Rector Enrique Graue Wiechers Secretario General Leonardo Lomelí Vanegas Coordinador de la Investigación William Lee Alardín Director General DGDC César A. Domínguez Pérez Tejada Director de Medios Alfonso Andrés Fernández Medina Subdirectora de Medios Escritos Rosanela Álvarez Ruiz
Editora | Alita Rojas Asistente editorial | Isabelle Marmasse Jefa de redacción | Gloria Valek Coordinador científico | Sergio de Régules Diseño | Alita Rojas Asesoría | Martín Bonfil, Mónica Genis Comercialización | Gabriela García C. Suscripciones | Guadalupe Fragoso Página web | Roberto Ramírez G., José Segovia Edición digital | Atenayhs Castro, Ana Lara, Jorge Trejo, José Luis Yañes Comité editorial Iván Carrillo, Rosa María Catalá, Agustín López Munguía, Alejandro Magallanes, Javier Martínez Staines, Plinio Sosa
El pasado está de moda. Lo está vestir ropa de segunda mano, rescatar muebles, vajillas y objetos de decoración antiguos de los mercadillos, desempolvar los discos de vinilo, poner baldosas con secuencias geométricas y aspecto desgastado en casa... Y en el cine, los videojuegos o los cómics vivimos en la época del reboot y el remake , de las continuaciones, adaptaciones y reinicios de series y sagas, de los documentales y recreaciones históricas. Hay un frenesí por lo ya vivido, por la nostalgia, que no para de impulsar el consumo vintage y retro (son conceptos distintos, aunque a veces se utilicen como sinónimos) en todos los ámbitos. Y no solo es añoranza de juventud pasada, porque la tendencia no se circunscribe a quienes ya vivieron las épocas que ahora se revisitan –los baby boomers, la generación X o la de la EGB–, sino que ha sido adoptada por las nuevas generaciones de jóvenes, incluidos sus hijos. Los innovadores y digitalizados millennials han optado por recuperar los productos de sus predecesores, lo que ha convertido el consumo vintage y retro en un punto de encuentro intergeneracional. 1 | Editorial
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Cine T
Hattie McDaniel
&
(1895–1952)
Fue una actriz y cantante estadounidense, la primera afroestadounidense en ganar un Premio Óscar. Hattie cuenta también con dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, por sus contribuciones radiofónicas y cinematográficas. También es una de las pioneras del movimiento afroestadounidense, llegando a desafiar las convenciones e injusticias de la época
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«Prefiero interpretar a una criada por 700 dólares que ser una por 7»
McDaniel fue la menor de trece hermanos e hija de esclavos lib- En 1940 ganó el Óscar a la mejor actriz de reparto por su pererados. Nació en Wichita, Kansas. Creció en Denver y se unió sonaje de Mammy en Lo que el viento se llevó, marcando un al minstrel show de varietés de su padre y dos hermanos. hito para los logros de la población afroestadounidense. Cantó con la orquesta de George Morrison y en las giras del musical Show Boat en 1929 y 1930.
Sin embargo, dado que la ceremonia de la entrega de premios Oscars se realizó en un hotel con normas de segregación racial, en el que, por lo general, las personas de color no tenían En 1930 se estableció en LA, trabajando de empleada doméstica permitido el ingreso, a McDaniel se le asignó un asiento en una hasta conseguir un pequeño papel en 1932. Su segundo film fue pequeña mesa lejos de sus co-protagonistas. con Mae West, No soy un ángel. Contratada por la Century Fox, en 1934 actuó en The Little Colonel con Shirley Temple y Lionel Barrymore (dirigida por David Butler), en Judge Priest (dirigida por John Ford) y en Alice Adams (con Katharine Hepbu). Actuó en 300 películas aunque sólo se le dio crédito en 80. Se la recuerda por su actuación en 1936 en la película Show Boat junto a Paul Robeson e Irene Dunne.
McDaniel fue encasillada como una empleada doméstica a lo largo de toda su carrera, y, desafortunadamente, su victoria como mejor actriz de reparto no le abrió paso a mejores oportunidades como intérprete. Tuvieron que pasar casi quince años para que otra actriz negra (Dorothy Dandridge) fuese nominada al Óscar de mejor actriz principal.
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Flowers and Trees (1932),
el primer cortometraje estrenado comercialmente producido con la téncica del Technicolory premiado con el premio Óscar al mejor cortometraje de animación Los hermanos Walt y Roy O. Disney, originarios de Kansas City, Misuri, fundaron el Disney Brothers Cartoon Studio en Los Ángeles el 16 de octubre de 1923.1Su primera producción fue una serie llamada Alice Comedies, cortometrajes que presentaban a una joven actriz (en imagen real) en un mundo animado.9La serie fue distribuida por Winkler Pictures de Margaret J. Winkler, que también distribuyó, a partir de 1927,
una segunda serie de cortometrajes totalmente animada, Oswald the Lucky Rabbit, por medio de Universal Pictures.En un inicio, tras su traslado a California, los hermanos Disney comenzaron a trabajar en la cochera de su tío Robert Disney en el 4406 de Kingswell Avenue en el barrio Los Feliz de Los Ángeles. Posteriormente en octubre de 1923, fundaron su estudio en la parte trasera de una oficina inmobiliaria en la misma avenida.
En febrero del siguiente año, el estudio se trasladó al edificio contiguo con una oficina propia. En 1925, Disney dio el depósito de una nueva ubicación en el 2719 de Hyperion Avenue, que sería conocido como Hyperion Studio para distinguirlo de la otra locación, en el cercano barrio de Silver Lake. Finalmente, en enero de 1926, el estudio se trasladó a su nueva ubicación y tomó el nombre de Walt Disney Studio. Walt Disney Studio.
