Estilos Gráficos by Janografo

HISTORIA / CARACTERÍSTICAS / REPRESENTANTES

ALEJANDRO VILLAR

Índice

Editorial

Editorial 3 Art Nouveau 4 Constructivismo ruso 14 Bauhaus 30 Art Deco 36 Estilo Suizo 46 Pop Art 51 Op Art 62 Psicodelia 72 New Wave 82

¿Qué estilos Gráficos existen? En esta revista te mostramos los estilos gráficos, sus representantes y obras más importantes. Nos basamos en una recopilación de imagenes e información histórica y descriptiva, tanto del estilo como de sus representantes. No todos los estilos tienen características y objetivos similares, es por eso que se pretende conocer un poco más de esto, ya que hoy en dia, toda la publicidad y diseño gráfico nacieron básicamente de estos estilos. Es necesario saber las bases del diseño actual para asi comprender lo que inspiró a muchas personas hoy en día.

ART NOUVEAU

El Art Nouveau

l Art Nouveau tiene como una de sus influencias al movimiento inglés de Arts and Crafts. Se desarrolló en varios países europeos y en los Estados Unidos, con la característica de ser el estilo más moderno y representativo de principios del siglo XIX, manifestándose tanto en las artes como en el diseño gráfico, arquitectura y el diseño de objetos cotidianos (mobiliario, decoración, etc.). El término “Art Nouveau” fue adoptado en Inglaterra y Estados Unidos; en Alemania se llamó “Jugendstil” (estilo joven); en Austria “Secesión”; en Francia “Le Style moderne”; en España “Modernista”. Como característica específica del estilo aparece el ornamento de formas orgánicas, por lo general vegetal muy relacionado con la ilustración y la fantasía. Con formas inspiradas en la naturaleza a partir de líneas onduladas y ornamentos florales y la influencia de los grabados japoneses, característico por tratar al espacio de la representación visual en forma plana o bidimensional (sin profundidad espacial). Desde la organización de los elementos plásticos y comunicativos, este estilo revoluciona las formas de diagramación espacial más libres y dinámicas, ya que los títulos y los textos participan activamente dentro del espacio de la ilustración y con los elementos decorativos (guardas, etc.), superando la estructura ortogonal y simétrica del estilo gráfico anterior, modificando cánones estéticos muy arraigados.

Características generales del Art Nouveau

as características que permiten reconocer al modernismo son: - La inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central. - El uso de la línea curva y la asimetría, tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración. - Hay también una tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente la representación estrictamente realista de éstos. - Una fuerte tendencia al uso de imágenes femeninas, las cuales se muestran en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas. - Una actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, con un guiño hacia lo erótico en algunos casos. - La libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas japonesas , que se ve en el gusto por la curva. - La aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las características anteriormente mencionadas en contraposición con las características habituales del objeto a decorar. Esto se puede observar en la aplicación en el mobiliario, en arquitectura, en los afiches o posters promocionales o en objetos de uso cotidiano donde el elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el objeto que decora.

REPRESENTANTES

Antoni Gaudí

rquitecto catalán, máximo representante del modernismo y uno de los principales pioneros de las vanguardias artísticas del siglo XX. Su figura es una de las más sorprendentes de la historia de la arquitectura, tanto por sus innovaciones, en apariencia intuitivas, como por su práctica aislada de las corrientes internacionales e imbuida a menudo en el mero trabajo artesanal. Antoni Gaudí i Cornet fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos. Dotado de una fuerte intuición y capacidad creativa, Gaudí concebía sus edificios de una forma global, atendiendo tanto a las soluciones estructurales como las funcionales y decorativas. Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la arquitectura toda una serie de trabajos artesanales que dominaba él mismo a la perfección: cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería, etc. Asimismo, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales, como su famoso “trencadís” hecho con piezas de cerámica de desecho. Después de unos inicios influenciado por el arte neogótico, así como ciertas tendencias orientalizantes, Gaudí desembocó en el modernismo en su época de mayor efervescencia, entre finales del siglo XIX y principios del XX. Sin embargo, fue más allá del modernismo ortodoxo, creando un estilo personal basado en la observación de la naturaleza, fruto del cual fue su utilización de formas geométricas regladas, como el paraboloide hiperbólico, el hiperboloide, el helicoide y el conoide.

Alfons Mucha

lfons Maria Mucha (24 de julio de 1860 - 14 de julio de 1939) fue un pintor y artista decorativo checo, ampliamente reconocido por ser uno de los máximos exponentes del Art Nouveau. Mucha produjo una gran cantidad de pinturas, pósteres, avisos e ilustraciones así como diseños para joyería, alfombras, empapelados y decorados teatrales (litografías) en lo que llegó a conocerse como el estilo Art Nouveau. Los trabajos de Mucha frecuentemente introducían mujeres jóvenes, hermosas y saludables, flotando en atuendos vagamente neoclásicos, frecuentemente rodeadas de exuberantes flores las que a veces formaban halos detrás de sus cabezas. Este estilo fue imitado con frecuencia. De todos modos, Mucha intentó distanciarse de tal estilo a lo largo de su vida, insistiendo que más que adherir a cierto estilo en boga, sus pinturas se originaban en su propia inspiración. Declaró que pensaba que el arte existía para transmitir un mensaje espiritual y nada más; de allí su frustración por la fama que logró a través de un arte básicamente comercial. Por ende siempre quiso concentrarse más en proyectos elevados que ennoblecieran el arte y su lugar de nacimiento. Mucha visitó los Estados Unidos entre 1906 y 1910, retornando luego a tierras checas para establecerse en Praga, donde decoró el Teatro de Bellas Artes así como otros lugares distintivos de la ciudad.

