EL NATURALISMO EL IMPRESIONISMO
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EL REALISMO EL EXPRESIONISMO
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Editorial El cuestionamiento de los principios artísticos que se inició en las últimas décadas del XIX tuvo una influencia decisiva en la formación del espíritu crítico propio del XX. Esta revolución estética no depende de los arbitrios de una generación de artistas, ya que estos no hacen más que traducir las concepciones intelectuales y sociales de un momento histórico. Por tanto, son los cambios filosóficos, científicos y políticos los que exigen del arte una forma diferente de afrontar la realidad. A finales del XIX y principios del XX Europa vivía en una situación caracterizada por la inestabilidad social, la rivalidad económica y política entre las distintas naciones, que desemboca en la Primera Guerra Mundial, y una fecunda productividad en el ámbito científico e intelectual. En ello el arte se vio afectado y empezaron a surgir múltiples corrientes que se denominaron “ismos”, eran las diferentes rupturas con los modelos de belleza dominantes en la época. No todas las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas son coetáneas y tienen interrelaciones entre sí. Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un orden cronológico, hasta la II Guerra Mundial tienen lugar las primeras vanguardias artísticas o vanguardias históricas, mientras que pasada la guerra aparecen las segundas vanguardias y el postmodernismo.
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INDICE EDITORIAL NOTAS DE INTERES NATURALISMO REALISMO IMPRESIONISMO EXPRESIONISMO ENTREVISTAS VARIEDADES
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NOTAS DE INTERES Más Allá De La Danza Yormen Meneses 3D Prensa Liceo de las Artes Audiovisuales
El Liceo de las Artes cuenta con docentes de categoría
Jaimar Loaiza 3ero C Prensa Liceo de las Artes La danza se ha venido desarrollando al pasar Audiovisuales de los años acompañada de la música, movimientos corporales, y preparación física; en El Liceo de Formación Cultural de las Artes el liceo de las Artes ¨Estilíta Orozco ¨ el proEstílita Orozco, cuenta con maestros de altufesor Andri Centeno es uno de los especialisra en las diferentes especialidades que hacen tas en danza de esta casa de estudio. El liceo vida dentro de la institución. Tal es el caso de de Formación Cultural para las Artes ¨Estilíta la especialidad de Música y uno de los profeOrozco¨, cuenta con un aproximado de 50 essores que hacen parte de esta área es el protudiantes del grupo de expresión artística de fesor José Joaquín Molina quien con tan sólo danza, con el profesor Andri, sin embargo hay 32 años de edad y nacido en la ciudad de la otros estudiantes que entran a esta asignatucordialidad anteriormente daba clases en la Esra en su tiempo libre, en total serian 100 estucuela Bolivariana Simón Bolívar; donde no condiantes del área de la danza. El maestro Andri taba con ningún tipo de instrumento y si con la Centeno, ha desarrollado nuevos contenidos asistencia de al menos 15 estudiantes. Para el en este segundo lapso, tanto en la parte acaaño 2010 el docente especialista daba clases démica como cultural, como lo son: El Calipso de flauta y cuatro en aquella institución, de allí del Callao, los Tambores del Estado Falcón que ingresa justamente al único Liceo de Formase clasifican en; Tambor Coriano, Tambor Beción Cultural para las Artes en Venezuela donleño, Comarebelo. Pero estos contenidos son de desde entonces empieza a instruir través visto y estudiados por el 3er año. Además se de la guitarra, desarrollando su especialidad en podría decir que todos los bailes y corografías dos pequeños grupos de trabajo; uno destinade este profesor dependen del pensum de esdo a la iniciación y otro el que cuenta con mutudio y de los contenidos del área académica, cha más experiencia. Así lo afirmó el profesor hasta ahora solamente han enseñado 15 o 20 Molina luego que se le preguntara cual es su manifestaciones a profundidad del punto de fuerte musical a lo que respondió que su fuerte vista social, teórico, práctico,metodológico es musical son a través de la guitarra, el cuatro, el decir un estudio completamente integral, es bajo y en algunos casos el piano. más que solamente danzar. Por otra parte el grupo de expresión artística de danza tienen preparado unas corografías, para la presentación del ¨Día Internacional De La Danza¨ que se celebra dos días antes de cuya manifestación en las instalaciones del auditorio del liceo Simón Bolívar el 27 de abril en horas de la mañana. Asíque se les hace unainvitación a todas las personas que leen esta nota de prensa.
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Naturalismo (arte) Naturalismo en el arte se refiere a la representación de objetos realistas en un ambiente natural. Naturalista es el arte que presta atención a detalles muy precisos y apropiados, y que retrata las cosas tal como son. El movimiento realista del siglo XIX defendía el naturalismo como reacción a las representaciones estilizadas e idealizadas del Romanticismo, pero muchos pintores han adoptado un enfoque similar a lo largo de los siglos. El naturalismo comenzó a principios del Renacimiento, y se desarrolló más aún durante el Renacimiento, como ocurre con la Escuela florentina. Lo mismo que en literatura se distingue entre realismo y naturalismo, así ocurre en el campo de la pintura, para caracterizar la obra de algunos pintores que presentaban algunas diferencias respecto a los realistas, como la preferencia por los temas campesinos y obreros, en lugar de temas históricos. Suelen pintar lienzos de gran formato en el que lo principal es la figura humana, más que el paisaje. Una parte importante del movimiento naturalista radica en su perspectiva darviniana de la vida y su creencia en la futilidad de los esfuerzos humanos contra las fuerzas de la naturaleza. Trataban de representar siempre estados naturales de lluvia o tormenta, así como árboles, ríos, montañas, praderas, aire, y la luz, entre otros temas, tratando siempre de volver a trabajar en la naturaleza. Muchos de los pintores eran de clases muy humildes, viviendo en pequeñas chozas de Barbizon. Por lo que trataban de pintar siempre la naturaleza que los rodeaba estando en contacto directo con ella, y luego le aplicaban el color a las pinturas en los talleres.
