Ilustrando Sueños by Alexandra Castelblanco

Ilustrando

Sueños Anna Llenas Creadora de ilugrafías

Michael Kutsche Recomendado Ilustrador realista

Ivar Da Coll

¡Gran ilustrador colombiano! Mejores Artistas Trabajos destacados Escultura

Edición N° 1

Noviembre de 2015 / Bogotá

for a creative world

DIRECCIÓN Alexandra Castelblanco DIAGRAMADO Alexandra Castelblanco DISEÑO Alexandra Castelblanco

Índice

EL LIBRO ILUSTRADO PARA NIñOS EN COLOMBIA

PAG 6

ESCULTURAS HECHAS DE COLORES

pag 9

ANNA LLENAS y la invención de las ilugrafías

pag 10

Michael kutsche, ilustrador realista y de fantasía

pag 13

Ilustradores reconocidos mundialmente

pag 14

TRABAJOS destacados

pag 16

ivar da coll, ¡gran ilustrador colombiano!

pag 18

Editorial

stimados lectores, bienvenidos a ILUSTRANDO SUEÑOS, una revista enfocada en ilustración principalmente, éste fascinante mundo donde la imaginación no tiene límites. Nos hemos encontrado con destacados ilustradores que merecen el reconocimiento de sus piezas, es por ello que abrimos éste espacio para que se expongan sus ilustraciones.

Es aquí donde no sólo damos a conocer nuevos artistas. Damos a conocer sus técnicas, sus motivaciones y sus historias, ya que cada estilo es único, cada estilo es desarrollado por personas únicas. Les invitamos a abrir su imaginación, enterarse de nuestros contenidos, y buscar en ellos la inspiración para sus propios proyectos. Proyectos que podrán ser expuestos en nuestra revista para la motivación y curiosidad de nuevos artistas, como ustedes. ¡Bienvenidos!

El libro ilustrado para niños en Colombia. Retazos del pasado

n Colombia, la primera mitad del siglo xx se caracterizó por la constante pugna entre partidos políticos. En el marco de esta problemática, los artistas e intelectuales colombianos encontraron en las publicaciones periódicas un importante canal de comunicación de su apuesta por la cultura. Es curioso, aunque no sorprendente, que el desarrollo de revistas, semanarios y diarios haya tenido un impulso radicalmente distinto al de los libros. Debemos tener en cuenta que, en ese momento, la mayor parte de la población colombiana era analfabeta y que solo la clase privilegiada tenía acceso a libros, los cuales, más que todo, se importaban. Las revistas fueron, entonces, medios informativos y de expresión cultural difundían la producción literaria, eran una ventana para las primeras manifestaciones publicitarias y guardaban un espacio para el humor gráfico y dieron impulso a los primeros ilustradores, diseñadores y publicistas, que, influidos por las tendencias artísticas extranjeras, crearon las primeras campañas publicitarias y dieron vida a marcas y logotipos que aún se reconocen. En este contexto surge la obra de José Restrepo Rivera, artista y poeta antioqueño nacido a finales del siglo xix. Su obra, aunque no muy conocida, es destacable especialmente, desde el punto de vista del libro-álbum, ya que entiende como un todo la imagen y la palabra. Restrepo Rivera se interesó especialmente en la poesía y, con su hermano Jesús, se destacó en el medio literario bogotano por la publicación de varios poemas en revistas literarias de peso. La suma de sus pasiones artísticas la poesía y la pintura dio lugar a unas obras magníficamente ilustradas en las que la noción de texto e imagen integrados resultaba bastante innovadora en Colombia en una época en que la ilustración se consideraba un adorno del texto.

La auténtica manifestación de la obra artística de José Restrepo Rivera surgió realmente a partir de 1918, cuando publicó en la revista Cromos el poema titulado “La balada del miedo”. Si bien él no ilustró libros para niños, la obra de Restrepo Rivera es un importante antecedente histórico de la ilustración del libro en Colombia. Su trabajo prácticamente se ha pasado por alto en la historia del arte y de la poesía colombianas. Sin embargo, en la perspectiva actual se comprueba su aporte a la historia del libro colombiano al usar técnica mixta en pleno principio de siglo, aprovechando la fotografía, la acuarela, la tipografía y el diseño y entendiendo imagen y texto como una totalidad.