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Mientras tanto, tras el primer año de Oswald, Walt Disney buscó renovar el contrato con Winkler Pictures, pero Charles Mintz, quien se hizo cargo del negocio de Margaret Winkler tras casarse con ella, quiso forzar a Disney a aceptar un menor pago adelantado por cada corto. Aunque Disney se negó, Universal era propietario de los derechos, por lo que Minzt estableció su propio estudio de animación para producir los cortos de Oswald. Y tras la finalización del contrato rn 1928, la gran mayoría del personal de Disney fue contratado por Minzt. Trabajando en secreto mientras el resto del personal finalizaba los cortos de Oswald restantes, Disney y su animador principal, Ub Iwerks, lideraron un pequeño grupo de trabajadores leales y produjeron nuevos dibujos animados con un nuevo protagonista llamado Mickey Mouse.Los primeros dos cortos, Plane Crazy y The Gallopin’ Gaucho, tuvieron preestrenos limitados durante el verano de 1928. No obstante, para el tercer corto, Disney produjo una banda sonora (colaborando con el músico Carl Stalling y con el empresario Pat Powers, quien le proveyó el sistema Cinephone). Por lo tanto, Steamboat Willie se convirtió en el primer corto de Disney con sonido sincronizado. Fue un éxito tras su estreno en noviembre de 1928 en el West 57th Theatre en Nueva York. La serie sonora de Mickey Mouse, distribuida por Powers por medio de Celebrity Productions, rápidamente se hizo la más popular en los Estados Unidos.1617Al año siguiente, el 7 de septiembre, se estrenó una segunda serie sonora de dibujos animados, Silly Symphonies, con el primer corto The Skeleton Dance. El 16 de diciembre de 1929, el estudio fue incorporado bajo el nombre de Walt Disney Productions.19Además se firmó un nuevo contrato de distribución con Columbia Pictures.20En respuesta, Iwerks renunció y comenzó a producir sus propios dibujos animados.21Columbia distribuyó los cortos de Disney durante dos años, al cabo de los cuales, el estudio firmó un nuevo acuerdo con United Artists en 1932. Ese mismo año, Disney pactó con Technicolor un convenio exclusivo de dos años para utilizar su nuevo proceso de tres tiras,22que permitía la reproducción a todo color.23El resultado fue Flowers and Trees (1932), el primer cortometraje estrenado comercialmente producido con esta técnica24y premiado con el premio Óscar al mejor cortometraje de animación.
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La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas también premió a Disney por la creación de Mickey Mouse.Tras su éxito, los cortos de las Silly Symphonies y Mickey fueron producidos de la misma forma. A inicios de la década de 1930, Walt Disney comprendió que las historias exitosas dependían de personajes con personalidades humanas.Buscó transformar la animación, de sus burdos orígenes, a representación de las «historias y sentimientos humanos».Esto le llevó a crear un «departamento de guion», conformado por artistas del guion gráfico dedicados al desarrollo de las tramas.Con personajes bien desarrollados e interesantes historias, Three Little Pigs (1933) se convirtió en un éxito de recaudación y en la cultura popular, al igual que su canción Who's Afraid of the Big Bad Wolf. En 1934, Walt reunió a numerosos miembros clave del personal y anunció sus planeas de producir el primer largometraje animado del estudio. Pese a las burlas de la industria, Disney continuó impertérrito la producción, que fue llamada «Disney’s Folly» («la locura de Disney»), de Snow White and the Seven Dwarfs (1937).Este se convirtió en el primer largometraje animado en inglés y en tecnicolor. En la producción se incluyeron procesos de formación y desarrollo; animadores consagrados, artistas de otros campos y universitarios recién graduados se unieron al estudio para trabajar en el filme. Las clases de entrenamiento, supervisadas por animadores principales como Les Clark, Norm y Art Babbitt e impartidas por Donald W. Graham, un profesor del Instituto de Arte Chouinard, comenzaron en 1932 y fueron expandidas a capacitaciones de orientación y clases de educación continua. Graham y los animadores crearon o formalizaron diversas técnicas y procesos que se convirtieron en principios clave de la animación tradicional.The Goddess of Spring (1934) y The Old Mill (1937) ayudaron a la experimentación de nuevas técnicas como la animación de figuras humanas realistas, efectos especiales y el uso de la cámara multiplano(un invento que dividió en planos el trabajo artístico de animación, permitiendo que la cámara pareciera moverse dimensionalmente a través de las escenas animadas).
Blanca Nieves (1937) fué el primer largometraje animado en Technicolor. Snow White and the Seven Dwarfs, que tuvo un coste de 1.4 millones de dólares, fue un éxito sin precedentes tras su estreno en febrero de 1938. Durante un breve periodo fue la película con la mayor recaudación en la historia; hito superado por Gone with the Wind dos años después, que tuvo una recaudación de ocho millones de dólares en su estreno (el equivalente de 134 033 100 dólares de 1999). En 1935, Mickey Mouse se trasladó al tecnicolor; para ese momento se habían agregado otros personajes, como el perro de Mickey, Pluto, y sus amigos Donald Duck y Goofy.
Darrin es un publicista que se casa con Samatha, pero durante su luna de miel ella le confiesa que puede hacer brujerías moviendo su nariz. Pasan diversas situaciones a causa de sus poderes y para empeorar las cosas, la madre de Samantha, Endora, desaprueba rotundamente el hecho de que su hija esté casada con un mortal. La vecina Gladys a menudo se da cuenta de los hechizos de Samantha, pero su esposo, Abner, tras escuchar acerca de dichas situaciones, las atribuye simplemente a la imaginación de Gladys
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Samantha y Darrin Stephens fueron los primeros en hacer una pareja en TV, con los actores no casados entre sí en la vida real.
