápida forma de colorear. Si además se le pone trabajo, el resultado puede ser muy espectacular. El rotulador es muy expresivo porque se basa en la línea como elemento gráfico principal y además puede aportar direcciones, ritmos, puntos, texturas, masas de color, tachaduras, frotados, mezclas de color entre los colores en el propio papel, etc. Y si además se mezcla con dibujo, pinturas de otro tipo e incluso collage (papeles o fotos pegados), aumenta su riqueza, su mensaje y expresión.
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Ti n t a C h i n a La tinta china está formada por partículas de carbón, proveniente de la cocción de ramas de árboles no resinosos, muy trituradas, o bien de la combustión de aceites vegetales (hidrocarburos) que forma el pigmento negro, que se dispersa en el agua y con un aglutinante de proteíca, la gelatina, que mantiene las partículas en suspensión. Tradicionalmente, la tinta realizada con cola de los cuernos de cervatillo era la de más alta cualidad debido a su pureza. La tinta líquida antiguamente solía ser usada a partir de
barras
sólidas.
Las barras, pastillas rectangulares, circulares o con forma de canoa, eran frotadas por una piedra rugosa especialmente diseñada para tal efecto llamada en japonés suzuri. Estas piedras, de diversas formas y aspectos, tienen todas en común que están compuestas de un material rugoso y constan de una cavidad para la tinta. Generalmente, las piedras de origen chino tienen forma cóncava con la parte central más baja, y las japonesas suelen
ser de
mayormente planas con uno los extremos hacia abajo.
Sobre estas piedras se vierte un poco de agua y sobre éstas se muele la pastilla, deshaciendo poco a poco la tinta, que va mezclándose con el agua que se acumula en la cavidad de la piedra. Este proceso puede continuarse hasta que la tinta adquiera la densidad requerida para su uso, por lo que generalmente suele durar unos minutos. La tinta líquida ya preparada se seca con facilidad, y es conveniente no dejar que se seque sobre dicha piedra o sobre el pincel. Actualmente es habitual el uso de frascos de tinta china ya preparada, muy densa, que puede usarse directamente o disolver con un poco de agua. La naturaleza compositiva de la tinta china es bastante estable químicamente, aunque es frecuente que las obras realizadas con dicha técnica sean susceptibles al desprendimiento de partículas de carbón con el roce. Se debe mencionar que la tinta china no empalidece o desaparece con la exposición prolongada a la luz como hacen las tintas occidentales.
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Zheng Chongbin Oche se inauguró en Madrid, es una exposición de obras pop-up de tinta contemporánea, organizada por Adriana Sainz de Vicuña, en colaboración con Maite Coloma y Sophie Gravier de Poligono Gallery Marbella. Una muestra única de obras de los artistas Qin Feng, Liang Quan, Wei Ligang, Zheng Chongbin y Lan Zhenghui. Centrada en exploraciones contemporáneas de la técnica de la tinta china, el nexo de unión de las obras es la estética de la abstracción. Desde la perspectiva de la historia del arte occidental, la ausencia de realismo y la presencia de lavados de tinta y pinceladas gestuales recuerdan inmediatamente al expresionismo alemán inspirado por Wassily Kandinsky y la abstracción innovadora de Jackson Pollock. Sin embargo, las sutiles diferencias técnicas e influencias de los artistas presentes en esta exposición muestran la rica y vibrante tradición de la tinta china contemporánea, la cual ha evolucionado de manera continuada durante siglos.
Pintura Acrílica. La pintura acrílica es una clase de pintura que contiene un material plastificado, pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico. Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue desarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos “Látex” es la denominación común de los polímeros obtenidos mediante polimerización en emulsión, y son dispersiones coloidales de partículas muy pequeñas de polímero en un medio continuo. Los látex pueden ser aplicados en la fabricación de pinturas de arquitectura, pero también en adhesivos para madera (cola vinílica), pinturas para papel, aditivos para cemento
y hormigón, y últimamente desde hace unos años en modificadores de reología. Habitualmente los látex producidos son base agua, que son los normalmente conocidos con ese nombre, si la fase continua es orgánica hablamos de un látex inverso. Se pueden obtener látex con diferentes monómeros o con mezclas de monómeros (Copolímeros). Como ejemplo de látex formados por un homopolímero se tiene el de acetato de polivinilo o PVA, el cual es uno de los materiales más antiguamente utilizado en la formulación de pinturas. Un ejemplo de látex obtenidos mediante el uso de dos o más monómeros es el de los látex acrílicos (copolímeros del PVA con poliacrilatos) los cuales se utilizan en una gran variedad de formulaciones de pinturas, recubrimientos y adhesivos. El tamaño de partícula de las emulsiones más habituales es de 501000 nm (PM mayor a 100.000).