Henry van de Velde

enry van de Velde (Amberes, 3 de abril de 1863 - Ober-Ägeri, Suiza, 15 de octubre de 1957), arquitecto, diseñador industrial y pintor belga que trabajó en varios países europeos (Francia, Alemania, Suiza y Holanda). Estuvo ligado al Modernismo pero más tarde evolucionó hacia el Racionalismo mostrándose partidario de la ausencia de ornamentación. Defendió sus ideas sobre el arte en escritos como El arte futuro (1895) y Observaciones generales para una síntesis de las artes (1895). Pensaba que todas las artes debían subyegarse a las artes decorativas, ya que mejorando el entorno del hombre, el hombre mejoraba. Por ese motivo diseñaba hasta el último detalle de sus espacios. Obras importantes - Decoración interior del Museo Folkwang, en Essen (Alemania). - Teatro Werkbund, en Colonia (Alemania). - Biblioteca de la Universidad de Gante (Bélgica). - Museo Kröller-Müller de Otterlo. - Casa Miss Ansiue en Bélgica - Casa Baiman

CONSTRUCTIVISMO RUSO

Inicios

l constructivismo aparece por primera vez como un término positivo en Manifesto Realista de Naum Gabo en 1920. Alexei Gan utilizó la palabra como el título de su libro Constructivism, impreso en 1922. Constructivism a su trabajo, mientras que su abstracción geométrica se debió, en parte, al Suprematismo de Kasimir Malevich. La base de enseñanza para el nuevo movimiento fue puesta por el Comisariado del Pueblo para la Educación (o Narkompros) del gobierno de Bolchevique, a cargo del Ministerio de Cultura y Educación dirigido por Anatoli Lunacharski que suprimió la vieja academia de Petrogrado de Bellas Artes y la Escuela de Moscú de Pintura, Escultura y Arquitectura en 1918. La oficina artística del Comisariado funcionó durante la Guerra Civil rusa principalmente dirigida por futuristas, que publicó el diario Arte de la Comuna. El centro del constructivismo en Moscú residía en VKhUTEMAS: la escuela para el arte y el diseño, establecida en 1919. Gabo señaló más adelante que la enseñanza en la escuela fue orientada más en la discusión política e ideológica que en la creación artística.

Constructivismo ruso

l constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. Es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte "puro" del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista. El término Construction Art (arte de construcción) fue utilizado por primera vez en forma despectiva por Kasimir Malevich para describir el trabajo de Alexander Rodchenko en 1917.

Tatlin “arte constructivo” y productivismo

a obra canónica del constructivismo fue la propuesta de Tatlin para el Monumento a la III Internacional (1919) que combinaba una estética de máquina con componentes dinámicos que celebraban la tecnología, como los reflectores y las pantallas de proyección. Gabo criticó públicamente el diseño de Tatlin diciendo o se crean casas y puentes funcionales o el puro arte por el arte, pero no ambos. Esto llevó a una división importante dentro del grupo de Moscú en 1920 cuando el Manifiesto Realista de Gabo y Pevsner afirmó la existencia de un núcleo espiritual para el movimiento. Esto se oponía a la versión del constructivismo adaptable y utilitaria que sostenían Tatlin y Rodchenko.

Arte al servicio de la revolución

sí como estuvieron envueltos en trabajos de diseños industriales, los Constructivistas trabajaron en festivales públicos y diseños de carteles callejeros para el gobierno de la revolución Bolchevique post-Octubre. Quizás el más famoso de esos se dio en Vitebsk, donde el grupo UNOVIS de Malevich pintó placas de propagandas y edificios (el más conocido era el poster de Lissitzky: Golpea a los blancos con la cuña Roja (1919). Inspirado por la declaración de Vladimir Mayakovsky "las calles nuestros pinceles, las plazas nuestras paletas", artistas y diseñadores participaron en la vida pública durante la Guerra Civil. Una instancia determinante fue el festival propuesto para el congreso del Comintern en 1921 por Alexander Vesnin y Liubov Popova, que reensamblará las construcciones de la exhibición OBMOKhU así como realizará trabajos para el teatro. Hubo un gran momento en este periodo entre el Constructivismo y el Proletkult, cuyos ideales concernieron en la necesidad de crear una estructura cultural completamente nueva y acorde a los Constructivistas. En suma algunos de los constructivistas estuvieron fuertemente envueltos en la "Ventana ROSTA", una campaña de información pública Bolchevique alrededor de los años 20. Algunos de los más famosos de esta fueron el pintor y poeta Vladimir Mayakovsky y Vladimir Lebedev.

REPRESENTANTES

Vadim Meller

adim Meller (1884 - 1962) fue un pintor ruso, artista vanguardista (Cubismo, Constructivismo), diseñador y escenógrafo. Vadim Meller nació en San Petersburgo. Su padre, George Meller, era un noble nacido sueco, su madre, Helen Caruso, medio italiana y medio griega, procedía también de una familia noble. Después de graduarse en en Derecho por la Universidad de Kiev, adquirió una educación artística en la Academia de Bellas Artes de Múnich. Estuvo en estrecho contacto con el grupo Der Blaue Reiter. Se hizo amigo de Vasily Kandinsky. Comenzó a exponer sus obras después de trasladarse a París, donde formó parte de la Sociedad de Artistas Independientes. En 1912-1914 participó en exposiciones junto con Kasimir Malevich, Sonia Delaunay, Alexander Archipenko y Aleksandra Ekster: Salón de los Independientes, Salón del resorte y Salón de Otoño junto a Pablo Picasso, Georges Braque y André Derain.

