Performance Now by Alina Saulova

performance Now антология 2000-х

Розли Голдберг / RoseLee Goldberg

На выставке «Performance Now. Антология перформанса 2000-х годов» представлены работы 18 художников, отобранные из обширного архива новейшего перформанса, созданного художниками из разных стран, начиная с 2000 года. Именно в этот период число авторов, обращающихся к живому перформансу как полноценному средству выражения своих идей, многократно увеличилось. Столетием ранее итальянские футуристы призывали к более непосредственному взаимодействию с публикой, предложив художникам из самых разных областей искусства — танца, кино, театра, музыки, архитектуры и дизайна — присоединиться к их движению. Ныне становится очевидно, что в визуальном творчестве перформанс наиболее рельефно отражает развитие идей и точности их реализации в современном искусстве. Все представленные работы первоначально были перформансом, трансформированном затем автором в «твердую», более устойчивую форму — будь то видео, кино, инсталляция или фотография. Каждая работа является полноценным и законченным произведением искусства, отображающим видение и язык художника, а также воссоздающим в мельчайших деталях (а в некоторых случаях с различных точек зрения — прием, трудно до-

“Performance Now” is a selection of works by 18 artists from a vast repository of new performance from around the world made since 2000, a period that has witnessed an exponential increase in the number of artists using live performance as one medium among many for expressing their ideas. A century after the Italian Futurists insisted on a more direct engagement with their audiences and solicited artists of every discipline— dance, film, theater, music, architecture, and design—to join their cause, performance by visual artists has become central to our understanding of the development of contemporary art ideas and sensibilities. Each of the works in the exhibition was first a performance, which was then transformed by the artist into a ‘solid’ more permanent form, whether in video, film, installation or photography. Each is an intact and self-contained art work that reveals the particular mindset and aesthetic language of the artist, and conveys, in greater detail and, in some cases, with more viewpoints than could possibly be observed in real life, the actual sequence of events as well as the props, costumes and underlying structure of the performance. The works indicate a rethinking of material by the artists in

Розли Голдберг / RoseLee Goldberg

стижимый в реальной жизни) точную последовательность событий наряду с декорациями, костюмами и общей структурой перформанса. В этих произведениях угадывается переосмысление материала художßßником в процессе преображения оригинальной «живой» работы в устойчивую форму. Выставка убедительно доказывает, что дополнительное преимущество овеществления оригинального перформанса заключается в возможности повторного просмотра, ибо концептуальный подтекст любого произведения максимально отчетливо проступает не с первого, но со второго, третьего и даже четвертого просмотра. Многоразовый просмотр позволяет воспринять всю совокупность образов, созданных по ходу действия, впервые состоявшегося вживую. Структура и композиция, ритм и темп произведений, представленных на выставке, усиливают наше восприятие художественного замысла, как интеллектуального, так и эстетического. Процесс авторского монтажа — то есть, многократного просмотра работы — несомненно, добавляет произведению цельности. То, что мы видим на выставке, это финальный росчерк художника, конечный результат многомерного процесса поисков, исполнения, переоценок и переделок. 6

the process of converting the original live work to lasting form. As becomes clear from the exhibition, repeat viewing is another benefit of the more permanent iteration of the original performance, for it is in the second, third or even fourth viewing, that the conceptual underpinnings of each project come more vividly to the surface. It is through multiple viewings that the images constructed during the live event become indelibly lodged in the brain. The framing and composition, rhythm and pacing that went into creating the work in the exhibition further enhance our understanding of the artists’ intentions, intellectual as well as aesthetic. For the artist, the process of editing — indeed viewing over and over — no doubt gives the work its fullest meaning, and what we see in the exhibition is the artist’s final sign off, the end result of an extended process of research, execution, re-evaluation, and re-making. “Performance Now” is an indication of the extent to which visual artists use performance as part of their creative process, how that process produces objects, installations, video, or photography, and how these mediums have been enlivened by the demands of recording performance in innovative.

Performance Now свидетельствует о масштабном увлечении визуального искусства перформансом, как одним из видов творчества, а также о том, как это увлечение способствует созданию объектов, инсталляций, видео и фотографии. Благодаря этой выставке, также можно проследить, как данные художественные средства обретают новые черты, благодаря фиксации перформанса инновационными способами. В последнее десятилетие отделы перформанса появились во многих крупных музеях мира, а сам перформанс признан одной из самых значительных художественных форм XXI века, и данная выставка предоставляет зрителю шанс познакомиться с наиболее актуальными преобразованиями в современном искусстве

ways. With performance art departments now established in many major museums throughout the world, and performance recognized as one of the most significant artistic forms of the 21st century, this exhibition provides a window onto these important developments.

Мария Насимова / Maria Nasimova

«Performance Now. Антология 2000-х» является ничем иным, как классическим хронологическим исследованием далеко не классического, но уже давно легитимного жанра современного искусства — перформанса. Теоретик и куратор Розли Голдберг практически открыла этот вид искусства для широких масс. Ее новаторская книга Performance Art: From Futurism to the Present была издана в 1979-м, а в 2011 году было выпущено уже ее третье издание. К моменту открытия выставки эта работа была переведена на двенадцать языков. Однако в рамках этой выставки Розли рассказывает о жанре сегодняшнего дня и последнего десятилетия. Чем примечателен именно этот период? Я бы ответила, что именно в это время перформанс, бывший некогда радикальным жанром, перешел в стадию стагнации. А, как известно, следствием подобных процессов всегда является скорое кардинальное изменение форм и репрезетанций. В первую очередь, каждый зритель, не слишком знакомый с жанром перформанса, хочет знать, в чем именно заключаются его особенности и вывести для себя некое его определение. Oxford English Dictionary определяет перформанс как форму искусства, относящуюся к танцу и театру,

“Performance Now” is nothing less than a classic piece of chronological research of a contemporary art form that, while not yet attaining to the status of classic itself, has long been legitimate: performance. It was theorist and curator RoseLee Goldberg who for all intents and purposes introduced this type of art to a wide audience. Her groundbreaking book “Performance Art: From Futurism to the Present” was published in 1979, and in 2011 the third edition was released. By the time this exhibition opened it had been translated into 12 languages. As part of this show, RoseLee considers the genre as it exists today, and as it has existed over the last decade. How is this period unique? I would answer that during this period, performance, once a radical genre, stagnated. Of course, the consequence of this kind of process is always a rapid and cardinal shift in forms and representations. Every visitor who is not very familiar with the genre of performance wants to know what distinguishes it and how to define it. The Oxford English Dictionary defines performance as an art form related to dance and theater in which the artist’s body is the most important element. Wikipedia has close but a more accurate definition: Performance is a form of contemporary art in which the artwork is