Artistas naturalistas
Dentro de esta tendencia cabe citar a los artistas bande noire que tuvieron como temática Bretaña, entre los que destacan Lucien Simon y Charles Cottet. Marie Bashkirtseff / Jules Bastien-Lepage / Aureliano de Beruete / Jean-Charles Cazin / Léon-Augustin Lhermitte / Max LiebermanConstantin Meunier Jean-François Raffaelli / Alfred Roll / Joaquín Vayreda / Un ejemplo de naturalismo es la obra del artista estadounidense William Bliss Baker (1859— 1886), cuyas pinturas de paisajes están consideradas por algunos como algunos de los mejores ejemplos del movimiento naturalista
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Entre algunos de los principales autores se encuentran: John Constable (17761837), desarrolla una nueva manera de ver las cosas, mediante una técnica de color, la cual usó para representar la naturaleza siguiendo siempre los ejemplos de los grandes maestros paisajistas de Holanda, los cuales abandonaron el paisaje ideal para representar el cielo, algunos prados y colinas, pantanos, entre otros; siempre haciéndolo como sus ojos lo veían. El color era aplicado mediante una espátula demostrando con esto lo que sentían por la naturaleza. Algunas de sus obras son: la bahia de Weymouth al aproximarse al huracán, La catedral de Salisbury, el puente Waterloo y los pinares de Hampstead.
Catedral de Salisbury desde la pradera. 1981. John Constable
Estanque de Branch Hill con un niño sentado sobre una loma. 1825. John Constable.
Naufragio. 1805. William Turner
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Teodoro Rousseau (1812-1867)
Vacas en el pastizal. Teodoro Rousseau
Juan Bautista Camilo Corot (1796-1875),
aunque no pertenecía de manera oficial a la escuela de Barbizon siempre se consideró como un miembro de ella. El paisaje para él no se construía a base de líneas solamente, sino también tenía que poseer diversos valores de luz y de oscuridad, tratando de bañar los reflejos de luz con un brillo plateado, convirtiendo así la naturaleza en una obra de arte muy bien elaborada. Representaba la figura humana de manera que se incorporaba a los cuadros. Sobre él influyeron de gran manera los pintores impresionistas. Entre sus obras tenemos: La iglesia de Marissel, Ninfa recostada, el árbol, La dama de perla, Paisaje de Coliseo, Junto al río y La ventolera.
se dice que fue la figura directiva de la escuela de Barbizon, así como también el maestro del paisaje íntimo, el cual poseía un pequeño tamaño, al igual que no poseía detalles. Teodoro pintó siempre lugares muy tranquilos de los bosques, lo cuales estaban compuestos por grupos de árboles y por lagunas desoladas. Algunos de los paisajistas ingleses tuvieron gran influencia sobre él. Sus cuadros se caracterizan principalmente por poseer un estudio minucioso de piedras, los reflejos, los musgos, entre otros detalle; esto se observa claramente en las obras Salida del Bosque de Fontainebleau, Lomas de Ginville, El sendero, Paisaje de rió, entre otros.
La catedral de Chartres. 1830. Camille Corot.
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Molino de Saint-Nicolas-les-Arras, 1874. Gustave Courbet.
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Realismo artístico El Realismo fue un movimiento artístico y literario, originado en Francia a mitad del siglo XIX, cuyo propósito consistió en la representación objetiva de la realidad basándose en la observación de los aspectos cotidianos que brindaba la vida de la época. La aparición y desarrollo del Realismo fue fruto de la agitada situación política que protagonizó Francia a raíz del derrocamiento de la monarquía burguesa de Luis Felipe y de la proclamación de la II República en 1848. Es a lo largo de esos años cuando surgen los movimientos obreros y proletarios que se inspiran en nuevos sentimientos sociales y en nuevas ideas políticas, cuya influencia también se dejaría sentir en el mundo artístico. Los artistas entendían el realismo como una reacción frente al movimiento romántico que se evadía en sus mundos de ensoñación, de recuerdos históricos; es un estilo que refleja la realidad histórica y que no copia objetos mitológicos, religiosos o alegóricos. Su fidelidad al detalle lo diferencia de la glorificación idealizadora romántica, y su concentración en los rasgos esenciales y típicos de los caracteres, situaciones y acciones lo distingue del reflejo de la realidad en sentido naturalista o fotográfico. El hombre, sin exaltaciones místicas ni abstracciones académicas se convierte en el centro de la nueva estética, por lo tanto el eje central del realismo es el vínculo directo con todos los aspectos de la vida, incluidos los más inmediatos y cotidianos; se destierra la mitología, la evocación histórica, la belleza convencional de los cánones clásicos. El mundo del trabajo, visto desde esta perspectiva de denuncia, de valoración positiva del esfuerzo de las clases trabajadoras, las escenas cotidianas, la crítica, incluso caricaturas a la sociedad burguesa, es lo que define la temá-
tica de la pintura realista. El público consumidor de arte empieza a cambiar; aunque la burguesía sea aun el principal comprador, se generaliza el público como un consumidor anónimo que acude a las galerías y a los salones a conocer el arte más novedoso. Pero a este público le interesaban sobre todo los valores reconocidos por la crítica oficial, mientras que para muchos de los artistas su interés era completamente el contrario. La distancia entre público y artista se fue ensanchando hasta acabar por ser aceptada, apareciendo el artista maldito, el bohemio y figuras ya típicas de la historia del arte del siglo XIX y XX. Finalmente, el realismo fue una escuela fundamentalmente francesa, que ocupo los años centrales del siglo XIX; París se convirtió en el centro artístico mundial a donde acudían todos los que querían triunfar como artistas.
Bisonte, Cueva de Altamira.
El realismo en el arteprehistórico y antiguo
Las primeras manifestaciones artísticas ya presentan la oposición de posibilidades entre la idealización o abstracción de rasgos (que llevan a la representación de los rasgos femeninos exagerados en las venus paleolíticas o al esquematismo del arte rupestre
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levantino) y el realismo, incluso un realismo tan impactante que hizo dudar durante años de la honestidad del descubrimiento de la Cueva de Altamira, que sólo fue aceptada tras el descubrimiento de más ejemplos de la denominada escuela franco-cantábrica. La máxima expresión está plasmada en el Techo de los Polícromos de Altamira; el efecto es único: los bisontes se acoplan perfectamente a los relieves de la bóveda, ofreciéndones una visión en tres dimensiones de los animales, con sus masas musculares sobresaliendo en auténtico relieve bajando hacia nuestros ojos... en un realismo espectacular... es como si el artista al llegar a la sala aún virgen hubiera experimentado, permítasenos la comparación, la misma sensación que Miguel Ángel ante el bloque de mármol donde estaba “encerrado” el David o el Moisés, él nada más tuvo que sacarlo al exterior. La interpretación del arte griego, en que la mímesis de la naturaleza es algo esencial, identifica como idealismo la búsqueda de la belleza en una armonía y proporción que supera los rasgos reales de los seres humanos individuales (de modo equivalente a la expresión filosófica platónica de la relación entre el cosmos aisthetós y cosmos noetós -el mundo real y el mundo de las ideas del mito de la caverna-). No obstante, al equilibrio clásico del siglo V sucedió el helenismo, donde se buscó la representación del dolor, la voluptuosidad, las anécdotas cotidianas y las edades distintas a la plenitud de la madurez. El arte romano, heredero del helenismo, buscó la individualidad del retrato.