Algunas de las técnicas que se pueden • Trapeado: esta técnica consiste en la emplear con este tipo de pintura son: aplicación de la pintura acrílica con una brocha bien cargada, para luego extenderla con un • Aguada: Es pintura acrílica diluida trapo arrugado. con agua, la cual da un acabado translúcido y poco consistente, con un efecto lavado. • Marmolado: esta técnica es una imitación Se aplica una mano de pintura satinada del del mármol, es difícil de realizar, pero el resultado mismo color de la aguada, se deja secar. La lo vale. Se aplica pintura acrílica base de un color aguada se prepara diluyendo en partes iguales liso. Luego se pasa un trapo para esfumar la pinpintura acrílica y agua. La aguada se aplica tura. Con un pincel fino, se dibujan líneas irregucon una brocha ancha y de forma despareja. lares como las vetas del mármol. Las líneas se difuminan con una brocha luego de pintadas. • Esponjado: se aplica la pintura acrílica con esponja, dando golpecitos suaves sobre la super- • Craquelado: es una técnica de agrificie. Esta técnica da un aspecto rugoso. La pin- etado desparejo. Se obtiene aplicando una tura acrílica para el esponjado debe estar un poco mezcla de polvo de tiza con pintura acrílica. diluida. Para la aplicación, se moja la esponja en pintura y se escurre el exceso antes de aplicar.
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Jackson Pollock Paul Jackson Pollock (Cody, Wyoming, 28 de enero de 1912-Springs, Nueva York, 11 de agosto de 1956), más conocido como Jackson Pollock, fue un influyente pintor estadounidense y una importante figura en el movimiento del expresionismo abstracto. Era reconocido por su estilo único de salpicar pintura. Durante su vida, Pollock tuvo fama y mucha notoriedad es uno de los artistas principales de su generación. Pollock era una persona aislada y con una personalidad volátil, tenía problemas de alcoholismo, los cuales enfrentaba día a día durante toda su vida. En 1945, se casó con la artista americana Lee Krasner, quien se convirtió en una influencia importante en su carrera y legado.
Pollock murió a la edad de 44 años en un accidente automovilístico debido a que conducía en estado de ebriedad. En diciembre de 1956, meses después de su muerte, Pollock fue conmemorado con una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). En 1967 se montó una exhibición más completa y larga de sus trabajos en el mismo lugar. En 1998 y 1999, su trabajo fue laureado con una retrospectiva a gran escala en el MoMA de Nueva York y en el Tate Modern de Londres. En el año 2000 un filme basado en la vida de Jackson Pollock, Pollock, dirigido y protagonizado por Ed Harris, ganó un premio de la Academia.
Pollock fue introducido al uso de pintura líquida en 1936 en un seminario experimental impartido por el muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. El artista utilizó la técnica de verter pintura como una de varias en sus lienzos de principios de 1940 como Macho y Hembra y Composición Vertida I. Después de mudarse a Springs, comenzó a pintar con los lienzos recostados en el suelo del estudio y desarrolló su técnica de salpicar pintura. Comenzó a utilizar pinturas con base en una novedosa resina sintética llamada barniz alkyd. Pollock describía estas pinturas como más que una simple herramienta de trabajo, “un resultado natural salido de una necesidad”. Él utilizaba pinceles endurecidos, varas, y jeringas para aplicar la pintura. La técnica de Pollock de verter y salpicar pintura es reconocida como uno de los orígenes del action painting (pintura de acción). Una posible influencia en el trabajo de Pollock era el trabajo de la artista ucraniana-estadounidense Janet Sobel (1894-1968) (originalmente Jennie Lechovsky). Peggy Guggenheim incluyó el trabajo de Sobel en su Galería, “El Arte de este Siglo” en 1945. Junto con Jackson Pollock, el crítico Clement Greenberg vio la obra de Sobel en la galería en 1946.16 En su ensayo “American-Type Painting” (“Pinturas TipoAmericanas”), Greenberg destacó que esas obras eran las primeras pinturas “all over” (cobertura total de la superficie) que él había visto y dijo que “Pollock admitió
que esas pinturas habían causado una impresión en él”. Mientras pintó de este modo, Pollock dejó la representación figurativa y retó la tradición occidental de utilizar caballete y pinceles. Él utilizaba la fuerza de todo su cuerpo para pintar, la cual quedaba expresada en sus lienzos. En 1956 la revista Time apodó a Pollock “Jack el salpicador”, debido a su estilo al pintar. Mis pinturas no vienen de un caballete. Prefiero fijar el lienzo nuevo a una pared o en el suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo me siento más tranquilo. Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella, trabajar desde cuatro lados y literalmente “estar” en la pintura. Continúo alejándome de las herramientas tradicionales de los pintores como los caballetes, las paletas y pinceles, etc. Prefiero varitas, palas de jardinero, cuchillos y pintura diluida o impasto con arena, vidiros rotos o cualquier otro material añadido. Cuando estoy “dentro” de mi pintura, no soy consciente de lo que estoy haciendo. Tan solo después de un periodo de “aclimatación” me doy cuenta de lo que ha pasado. No tengo miedo a hacer cambios, destruir la imagen, etc., porque la pintura tiene vida propia. Intento dejarla salir. Es sólo cuando pierdo contacto con la pintura cuando el resultado es un desastre.
