Dossier expresionismo

EXPRESIONISMO

Alicia Ramírez Verd 1º Gráfico Edib

Índice Edvard Munch

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Die Brücke / Der Blauer Reiter

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Bibliografía

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Edvard Munch

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Edvard Munch (Loten, Noruega, 1873 - Ekely, cerca de Oslo, id., 1944) Pintor y grabador noruego. La estilización de la figura, la prolongación de las líneas y, en ocasiones, el intenso dramatismo y la intensidad cromática, hicieron del estilo pictórico del noruego Edvard Munch uno de los modelos estéticos del expresionismo de las primeras décadas del siglo XX. Sufrió muy joven la pérdida de sus seres queridos, y el espectro de la muerte, que llenó su niñez, lo acompañaría durante toda su vida, convirtiéndose en uno de los temas recurrentes en sus obras. En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Paul Gauguin y Henri de Toulouse-Lautrec. No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista.

De 1892 a 1908 vivió en Alemania, sobre todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París. En Berlín presentó en 1892 una exposición que tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa. En Noruega contó pronto entre sus amistades con importantes personalidades políticas y literarias y tuvo particular afinidad con el realismo social de la creación de Henrik Ibsen, para quien realizó los

escenarios y el vestuario de la obra Peer Gynt en 1896.

En 1908, Munch, después de una tormentosa relación sentimental y víctima del alcohol, sufrió una grave enfermedad nerviosa, por lo que tuvo que ser recluido en el psiquiátrico del doctor Jacobsen, en Copenhague, del que salió completamente restablecido. En 1908 volvió definitivamente a Noruega, donde recibió algunos encargos oficiales (pinturas del paraninfo de la Universidad de Oslo) y pasó sus últimos años en soledad. Munch legó a la ciudad de Oslo todas las obras que conservó hasta su muerte, acaecida en 1944.

La obra de Edvard Munch se caracteriza por un sentido trágico de la vida y de la muerte, propio de toda la literatura escandinava de Ibsen a Strindberg. A pesar de que sus primeras pinturas recibieron la influencia de los impresionistas, pues conoció bien la obra de Gauguin y Van Gogh, en seguida se inclinó por la idea de plasmar los sentimientos, por exteriorizar las sensaciones de angustia y soledad del ser humano. Su etapa de madurez está impregnadas de ese “sentimiento trágico” que tanto caracterizó a los románticos, pero extraído del contexto propio del Romanticismo y llevado a sus últimas consecuencias, otorgándole un valor “absoluto”, como algo de lo que el hombre no se puede liberar.

En la pintura de Munch aparece el rostro del mundo alimentado por esas fuerzas desconocidas que forman parte también de la condición humana. Su am6

bicioso proyecto titulado El friso de la vida (1893-1918), al que pertenecen sin duda sus cuadros más representativos, refleja los sentimientos y las obsesiones humanas. Veintidós de esas pinturas fueron expuestas, en 1902, en la muestra del grupo berlinés Sezession. La mayoría de ellas refleja la desilusión del fin de siglo y la imagen del hombre como víctima.

Su obra anterior a 1908 está muy vinculada a este ciclo que, de algún modo, concibió como si se tratara de un poema de amor, de vida y de muerte. Así El beso(1892) o La cámara de muerte (1894), ambas en la Nasjonalgalleriet de Oslo, donde alude al drama acontecido durante su infancia: la muerte de su madre y su hermana.

Los personajes reflejan su sufrimiento, pero formalmente están unidos por una línea serpenteante que recorre toda la superficie del cuadro. No hay sombras, sólo colores planos y pronunciados contornos que marcan el ritmo visual, un medio idóneo para expresar la angustia del espíritu.

Sin embargo, su obra más emblemática es El grito (1893, Nasjonalgalleriet, Oslo), una de las pinturas que más intensamente han reflejado el horror y la angustia del ser humano. La figura que se halla en primer término expresa un terror inconmensurable. La angustia por la soledad, la desesperación por no encontrar un sentido a la vida y su relación con los abismos quedan intensamente reflejados en la obra del pintor noruego.

Obras Expresionista

El Grito de Munch es claramente expresionista, porque refleja todos sus miedos, fobias sociales, inseguridades, etc. En esta obra sale un personaje en primer plano (posiblemente el) con las manos en la cabeza como si tuviera un ataque de pánico. Al fondo hay dos personas que indican su alejamiento a los demás. El fondo esta distorsionado para reflejar mejor su terror con unas pinceladas muy sueltas. Usa colores arbitrarios para expresar sus sentimientos.