El escriba sentado, escultura del Antiguo Egipto.
Músicos en la Tumba dei leopardi, Necrópolisde Monterozzi, pintura etrusca.
El espinario, escultura helenística.
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Grupo de profetas en el Pórtico de la Gloria, del Maestro Mateo, 1168-1188. Daniel, sonriente y sin barba.
Trinidad, de Masaccio, 1427
El realismo en el arte medieval y de la Edad Moderna
La plástica románica, como la bizantina, en una tendencia que había iniciado el arte paleocristiano, busca la estilización de los rasgos en pro de la representación idealizada de santos y cristos hieráticos; mientras que la plástica gótica pretende humanizarlos con representaciones más realistas, que expresan el dolor y la ternura (cristos crucificados, vírgenes con el niño). Se ha señalado que el Daniel sonriente del pórtico de la Gloria (siglo XII) representa una transición entre ambos extremos. El renacimiento italiano, vinculado al humanismo filosófico, recuperó el antropocentrismo de la Antigüedad, al tiempo que con las leyes de la perspectiva y el tratamiento de la luz y las sombras (que culmina en el sfumato y la perspectiva aérea de Leonardo) consiguió dar a las representaciones del mundo un aspecto verosímil; mientras que el flamenco, con la técnica del óleo permitió un detallismo extraordinario y unos matices en el color hasta entonces insospechados (que culminan en las veladuras, el chiaro-oscuro y la morbidezza de la escuela veneciana y Rafael). Frente a la intelectualización del manierismo, el barroco es un arte realista, que se recrea en la representación de lo sórdido del dolor y la pobreza, o alternativamente expresa el triunfo y la gloria, con estallidos sensoriales y fuertes contrastes (dentro de cada obra, entre unas y otras escuelas, y entre unos y otros autores -Caravaggio frente a Ribera; Bernini frente a Borromini; Velázquez frente a Murillo; Valdés Leal frente a Lucas Jordán; Le Nain frente a Poussin; Rubens frente a Van Dyck; Rembrandt frente a Vermeer; Gregorio Fernández frente a Martínez Montañés-). El siglo XVIII presenció la simultaneidad de muy distintas aproximaciones artísticas a la realidad: el barroco tardío marcaba un extraordinario contraste entre el clasicismo de los exteriores y la sensualidad morbosa de los interiores privados (rococó); mientras que el neoclasicismo sometía a la realidad a la estrechez de las reglas académicas que el prerromanticismo se esforzaba en vulnerar, aunque ambos tendiendo más a conceptos idealistas que propiamente realistas (Laocoonte de Lessing).
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Bonjour, Monsieur Courbet, de Gustave Courbet, 1854.
Il quarto stato (“El cuarto estado”), de Giuseppe Pellizza da Volpedo, 1901.
El realismo en el arte de la Edad Contemporánea
Los movimientos artísticos denominados “realistas” de la Francia de mediados del XIX reaccionaban contra las emociones exageradas del romanticismo; sustituyéndolas por la búsqueda de la verdad en la precisión, y encontrando sus temas no en las lejanías del exotismo, el orientalismo, el medievalismo y otros historicismos; sino en la vida cotidiana y los conflictos propios de la revolución industrial y la sociedad de clases. La perspectiva realista (y sobre todo la del naturalismo, su movimiento continuador e intensificador), pasó a ser sinónimo de búsqueda de lo feo, sórdido y marginal, para denunciarlo (realismo social, novela social, kitchen sink realism -realismo de fregadero-5 ). También coincide con el realismo la perspectiva local y regional (costumbrismo, regionalismo6 ), que en muchos casos se identifica con los movimientos nacionalistas que surgen por toda Europa en el siglo XIX (especialmente el denominado nacionalismo musical). Los avances técnicos y científicos, y en concreto la popularización de la fotografía, incentivó en el gran público el deseo por representaciones que parecieran “objetivamente reales”. Al igual que la masiva difusión de la prensa originó los folletines; la posibilidad de reproducción industrializada del arte gráfico y de otros objetos artísticos antes restringidos a individualidad de la artesanía, originó una degradación del objeto artístico (denunciada por Ruskin y William Morris -Arts and Crafts-) que suele denominarse kitsch. Frente a las vanguardias artísticas, los totalitarismos nazi y soviético estimularon movimientos estéticos de carácter realista: el realismo socialista y el realismo heroico. Los movimientos artísticos de la segunda mitad del siglo XX incluyeron diferentes tratamientos de carácter realista, como el pop art y el hiperrealismo. La narrativa hispanoamericana de mediados del siglo XX generó una nueva dimensión del realismo con el denominado realismo mágico.
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Impresionismo
Impresionismo es la denominación de un movimiento artístico1 definido inicialmente para la pintura impresionista, a partir del comentario despectivo de un crítico de arte (Louis Leroy) ante el cuadro Impresión, sol naciente de Claude Monet, generalizable a otros expuestos en el salón de artistas independientes de París entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874 (un grupo en el que estaban Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Alfred Sisley y Berthe Morisot). Aunque el adjetivo “impresionista” se ha aplicado para etiquetar productos de otras artes, como la música (impresionismo musical -Debussy-) y la literatura (literatura del Impresionismo -hermanos Goncourt-),2 sus particulares rasgos definitorios (luz, color, pincelada, plenairismo) lo hacen de muy difícil extensión, incluso para otras artes plásticas como la escultura (Rodin)3 y la arquitectura;4 de tal modo que suele decirse que el Impresionismo en sentido estricto sólo puede darse en pintura y quizá en fotografía (pictorialismo) y cine (cine impresionista francés o première avant-garde: Abel Gance, Jean Renoir -hijo del pintor impresionista Auguste Renoir-).5 El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintaban el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo este. Fue clave para el desarrollo del arte posterior, a través del postimpresionismo y las vanguardias.