Мария Насимова / Maria Nasimova

в которой задействованное тело художника является наиболее важным элементом. Если обратиться к Wikipedia, мы найдем похожее значение: перформанс — это форма современного искусства, в которой произведение составляют действия художника или группы в определённом месте и в определённое время. К перформансу можно отнести любую ситуацию, включающую четыре базовых элемента — время, место, тело художника и отношения художника и зрителя. В этом заключается отличие перформанса от таких форм изобразительного искусства, как картина или скульптура, где произведение определяется выставленным объектом. Для меня эти определения настолько же далеки от реальности, как и близки к ней. «Бабушка» перформанса Марина Абрамович утверждает, что перформанс — это жанр совершенно отличный от театра, в котором актер репетирует и заучивает свою роль. По ее мнению, перформанс направлен на трансформацию художника и зрителя и, как следствие, неотрепетирован. По-моему мнению перформанс это самый партисипаторный жанр искусства, где зритель чаще чувствует себя сопричастным и важным звеном действа. Откровенно говоря, без зрителя перформанс 10

comprised of actions by an artist or a group in a particular place or time. Any situation can be a performance as long as it involves four fundamental elements — time, place, the artist’s body and a relationship between an artist and audience. This is how performance is distinct from forms of visual art such as painting and sculpture, in which the artwork is an exhibit. For me these definitions are as far from reality as they are close. Marina Abramovicʹʹʹʹʹć, the “grandmother” of performance, says that performance is completely different from theater, in which an actor rehearses and memorizes his role. In her opinion, performance is oriented toward transforming the artist and audience and, as a result, cannot be rehearsed. I see performance as the most participatory art form — one in which the audience frequently feels it is part of or an important link in the action. Frankly speaking, without an audience performance has little sense (with rare exceptions). This is why I define it as an art form that takes place “here, now and for you.” The Jewish Museum and Tolerance Center is exhibiting not only the contributions of 18 artists to the history of performance. It is also showing RoseLee Goldberg’s personal input to the development of contemporary art. In staging

вообще не имеет большого смысла (за редким исключением). Именно поэтому для себя я его определяю как искусство, которое происходит «здесь, сейчас и для тебя».

this exhibition we are tracing the footsteps of the present day in order to put it on record and await the changes the coming tomorrow will bring.

Еврейский музей и центр толерантности показывает в своих стенах не только вклад восемнадцати художников в историю перформанса, но и личный вклад Розли Голдберг в развитие современного искусства. Демонстрируя эту выставку, мы идем по следам сегодняшнего дня для того, чтобы зафиксировать его и ждать нового в приходящем завтра.

ИРИНА КУЛИК / IRINA KULIK

«Забудьте все стандартные формы искусства — не рисуйте картины, не сочиняйте поэзию, не стройте архитектуру, не ставьте танцы, не пишите пьесы, не сочиняйте музыку, не делайте фильмы и, прежде всего, не думайте, что вы получите хеппенинг, соединив все это вместе» — писал в 1966 году в статье «Как сделать хеппенинг» основоположник одной из первых форм перформанса Аллан Капроу. Перформансисты ХХI века решительно опровергают заветы Капроу. На выставке «Performance Now. Антология перформанса 2000-х годов» есть комические скетчи, поставленные по речам и интервью американских политиков, игровое кино, академический и современный танец, опера. И почти нет «классического» перформанса — того, каким он был в 1960-70е годы, когда, собственно, и сложился этот новый вид искусства. Основное отличие в том, что во многих современных перформансах художник все реже и реже выступает «в главной роли». Куда чаще перед нами предстают приглашенные профессионалы — актеры, музыканты, танцоры. Перформанс, некогда противопоставлявший театральной «игре» подлинность существования здесь и сейчас, правду не представления, но опыта, сегодня все больше и больше возвращается к буквальному значению слова «performance» — «исполнение». Основной ценностью

“Forget all the standard art forms — don’t paint pictures, don’t make poetry, don’t build architecture, don’t arrange dances, don’t write plays, don’t compose music, don’t make movies, and above all don’t think you’ll get a happening out of putting all these together,” American performance art pioneer Allan Kaprow said in “How to Make a Happening,” a lecture released as a vinyl record in 1966. Today’s performance artists, though, are decisively refuting such covenants. “Performance Now” exhibition features comedy sketches mocking American politicians, as well as feature films, classical and modern dance, and opera. It is a far departure from the more conventional form of the genre developed in the 1960s-70s. A fundamental difference is that in modern performances, the artist less and less often plays the main role. Instead the lead is taken by hosted professionals: actors, musicians and dancers. Such art, an expression of the genuine here-and-now, while never in direct contrast to theatrical acting, is increasingly returning to the literal sense of performance. The genre’s principle value is the near-total freedom of the performer. He does not need to surrender to the traditional boundaries between

ИРИНА КУЛИК / IRINA KULIK

оказывается не тотальная свобода перформансиста-художника, не признающего традиционные разграничения между видами искусства, искусством и жизнью и даже пределы физических возможностей собственного тела, но дисциплина и самоотверженность исполнителей. Даже Марина Абрамович в представленном на выставке проекте «Семь легких пьес» принимает роль смиренного исполнителя реенактментов классических перформансов 1960х-1970х годов. Реенактментами чужих акций представлен и американец Клиффорд Оуэнс. Его «Антология» — это малоизвестная, незаписанная за почти полвека его существования, но зато живая история афроамериканского перформанс-арта. Разыгрывая собственные сценарии, современные перформансисты словно раздваиваются на режиссера и исполнителя (как раздваивается на высокомерного интервьюера и робкого респондента Уильям Кентридж в видео «Урок рисования №47»). Художник может смиренно следовать придуманному им же ритуалу (как, например, Регина Хосе Галиндо, чье видео напоминает религиозную процессию неведомого культа), самозабвенно предаваться лицедейству, как меняющий множество ролей Нихиль Чопра. Или подавать реплики с бодрым дилетантизмом участника театрального 14

art forms, the limits between art and reality, or even the physical potential of his own body. Rather, he is constrained only by self-discipline and dedication. Marina Abramovic, while presenting for the exhibition her “Seven Easy Pieces” took on the humble role of re-enacting classic 1960s-70s performances. In turn, American artist Clifford Owens creates his own renditions of esteemed pieces: His Anthology series is a little-known, unrecorded but living history of African-American performance art over the past half-century since its inception. But also in performing their own productions, these contemporary artists serve as both director and performer (for instance, South African artist William Kentridge plays both an arrogant interviewer and timid respondent in the video “Drawing Lesson 47”). An artist can submissively follow a predetermined ritual (such as Guatemala’s Regina Jose Galindo, whose featured video showcases a cult-like procession). While other artists enthusiastically indulge in theatrical performances: India’s Nikhil Chopra switches between a plethora of characters, and Israel’s Guy Ben-Ner stages lighthearted, amateurish sketches in the aisles of an IKEA store. Many Performance Now artists host performers with skills that

кружка — как это делает Гай БенНер, вместе со своим семейством разыгрывающий нехитрые сценки прямо в стендах Икеи. Другие участники выставки Performance Now привлекают для своих перформансов исполнителей-профессионалов, обладающих умениями, недоступными художникам. Это может быть настоящая кинозвезда — Мэрил Стрип — в фильме-мюзикле Лори Симмонс, демонстрирующая такую же идеальную готовность стать элементом произведения современного искусства, что и ее «партнеры»: постоянные герои фотографий и видео Симмонс — куклы и марионетки. Это может быть оперная труппа, которую Рагнар Кьяртанссон заставляет двенадцать часов подряд вновь и вновь разыгрывать финальную сцену «Женитьбы Фигаро». Или знаменитый финский «Хор крикунов», сопровождающий своими «кричалками» сновиденческие сцены из фильмов Яспера Юста с невозмутимостью артистов, понимающих, что их выступления сохранят свою эксцентричность в любом, даже самом причудливом контексте. Или это пианист в перформансе Аллора и Кальсадилья, тщательно старающийся исполнить бетховеновскую «Оду к радости», несмотря на то, что в рояле проделана огромная дыра, в которую и помещен музыкант.

the artists don’t possess. Such a performer could be a real-life movie star, such as Meryl Streep. She, in a musical film by Laurie Simmons, demonstrates her ideal prowess for starring in a modern art production with marionette co-stars, common elements in Simmons’ videos and photographs. Or such performers could be an opera troupe, such as the one that Icelandic artist Ragnar Kjartansson has perform the final scene of “The Marriage of Figaro” over and over again, for 12 hours in a row. Or the famous Finnish “screaming choir,” whose cries accompany dreamlike scenes by Jesper Just with the calmness of artists who understand that their performance will maintain its eccentricity in any, even bizarre context. Or such a performer could be a pianist, such as in an Allora & Calzadilla performance in which a musician thoroughly strives to play Beethoven’s “Ode to Joy” through a big hole in the middle of a piano. Instruction is an integral element of a performance or video artist’s work. It is also, within itself, part of the plot. The Paris-based art collective Claire Fontaine films self-defense instructors explaining and demonstrating various takedowns, while Christian Jankowski spins a Hula-Hoop like a fitness instructor upon a roof in New York’s Chinatown.