Aleksandr Ródchenko

leksandr Mijáilovich Ródchenko (San Petersburgo, 5 de diciembre de 1891 - Moscú; 3 de diciembre de 1956), escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso, fue uno de los artistas más polifacéticos de la Rusia de los años veinte y treinta. Fue uno de los fundadores del constructivismo ruso y estuvo casado con la también artista Varvara Stepánova. Ródchenko nació en San Petersburgo, su familia se mudó a Kazán en 1902 y estudió en la Escuela de Arte de Kazán, donde impartían clase Nikolái Vesnín y Georgi Medvédev, y en el Instituto Stróganov en Moscú. Él hizo sus primeros dibujos abstractos, influido por el Suprematismo de Kasimir Malevich, en 1915. Al siguiente año, participó en "The Store", exhibición organizada por Vladímir Tatlin, quien ejerció una gran influencia en su desarrollo como artista. Ródchenko, como muchos miembros del avant-garde, se alinearon con los bolcheviques, que lo nombraron Director de la Oficina del Museo y del Fondo de compras en 1920. Fue el responsable de la reorganización de las escuelas de arte y de los museos. Entre 1920 y 1930 también impartió clases en el Estado Superior de Talleres de Artistas-Técnicos(Vjutemas/ Vjutein). Ródchenko volvió a pintar a finales de 1930 y paró de fotografiar en 1942, produciendo cuadros expresionistas abstractos en los años 40. Él continuó organizando exhibiciones de fotografías para el gobierno durante estos años. Murió en Moscú en 1956.

Cartel de Kinoglaz (1924) dise帽ado por Aleksandr R贸dchenko

Varvara Stepanova, Diseño Textil, 1924, Coleción Privada.

Varvara Stepánova

arvara Fiódorovna Stepánova(1894-1958), fue una artista rusa relacionada con el movimiento constructivista. Procedía de una familia campesina, pero obtuvo una educación en la Escuela de Arte Kazán, en Odesa. Allí conoció a su amigo y colaborador Aleksandr Ródchenko. En los años que precedieron a la Revolución Rusa de 1917 compartieron un apartamento en Moscú con Vasili Kandinski y a través de él conoció a Aleksandra Ekster y Liubov Popova. Estos artistas pronto se convirtieron en algunas de las principales figuras de la vanguardia rusa. El nuevo arte abstracto en Rusia que comenzó alrededor de 1909, fue una culminación de influencias del cubismo, el futurismo italiano y el arte campesino tradicional. Stepánova diseñó obras «cubo-futuristas» para varios libros de artistas.

Poster para "An Evening of the Book," 1924, Fotomontaje.

Antoine Pevsner

ntoine Pevsner (18 de enero de 1888 - 12 de abril de 1962) fue un escultor nacido en Orel, Rusia, hijo de un ingeniero. Junto con su hermano Naum Gabo, recibe una primera formación científica que le aporta el espíritu de investigación con el que toda su obra se desarrolla. En 1911 abandona la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo y viaja a París, donde admira los trabajos de Delaunay, Gleizes, Metzinger y Léger. En una segunda visita a París en 1913, conoce a Modigliani y a Archipenko, que estimulan su interés hacia el cubismo; en ese mismo año ve la exposición de Boccioni sobre construcciones arquitectónicas, que le interesa profundamente. Pasa los años de la guerra con su hermano en Oslo; allí "durante dos años digieren juntos todas sus experiencias y desarrollan el arte que más tarde llamarían Constructivismo... Se puede suponer que Pevsner aportó su conocimiento sobre técnicas artísticas, Naum su aproximación científica a los materiales y a la forma.

Konstantín Mélnikov

onstantín Stepánovich Mélnikov (3 de agosto de 1890, Moscú - 28 de noviembre 1974, id.) fue un arquitecto ruso y la mayor figura del constructivismo Ruso del siglo XX. Mélnikov nació en una familia de clase obrera en Hay Lodge, un barrio suburbano cercano a Moscú. Desde 1910 a 1914 estudió pintura en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. Desde 1914 a 1917 fue un estudiante de arquitectura en la escuela en la que se graduó en Arquitectura. Su primer trabajo, por encargo de la AMO Fabrica de coches en Moscú, donde estuvo trabajando en la revolución de Octubre, es clásica, conservadora y académica. Después de asistir a la Escuela del Estado de Moscú en 1923 el estilo de Mélnikov cambia radicalmente.

omenzando con un pabellón para la Exposición de la agricultura y artesanía de todas las Rusias (1923), Mélnikov se embarca en un línea de innovación y encargos de alto nivel: el sarcófago en el Mausoleo de Lenin en 1924 y el Pabellón Soviético en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas en París (1925). El edificio de París atrajo la atención internacional, y fue mirado como uno de los más progresistas edificios de la feria. El estilo de Mélnikov es difícil de categorizar. En sus experimentales usos de materiales y formas más su atención a la funcionalidad, tiene algo en común con los auto-denominados Expresionistas anteriores a la 1ª Guerra Mundial, arquitectura de los alemanes Eric Mendelsohn y Bruno Taut, ambos trabajaron brevemente en Rusia en esa época. Es frecuentemente referenciado como Constructivista porque la influencia en Mélnikov de Vladimir Tatlin, y porque el deseo de Mélnikov era que sus edificios pudieran expresar los valores sociales soviéticos revolucionarios, aunque al mismo tiempo defendió publicamente en numerosas ocasiones el derecho y la necesidad de la expresión personal, que reivindicó como única fuente del diseño delicado.