Claude Monet, Impresión: soleil levant, 1872-1873 (París, Museo Marmottan Monet). Cuadro al que debe su nombre el movimiento
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Expresionismo
El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que se plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual. Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista –la “expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la “impresión”–. El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra de diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco o Francisco de Goya. Algunos historiadores, para distinguirlo, escriben “expresionismo” –en minúsculas– como término genérico y “Expresionismo” –en mayúsculas– para el movimiento alemán. Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior. Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y la muerte, concepción que se suele calificar de “nórdica” por asociarse al temperamento que tópicamente se identifica con el estereotipo de los países del norte de Europa. Fiel reflejo de las circunstancias históricas en que se desarrolló, el expresionismo reveló el lado pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Así, mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su lado más emotivo e interior. El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística: hay un expresionismo modernista (Munch), fauvista (Rouault), cubista y futurista (Die Brücke), surrealista (Klee), abstracto (Kandinski), etc. Aunque su mayor centro de difusión se dio en Alemania, también se percibe en otros artistas europeos (Modigliani, Chagall, Soutine, Permeke) y americanos (Orozco, Rivera, Siqueiros, Portinari). En Alemania se organizó principalmente en torno a
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dos grupos: Die Brücke (fundado en 1905), y Der Blaue Reiter (fundado en 1911), aunque hubo algunos artistas no adscritos a ningún grupo. Después de la Primera Guerra Mundial apareció la llamada Nueva Objetividad, que si bien surgió como rechazo al individualismo expresionista defendiendo un carácter más social del arte, su distorsión formal y su colorido intenso les hacen herederos directos de la primera generación expresionista. CRISTO ROJO
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ENTREVISTA P. ¿Qué pasó entonces? A. P. S. Los nobles sevillanos cumplían misiones en Italia como virreyes de Nápoles, embajadores en Roma o Milán y traían unas magníficas colecciones de cuadros y esculturas clásicas. Educaron a los artistas sevillanos que durante el siglo XVI estaban volcados a Flandes y al manierismo, un estilo que tenía una retórica muy artificial. Las figuras estaban siempre idealizadas. La aportación italiana que viene en aquellos años es un revulsivo que anima a copiar las cosas del natural, bajo la luz tenebrista, y eso da un desarrollo que los artistas nacidos en 1600, como Velázquez (1599) y Zurbarán (1598), o Alonso Cano (1601), digieren y los lleva a dar el salto a un naturalismo extremo que no es italiano, sino profundamente español y sevillano. P. ¿Qué abarca esta exposición?
‘Magdalena penitente’, de Artemisia Gentileschi. A la derecha, Alfonso Pérez Sánchez. / LUIS MAGÁN
PREGUNTA. ¿Cómo era Sevilla a principios del XVII? ALFONSO PÉREZ SÁNCHEZ. Un hervidero de flamencos, italianos, alemanes, un cóctel de culturas. Hay un intercambio muy grande y se empiezan a conformar los cargazones de Indias en la Casa de la Contratación. En cuanto al arte, es una época en la que se activan los obradores de pintura y todas las novedades que vienen de Italia y de Flandes hacen que haya un coleccionismo sin precedentes.
A. P. S. La ebullición artística del primer tercio del XVII, un momento en el que el oro de América repercute en la decoración de las iglesias. Los nobles pagan mucho también por las pinturas para sus casas o capillas sepulcrales. En esta exposición hemos intentado reconstruir todo ese ambiente, tanto del coleccionismo nobiliario como de las obras que servían de embajada y que los artistas sevillanos supieron asimilar con tanta inteligencia. P. Era un gran momento para la creación y también para el mercado del arte. BENITO NAVARRETE. Sí, porque el sistema contractual de compañías del siglo XVI cambia y entonces comienza a adver-
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tirse la personalidad del artista en solitario. El sistema de compañías consistía en que se encargaban las obras a un equipo de personas, siempre pagando a la baja. Francisco de Pacheco, que es el maestro de Alonso Cano y de Velázquez, es uno de los que contribuyen a ese cambio. Él fue el que trae, a la manera de las academias italianas, el sentido del artista con nombre y apellidos, que practica el arte liberal y no ya mecánico como hasta entonces.
A. P. S. Sí, lo fue. Nosotros nos hemos circunscrito a Sevilla. La otra exposición es mucho más amplia, quizá demasiado. Quien mucho abarca poco aprieta. El comisario se ha centrado en el caravaggismo italiano, pero hay picoteo del caravaggismo francés, alemán, austriaco. Es una exposición muy interesante, con muchas piezas valiosas, a la que tal vez le falta una columna vertebral. Nosotros nos hemos limitado a Sevilla y creo que es más coherente.
P. La exposición se centra en esos treinta años en los que hay un vuelco en el estilo.
P. ¿Por qué les atrajo tanto a los pintores sevillanos ese claroscuro de Caravaggio?
B. N. Es una exposición altamente formativa para el público. Es reconstruir el ambiente y los ingredientes de esa transformación. La hemos querido montar en el orden que seguimos en el texto del catálogo. Viendo cuáles son los elementos que hacen avanzar y revolucionar la pintura, cómo Velázquez, por un lado; Alonso Cano, por otro, y, a su manera, Herrera El Viejo empiezan a pintar por el natural.
A. P. S. Por la novedad. Utilizaron modelos modernos, vivos, del pueblo y los contrastaron con una sombra excesiva. Es la realidad frente a la retórica de lo ideal. La luz difusa, la luz que no produce sombras. Como el manierismo, que es más artificial y escenográfico. La novedad rigurosa que traían las figuras de Ribera y de Caravaggio sedujo a los sevillanos. De pronto, los pintores se vieron desbordados por los encargos. Incluso Pacheco utiliza la influencia de Ribera, a sus 60 años le impacta la novedad.
P. ¿Cómo valora la influencia de Ribera en Velázquez? A. P. S. Se ha dicho, en textos antiguos, que Ribera influyó en Velázquez, pero esto no se había objetivado en la exposición del centenario. La muestra empezaba con los pintores de Sevilla del siglo XVI, que no tenían nada que ver con Velázquez, que aparecía entre ellos como un extraterrestre. La influencia de Ribera es la objetividad y la utilización de la pasta modeladora, él construye con la materia. P. Hay otra exposición sobre Caravaggio actualmente en el Museo Nacional de Cataluña. ¿Fue realmente tan radical su influencia?