ИРИНА КУЛИК / IRINA KULIK

Инструктаж, являющийся, надо полагать, для перформансистов и видеоартистов элементом работы с исполнителями, и сам оказывается одним из сюжетов, представленных на выставке произведений. Так, участники группы Клэр Фонтен снимают инструкторов по самообороне, объясняющих и показывающих приемы разнообразных драк, а крутящие хула-хуп на крышах нью-йоркского Чайна-тауна героини Кристиана Янковски, напоминают фитнес-инструкторов. Впрочем, маловероятно, что художники предполагают, что зрители и вправду немедленно воспользуются советами их героев. Зритель стал слишком искушенным, чтобы не распознать искусство с первого же взгляда и спутать его с реальностью. В современном перформансе гарантией подлинности происходящего выступают уже не зрители с их непосредственной реакцией на неожиданную ситуацию, в которую они оказались вовлечены; и не сам художник-перформансист в непреложности своего физического присутствия, но, парадоксальным образом, именно эти исполнители, воспринимающие свое дело буквально и всерьез. Именно в их лице реальность вторгается в искусство, нарушая его конвенциональные границы. Это вторжение может быть шоком — как в осуществленном в 2007 16

But it is unlikely that the artists are proposing that the audience actually rush out and attempt what the performers are demonstrating. Today’s viewer is too sophisticated to fail to recognize art at first site and confuse it with reality. In a modern performance, the guarantee of the authenticity of what’s happening is not conveyed by the viewers with their indirect reaction to the unexpected situation in which they have found themselves, nor by the artist himself within the immutability of his physical presence, but rather — paradoxically — by the performer, who takes his job very seriously. It is through the performers that art breaks down conventional boundaries and encroaches upon reality. This invasion can be shocking, as demonstrated in Chile in artist Santiago Sierra’s 2007 project, “The Trap”, in which he exposes exploitation in capitalist society. However, his project’s performers include not just Peruvian laborers but also, unwillingly, representatives of the Chilean elite who suddenly appear in the scene. In front of a bunch of angry migrants and in a most unpleasant way, they face the fact that this aspect was not part of the performance — that the viewers are in no way at a safe distance from reality. The embodiment of the ideal performer is a Parisian corps de ballet dancer who appreciates her ability to be anony-

году в Сантьяго-де-Чили проекте «Ловушка» Сантьяго Сьерры, прибегающего в своих проектах к участию исполнителей, с целью обнажить саму систему эксплуатации труда в капиталистическом обществе. Впрочем, в «Ловушке» исполнителями поневоле становятся не только перуанские рабочие, но и представители чилийской элиты, внезапно для себя оказывающиеся на сцене перед полным залом рассерженных гастарбайтеров. Они самым неприятным образом сталкиваются с тем фактом, что в этом перформансе им отведена роль отнюдь не только зрителей, находящихся на безопасном расстоянии от происходящего.

mous in her own impeccability, a perfectly honed mechanism of theater. In a project by French artist Jerome Bel, this ballerina acquires her own individualism not only through the opportunity to tell her own story, but through the right to finally become not an element of the show, but a viewer. Having entered the stage of her theater for the last time before retiring, Veronique Doisneau is able to finally turn her back to the audience, sit on the floor and watch how her favorite prima dances especially for her.

Воплощение идеального исполнителя — балерина второго ряда, ценящая собственное умение быть анонимной в своей безупречности; деталью великолепно отлаженного театрального механизма — в проекте Жерома Беля обретает собственную индивидуализированную реальность не только через голос и возможность рассказать свою биографию, но и через право стать, наконец, не элементом зрелища, но зрителем. Выйдя в последний раз перед выходом на пенсию на сцену своего театра, Вероника Дуано может, наконец, повернуться спиной к залу, сесть на пол и посмотреть, как специально для нее будет танцевать ее любимая прима. 17

Известная художница сербского происхождения Марина Абрамович за 40 лет своей карьеры работала как одна, так и в дуэте со своим партнером Улаем. Достигнув всемирного признания и статуса главной художницы жанра перформанса наших дней, Марина Абрамович решила увековечить и повторить повлиявшие на ее перформансы две свои избранные работы из серии «Семь легких пьес». Реконструкция перформансов проходила в Музее Гуггенхайма в НьюЙорке. Марина Абрамович в своей манере исполнила работы Брюса Наумана, Вито Аккончи, Вали Экспорт, Джины Пане и Йозефа Бойса. По мнению художницы, перформанс меркнет в истории, если его не повторяют и не оживляют следующие поколения художников. В своей серии Марина Абрамович доказывает, что уже известную работу можно передать по-новому, а перформанс обладает новой силой и притягательностью, когда попадает из арт-хроники на глаза не всегда подготовленной публики.

The famous Serbian artist Marina Abramovicʹʹʹʹʹ has worked for 40 years in a duet with her partner Ulay. Achieving worldwide recognition and the status of the main performance artist of our day, Marina Abramovicʹʹʹʹʹ decided to immortalize the defining influence on her performances and repeat two of her selected works in the series Æææ“Seven Easy Pieces”. The reconstruction of the performances took place at the Guggenheim Museum in New York. She performed in her fashion the works of Bruce Nauman, Vito Acconci, Valie Export, Gina Pane and Joseph Beys. In Abramovicʹʹʹʹʹ’s opinion, a performance fades into history if it is not repeated and does not enliven the next generation of artists. In her series, she proves that it is already possible to transmit a famous work anew, and the performance possesses a new strength and appeal when it falls from art history onto the eyes of the unprepared public.

Марина Абрамович «Семь легких пьес». 2005 Инсталляция на 7-и экранах

Marina Abramovicʹʹʹʹʹ “Seven Easy Pieces”, 2005 7-screen installation

Дуэт художников Дженнифер Аллора и Гильермо Кальсадилья с 1995 года занимается исследованием политики, сопротивления, исторической судьбы и общественных реакций. Их работы в жанрах перформанса, скульптуры, пабликарта и саунд-инсталляций переплетают в себе темы трудности или невозможности выбора национальности, политической идентичности и активной гражданской позиции. Для участия в видео, показанном на последней выставке dOCUMENTA в 2012 году, художники пригласили флейтистку сыграть на самом старом инструменте, который известен истории — дудочке из кости грифона — в присутствии живого грифона в том же зале. В перформансе «Стоп, ремонт, готов» приглашенный пианист, помещенный внутри рояля на колесиках, скользит по пространству музея МоМа и играет «Оду радости» Бетховена — музыкальный символ европейского гуманизма и Эпохи Просвещения. От искажения инструмента симфония звучит трагически и тревожно, и только узнаваемый лейтмотив выдает происхождение этой хаотичной и разваливающейся на куски композиции.

