Historia del Dise単o Grafico
El dibujo técnico y la tecnología del momento Que la materia de dibujo técnico ha cambiado en los últimos años no es una novedad, hemos aparcado los estilógrafos y sus desesperantes manchas de tinta gracias a que también han avanzado las técnicas de diseño en los estudios de arquitectura o ingeniería. Desde hace tiempo el plóter y el CAD han sustituido las interminables mesas de dibujo y aunque no debemos descuidar la práctica del trazado manual, la comprensión de las construcciones y los trazados los podemos visualizar mejor y más rápidamente con herramientas como estas. Ya presentamos en Educacontic una entrega de aplicaciones online para el aprendizaje del dibujo técnico; hoy aumentamos la oferta con tres más, del ya citado José Antonio Cuadrado Vicente*: Tangencias, curvas cónicas y curvas técnicas y cíclicas. Como es habitual en sus trabajos la aplicación didáctica en el aula de dibujo es digna de elogio y, si no lo han hecho ya, los editores deberían tomar nota para desarrollar sus materiales. Las aplicaciones que os mostramos se caracterizan, por la sencillez de manejo, atractivo visual e interactividad total. La fórmula es sencilla pero muy efectiva. Presentación teórica, justo lo necesario, sin exceso de información que podrá completar el profesor en clase o el propio alumno con los enlaces que el autor le proporciona. Demostración de los ejercicios, paso a paso y con parámetros variables para observar en tiempo real los resultados. Resolución de ejercicios, con aplicación de herramientas cad muy sencillas, el alumno tiene a su alcance el trazado de puntos, rectas, circunferencias, puntos medios, etc. A estos ejercicios se le suma la corrección del mismo. Evaluaciones finales, para comprobar los conocimientos generales del tema. Aplicaciones de los ejercicios en la vida cotidiana o en el diseño industrial, algo muy agradecido por los alumnos que constantemente se preguntan para qué sirve aquello que están dibujando de una forma un tanto abstracta. Guías didácticas, tanto para alumnos como para profesores, muchas veces necesarias para aquellos que lo utilizan por primera vez y que les ayudarán a entrar en el aula con más seguridad.
El dibujo Artistico El dibujo artístico es la disciplina del trazado y delineado de cualquier figura, abstracta o que represente algún objeto real, una forma de expresión gráfica. El dibujo artístico es un lenguaje alternativo de ámbito universal que permite la transmisión de información de toda índole: ideas, descripciones y sentimientos.
Conceptos Se nombra: Dibujante: Aquel que tiene un propósito estético, el de transmitir una idea o sentimiento surgido de la subjetividad del autor. Dibujo: Es la representación gráfica de lo que se ve, percibe, recuerda o se imagina. Dibujo Lineal: Es la representación de algo ya sea real o imaginario con distintas técnicas para plasmarlo. La característica principal es que se realiza con trazos o un delineado, no tiene color ni valoración tonal, es decir no está "sombreado". El dibujo lineal podría ser muy sugerido o bien detallado, pero no posee efecto de volumen. Psicología del dibujo artístico: El artístico dibuja lo que no puede expresar con palabras: "tele transporta su imaginación y pensamientos" a un lienzo que puede ser de papel u otro material. Todos los trazos hechos sobre el lienzo, en conjunto representan la idea del dibujante, la cual alcanza bastante aceptación si todo el delineado fue trazado con técnica, soltura y originalidad. Dicho delineado implica el saber manejar tanto el instrumento de trazo con que se está trabajando, como los trazos que se pretenden realizar, pues un buen dibujo se caracteriza por sus trazos seguros y sueltos. No existe un procedimiento establecido para aprender a dibujar, cada dibujante perfecciona su dibujo a su forma de pensar, pero el arte del dibujo a mano alzada solo se consigue con práctica y dedicación. Dentro del campo del dibujo artístico, algunos críticos dividen dos grupos: aquellos que solo copian un dibujo o modelo ya existente, los cuales hacen uso de su capacidad de observación y motricidad para copiar la imagen tal cual es; y aquellos que dibujan a partir de su capacidad imaginativa y creadora, los cuales desarrollan una alta relación entre cerebro-mano para poder plasmar las imágenes que conciben. Este último grupo es considerado como el de los verdaderos dibujantes, ya que abarcan famosos personajes de la historia y a aquellos que crean famosos personajes animados, mundos irreales, paisajes y seres de fantasía e incluso artefactos que podrían ser útiles en la vida real, aunque también son los más criticados y señalados a diferencia del primer grupo que es bien aceptado, sobre todo a aquellos dedicados al dibujo del retrato y paisajista.