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Entrevista sobre Pintura Realista por Rubén Reveco
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El artista plástico de Neuquén, Rubén Reveco, también presidente de la agrupación APReNDE (Agrupación de Pintores Realistas Neuquinos-Dibujantes y Escultores) me realizó una entrevista para su blog “Resistencia Realista”, donde periódicamente publica artículos sobre realismo contemporáneo e ilustración contribuyendo a la difusión de la labor de aquellos artistas que mantienen viva la tradición del realismo en el arte contemporáneo. Como artista paraguaya, me siento muy agradecida y honrada que mi trabajo sea incluido en este blog del vecino país de Argentina y de esta manera aunar esfuerzos para la difusión del realismo contemporáneo en Latinoamérica. A continuación se publican las preguntas quformaron parte de la entrevista. La misma puede ser leída en su formato original en el siguiente blog: El Arte de Rubén Reveco. Artí-
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culos, Historia y Crítica de Arte Pasen y miren El origen del arte y su propia naturaleza es un misterio y por qué existen seres humanos capacitados para hacer arte también es un misterio. Por qué esas capacidades siempre han estado encausadas a través de la belleza es otro gran misterio. ¿Existe belleza en el entramado de un simple alambre que alguna vez cumplió la función de ser un cerco o en una madera envejecida ahora transmutada en una “escalera al Cielo”? Por si solos quizá pasan desapercibidos, pero en las pinturas de Adriana Villagra estos simples objetos adquieren una nueva y trascendente dimensión. Los invito a conocer la pintura minimalista de esta joven artista paraguaya. Ella (muy amable) también nos ha contestado en
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forma exclusiva algunas preguntas que ayudan Esas aves son figuras de “origami”. El origami a despejar tanto misterio. Pasen y miren. es una técnica milenaria de origen japonés que consiste en hacer figuras a partir de papel ple-Madera, papel y alambre ¿Por gado. Si bien a simple vista, la primera relación qué, qué significan estos elementos que uno puede hacer es con ese origen japopara usted? nés, sin embargo, hacer cada una de las figuras es una experiencia fascinante en sí misma. Son elementos que forman parte de mi entor- Cada una de las figuras las hago personalmenno cotidiano. Estos elementos nos rodean per- te, y al ir plegando sucesivamente el papel a manentemente, a veces pasan inadvertidos, la partir de una forma simple como un cuadrado madera por ejemplo, cuando está resquebra- para dar lugar a una figura más compleja como jada o sufre el accionar de los fenómenos de las aves de papel, siento como una analogía la naturaleza deja entrever una infinidad de de la vida misma, porque cada figura simple texturas, líneas, huecos y recovecos, el papel de papel es capaz de generar una figura más mediante sucesivos dobleces permite generar compleja que después cobra vida por sí misma figuras o ser portadores de un mensaje, mien- y eso me motiva a pintarlas continuamente. tras que el alambre despierta una especial Siempre estoy investigando nuevos plegados fascinación en mi por esas figuras caprichosas para ir generando nuevas figuras. Hasta ahora, que es capaz de adquirir, es como si pudiera las figuras que más he utilizado son la grulla, la palpar la vida misma en esos trozos insignifi- paloma, la mariposa de tal manera que inviten cantes, porque siento que cada uno es posee- a una reflexión sobre conceptos como la paz, dor de una belleza que invita a ser descubierta el cambio, la búsqueda constante, la introspecpero para ello es preciso detener la mirada y ción. ver más allá de las apariencias. -La escalera también es un elemen-¿Por qué los cielos se ven tormen- to recurrente en su obra: Madera tosos, pero la luz se filtra entre vieja, sin rastro de pintura. la nubes para iluminar los pocos objetos que componen sus pinturas? La escalera tiene un significado muy especial para mí porque se relaciona con el concepto Una vez me dijeron que mis cielos eran “emo- del ascenso-descenso. Selecciono aquellas cacionales” y tal vez sea así porque siento que racterísticas que más me llaman la atención, en ellos representan el infinito y lo trascendente, este caso la escalera se presenta con imperfecaquello que no podemos abarcar y sin embargo ciones, escalones rotos que se relacionan con a diario procuramos hacerlo. Esas nubes carga- nuestras imperfecciones pero que a partir de das de agua, es la lluvia que se avecina, aquello la aceptación de nuestras limitaciones es como “inevitable” pero con una luz de esperanza. Mi se consigue el ascenso hacia ese ideal que perobra se trata mucho de esos contrastes que se seguimos. Se relacionan con los obstáculos del relacionan mucho con la esencia humana, don- diario vivir y esa lucha que emprendemos para de hay oscuridad hay luz y donde aparentemen- alcanzar ese anhelado ascenso. te hay tristeza también hay lugar para la alegría. -¿Qué significan esas aves de papel?
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-¿El suyo es un realismo mágico? Yo suelo llamarlo realismo simbólico, porque los elementos que utilizo en mis pinturas pasan a convertirse en un símbolo; son tomados de la realidad y son reconocibles en su forma, colores, texturas pero no se limitan a presentarse como algo literal, objetivo o puramente descriptivo, sino más bien como una ventana o vía de entrada hacía conceptos más trascendentes que se relacionan con el mundo de las ideas, las emociones, los sentimientos. Tal vez eso le confiera una dimensión “mágica” al realismo que planteo en mi obra. Cada obra es una invitación a mirar un poco más allá de la realidad material que nos rodea. -¿Le costó llegar a esa síntesis y simpleza? Tal vez no tanto llegar, pero sí seguir en el trayecto porque es una búsqueda constante. Yo empecé pintando bodegones, porque en ese momento mi búsqueda se orientaba a lograr un conocimiento técnico, de los materiales, ya que mi experiencia anterior a la pintura era la del dibujo y el diseño. Hasta que un día me encontré con una escena fantástica en una huerta familiar que teníamos que era la de una flor de la planta de la esponja que trepaba por la muralla en medio de los alambres, y esa imagen siento que marcó el inicio de todo este “estilo” o búsqueda en la que estoy metida ahora. Para mí fue un momento mágico y ahí empecé a indagar cada día más en aspectos relacionados con el simbolismo de los elementos que voy recogiendo para armar mis composiciones. Mi investigación ya no se limitó simplemente a aspectos técnicos de la pintura, sino también a aspectos humanos, filosóficos, espirituales, ya no era suficiente “pintar bien” sino también comunicar, expresar algo a través de cada pintura. -¿Reconoce algún tipo de influencia?