Bewitched (Hechizada y La Hechizada en gran mayoría de países de Hispanoamérica y Embrujada en España) es una comedia de situación estadounidense emitida originalmente en ABC desde 1964 hasta 1972, durante ocho temporadas. La serie contó con estrellas como Elizabeth Montgomery, Dick York, Dick Sargent y Agnes Moorehead. La serie sigue viéndose a día de hoy en todo el mundo y es la serie más larga con una temática sobrenatural de los años 1960-1970. En 2002, TV Guide nombró a Bewitched como la 50 mejor serie de televisión de todos los tiempos. Sol Saks, que recibió el crédito como creador del espectáculo, diseñó la historia y escribió el episodio piloto, aunque no participó en el resto del espectáculo. Inicialmente, Danny Arnold, ayudó a desarrollar el estilo y el tono de la serie. Arnold, que escribió en McHale’s Navy y otros espectáculos, el pensamiento de Embrujo de ser esencialmente una comedia romántica acerca de un matrimonio mixto; sus episodios estuvieron al mantenerse el elemento de magia a un nivel mínimo, con uno o dos actos mágicos para conducir a Samantha pero por lo general, la solución de los problemas era no usar la magia, además, muchos de los primeros episodios de la temporada fueron alegóricos, con situaciones sobrenaturales como metáforas claras para los verdaderos problemas de la vida de una joven pareja. Arnold dijo que los dos temas principales de la serie fueron el conflicto entre una poderosa mujer y un marido que no puede hacer frente a ese poder, y la ira de la madre de la novia al ver que su hija se había casado por debajo de ella. Arnold dejó el show después de la primera temporada, dejando la producción de deberes a su amigo Jerry Davis, que ya había producido algunos de los primeros episodios de la temporada. La segunda temporada fue producida por Davis y Bernard Slade con la cabeza como escritor, con una serie episodios de bajo perfil donde la magia no era el elemento frontal y central.
Con la tercera temporada y el paso al color, Davis salió del show, y fue sustituido como productor de William Froug. Slade también se fue después de la segunda temporada. Por su propia admisión, Froug no estaba muy familiarizado con Bewitched y se encontró en la incómoda posición de ser el productor oficial, aunque Asher estaba haciendo la mayor parte de las decisiones creativas. Después de un año, Asher asumió el cargo de tiempo completo productor de la serie para el resto de su carrera. En junio de 1970, Bewitched fue filmada en Salem, Magnolia y Gloucester, Massachusetts, marcó la única vez en que la se grabó fuera de sus estudios de Hollywood, que se habían incendiado. Mejoró el espectáculo en puntuaciones, y la temporada 8 incluyó unas vacaciones para los personajes, pero los episodios fueron filmados en Hollywood. Montgomery quería poner fin a la serie en la quinta temporada, ya que tanto ella como su marido, el productor de espectáculos William Asher, estaban cansados y querían pasar a otros proyectos, pero ABC no quería dejar uno de sus mejores programas. Ofrecieron a ambos importantes aumentos de sueldo, además de parte de la propiedad de la serie, por otras tres temporadas. Para la temporada ocho, las ideas habían comenzado a escasear, con algunas reposiciones de episodios anteriores que se copiaron casi al pie de la letra. Durante la última temporada (1971-1972) Gladys y Abner Kravitz sólo se les mencionaba, el tío Arthur y los padres de Darrin tampoco aparecían. La serie se trasladó los sábados por la noche en enero de 1972, y se enfrentaron contra el exitoso espectáculo All in the Family (Todo en familia). La temporada terminó en el número 46 en los índices de audiencia. ABC tenía planeada una novena temporada, de acuerdo con el contrato de Montgomery y Asher, pero los malos resultados provocaron la cancelación definitiva de la serie.
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FENOMEN En 1992 Nirvana supera con su álbum Nevermind el millón de unidades vendidas y le robaron a Michael Jackson el puesto de la lista de número uno.
A partir de ese momento explota el fenómeno grunge
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NO grunge
Grunge es un género musical que salió a la luz a finales de los años 80 y principios de los 90 en la costa noreste del Pacifico de Estados Unidos y liderada por bandas como Sonic Youth, Pearl Jam, Hole, Soundgarden, Dinosaur Jr. y, sobre todo Nirvana. Sugería angustia, intensidad, nihilismo y cierto desencanto antisistema representado anteriormente por el punk y el hardcore. También fue descrito como puro ruido por la intensidad de guitarras eléctricas, desgarro expresivo y un volumen atronador.
El gusto ostentoso habitual en el rock de los 80 cambió a favor de las camisas escocesas, franelas, jeans gastados y Dr. Martens o Converse.
La moda de aquel momento estaba claramente influenciada por la música y por los grupos más populares del momento. El interés de la prensa especializada en moda y de los fabricantes convirtió en estilo lo que nunca pretendió ser: una tendencia de moda intelectual,
incluso muchas bandas se mostraron incómodas con la popularidad que alcanzó. La ropa que llevaban las bandas era una expresión y la determinación de no comprar en la década de los diseñadores, glamurosa y consumista.
Aunque fue un género musical, paradójicamente, el desinterés de sus seguidores por la moda acabó defendiendo un estilo basado en la búsqueda de lo más barato. Las tiendas de segunda mano se convirtieron en una nueva rama del sector de la moda, y fue el grunge que introdujo la idea de que se podía establecer un estilo propio a partir de ropa usada. Tejanos sucios y rasgados, camisetas con diseños gráficos, camisas extra grandes de franela gruesa de cuadros, jerséis y rebecas holgados, zapatillas básicas o Dr. Martens -que experimentaron un boom de ventas- y el pelo lacio. Un estilo no muy diferente de los jóvenes de la generación X estadunidense. Accesible y cómodo, una moda antimoda de ropa funcional: cubría y abrigaba.