Las técnicas de trazado y boceto El manejo de las escuadras para el dibujante reviste gran importancia y la forma de hacerlo es con gran soltura y suavidad. Las escuadras deben sostenerse sin excesiva presión, sólo la necesaria para que no se muevan. El modo de usar las escuadras puede ser: por separado,en combinación y apoyándolas sobre la regla T. Cuando las escuadras se utilizan en combinación,una sirve de apoyo y guía, y la otra se desliza hacia los lados.Mientras la mano izquierda sostiene una escuadra la mano derecha mueve la otra escuadra sobre el borde de la anterior para realizar el trazo.
Tecnicas con la regla T rPara trabajar con la regla T debes apoyar la cabeza sobre el borde izquierdo del tablero de dibujo, deslizándola hacia arriba y hacia abajo. El trazado se hace de izquierda a derecha con el lápiz ligeramente inclinado. Entre trazo y trazo el lápiz se hace girar sobre su propio eje para que la mina del lápiz se desgate uniformemente. La regla T nos permite hacer trazos horizontales, verticales, inclinados, perpendiculares, paralelos y oblicuos, entre otros.
Tecnicas con el compas 1. Se abren las patas del compás y tomándolo por el cabezal con los dedos del índice y el pulgar, se lleva la punta de acero con la otra mano hasta colocarlo en el centro establecido. 2. Se inclina ligeramente el compás en el sentido de avance, haciendo girar el cabezal entre los dedos para iniciar y concluir el trazado de la circunferencia. 3. La mina debe permanecer perfectamente afilada. Se recomienda afilarla en forma de bisel. 4. Las puntas de metal y la de grafito deben quedar del mismo largo al usarse, ya que la punta de metal penetrará el papel.
Perspectiva La perspectiva, palabra proveniente del Latín perspectiva, es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos comunes. En un dibujo, la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción. Perspectiva del Campidoglio, en Roma. Miguel Ángel diseñó la composición de esta pequeña plaza; dispuso los edificios laterales confluyendo hacia el fondo para reforzar la sensación de profundidad. Es también la ilusión visual que percibe el observador que le ayuda a determinar la profundidad y situación de los objetos a distintas distancias. Por analogía, también se llama perspectiva al conjunto de circunstancias que rodean al observador, y que influyen en su percepción o en su juicio. Ya en pinturas egipcias se concebía una dimensional de la superficie a pintar, sin sugerir estrictamente una idea de concepción espacial. Disponían los personajes en mayor tamaño, cuanto mayor importancia tuvieran, Es lo que los historiadores del arte denominan perspectiva jerárquica o teológica. Posteriormente y hasta llegar al final de la Baja Edad Media, los intentos de conseguir una cierta idea de perspectiva se encuentran en la perspectiva caballera, donde los objetos más alejados se sitúan en la parte superior de la composición y los más cercanos, en la inferior. El artista que se considera el antecesor del renacimiento italiano, el pintor gótico Giotto (1267-1336), comenzó a dotar de tridimensionalidad a sus composiciones pictóricas. Los artistas empiezan a buscar la sensación espacial a través de la observación de la naturaleza. Con las obras de Fra Angelico (1390-1455) —como en La Anunciación— y sobre todo con las de Masaccio —en su Trinidad (h. 1420-1425)—, se logra la sensación de espacio mediante el uso metódico de la perspectiva cónica, donde las líneas paralelas de un objeto convergen hacia un determinado punto de fuga. Las figuras se van reduciendo en función de la distancia, lo que provoca la ilusión óptica de profundidad. Entre los años 1416 y 1420, Filippo Brunelleschi, artista y arquitecto florentino del renacimiento italiano, para poder representar los edificios en perspectiva, realizó una serie de estudios con la ayuda de instrumentos ópticos, como algún tipo de perspectógrafo. Con ellos, descubrió los principios geométricos que rigen la perspectiva cónica, una forma de perspectiva lineal basada en la intersección de un plano con un imaginario cono visual cuyo vértice sería el ojo del observador. Los objetos parecen más pequeños cuanto más lejos están. Además, pictóricamente, tienen colores más tenues, poseen contornos más difusos y menos contraste.