Si busco influencias, las encuentro en el romanticismo alemán, la pintura flamenca, en los escenarios místicos de Caspar David Friedrich, el paisajismo, el surrealismo y muy especialmente la pintura oriental. Soy una ferviente admiradora de la pintura japonesa y china tradicional por esa simplicidad de elementos y trazos presentes en la obra, ya que con poco logran decir mucho y ese vacío que normalmente rodea a esos pocos elementos compositivos invita a una meditación y vaciamiento interior que nos conectan directamente con esa dimensión trascendente de la naturaleza. Por eso también me atrae la lectura del haiku que es un poema corto donde con unos pocos versos transmiten todo un universo de emociones y sensaciones que el poeta capta en un momento de introspección con la naturaleza. -¿Cuál es el momento del realismo en Paraguay? El realismo en Paraguay es un estilo que ha surgido de forma muy individual en cada artista, ya que no existe una academia de arte donde uno pueda aprender las técnicas y procedimientos que se necesitan para llevar adelante un estilo tan exigente como es el realismo. Entonces, cada artista que opta por el realismo ha tenido que emprender un aprendizaje en solitario, la mayoría de los pintores realistas son autodidactas, algunos han terminado decepcionados de los programas de estudio, otros han hecho carrera en el exterior y finalmente están los que sobresalen gracias al mérito de su talento y el trabajo constante y no precisamente por la formación académica recibida. Siento que ahora se la da un poco más de atención al realismo, ya que siempre se lo ha dejado de lado para apoyar otras expresiones más experimentales o conceptuales que muchas
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responden a tendencias que se dan dentro del arte. Creo que el escenario del arte contemporáneo debe poder aceptar la pluralidad de visiones y propuestas sin desmerecer a ninguno. Aun así, todavía en Paraguay hay mucho por hacer para lograr una mayor visibilidad del realismo contemporáneo y sobretodo educar la mirada de galeristas, público, coleccionistas, estudiantes. Aún hay confusión en el uso de los términos, realismo, hiperrealismo, realismo mágico, etc. incluso entre teóricos y profesores de arte. -¿Es el realismo en la pintura la única forma de demostrar talento y generar admiración? No creo que sea la única forma, me parece que hay obras abstractas (cuando están bien planteadas) que también pueden lograr admiración, siempre y cuando estén sustentadas en un conocimiento acabado del oficio y no sea pura “improvisación” vacía. Sin embargo, el realismo tiene esa capacidad de llegar a la gente de una manera más directa y despierta esa admiración por la capacidad del artista para crear la “ilusión” de realidad en el cuadro. Es muy común escuchar a la gente decir “parece una foto” porque el objeto representando es tan parecido al objeto real que la gente enseguida relaciona con lo fotográfico; en las pinturas realistas hay semanas e incluso meses de dedicación en la producción y requiere del artista mucha atención al detalle y no dejar nada al descuido. Pero también es importante entender que al hablar de realismo no se limita sólo a la pericia técnica del artista, sino también que ese virtuosismo vaya acompañado de creatividad y contenido de tal manera que cada pintura pueda despertar en el público la fascinación y compenetración, de lo contrario la pintura devendría un mero objeto decorativo.
-¿Intuye algún cambio? ¿Existen más pintores jóvenes que se atreven con el realismo? Yo creo que sí, y eso tal vez sea gracias al acceso a la información que hoy en día tenemos a través de Internet y las redes sociales. Uno puede acceder a información sobre pintores en otros países, conocer sus obras e incluso comunicarse con ellos, compartir experiencias y entonces uno ya no se siente tan solo como probablemente haya ocurrido con artistas que iniciaron sus carreras en los 80 y los 90, donde los circuitos tradicionales del arte dejaban a un lado la pintura realista tratándola de “arte copista” y privilegiando un arte más conceptual, pobre en oficio pero que respondía a las “tendencias” del arte en ese momento que la mayoría de las veces están marcadas por las bienales, ferias de arte, curadores o galeristas con poder. También es importante destacar el surgimiento de agrupaciones de artistas realistas en Latinoamérica, como sucede en Perú, Argentina y en el caso de España incluso hay un concurso anual de pintura y escultura realista que está posibilitando la creación de una importante colección de realismo contemporáneo y la participación de artistas de todo el mundo. Creo que las acciones colectivas son muy importantes para lograr que un estilo logre afianzarse y generar nuevas oportunidades para que los jóvenes talentos encuentren un lugar donde mostrar sus trabajos.
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Entrevista al artista Daniel Joglar
Daniel Joglar parte desde los materiales, se obsesiona con las formas y sus condiciones, orgánicas e inorgánicas, desde su compresión total siguen las imágenes. Para la primera edición de Bellos Jueves 2015, conversamos de pinturas, modos de dirigir la mirada y ninfas que nos miran con recelo. Matías Allende Contador: Generalmente tu obra está marcada por una reflexión de los materiales, los cuales muchas veces se aproximan con las obras a una retórica abstracta. Por lo mismo, y según el proyecto que presentarás para la primera edición de Bellos Jueves:
¿desde dónde arrancó esta reflexión formal y site specificque veremos el 30 de abril? Daniel Joglar: Generalmente parto desde el material, y eso me genera una imagen. En esta ocasión es el espacio el que determina el punto de partida. La importancia de los materiales de las salas de post-impresionismo y Guerrico, esto en el amplio sentido, desde obras hasta cuestiones respecto a la museografía. Ahora, el impresionismo para mí es muy importante, cada vez que lo estudié pensaba que era una especie de entrada para el arte
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contemporáneo. En el caso de la colección Guerrico es la disposición de las obras lo que me llama la atención. El museo generó una cartilla de lectura, para que los espectadores entiendan la relación entre ubicación y uso de las pinturas. La intervención trabajará desde la determinación de la mirada. Dentro de los biombos que construiré para este Bellos Jueves, se respectará el volumen de algunas obras en la cartilla; y estos determinarán el recorrido Tomó algo preexistente y pienso cómo esto modifica la percepción, eso continúa la reflexión que cruza toda mi producción. Daniel Joglar parte desde los materiales, se obsesiona con las formas y sus condiciones, orgánicas e inorgánicas, desde su compresión total siguen las imágenes. Para la primera edición de Bellos Jueves 2015, conversamos de pinturas, modos de dirigir la mirada y ninfas que nos miran con recelo. Matías Allende Contador: Generalmente tu obra está marcada por una reflexión de los materiales, los cuales muchas veces se aproximan con las obras a una retórica abstracta. Por lo mismo, y según el proyecto que presentarás para la primera edición de Bellos Jueves: ¿desde dónde arrancó esta reflexión formal y site specificque veremos el 30 de abril?