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El BOOM DE LA
PERMANENTE
Los peinados de los años 80 se caracterizaron por presumir una melena de cabello llena de un volumen extremo. En la época de los 80’s el frizz era la sensación, aquellas personas que tenían un cabello difícil de peinar por sus pelos rizados eran las más envidiadas. Los peinados años 80 se llevarón durante mucho tiempo. Totalmente lo contrario a lo que es en la actualidad ya que ahora se usan más peinados originales y fáciles de hacer; esta fue una de las épocas más importantes para la moda ya que los peinados, maquillajes y vestimentas eran extravagantes de colores muy vivos, permitiendo la libre expresión de los diseñadores. Los productos químicos para el cabello, eran muy utilizado, ya que mientras más grande, despeinado y alocado era el cabello mejor, las chicas habitualmente usaban la permanente y sobre esos rizos se aplicaban laca, gel en spray y más, todo lo que fuera necesario para crear estos peinados totalmente fuera de lo común ¿Cómo lograban ese efecto? Con una dosis extrema de spray para cabello. Este producto cumplía de manera excelsa su cometido: mantener el volumen y la textura del cabello por horas. No obstante, de acuerdo con la Academia Americana de Dermatología, los productos de efecto duradero tienen una repercusión negativa en el pelo, ya que provocan que se quiebre y, a la larga, puede ocasionar caída del cabello. Este peinado lucía en diferentes estilos: sujetado en media colita de lado, en colita de fuente o suelto. El estilo más popular fue presumir los vibrantes rizos con la siempre emblemática headband. Un look perfecto para la clase de aerobics. No obstante, ahora tenemos más conocimientos sobre el daño de los los tratamientos químicos le hacen al cabello y al cuero cabelludo. Tanto hacerte el permanente como teñirte el cabello son procesos que debilitan el pelo e incluso pueden provocar su caída.
Sofisticación casual En los 50s se extendió la tendencia de la moda del “americano informal”. Los zapatos y botas fueron modificados con suelas más gruesas pero con siluetas más estrechas, en colores oscuros y con telas gruesas. Se llevaban los zapatos Oxford, Derby y Blucher (los tres son zapatos de cordones similares), también los zapatos Oxford de banda lateral (saddle shoes), los Oxford spectators de dos tonos (negro y blanco, más comunes, o marrón y blanco) y los zapatos de cuero y malla (para el verano). Los zapatos Oxford son zapatos de vestir con el cordón cerrado. Al ir añadiendo punteados, o punzonados, van perdiendo el grado de formalidad. Hay varios tipos de zapatos Oxford: los lisos, son los más formales de todos, normalmente en negro, de piel de becerro y con puntera recta, y menos habitual, de pala lisa, se acompañan siempre al llevar traje; los quarter brogue, o de puntera picada, llevan un punteado decorativo en la costura de la punta del zapato, que es recta (cap toe), son de carácter formal o semiformal; los legate, que son como los anteriores y además tienen punteado en la costura de los cordones; los semi brogue, con punteados en todas las costuras y en la puntera del zapato, que sigue siendo recta (cap toe), son zapatos de sport, se llevan con pantalones de vestir y americana; y los full brogue, o pala vega, también de sport, que son como los anteriores pero tienen la costura de la puntera en forma de M redondeada, también se les llama wingtip, por su semejanza con las alas de las aves. Los spectators combinan dos colores o dos texturas. Pueden ser full brogue (wingtip) o semi brogue (cap toe). Son los típicos zapatos de dos tonos en blanco y negro. Además de los brogues de estilo Oxford también existen brogues en estilo Derby, Blucher y de cierre de hebilla (monk). Los full brogues (pala vega) en tonos tostados van bien con pantalones vaqueros selvedge con dos vueltas estrechas de dobladillo (se puede probar tres), además de con pantalones de vestir.
En verano, en los campus universitarios se llevaban los zapatos blancos, o color marfil, con suela de goma roja. Este tipo de suela fue una novedad, y se colocaban además en los saddle shoes, zapatos de nobuk (más duradero que el ante) y en los zapatos Oxford de colores claros. El toque rojo destacaba llamando la atención. Los zapatos llamados bucks son zapatos Derby o Blucher hechos de piel de nobuk, de ahí proviene buck, de la segunda sílaba de nubuck en inglés.
Los mocasines tienen el origen en los indios nativos norteamericanos. Son zapatos más informales y ligeros. Apareció una nueva clase de suela, el crepé, de caucho rugoso. Estas suelas iban bien con los zapatos Oxford casual, loafers, deportivas, botines de desierto y botines chukka. Estas suelas los hacían confortables, duraderos y antideslizantes. El cuerpo del calzado con estas suelas eran de color marrón chocolate, azul, gris y colores tostados. La piel de reptil, que se usó durante los años de la II Guerra Mundial como alternativa al cuero, volvió en los años 50. Los grabados de caimán fueron los más comunes, tanto auténticos como de imitación. También se llevaban zapatos Oxford de cuero con estampados de caimán con la costura de la puntera recta (cap toe) y la punta cuadrada.
Similar a la piel de reptil eran los zapatos de cuero repujado. Éstos fueron más asociados con el estilo Western o el de los ranchos de California. Algunos zapatos tenían una correa Para el invierno, se llevaba cuero mezclado con con hebilla plateada en el empeine, para lana gruesa (resistente al agua), cuero mezclado imitar las hebillas de los cintos Western. Los con ante, cuero repujado, cuero con piel de patrones del cuero repujado solían ser temas reptil y otras texturas gruesas. Western o grabados de los nativos americanos.
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El sector de las consolas estuvo en peligro de extinción en 1983.