El grito (1893–1893)

Simbólica Madonna esta obra es simbólica, porque Munch tenía dos maneras de representar a las mujeres, una era la mujer virginal que la representaba vestida de blanco, para simbolizar la pureza y la otra es la mujer fatal que la representaba con color rojo y era la versión que simboliza la sexualidad.

En este caso es la mujer fatal ya que podemos observar que lleva en la cabeza un velo rojo, además sale provocativa y desnuda.

Madonna (1894-1895))

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Die Br端cke Der blauer Reiter

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Die Brücke El grupo Die Brücke (El Puente), hay que situarlo dentro del Expresionismo alemán que surge, a partir de 1905 en concordancia con el fauvismo francés, como contraposición a los movimientos realistas, se alzan las voces de algunos autores que pretenden mostrar justo lo contrario: la realidad subjetiva de las cosas, las percepciones profundas de cada uno. Y Alemania es el escenario perfecto por la situación de posguerra.

El grupo lo aglutinó Ernst Ludwig Kirchner que fue el teórico y lider del mismo, al que se incorporaron Bleye, Heckel y Schmidt-Rottluff, todos ellos estudiantes de arquitectura, a los que se unieron más adelante Nolde y Pechstein en 1906 y Otto Müller en 1910. El fauvista Van Dongen también se unió a ellos e hizo de intermediario con sus compañeros franceses.

Los artistas que formaron parte de este grupo querían romper con el arte que imperaba a finales del siglo XIX. Creían que el panorama artístico estaba viviendo una época cuadriculada y sin identidad que debía acabar. Hasta 1913 vivieron en una comuna en la que se creaban obras llenas de colorido salvaje, curvas y pinceladas ágiles.

sta concretada en el grupo Der Blauer Reiter (El Jinete Azul).

A pesar de que ambos grupos mostraron un interés sin límites por el color y en consecuencia por la deformación formal, mientras que el grupo Die Brücke (El Puente) desarrolló una posición más radical, crítica, dramática y comprometida ante la vida, que se tradujo en unas creaciones fundamentadas en el anhelo por desentrañar lo que se escondía detrás de las formas vacías, sin contenido ni espiritualidad, Der Blauer Reiter (El Jinete Azul) se mostró más tendente a la exploración formal, manifestando unas inquietudes más dirigidas a la experimentación estética.

A partir de la Primera Guerra Mundial Die Brücke experimentó un grado de radicalización que se reflejó en un arte más dramático y tenso, caracteres que se acusaron aún más a partir de la derrota de Alemania en 1918.

Características: Rompieron con el Impresionismo a través de la libertad en el uso de la forma y el color y, en algunos casos, de la deformación de la realidad.

Emplear un vocabulario estético muy simplificado, con pocas formas que han sido reducidas Los principales núcleos en el a lo esencial, cuerpos deformadesarrollo del Expresionismo dos y espacios disueltos sin perfueron entre 1905 y 1910 la ciu- spectiva dad de Dresde, donde se gestó Los colores, brillantes y saturay llevó a cabo su actividad el dos, desprendidos del colorido grupo Die Brücke (El Puente) y local y pintados superficialBerlín a partir de 1911. La ciu- mente con un pincel grueso, se dad de Munich se convirtió al encuentran incrustados dentro tiempo en escenario de la se- de un fuerte contorno. Esto congunda alternativa expresioni- cede a los cuadros un carácter 10

vigoroso.

Trabajaban los contrastes complementarios, consiguiendo que los colores se reforzaran su luminosidad mutuamente.

Usan un colorido apasionado que se correspondía con el deseo de conceder al color una nueva relevancia emocional y composicional bajo aspectos estéticos únicamente internos, creando obras sólo a base de colores como los fauvistas.

Su intención era recuperar el sentimiento, revalorizar la visión subjetiva del artista, intérprete y no copista de la realidad objetiva Los integrantes de Die Brücke intentan recuperar métodos “auténticos”, directos, sinceros en su comunicación con el espectador: el arte de los primitivos alemanes, el Art Brut, es decir, el arte de dementes, niños, salvajes... el arte del Pacífico, Oceanía y África. Tratan de recuperar los temas y la técnica.

Su estítica estuvo muy ligada al cartelismo de la época.