László Moholy-Nagy

ászló Moholy-Nagy (Bácsborsard, 20 de julio de 1895 - Chicago, 24 de noviembre de 1946) fue un fotógrafo y pintor húngaro. Ha pasado a la historia como uno de los más importantes profesores y teóricos del arte y de la fotografía desde su trabajo en la Escuela de la Bauhaus alemana. Durante su labor en ella estuvo acompañado de su mujer, Lucia Moholy (nacida Schulz), a la que había conocido anteriormente en Berlín y que era una discreta pero excelente fotógrafa.

Precursión de l afía

l amor le llegó en 1920 una vez instalado en Berlín. Allí conoció a la que en un futuro se convertiría en su esposa, Lucía Schulz (más conocida como Lucia Moholy). La pareja experimentó al máximo la fotografía y realizaron interesantes fotogramas, los cuales datan de 1922 y alcanzaron la fama. Un año más tarde, la escuela Bauhaus elige a Moholy-Nagy para que se haga cargo del taller de trabajos de Metal. Posteriormente, el director del curso, Johannes Itten, abandonó la escuela y Moholy-Nagy ocupó su cargo. En este periodo se volcó en el estudio de los efectos de equilibrio y presión de los materiales y se convirtió en el precursor de la fotografía Bauhaus.

The poster for the Bauhaus Exhibition in 1923

BAUHAUS

Contexto Histórico

a Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933. La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en las dos primeras décadas del siglo XX, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo.

a modernización conservadora del Imperio alemán durante la década de 1870 mantuvo el poder en manos de la aristocracia. Esto exigía también, del militarismo y el imperialismo para mantener la estabilidad. Para 1912 el auge de los izquierdistas del SPD ha galvanizado las posiciones políticas con conceptos de la solidaridad internacional y de establecer el socialismo contra el nacionalismo imperialista. Sectores del proletariado demuestran una creciente capacidad de organización, cuestión que es forzosamente potenciada por la hiperinflación alemana y la cada vez más evidente crisis económica. Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, la Bauhaus no se marginó de los procesos políticos-sociales, manteniendo un alto grado de contenido crítico y compromiso de izquierda. La Bauhaus -como demuestran los problemas que tuvo con políticos que no la veían con simpatía- adquirió la reputación de ser profundamente subversiva.

Relación con el diseño

a Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (Heinrich von Eckardt). Dada su importancia las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1996. Siendo director Ludwig Mies van der Rohe, la escuela sufrió por el acosante crecimiento del Nacional Socialismo, debido a que la ideología Bauhaus era vista como socialista internacionalista y judía. Los Nazis cerraron la escuela. Muchos de los integrantes de la misma, entre ellos el mismo Walter Gropius, refugiados, se instalan finalmente en Estados Unidos para seguir con sus ideales.

a teoría de la Bauhaus sobre la enseñanza del diseño incluía un artista y un técnico en cada estudio de clase. De esta manera, los alumnos usaban su creatividad de forma libre y, simultáneamente aprendían la técnica. Los alumnos practicaban en los talleres por periodos cortos, con el fin de que entendieran la tecnología para la que posteriormente diseñarían. Los principios fundamentales de la Bauhaus los podemos resumir en los siguientes: - Ruptura con lo tradicional y con los estilos preestablecidos. - Predominio de la función sobre la forma. - Interrelación estrecha entre, por un lado, la arquitectura y el diseño y, por otro, las ciencias aplicadas. - Adecuación de la vivienda a los recursos y necesidades humanas. - Una efectiva planificación urbana.

on estos principios básicos se puso en marcha, de manera fundamental, la producción de enseres de uso doméstico y muebles. Los productos resultantes de la Bauhaus se alejaban mucho de la clásica ornamentación excesiva predominante en aquel momento. Por el contrario, poseían líneas limpias y claras, formas geométricas sencillas y, de manera característica, daban la impresión de estar hechas industrialmente y no a mano. Fue realmente entonces cuando se empezó a hablar de hacer diseños industriales en forma positiva. Se trataba de crear productos que fueran funcionales pero que a la vez presentaran un diseño atractivo para el mercado, manteniendo bajos los costos de producción. Para lograrlo, se empezó a producir con materiales comunes y baratos como el metal, el vidrio, el cristal y la madera, entre otros.

ART DECO

Contexto Histórico

l Art deco fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), influenciando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía. Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizan la ‘Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes’ en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; en realidad, el término Art Decó fue acuñado en la retrospectiva titulada “Les Annés 25” llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966[1], en francés el término se escribe Art Déco y en inglés Deco.

l Art Decó era casi puramente decorativo, por lo que se considera un estilo burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el Decó es sólido y posee una clara identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución industrial. En primer lugar el Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la esfera y la línea recta, además de los imprescindibles zigzags; conjuntos horizontales y verticales de líneas rectas, o bien perpendiculares combinadas con medias circunferencias y circunferencias enteras, además de los exágonos y los octágonos.