La llamada crisis de los videojuegos era la agonía de las máquinas domésticas. Atari, la primera marca con éxito comercial real, estaba a punto de la bancarrota por exceso de optimismo en el cálculo de las previsiones de éxito de sus nuevos juegos. Decenas de consolas de baja calidad y videojuegos aún peores habían deprimido una industria metida en los hogares desde mediados de los setenta
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La historia de la humanidad está conformada por momentos, detalles e ideas que en un principio pudieron parecer insignificantes e irrelevantes, pero que al pasar del tiempo se convirtieron en puntos de inflexión, detonantes de grandes cambios que llevaron a inesperadas revoluciones que ni el más osado de los profetas podría vaticinar. En la corta pero intensa trayectoria que han tenido los videojuegos podemos encontrar casos así, pero sin duda el más marcado es el que ocasionó Nintendo con su famosa NES en 1985, una máquina que salvó a la industria de los videojuegos del precipicio al que caía de forma vertiginosa tras la fallida segunda generación de consolas. Hay una enorme virtud en reconocer las oportunidades que nacen del fracaso, y en una época confusa para el negocio de los videojuegos, donde las grandes marcas como Atari habían reducido su popularidad, aceptación y sobre todo margen de ganancias en Norteamérica, una entonces pequeña pero ambiciosa compañía radicada en Kyoto apostó por conquistar un nuevo territorio con su consola. La decisión fue trascendental para una industria agonizante, y lo que estaba por venir para Nintendo ni siquiera se acercaba a lo que los desarrolladores japoneses habían proyectado en el mejor de sus escenarios.
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Todo era caos y confusión En 1983 la industria de los videojuegos entró en una crisis que estuvo a punto de borrar todo rastro de un negocio que había pecado de una avaricia desmedida, y a la cual cada vez le faltaba más creatividad para convencer a un público desgastado con títulos y productos de muy mala calidad. Fue así que la burbuja explotó de forma violenta a principios de la década de los ochenta, provocando el cierre de numerosas compañías en el plazo de dos años y un descenso en los beneficios del sector de casi el 97%. La situación ya era insostenible, el final estaba cada vez más cerca y en el horizonte no se vislumbraba algún indicio que mantuviera la esperanza. La segunda generación de consolas había sido liderada por Atari 2600, junto algunas interesantes alternativas como ColecoVision, Magnavox Odyssey o Intellivision y un creciente mercado de ordenadores personales. Con sus virtudes y defectos, en todas y cada una de estas plataformas se encontraba un común denominador que nos permite entender de mejor forma la crisis del ’83 en los videojuegos: ninguna empresa tenía un control de calidad sobre el catálogo de juegos que llegaba a las estanterías de las tiendas. Las consecuencias de no tener estos filtros de garantía sobre los productos fueron demoledoras para las marcas, pues comenzaron a aparecer juegos que priorizaban el tema económico sobre cualquier tipo de experiencia de entretenimiento. Esto hizo que la gente se aburriera y perdiera el interés, al grado que paulatinamente los consumidores comenzaron a alejarse de los videojuegos, cansados de una industria que no estaba dispuesta a brindar buenas experiencias. La sensación de fastidio en los usuarios era más que entendible, pues no solo eran juegos menores los que llegaban sin control al mercado, sino que los grandes estudios y las licencias prestigiosas también añadieron gasolina para que la explosión fuera aún más grande e insostenible. Sólo hay que recordar algunos casos infames como el port de Pac-Man a Atari 2600 o el mil veces mencionado E.T. Auténticos descalabros multimillonarios que evidenciaron que el negocio norteamericano de videojuegos había fallado estrepitosamente.
En 1985, Nintendo presentó una versión totalmente diferente de la Famicom para los jugadores de Estados Unidos. Con la intención de lograr un impacto positivo a nivel de ventas, en la compañía japonesa apostaron por fabricar un “sistema de entretenimiento” en vez de una simple consola de videojuegos. Para ello se apoyaron de un par de aspectos: en primer lugar, un diseño renovado en relación a la versión japonesa, con el aspecto físico de una caja gris y una inserción de cartuchos horizontal que se acercaba más a la apariencia de las videocaseteras de la época. En segundo lugar, la máquina se vendió con periféricos exclusivos tales como una pistola de luz y un accesorio robótico de baterías que respondía físicamente a los destellos de una pantalla. Dicen que nadie escarmienta en cabeza ajena, pero en la “gran N” lo habían hecho y sabían que la experiencia debía ser más completa.
Con sello de calidad Nintendo lo tuvo claro desde el primer instante con la NES: dejar que cualquier desarrollador mancille con malos juegos tu consola no era un camino a seguir. Su respuesta a nivel técnico fue el chip 10NES, un sistema de bloqueo que venía instalado en los modelos occidentales de la Famicom, y que impedía el funcionamiento de software no autorizados dentro de la misma. Por supuesto, como otros tantos sistemas de protección no era infalible, pero fue un primer paso para mostrarle al mundo que la empresa se preocupaba por la experiencia del usuario. Esta decisión se vio reforzada con una campaña de marketing que incluía el mítico sello de calidad que Nintendo integró en sus productos, para indicarle al consumidor, desconfiado ante la cantidad de malas experiencias de los años previos, que podía gastar su dinero con la certeza de que recibiría una consola o juego con los más altos estándares de calidad. En sus campañas publicitarias, Nintendo hizo un enorme énfasis en la importancia de buscar dicho distintivo en los juegos que se compraban, declarando así su firme compromiso de evitar que los jugadores volvieran a vivir una pesadilla de la cual todavía estaban despertando.
Nintendo al rescate Cuando todo parecía perdido para la industria de los videojuegos en América, unos cuantos japoneses estaban determinados a triunfar sobre los errores de sus antecesores. En Japón no inventaron el automóvil, pero estudiaron para saber construirlos, los perfeccionaron y ahora los producen en masa a todo el mundo. Los japoneses son un pueblo dedicado, disciplinado y acostumbrado a hacer las cosas con los más altos estándares de calidad, y en los videojuegos seguirían este camino para revitalizar un negocio que daba su último respiro. En 1983, mientras el negocio se caía a pedazos al otro lado del mundo, Nintendo lanzó al mercado local una consola llamada Family Computer o Famicom. La plataforma gozó de un gran éxito comercial y una enorme aceptación entre el ávido jugador japonés, por lo que los nipones decidieron que era momento de conquistar nuevos mercados y ampliar horizontes con sus máquinas. Norteamérica era el lugar ideal para cumplir dicho propósito, pero antes, había que realizar algunas modificaciones en su producto.