The artistic duo of Jennifer Allora and Guillermo Calzadilla has since 1995 performed studies of politics, resistance, historical destiny and public reactions. Their performances, sculptures, public art and sound installations interweave themes of hardship or the impossibility of choosing a nationality, political identity and social position. In a video for the 2012 exhibition “dOCUMENTA,” the artists invited a flutist to play on the oldest known instrument — a flute carved from a vulture’s wing bone 35,000 years ago — in front of a living vulture in the same concert hall. The performance “Stop, Repair, Prepare” features a pianist who, positioned inside a piano, plays Beethoven’s “Ode to Joy” while wheeling the instrument around New York’s Museum of Modern Art. The song is a symbol of European humanism and the Age of Enlightenment. The distortion of the instrument makes the piece sound ever more tragic and alarming, and only the easily recognizable melody gives away the origin of this chaotic and crumbling composition.

Аллора & Кальсадилья «Стоп, ремонт, готов. Вариации на тему “Оды к радости”, № 2». 2008 Видео-документация 17 мин. 18 сек. Allora & Calzadilla “Stop, Repair, Prepare: Variations on Ode to Joy, No. 2”, 2008 Video documentation on DVD 17 min., 18 sec.

Израильская художница Яэль Бартана известна фильмами, видеои фото-сериями на тему поиска культурной идентичности. Отучившись в Иерусалиме, Нью-Йорке и Амстердаме, художница начала снимать серии видео с вымышленными сюжетами на основе реально происходивших событий. В своих работах Бартана пытается переосмыслить исторические факты, еврейское самосознание и политику XXI века. В своей последней серии — трилогии о Польше — Бартана поднимает вопросы, связанные в понятиями возвращения, родины и предназначения в условиях глобализации. В видеоработе «Кошмары», которая снималась в пространстве заброшенного амфитеатра Олимпийского стадиона Варшавы, вымышленный персонаж пользуется риторикой советских и немецких пропагандистов и выступает перед заросшим кустами залом. Его речь утопична, так как обращена ко всем сразу — новому поколению Польши, которое выросло уже в объединенной Европе, современным польским антисемитам и пострадавшим от репрессий польским евреям, которые мечтают о возвращении в Израиль. Точность высказывания и глубина анализа польской серии сделали Яэль Бартану первой художницей родом из другой страны, которая представила Польшу на Венецианской биеннале. 26

The Israeli artist Yael Bartana is known for films, videos and photo series about the search for cultural identity. Having studied in Jerusalem, New York and Amsterdam, she began to shoot a series of videos with a fictional story based on real events in order to reinvent historical facts, Jewish selfconsciousness and the politics of the 21st century. In her last series, a trilogy about Poland, Bartana takes the themes of a return, a homeland and intentions within the framework of globalization. In the video “Nightmares”, shot in Warsaw’s abandoned Olympic stadium, a fictional character uses the rhetorical style of Soviet and German propagandists. He steps out in front of the overgrown bushes of the hall. His speech is utopian and is addressed to everyone simultaneously: to the new generation of Poland that grew up in the united Europe, to the contemporary Polish anti-Semites and to the victims of Polish repression, to Jews who want to return to Israel. The precision of the narrative and the depth of the analysis of the Polish series made Yael Bartana the first artist of foreign origin who represented Poland at the Venice Biennale. Яэль Бартана «Мары-кошмары». 2007 Одноканальное видео 10 мин. 50 сек. Yael Bartana Æ“Mary Koszmary”, 2007 Single-channel video 10 min., 50 sec.

Жером Бель — известный французский теоретик, режиссер и философ. Около 20 лет он работает на стыке практик современного искусства, перформанса, видео и традиций современного танца, во многом основываясь на работах Пины Бауш, концептуальном искусстве и трудах Фуко, Барта и Делеза. Начиная как танцор, Бель в начале 90-х заинтересовался постановкой, воплощая с помощью приглашенных танцоров свои идеи по движению на сцене и взаимодействию со зрителями. В своей дебютной работе он сделал главными героями неодушевленные предметы — мяч, пылесос или фен — в то время как живые актеры отвечали за их перемещения. В последующих перформансах большую значимость приобретал текст: актеры снимали футболки с напечатанными на них слоганами или пели отрывки из популярных песен. В видеоперформансе «Вероника Дуано» Жером Бель дает высказаться неизвестной балерине Парижской оперы, которая на следующий день выходила на пенсию и за свою карьеру ни разу не была в центре внимания. Этот получасовой монолог с личными откровениями и танцами сделал вечно немую фигуру на заднем плане героиней вечера и передал неповторимость каждого человека, которому отведена даже эпизодическая роль. 28

Jéeʹrôô me Bel is a renowned French theorist, philosopher and choreographer. He has endeavored for about 20 years in modern art, performance, filmmaking and experimental dance, influenced by German dancer Pina Bausch, conceptualist art work and the philosophies of Foucault, Barthes and Deleuze. An accomplished dancer, Bel started staging original productions in the early 1990s with fellow dancers and plenty of audience interaction. His debut made main characters out of inanimate household appliances — a ball, a vacuum cleaner and a fan — brought to life by a team of actors. In subsequent performances, words became the significant element, with actors displaying T-shirts with various slogans or singing excerpts from popular songs. In the video performance “Veʹronique Doisneau”, Jéeʹrôô me Bel passes the spotlight to an unknown corps de ballet dancer of the Paris Opera who would retire the very next day. This brief monologue, which includes personal revelations and solo dancing, turned a silent background dancer into the star of the evening and represented the uniqueness of anyone who has ever shined in a supporting role.

Жером Бель «Вероник Дуано». 2009 Одноканальное видео 32 мин. Jéeʹrôô me Bel “Vééeʹronique Doisneau”, 2009 Single-channel video 32 min.

Израильский художник Гай Бен-Нер больше всего известен своими видеоработами, созданными с участием членов его семьи — жены, сына и дочери. Взяв за основу известные литературные сюжеты — «Робинзона Крузо», «Моби Дика» — или вдохновляясь историями из фильмов Трюффо, Гай Бен-Нер сооружал простые декорации, где разыгрывал уже известные истории в новом воплощении. Самой известной его работой до сих пор является «Ускользающая красота»: театральная постановка о жизни рядовой семьи, которая была разыграна в выставочных павильонах мебельного магната IKEA в нескольких городах Европы. Во время работы магазина художник и его семья заселяют рекламные гостиные, спальни, прихожие и детские, воспроизводя стандартные паттерны семейных отношений — взрослые следят за дисциплиной, дети обижаются на старших и все вместе разделяют быт и условия жизни рядовой семьи на глазах у других покупателей. Гай Бен-Нер не только ставит вопрос о пределах личного и общественного, но и хлестко критикует обывателей и постоянно воспроизводимые паттерны отношений. Его перформанс иронично намекает на родство и похожесть всех семей и обществ между собой — с одинаковым ассортиментом и стандартной обстановкой, как в главном домашнем магазине среднего класса. 30

The Israeli artist Guy Ben-Ner is best-known for the videos he has created with the participation of his family: his wife, son and daughter. Taking from famous literary stories, e.g., “Robinson Crusoe”, “Moby Dick” or the inspiring stories of Truffaut, Guy Ben-Ner has constructed simple scenery where he puts on already famous stories in a new manifestation. His most famous work so far is “Stealing Beauty”, a theater production about the life of an ordinary family, which has been performed in the showrooms of furniture giant IKEA in several cities around Europe. Guy Ben-Ner and his family occupy the displays — living rooms, bedrooms, hallways and children’s rooms — and they reproduce the standard patterns of family relations: adults keep up discipline and children resent their elders. They share household activities and the life of the common family before the eyes of other shoppers. Guy Ben-Ner not only raises the question of the limits of the personal and the social, but he also critiques the average citizen and the routinely reproduced patterns of relationships. His performance ironically alludes to the proximity and similarity of all families and societies, with the identical range and standard setting of a domestic-goods store that is popular with the middle class. Гай Бен-Нер «Ускользающая красота». 2007 Одноканальное видео 17 мин. 40 сек. Guy Ben-Ner “Stealing Beauty”, 2007 Single-channel video 17 min., 40 sec.