REPRESENTANTES

A. M. Cassandre

dolphe Jean-Marie Mouron (24 de enero de 1901 – †17 de junio de 1968), conocido por el seudónimo de Cassandre fue un cartelista y diseñador gráfico francés de origen ucraniano. Fue uno de los impulsores del estilo y de la concepción del cartel publicitario entre 1925 y 1939. En sus distintos trabajos se observan una gran síntesis a partir de la economía de recursos visuales utilizados, como: formas a partir de dibujos estilizados, colores modelados acentuado por formas simples, planas y acentuando la bidimensionalidad del cartel.

Tamara de Lempicka

ue una pintora polaca que destacó por la belleza de sus pinturas, de pleno estilo art decó. Su obra se basa en retratos femeninos. Siguiendo el estilo de la pintura art decó, pinta mujeres etéreas, aunque a la vez férreas; son sus mejores ejemplos, junto con los desnudos. Sus influencias principales son Botticelli, Bronzino, el retrato manierista en general, y el Cubismo, pero sin llegar al arte abstracto. Por ejemplo “La mujer dormida”. También retrató a su hija en varias ocasiones y a personas relacionadas con la burguesía artística de París y Nueva York. Su estética ha atraído a estrellas del espectáculo como Barbra Streisand y Madonna, de quienes se dice que coleccionaban sus pinturas. Madonna se inspiró en esta pintora para su video musical Vogue de 1990. También aparece un cuadro de Tamara en el de Open your heart, de la misma cantante.

Lucien Achille Mauzan

auzan (1883-1952, Francia) considerado como el afichista más prolífico de la industria cinematográfica (1500 carteles en cuatro años), influenciado por el movimiento futurista, se instala en Buenos Aires en 1927. Trabaja para la Compañía general de fósforos, Bilz, cervecería Quilmes, Cafiaspirina, entre otras; Siendo el autor de uno de los icónos más importantes de la publicidad porteña: “la cabeza del Sr.Geniol”, donde incorpora el humor a la comunicación visual publicitaria.La tendencia Art Decó en Argentina aparece en los últimos años de la década de 1920. Innova principalmente en términos de novedades tipográficas de características decorativas, con mezcla de elementos ornamentales de dibujo estilizado.

ESTILO SUIZO

Contexto Histórico

n la primera mitad del siglo XX, Suiza se encontraba en una situación social, política y económica que ofrecía en el ámbito de la creación gráfica, unas condiciones idóneas para su libre desarrollo, en contraposición a los países vecinos, Alemania, Francia e Italia, entonces sumidos en graves conflictos políticos y sociales. Por ello, numerosos tipógrafos y artistas gráficos, procedentes de estos países, escogieron Suiza, durante estos años, como lugar de residencia, deseosos de encontrar un ambiente propicio, que no pusiera trabas al desarrollo de todo su potencial creativo.

Influencias

os hechos van a influir de forma determinante, en el posterior desarrollo de la tipografía en este país: por un lado, la influencia de la Bauhaus, que había sido cerrada en Alemania, en 1933, como consecuencia del creciente nazismo; por otro lado, los influyentes trabajos de Jan Tschichold, profesor de la Escuela de Munich, que se trasladó a Suiza, donde vivió hasta su muerte en 1974, a excepción de una corta estancia de tres años en Londres. Las corrientes vanguardistas de principios del siglo XX, la influencia de los dos acontecimientos citados, y el nacimiento del grupo propio, encabezado por Max Bill, puede considerarse como el precedente del movimiento tipográfico suizo, representado por la creación de tipografías de palo seco y la utilización de la composición asimétrica.

Desarrollo Tipográfico

os numerosos alfabetos que se diseñan en estos años están orientados a despojar al carácter de los rasgos que se pudieran considerar accesorios, para valerse únicamente de los imprescindibles, con el fin de potenciar su funcionalidad. Sin embargo, algunos de estos experimentos, resultarán en la práctica infructuosos, entre otras razones, por la rigidez de sus planteamientos. Frente a la composición tradicional centrada, la composición asimétrica aportaba la distribución de la información en la página sobre puntos invisibles de tensión compositiva. La maquetación del texto en bandera invadió todos los impresos, frente al justificado tradicional, en un intento de resaltar el carácter dinámico y activo que el hecho de la visión y la lectura tienen. -Comienza la gestación de un nuevo grupo de familias tipográficas. -De palo seco pero con armonía formal innovadora. -Revolucionan el mundo visual de la comunicación. -Se despojan de rasgos accesorios -Potencian la funcionalidad -Composición asimétrica -Uso de una rejilla modular -Completísima gama de matices -Maquetación del texto en bandera

Helvetica Icono de la escuela suiza - Creada por Max Miedinger - 1957 – Escuela de Zurich - Creada para la fundición Haas -Originalmente titulada Neue Haas Grotesk -Su diseño está basado en una anterior tipografía llamada Berthold Akzidenz Grotesk que data de 1896. - La Helvética destaca por la impecable homogeneidad en la mancha tipográfica - Inmensamente popular a fines de los 60 y los 70, debido a su enorme influencia dentro del “Estilo Internacional” -Fue una fuente casi perfecta que se podía usar para todo

POP ART

Contexto Histórico

Richard Hamilton, collage Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?, primera obra Pop Art

l Pop Art tiene sus orígenes en Londres, en 1952, cuando un grupo de jóvenes artistas se propusieron una renovación del hecho artístico. El término “Pop-Art” fue utilizado por primera vez por el crítico holandés Lawrence Alloway en 1958, al definir las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi entre otros. Otro crítico, Lewis Gennig, puso énfasis en esta denominación hacia 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo con el empleo de imágenes populares; de este modo quedó relegado el término NeoDada o neodadaísmo para la entonces nueva corriente estética. Se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books y objetos culturales «mundanos». El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