« Este sello asegura que Nintendo ha aprobado y garantiza la calidad de este producto.»
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La compañía japonesa introdujo la narración en los juegos, ahora con argumento complejo. Antes a nadie le importaba por qué Míster PacMan comía cocos sin parar ni por qué le perseguían unos fantasmas. Los juegos estaban basados en la filosofía de las recreativas: simples y de corta duración para que el jugador introdujera monedas sin parar. A partir de entonces, el argumento pasó a formar parte indispensable de la creación. Por eso sagas míticas como Super Mario, Zelda o Final Fantasy, nacidas con NES, siguen siendo títulos de éxito en los nuevos modelos de consola. La estrategia de Nintendo con el NES en Estados Unidos funcionó a la perfección, pues la consola logró triunfar en lo que todos veían como un mercado sin futuro, introduciendo nuevos valores que a la fecha se mantienen como pilares de una industria que en la actualidad es referente cultural y comercial en prácticamente todos los países del mundo. Y fue así que en 1985 Nintendo, con base a control del producto, honestidad y el establecimiento de estándares mínimos de calidad, logró revertir una situación que parecía insalvable.
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Fidel Castro toma el poder
1959 Anuncian los planes para construir las Torres Gemelas
1964
Nace la orquesta La Dimensión Latina
1972
En Chile se produce un terremoto de magnitud 8,0
1985
Nirvana lanza su álbum “Nevermind”
1991
En 1900 varios artistas franceses formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizaron la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes en París, y se llamaron a sí mismos los modernos. El art déco era un estilo opulento, y su exageración se atribuye a una reacción contra la austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial
Ciertos patrones se aplicaron en el diseño de zapatos, las parrillas de radiadores o el diseño del Empire State.
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El art déco inició su apogeo en los años 1920. Aunque muchos movimientos del diseño tienen raíces o intenciones políticas o filosóficas, el art déco era casi puramente decorativo, por lo que se considera un estilo burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el art déco es sólido y posee una clara identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución industrial. Su simbolismo gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la maquinaria. Elegante, funcional y modernista, el art déco fue un avance frente al art nouveau, esta vez exitoso en la generación de un nuevo repertorio de formas acordes con la problemática e imaginería de su tiempo. El art déco era un estilo opulento, y su exageración se atribuye a una reacción contra la austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial. De manera simultánea
a una creciente depresión económica y al fantasma del acercamiento de una Segunda Guerra Mundial, había un deseo intenso por el escapismo. En México la ciudad de Cuernavaca, la colonia Condesa de la Ciudad de México, y otros barrios periféricos mencionados por Malcolm Lowry en Bajo el Volcán siguen el ejemplo, en Colombia la ciudad de Manizales incendiada en 1925 se reconstruyó con la pericia de los arquitectos del momento importados por la clase emergente cafetera y una tras otra todas las ciudades del mundo se regeneraron con su rincón art déco. El movimiento fue perdiendo patrocinio en las metrópolis europeas y norteamericanas mucho después de haber alcanzado una introducción masiva, al punto de ser empleado para representar falsas pretensiones de lujo. Finalmente, el estilo caería en decadencia, dadas las austeridades de la Segunda Guerra.
La imagen actual que tenemos de Santa
es la de un anciano bonachón, con una gran barriga, barba blanca, traje rojo y que viaja en trineo regalando presentes a los niños de todo el mundo. Pero la Historia sitúa la imagen de Santa Claus lejos de este estereotipo
De Nicolás de Bari, un obispo del Siglo IV nacido en Patara -actualmente territorio turco-, nace la historia de Santa Claus. Aunque en su imagen sí que tiene algún matiz rojo, no es el color que destaca. De hecho, en muchas representaciones se le viste de verde. Es delgado y porta estrellas y cruces en su vestimenta. A él se atribuye un milagro que le dio la fama. Según cuentan los historiadores, un padre arruinado se vio obligado a prostituir a sus tres hijas. Nicolás de Bari deslizó unas monedas a través de la chimenea de la casa familiar para paliar su situación de pobreza y que las niñas dejasen de vender su cuerpo. Las monedas cayeron dentro de las medias de lana que las tres hermanas habían colgado para secar en la chimenea. Cuando hacia 1624 inmigrantes holandeses fundaron Nueva Ámsterdam -actualmente Nueva York- también importaron sus costumbres, entre ellas la Fiesta de San Nicolás. En 1809, Washington Irving escribió Historia de Nueva York, una sátira en la que deformó el nombre neerlandés Sinterklaas en la simplificada pronunciación
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angloparlante Santa Claus, como actualmente lo conoce- mos. Distinta es la representación que dos décadas más tarde, en 1823, el poeta Clement Clarke Moore hizo del Santa Claus de Irving. En este caso, definía al personaje navideño como un duende enano y delgado. Como ahora, el duende regalaba juguetes a los niños la víspera de Navidad y conducía un trineo tirado por renos. Con el libro infantil The Life and Adventures of Santa Claus de L. Frank Baum se consagra la figura de Papá Noel como un anciano que reparte regalos en Navidad, con su frondosa barba blanca y su gran barriga, aunque ilustrado con una vestimenta verde con un borde blanco con puntos negros. Esta imagen data del año 1902. En 1931, Coca-Cola encargó a Haddon Sundblom rediseñar a Santa Claus con los colores de la compañía. Y, según cuenta la leyenda, así se ha quedado. De color rojo y completamente pagano, muy alejado del color verde y las cruces que le caracterizaron antaño. El poder de una multinacional que cambio el símbolo de la Navidad para miles de niños en todo el mundo.