Sergio Trujillo Magnenat

l artista plástico y diseñador Sergio Trujillo Magnenat fue la primera figura representativa de la ilustración de libros para niños en Colombia. Nació en 1911 en un pueblito del departamento de Caldas e hizo parte de la generación de artistas colombianos que rompieron con el arte académico “afirmando un arte que recupere lo propio y exalte aquellos valores que contribuyan a precisar una definición de nuestra nacionalidad”. Tratando de pasar por alto las influencias europeas de las vanguardias aunque de forma inevitable el Art Nouveau hizo mella en este artista, adoptó algunos preceptos del muralismo mexicano, lo que puede apreciarse en las ilustraciones de Cuentos tricolores de Oswaldo Díaz Díaz (1969). Trabajó la pintura, la escultura y el diseño industrial y fue uno de los pioneros del diseño gráfico y la ilustración. “Sergio Trujillo es uno de los artistas colombianos que ha[n] tenido más claro y ha[n] sido más consecuente con la idea de arte como bien común, como una manera de elevar la calidad de la vida cotidiana de las gentes.” Sus obras no se encierran en las galerías de arte o en las colecciones privadas sino que llegan al público a través de murales, afiches e ilustraciones. “Para él, el artista creador debe

comprender cualquier tipo de necesidad y estar preparado para trabajar en muchas técnicas de acuerdo con las exigencias humanas.” Sus primeras ilustraciones fueron publicadas en la sección literaria del diario El Tiempo y en la revista El Mundo al Día en 1932; después, su cercanía con el mundo literario colombiano lo llevó a ilustrar libros de reconocidos autores como León de Greiff, Eduardo Carranza, Guillermo Hernández de Alba y Eduardo Caballero Calderón. En 1936 hizo sus primeras ilustraciones de literatura infantil en la revista Rin-Rin, donde puso en evidencia sus influencias artísticas y les dio un toque expresivo y enriquecedor a textos pobres. En 1937, Ecco Nelli reeditó su libro Otros cuentos, en donde el aporte de Trujillo Magnenat fueron las ilustraciones del principio y el final de cada cuento. “La serie de pequeñas viñetas concebidas para esta obra, que aparecen al principio y al final de cada uno de los relatos, están dibujdas con una línea gruesa y las figuras humanas, de rasgos criollos y acentuados volúmenes, nos remiten a la pintura muralista mexicana de aquella época.”

Ponle color

a tu imaginaci贸n

Esculturas hechas de colores, un arte que te sorprenderá

ennifer Maestre es una escultora sudafricana, artista residente en Massachusetts, conocida internacionalmente por sus esculturas de lápices.

zarse en esculturas de cristal, pero al poco tiempo cambió debido a lo costoso que es el arrendar un estudio con hornos.

Gran parte de su inspiración para las formas y texturas de sus obras proviene de las del erizo de mar. Para realizar las esculturas de lápices, Jennifer hace uso de una variedad de lápices, aguja y costura. Toma cientos de lápices, los corta en pequeñas secciones de 1 pulgada, taladra un agujero en cada sección, los afila y los cose juntos.

Sus esculturas seducen y amedrentan a la vez. Entran ganas de tocarlas, pero su textura puntiaguda repele todo contacto. “Siempre quise emular las espinas de los erizos de mar”, compara su creadora, “luchan por protegerse”. Cactus de punta fina, gatos de orejas afiladas o peligrosas estrellas de mar. Maestre no es una escultora convencional.