Las técnicas del grabado en madera y cobre. El grabado es una disciplina artística en la que el artista utiliza diferentes técnicas de impresión, que tienen en común el dibujar una imagen sobre una superficie rígida, llamada matriz, dejando una huella que después alojará tinta y será transferida por presión a otra superficie como papel o tela, lo que permite obtener varias reproducciones de la estampa. Dependiendo de la técnica utilizada, la matriz puede ser de metal (tradicionalmente cobre o cinc), madera, linóleo o piedra, sobre cuya superficie se dibuja con instrumentos punzantes, cortantes o mediante procesos químicos. Actualmente también se utilizan placas de diferentes materiales sintéticos que se pueden grabar de manera tradicional con punzones o mediante procedimientos fotográficos, digitales o láser. Se denomina también grabado a la inscripción de texto realizada en una plancha, piedra o metal, aunque no tenga por fin realizar copias. El grabado en madera es una técnica de grabado que experimentó un gran apogeo en el siglo XIX. Hay diferencias esenciales de características entre un grabado en madera y una xilografía. Mientras que una xilografía se realiza sobre una plancha de madera blanda usando gubias u otros elementos de corte, en un grabado en madera el artista realiza la "matriz" "esgrafiando" un bloque de madera con un buril en lugar de usar las mencionadas herramientas de corte, llegando a crear un dibujo muy sofisticado (dentro de lo posible), produciendo por lo general un resultado de trazo más grueso. Los grabados en madera son generalmente pequeños y alcanzan una escala de grises con gran "eclosión". Funcionalmente en la variedad de grabado en madera, se utiliza la impresión en relieve, en la que se aplica la tinta a la cara del bloque y se imprime usando una presión relativamente baja. Por el contrario, tanto en xilografía como en el grabado ordinario, se usa una placa como matriz y se imprime por el método de huecograbado, donde la tinta llena los "valles" del grabado, depositándose luego sobre el papel al prensarlo. Como resultado, además de conseguirse un blanco sobre negro distintivo, las impresiones hechas con grabados en madera se deterioran a una velocidad mucho menor que los hechos con xilografía o con placa de cobre.
Alberto Durero Durero nació el 21 de mayo de 1471 en Núremberg, ciudad a la que estuvo íntimamente unido. Su padre, Alberto Durero el Viejo (1434-1522), era un orfebre húngaro que emigró a tierras germanas y el primer maestro de su hijo. De su primera formación, el joven Durero heredó el legado del arte alemán del siglo XV, en el que estaba muy presente la pintura flamenca del gótico tardío. Los artistas alemanes no tenían dificultad en adaptar su propia tradición gótica a la de artistas flamencos, como Robert Campin, Jan van Eyck y, sobre todo, Rogier van der Weyden. El concepto empírico del mundo de la gente del norte (fundamentado más en la observación que en la teoría) era el nexo común. Durante el siglo XVI, el fortalecimiento de lazos con Italia a través del comercio y la difusión de las ideas de los humanistas italianos por el norte de Europa infundieron nuevas ideas artísticas al mundo del arte alemán, de tradición más conservadora. Para los artistas alemanes resultaba difícil conciliar su imaginería medieval -representada con ricas texturas, colores brillantes y figuras con gran lujo de detalle- con el énfasis que los artistas italianos ponían en la antigüedad clásica, los temas mitológicos y las figuras idealizadas. La tarea que Durero se planteó fue la de proveer a sus compatriotas de un modelo con el que pudieran combinar el interés empírico por los detalles naturalistas con los aspectos más teóricos del arte italiano. En su abundante correspondencia -especialmente en las cartas al humanista Willibald Pirckheimer, amigo suyo toda la vida- y en diversas publicaciones, Durero hacía hincapié en que la geometría y las medidas eran la clave para el entendimiento del arte renacentista italiano y, a través de él, del arte clásico. En la lista de amigos de Durero estaba el austriaco Johann Stabius, autor que le proporcionó los conocimientos y detalles sobre la construcción de relojes solares. Entre las notas que dejó en su diario, cabe mencionar una descripción de una pesadilla que tuvo una noche de Pentecostés en 1525, donde veía caer trombas de agua del cielo. Marguerite Yourcenar hizo un interesante análisis en su libro El tiempo, gran escultor. Desde aproximadamente 1507 hasta su muerte tomó notas y realizó dibujos para su tratado más conocido, Vier Bücher von menschlicher Proportion (Cuatro libros sobre las proporciones humanas, publicado póstumamente en 1528). Sin embargo, otros artistas contemporáneos suyos, con una orientación de tipo más visual que literaria, pusieron mayor atención en sus grabados, tanto en planchas de cobre como xilografías, que en sus escritos dirigidos a orientarlos en la modernización de su arte con desnudos de corte clásico y temas idealizados, propios del Renacimiento italiano