Kodomo Manga El mejor momento que vivió el manga se comprende entre los años 1920 y 1930, ya que se enfocó concretamente en los jóvenes y niños
Durante estos años, surgió el género kodomo manga, contando con obras como Las Aventuras de Shochan (1923) de Shousei Oda y Los Tres Mosqueteros con botas en la cabeza (1930) de Taisei Makino y Suimei Imoto. Gracias a esto, se empezó a exportar el manga fuera de Japón como entretenimiento. La lectura del manga se generalizó y se estableció como industria en Japón después de la segunda guerra mundial. Para esa época surgieron también mangas con contenido bélico, como Norakuro (1931) de Suihou Tagawa. Esto se debe a que el medio sufría la influencia de políticas militaristas, y se utilizó para publicar propaganda. Incluso se llegó a prohibir el género bélico cuando los americanos ocuparon Japón en el año 1945, ya que decidieron censurar cualquier cosa que glorificara la guerra y el militarismo japonés, pero dichas políticas no evitaron la publicación de otros materiales, incluyendo el manga. Luego de la ocupación, la constitución japonesa agregó el artículo 21, que prohibía cualquier forma de censura, logrando un crecimiento de la creatividad artística de varios ilustradores. Tras la rendición de Japón, la época que estaba atravesando el país requería métodos de entretenimiento que les permitiera ignorar y olvidar un poco el sufrimiento que habían padecido a causa de la guerra, refugiándose además en imágenes inofensivas o adorables (kawaii). Esto, junto con la cultura juvenil de la televisión, música, filmes y caricaturas, creó una oportunidad de mercado para el manga, sin contar el bajo coste que suponía adquirir uno en la situación económica del momento. Tras la rendición de Japón, la época que estaba atravesando el país requería métodos de entretenimiento que les permitiera ignorar y olvidar un poco el sufrimiento que habían padecido a causa de la guerra. Esto creó una oportunidad de mercado para el manga, sin contar el bajo coste que suponía adquirir uno en la situación económica del momento.
Surgieron también mangas infantiles con contenido bélico
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Amor, drogas y música Nancy y Sid
Sid Vicious, bajista de la banda británica Sex Pistols conoció en 1977 a Nancy Spungen quien sería su novia y mánager. Ese mismo año publicó su primer y único disco Never Mind the Bollocks junto a Johnny Rotten, Steve Jones y Paul Cook. Un año después, Nancy fue encontrada muerta en una tina de baño con puñaladas en el torso. Vicious fue culpado del homicidio, pero él alegó inocencia hasta su muerte por sobredosis de heroína 1979
John Simon Ritchie nació en mayo de 1957 en Londres. Su padre era John Ritchie, un guardia de Palacio de Buckingham con interés por la música que había conocido a Anne, su madre, en la fuerza militar. Pero en este hogar faltaba la marcada disciplina del trabajo. John abandonó a Anne y a su pequeño hijo, y ella decidió trasladarse a Ibiza, donde se dedicó a vender y consumir drogas. Ese fue su legado al pequeño John: ya a los 14 años el joven era su compañero de negocios y «viajes». Ella misma le enseñó cómo inyectarse heroína y cómo vender sin ser detenido, algo que no acabó ni cuando se descubrió que John sufría de trastorno boderline. Nancy tuvo una vida muy diferente. Hija de un par de judíos, vivía en una pequeña ciudad de Estados Unidos que le quedaba pequeña para sus sueños y su violencia. Nancy golpeaba a sus hermanos, les quitaba las cabezas
a las muñecas, atentó contra una niñera e intentó matar a su madre con un martillo. También quiso quitarse la vida en varias ocasiones. Pronto huyó a la Gran Manzana, donde se hizo fanática del alcohol, las drogas y el rock, pero no se sentía a gusto. Empezaba la invasión británica. Londres era su destino. Oscuridad, alcohol, música a todo volumen y la juventud en éxtasis en un pequeño pub, eran escenarios comunes del punk. La década de los 70 en metrópolis anglo como Londres y Nueva York fue semillero de aquel sonido bruto con letras contestatarias. Los Ramones debutaban y The Clash hacía lo suyo con “White Riot”. En paralelo, la capital inglesa veía nacer otra banda cuyo despegue sería tan fugaz como su trayectoria. Sex Pistols.
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John empezó a interesarse por la música. Aprendió a tocar el bajo. Se cambió el nombre a «Sid Vicious» y tocaba en el escenario con un comportamiento errático que encantó a sus seguidores. Esa fama lo hizo llegar a los Sex Pistols, una banda punk que ya era famosa y acababa de dejar ir a su bajista. Nancy se había mudado a Londres, seguía a las bandas del momento. Fue así como llamó la atención de Sid. Pronto se unieron. La mezcla fue explosiva. Según la película biográfica ‘Sid y Nancy’ de Alex Cox, la pareja mantenía una relación dependiente, violenta y bipolar, lo que -sumado a sus excesos- deterioró la carrera de Sid en la banda. Al salirse de Six Pistols, Nancy se convirtió en su manager y lo impulsó a formar una carrera como solista. Aunque no tuvo mucho éxito sí logró un par de canciones reconocidas. Tristemente sus adicciones los llevaron a vivir a ambos en un estado deplorable: vivían en el hotel Chelsea de Nueva York y consumían drogas diariamente. La relación terminó en 1978 cuando Nancy fue encontrada muerta en el baño del hotel con una herida en el abdomen. Sid fue acusado de asesinato en segundo grado pero fue puesto en libertad bajo fianza. 10 días después Sid decidió cortarse las muñecas pero fue trasladado a un hospital. Allí intentó lanzarse por la ventana gritando:
«¡Quiero estar con mi Nancy!» Existen varias teorías sobre la muerte de la joven: La pareja tenía un pacto de suicidio que Vicious se negó a cumplir. Esto habría enfurecido a Nancy quien lo amenazaría con un cuchillo, forcejearon y ella terminó con la herida mortal. Otra teoría se basa en el testimonio inicial del joven, quien aseguró que habían consumido drogas, discutido y la había matado pero no lo recordaba hasta que despertó y la encontró muerta. Según el documento legal de la defensa, al ver el cadáver, él se desesperó y llamó a la recepción del hotel. Sin embargo, después se retractó y aseguró que era inocente. Fue puesto en libertad bajo fianza. También se dice que un narcotraficante pudo haberla asesinado por no pagar el dinero que le debía. Poco tiempo después, el músico fue arrestado por una pelea y en la cárcel sufrió una desintoxicación. En su fiesta de bienvenida al salir de prisión le ofrecieron heroína. Sid se inyectó una dosis que su cuerpo no soportó y falleció en la madrugada mientras dormía.