No siempre se dedicó a trabajar con lápices. Comenzó pegando clavos en mosquiteras. Pero le mareaba el olor del caucho líquido. Así prefirió los lápices. Aprendí la técnica del peyote en libros”. Poco después de graduarse en la Universidad de Arte de Massachusetts decidió especiali-

“Son metáforas de nuestro empeño por protegernos, por defender nuestra personalidad y nuestra alma. Los seres vivos seducimos e inspiramos rechazo

al mismo tiempo”, teoriza. De las manos de Jennifer han salido más de 60 esculturas que hoy se exponen en museos (como el Krannert Art Museum de Illinois o el DeCordova Museum de Lincoln), en galerías y por supuesto en casas particulares. Su técnica: el peyote. Un antiguo método, que toma prestado el nombre a un cactus alucinógeno de San Luis de Potosí (México) y que consiste en enfilar abalorios en un hilo. Esta es una labor minuciosa a la que dedica ocho horas diarias, por lo que terminar una obra le toma entre dos semanas a un mes. “Uso unos 200 lápices para las figuras más pequeñas y unos 800 para las más grandes”, detalla.

Anna Llenas y la invención de las “Ilugrafías” Su trabajo en cuanto a ilustración es fascinante, la artista nos propone una forma innovadora de contrastar la fotografía y la ilustración para la creación de nuevas piezas que la han inspirado para realizar su propia linea de productos como láminas ilustradas, cajas metálicas, vinilos decorativos, papelería, entre otros elementos. Dentro de sus trabajos más importantes se encuentra sus libros ilustrados: El monstruo de colores y El diario de las emociones, libros reconocidos por sus diseños impactantes y de gran acogida que van dirijidos a todo tipo de publico. Principalmente realiza ilustración infantil, inspirada en animales y los sentimientos de las personas. Estos son algunas de sus obras más representativas:

nna Llenas es licenciada en Publicidad y Relaciones Públicas por la Universidad Autónoma de Barcelona y graduada en Diseño Gráfico por la Escola Llotja de Barcenlona. También tiene formación en Psicología Analítica, un Postgrado de Ilustración Creativa por la Escola Eina de Barcelona y un Master en Arte-terapia. Pasó los primeros años trabajando como diseñadora y directora de arte en las agencias Bassat Ogilvy&Mather y Publicis Casadevall&Pedreño. Pero un día, decidió dejar el mundo de la publicidad para emprender un rumbo propio, más artístico y personal. Desde entonces, diseña productos originales, escribe e ilustra libros e imparte cursos de creatividad y emociones. Ha trabajado para clientes como: La Vanguardia, Cruïlla, grupo SM, Dodot, Buitoni, Nestlé, La Caixa, Ajuntament de Barcelona, Generalitat de Catalunya, Trina, Schweppes, Puma, Cruzcampo, Roca, Diario de Granada, Fira de Barcelona, Colacao, Tefal, Lindt, Rowenwta, MACBA, entre otras marcas.

Entrevista 1. ¿De pequeña te gustaba dibujar? ¿Qué querías ser de mayor? Sí, de pequeña dibujaba, como todos los niños, la diferencia es que nunca dejé de hacerlo. Siempre que hacía una cosa, a la vez estaba dibujando. Dibujaba en todas partes, por ejemplo cuando iba al cine me llevaba un papel y dibujaba la película mientras la veía. ya de pequeña decía que de mayor quería ser dibujante, bueno en realidad decía que quería ser pintora. 2. Trabajabas en una Agencia de Publicidad como Directora de Arte, ¿cuándo y por qué decidiste lanzarte al mundo de la ilustración? Cuando estudié me decanté más por el Diseño Gráfico y la Publicidad porque la parte de la creatividad me seducía mucho. Estoy muy contenta de mi formación, mi experiencia y todos los años trabajando en Publicidad, pero de alguna manera sentía que ese no era mi mundo. El salto a la ilustración fue como un camino natural hacia lo que siempre me había gustado, que era el arte y la psicología. Más tarde me he formado en arte-terapia y como psicoterapeuta y así he conseguido unir estas dos pasiones: arte y psicología.

5. Tu libro “El monstruo de colores” ha tenido una gran acogida entre el público, el reconocimiento de maestros y terapeutas y se ha convertido en un referente en la educación emocional, ¿esperabas este éxito? ¿A qué crees que se debe? ¡No! La verdad es que no me lo esperaba. No tengo ni idea, pero supongo que su éxito puede deberse a la combinación de la parte gráfica y el contenido o mensaje. También en su momento fue un libro diferente, tanto por la técnica y el estilo utilizados como por la manera de explicarlo. Además fue una obra muy personal, hecha sin pensar en el marketing ni con intención de éxito. Supongo que esa autenticidad es lo que ha llegado a la gente.