Гватемальская художница Регина Хосе Галиндо стала известна миру после того, как получила Золотого льва на биеннале в Венеции в 2005-м году как молодой художник. На родине ее телесные перформансы вызывали неоднозначные реакции и даже приводили к скандалам. Художница активно работает с темами угнетения женщин в патриархальном обществе, политических преступлений и исторической памяти. В своих простых сильных и, в то же время, болезненных перформансах она дает художественное осмысление трудностям жизни в Гватемале и политическому выбору, который ежедневно делают ее граждане. В видео «Гименопластика» она показывает хирургическое восстановление собственной девственной плевы — процедуру, к которой в патриархальных странах часто прибегают девушки, чтобы общество признало их достойными. А в видео «Кто сумеет стереть следы?» художница идет босиком от здания суда до национального дворца Гватемалы в знак протеста против выдвижения в президенты военного преступника и диктатора генерала Риоса Монтта. Ее босые ноги оставляют кровавые следы в память о жертвах военных преступлений в Гватемале и, указывая на действия политиков, которые строят свою карьеру на чужих страданиях. 34

The Guatemalan artist Regina Jose Galindo became worldfamous after she received the Golden Lion at the Venice Biennale in 2005 as a young artist. In her homeland, her body-art performances have evoked ambiguous reactions and even led to scandals. Galindo actively works with the themes of oppression of women in a patriarchal society, political punishment and historical memory. In her simple, strong and painful performances, she gives an artistic interpretation of the difficulties of life in Guatemala and of the political choice that its citizens make every day. In the video “Hymenoplasty”, she shows the surgical restoration of her own hymen, a procedure to which girls often resort in patriarchal countries so that society considers them as worthy. In the video “Who Can Erase the Traces?” Galindo walks barefoot from the courthouse to Guatemala’s National Palace as a sign of protest against the presidential nomination of war criminal and dictator General Jose Efrain Rios Montt. Her bare feet leave bloody footsteps in memory of the victims of war crimes in Guatemala and of all politicians who make their career on other people’s suffering.

Регина Хосе Галиндо «Кто сумеет стереть следы?» 2003 Одноканальное видео 37 мин. 32 сек.

Regina José Galindo ¿“ Quiéeʹén Puede Borrar las Huellas?”, 2003 Single-channel video 37 min., 32 sec.

Южноафриканский художник Уильям Кентридж больше всего известен своими рисунками, инсталляциями и мультипликацией в драматичных черно-белых тонах, которые часто затрагивают темы апартеида в Африке. Будучи сыном адвокатов, которые боролись с ущемлением прав коренного населения Африки, Кентридж отучился на художника и африканиста. С середины 70-х годов он создает серьезные и в то же время ироничные серии о сожительстве и искусственном разделении людей, оставаясь верным своей технике угольного рисунка. Подытоживая свой долгий артистический путь, художник придумал серию видеоперформансов «Уроки рисования», где он деконструирует себя и свои приемы, а заодно демонстрирует себя как вдохновляющего актера. Так в «Уроке рисования №47» Кентридж разыгрывает интервью с самим собой о творческой судьбе, выбранных средствах выражения, технологиях и вдохновении. Воспроизводя стереотипные вопросы о биографии и методе работы, Кентридж обнаруживает, что настоящий талант оказывается за гранью вербальной игры и синтезирует в себе непостижимое, несмотря на наше желание найти всему объяснение и развеять магию фактами.

Уильям Кентридж «Урок рисования 47 (Интервью для Нью-Йоркской школы-студии)». 2010 Одноканальное видео 4 мин. 48 сек.

The South African artist William Kentridge is best-known for his drawings, installations and animation in dramatic blackand-white tones, which often concern the theme of apartheid in Africa. Being the son of lawyers who fought against the violation of the rights of the indigenous peoples of Africa, Kentridge finished his studies as an artist and Africanist, and he hoped to find himself in theater. However, he became engaged in the fine arts. From the mid-70s, he created serious and ironic series about cohabitants and people’s artificial divisions, remaining true to his technique of charcoal drawing. Summing up his long artistic journey, Kentridge devised a series of video performances, “Drawing Lessons”, where he deconstructed himself and his methods, simultaneously showing himself as an inspiring actor. In “Drawing Lesson 47”, Kentridge feigns an interview with himself about creative fate, selected media of expression, technologies and inspiration. Reproducing the stereotypical questions about biography and work method, Kentridge reveals to the audience that real talent finds itself beyond the boundary of a verbal game and that the incomprehensible synthesizes within itself, not looking at our desire to find an explanation for everything and to dispel the magic with facts.

William Kentridge “Drawing Lesson 47 (Interview for New York Studio School)”, 2010 Single-channel video 4 min., 48 sec.

Клэр Фонтен — группа французских художников-анонимов, взявших себе псевдонимом название известного бренда канцелярских принадлежностей. Художники занимаются перформансом, создают неоновые вывески и объектное искусство, активно выставляют реди-мейды. Клэр Фонтен никогда не раскрывают свою личность, чтобы при трактовке и оценке их работ не использовали подробности их биографий. Они дают интервью по почте и не позволяют себя фотографировать. Видео «Ситуации» появилось в Париже, как часть выставки «Работать вместе», которая поднимает вопросы сотрудничества, разделения обязанностей, общественной и политической борьбы в современном обществе. В этом абсурдном видео двое молодых мужчин объясняют на примерах правила поведения в уличной драке — в разных условиях, с применением оружия и без — что бесполезно и безадресно для парижской галерейной публики. Как и все творчество Клэр Фонтен, видео не только иронизирует на тему действительности, но и говорит о стратегии выживания художника, а также политических подтекстах художественного жеста.

A group of anonymous French artists, using a famous brand of office notepads as a pseudonym, holds performances and creates neon signs and other object art, productions they call ready-made art. Claire Fountaine never reveals its personality so that the biographies of the artists do not implicate their works in interpretation and evaluation. They give interviews by mail and do not allow themselves to be photographed. The video “Situations” appeared in Paris as part of the exhibition “Working Together,” which raised issues of collaboration, division of responsibilities and political struggles in contemporary society. In the absurd video “Situations”, two young men explain the code of conduct in a street fight –under various conditions with and without weapons — which is useless and unaddressed by the Parisian gallery public. As in all Claire Fountaine’s creations, the video not only ironizes reality, but it also speaks about the survival strategy of the artist and a place for political expression in an artistic gesture.

Клэр Фонтен «Ситуации». 2011 Одноканальное видео 35 мин. Claire Fontaine “Situations”, 2011 Single-channel video 35 min.