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Una banda virtual es un grupo musical ficticio cuyos miembros no se representan como corpóreo músicos sino personajes animados. Aunque el concepto de banda virtual fue demostrado por primera vez por Alvin y las ardillas en 1958, el término banda virtual fue popularizado con Gorillaz en 2000
Damon Albarn y el historietista Jamie Hewlett se conocieron en 1990 cuando Graham Coxon, fanático del trabajo de Hewlett, le pidió entrevistar a Blur, la banda que Coxon y Albarn recién habían formado. La entrevista fue publicada en la revista Deadline, la que publicaba Tank Girl, historieta creada por Hewlett. Hewlett inicialmente creyó que Albarn era, en sus propias palabras “un sonso”, pese a ser conocido de la banda, no se llevaban bien, especialmente cuando Hewlett empezó a salir con la ex-novia de Coxon, Jane Olliver.2Pese a esto, Albarn y Hewlett compartían una casa en Westbourne Grove en Londres en 1997. Hewlett había terminado su relación con Olliver y Albarn había hecho lo mismo con Justine Frischmann de Elastica.
«Si miras MTV por mucho tiempo, es un poco como diablos, ahí no hay nada de sustancia. Así que tuvimos la idea de una banda de cartoons»
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Los Mientras Hewlett y Albarn veían MTV, tuvieron la idea de crear la banda. En una entrevista se comentó: “Si tú miras MTV por mucho tiempo, es un poco como diablos - ahí no hay nada de sustancia. Así que tuvimos la idea de una banda de cartoons, algo que sería como una opinión sobre eso.”3La banda inicialmente se identificó como “Gorillaz” y el primer tema que grabaron fue “Ghost Train”, el cual fue posteriormente lanzado como un lado B de su sencillo “Rock the House” y como parte del compilado de lados B, G Sides. Los músicos detrás de la primera encarnación de Gorillaz incluían a Albarn, Del the Funky Homosapien, Dan the Automator y Kid Koala, quienes trabajaron previamente juntos en la canción “Time Keeps on Slipping” para el disco debut de Deltron 3030. El primer lanzamiento de la banda fue el EP Tomorrow Comes Today, lanzado en 2000. Por otro lado, el primer sencillo de la banda fue “Clint Eastwood” y fue lanzado el 5 de marzo de 2001, alcanzando el puesto 4 en el Reino Unido. Fue producido por Dan the Automator e originalmente incluyó a Phi Life Cypher, aunque la versión que aparece en el álbum incluye al rapero Del the Funky Homosapien, quien hace en el álbum el papel del fantasma que vive dentro del baterista Russel Hobbs. Luego ese mismo mes, el primer
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álbum homónimo fue lanzado junto a cuatro jodan, nos sentaremos sobre la idea, hasta que sencillos: “Clint Eastwood”, “19-2000”, “Tomor- podamos hacerlo nosotros mismos, y quizás row Comes Today”, y “Rock the House”. incluso ganar el dinero nosotros mismos”. A fin de año, Gorillaz, junto a D12 (sin Eminem) y Terry Hall colaboraron en la canción “911”, que trata sobre el atentado del 11 de septiembre. Gorillaz se presentó en los Brit Awards de 2002 en Londres el 22 de febrero, apareciendo como animación 3D en cuatro enormes pantallas junto a Phi Life Cypher. La banda fue nominada para cuatro premios, incluyendo a mejor grupo británico, mejor álbum británico y grupo revelación británico, pero no ganó ninguna de las cuatro nominaciones. El primer disco fue triple platino en Reino unido y platino en los Estados Unidos y vendió más de 7 millones de copias a nivel mundial. En noviembre de 2002, un DVD titulado Phase One: Celebrity Take Down fue lanzado. Circulaban rumores en la época que el equipo detrás de Gorillaz estaban preparando una película, pero Hewlett dijo que dicho proyecto había sido abandonado: “Perdimos todo el interés haciéndolo, mientras empezamos a hacer reuniones con los estudios, y hablando con esos tipos de ejecutivos de Hollywood, no estábamos en la misma página. Dijimos, que se
La crítica generalmente ha descrito la música de Gorillaz como art pop,rock alternativo, trip rock,3 electrónica,pop, trip hop,dark pop, hip hop alternativo,rap Rock, indie rock, bedroom pop, dance-rock,new wave, funky worldbeat.La estética de la banda y su enfoque general ha sido descritos como posmoderno. De acuerdo a Allmusic Gorillaz hace una mezcla de britpop y hip-hop, mientras que The Guardian describe la banda como «un hibrido entre dub, hip-hop, lo-fi indie y música del mundo».Según PopMatters, el trabajo temprano de la banda presagió «la fusión de los elementos del trip-hop, rock, y electrónica en la música pop» que crecería significantemente en la siguiente década.