3. No sólo ilustras libros, también haces vinilos, cajas metálicas, objetos de papelería, paraguas... ¿De dónde surge tanta inspiración? ¡Qué complicado responder esto! Picasso dijo que “la inspiración te coge trabajando”. Es cierto que la inspiración tiene parte de trabajo, ponerle horas... pero yo creo que la mayor parte de la inspiración no sabes realmente de dónde viene, simplemente viene y ya está. Lo que pasa es que si hay horas de trabajo y estímulos, la inspiración suele llegar 6. ¿Cómo surgió el personaje del monstruo de colores? El personaje del monstruo de colores ya lo tenía creado de antes. antes. Era el protagonista de una cortina de baño. Lo dibujaba mucho, así que ya era como parte de la familia. Entonces un día 4. ¿Cómo definirías tu estilo? Tengo diferentes estilos de ilustración. Por ejemplo, cuan- me vino la idea de hacer que el monstruo cambiara de color en do hago cosas para prensa o más gráficas, suelo usar lo que función de su estado de ánimo. Y ya luego lo ligué con el libro. yo denomino (término inventado) “ilugrafías” que es una 7. Para acabar ¿qué nos puedes contar de tu próximo proyeccombinación de ilustraciones y fotografías. Mi trazo manual es bastante espontáneo, fresco, con dibu- to? jos simples y primarios. Y cuando ilustro cuentos tengo un ¡Ui! No puedo decir mucho, pero solo que será un libro tamestilo más elaborado, donde uso la técnica del collage con bién sobre emociones, para todas las edades, un proyecto muy materiales reciclados. Es una técnica con más volumen, no personal... Y lo tendremos listo para Sant Jordi o el Día del libro. tan plana, pero siempre manteniendo la simplicidad.

TRUE COLORS

Michael Kutsche, ilustrador realista y de fantasía.

ichael Kutsche es un artista alemán galardonado con sede en Los Ángeles, California Su trabajo se describe mejor como una representación sorprendentemente realista de las realidades paralelas, poblado de personajes extraños que recuerdan a películas, cómics, sino también la pintura del Renacimiento flamenco. Su enfoque único de la creación del personaje imaginario le ha llevado a convertirse en un diseñador de personajes de Tim Burton “Alice in Wonderland” en 2008, “John Carter of Mars”, dirigida por Andrew Stanton y “Thor”, dirigida por Kenneth Branagh. Paralelamente a su carrera en el cine la industria aún no pierde de vista sus propios proyectos, incluyendo pintu-

ras de carácter personal para el futuro de exhibiciones, proyectos de libros, etc Sus clientes mas importantes son: Disney Studios, Dreamworks, Marvel Studios, Sony Imageworks, Warner Bros., SEGA, The Creative Assembly y Saatchi&Saatchi. Es impresionante el dominio de la anatomía de sus monstruos y de sus personajes fantásticos. El estilo realista de su dibujo y pintura hacen que sus creaciones cobren vida, y la gama de colores que utiliza crea ambientes místicos, tenebrosos y mágicos. Este artista también realiza proyectos personales en paralelo a su carrera en la industria del cine. Elabora pinturas para futuras exhibiciones, ilustraciones para libros, revistas y más.

Ilustradores reconocidos mundialmente James Jean El nombre de este artista visual norteamericano de origen taiwanés es bien conocido en la industria del cómic en Estados Unidos. Su trabajo ha ilustrado las portadas de DC Comics, y ha colaborado con Prada, ESPN y Atlantic Records. Entre sus clientes destacan la revista Time, Rolling Stone, Spin, Playboy y el New York Times. Incursionó en la creación de murales en 2007, cuando elaboró una obra de grandes dimensiones para las tiendas Prada en Nueva York y los Ángeles, además de un mural para una de las presentaciones de la marca en Milán. El trabajo de Jean formó parte de la campaña publicitaria de Prada durante el año en todos los eventos especiales. En 2008, Jean se retiró de la ilustración para concentrarse en la pintura.