cartilla de lectura, para que los espectadores entiendan la relación entre ubicación y uso de las pinturas. La intervención trabajará desde la determinación de la mirada. Dentro de los biombos que construiré para este Bellos Jueves, se respectará el volumen de algunas obras en la cartilla; y estos determinarán el recorrido. Tomó algo preexistente y pienso cómo esto modifica la percepción, eso continúa la reflexión que cruza toda mi producción. D.J: Otra de las cosas que me interesó de la sala, además de las piezas que están allí, es la dimensión y el color. Hay un movimiento entre todas las piezas, que singulariza el lugar. La pretensión de movimiento entre los objetos es algo que me ha interesado regularmente en mi producción, de hecho, esto marcó en alguna medida mi inicio en el arte. Además la idea de tomar algo y amplificarlo, es algo que me interesa bastante. Generar una escenografía, lo cual es algo que podría bordear el diseño, además del teatro y otras formas de arte, es algo que me motiva; y lo cual no me genera problemas.
M.A.C: En general, puntos como el acondicionamiento de la mirada o las relaciones escenográficas que vas a crear, son cuestiones que determinaron de alguna manera la cultura y Daniel Joglar: Generalmente parto desde el la interacción de un público especializado o material, y eso me genera una imagen. En esta general durante el siglo XIX con las obras de ocasión es el espacio el que determina el pun- arte, especialmente durante la construcción to de partida. La importancia de los materiales del Estado Nación. ¿Hay alguna relación entre de las salas de post-impresionismo y Guerrico, tu obra y la historia nacional o del siglo XIX en esto en el amplio sentido, desde obras hasta América Latina? cuestiones respecto a la museografía. Ahora, el impresionismo para mí es muy imD.J: La verdad no, porque el contenido lo da la portante, cada vez que lo estudié pensaba forma, nunca empiezo a trabajar desde esas que era una especie de entrada para el arte máximas. En el caso de la intervención que contemporáneo. En el caso de la colección generaré para la primera edición de Bellos Guerrico es la disposición de las obras lo que Jueves 2015, el color y el ambiente es lo imme llama la atención. El museo generó una portante. Por ejemplo, en la sala 13 lo impor-
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tante es el tamaño de la ninfa y su relación con las demás pinturas. Esto de partir desde los materiales y no desde la idea, me parece que hace que trabaje a contrapelo del arte contemporáneo. Esto genera distancias, por supuesto, pero también algunas aproximaciones.
Entrevista a Inma Fierro Ésta vez es Inma Fierro, la artista que vamos a tener el placer de conocer a través de sus palabras y pensamientos. Inma es una artista de 28 años natal de Los Palacios, (Sevilla). Se formó en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona y hoy tenemos el placer de tenerla con nosotros, les animo a conocerla.
¿Cuándo empezó tu interés por la creación artística? He pintado, dibujado y escrito desde muy pequeña. Ya en la guardería hacía dibujos que desde el punto de vista de los maestros aconsejaban a mis padres fomentar dichas habilidades creativas y desde siempre he mantenido una relación muy íntima con la creatividad y las artes. ¿Es la pintura tu único medio de expresión plástica o artística o te interesan otros mecanismos? La escritura es otro medio que desde muy pequeña he trabajado y posteriormente la fotografía. Lo que ocurre que de estos dos medios, o dos lenguajes como me gusta definirlos, me valgo para dar mayor valor, o quizás, trabajar más la propia pintura conceptualmente, darle mayor fuerza desde su nivel físico-intelectual. ¿Cómo te definirías como artista? Como artista… ante todo expresionista abstracto, pero para llegar más a la síntesis de lo que hago, de lo que soy, alguien que replantea y estudia continuamente su relación con el mundo. Ideo, interpreto, realizo, (re)creo, expreso, grito… Las obras que nos muestras son tremendamente expresivas, ¿Crees que tu estilo expresionista ayuda a comunicar tus mensajes? Lo bonito y lo que hace interesante mi pintura, creo, no es sólo lo que expresa sino lo que pueda contemplar el propio espectador. Yo me baso en un lenguaje propio, un vocabulario personal que en todo momento te cuenta una historia, te dice cosas… pero mi objetivo
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no es que captes dichos mensajes… es básicamente que te enfrentes a esas imágenes, que a simple vista son extrañas y si no conoces la trayectoria personal puede que incluso indescifrables, pero lo mágico que tiene esta pintura es que te transporta a tus propias experiencias, tu propia psique y que te dirá cosas diferentes a lo que le pueda decir a otros… Ya sea por el color, por el tipo de educación visual que tengamos, por las propias vivencias experimentadas… lo interesante del expresionismo abstracto es que está abierto a un amplio abanico de posibilidades donde la base que acciona ese mundo de la propia experiencia es la imaginación. En ocasiones el título de la obra aparece pintado en la tela, ¿Cuál es el motivo que te impulsa a tomar éste recurso? La escritura fue un trabajo paralelo a la pintura en mis primeros contactos con el mundo creativo –expresionista. Realmente es una escritura que ha aparecido en mi última serie titulada “Dolores paríos” y que da coherencia al propio concepto que trabaja dicha serie. Necesitaba “expulsar” dichas vivencias y la palabra, el primer símbolo como yo la denomino, es lo más básico, es eso mismo: la primera señal que materializa una idea, por eso utilizo la escritura en cierta obras porque materializa y da aún mayor fuerza a aquello que quiero expresar. En muchas ocasiones, las entrevistas que se le hacen a artistas que pintan con un lenguaje abstracto, se centran en lo meramente formal. ¿Te ha pasado alguna vez? Sí, sí ha ocurrido, pero bueno, explicas cual es la base de tu trabajo e intentas conectar con
el publico desde lo que denominamos pintura –pintura. ¿Cómo te sentaría que mis preguntas solo se interesasen por “lo formal” o por la técnica? Podemos hablar de las formas en la pintura abstracta, aunque trabaje el mundo de las emociones y los sentimientos, no puedo negar ese mundo real y visual que nos persigue, todos partimos de algo denominado “forma”, un recuerdo, un momento, una vivencia personal tiene formas de las que la pintura abstracta parte. Y de la técnica podemos también hablar, de los materiales utilizados, del proceso en sí… No me sentaría mal, sólo que perderíamos, desde mi entender, la esencia de lo que es la pintura abstracta, de lo que en sí es la pintura-pintura que antes te he mencionado, de lo que de verdad es interesante en esta clase de trabajo.