Después de la I Guerra Mundial el expresionismo se desplegará en la vertiente utópico-visionaria, en el dadaísmo berlinés o en su polémico maridaje con el realismo de los años 20.

Los expresionistas tanto del grupo Die Brücke, como sus continuadores Der Blaue Reiter, fueron perseguidos por el nacionalsocialismo de Hitler, acusados de practicar un arte degenerado, en cambio, los italianos, fueron acogidos en el seno del fascismo de Mussolinni.

Der Blaue Reiter Este grupo se funda en Munich 1911 y a diferencia de Die Brücke está formado por artistas de diferentes nacionalidades y recibe también una influencia de vanguardias como Cubismo y futurismo. Entre sus artistas más representativos están Franz Marc y Vasily Kandinsky.

El expresionismo que plantea este grupo nada tiene que ver con el pesimismo y crudeza de Die Brücke, en este caso se plantea el expresionismo más subjetivo y espiritual, aunque ambos les une en no conformarse con lo superficial sino indagar en los sentimientos del ser humano.

Los artista del Blaue Reiter le dan mucha importancia a la composición con ritmo y a los tensos contraste entre tonos tensos y suaves, pero lo más interesante es que para ellos el arte consiste en una cadena de sentimientos entre el artista y el espectador. El artista con sus emociones plantea una obra y es el espectador el que le da significado y por tanto esta colaboración critica entre el cuadro y el que lo contempla nos habla del arte como algo subjetivo en el que participan el público y artista. Entre los autores Franz Marc elige a los animales como el símbolo de la perfección frente a la capacidad del ser humano de destruir lo que le rodea, más concretamente sus caballos azules son símbolo de pureza.

Vasily Kandinsky es un artista cuya obra está ligada a la escuela alemana solo en la parte de su trayectoria, pero ya aquí ya plantea la importancia de lo

espiritual y de cómo los colores pueden transmitir una serie de sensaciones emocionales, este punto de partida le llevara a ser uno de los artistas abstractos fundamentales del siglo XX. Vasily Kandinsky (1866-1944) Es un artista ruso cuya primera influencia viene por parte de dos impresionistas. Lo que más le interesa de estos artistas es el uso del color y su trayectoria comienza a plantearse el reto de unir música y pintura. De hecho, es un gran admirador del músico Wagner que al escucharle, él mismo lo relacionaba con sensaciones cromáticas y comienza a comprender que la pintura podía tener una fuerza de expresión tan poderosa como la música.

De esta búsqueda de conectar música y pintura, Kandinsky dice “los colores y las formas son los medios más puros para la expresión pictórica de una emoción”. Esta idea se relaciona también con el expresionismo alemán del grupo Der Blaue Reiter. Por tanto, su progresión hacia al arte abstracto se dio alrededor de 1910 o 1913. Inicia el llamado periodo dramático con obras con título como impresiones, improvisaciones y composiciones. De todas formas, de esta época todavía hay alguna obra de transición en la que podemos encontrar algún elemento figurativo. Sin embargo, según su obra va avanzando ya no quedará ninguna referencia figurativa.

Después del periodo dramático, en el que será una gran tensión de los colores y las formas, llegará el periodo geométrico.

Aquí Kandinsky abandonará 11

la tensión con composiciones más equilibradas, más limpias y en el que el recurso serán las formas geométricas.

Die Brücke (Ernst Ludwig Kirchner)

Es una obra Alemana expresionista que refleja la sociedad de esa época en guerra, pesimista, usando colores muy saturados ya que tenían influencia de los Fauvistas, usando un pincel grueso y una pincelada muy enérgica.

En ella se ve a un soldado Alemán con la mano mutilada y una expresión muy fría y a su lado a un joven desnudo con expresión asustada. En el fondo usa rojos muy saturados para dar una sensación agresiva.

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Der Blaue Reiter (Franz Marc)

En el caso de “Der Blaue Reiter” su manera de expresarse es más subjetiva y espiritual, pero igual que los “Die Brücke” expresan ambos los sentimientos del ser humano. En este caso usan colores más tensos y suaves. El artista crea sentimientos haciendo que el espectador de su significado respecto a lo que ve, así se convierte en arte subjetivo porque cada uno dice que lo cree que expresa.

Franz Marc elige a los animales (en esta obra el caballo azul) como el símbolo de la perfección frente a la capacidad del ser humano de destruir lo que le rodea.

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BibliografĂ­a http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/munch.htm http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/die_brucke.htm http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/der_blauer.htm

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