Brian Despain Originario de Michigan, Brian Despain dedicó una década a trabajar en la industria de los videojuegos. Este pintor, artista gráfico y escultor ha realizado diseño gráfico, modelado en 3D, retoque fotográfico e ilustración, y su obra, casi en su mayoría conformada por “hombres de hojalata”, ha aparecido en reconocidas portadas de libros y revistas. Su trabajo está catalogado en el Lowbrow, o surrealismo pop, un término empleado para un movimiento underground que define el trabajo de artistas visuales en California. Sus ilustraciones han aparecido en portadas de libros para adultos como Arthur and the Minimoys o The Clockwork Three.

Alexandra Zutto Zutto es como mejor se le conoce a la artista rusa Alexandra. Desde siempre supo que su vocación era el dibujo, y su afición a esta disciplina la llevó a convertirla en su forma de vida. Dedicó algunos años a trabajar como diseñadora e ilustradora freelance; es autodidacta y desarrolla principalmente el dibujo vectorial. Zutto reconoce que es la ilustración digital el medio para comunicarse con el mundo. Realiza su trabajo con Adobe Illustrator, generalmente escenas multicolores de fantasía con personajes que parecen hacerse uno con el paisaje. La artista suele publicar un tutorial de sus obras en progreso para que los usuarios sigan su proceso artístico.

Andrey Gordeev Es un ilustrador ruso con un estilo muy distintivo en el manejo del color y para perfilar sus personajes. Su estilo compositivo está configurado por la vida cotidiana y las situaciones políticas actuales. Integra en ingeniosas ilustraciones ambos tópicos y propone con ellas escenas entre humorísticas y satíricas. Con sus ilustraciones ha trabajado para algunas de las más grandes agencias de publicidad del mundo, como: TBWA/RAAD Dubai, TBWA Berlin, Ogilvy Frankfurt, Euro RSCG y muchas más. Con algunas de ellas ha ganado premios de publicidad en Cannes, Londres o Moscu.

Trabajos Destacados

Wonderland por Alexandra Zutto

Dark Side Cats por Alexandra Zutto The Magic Spring por Alexandra Zutto

Tu monstruo por Anna Llenas

They Talked of Tin por Brian Despain

Ovejas por Anna Llenas

Tu me das alas para volar por Anna Llenas

Seasons por James Jean

Ivar

Da coll ¡Gran artista Colombiano!

Nace en la ciudad de Bogotá, Colombia. El 13 de marzo de 1962. Su padre es de origen Italiano y su madre colombiana (de ascendencia sueca). Desde muy pequeño se vinculó al arte, específicamente al dibujo, imitando a su madre, quién, tal como señala el autor, “La veía dibujar con mucho interés; y con la misma emoción se sentaba durante horas a tocar el piano” (Ivar Da Coll, 2007, Bogotá). A los once años su padre fallece, momento en el cual se une a una compañía de títeres, en el que pudo desarrollar su gusto por la literatura infantil, tal como señala el autor “Dentro de mis planes no esta-

ba convertirme en un escritor e ilustrador de libros infantiles, más bien, siempre quise ser un pintor, pero creo que haber trabajado en el teatro de títeres me llevó a tener este oficio” (Ivar Da Coll, 2007, Bogotá). En 1985 forma parte de la creación fue Chiriguiro, en conjunto con Grupo Editorial Norma. El cual presenta una excelente acogida por adultos y niños de Colombia. Gracias a este trabajo, Da Coll logra posicionarse en la literatura infantil. Las creaciones de Da Coll son realizadas en formato de libro-álbum, don-

de las imágenes juegan un rol crucial en desarrollo la historia. Las temáticas abordadas en estos cuentos son pequeñas anécdotas de la vida cotidiana (¡Qué cumpleaños! (1999), ¡A bañarse, ratón! (2004), El niño que no sabía escribir (2004) entre otras), los cuales acercan al niño a su literatura. Es importante señalar que, dentro de la escritura que presenta Da Coll, encontramos predominantemente el verso como forma de desarrollar la historia, esto se ve claramente en sus creaciones como “ El Día de Muertos (2003), A un hombre de gran nariz (2007) y ¡Azúcar! (2005).

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