Исландский художник Рагнар Кьяртанссон больше всего любит работать с протяженностью времени и называет свои проекты перформативными звуковыми скульптурами. Выросший под влиянием театра и перформансов Марины Абрамович и Улая, Криса Бердена и Рони Хорн, художник посвятил много времени изучению особенностей выставочного пространства и поведения зрителей. Например, он на месяцы занимал огромную галерею, чтобы каждый день работать по чуть-чуть. Или он шесть дней пел перед посетителями галереи в синтетическом исландском пейзаже. Для работы «Блаженство» художник нанял труппу из оперных певцов и оркестра, чтобы представить публике растянутую на 12 часов финальную торжественную часть оперы Моцарта «Женитьба Фигаро». Известный каждому мотив, зацикленный на такое долгое время в живом исполнении утомляющихся на глазах актеров, не только дал новое измерение знакомой музыке, но и обнажил природу театра. Звуковые скульптуры Кьяртанссона окунают публику в безвременье и показывают органику, с которой работает сцена.

The Icelandic artist Ragnar Kjartansson loves most of all to work with the extent of time and calls his projects performative acoustic-sculptures. Growing up under the influence of the theater and the performances of Marina Abramovic and Ulay, Chris Burden and Roni Horn, Kjartansson has devoted much time to studying the distinctive features of exhibition spaces and the behavior of audiences. For example, he engaged an enormous gallery for a month in order to work a little bit every day, or he sang for six days in front of gallery visitors in an artificial Icelandic landscape. For the work “Bliss”, Kjartansson engaged a company of opera singers and an orchestra to present to the public an expanded, final, festive part of Mozart’s opera “The Marriage of Figaro” lasting 12 hours. The piece’s well-known motif, looped so long in the live performance that it tires before the very eyes of the actors, gave not only a new dimension to the familiar music, but it laid bare the nature of theater. Kjartansson’s acoustic sculptures immerse the public in timelessness and show the organicity with which the stage works. Рагнар Кьяртанссон «Блаженство». 2011 Видеодокументация на жестком диске 12 часов Ragnar Kjartansson “Bliss”, 2011 Video documentation on hard drive 12 hours

Нью-йоркская художница Лиз Мэджик Лейзер в своих перформансах работает с особенностями современных медиа и практикой массовых развлечений. Ее сложные, детально спланированные перформансы — результат вовлечения десятков участников и, в первую очередь, трудная режиссерская работа самого художника. Вдохновляясь агитпропагандой, ситуационистами, дадаистским театром и современной массовой культурой, Лиз Мэджик Лейзер синтезирует повествование из примет времени и повестки дня. В ее видео «Я чувствую твою боль» в кинотеатре между актерами «на камеру» разыгрывались вымышленные сцены на основе публичных высказываний американских политиков. Сама художница управляла камерами, монтируя шоу в прямом эфире, прямо на глазах у зрителей в этом же кинотеатре. Художница подчеркивает вписанность каждого нашего жеста или слова в область публичности и общественных пространств и объясняет медийность человеческой природы, остроумно включая в свои работы механизмы поп-культуры.

The New York artist Liz Magic Laser works with the distinctive features of contemporary media and the practice of mass entertainment in her performances. Her intricate, carefully planned performances are the result of the involvement of dozens of participants and Laser’s own especially difficult direction of these projects. Inspired by agitprop, the Situationists, Dadaist theater and contemporary mass culture, Liz Magic Laser synthesizes a narrative from signs of the time and notes of the day. In her video “I Feel Your Pain”, a fictitious scene between the actors was developed on camera in a movie theater, and it was based on public statements of US politicians. Laser herself controlled the cameras, assembling the show as if it were directly in front of the audience in that very theater. She emphasizes the refinement of our every gesture and word in the sphere of publicity and public spaces, and she explains the essence of media in human nature, wittily including in her work the mechanisms of pop culture.

Лиз Мэджик Лейзер «Я чувствую твою боль». 2011 Видеодокументация, сделанная на биеннале Performa-2011 80 мин. Liz Magic Laser “I Feel Your Pain”, 2011 Video documentation from Performa 11 commission 80 min.

Южноафриканская художница Нандипа Мнтамбо — уроженка Свазиленда. С самого начала внимание художницы привлекла взаимосвязь человеческой и животной природы, неразрывность наших биологических и поведенческих связей. Мнтамбо стремится работать только с органическими материалами, которые она находит в Африке. Так, частым материалом для ее объектов и скульптур является коровья кожа, которая появляется в целой серии работ, посвященной женственности, анализу скрытого и уязвимости. Работа «Рабочий процесс» — часть многолетнего проекта художницы, посвященного ее превращению в тореадора. Тореадор — традиционно мужская профессия, в которой маскулинность противопоставляется буйной природе и призвана укротить дикого быка. Проблема трансгендера, отношения между сознанием и инстинктами, а также конфликт между мужским и женским выходит на первый план в этой работе.

The South African artist Nandipha Mntambo is a native of Swaziland. From the very beginning of her work, she has drawn attention to the interrelationship of human and animal natures and the continuity of our biological and behavioral ties. Mntambo tries to work only with organic materials that she finds in Africa. As such, a frequent material for her objects and sculptures is cow hide, which has appeared in a whole series of works devoted to femininity, the analysis of the concealed and the vulnerable. The work “Ukugenisa” is a part of Mntambo’s multi-year project devoted to her transformation into a bullfighter. The bullfighter is traditionally a male profession in which manliness is contrasted with violent nature and is called upon to tame the wild bull. The problem is transgender, the relationship between consciousness and instincts, as well as the conflict between male and female, emerges in this work.

Нандипха Мнтамбо «Рабочий процесс». 2008 Одноканальное видео 2 мин. 30 сек. Nandipha Mntambo “Ukungenisa”, 2008 Single-channel video 2 min., 30 sec.

Работы американской художницы Келли Ниппер отражают ее интерес к природной стихии, человеческому поведению и научному прогнозированию. Буквальные события или сложные географические схемы художница перекладывает на язык современного танца и перформанса. Первая работа в ее цикле «метеорологических» перформансов «Флойд на полу» воплощает катастрофу, которую принес Восточному побережью одноименный ураган в 1999 году. Используя синий парашют и танцоров в голубых костюмах, Ниппер рисует карту катастрофы, придавая трагедии теплоту и легкость танца. Следующие работы Ниппер продолжают поэтический рассказ о природных явлениях языком человеческих движений. Сложные структуры, законы физики и математические расчеты в этих бессловесных перформансах составлены по тщательным схемам самой художницы и воссозданы ее ассистентами.

The works of American artist Kelly Nipper reflect her interest in natural disasters, human nature and scientific forecasting. She shifts the literal events or the complex geographic schemata into the language of modern dance and performance. The first work in her cycle of “meteorological” performances, “Floyd on the Floor”, personifies the catastrophe that Hurricane Floyd brought to the East Coast in 1999. Using a blue parachute and dancers in blue costumes, Nipper draws a map of the catastrophe, imparting the warmth and lightness of dance to the tragedy. Her following works continue a poetical story about the natural phenomenon with the language of human motion. Complex structures, the laws of physics and mathematical calculations of an assistant recreate in wordless performances, composed according to the careful schemata of the artist herself.

Келли Ниппер «Флойд на полу». 2007 Одноканальное видео 6 мин. 8 сек. Kelly Nipper “Floyd on the Floor”, 2007 Single-channel video 6 min., 8 sec.

Американский художник Клиффорд Оуэнс занимается не только перформансом, но и фотографией. Однако, поворотным проектом в его судьбе стала многолетняя «Антология», которую художник показывал в нью-йоркском музее современного искусства MoMa PS1. Вдохновленный телесным перформансом и своими корнями, Оуэнс собрал знаковые работы других афроамериканских художников и воплотил их в своей манере в разных пространствах галереи. «Антология» — это не только историческое исследование традиций перформанса на афроамериканской сцене, но еще и очень личное высказывание автора о преемственности поколений, продолжении традиций и выстраивании отношений с публикой. У каждого экспоната «Антологии» есть название — от придумавшего его автора. Совместно с Оуэнсом над «Антологией» работали многие художники, что делает этот проект еще и выдающейся коллективной работой.