El aerógrafo. El aerógrafo fue inventado en 1893 por el pintor Inglés Charles Burdick . Aunque el dispositivo era más rudimentario que hoy en día, el principio de funcionamiento es prácticamente idéntico. El aerógrafo permite, igual que las pistolas de pintura, pintar sobre cualquier superficie con la ayuda de aire comprimido, siendo el aerógrafo más pequeño que las pistolas de aire.
Aerógrafos de gravedad Los aerógrafos de gravedad tienen un depósito generalmente fijo sobre el cuerpo y la pintura cae hacia abajo po la “gravedad” en el cuerpo del aerógrafo . Tienen la ventaja de ser menos frágil, más manejable y que la pintura puede estar más espesa. Como desventaja tenemos que estar continuamente recargando el depósito, lo que impide pintar de un tirón superficies más grandes. Los aerógrafos con depósitos fijos grandes son
muy incómodos para trabajar al detalles.
arl-W. Röhrig Nació el 12 de noviembre de 1953 en Mu- trabajos científicos para grandes comnich. En 1971 decide convertirse en artista pañías alemanas. Nace así su libro “Ars inscribiéndose en la Academia de Profe- bacteriologica”. El éxito de su trabajo le permite exhibir en sionales Gráficos las más importantes de Munich, cociudades alemanas menzando poshasta llegar incluso a teriormente a llevar su obra a Tokio. participar en películas americanas de dibuComienza a participar jos animados. en revistas internacionales medico científicas, como GEO, a En 1974 conrealizar ilustraciones sigue su primera artísticas y pinturas exposición, en para distintos clientes. su tierra natal. En 1984 realiza un viaSus trabajos esje de estudios por Estatán inspirados dos Unidos ilustrando en el surrealismo el libro “La maquina clásico. En 1977 increíble”, para la Narealiza una rectional Geographic Soreación artística del microcosmos empleando una técnica ciety. Continúa su periplo de viajes y estuque más tarde tendría aceptación general. dios por Canada, California y New York, publicando “New Romantic”, que consiste en aspectos de violencia, de crimen En 1978 ya es un artista consolidado de y sexo, que ocurren en la vida cotidiana.
Aunque no soy ningún experto, me gusta el Tarot como herramienta para desarrollar el instinto y aprender de sus arcanos. Desde hace unos cuantos meses, las hermosas imágenes de Rohrig me acompañan cada día. Carecen quizás del halo místico tradicional, pero precisamente por ese detalle los mensajes de las cartas sean quizás más accesibles a quienes desconocemos el lado más esotérico del Tarot. Cuando le comenté a mi amiga Bet que había adquirido este mazo, quedamos en que cuando publicara un post sobre él, ella haría lo propio. Dicho y hecho:) En el mismo día en que lo publiqué ella ha hecho lo propio, con la diferencia de que allí podréis ver todas las cartas en una presentación en video que ha hecho para la ocasión. ¡Gracias Bet!
En 1989 es declarado miembro de la National Geographic Society. Realiza su primer libro sobre el arte con airbrush como herramienta fundamental. Posteriormente experimenta con otras técnicas novedosas. Finaliza su obra legendaria “Los signos del zodiaco”. También se atreve con esculturas de granito y bronce para espacios públicos en Nuremberg. Al año siguiente, publica el libro “El jardín del Edén no debe morir”. En 1991 el artista comienza su serie de Tarot, consistente en 78 dibujos.
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