El pop art se divide en 4 fases:

rimera fase pre- pop: donde rauchenberg y jhons ( principales exponentes) se separan del expreionismo abstracto. Segunda fase de apogeo del pop art: su obra se basa en la de los a単os 50s y parte de la experiencia del dibujo publicitario, el dise単o y dibujo de carteles.Principales exponentes: andy warhol, roy lichstenstein,claes oldenburg,james rosenquist, tom wesselmann y robert indiana Tercera fase: a mediados de los 60s el pop art sufre una extension desde new york, hasta la costa oeste y canada.mas tarde llegaria tambien hasta europa. Ultima fase: esta determinada por el realismo radical y mordaz desarrollado sobre todo en estados unidos, cuya mirada se dirige a las condiciones socialistas de las ciudades.

REPRESENTANTES

Andy Warhol

ndrew Warhola (n. Pittsburg, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Ha sido objeto de numerosos análisis, exposiciones de arte, libros y películas, como el documental “I Shot Andy Warhol”. Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración sobre los «15 minutos de fama» que cualquier persona puede conseguir. Esta frase en cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows. Fue personaje polémico durante su vida (algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas) y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y documentales. Gracias a esta fama y a la polémica al igual que a sus revolucionarias obras está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

Roy Lichtenstein

oy Fox Lichtenstein (Nueva York, 27 de octubre de 1923 – Nueva York, 29 de septiembre de 1997), pintor estadounidense de arte pop, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic.Obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad estatal de Ohio en 1949. Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederic Remington. A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva. Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso.

Claes Oldenburg Claes Oldenburg (nacido el 28 de enero de 1929) es un escultor estadounidense, pionero del Pop Art. Es conocido sobre todo por sus instalaciones de arte pĂşblico que representan rĂŠplicas a gran escala de objetos cotidianos. Otro tema en su obra son las versiones en escultura blanda de objetos normalmente duros.

Jasper Johns

asper Johns (Augusta, Georgia, 15 de mayo de 1930 - ) es un pintor, escultor y artista gráfico estadounidense que ha integrado a su expresión pictórica una serie de elementos del Arte Pop. En 1951 empezó a pintar obras que se centraban en temas como banderas estadounidenses, números y letras del alfabeto escolar. Pintaba con objetividad y precisión, aplicando gruesas capas de pintura de modo que el propio cuadro se convirtiera en un objeto y no sólo en la reproducción de objetos reconocibles. Esta idea de ‘arte-como-objeto’ se convirtió en una poderosa influencia, bastante fuerte, en la escultura y la pintura posteriores. En algunos cuadros Johns añadía objetos reales sobre el lienzo, como reglas , compases, penes de goma, consoladores , entre otros. A principios de 1978 volvió a abrir una nueva senda al exponer en la ciudad de Nueva York un ciclo de cuatro obras tituladas Las estaciones. Se considera que estas pinturas, de 2 mm por 1,25 mm, han sido especialmente significativas para la historia del arte estadounidense.

OP ART

Contexto Histórico

l Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958, conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art; abreviación de Optical Art. El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica. Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión. En Europa, se desarrolló un movimiento llamado nueva tendencia, que tenía bastantes aspectos similares al movimiento norteamericano.

REPRESENTANTES

Yaacov Agam

aacov Agam (Rishon LeZion, Israel, 11 de mayo de 1928), artista cinético, plástico y escultor israelí. Comenzó sus estudios artísticos con el maestro Mordechai Ardon en la Escuela de Artes y Oficios de Bezalel, luego se trasladó a a Zúrich y luego a la Academia de Arte Abstracto de París. En 1950 hizo su primer experimento cinético, 3 años más tarde expuso por primera vez y en 1955 fue uno de los partícipes de la primera muestra internacional del arte en la galería Denise René en París. En la Bienal de París de 1959 fue expuesta su obra, el mismo año en Amsterdam y con el título de El Movimiento en el Arte tuvo una destacada exposición. En 1963 ganó el primer premio en la Bienal de San Pablo, Brasil. Su obra se destaca por la interactividad que existe entre artista y espectador ya que las obras de Agam suelen tener una pantalla y pequeñas perforaciones por las cuales la obra se ve de distintas maneras según el enfoque de quien mira su arte. Por otra parte, sus esculturas son generalmente de acero inoxidable y tienen grandes dimensiones. La sorpresa que generó en el mundo del arte hizo que reparticiones públicas y asociaciones de bien le solicitaran su trabajo para sus instalaciones como el Centro de Congresos de Jerusalén y la escultura que se encuentra en la Juilliard School of Music de Nueva York.

Víctor Vasarely

ásárhelyi Győző, mayormente conocido como Víctor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1908 - Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art. Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía. Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).