¿Qué quieres comunicar con tu pintura? Con mi pintura comunico muchas cosas, pero lo interesante es ¿qué te dice mi pintura a ti? ¿qué sientes tú al verla? ¿te gusta, te disgusta? ¿te duele, te hiere, te apacigua o contenta? ¿te da serenidad, te recalcome? A mí mi pintura me dice muchas cosas, ¿qué te dice a ti? ¿Te importa que tu mensaje no sea comprendido por el público? Suele pasar que el público no lo comprende. No me molesta, es comprensible. A mí me suele pasar con otros artistas, otras obras, y si manejo un vocabulario personal y que yo misma he creado no es posible comprenderlo si no se estudia el recorrido del propio artista y sus bases creativas.
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¿Piensas en ello al crear? No pienso en el público al crear y no pienso si le gustará, si no, si lo entenderá… Si me preocupara dichos temas no haría la pintura que hago… Si nos preocupáramos, los artistas de todos los campos, del espectador en general creo que la misma creatividad no se desarrollaría en toda su potencialidad. Debemos experimentar y crear cosas que van desde nuestro interior, desde nosotros mismos… no podemos tener presente la opinión pública… eso es publicidad o marketing, muy lejos del arte.
conocimiento que basa sus opiniones en premisas que pueden ser refutadas, en comparaciones y valoraciones estéticas mucho más contundentes que cualquier otra opinión sin fundamento.
¿Cómo valoras exponer en un espacio virtual, si lo contraponemos a exponer en una galería? El espacio virtual es otro tipo de espacio al que afortunadamente podemos acceder ( y me dais la oportunidad en el vuestro). Debemos ser visto, ser conocidos, internet y el lenguaje 2.0 es otra forma de llegar al mundo, de una forma más abierta y libre. La experiencia no es la misma, es decir, visualizar una pintura en directo no es lo mismo que visualizar una fotografía de una pintura y todo lo que conlleva ese “mirar”, pero es algo maravilloso a la que mi generación puede acceder, me parece magnífico. Inma muchas gracias por permitirnos conocerte, la última y terminamos. ¿Qué es para ti la crítica de arte? Es una opinión desde una perspectiva consciente y llena de “sabiduría” de una obra de arte. Lo de sabiduría lo entrecomillo porque el crítico de arte, a diferencia de cualquier otro crítico o espectador, tiene un estudio o unos intereses hacia la historia del arte y un
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VARIEDADES El Museo Nacional de Arte Decorativo se complace en presentar esta exposición retrospectiva de las obras del multipremiado artista plástico argentino Miguel Ángel Vidal (1928 – 2009) Egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón tuvo como maestros a Eneas Spilimbergo y a Eugenio Daneri. Como Profesor de Bellas Artes y Diseñador gráfico investigó distintas corrientes artísticas: el naturalismo, el Post Cubismo y se interesó en la Abstracción y la Geometría. Integró el llamado Grupo Joven ( 1949 -1951) y fundó en 1959 , junto con Eduardo Mc Entyre el Movimiento de Arte Generativo de Buenos Aires, promovido por el coleccionista Ignacio Pirovano y el crítico de arte Rafael Squirru. En la declaración de 1960 de Mc Entyre y Vidal:
con veladuras y los límites se vuelven imprecisos y alcanzan una dimensión casi táctil. En 1981 el Correo Argentino hizo una emisión de sello postal con una de sus obras: -Expansión de la luz sobre la línea-(1981) Sus obras se exhiben en distintos museos de Europa y América- Recibió numerosos premios y estuvieron presentes en Bienales, por ejemplo la de San Pablo en 1965 y la de Tokio en 1980. Esta exposición retrospectiva de Miguel Ángel Vidal permitirá acercar al público visitante un artista excepcional. Visitas guiadas: A partir del mes de Julio – Sábados y domingos 17,30 hs.
”.Por eso adoptamos el término GENERATIVO que propone Ignacio Pirovano Coincidamos que su planteo es la expresión exacta que encuadra las motivaciones de nuestros actuales trabajos La pintura generativa ENGENDRA una serie de secuencias ópticas a través de un desarrollo generado por una forma, por ejemplo: un círculo, un cuadrado, una escala, etc. adoptando éstos una serie de desplazamientos en sentidos contrarios o consecutivos que siguen un perfecto desarrollo generativo complementados, a su vez, en una única forma total y otras muchas formas interiores discriminativas” según explicaciones del mismo artista sobre este movimiento” Además llegó a cabo una de las primeras ediciones de arte digital con imágenes realizadas en el Centro de Cálculo de las Escuelas ORT. Algunas de estas obras que fueron exhibidas en 1969 en nuestro país, hoy forman parte de la colección del Victoria & Albert Museum.
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A fines de la década del 70 y principios de los 80 la luz va prevaleciendo en su obra sobre otros elementos; las bandas de color son trabajadas
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En la Galería Okyo
Vladimir Da´ Costa expone Primavera El domingo 30 septiembre, a las 11 a.m., la Galería Okyo en Las Mercedes, inaugura una muestra del trabajo más reciente de Vladimir Da´ Costa, talentoso artista emergente. Primavera es el título de la exposición en la cual Da Costa parte de elementos de la naturaleza para convertirlos en pinturas, a través del dibujo y del collage. Para Alberto Asprino, curador de la exposición, la obra de Da´ Costa decodifica el lenguaje de la pintura para convertirlo en genuina e imperiosa necesidad expresiva, sensiblemente artística, muy humana. Opinión que coincide con la expresada anteriormente sobre la obra de Da Costa por críticos como Perán Erminy, Xiomara Jiménez y Juan Carlos Palenzuela, quien calificó de “magistral” la obra que este artista expuso en el II Salón Exxon-Mobil 2003. En la presentación de esta exposición
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