The American artist Clifford Owens engages not only in performance but also photography. However, the turning point in his career was the multi-year “Anthology”, which he showed in the New York Museum of Modern Art. Inspired by dance and his African-American ancestors, Owens collected significant works of other African-American artists and personified them after his fashion in different gallery spaces. “Anthology” is not only historical research about traditions of performance on the African-American stage, it also is the author’s very personal story about the succession of generations, the continuity of traditions and the creation of relations with the public. Every exhibit of “Anthology” has a title from its author’s invention. Many artists worked on “Anthology” with Owens, which makes this project an outstanding collective work.

Клиффорд Оуэнс «Антология (Нсенга Найт)». 2011 Пигментная печать Clifford Owens “Anthology (Nsenga Knight)”, 2011 Chromogenic-prints

Нью-йоркская художница Лори Симмонс была известна на местной сцене, в первую очередь, как фотограф. За 20 лет карьеры она сделала десяток концептуальных фото-серий с участием миниатюрных фигурок и кукольных домов. В этих сериях она критиковала обывательские стандарты и навязанные обществом правила отношений в семье. Первый же фильм, снятый с участием говорящих кукол и живых актеров (например, Мерил Стрип) сделал Симмонс знаменитой и среди видео-художников. «Музыка сожалений» — драма из трех частей о сложностях современных отношений, условностях и абсурде человеческого общения. Черпая вдохновение у американских мюзиклов, прошлых фото-серий, диалогов жанрового кино и комедийных традиций, Симмонс создает трогательную панораму современной городской жизни, в которой меланхолия выходит на первый план. Абсурдные совпадения, игрушечные страдания и искренняя печаль чередуются в этих вымышленных историях, обнажая трагикомичность близких отношений. Лори Симмонс «Музыка сожалений». 2006 Фильм на пленке 35 мм, перенесенный на DVD 40 мин. Laurie Simmons “The Music of Regret”, 2006 35mm film transferred to DVD 40 min.

The New York-based artist Laurie Simmons was known on the local scene primarily as a photographer. Over her 20-year career, she has made dozens of conceptual photo series, featuring figurines and dollhouses in which she criticizes the narrow-minded standards and rules enforced by society on family relationships. Her first film, shot with talking dolls and live actors including Meryl Streep made Simmons famous among video artists. â&#x20AC;&#x153;Songs of Sorrowâ&#x20AC;? is a drama in three parts about the complexities of modern relationships, conventionality and the absurdity of human communication. Drawing inspiration from American musicals, her last photo series, about genre cinema and comedic traditions, creates a touching panorama of modern city-life in which melancholy emerges. Absurd coincidences, toy sufferings and sincere grief alternate in these fictional stories, exposing the tragicomedy of close relationships.

Испанец по происхождению, Сантьяго Сьерра долгие годы работает с экономическими реалиями многих стран мира, обнажая законы капитализма, отношения труда и собственности, угнетения и прибыли. Для своих работ Сьерра нанимает людей из социальных низов — от героиновых проституток до разнорабочих, манипулируя их поведением с помощью денег. Так, строители соглашаются, чтобы им за небольшое вознаграждение делали татуировку в виде линии на спине, а анархисты слушают мессу Папы Римского за сотню долларов. В перформансе «Ловушка» Сантьяго Сьерра отправляет приглашение на специальное событие 13 известным чилийцам — чиновникам и просто известным гражданам. Проходя коридор, они попадают на сцену прямо перед 186 рассерженными перуанскими рабочими и рвутся обратно, но выход для них оказывается закрытым. Ловушка, в которую попадают 13 участников перформанса, со временем исчезает, и они могут покинуть место действия. В напряженной и критической работе Сьерра ставит отдалившихся от простых людей знаменитостей лицом к лицу с теми, чьи интересы они должны представлять. И эта неестественная для их образа жизни ситуация оказывается для них неприятной ловушкой.

Сантьяго Сьерра «Ловушка». 2007 Одноканальное видео 34 мин. 6 сек. Santiago Sierra “The Trap”, 2007 Single-channel video 34 min., 6 sec.

A Spaniard by origin, Santiago Sierra has worked many years with the market reality of many countries of the world, exposing the laws of capitalism, the relationship of labor and property, oppression and profits. For his work, Sierra hires strangers, from heroin prostitutes to unskilled workers, manipulating their behavior with the help of money. Builders agree to draw a line on their backs for a small reward, and anarchists listen to a papal mass for $100. In the performance â&#x20AC;&#x153;The Trapâ&#x20AC;?, Sierra sends an invitation to 13 famous Chileans for a special event. Walking along a corridor, they find themselves on a stage in front of 186 disgruntled Peruvian workers and they rush back, but the exit is closed. The trap into which the 13 participants of the performance fall disappears eventually, and they are able to flee the scene. In this high-pressure and critical work, Sierra puts celebrities, who are estranged from ordinary people, face-to-face with those whose interests they must manifest. And this unnatural situation for their worldview turns out to be a trap for them.

Индийский художник Нихиль Чопра работает не только с перформансом, но и с рисунком, живописью, пластическим театром, видео, костюмами, а также активно взаимодействует с историей городов, где он работает или живет. Для воплощения своих проектов Нихиль Чопра с 2002-го года разрабатывает альтернативного вымышленного персонажа, объединяясь с которым он обретает идентичность во времени и пространстве. Его первое альтер-эго Сир Раджа был придуман как принц колониальной Индии, который сохранил в своих привычках аристократический образ жизни, нестандартные увлечения и привязанность к колониальной эстетике. Последний персонаж, в которого во время перформансов перевоплощается художник — Читракар, созданный по образу дедушки самого художника, отучившегося в колледже искусств в Лондоне и вернувшегося затем на родину, чтобы воспеть в пейзажах красоту Кашмира. В нью-йоркском перформансе, который художник проводил на улицах города и в пространстве the New Museum, Чопра пытался передать атмосферу экспериментов, надежд и воодушевления 20-х годов в Америке. Он фиксировал свои ощущения в рисунках, общался с жителями мегаполиса и вовлекал в свое повествование других персонажей и неодушевленные предметы. 58

The Indian artist Nikhil Chopra works not only with performance, but also with drawing, painting, plastic theater, video and costumes, and he actively interacts with past cities in which he has lived or worked. For inspiration, Chopra devised an alter ego in 2002, melding with it to uncover identity and space. His first alter ego, Sir Raj, was devised as a prince of colonial India who maintains an aristocratic way of life, nonstandard passions and an adherence to colonial aesthetics. The last character, into whom Chopra is reincarnated during performances — Chytrakar was inspired by Chopra’s own grandfather, who finished his studies in a London art college and returned to his homeland in order to sing in the beautiful landscapes of Kashmir. In a New York performance that Chopra held on the city streets and in the space of the New Museum, he attempted to convey the atmosphere of experimentation, hope and enthusiasm of America’s 1920s, capturing his impressions in drawings. He mingled with the inhabitants of the metropolis, and he immersed the subjects and other characters in his narrative.