Bridget Riley

ridget Riley (nacida en Londres, Reino Unido, Bridget Riley (1931- ), pintora inglesa, figura destacada dentro del movimiento artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos. Riley nació el 25 de abril de 1931 en Londres; allí estudió entre los años 1949 a 1952 en el Goldsmiths College, donde se especializó en dibujo, y más tarde en la Royal Academy. A finales de la década de 1950 le influyó el puntillismo de Georges Seurat, ya que el pintor Maurice de Sausmarez, gran admirador de la obra de Riley, a la que más tarde dedicaría un trabajo monográfico (1970), la persuadió para estudiarlo. Sin embargo, Riley alcanzó una gran reputación a través de las obras abstractas que ejecutó en la década de 1960, celebrándose más tarde diferentes exposiciones retrospectivas de sus trabajos, como la que organizó en 1971 la Galería Hayward. Después de su primera etapa puntillista, Riley experimentó hacia 1960 con una pintura de grandes superficies de colores planos, antes de realizar numerosas obras en blanco y negro entre 1961 y 1965.

n su segunda etapa, se concentró en la creación de series de formas geométricas, sutilmente diferentes en tamaño y forma para conseguir un remarcado sentido de movimiento, tal y como puede apreciarse en La Caída (1963, Londres). A finales de la década de 1960 Riley experimentó con otro tipo de mecanismos ópticos, pintando líneas con colores puros complementarios, cuya yuxtaposición afectaba a la percepción brillante de los colores individuales. Durante la década de 1970 aumentó su gama de colores, incluyendo tanto el negro como el blanco. A pesar de su alto grado de abstracción, las obras de Riley tratan de evocar su propia experiencia visual del mundo, lo que puede comprobarse, por ejemplo, en las series de pinturas que realizó en 1980 tras un viaje a Egipto. La importancia de Riley se debe, sobre todo, a su contribución al desarrollo del Op Art. Además de influir en el trabajo de artistas de otros países, tuvo diferentes ayudantes que completaron muchas de sus pinturas siguiendo sus diseños e instrucciones. Este hecho hace hincapié en que, al igual que la mayor parte del arte de finales del siglo XX, el elemento conceptual de su trabajo llega a ser más importante que la cualidad individual de su ejecución.

Akiyoshi Kitaoka

kiyoshi Kitaoka es profesor de Psicología en la Universidad de Ritsumeikan en Kyoto (Japón). Desde hace años se ha dedicado a estudiar las ilusiones ópticas creando imágenes sorprendentes. El efecto de post-imagen causado por el cansancio de la retina (como cuando después de recibir un destello intenso de luz como un flash nos que da un punto oscuro en nuestra visión) produce este tipo de ilusiones.

PSICODELIA

Contexto Histórico

a psícodelia es un estilo artístico, representado principalmente en la gráfica y la música durante las décadas del 60`y el 70` siendo algunas de sus características principales los escenarios coloridos y bizarros. El movimiento psicodélico debe su nombre del científico británico Humphry Osmond quién quiso definir esta contracultura que se daba entre los jóvenes por el uso de sustancias alucinógenas como drogas u hongos en la década del 60`; éste la definió a partir de los términos griegos “psique” que significa alma y “delios” que significa manifestación, por lo que se puede definir como una manifestación del alma.. Este estilo artístico se fue popularisando por el uso e drogas alucinógenas, tratando de expresar las visiones que daban, la deformación de la realidad, ilusiones ópticas, experimentación, efectos visuales.

Características

a gráfica psicodélica se caracteriza por obras muy imaginativas, coloridas, confusas, usualmente sin un significado claro por solo ser imágenes de viajes psicodélicos provocados por el uso de drogas alucinógenas, también se usó mucho el collage para transformar situaciones e imágenes cotidianas en situaciones surrealistas como lo hicieron los dadaístas. Otro elemento característico son el uso de elementos orinetales como motivos de tapices en la gráfica o instrumentos indios en la música, se logró una fusión de las culturas orientales y occidentales. Las ilusiones vistas en las obras suelen ser muy detalladas y coloridas, como crear mundos de ilusión en los que adentrarse, muchas veces como la imagen vista a travéz de un caleidoscopio o por la simple mezcla de pinturas. Las tipografías que acompañan estas obras suelen tener formas curvas y estilizadas, pero salidas de las reglas geométricas. Los colores son muy variados y brillantes, siendo muy común el uso de pinturas fluorescentes. Muchos de los artistas de esta época trabajaban bajo los efectos de drogas para desarrollar su imaginación. Con el tiempo la importancia de esta contracultura y su estilo fueron dificiles de evitar y muchos vieron su aporte comercial por lo que se puede encontrar en publicidad, portadas de discos, afiches y libros de la época. La mayoría de las obras no poseían un significado, pero algunas de ellas tomaban elementos clásicos como cuentos y personajes que los distorcionaban demostrando situaciones políticas y sociales, otro tema importante era la naturaleza y el amor que posteriormente derivó en una contracultura más social y política que fue la coltura hippie.

Uso de alucinógenos

l uso de drogas y alucinógenos fue parte importante de la inspiración de los artistas gráficos y musicales por sus efectos en el sistema nervioso que modifican la percepción de la realidad y las emociones. Algunas de las más usadas eran el LSD, morfina, marihuana, mescalina, psilocibina, peyote, hongos alucinógenos, sustancias corporales de anfibios, ketamina, salvia divinorum y el DMT. Las sensaciones que provocan se suelen llamar sinestecia, es decir darle características u magnitudes inaplicables o imposibles a un objeto, entre los efectos que llevan al llamado viaje o experiencia picodélica es escuchar y hablar con objetos inanimados, experiencias extracorporales, fusión con objetos, distorsión de la percepción del tiempo, cambios de personalidad, escuchar música desconocida, sentir una conección con el universo, la sensación de movimiento a velocidades infinitas y otras experiencias metafísicas, en general mientras más fuerte alucinógenos o dosis más grandes se pierde la percepción de la realidad y los sentidos. Con el tiempo muchas de estas drogas fueron ilegales por lo que el apogeo del uso de estas durante los 60` y 70` fue decayendo.

REPRESENTANTES

Mati Klarwein Es un pintor surrealista alemán, destacado por sus diseños psicodélicos para portadas de discos usando pintura y collage, entre algunas de sus obras más destacadas están las portadas del segundo disco de Santana titulada Abraxas, junto a otras famosas portadas de grupos y músicos como Gil Evans, , Jerry García, y Mark Egan.

Rick Griffin

rtista norteamericano nacido en California reconocido por sus afiches y comics sicodĂŠlicos, tambiĂŠn por su relaciĂłn con la vida de surfista que se denota en sus personajes. Sus obras fueron muy bien recibidas durante sus colaboraciones en comics y con varios grupos musicales siendo contratado por una empresa de posters.

Poster de Rick Griffin & Victor Moscoso, 1968 Jimi Hendrix at Winterland, SF.

Alton Kelley Norteamericano nacido en california, famoso artista psicodélico reconocido por sus famosos posters para conciertos de artistas como Jimmy Hendrix y Gratateful Dead y la mezcla de elementos psicodélicos con tipografías y figuras del Art Nouveau. Con el tiempo y junto a su amigo Sanley Mouse se diversificaron hacia el diseño de poleras durante los 70’s.

Víctor Moscoso

acido en España, famoso por sus posters de conciertos pero mayormente es reconocido por su trabajo en la revista de comics “ZAP” agregando elementos característicos como gráfica Vintage, tipografías ilegibles y colores vibrantes.

El Retorno de la Psicodelia

uchos de los elementos usados en la gráfica psicodelica provenian del modernismo, art nouveau y el surrealismo, pero por muchos elementos propios se puede ditinguir de estos, como la tipografía, el uso de colores y las imágenes alteradas de la realidad, fuera de la imaginación e incluso dificilmente representables y su influencia perdura hasta nuestros días.. La gráfica y música psicodélica con la década del 70`fue siendo desplazada por otros movimientos como el hippie que aunque posee muchos elementos característicos de la psicodelia como el uso de colores llamativos y mayormente el uso de alucinógenos como inspiración, tiene un origen más político y social, enfocado en la busqueda de la paz y el aprecio por la naturaleza.

NEW WAVE Contexto Histórico

l new wave se desarrolla al amparo de los experimentos tipográficos que buscan una tipografía más objetiva y expresiva ocupando las nuevas tecnologías computacionales para su búsqueda. Cuestionan la rigidez y rigurosidad del Estilo Internacional Suizo. El New Wave se sitúa al inicio del Post modernismo y se caracterizó por ser visualmente revoluvionario, logrando un diseño alegre e intuitivo. En esta etapa no se fue condescendiente con el estilo tipográfico internacional que ya empezaba a hastiar por su larga hegemonía en el ambiente del diseño tipográfico.

ue así como en 1964, un joven llamado Wolfgang Weingart comenzó a cuestionar esta tipografía tan ordenada y refinada. Teniendo esta inquietud se dispuso a aplicar un estilo totalmente opuesto, caracterizado por un diseño alegre basado en la intuición, agregando efectos visuales que enriquecieran su gráfica, decidiendo con esto dar un paso más, incorporando a su repertorio en 1970 la técnica conocida como collage, transformándose en un innovador que creó una forma de gráfica tipografíca e imágenes pictóricas en formas nunca antes vistas.

Wolfgang Weingart

eingart comenzó su carrera tipográfica en los años sesenta como aprendiz de la composición manual tipográfica en una firma. Weingart comenzó a dar clases en la Escuela de Diseño de Basilea en 1968 y su posicionamiento respecto al estilo internacional dominante fue el de cuestionar el ángulo recto y la retícula, animando a sus alumnos a que buscaran otra disposición tipográfica que no partiera de una aplicación sistemática de unos conceptos sino de la propia expresividad del tipo. Al poco, lo que era una formulación radical que buscaba desmarcarse de la ortodoxia que representaba el estilo internacional, se convirtió a su vez en otro estilo que se dio a conocer como New Wave.

REPRESENTANTES

os rasgos comunes del New Wave consistían en las inversiones del tipo, bloques de texto escalonados, diferentes espaciados, subrayados, etc. así como el uso de la fotografía con una trama fuerte que le daba más aspecto de grafismo que de obra realista. Otra preocupación fue la contraposición entre legibilidad y disposición de tipografías, ya que estos elementos entran en constante conflicto. El primero permite una lectura clara y eficiente, la otra promueve el interés en aquella lectura.

Dan Friedman

studió en Ulm Institute of Design y en Basel School of Design quién innovó en las formas tipográficas y la manera de disponerlas en el espacio, generando efectos por medio de cambios de posición, peso y escala así como, inclinación (romana a itálica) y espaciado de letra. Un foco importante del posmodernismo se desarrolló en las escuelas de Memphis y San Francisco a finales de la década de los setenta. Sus características y fundamentos se guiaban sobre la base del pluralismo y a la conciliación de los mejores y más diversos elementos que perfeccionaran su diseño a la búsqueda del placer visual. Estos diseñadores sentían una profunda predilección por la textura, el modelo, la superficie, el color y la geometría juguetona, introduciendo formas caprichosas y exageradas.