Нихил Чопра «Йог Радж Читракар: Зарисовки по памяти IX». 2009 Цифровая печать Nikhil Chopra “Yog Raj Chitrakar: Memory Drawing IX”, 2009 Digital prints

Датский художник Яспер Юст известен в первую очередь как создатель меланхоличных, обрывающихся на неопределенности видеоработ, которые заигрывают с массовым кино и изображением в нем мужских персонажей. Снимая свои работы на кинопленку, художник привносит в них вдохновение из классических фильмов Антониони, Линча или Бергмана и нанимает одних и тех же актеров, исполняющих драматичные мужские роли. Яспер Юст препарирует традиционную маскулинность в кино и дает своим героям роли чувствительных, необычных, уязвимых мужчин, чьи образы не уживаются с мужественностью в стандартном ее понимании. Фокусируясь на выразительной и тонко выстроенной картинке, Юст придумывает фантазийные повороты сюжета для своего героя, которые так присущи кинематографическому мышлению. Художник монтирует свои видео как эффектные и впечатляющие сцены кино, вырванные из контекста, — его герой танцует на столе перед стариком, вовлекается в противоречивый менаж а труа или заезжает на театральную сцену в тракторе прямо с пшеничного поля. Вырванный из голливудского повествования и растерянный, его герой отражает замешательство современного мужчины, которому приходится сопротивляться фундаментальной культуре и господствующим стереотипам о мужском поведении, навязанным обществу кинематографом. 60

Яспер Юст «Путешествие домой». 2008 Видео. 11 мин. Jesper Just “A Voyage In Dwelling”, 2008 Video. 11 min.

The Danish artist Jesper Just primarily is known as a creator of melancholy, cutting short videoworks of uncertainty that flirt with mass films and the depiction of masculine characters. Shooting his works on film stock, Just injects into them influences from the classic films of Antonini, Bergman or Lynch, or he hires some of the original actors, performing dramatic, masculine roles. Jasper Just dissects traditional masculinity in cinema and gives his heroes roles of sensitive, unusual, vulnerable men whose images do not coexist with manliness in its standard interpretation. Focusing on an expressive and thinly constructed picture, Just devises fantastical plot-twists for his hero that are so intrinsic to the cinematographic thinking. He knocks scenes off balance, wresting them from context — e.g., his hero dances on a table in front of an old man. He involves himself in a contradictory menage a trois, or he drives into a theatrical scene in a tractor directly from a wheat field. Removed from the Hollywood narrative and perplexed, his hero reflects the confusion of a modern man who must resist the fundamental culture and dominating stereotypes from cinema about masculine behavior.

Яспер Юст. «Райское блаженство». 2005 Видео. 8 мин. Jesper Just “Bliss and Heaven”. 2005 Video. 8 min.

Берлинский художник Кристиан Янковски активно вовлекает в свои перформансы соавторов из других сред — будь то польские тяжеловесы, маникюрша из салона в ньюйоркском Чайнатауне, гадалки или телепроповедник. В его работах не только смешаны реальности «неожиданных» людей с разными судьбами и отношением к жизни, но и сами эти персонажи со временем становятся соавторами художественной работы. Сам Янковски вдохновляется социальными ролями, коллективной историей и медийными возможностями, которые искусству дает современность. В его известном перформансе «Телемистика» пятеро предсказателей обсуждали шансы на победу участников Венецианской биеннале. Для создания видеоработы «Зарядка на крыше» художник связался жительницей Чайнатауна, крутившей на крыше хулахуп. При ее поддержке, а также, благодаря помощи муниципальных властей и волонтеров, художник снял ритмичное видео о жизнерадостном и расслабляющем процессе кручения обруча. Работа Янковски с хулахуп-лихорадкой на крыше — это жизнеутверждающий перформанс о спонтанности и коллективности в разделяющем людей враждебном мегаполисе, но где они оказываются в состоянии организоваться ради позитивного единого действия. 62

The Berlin artist Christian Jankowski actively involves in his performances coauthors from other milieu — be they Polish heavyweights, a manicurist from a salon in New York’s Chinatown, fortunetellers or a televangelist. In his works there are not just hybrid-realities of unexpected people with different fates and attitudes to life, but these characters themselves also eventually become coauthors of an artistic work. Jankowski himself is inspired by the social roles, the collective history and the media possibilities that modernity gives to art. In his famous performance “Telemistica”, five prognosticators were discussing the chances of participants winning at the Venice Biennale. In the videowork “Rooftop Routine”, Jankowski got in touch with the twirling hula-hoop of a Chinatown resident, and with the support of that woman, the municipal authorities and volunteers, he filmed a rhythmic video about the buoyant and relaxing process of the twirling of the hoop. His work with the hula-hoop fever on the roof is a life-affirming performance about spontaneity and collectivity in a divided, hostile metropolis of people, where a crowd of people organizes itself for the sake of a single, positive action. Кристиан Янковски «Зарядка на крыше». 2008 Одноканальное видео и двадцать хула-хупов 4 мин. 30 сек. Christian Jankowski “Rooftop Routine”, 2008 Single-channel video and 20 hula-hoops 4 min., 30 sec.

Издание подготовлено к выставке PERFORMANCE NOW. Антология 2000-х Еврейский музей и центр толерантности Москва, 21.11.2013—19.1.2014

Publication for the exhibition PERFORMANCE NOW. Anthology of the 2000s Jewish Museum and Tolerance Center 21.11.2013—19.1.2014, Moscow

Над выставкой работали Куратор РОЗЛИ ГОЛДБЕРГ Главный куратор Еврейского музея и центра толерантности МАРИЯ НАСИМОВА Директор выставочных проектов ГЕНРИКАС ЯСАС Менеджер проекта МАША ТАРАСЕВИЧ Перевод ВАЛЕНТИН ДЬЯКОНОВ, ПИТЕР СПИНЕЛЛА Автор текстов Алиса Таежная Графический дизайн МАРИЯ ИГНАТЬЕВА Макет каталога АЛИНА САУЛОВА Архитектура выставки БЮРО FORM ОЛЬГА ТРЕЙВАС, АСЯ БАРАНОВА Tехнический директор ИЛЬЯ ПОКРОВСКИЙ

Project Team RoseLee Goldberg Curator Chief Curator at Jewish Museum and Tolerance Center Maria Nasimova Exhibition Projects Director Henrikas Yasas Masha Tarasevich Project Manager Translation by Valentin Diaconov, Peter Spinella ALISA TAEZHNAYA Texts Maria Ignatieva Graphic Design ALINA SAULOVA Layout Bureau FORM Exhibition Design Olga Treiwas, Asya Baranova Production Director Ilya Pokrovskiy

ИГОРЬ АВИДЗБА ОКСАНА АЛЕКСЕЕВА МАРГАРИТА ХУТОРЯН Performance Now — передвижная выставка, созданная Международным обществом независимых кураторов (ICI), Нью-Йорк, и организацией Performa, Нью-Йорк. Этот проект стал возможен отчасти благодаря грантам Фонда Горация У. Голдсмита и Фонда визуальных искусств Энди Уорхола. Отдельные благодарности — Совету попечителей ICI и спонсорам «Фонда возможностей» ICI. Все авторские права на изображения принадлежат авторам и Performa

Igor Avidzba Margarita Khutoryan Oksana Alekseeva “Performance Now” is a traveling exhibition co-organized by Independent Curators International (ICI), New York, and Performa, New York. The exhibition and tour are made possible, in part, by grants from the Horace W. Goldsmith Foundation, and the Andy Warhol Foundation for the Visual Arts; the ICI Board of Trustees; and donors to ICI’s Access Fund. All rights for the images belong to artists and Performa

Генеральный партнер: